Star Guitars: 101 Guitars That Rocked the World

 

These are the guitars so famous that their names are often household words: B. B. King’s Lucille, Eric Clapton’s Blackie, Stevie Ray Vaughan’s First Wife, Billy F Gibbons’ Pearly Gates, Neil Young’s Old Black, and many more. Here’s the first-ever illustrated history of the actual guitars of the stars that made the music.

Other best-selling guitar histories look at the rank-and-file models, but this book is unique in profiling the actual “star guitars”—the million-dollar babies, such as the 1968 Stratocaster that Jimi Hendrix burned at Woodstock, which sold at Sotheby’s auction house in 1993 for $1,300,000. Amateurs buy guitars to emulate the stars—Clapton’s Strat, Slash’s Les Paul—and this book explains the stars’ modifications, thus showing how others can recreate those famous tones.

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Johnnie Bassett With The Bill Heid Trio • Bassett Hound

 

Sonny Terry • Sonny Is King

 

Sonny Terry

Saunders Teddell, or Saunders Terrell (or other variants, sources differ) (October 24, 1911 – March 11, 1986), known as Sonny Terry, was an American Piedmont blues and folk musician, who was known for his energetic blues harmonica style, which frequently included vocal whoops and hollers and occasionally imitations of trains and fox hunts.

Terry was born in Greensboro, Georgia. His father, a farmer, taught him to play basic blues harp as a youth. He sustained injuries to his eyes and went blind by the time he was 16, which prevented him from doing farm work, and was forced to play music in order to earn a living. Terry played Campdown Races to the plow horses which improved the efficiency of farming in the area. He began playing blues in Shelby, North Carolina. After his father died, he began playing in the trio of Piedmont blues–style guitarist Blind Boy Fuller. When Fuller died in 1941, Terry established a long-standing musical relationship with Brownie McGhee, and they recorded numerous songs together. The duo became well known among white audiences during the folk music revival of the 1950s and 1960s. This included collaborations with Styve Homnick, Woody Guthrie and Moses Asch, producing classic recordings for Folkways Records (now Smithsonian/Folkways).

In 1938 Terry was invited to play at Carnegie Hall for the first From Spirituals to Swing concert, and later that year he recorded for the Library of Congress. He recorded his first commercial sides in 1940. Some of his most famous works include "Old Jabo", a song about a man bitten by a snake, and "Lost John", which demonstrates his amazing breath control.

Despite their fame as "pure" folk artists, in the 1940s Terry and McGhee fronted a jump blues combo with honking saxophone and rolling piano, which was variously billed as Brownie McGhee and his Jook House Rockers or Sonny Terry and his Buckshot Five.

Terry was also in the 1947 original cast of the Broadway musical comedy Finian's Rainbow. He also appeared in the film The Color Purple, directed by Steven Spielberg. With McGhee, he appeared in the 1979 Steve Martin comedy The Jerk. Terry collaborated with Ry Cooder on "Walkin' Away Blues". He also performed a cover of Robert Johnson's "Crossroad Blues" for the 1986 film Crossroads.

Terry and McGhee were both recipients of a 1982 National Heritage Fellowship awarded by the National Endowment for the Arts, which is the United States government's highest honor in the folk and traditional arts. That year's fellowships were the first bestowed by the NEA.

Terry died of natural causes in Mineola, New York in March 1986, three days before Crossroads was released in theaters. He was inducted into the Blues Hall of Fame in the same year.

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Sonny Terry

Saunders Teddell, o Saunders Terrell (u otras variantes, las fuentes difieren) (24 de octubre de 1911 - 11 de marzo de 1986), conocido como Sonny Terry, fue un músico de blues y folk del Piamonte americano, conocido por su enérgico estilo de armónica de blues, que frecuentemente incluía gritos y chillidos vocales y ocasionalmente imitaciones de trenes y cacerías de zorros.

Terry nació en Greensboro, Georgia. Su padre, un granjero, le enseñó a tocar arpa básica de blues cuando era joven. Sufrió lesiones en los ojos y quedó ciego a los 16 años, lo que le impidió hacer el trabajo de la granja, y se vio obligado a tocar música para ganarse la vida. Terry tocó en Campdown Races con los caballos del arado, lo que mejoró la eficiencia de la agricultura en la zona. Empezó a tocar blues en Shelby, Carolina del Norte. Después de su padre murió, comenzó a tocar en el trío de Piamonte estilo blues guitarrista Blind Boy Fuller. Cuando Fuller murió en 1941, Terry estableció una larga relación musical con Brownie McGhee, y grabaron numerosas canciones juntos. El dúo se hizo muy conocido entre el público blanco durante el resurgimiento de la música folclórica de los años 50 y 60. Esto incluyó colaboraciones con Styve Homnick, Woody Guthrie y Moses Asch, produciendo grabaciones clásicas para Folkways Records (ahora Smithsonian/Folkways).

En 1938 Terry fue invitado a tocar en el Carnegie Hall para el primer concierto de From Spirituals to Swing, y más tarde ese año grabó para la Biblioteca del Congreso. Grabó sus primeros lados comerciales en 1940. Algunas de sus obras más famosas incluyen "Old Jabo", una canción sobre un hombre mordido por una serpiente, y "Lost John", que demuestra su asombroso control de la respiración.

A pesar de su fama de "puros" artistas folclóricos, en la década de 1940 Terry y McGhee encabezaron un combo de jump blues con saxofón y piano, que fue presentado como Brownie McGhee y sus Jook House Rockers o Sonny Terry y sus Buckshot Five.

Terry también formó parte del elenco original de 1947 de la comedia musical de Broadway Finian's Rainbow. También apareció en la película El color púrpura, dirigida por Steven Spielberg. Con McGhee, apareció en la comedia de Steve Martin de 1979, The Jerk. Terry colaboró con Ry Cooder en "Walkin' Away Blues". También interpretó una versión de "Crossroad Blues" de Robert Johnson para la película Crossroads de 1986.

Terry y McGhee recibieron en 1982 la Beca del Patrimonio Nacional otorgada por el National Endowment for the Arts, el más alto honor del gobierno de los Estados Unidos en las artes folclóricas y tradicionales. Las becas de ese año fueron las primeras otorgadas por el NEA.

Terry murió por causas naturales en Mineola, Nueva York, en marzo de 1986, tres días antes de que Crossroads se estrenara en los cines. Fue admitido en el Salón de la Fama del Blues ese mismo año.

Al Caiola • Tuff Guitar Tijuana Style

 

John Lee Hooker • Alone Live at Hunter College 1976

 

Biography
Born near Clarksdale, Mississippi to a sharecropping family, John Lee Hooker's earliest musical influence came from his stepfather, Will Moore. By the early 1940's Hooker had moved north to Detroit by way of Memphis and Cincinnati. Hooker found work as a janitor in the auto factories, and at night, like many other transplants from the rural Delta, he entertained friends and neighbors by playing at “house parties”. He was “discovered” by record storeowner Elmer Barbee who took him to Bernard Besman, who was a producer, record distributor and owner of Sensation Records, Besman leased some of his early Hooker recordings to Modern Records. Among Hooker's first recordings in 1948, “Boogie Chillen” became a number one jukebox hit for Modern and his first million seller. This was soon followed by an even bigger hit with “I'm In The Mood” and other classic recordings including “Crawling Kingsnake” and “Hobo Blues.” Another surge in his career took place with the release of more than 100 songs on Vee Jay Records during the 1950's and 1960's.

When the young bohemian audiences of the 1960's “discovered” Hooker along with other blues originators, he and various he and others made a brief return to folk blues. Young British artist such as the Animals, John Mayall, and the Yardbirds introduced Hooker's sound to the new and eager audiences whose admiration and influence helped build Hooker to superstar status in the mid - 60's England. By 1970 he had moved to California and worked on several projects with rock musicians, notably Van Morrison and Canned Heat. Canned Heat modeled their sound after Hooker's boggie and collaborated with him on several albums and tours.

During the late 1970's and much of the 1980's, Hooker toured the U.S. and Europe steadily but grew disenchanted with recording, through his appearance in the Blues Brothers movie resulted in a heightened profile. Then, in 1989, The Healer was released to critical acclaim and sales in excess of a million copies. Today the “The King Of The Boggie” is enjoying the most successful period of his extensive career. In the past ten years Hooker's influence has contributed to a booming interest in the blues and, notably, its acceptance by the music industry as a commercially viable entity.

Hooker's career has been a series a highlights and special events since the release of The Healer. In addition to recording his on albums Mr. Lucky, Boom Boom, Chill Out, and Don't Look Back for Pointblank / Virgin, he contributed to recordings by B.B. King, Branford Marsalis, Van Morrison, and Big Head Todd and the Monsters and portrayed the title role in Pete Townshend's 1989 epic, The Iron Man.

His influence on younger generations has been documented on television with features on Showtime and a special edition of the BBC's 'Late Show' as well as appearances on “The Tonight Show” and “Late Night With David Letterman” among many others. John Lee was invited to perform The Rolling Stones and guest Eric Clapton for their national television broadcast during The Stones' 1989 Steel Wheels tour. In 1990, many musical greats paid tribute to John Lee Hooker with a performance at Madison Square Garden. Joining him on some or all of these special occasions were artists such as Bonnie Raitt, Ry Cooder, Joe Cocker, Huey Newton, Carlos Santana, Robert Clay, Mick Fleetwood, Al Cooper, Johnny Winter, John Hammond, and the late Albert Collins and Willie Dixon.

Hooker's 1991 induction into the Rock n' Roll Hall Of Fame was fitting for the man who has influenced countless fans and musicians who have in turn influenced many more. Honors continued, with inductions into Los Angeles' Rock Walk, The Bammies Walk Of Fame in San Francisco, and, in 1997, a star in the Hollywood Walk Of Fame.

John Lee's style was always unique, even among other performers of the real deep blues, few of whom remain with us today. At the age of 80, John Lee Hooker received his third and fourth Grammy Awards, for Best Traditional Blues Recording “Don't Look Back” and for Best Pop Collaboration for the song “Don't Look Back” which Hooker recorded with his long time friend Van Morrison. This friendship and others are celebrated on Hooker's Pointblank / Virgin album, “The Best Of Friends.” The album also celebrated a return, exactly 50 years later, to Hooker's first hit, Boogie Chillen and served as a perfect bookend for Hooker's fifty years in the business.

The Boogie Man passed on June 21, 2001.
https://musicians.allaboutjazz.com/johnleehooker

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Biografía
Nacido cerca de Clarksdale, Mississippi, en el seno de una familia de aparceros, la primera influencia musical de John Lee Hooker vino de su padrastro, Will Moore. A principios de los años 40, Hooker se había trasladado al norte, a Detroit, pasando por Memphis y Cincinnati. Hooker encontró trabajo como conserje en las fábricas de automóviles, y por la noche, como muchos otros transplantes del Delta rural, entretenía a amigos y vecinos tocando en "fiestas en casa". Fue "descubierto" por el dueño de la tienda de discos Elmer Barbee, quien lo llevó a Bernard Besman, quien era productor, distribuidor de discos y dueño de Sensation Records, Besman alquiló algunas de sus primeras grabaciones de Hooker a Modern Records. Entre las primeras grabaciones de Hooker en 1948, "Boogie Chillen" se convirtió en el éxito número uno de la rocola de Modern y en su primer millón de ventas. A esto le siguió un éxito aún mayor con "I'm In The Mood" y otras grabaciones clásicas como "Crawling Kingsnake" y "Hobo Blues". Otra oleada en su carrera tuvo lugar con el lanzamiento de más de 100 canciones en Vee Jay Records durante los años 50 y 60.

Cuando el joven público bohemio de los 60 "descubrió" a Hooker junto con otros creadores de blues, él y varios otros hicieron un breve retorno al blues folk. Jóvenes artistas británicos como los Animals, John Mayall y los Yardbirds introdujeron el sonido de Hooker a las nuevas y ansiosas audiencias cuya admiración e influencia ayudaron a llevar a Hooker al estatus de superestrella a mediados de los 60 en Inglaterra. Para 1970 se había mudado a California y trabajó en varios proyectos con músicos de rock, especialmente Van Morrison y Canned Heat. Canned Heat modeló su sonido a partir del boggie de Hooker y colaboró con él en varios álbumes y giras.

A finales de los 70 y gran parte de los 80, Hooker realizó giras por los Estados Unidos y Europa de forma constante, pero se desilusionó con la grabación, ya que su aparición en la película de los Blues Brothers le dio un gran protagonismo. Luego, en 1989, The Healer se estrenó con gran éxito de crítica y ventas superiores al millón de copias. Hoy en día el "Rey del Boggie" está disfrutando del período más exitoso de su extensa carrera. En los últimos diez años, la influencia de Hooker ha contribuido a un creciente interés por el blues y, en particular, a su aceptación por la industria musical como una entidad comercialmente viable.

La carrera de Hooker ha sido una serie de acontecimientos destacados y especiales desde el lanzamiento de The Healer. Además de grabar sus álbumes Mr. Lucky, Boom Boom, Chill Out, y Don't Look Back for Pointblank / Virgin, contribuyó a las grabaciones de B.B. King, Branford Marsalis, Van Morrison, y Big Head Todd and the Monsters y representó el papel principal en la epopeya de 1989 de Pete Townshend, The Iron Man.

Su influencia en las generaciones más jóvenes ha sido documentada en la televisión con reportajes en Showtime y una edición especial del "Late Show" de la BBC, así como apariciones en "The Tonight Show" y "Late Night With David Letterman" entre muchos otros. John Lee fue invitado a interpretar a los Rolling Stones e invitado a Eric Clapton para su emisión en la televisión nacional durante la gira de los Steel Wheels de los Stones en 1989. En 1990, muchos grandes de la música rindieron homenaje a John Lee Hooker con una actuación en el Madison Square Garden. Junto a él en algunas o todas estas ocasiones especiales se encontraban artistas como Bonnie Raitt, Ry Cooder, Joe Cocker, Huey Newton, Carlos Santana, Robert Clay, Mick Fleetwood, Al Cooper, Johnny Winter, John Hammond, y los ya fallecidos Albert Collins y Willie Dixon.

La entrada de Hooker en el Salón de la Fama del Rock n' Roll en 1991 fue adecuada para el hombre que ha influido en innumerables fans y músicos que a su vez han influido en muchos más. Los honores continuaron, con las inducciones en el Rock Walk de Los Ángeles, el Walk Of Fame de los Bammies en San Francisco y, en 1997, una estrella en el Walk Of Fame de Hollywood.

El estilo de John Lee siempre fue único, incluso entre otros intérpretes del verdadero blues profundo, pocos de los cuales permanecen con nosotros hoy en día. A la edad de 80 años, John Lee Hooker recibió su tercer y cuarto premio Grammy, por la mejor grabación de blues tradicional "Don't Look Back" y por la mejor colaboración pop por la canción "Don't Look Back" que Hooker grabó con su viejo amigo Van Morrison. Esta amistad y otras se celebran en el álbum Pointblank / Virgin de Hooker, "The Best Of Friends". El álbum también celebraba el regreso, exactamente 50 años después, del primer éxito de Hooker, Boogie Chillen, y sirvió como un perfecto reposalibros para los 50 años de Hooker en el negocio.

The Boogie Man falleció el 21 de junio de 2001.
https://musicians.allaboutjazz.com/johnleehooker

 

johnleehooker.com ...

Rev. Gary Davis • Complete Early Recordings

 

 

Biography by Bruce Eder

In his prime of life, which is to say the late '20s, the Reverend Gary Davis was one of the two most renowned practitioners of the East Coast school of ragtime guitar; 35 years later, despite two decades spent playing on the streets of Harlem in New York, he was still one of the giants in his field, playing before thousands of people at a time, and an inspiration to dozens of modern guitarist/singers including Bob Dylan, Taj Mahal, and Donovan; and Jorma Kaukonen, David Bromberg, and Ry Cooder, who studied with Davis.

Davis was partially blind at birth, and lost what little sight he had before he was an adult. He was self-taught on the guitar, beginning at age six, and by the time he was in his 20s he had one of the most advanced guitar techniques of anyone in blues; his only peers among ragtime-based players were Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, and Blind Willie Johnson. Davis himself was a major influence on Blind Boy Fuller.

Davis' influences included gospel, marches, ragtime, jazz, and minstrel hokum, and he integrated them into a style that was his own. In 1911, when Davis was a still teenager, the family moved to Greenville, SC, and he fell under the influence of such local guitar virtuosi as Willie Walker, Sam Brooks, and Baby Brooks. Davis moved to Durham in the mid-'20s, by which time he was a full-time street musician. He was celebrated not only for the diversity of styles that his playing embraced, but also for his skills with the guitar, which were already virtually unmatched in the blues field.

Davis went into the recording studio for the first time in the '30s with the backing of a local businessman. Davis cut a mixture of blues and spirituals for the American Record Company label, but there was never an equitable agreement about payment for the recordings, and following these sessions, it was 19 years before he entered the studio again. During that period, he went through many changes. Like many other street buskers, Davis always interspersed gospel songs amid his blues and ragtime numbers, to make it harder for the police to interrupt him. He began taking the gospel material more seriously, and in 1937 he became an ordained minister. After that, he usually refused to perform any blues.

Davis moved to New York in the early '40s and began preaching and playing on street corners in Harlem. He recorded again at the end of the 1940s, with a pair of gospel songs, but it wasn't until the mid-'50s that a real following for his work began developing anew. His music, all of it now of a spiritual nature, began showing up on labels such as Stinson, Folkways, and Riverside, where he recorded seven songs in early 1956. Davis was "rediscovered" by the folk revival movement, and after some initial reticence, he agreed to perform as part of the budding folk music revival, appearing at the Newport Folk Festival, where his raspy voiced sung sermons; most notably his transcendent "Samson and Delilah (If I Had My Way)" -- a song most closely associated with Blind Willie Johnson -- and "Twelve Gates to the City," which were highlights of the proceedings for several years. He also recorded a live album for the Vanguard label at one such concert, as well as appearing on several Newport live anthology collections. He was also the subject of two television documentaries, one in 1967 and one in 1970.

Davis became one of the most popular players on the folk revival and blues revival scenes, playing before large and enthusiastic audiences; most of the songs that he performed were spirituals, but they weren't that far removed from the blues that he'd recorded in the 1930s, and his guitar technique was intact. Davis' skills as a player, on the jumbo Gibson acoustic models that he favored, were undiminished, and he was a startling figure to hear, picking and strumming complicated rhythms and counter-melodies. Davis became a teacher during this period, and his students included some very prominent white guitar players, including David Bromberg and the Jefferson Airplane's Jorma Kaukonen (who later recorded Davis' "I'll Be Alright" on his acclaimed solo album Quah!).

The Reverend Gary Davis left behind a fairly large body of modern (i.e. post-World War II) recordings, well into the 1960s, taking the revival of his career in his stride as a way of carrying the message of the gospel to a new generation. He even recorded anew some of his blues and ragtime standards in the studio, for the benefit of his students.

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Biografía de Bruce Eder

En la flor de la vida, es decir, a finales de los años 20, el reverendo Gary Davis fue uno de los dos practicantes más renombrados de la escuela de guitarra ragtime de la Costa Este; 35 años más tarde, a pesar de las dos décadas que pasó tocando en las calles de Harlem en Nueva York, seguía siendo uno de los gigantes en su campo, tocando ante miles de personas a la vez, y una inspiración para docenas de guitarristas/cantantes modernos como Bob Dylan, Taj Mahal y Donovan; y Jorma Kaukonen, David Bromberg y Ry Cooder, que estudiaron con Davis.

Davis era parcialmente ciego de nacimiento y perdió la poca visión que tenía antes de ser adulto. Fue autodidacta en la guitarra, a partir de los seis años, y para cuando tenía veintitantos años ya tenía una de las técnicas de guitarra más avanzadas de todo el mundo en el blues; sus únicos compañeros entre los músicos de ragtime eran Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, y Blind Willie Johnson. El mismo Davis fue una gran influencia en Blind Boy Fuller.

Las influencias de Davis incluyeron gospel, marchas, ragtime, jazz, y minstrel hokum, y los integró en un estilo que era el suyo propio. En 1911, cuando Davis era todavía un adolescente, la familia se mudó a Greenville, SC, y cayó bajo la influencia de virtuosos locales de la guitarra como Willie Walker, Sam Brooks y Baby Brooks. Davis se mudó a Durham a mediados de los años 20, cuando ya era músico callejero a tiempo completo. Fue celebrado no sólo por la diversidad de estilos que abrazaba, sino también por sus habilidades con la guitarra, que ya eran prácticamente inigualables en el campo del blues.

Davis entró al estudio de grabación por primera vez en los años 30 con el apoyo de un empresario local. Davis cortó una mezcla de blues y spirituals para el sello American Record Company, pero nunca hubo un acuerdo equitativo sobre el pago por las grabaciones, y después de estas sesiones, pasaron 19 años antes de que él entrara de nuevo al estudio. Durante ese período, pasó por muchos cambios. Como muchos otros músicos callejeros, Davis siempre intercalaba canciones gospel entre sus números de blues y ragtime, para hacer más difícil que la policía lo interrumpiera. Comenzó a tomar más en serio el material evangélico, y en 1937 se convirtió en ministro ordenado. Después de eso, por lo general se negaba a tocar blues.

Davis se mudó a Nueva York a principios de los años 40 y comenzó a predicar y a tocar en las esquinas de Harlem. Volvió a grabar a finales de la década de 1940, con un par de canciones gospel, pero no fue hasta mediados de los años 50 que un verdadero seguidor de su trabajo comenzó a desarrollarse de nuevo. Su música, toda de naturaleza espiritual, comenzó a aparecer en sellos como Stinson, Folkways y Riverside, donde grabó siete canciones a principios de 1956. Davis fue "redescubierto" por el movimiento de renacimiento folclórico, y después de algunas reticencias iniciales, aceptó actuar como parte del renacimiento de la música folclórica en ciernes, apareciendo en el Festival Folclórico de Newport, donde sus sermones cantados con voz ronca; más notablemente su trascendente "Samson and Delilah (If I Had My Way)" - una canción que está más estrechamente asociada con Blind Willie Johnson - y "Twelve Gates to the City", que fueron los puntos culminantes de las actuaciones durante varios años. También grabó un álbum en vivo para el sello Vanguard en uno de esos conciertos, además de aparecer en varias colecciones de antologías en vivo de Newport. También fue objeto de dos documentales televisivos, uno en 1967 y otro en 1970.

Davis se convirtió en uno de los intérpretes más populares en las escenas de renacimiento del folk y del blues, tocando ante un público grande y entusiasta; la mayoría de las canciones que interpretaba eran espirituales, pero no estaban tan alejadas del blues que había grabado en la década de 1930, y su técnica de guitarra estaba intacta. Las habilidades de Davis como jugador, en los modelos acústicos gigantescos de Gibson que él prefería, no se vieron mermadas, y fue una figura sorprendente para escuchar, escogiendo y rasgueando ritmos complicados y contra-melodías. Davis se convirtió en profesor durante este período, y entre sus alumnos había algunos guitarristas blancos muy prominentes, como David Bromberg y Jorma Kaukonen de Jefferson Airplane (que más tarde grabó "I'll Be Alright" de Davis en su aclamado álbum en solitario Quah!)

El reverendo Gary Davis dejó un cuerpo bastante grande de grabaciones modernas (es decir, después de la Segunda Guerra Mundial), hasta bien entrada la década de 1960, tomando el renacimiento de su carrera en su camino como una forma de llevar el mensaje del evangelio a una nueva generación. Incluso grabó de nuevo algunos de sus estándares de blues y ragtime en el estudio, para el beneficio de sus estudiantes.

 

Al Caiola • Let The Sunshine In

 Biography by Stephen Thomas Erlewine

Guitarist Al Caiola initially made his reputation as a session musician, playing on records made by Percy Faith and Andre Kostelanetz, among others. Caiola was the conductor and arranger for United Artists Records in the late '40s and early '50s. After leaving UA, he signed with RCA, where he released a number of singles in the '50s. In the early '60s, he went back to United Artists, which is where he scored his first hit with the theme to the film The Magnificent Seven. The single peaked at 35 in early 1961 and it was quickly followed by the theme to the television series Bonanza, which climbed to number 19. For the rest of the '60s, Caiola released a number of easy listening instrumental albums and also hosted a television show, which was only aired for a short while. Caiola continued to record throughout subsequent decades; he died in Allendale, New Jersey in 2016 at the age of 96.

 

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine

El guitarrista Al Caiola inicialmente hizo su reputación como músico de sesión, tocando en discos hechos por Percy Faith y Andre Kostelanetz, entre otros. Caiola fue la directora y arreglista de United Artists Records a finales de los años 40 y principios de los 50. Después de dejar UA, firmó con RCA, donde lanzó una serie de singles en los años 50. A principios de los años 60, regresó a United Artists, que es donde anotó su primer éxito con el tema de la película The Magnificent Seven. El single alcanzó su punto máximo en 35 a principios de 1961 y fue seguido rápidamente por el tema de la serie de televisión Bonanza, que llegó al número 19. Durante el resto de los años 60, Caiola lanzó una serie de álbumes instrumentales fáciles de escuchar y también presentó una televisión. Espectáculo, que solo se emitió por un corto tiempo. Caiola continuó grabando a lo largo de décadas posteriores; murió en Allendale, Nueva Jersey en 2016 a la edad de 96 años.

Reverend Gary Davis • Pure Religion & Bad Company

Review by Lindsay Planer

This Rev. Gary Davis release has been issued throughout the world under a bevy of names and should not be confused with the Prestige disc simply titled Pure Religion. These recordings are notable for both their sacred and secular nature. Equally as interesting is the wide range of performance styles that the Reverend incorporates throughout this long-player. Among them are the rarely displayed preachin' blues of "Bad Company," "Runnin' to the Judgement," and "Pure Religion." Notable are the spoken introductions or talkin' blues recitation techniques, as well as the more obvious and overtly religious themes. Davis took his commitment to the Lord seriously and had become an ordained minister in the summer of 1937. His vehemence and compulsion to spread the word is a blatant motif that works on several simultaneous strata. In the musical parables of "Seven Sisters" -- which should not be considered a voodoo reference -- and "Right Now," Davis recalls the fatality of not rebuking sin with lyrics like the following: "Don't 'cha put off today for tomorrow -- for tomorrow may never be. Let the Saviour bless yo' soul, right now." This collection also includes a few equally heady instrumentals -- most notably "Cocaine Blues," "Buck Dance," and "Hesitation Blues." Davis' astonishingly potent guitar playing and conversational approach have arguably never been captured more aptly on record. The direct lineage to artists such as Dave Van Ronk, Jorma Kaukonen, Stefan Grossman, and Brownie McGee becomes infinitely clear. Their versatility in technique coupled with simultaneous chord strumming and picking can be sourced right here. "Moon Goes Down" is one of the more secular pieces and originates in the slave fields as a "holler." Davis' emotionally heavy performance and dirge-like chord changes rank the tune among his most emotive recordings.

https://www.allmusic.com/album/pure-religion-bad-company-mw0000263505

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Reseña de Lindsay Planer

Este lanzamiento del Rev. Gary Davis ha sido publicado en todo el mundo bajo un montón de nombres y no debe ser confundido con el disco de Prestige simplemente titulado Pure Religion. Estas grabaciones son notables por su naturaleza sagrada y secular. Igualmente interesante es la amplia gama de estilos de interpretación que el Reverendo incorpora a lo largo de este disco de larga duración. Entre ellos están el raramente mostrado predicar el blues de "Bad Company", "Runnin' to the Judgement" y "Pure Religion". Destacan las introducciones habladas o las técnicas de recitación del blues parlante, así como los temas más obvios y abiertamente religiosos. Davis se tomó en serio su compromiso con el Señor y se ordenó como ministro en el verano de 1937. Su vehemencia y compulsión por difundir la palabra es un motivo descarado que funciona en varios estratos simultáneos. En las parábolas musicales de "Siete Hermanas" - que no debe ser considerada una referencia vudú - y "Ahora mismo", Davis recuerda la fatalidad de no reprender el pecado con letras como las siguientes: "No dejes el hoy para el mañana... porque el mañana puede no ser nunca. Deja que el Salvador bendiga tu alma, ahora mismo". Esta colección también incluye unos pocos instrumentos igualmente embriagadores... más notablemente "Cocaine Blues", "Buck Dance" y "Hesitation Blues". La asombrosa potencia de la guitarra de Davis y su enfoque conversacional nunca han sido capturados de forma más adecuada en un disco. El linaje directo con artistas como Dave Van Ronk, Jorma Kaukonen, Stefan Grossman y Brownie McGee se hace infinitamente claro. Su versatilidad en la técnica, junto con el rasgueo simultáneo de los acordes y el picking puede ser obtenida aquí mismo. "La luna se hunde" es una de las piezas más seculares y se origina en los campos de esclavos como un "grito". La actuación emocionalmente pesada de Davis y los cambios de acordes como el canto de la muerte clasifican la melodía entre sus grabaciones más emotivas.

https://www.allmusic.com/album/pure-religion-bad-company-mw0000263505

Lightnin' Slim • Hoodoo Blues

Highly regarded as a Louisiana Swamp Blues legend, Otis Hicks aka Lightnin' Slim, was born March 13, 1913 on a farm outside St. Louis, Missouri. At an early age, Hicks left Missouri and moved to St. Francisville, Louisiana where he worked outside of music. Hicks learn to play the guitar from his brother Layfield Hicks during the 1930's.

In the late 1940's Hicks worked the bars of Baton Rouge, Louisiana with other local bluesmen like Arthur Kelly. During the 1950's Hicks often worked with his brother in law Slim Harpo, and they performed together occasionally in the 1960's.

He recorded for Excello from the mid-50's to mid-60's, and under the production of Jay Miller established his reputation in the Bayou State with the release of his classic “Rooster Blues.”

Slim’s recording fortunes waned in the mid-60s and he left Louisiana for Romeo, Michigan, where he worked as a laborer. Several years later while living in Pontiac he received an invitation to perform at the 1972 Ann Arbor Blues Festival. The concert and a subsequent date for Excello led to a minor resurgence in his popularity and a string of European tours. There isn’t a lot of material available from Slim’s second coming, but “Blue Lightning,” a live club date on the London-based Indigo imprint, gives a pretty accurate barometer of where he was at.

This jump started comeback and he began his European tour which took him to England in 1972 as part of the American Folk-Blues Festival. He performed at the 1972 Montreux Jazz Festival in Montreaux, Switzerland and toured with the American Blues Legend Tour in 1973.

On July 27, 1974,Louisiana Swamp Blues legend Otis V. “Lightnin' Slim” Hicks died of cancer.

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 Altamente considerado como una leyenda de Louisiana Swamp Blues, Otis Hicks alias Lightnin' Slim, nació el 13 de marzo de 1913 en una granja en las afueras de St. A una edad temprana, Hicks dejó Missouri y se mudó a St. Francisville, Louisiana donde trabajó fuera de la música. Hicks aprendió a tocar la guitarra de su hermano Layfield Hicks durante los años 30.

A finales de los 40, Hicks trabajó en los bares de Baton Rouge, Louisiana con otros bluesmen locales como Arthur Kelly. Durante los años 50 Hicks trabajó a menudo con su cuñado Slim Harpo, y actuaron juntos ocasionalmente en los años 60.

Grabó para Excello desde mediados de los 50 a mediados de los 60, y bajo la producción de Jay Miller estableció su reputación en el estado de Bayou con el lanzamiento de su clásico "Rooster Blues".

La fortuna discográfica de Slim disminuyó a mediados de los años 60 y dejó Luisiana para ir a Romeo, Michigan, donde trabajó como obrero. Varios años después, mientras vivía en Pontiac, recibió una invitación para actuar en el Festival de Blues de Ann Arbor en 1972. El concierto y una fecha posterior para Excello provocaron un pequeño resurgimiento de su popularidad y una serie de giras europeas. No hay mucho material disponible de la segunda venida de Slim, pero "Blue Lightning", una fecha de club en vivo en el sello Indigo con sede en Londres, da un barómetro bastante preciso de dónde estaba.

Este salto comenzó su regreso y comenzó su gira europea que lo llevó a Inglaterra en 1972 como parte del American Folk-Blues Festival. Actuó en el Festival de Jazz de Montreux de 1972 en Montreaux, Suiza, y realizó una gira con el American Blues Legend Tour en 1973.

El 27 de julio de 1974, la leyenda del Louisiana Swamp Blues Otis V. "Lightnin' Slim" Hicks murió de cáncer.

T-Bone Walker • Stormy Monday Blues

Reverend Gary Davis (Blind Gary Davis) • Say No To The Devil

Biography by Bruce Eder

In his prime of life, which is to say the late '20s, the Reverend Gary Davis was one of the two most renowned practitioners of the East Coast school of ragtime guitar; 35 years later, despite two decades spent playing on the streets of Harlem in New York, he was still one of the giants in his field, playing before thousands of people at a time, and an inspiration to dozens of modern guitarist/singers including Bob Dylan, Taj Mahal, and Donovan; and Jorma Kaukonen, David Bromberg, and Ry Cooder, who studied with Davis.

Davis was partially blind at birth, and lost what little sight he had before he was an adult. He was self-taught on the guitar, beginning at age six, and by the time he was in his 20s he had one of the most advanced guitar techniques of anyone in blues; his only peers among ragtime-based players were Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, and Blind Willie Johnson. Davis himself was a major influence on Blind Boy Fuller.

Davis' influences included gospel, marches, ragtime, jazz, and minstrel hokum, and he integrated them into a style that was his own. In 1911, when Davis was a still teenager, the family moved to Greenville, SC, and he fell under the influence of such local guitar virtuosi as Willie Walker, Sam Brooks, and Baby Brooks. Davis moved to Durham in the mid-'20s, by which time he was a full-time street musician. He was celebrated not only for the diversity of styles that his playing embraced, but also for his skills with the guitar, which were already virtually unmatched in the blues field.

Davis went into the recording studio for the first time in the '30s with the backing of a local businessman. Davis cut a mixture of blues and spirituals for the American Record Company label, but there was never an equitable agreement about payment for the recordings, and following these sessions, it was 19 years before he entered the studio again. During that period, he went through many changes. Like many other street buskers, Davis always interspersed gospel songs amid his blues and ragtime numbers, to make it harder for the police to interrupt him. He began taking the gospel material more seriously, and in 1937 he became an ordained minister. After that, he usually refused to perform any blues.

Davis moved to New York in the early '40s and began preaching and playing on street corners in Harlem. He recorded again at the end of the 1940s, with a pair of gospel songs, but it wasn't until the mid-'50s that a real following for his work began developing anew. His music, all of it now of a spiritual nature, began showing up on labels such as Stinson, Folkways, and Riverside, where he recorded seven songs in early 1956. Davis was "rediscovered" by the folk revival movement, and after some initial reticence, he agreed to perform as part of the budding folk music revival, appearing at the Newport Folk Festival, where his raspy voiced sung sermons; most notably his transcendent "Samson and Delilah (If I Had My Way)" -- a song most closely associated with Blind Willie Johnson -- and "Twelve Gates to the City," which were highlights of the proceedings for several years. He also recorded a live album for the Vanguard label at one such concert, as well as appearing on several Newport live anthology collections. He was also the subject of two television documentaries, one in 1967 and one in 1970.

Quah

Davis became one of the most popular players on the folk revival and blues revival scenes, playing before large and enthusiastic audiences; most of the songs that he performed were spirituals, but they weren't that far removed from the blues that he'd recorded in the 1930s, and his guitar technique was intact. Davis' skills as a player, on the jumbo Gibson acoustic models that he favored, were undiminished, and he was a startling figure to hear, picking and strumming complicated rhythms and counter-melodies. Davis became a teacher during this period, and his students included some very prominent white guitar players, including David Bromberg and the Jefferson Airplane's Jorma Kaukonen (who later recorded Davis' "I'll Be Alright" on his acclaimed solo album Quah!).

The Reverend Gary Davis left behind a fairly large body of modern (i.e. post-World War II) recordings, well into the 1960s, taking the revival of his career in his stride as a way of carrying the message of the gospel to a new generation. He even recorded anew some of his blues and ragtime standards in the studio, for the benefit of his students.

https://www.allmusic.com/artist/rev-gary-davis-mn0000464017/biography

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Biografía de Bruce Eder

En la flor de la vida, es decir, a finales de los años 20, el reverendo Gary Davis fue uno de los dos practicantes más renombrados de la escuela de guitarra ragtime de la Costa Este; 35 años más tarde, a pesar de las dos décadas que pasó tocando en las calles de Harlem en Nueva York, seguía siendo uno de los gigantes en su campo, tocando ante miles de personas a la vez, y una inspiración para docenas de guitarristas/cantantes modernos como Bob Dylan, Taj Mahal y Donovan; y Jorma Kaukonen, David Bromberg y Ry Cooder, que estudiaron con Davis.

Davis era parcialmente ciego de nacimiento y perdió la poca visión que tenía antes de ser adulto. Fue autodidacta en la guitarra, a partir de los seis años, y para cuando tenía veintitantos años ya tenía una de las técnicas de guitarra más avanzadas de todo el mundo en el blues; sus únicos compañeros entre los músicos de ragtime eran Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, y Blind Willie Johnson. El mismo Davis fue una gran influencia en Blind Boy Fuller.

Las influencias de Davis incluyeron gospel, marchas, ragtime, jazz, y minstrel hokum, y los integró en un estilo que era el suyo propio. En 1911, cuando Davis era todavía un adolescente, la familia se mudó a Greenville, SC, y cayó bajo la influencia de virtuosos locales de la guitarra como Willie Walker, Sam Brooks y Baby Brooks. Davis se mudó a Durham a mediados de los años 20, cuando ya era músico callejero a tiempo completo. Fue celebrado no sólo por la diversidad de estilos que abrazaba, sino también por sus habilidades con la guitarra, que ya eran prácticamente inigualables en el campo del blues.

Davis entró al estudio de grabación por primera vez en los años 30 con el apoyo de un empresario local. Davis cortó una mezcla de blues y spirituals para el sello American Record Company, pero nunca hubo un acuerdo equitativo sobre el pago por las grabaciones, y después de estas sesiones, pasaron 19 años antes de que él entrara de nuevo al estudio. Durante ese período, pasó por muchos cambios. Como muchos otros músicos callejeros, Davis siempre intercalaba canciones gospel entre sus números de blues y ragtime, para hacer más difícil que la policía lo interrumpiera. Comenzó a tomar más en serio el material evangélico, y en 1937 se convirtió en ministro ordenado. Después de eso, por lo general se negaba a tocar blues.

Davis se mudó a Nueva York a principios de los años 40 y comenzó a predicar y a tocar en las esquinas de Harlem. Volvió a grabar a finales de la década de 1940, con un par de canciones gospel, pero no fue hasta mediados de los años 50 que un verdadero seguidor de su trabajo comenzó a desarrollarse de nuevo. Su música, toda de naturaleza espiritual, comenzó a aparecer en sellos como Stinson, Folkways y Riverside, donde grabó siete canciones a principios de 1956. Davis fue "redescubierto" por el movimiento de renacimiento folclórico, y después de algunas reticencias iniciales, aceptó actuar como parte del renacimiento de la música folclórica en ciernes, apareciendo en el Festival Folclórico de Newport, donde sus sermones cantados con voz ronca; más notablemente su trascendente "Samson and Delilah (If I Had My Way)" - una canción que está más estrechamente asociada con Blind Willie Johnson - y "Twelve Gates to the City", que fueron los puntos culminantes de las actuaciones durante varios años. También grabó un álbum en vivo para el sello Vanguard en uno de esos conciertos, además de aparecer en varias colecciones de antologías en vivo de Newport. También fue objeto de dos documentales televisivos, uno en 1967 y otro en 1970.

Quah

Davis se convirtió en uno de los intérpretes más populares en las escenas de renacimiento del folk y del blues, tocando ante un público grande y entusiasta; la mayoría de las canciones que interpretaba eran espirituales, pero no estaban tan alejadas del blues que había grabado en la década de 1930, y su técnica de guitarra estaba intacta. Las habilidades de Davis como jugador, en los modelos acústicos gigantescos de Gibson que él prefería, no se vieron mermadas, y fue una figura sorprendente para escuchar, escogiendo y rasgueando ritmos complicados y contra-melodías. Davis se convirtió en profesor durante este período, y entre sus alumnos había algunos guitarristas blancos muy prominentes, como David Bromberg y Jorma Kaukonen de Jefferson Airplane (que más tarde grabó "I'll Be Alright" de Davis en su aclamado álbum en solitario Quah!)

El reverendo Gary Davis dejó un cuerpo bastante grande de grabaciones modernas (es decir, después de la Segunda Guerra Mundial), hasta bien entrada la década de 1960, tomando el renacimiento de su carrera en su camino como una forma de llevar el mensaje del evangelio a una nueva generación. Incluso grabó de nuevo algunos de sus estándares de blues y ragtime en el estudio, para el beneficio de sus estudiantes.

https://www.allmusic.com/artist/rev-gary-davis-mn0000464017/biography

Sonny Terry • Sonny's Story

Review:

Sonny's Story is an excellent showcase for Sonny Terry's talents, which sometimes went unheralded because they largely were showcased in the shadow of Brownie McGhee. Here, Terry is largely playing solo acoustic, with J.C. Burris joining in for harmonica duets every so often; Sticks McGhee and drummer Belton Evans also play on a few cuts. Unlike some solo acoustic blues albums, Sonny's Story is positively infectious. It's hard not to get caught up in Terry's shouts and boogies, and that's one major reason why this is among his best solo recordings.

by Thom Owens

https://www.allmusic.com/album/sonnys-story-mw0000312565

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Reseña:

Sonny's Story es un excelente escaparate para los talentos de Sonny Terry, que a veces no se anunciaban porque se exhibían en gran medida a la sombra de Brownie McGhee. Aquí, Terry toca mayormente en solitario en acústica, con J.C. Burris participando en dúos de armónica de vez en cuando; Sticks McGhee y el baterista Belton Evans también tocan en algunos cortes. A diferencia de algunos álbumes de blues acústico en solitario, Sonny's Story es positivamente contagioso. Es difícil no quedar atrapado en los gritos y boogies de Terry, y esa es una de las principales razones por las que esta es una de sus mejores grabaciones en solitario.

por Thom Owens

https://www.allmusic.com/album/sonnys-story-mw0000312565

B.B. King • Live 2006 [video]

 

Al Caiola • The Magnificent Seven

 

Johnny 'Guitar' Watson • Posin' - More Singles 1959-1962

 

Lazy Eye • Black Hill

 

Australian Blues Band.


www.lazyeyeband.com ...

Al Caiola • Hit Instrumentals From Western TV Themes

 Biography by Stephen Thomas Erlewine

Guitarist Al Caiola initially made his reputation as a session musician, playing on records made by Percy Faith and Andre Kostelanetz, among others. Caiola was the conductor and arranger for United Artists Records in the late '40s and early '50s. After leaving UA, he signed with RCA, where he released a number of singles in the '50s. In the early '60s, he went back to United Artists, which is where he scored his first hit with the theme to the film The Magnificent Seven. The single peaked at 35 in early 1961 and it was quickly followed by the theme to the television series Bonanza, which climbed to number 19. For the rest of the '60s, Caiola released a number of easy listening instrumental albums and also hosted a television show, which was only aired for a short while. Caiola continued to record throughout subsequent decades; he died in Allendale, New Jersey in 2016 at the age of 96.

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine

El guitarrista Al Caiola inicialmente hizo su reputación como músico de sesión, tocando en discos hechos por Percy Faith y Andre Kostelanetz, entre otros. Caiola fue la directora y arreglista de United Artists Records a finales de los años 40 y principios de los 50. Después de dejar UA, firmó con RCA, donde lanzó una serie de singles en los años 50. A principios de los años 60, regresó a United Artists, que es donde anotó su primer éxito con el tema de la película The Magnificent Seven. El single alcanzó su punto máximo en 35 a principios de 1961 y fue seguido rápidamente por el tema de la serie de televisión Bonanza, que llegó al número 19. Durante el resto de los años 60, Caiola lanzó una serie de álbumes instrumentales fáciles de escuchar y también presentó una televisión. Espectáculo, que solo se emitió por un corto tiempo. Caiola continuó grabando a lo largo de décadas posteriores; murió en Allendale, Nueva Jersey en 2016 a la edad de 96 años.

Jimmy Dawkins • Kant Sheek Dees Bluze

 

Biography by Bill Dahl
Chicago guitarist Jimmy Dawkins would have preferred to leave his longtime nickname "Fast Fingers" behind. It was always something of a stylistic misnomer anyway; Dawkins' West Side-styled guitar slashed and surged, but seldom burned with incendiary speed. Dawkins' blues were generally of the brooding, introspective variety -- he didn't engage in flashy pyrotechnics or outrageous showmanship.

It took a long time for Dawkins to progress from West Side fixture to nationally known recording artist. He rode a Greyhound bus out of Mississippi in 1955, dressing warmly to ward off the Windy City's infamous chill factor. Only trouble was, he arrived on a sweltering July day! Harpist Billy Boy Arnold offered the newcomer encouragement, and he eventually carved out a niche on the competitive West Side scene (his peers included Magic Sam and Luther Allison).

Sam introduced Dawkins to Delmark Records boss Bob Koester. Fast Fingers, Dawkins' 1969 debut LP for Delmark -- which remained his best album -- was a taut, uncompromising piece of work that won the Grand Prix du Disque de Jazz from the Hot Club of France in 1971 as the year's top album. Andrew "Big Voice" Odom shared the singing and Otis Rush the second guitar duties on Dawkins' 1971 encore, All for Business. But after his Delmark LP Blisterstring, Dawkins' subsequent recordings lacked intensity until 1991's oddly titled Kant Sheck Dees Bluze for Chicago's Earwig Records. After that, Dawkins waxed discs for Ichiban and Fedora, and continued to tour extensively until health problems slowed him down. Jimmy Dawkins passed away April 10, 2013.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-dawkins-mn0000352524#biography

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Biografía de Bill Dahl
El guitarrista de Chicago Jimmy Dawkins habría preferido dejar atrás su apodo de "dedos rápidos". De todos modos, siempre fue una denominación errónea desde el punto de vista estilístico; la guitarra de Dawkins, al estilo del West Side, cortaba y arremetía, pero rara vez ardía con una velocidad incendiaria. El blues de Dawkins solía ser melancólico e introspectivo, sin pirotecnias llamativas ni espectáculos escandalosos.

Dawkins tardó mucho tiempo en pasar de ser un fijo del West Side a un artista de fama nacional. Salió de Mississippi en 1955 en un autobús Greyhound, bien abrigado para protegerse del frío de la Ciudad del Viento. El único problema fue que llegó en un sofocante día de julio. El arpista Billy Boy Arnold animó al recién llegado, que acabó haciéndose un hueco en la competitiva escena del West Side (entre sus colegas se encontraban Magic Sam y Luther Allison).

Sam presentó a Dawkins al jefe de Delmark Records, Bob Koester. Fast Fingers, el primer LP de Dawkins para Delmark en 1969 -que sigue siendo su mejor álbum- fue una obra tensa y sin concesiones que ganó el Grand Prix du Disque de Jazz del Hot Club de Francia en 1971 como mejor álbum del año. Andrew "Big Voice" Odom compartió la voz y Otis Rush la segunda guitarra en el bis de Dawkins de 1971, All for Business. Pero después de su LP Blisterstring de Delmark, las siguientes grabaciones de Dawkins carecieron de intensidad hasta el extraño título de 1991, Kant Sheck Dees Bluze, para Earwig Records de Chicago. Después de eso, Dawkins grabó discos para Ichiban y Fedora, y continuó realizando numerosas giras hasta que los problemas de salud le ralentizaron. Jimmy Dawkins falleció el 10 de abril de 2013.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-dawkins-mn0000352524#biography

J.B. Lenoir • Mojo Boogie - The Tay May Club

Nunca regresaré a Alabama, ese no es lugar para mí,

Nunca regresaré a Alabama, ese no es lugar para mí,

Sabes, ellos asesinaron a mi hermana y a mi hermano

Y allá el mundo entero permitió a esa gente salir impune

 J.B Lenoir, “Alabama Blues”

En las décadas de 1950 y de 1960 se desarrolló en Estados Unidos el Movimiento de los Derechos Civiles que reivindicaba, entre otras cosas, el fin de la segregación racial contra los africano-americanos y el fin de leyes racistas que en la práctica impedían que la mayoría de los africano-americanos que vivían en estados sureños pudieran ejercer derechos fundamentales como el del voto y llevar una vida digna. Si hubo un bluesman que puso voz y música a estas reivindicaciones ese fue J.B. Lenoir.

J.B. Lenoir no es que fuera un desconocido por los aficionados al blues, pero no fue hasta la emisión en 2003 del documental de Wim Wenders “Soul of a Man, incluido en la serie de Martin Scorsese “The Blues”, que su nombre tuvo el reconocimiento que se merecía. Un hecho para constatar lo injustamente infravalorado que ha estado Lenoir es que no fue incluido en el Blues Hall of Fame hasta 2011, mientras que otros nombres con bastante menos talento lo fueron mucho antes. Puede que no haya un porqué para este olvido, o puede ser que las críticas contra el sistema de muchas de las canciones de Lenoir tuvieran algo que ver con ello, pero, hoy en día, y en parte gracias al mencionado documental, Lenoir tiene el reconocimiento que no pudo disfrutar en vida.

J.B. Lenoir nació el 5 de marzo de 1929 en Monticello, Mississippi. Las iniciales de su nombre no significan nada en particular, simplemente fue bautizado así. Su padre le introdujo en el blues cuando todavía era un niño. Así su primera influencia musical fue Blind Lemon Jefferson. Más adelante descubriría a Lightnin’ Hopkins y a Arthur Crudup, quienes tuvieron una gran influencia en su música. En la década de 1940 se mudó a Nueva Orleans donde tocó junto a Sonny Boy Williamson II y Elmore James. A finales de la década se fue a Chicago. Algunas peculiaridades de Lenoir, como llevar en sus conciertos una llamativa chaqueta con estampado de piel de zebra, la cual combinaba con una pajarita del mismo estampado, tocar acompañado por un saxo en vez de la habitual armónica, o una voz aguda, que en algunos momentos sembraba la duda sobre el género de quien cantaba, ayudaron, junto a su incuestionable calidad, a que se hiciera un nombre en la emergente escena blues de la ciudad del viento.

En 1951 grabó sus primeras canciones y ya desde sus inicios mostró sus inquietudes sociales. Títulos como “Korea Blues” dan fe de ello. Durante la década de 1950, grabaría temas para los sellos J.O.B, Chess, Checker y Parrot. En 1954 fue forzado por Parrot, su sello en ese momento, a regrabar su canción "Eisenhower Blues" y cambiar el título por uno menos comprometido como “Tax Paying Blues”. En esos años algunas de sus canciones disfrutaron de cierto éxito. Entre ellas, destaca "Mamma Talk to Your Daughter", que alcanzó el puesto 11 en las listas Billboard de rhythm & blues.

En la década de 1960, Lenoir, para poder subsistir, combinaba la música con otros trabajos menos gratificantes. En 1965 giraría junto a otras figuras del blues por Europa en el American Folk Blues Festival y ese mismo año y el siguiente grabaría dos elepés acústicos llamados “Alabama Blues” y “Down in Mississippi” para la discográfica L&R – el sello Evidence sacaría ambos álbumes juntos en 1995 bajo el título de “Vietnam Blues” –. Estos discos, grabados bajo la supervisión de Willie Dixon, nos muestran lo mejor de Lenoir. Para estas grabaciones Lenoir tuvo libertad absoluta para grabar lo que quisiera. Así, a una más que interesante relectura de canciones suyas más antiguas añadió mucho material nuevo donde sobresalen unas letras profundas llenas de críticas contra un sistema y una sociedad en la que todavía pervivían muchos prejuicios racistas. Respecto a la música, Lenoir, con la única ayuda en algunas canciones del baterista Fred Below y del propio Willie Dixon haciendo algunos coros, había consolidado un estilo propio y original con aires africanos al que llamó African Hunch. Estos dos álbumes incuestionables aúnan sabiamente canciones profundas, tristes y reivindicativas con boogies alegres y bailables.

Desgraciadamente, cuando se hallaba en su mejor momento creativo, un infarto relacionado con unas heridas derivadas de un accidente de tráfico que había tenido tres semanas antes se llevó a Lenoir de este mundo a la pronta edad de 38 años. Pero su talento musical y su sensibilidad para escribir unas letras que en pocas palabras reflejaran la lucha y el sufrimiento de una raza oprimida permanecerán para siempre como fieles retratos musicales de un tiempo y un lugar, como un pedazo de historia del siglo XX.

https://crucedecaminos.webnode.es/chicago-blues/bluesmen/j-b-lenoir/

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Automatic translation:

I will never go back to Alabama, that's no place for me,

I will never go back to Alabama, that's no place for me,

You know, they murdered my sister and my brother

And there the whole world allowed those people to go unpunished

 J.B Lenoir, "Alabama Blues"

In the 1950s and 1960s, the Civil Rights Movement developed in the United States, which claimed, among other things, the end of racial segregation against African-Americans and the end of racist laws that in practice prevented the Most African-Americans living in southern states could exercise fundamental rights such as voting and leading a dignified life. If there was a bluesman who put voice and music to these claims that was J.B. Lenoir

J.B. Lenoir is not a stranger to blues fans, but it was not until the 2003 broadcast of Wim Wenders' documentary "Soul of a Man, included in the Martin Scorsese series" The Blues ", that his name was recognized what he deserved. A fact to confirm how unfairly undervalued Lenoir has been is that he was not included in the Blues Hall of Fame until 2011, while other names with much less talent were much earlier. There may not be a reason for this oblivion, or it may be that criticism against the system of many of Lenoir's songs had something to do with it, but, nowadays, and partly thanks to the aforementioned documentary, Lenoir has the recognition that he could not enjoy in life.

J.B. Lenoir was born on March 5, 1929 in Monticello, Mississippi. The initials of his name do not mean anything in particular, he was simply baptized that way. His father introduced him to the blues when he was still a child. Thus his first musical influence was Blind Lemon Jefferson. Later I would discover Lightnin 'Hopkins and Arthur Crudup, who had a great influence on his music. In the 1940s he moved to New Orleans where he played alongside Sonny Boy Williamson II and Elmore James. At the end of the decade he went to Chicago. Some peculiarities of Lenoir, such as wearing in his concerts a striking zebra-print jacket, which he combined with a bow tie of the same pattern, played accompanied by a saxophone instead of the usual harmonica, or a high-pitched voice, which in some moments sowed doubt about the genre of the singer, helped, along with its unquestionable quality, to make a name in the emerging blues scene of the city of the wind.

In 1951 he recorded his first songs and already from his beginnings he showed his social restlessness. Titles like "Korea Blues" attest to that. During the 1950s, he would record songs for the J.O.B, Chess, Checker and Parrot labels. In 1954 he was forced by Parrot, his label at that time, to re-record his song "Eisenhower Blues" and change the title to one less committed as "Tax Paying Blues". In those years some of his songs enjoyed some success. Among them, highlights "Mamma Talk to Your Daughter", which reached the 11th place in the Billboard charts of rhythm & blues.

In the decade of 1960, Lenoir, to be able to subsist, combined the music with other less rewarding works. In 1965 he would tour with other blues figures in Europe in the American Folk Blues Festival and that same year and the following year he would record two acoustic LPs called "Alabama Blues" and "Down in Mississippi" for the label L & R - the Evidence label would release both albums together in 1995 under the title of "Vietnam Blues" -. These records, recorded under the supervision of Willie Dixon, show us the best of Lenoir. For these recordings Lenoir had absolute freedom to record what he wanted. Thus, to a more than interesting rereading of his older songs he added a lot of new material where some deep lyrics stand out, full of criticism against a system and a society in which many racist prejudices still persisted. Regarding the music, Lenoir, with the only help in some songs of the drummer Fred Below and of Willie Dixon himself doing some choirs, had consolidated an own and original style with African airs which he called African Hunch. These two unquestionable albums wisely combine deep, sad and vindictive songs with cheerful and danceable boogies.

Unfortunately, when he was at his best creative moment, a heart attack related to injuries from a car accident that he had had three weeks earlier took Lenoir from this world at the early age of 38 years. But his musical talent and his sensitivity to write lyrics that in a few words will reflect the struggle and suffering of an oppressed race will remain forever as faithful musical portraits of a time and place, like a piece of twentieth century history.

https://crucedecaminos.webnode.es/chicago-blues/bluesmen/j-b-lenoir/

Clarence 'Gatemouth' Brown • Back to Bogalusa

 

     

A true musician's musician, Clarence Gatemouth Brown mastered the guitar, fiddle, drums, viola, harmonica, piano, mandolin and bass. Gatemouth's smooth blend of Texas style swing with Jazz, Country and Cajun music has altered the definition of the Blues. His versatility singles him out as an architect of modern Blues sounds. Although primarily known as a rhythm & blues artist, Brown's music truly defied any simple description. Influenced by big bands and horn players, his work on the guitar and fiddle exhibited the music he grew up hearing along the Gulf Coast.

Brown was born in Vinton, Louisiana, and raised not far from the Gulf Coast in Orange, Texas. He learned guitar and fiddle from his father who played and sang the tunes of the region, including French traditional songs and even German polkas. He reminds us that: “Everybody played music in those days.”

He began working professionally as a drummer during World War II. After a stint in the U.S. Army, Gatemouth made his debut as a guitarist in 1947 by simply walking on stage at Don Robey’s famed Peacock Club in Houston and picking up an electric Gibson guitar that an ailing T-Bone Walker had put down mid-show. Gate so wowed the audience, playing his own “Gatemouth Boogie,” that within a few minutes he had been showered with $600 in tips - a large haul in those cash-strapped days.

Robey soon had Brown fronting a 23-piece orchestra on a tour across the South and Southwest. The manager then formed Peacock Records, the first successful post- war, black-owned record label, to take Gate’s sound to a national audience. Dozens of hits soon followed, including “Okie Dokie Stomp,” “Boogie Rambler,” and “Dirty Work at the Crossroads.” But he became frustrated by the limitations of the blues and began carving a new career by recording albums that featured jazz and country songs mixed in with the blues numbers.

After splitting with Robey, Brown moved to Nashville, where he hosted a television show and began adding country music to his repertoire, even recording with Roy Clark and appearing on Hee Haw. Heavy touring in the 1970s established new audiences in Europe, East Africa, and the Soviet Union, where Gate toured as a musical ambassador for the U.S. State Department. He recorded in his hometown of Bogalusa with Professor Longhair, for the 1974 Barclay session “Rock n’ Roll Gumbo.”

In recent years, he cut a string of four-star albums for such record labels as Rounder, Alligator, Verve, and Blue Thumb. For his last album, “Back to Bogalusa” (Blue Thumb 2001), the 77-year-old presents nearly an hour’s worth of music spread over 13 tracks. While Gate explored the sounds of the Lone Star State on his last release, the appropriately titled “American Music, Texas Style,” (1999) with “Back to Bogalusa,” he takes us back across the state line to his beloved Louisiana.

In September 2004, Brown announced he had been diagnosed with cancer. After consulting oncologists, he decided against undergoing treatment. He also suffered from emphysema and heart disease. By the end of the year, Brown's condition had worsened considerably, forcing him to travel with an oxygen tank. On Jan. 8, he surprised many of his friends and associates by joining Gregg Allman and Susan Tedeschi at Atlanta's Variety Playhouse for not one, but two, shows.

In April 2005, a defiant Brown announced that he would perform at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. Despite continued doubts that he had the stamina to even attend the outdoor festival, Brown managed to get through a brief musical set. Some close to Brown were convinced that he would have been happy to die as he lived -- performing on stage.

Clarence Gatemouth Brown died in Sept. 2005, in Texas.

During his career, Brown scored six Grammy nominations, winning the best traditional blues recording prize for his 1982 album, “Alright Again.” He won eight W.C. Handy Blues Awards and was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame. He's also a recipient of the Rhythm & Blues Foundation's prestigious Pioneer Award.

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Un verdadero músico, Clarence Gatemouth Brown domina la guitarra, el violín, la batería, la viola, la armónica, el piano, la mandolina y el bajo. La suave mezcla de Gatemouth de swing al estilo Texas con música Jazz, Country y Cajun ha alterado la definición del Blues. Su versatilidad lo distingue como arquitecto de los sonidos del Blues moderno. Aunque principalmente conocido como un artista de rhythm & blues, la música de Brown realmente desafió cualquier descripción simple. Influenciado por grandes bandas y trompetistas, su trabajo con la guitarra y el violín exhibió la música que escuchaba a lo largo de la costa del Golfo.

Brown nació en Vinton, Louisiana, y creció cerca de la costa del Golfo en Orange, Texas. Aprendió guitarra y violín de su padre que tocaba y cantaba las melodías de la región, incluyendo canciones tradicionales francesas e incluso polcas alemanas. Nos lo recuerda: "Todo el mundo tocaba música en aquellos días."

Comenzó a trabajar profesionalmente como baterista durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una temporada en el Ejército de los Estados Unidos, Gatemouth hizo su debut como guitarrista en 1947 simplemente caminando sobre el escenario en el famoso Peacock Club de Don Robey en Houston y recogiendo una guitarra eléctrica Gibson que un enfermo T-Bone Walker había puesto a mitad del show. Gate sorprendió tanto al público, tocando su propio "Gatemouth Boogie", que en pocos minutos había sido bañado con $600 en propinas - un gran botín en esos días de poco dinero.

Robey pronto tuvo a Brown al frente de una orquesta de 23 músicos en una gira por el sur y el suroeste. El gerente formó entonces Peacock Records, el primer sello discográfico de propiedad de negros que tuvo éxito después de la guerra, para llevar el sonido de Gate a una audiencia nacional. Pronto le siguieron docenas de éxitos, incluyendo "Okie Dokie Stomp", "Boogie Rambler" y "Dirty Work at the Crossroads". Pero se frustró por las limitaciones del blues y comenzó a forjar una nueva carrera grabando álbumes que incluían canciones de jazz y country mezcladas con números de blues.

Después de separarse de Robey, Brown se mudó a Nashville, donde fue anfitrión de un programa de televisión y comenzó a añadir música country a su repertorio, incluso grabando con Roy Clark y apareciendo en Hee Haw. Las intensas giras de los años setenta establecieron nuevas audiencias en Europa, África Oriental y la Unión Soviética, donde Gate actuó como embajador musical del Departamento de Estado de Estados Unidos. Grabó en su ciudad natal de Bogalusa con el profesor Pelo Largo, para la sesión de Barclay de 1974 "Rock n' Roll Gumbo".

En los últimos años, cortó una serie de álbumes de cuatro estrellas para sellos discográficos como Rounder, Alligator, Verve y Blue Thumb. Para su último álbum, "Back to Bogalusa" (Blue Thumb 2001), este hombre de 77 años presenta casi una hora de música repartida en 13 temas. Mientras Gate exploraba los sonidos del Estado de la Estrella Solitaria en su último lanzamiento, el apropiadamente titulado "American Music, Texas Style," (1999) con "Back to Bogalusa," nos lleva de vuelta a través de la línea estatal hasta su amada Louisiana.

En septiembre de 2004, Brown anunció que le habían diagnosticado cáncer. Después de consultar a los oncólogos, decidió no someterse a tratamiento. También sufría de enfisema y enfermedades del corazón. Al final del año, la condición de Brown había empeorado considerablemente, lo que lo obligó a viajar con un tanque de oxígeno. El 8 de enero, sorprendió a muchos de sus amigos y asociados al unirse a Gregg Allman y Susan Tedeschi en Atlanta's Variety Playhouse para no uno, sino dos, shows.

En abril de 2005, un desafiante Brown anunció que actuaría en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleáns. A pesar de las continuas dudas de que tenía la resistencia necesaria para asistir al festival al aire libre, Brown consiguió superar un breve set musical. Algunos cercanos a Brown estaban convencidos de que habría estado feliz de morir mientras vivía, actuando en el escenario.

Clarence Gatemouth Brown murió en septiembre de 2005, en Texas.

Durante su carrera, Brown obtuvo seis nominaciones a los Grammy, ganando el premio a la mejor grabación de blues tradicional por su álbum de 1982, "Allright Again". Ganó ocho W.C. Handy Blues Awards y fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation. También ha recibido el prestigioso premio Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation.