Ronnie Cuber And Gary Smulyan • Tough Baritones

 

It seems pretty undisputed that Gary Smulyan and Ronnie Cuber are two of the greatest living titans of the baritone saxophone. They each have a long discography and incredible career. And we are fortunate to have a new album out this week that features both of them. This isn’t the first time they’ve played together or even recorded together. The album ‘Three Baritone Band Plays Mulligan’ is listed on my 5 essential listening albums page and feature both Gary and Ronnie – as well as Nick Brignola. Interestingly that band toured a bit and the great Howard Johnson could also sometimes be seen with that band.

‘Tough Baritones’ was released this week on the Danish SteepleChase label, on which you will also find a number of other records from both Gary and Ronnie. Though I find it incredibly difficult to find any actual information about this label, or about the albums. Almost like the label goes out of its way to make sure very little information can be found even after the albums are released for sale. But regardless, the album is available on streaming platforms, or if you’re like me and enjoy a physical copy that can be found on amazon here.

This album to me is very reminiscent of a period of jazz that had a huge influence on both of the leaders here. The whole album, but especially the first couple tracks bring back the vibe of Leo Parker recordings, and some of the great two saxophone albums with the likes of Jug (Gene Ammons) and Stitt (Sonny Stitt). This is largely reflected in the tune choice and feel of those songs. A lot of singing blueses and almost boogaloo type feels, as well as some classic Cuber favorite standards – ‘Nica’s Dream’ and ‘Lover’. No sign of a ballad in sight, but that’s just as well since we’re all here for the fire anyways.

If I am going to be incredibly objective, I’d say that Ronnie’s playing doesn’t quite have the fire that he may have had in his prime, but he is by no means at all unenjoyable here. He plays with fire and still shows why he has been one of the leading influences on the baritone for decades. Also if we are going to compare him to most 78 year old saxophonists, he is probably nearly the best in the world. Gary’s playing is top notch and while connoisseurs of the baritone will easily tell their styles apart, they both approach the music with considerable force.

Recording quality wise, having been fortunate to sit right in front of both of their bells in person, it seems to me that the recording captured Gary’s sound a bit more accurately. Ronnie’s mix on the record feels a little distantly recorded. Otherwise the sound of the album is excellent, the two baritonists are panned separately left (Cuber) and right (Smulyan) to help differentiate further. They got a great rhythm section to back the front men. Gary Versace on piano, Jay Anderson on bass, and Jason Tiemann on drums.

I think anyone with an interest in jazz or baritone saxophone, (let alone those at this site that are likely interested in both) should probably head directly to their nearest music provider and check out this album from the royalty of jazz bari sax.
by  JazzBariSax Curator, Andrew Hadro
https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/

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Parece indiscutible que Gary Smulyan y Ronnie Cuber son dos de los mayores titanes vivos del saxofón barítono. Cada uno de ellos tiene una larga discografía y una carrera increíble. Y tenemos la suerte de contar con un nuevo álbum que sale esta semana y que cuenta con la participación de ambos. No es la primera vez que tocan juntos ni que graban juntos. El álbum 'Three Baritone Band Plays Mulligan' aparece en mi página de 5 álbumes imprescindibles para escuchar y en él aparecen tanto Gary como Ronnie, además de Nick Brignola. Curiosamente, esa banda hizo algunas giras y el gran Howard Johnson también podía ser visto a veces con esa banda.

'Tough Baritones' ha salido esta semana en el sello danés SteepleChase, en el que también encontrarás otros discos tanto de Gary como de Ronnie. Aunque me resulta increíblemente difícil encontrar información real sobre este sello, o sobre los discos. Casi como si el sello se esforzara en asegurarse de que se pueda encontrar muy poca información incluso después de que los álbumes se pongan a la venta. Pero a pesar de todo, el álbum está disponible en plataformas de streaming, o si eres como yo y disfrutas de una copia física que se puede encontrar en amazon aquí.

Este álbum para mí es muy reminiscente de un período de jazz que tuvo una gran influencia en los dos líderes aquí. Todo el álbum, pero especialmente los primeros temas, me recuerdan a las grabaciones de Leo Parker, y a algunos de los grandes álbumes de dos saxofones con gente como Jug (Gene Ammons) y Stitt (Sonny Stitt). Esto se refleja en gran medida en la elección de las melodías y el sentimiento de esas canciones. Mucho blues cantado y sensaciones casi de tipo boogaloo, así como algunos estándares clásicos favoritos de Cuber: 'Nica's Dream' y 'Lover'. No hay rastro de una balada a la vista, pero menos mal, ya que todos estamos aquí por el fuego de todos modos.

Si voy a ser increíblemente objetivo, diría que la forma de tocar de Ronnie no tiene el fuego que podía tener en su mejor momento, pero no es para nada desagradable aquí. Toca con fuego y sigue demostrando por qué ha sido una de las principales influencias del barítono durante décadas. Además, si vamos a compararlo con la mayoría de los saxofonistas de 78 años, probablemente sea casi el mejor del mundo. La forma de tocar de Gary es de primera categoría y, aunque los conocedores del barítono distinguirán fácilmente sus estilos, ambos abordan la música con una fuerza considerable.

En cuanto a la calidad de la grabación, después de haber tenido la suerte de sentarme delante de las campanas de ambos en persona, me parece que la grabación capturó el sonido de Gary con un poco más de precisión. La mezcla de Ronnie en el disco se siente un poco distante en la grabación. Por lo demás, el sonido del disco es excelente, los dos baritonistas están paneados por separado a la izquierda (Cuber) y a la derecha (Smulyan) para ayudar a diferenciarlos más. Tienen una gran sección rítmica para respaldar a los delanteros. Gary Versace al piano, Jay Anderson al bajo y Jason Tiemann a la batería.

Creo que cualquiera que tenga interés en el jazz o en el saxofón barítono, (por no hablar de aquellos en este sitio que probablemente estén interesados en ambos) probablemente debería dirigirse directamente a su proveedor de música más cercano y comprobar este álbum de la realeza del saxo bari de jazz.
por JazzBariSax Curator, Andrew Hadro
https://jazzbarisax.com/a-new-album-with-gary-smulyan-and-ronnie-cuber/


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Gary Smulyan Quartet • Royalty at Le Duc

 

Review from DownBeat Magazine:
Recorded live at the Paris jazz club Le Duc des Lombards during baritone saxophonist Gary Smulyan's fall 2015 European tour, this highly recommended album features today's top bari sax practitioner stretching way out on long, adventurous bebop solos and wailing tenderly over slow progressions in a quartet session that features the fine rhythm section of French pianist Olivier Hutman, Italian bassist Michel Rosciglione and Austrian drummer Bernd Reiter. Smulyan, who topped the Baritone Saxophone category of the 2016 DownBeat Critics Poll, demonstrates why he's regarded as the beboppingest bari player to come along since Pepper Adams.
https://downbeat.com/reviews/detail/royalty-at-le-duc

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Reseña de la revista DownBeat:
Grabado en vivo en el club de jazz parisino Le Duc des Lombards durante la gira europea de otoño de 2015 del saxofonista barítono Gary Smulyan, este álbum muy recomendado presenta al mejor practicante actual del saxo barítono extendiéndose en largos y aventureros solos de bebop y lamentándose tiernamente sobre progresiones lentas en una sesión de cuarteto que cuenta con la excelente sección rítmica del pianista francés Olivier Hutman, el bajista italiano Michel Rosciglione y el baterista austriaco Bernd Reiter. Smulyan, quien encabezó la categoría de Saxofón Barítono en la Encuesta de Críticos de DownBeat 2016, demuestra por qué es considerado el intérprete de barítono más bebop que ha surgido desde Pepper Adams.
https://downbeat.com/reviews/detail/royalty-at-le-duc

Gary Smulyan • Smul's Paradise

By DAN BILAWSKY, Published: January 22, 2012

While the tenor saxophone is no stranger to organ group gatherings, its big brother rarely comes to the party. It's hard to say whether a lack of interest amongst baritone saxophonists, insufficient opportunities for such combinations, or a paucity of players capable of pulling it off is responsible for this issue, but Gary Smulyan won't stand for it any longer.

Smulyan, best known for his work with the legendary Vanguard Jazz Orchestra, has never been one to shy away from an opportunity to explore new surroundings. While he initially put his alto away and took on the mantle of a baritone saxophonist for the opportunity to join Woody Herman's band in the late '70s, it proved to be a career-altering experience and he's been one of the busiest baritones in the business ever since. He has blended his instrumental voice into the fabric of big bands, piano-less trios and various other ensembles both big and small, but Smul's Paradise marks the first time that he fronts an organ group on record.

His capable comrades on this mission are some of his closest friends, who also happen to be the cream of the crop on the New York scene. While this marks the first time that Smulyan, guitarist Peter Bernstein, organist Mike LeDonne and drummer Kenny Washington have teamed up to form a quartet, shared experiences between some of these musicians on and off the bandstand make this a comfortable fit from the get-go. The entire album may have been recorded in one day, with no rehearsal time and minimal retakes, but the finished product never betrays these facts.

The eight tracks on the album hit on all of the stylistic touchstones to be expected in this setting. Balladry ("Aires" ), bop-ish saxophone lines ("Smul's Paradise" ), Brazilian-flavored fare ("Pistaccio" ), swaggering, hard bop-based music ("Up In Betty's Room" ) and more come into play, as Smulyan explores the possibilities that live within this format. He also toys with preexisting material, as he re-imagines Bobby Hebb's "Sunny" as a waltz and creates a hybrid of "Seven Steps To Heaven" and "My Shining Hour" on the album-ending "Heavenly Hours." Along the way, Smulyan also pays tribute to a pair of oft-overlooked organists. Don Patterson gets his due with performances of two of his songs ("Up In Betty's Room" and "Aires" ) and an original written in his honor ("Blues For D.P." ), while Rhoda Scott gets a nod with "Pistaccio."

Smul's Paradise features some first-rate music, while showing off another facet of Smulyan's musicianship and filling a musical void left open by many baritone saxophone bearers of the past and present. Smulyan and company succeed on all fronts here, making this a sequel-worthy session.

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Por DAN BILAWSKY, publicado el 22 de enero de 2012

Si bien el saxofón tenor no es ajeno a las reuniones de grupos de órganos, su hermano mayor rara vez viene a la fiesta. Es difícil decir si la falta de interés entre los saxofonistas barítonos, las oportunidades insuficientes para tales combinaciones o la escasez de jugadores capaces de lograrlo son los responsables de este problema, pero Gary Smulyan ya no lo soportará.

Smulyan, mejor conocido por su trabajo con la legendaria Orquesta de Jazz Vanguard, nunca ha tenido oportunidad de huir de la oportunidad de explorar nuevos entornos. Aunque inicialmente dejó su alto y tomó el manto de un saxofonista barítono por la oportunidad de unirse a la banda de Woody Herman a finales de los 70, resultó ser una experiencia que cambió su carrera y ha sido uno de los barítonos más ocupados en el negocio. desde entonces. Él ha mezclado su voz instrumental con el tejido de grandes bandas, tríos sin piano y varios otros conjuntos grandes y pequeños, pero Smul's Paradise marca la primera vez que lidera un grupo de órganos registrado.

Sus compañeros capaces en esta misión son algunos de sus amigos más cercanos, que también son la crema de la cosecha en la escena de Nueva York. Si bien esta es la primera vez que Smulyan, el guitarrista Peter Bernstein, el organista Mike LeDonne y el baterista Kenny Washington se unen para formar un cuarteto, las experiencias compartidas entre algunos de estos músicos dentro y fuera del quiosco de música hacen que este sea un ajuste cómodo desde el principio. . Es posible que el álbum completo se haya grabado en un solo día, sin tiempo de ensayo y con una recuperación mínima, pero el producto terminado nunca revela estos hechos.

Las ocho pistas en el álbum impactaron en todas las piedras de toque estilísticas que se esperan en esta configuración. Balladry ("Aires"), líneas de saxofón bop-ish ("Smul's Paradise"), comida con sabor brasileño ("Pistaccio"), música impresionante, basada en el bop duro ("Up In Betty's Room") y más entran en juego. como Smulyan explora las posibilidades que viven dentro de este formato. También juega con material preexistente, mientras vuelve a imaginar "Sunny" de Bobby Hebb como un vals y crea un híbrido de "Seven Steps To Heaven" y "My Shining Hour" en el final del álbum "Heavenly Hours". En el camino, Smulyan también rinde homenaje a un par de organistas que a menudo se pasan por alto. Don Patterson obtiene lo que le corresponde con la interpretación de dos de sus canciones ("Up In Betty's Room" y "Aires") y un original escrito en su honor ("Blues For D.P."), mientras que Rhoda Scott consigue un guiño con "Pistaccio".

Smul's Paradise presenta música de primer nivel, mientras que muestra otra faceta de la musicalidad de Smulyan y llena un vacío musical dejado por muchos baritones saxofonistas del pasado y el presente. Smulyan y la compañía tienen éxito en todos los frentes aquí, haciendo de esta una sesión digna de secuela.

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Gary Smulyan Quintet • The Lure of Beauty

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Gene Harris • Superband - Big Band Soul

 

Gary Smulyan And Brass • Blue Suite

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Gary Smulyan • Tadd's All, Folks

 

A really unique take on the music of jazz legend Tadd Dameron – a set that focuses entirely on vocal versions of his compositions – a side of Dameron's legacy that's sometimes overlooked! Tadd wasn't that much of a lyricist himself – although he did do two of the songs here – while others are written by Irving Reid, Bernie Hanighen, and Jack Reynolds – all with a mix of lyrics that really fit the famous modern idiom in Dameron's music – delivered instrumentally by a core combo that features Gary Smulyan on plenty of strong baritone sax solos, with Pete Malinverni on piano, David Wong on bass, and Matt Wilson on drums. Anais Reno handles all the vocals – and titles include "Sweet Life", "Never Been In Love", "Whatever Possessed Med", "Weekend", "Lovely One In The Window", and "You're A Joy".  © 1996-2023, Dusty Groove, Inc.
https://www.dustygroove.com/item/129258/Gary-Smulyan-with-Anais-Reno:Tadd-s-All-Folks

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Una visión realmente única de la música de la leyenda del jazz Tadd Dameron - un conjunto que se centra por completo en las versiones vocales de sus composiciones - ¡un lado del legado de Dameron que a veces se pasa por alto! Tadd no era un gran letrista - aunque hizo dos de las canciones aquí - mientras que otras están escritas por Irving Reid, Bernie Hanighen, y Jack Reynolds - todos con una mezcla de letras que realmente encajan en el famoso lenguaje moderno de la música de Dameron - entregado instrumentalmente por un combo central que cuenta con Gary Smulyan en un montón de fuertes solos de saxo barítono, con Pete Malinverni al piano, David Wong al bajo, y Matt Wilson a la batería. Anais Reno se encarga de todas las voces - y los títulos incluyen "Sweet Life", "Never Been In Love", "Whatever Possessed Med", "Weekend", "Lovely One In The Window", y "You're A Joy".  1996-2023, Dusty Groove, Inc.
https://www.dustygroove.com/item/129258/Gary-Smulyan-with-Anais-Reno:Tadd-s-All-Folks


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Joe Lovano • 52-Th Street Themes

 

2001 Grammy Award Winner for Best Large Jazz Ensemble Album, Jazz Journalists Awards Album of the Year

The music on 52nd Street Themes holds a deep, personal meaning for saxophonist Joe Lovano. It’s as though Lovano had worked his entire life to prepare for the work he did in 2000’“culminating in the rich, expansive Nonet charts of 52nd Street Themes, written by long-time Cleveland veteran Willie Smith.

Fronting a four-man sax section, Joe blasts through such strong Dameronia as The Scene Is Clean and Tadd’s Delight, refreshes the indelible lyricism of Dameron’s lovely If You Could See Me Now, and, in an intimate duet with pianist John Hicks, one of Joe’s favorite pianists, velvetizes Billy Strayhorn’s lush Passion Flower.

It also features Miles Davis’ early “Sippin’ at Bells”; Lovano’s homage to Charlie Parker, the complex “Charlie Chan,” a three-way saxophone conversation between Lovano and fellow tenormen George Garzone and Ralph Lalama that’s punctuated by Lewis Nash’s pinpoint drums; “Abstractions on 52nd Street,” Lovano’s extrapolation and embellishment of a Thelonious Monk line; and George Gershwin’s “Embraceable You,” plushly orchestrated by Willie “Face” Smith and lovingly performed by Lovano.
Others contributing sax are Gary Smulyan (baritone) and Steve Slagle (alto); Tim Hagans and Conrad Herwig play trumpet and trombone, respectively, while Dennis Irwin handles bass. Like many other Lovano records, this hews close to tradition but updates it effectively. Besides the fervor of the playing ‘” Smith says he would’ve played saxophone, but these New York players were much better prepared ‘” the song selection is astute, Lovano’s originals are solid, and Smith’s sole compositional contribution, “Deal,” is tasty indeed.

Evoking the spirits of Tadd Dameron, Thelonious Monk, Billy Strayhorn, Miles Davis, Charlie Parker, Ernie Henry and George Gershwin, this album conveys the spirit of bebop as a living tradition, reveling in the collective camaraderie of a smallish ensemble that projects all the harmonic opulence of a big band.
http://www.joelovano.com/albums/detail/19/52nd-Street-Themes

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Ganador del Premio Grammy 2001 al Mejor Álbum de Conjunto de Jazz, Álbum del Año de los Premios de los Periodistas de Jazz

La música de 52nd Street Themes tiene un significado profundo y personal para el saxofonista Joe Lovano. Es como si Lovano hubiera trabajado toda su vida para preparar el trabajo que hizo en el año 2000''culminando en los ricos y expansivos gráficos Nonet de 52nd Street Themes, escritos por el veterano de Cleveland Willie Smith.

Al frente de una sección de saxos compuesta por cuatro hombres, Joe hace estallar Dameronia como The Scene Is Clean y Tadd's Delight, refresca el lirismo indeleble de la encantadora If You Could See Me Now de Dameron y, en un dúo íntimo con el pianista John Hicks, uno de los pianistas favoritos de Joe, aterciopela la exuberante Passion Flower de Billy Strayhorn.

También incluye el primer "Sippin' at Bells" de Miles Davis; el homenaje de Lovano a Charlie Parker, el complejo "Charlie Chan", una conversación a tres bandas de saxofón entre Lovano y sus compañeros George Garzone y Ralph Lalama, puntuada por la precisa batería de Lewis Nash; "Abstractions on 52nd Street", extrapolación y embellecimiento de Lovano de una línea de Thelonious Monk; y "Embraceable You" de George Gershwin, orquestada por Willie "Face" Smith e interpretada con cariño por Lovano.
Otros saxos que contribuyen son Gary Smulyan (barítono) y Steve Slagle (alto); Tim Hagans y Conrad Herwig tocan la trompeta y el trombón, respectivamente, mientras que Dennis Irwin se encarga del bajo. Como muchos otros discos de Lovano, éste se ciñe a la tradición, pero la actualiza con eficacia. Además del fervor de la interpretación '" Smith dice que habría tocado el saxofón, pero estos músicos neoyorquinos estaban mucho mejor preparados'", la selección de canciones es astuta, los originales de Lovano son sólidos, y la única contribución compositiva de Smith, "Deal", es realmente sabrosa.

Evocando los espíritus de Tadd Dameron, Thelonious Monk, Billy Strayhorn, Miles Davis, Charlie Parker, Ernie Henry y George Gershwin, este álbum transmite el espíritu del bebop como una tradición viva, deleitándose con la camaradería colectiva de un conjunto pequeño que proyecta toda la opulencia armónica de una gran banda.
http://www.joelovano.com/albums/detail/19/52nd-Street-Themes


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Jon Faddis • Teranga

 

Review by Matt Collar
After an extended layoff from studio recording, trumpeter Jon Faddis returns with Teranga. Taking its name from the Senegalese word for "hospitality," the album is an inspired and straightforward post-bop album and features Faddis in top form. Often driven by thick, acoustic basslines via Kiyoshi Kitagawa, Faddis' compositions are lush, visceral, and funky pieces that reveal the often flashy trumpeter's more enigmatic and thoughtful inclinations. Longtime fans shouldn't fear, though, as Faddis' sparkling tone and trademark monumental range remain intact and are showcased throughout. Besides his superb backing ensemble that includes pianist David Hazeltine and drummer Dion Parson, Faddis has also brought along such sympathetic collaborators as Senegalese percussionists Abdou M'Boup and Alioune Faye as well as baritone saxophonist Gary Smulyan, trumpeter Clark Terry, and others.
https://www.allmusic.com/album/teranga-mw0000448700

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Reseña de Matt Collar
Tras un largo paréntesis de estudio, el trompetista Jon Faddis regresa con Teranga. El álbum, que toma su nombre de la palabra senegalesa que significa «hospitalidad», es un álbum post-bop inspirado y directo y presenta a Faddis en plena forma. A menudo impulsadas por gruesas líneas de bajo acústicas a través de Kiyoshi Kitagawa, las composiciones de Faddis son piezas exuberantes, viscerales y funky que revelan las inclinaciones más enigmáticas y reflexivas del trompetista, a menudo llamativo. Sin embargo, los fans de siempre no deben temer, ya que el tono chispeante de Faddis y su monumental registro característico permanecen intactos y se muestran a lo largo de todo el disco. Además de su magnífico grupo de acompañamiento, que incluye al pianista David Hazeltine y al batería Dion Parson, Faddis también ha contado con colaboradores tan simpáticos como los percusionistas senegaleses Abdou M'Boup y Alioune Faye, así como el saxofonista barítono Gary Smulyan y el trompetista Clark Terry, entre otros.
https://www.allmusic.com/album/teranga-mw0000448700

 

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Walt Weiskopf • Day In Night Out

 

Biography
Saxophonist, composer and author Walt Weiskopf began his New York career performing with the Buddy Rich Big Band in 1981 at the age of 21. Since then, he has made an impressive mark as both a leader and sideman with 20 critically-acclaimed CDs and countless sideman credits, including performing and recording with Buddy Rich, Frank Sinatra, Steely Dan, Donald Fagen, Boz Scaggs and Michael McDonald.

A dynamic player with enormous technical prowess, Walt is equally well regarded as a composer. His recordings as leader contain predominantly original work with unique interpretations of standards always in the mix. Walt’s seven books on jazz improvisation are among the most respected in the field.

Whether for quartet, nonet, or any configuration in between, Walt’s compositions and arrangements have attracted fans and critical notice.

Simplicity (Criss Cross Jazz-1993), met with immediate success. It was number one on Eurojazz radio for four straight weeks and inspired Mel Martin of Saxophone Journal to write: “Walt Weiskopf’s prime influence as a player appears to be John Coltrane, but he is no slavish imitator. He gets to musical matters in a powerful and positive way, asserting a definite viewpoint… He displays much technical accomplishment, yet makes it sound basic and accessible.”

Walt’s Song for My Mother (Criss Cross Jazz-1996), was awarded four stars in Downbeat Magazine. Bret Primack of Jazz Central Station listed Song for My Mother as one of the ten best jazz albums of 1997 and Crusader Magazine chose this recording as its number one Jazz Pick of the Year.

Walt’s subsequent recordings, from A World Away in 1994 (Criss Cross Jazz) to the most recent Fountain Of Youth (Posi-tone-2017), have also caused a critical stir.

In the September 1997 issue of JazzTimes, Bill Milkowski counted Walt among his “five most underrated players;” by 2000, Milkowski found that Walt had fulfilled his early promise, and is “…a major talent…a monster tenor saxophonist as well as a prolific composer and accomplished arranger.” Blaine Fallis’ review of Open Road (Posi-tone 2015) in All About Jazz said “Weiskopf is freed up to take off on an improvisatory spectacle that paints the story of his great talent.” About his most recent offering, a 2017 review in the New York City Jazz Record stated “…Fountain of Youth (Posi-tone 2017) could only have come from someone with broad experience in music and life…Weiskopf understands it all.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/walt-weiskopf

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Biografía
El saxofonista, compositor y autor Walt Weiskopf comenzó su carrera en Nueva York actuando con la Buddy Rich Big Band en 1981, a la edad de 21 años. Desde entonces, ha dejado una huella impresionante como líder y acompañante con 20 CD aclamados por la crítica e innumerables créditos como acompañante, incluyendo actuaciones y grabaciones con Buddy Rich, Frank Sinatra, Steely Dan, Donald Fagen, Boz Scaggs y Michael McDonald.

Walt es un intérprete dinámico con una enorme destreza técnica, y está igualmente bien considerado como compositor. Sus grabaciones como líder contienen predominantemente obras originales con interpretaciones únicas de estándares siempre en la mezcla. Los siete libros de Walt sobre improvisación jazzística se encuentran entre los más respetados del sector.

Ya sea para cuarteto, noneto o cualquier configuración intermedia, las composiciones y arreglos de Walt han atraído a los aficionados y a la crítica.

Simplicity (Criss Cross Jazz-1993) tuvo un éxito inmediato. Fue número uno en la radio Eurojazz durante cuatro semanas seguidas e inspiró a Mel Martin de Saxophone Journal a escribir: "La principal influencia de Walt Weiskopf como intérprete parece ser John Coltrane, pero no es un imitador servil. Llega a los asuntos musicales de una manera poderosa y positiva, afirmando un punto de vista definido... Despliega muchos logros técnicos, pero los hace sonar básicos y accesibles".

Walt's Song for My Mother (Criss Cross Jazz-1996), fue galardonado con cuatro estrellas en la revista Downbeat. Bret Primack, de Jazz Central Station, incluyó Song for My Mother entre los diez mejores álbumes de jazz de 1997 y Crusader Magazine eligió esta grabación como su Jazz Pick número uno del año.

Las grabaciones posteriores de Walt, desde A World Away en 1994 (Criss Cross Jazz) hasta la más reciente Fountain Of Youth (Posi-tone-2017), también han causado revuelo entre la crítica.

En el número de septiembre de 1997 de JazzTimes, Bill Milkowski contaba a Walt entre sus "cinco músicos más infravalorados"; en 2000, Milkowski consideraba que Walt había cumplido sus primeras promesas, y es "...un gran talento...un saxofonista tenor monstruoso, así como un compositor prolífico y un arreglista consumado". La crítica de Blaine Fallis de Open Road (Posi-tone 2015) en All About Jazz dijo que "Weiskopf se libera para despegar en un espectáculo improvisatorio que pinta la historia de su gran talento." Sobre su oferta más reciente, una reseña de 2017 en New York City Jazz Record afirmaba "...Fountain of Youth (Posi-tone 2017) solo podría haber venido de alguien con amplia experiencia en la música y en la vida... Weiskopf lo entiende todo."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/walt-weiskopf


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Grachan Moncur III • Exploration

 

Review by Scott Yanow
Trombonist Grachan Moncur III, who was a member of the Jazztet in the early 1960s, gained his greatest fame for his two Blue Note albums (Evolution and Some Other Stuff) which were quite adventurous. He also worked with Archie Shepp, became involved in free jazz and spent much of the 1970s and '80s as a music educator. Dental problems resulted in Moncur only playing once in a great while in the 1990s. He had been in obscurity for quite awhile when he was contacted by arranger Mark Masters for the Exploration project. Fortunately Moncur's playing proved to still be in his prime. Masters wrote sympathetic charts for many of the trombonist's finest pieces, utilizing an all-star nonet that could really dig into the inside/outside music. "Excursion," a very coherent three-minute free improvisation, is a change-of-pace and precedes the closing blues "Sonny's Back," a 1962 piece originally played by the Jazztet. This CD overall is very rewarding, a dream project for those who have long admired the underrated Grachan Moncur. The musicians have their solos, there are both written and improvised ensembles and Moncur plays wonderfully throughout. This set, which sums up Grachan Moncur's career definitively, is a gem.
https://www.allmusic.com/album/exploration-mw0000362379

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Reseña de Scott Yanow
El trombonista Grachan Moncur III, que fue miembro del Jazztet a principios de los años 60, adquirió su mayor fama por sus dos álbumes para Blue Note (Evolution y Some Other Stuff), bastante aventureros. También trabajó con Archie Shepp, se involucró en el free jazz y pasó gran parte de los años 70 y 80 como educador musical. Problemas dentales hicieron que Moncur sólo tocara de vez en cuando en la década de 1990. Llevaba bastante tiempo en el olvido cuando el arreglista Mark Masters se puso en contacto con él para el proyecto Exploration. Afortunadamente, Moncur demostró que seguía tocando en su mejor momento. Masters escribió arreglos simpáticos para muchas de las mejores piezas del trombonista, utilizando un noneto de estrellas que realmente podía profundizar en la música interior/exterior. "Excursion", una improvisación libre de tres minutos muy coherente, es un cambio de ritmo y precede al blues de cierre "Sonny's Back", una pieza de 1962 interpretada originalmente por el Jazztet. En conjunto, este CD es muy gratificante, un proyecto de ensueño para los que admiran desde hace tiempo al subestimado Grachan Moncur. Los músicos tienen sus solos, hay conjuntos escritos e improvisados y Moncur toca maravillosamente en todo momento. Este conjunto, que resume definitivamente la carrera de Grachan Moncur, es una joya.
https://www.allmusic.com/album/exploration-mw0000362379

www.bluenote.com/Grachan Moncur-III ...