Joshua Breakstone • With The Wind And The Rain

 

Prolific recording artist Joshua Breakstone delivers his twentieth album as leader tipping his hat to a major influence in his professional life, the late Japanese promoter and bassist Mitsuru Nishiyama, to whom With the Wind and the Rain, is dedicated. A guitarist of note with at least fifty tours of Japan under his belt, his experience performing in a format where the late bassist played the cello in an essentially expanded rhythm section, left Breakstone with a desire to document the sound and this effort is the result. To accomplish this, the leader performs with a standard guitar-trio and adds veteran bassist/cellist Mike Richmond to the mix making for a 14-string (cello, bass, and guitar) rhythm section and quartet on four of the nine-repertoire set.

While borrowing a selection of familiar standards from such icons as Kenny Dorham, Oscar Petitford, Ray Noble and Paul Chambers among others, Breakstone begins his sixth album for the Capri label with "Some Kinda Mean," a chart from the late double bassist William Thomas Betts, better known as "Keter" Betts. His strumming intro and guitar playing seem somehow eerily reminiscent to the great Wes Montgomery and with bassist Lisle Atkinson doing the honors on the melody and drummer Elliot Zigmund on the sticks and cymbals, cellist Richmond weighs in after a long guitar solo on the first of the four quartet tracks.

The second of the quartet-styled tunes, "I Told You So," an upbeat "Birdlike" romp from the songbook of pianist George Cables, provides some of the guitarist's best riffs and showcasing a bit more of the cellist chops. The trio takes over on the next couple of pieces moving right along on the quick-paced Dorham burner "Short Story" and settling down on Irving Gordon's beautiful gentle ballad "Be Anything," before returning to the string-side of things on "La Verne Walk" showcasing the string instruments on two choruses each.

The immortal Nobel ballad "The Very Thought of You," takes the trio into more soft territory as the guitarist plays slow tasteful chords giving this old song new life. After one more quartet tune with the Paul Chambers original "Visitation," the trio closes an innovative session of light traditional jazz on the buoyant titled-inspired piece "With the Wind and Rain in Your Hair." Loaded with creative solos, improvisational twists, an excellent selection of music and a lively augmented string-based instrumentation, the With the Wind and the Rain reveals a masterful performance from Joshua Breakstone and crew, and challenges the normal definition of the standard rhythm section.
https://www.allaboutjazz.com/with-the-wind-and-the-rain-joshua-breakstone-capri-records-ltd-review-by-edward-blanco

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El prolífico artista Joshua Breakstone presenta su vigésimo álbum como líder y se quita el sombrero ante una influencia fundamental en su vida profesional, el difunto promotor y bajista japonés Mitsuru Nishiyama, a quien está dedicado With the Wind and the Rain. Guitarrista de renombre con al menos cincuenta giras por Japón a sus espaldas, su experiencia tocando en un formato en el que el difunto bajista tocaba el violonchelo en una sección rítmica esencialmente ampliada, dejó en Breakstone el deseo de documentar el sonido y este esfuerzo es el resultado. Para conseguirlo, el líder actúa con un trío de guitarras estándar y añade al veterano bajista/chelista Mike Richmond a la mezcla, formando una sección rítmica de 14 cuerdas (violonchelo, bajo y guitarra) y un cuarteto en cuatro de los nueve repertorios.

Aunque toma prestada una selección de estándares conocidos de iconos como Kenny Dorham, Oscar Petitford, Ray Noble y Paul Chambers, entre otros, Breakstone comienza su sexto álbum para el sello Capri con «Some Kinda Mean», un tema del fallecido contrabajista William Thomas Betts, más conocido como «Keter» Betts. Su introducción rasgueada y su forma de tocar la guitarra recuerdan inquietantemente al gran Wes Montgomery, y con el bajista Lisle Atkinson haciendo los honores en la melodía y el batería Elliot Zigmund en las baquetas y los platillos, el violonchelista Richmond interviene tras un largo solo de guitarra en el primero de los cuatro temas del cuarteto.

El segundo de los temas del cuarteto, «I Told You So», un alegre «Birdlike» del cancionero del pianista George Cables, ofrece algunos de los mejores riffs del guitarrista y muestra un poco más las habilidades del violonchelista. El trío toma el relevo en el siguiente par de piezas, moviéndose a lo largo de la rápida «Short Story» de Dorham y asentándose en la hermosa y suave balada de Irving Gordon «Be Anything», antes de volver al lado de la cuerda en «La Verne Walk», mostrando los instrumentos de cuerda en dos estribillos cada uno.

La inmortal balada de Nobel «The Very Thought of You» lleva al trío a un territorio más suave mientras el guitarrista toca acordes lentos y de buen gusto que dan nueva vida a esta vieja canción. Tras una melodía más de cuarteto con la original de Paul Chambers «Visitation», el trío cierra una innovadora sesión de jazz tradicional ligero con la boyante pieza inspirada en el título «With the Wind and Rain in Your Hair». Cargado de creativos solos, giros de improvisación, una excelente selección musical y una animada instrumentación de cuerda aumentada, With the Wind and the Rain revela una magistral interpretación de Joshua Breakstone y su equipo, y desafía la definición normal de la sección rítmica estándar.
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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Joshua Breakstone & The Cello Quartet • 88

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Harry Babasin & The Jazz Pickers • For Moderns Only

Biography by Eugene Chadbourne

Nicknamed "the Bear" because of his imposing presence and the way he clawed at his instrument, Harry Babasin was a heavy presence as a creative and innovative bassist. He was also the first to record jazz solos on the cello in 1947. He has also been credited with being among the first jazz players to work in the Brazilian bossa nova style, and being one of the only bassists of his generation to become a bandleader. Some of the others who did, however, left even bigger footprints than the Bear may have, especially Charles Mingus. Like Mingus, Babasin was also a highly regarded record producer of his own short-lived jazz label. He was a Texan by birth and the son of an Armenian dentist and a Texas school music teacher. He studied many different instruments before focusing on the bass. He went to North Texas State University, contributing to this school's excellent reputation for jazz. Other players who have spent time there, swinging merrily in what is otherwise the totally uncool town of Denton, include such players as Herb Ellis, Jimmy Giuffre, Gene Roland, Johnny Smith, and Tommy Reeves. He played with Giuffre, a brilliant reed player who would later make modern jazz history, in the Bill Ware Orchestra in the early '40s. In 1942, he and Ellis checked out the Charlie Fisk Orchestra and were less than satisfied with the rhythm section. With perhaps a touch of arrogance, the pair of hotshots approached the bandleader and told him they could outplay his guys. Fisk kicked out the previous rhythm section after a quick audition. For Babasin, it meant leaving school in order to join the band. Thus began his road days. He toured the United States extensively over the next five years with the groups of Jimmy Joy, Bob Strong, Billie Rogers, Gene Krupa, Charlie Barnet, Boyd Raeburn, Benny Goodman, Woody Herman, Frank DeVol, Jerry Gray, and others. He relocated to Los Angeles during the job with Barnet in 1945 and wound up joining the Benny Goodman Orchestra, with whom he made many recordings. In the late '40s, Babasin appeared in the Danny Kaye film entitled A Song Is Born, a meeting of jazz aristocracy with Goodman, Barnet, Louis Armstrong, Lionel Hampton, Mel Powell, Tommy Dorsey, and Louis Bellson all getting screen time. There was something even more important about this experience than Hollywood glitz to Babasin. He met a Brazilian guitarist on the set who was an extra. His name: Laurindo Almeida. Some subsequent jams, which included the two men plus drummer Roy Harte and saxophonist Bud Shank, are among the earliest blends of Brazilian music and American jazz. In 1954, these players recorded two 10" discs that laid the groundwork for what would become bossa nova, getting the jump on Stan Getz and Antonio Carlos Jobim by years.

It must have been a pretty inspiring movie set, because this was also where Babasin first began to practice the art of pizzicato jazz cello. This interest was actually inspired by his own frustration in projecting ideas on the bass on-stage. He tuned the cello in fourths so it could still hold down the normal bass while allowing his soloing up into audible range. He recorded his first cello solos at the end of 1947 with the Dodo Marmarosa Trio, available on the CD Up in Dodo's Room on Jazz Classics. The next step was to actually add a bass player, a move which would give the cellist even more room to solo effectively. Decades later, bassist Ron Carter adopted the same approach when playing cello in his own groups. Babasin recorded fronting his own groups for labels such as World Pacific and Discovery. He also cut a duet cello session with Oscar Pettiford that is surely one of the high points reached with this instrument in jazz, and not just in terms of pitches being bowed and plucked. The cellist continued experimenting with different instrumental combinations that would highlight the cello, including adding vibraphone. Harte was a frequent companion. In 1952, they got together with musical friends such as Shank, Marty Paich, Howard Roberts, and Herbie Harper and decided to start recording and putting out their own sides. The move came about, as could be expected, because of the total lack of interest from record companies. This was the beginning of the Nocturne label. Since the label seemed to be an artistic triumph, it should go without saying that it was impossible for it to even break even. The cellist forged on, starting Harry Babasin & the Jazzpickers, a combination that featured guitar and cello heavily and was good for three highly collectible albums. On one, Buddy Collette was added on flute, while the other featured vibes, Red Norvo, and Terry Gibbs, respectively. In the rocking '60s, Babasin reunited with Barnet, his boss from the old days, and wound up freezing in Alaska backing up Bob Hope, who was entertaining troups. In the '70s, Harte and Babasin started the Los Angeles Theaseum, a non-profit archive of West Coast jazz history. This new library of recordings was transferred to digital format for preservation, and a new series of records was pressed under the Jazz Chronicles label. Babasin's final tour was in 1985 with pianist John Banister, ironically the man who gave him the nickname "the Bear." Soon after, he was diagnosed with emphysema. He claimed that he had played on 1,500 records as a bassist alone, not counting his cello work.
https://www.allmusic.com/artist/harry-babasin-mn0000668463/biography

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Biografía de Eugene Chadbourne

Apodado "el Oso" por su imponente presencia y la forma en que arañaba su instrumento, Harry Babasin tuvo una fuerte presencia como bajista creativo e innovador. También fue el primero en grabar solos de jazz con el violonchelo en 1947. También se le atribuye el mérito de ser uno de los primeros músicos de jazz en trabajar en el estilo de la bossa nova brasileña, y de ser uno de los únicos bajistas de su generación en convertirse en director de banda. Sin embargo, algunos de los que lo hicieron dejaron huellas aún más grandes que el Oso, especialmente Charles Mingus. Al igual que Mingus, Babasin también fue un productor discográfico muy apreciado de su propio sello de jazz de corta duración. Era tejano de nacimiento e hijo de un dentista armenio y de una profesora de música de una escuela de Texas. Estudió muchos instrumentos diferentes antes de centrarse en el bajo. Estudió en la North Texas State University, contribuyendo a la excelente reputación de esta escuela en el ámbito del jazz. Otros músicos que han pasado por allí, balanceándose alegremente en lo que, por otra parte, es la ciudad de Denton, que no tiene nada de cool, son jugadores como Herb Ellis, Jimmy Giuffre, Gene Roland, Johnny Smith y Tommy Reeves. Tocó con Giuffre, un brillante músico de lengüeta que más tarde pasaría a la historia del jazz moderno, en la Bill Ware Orchestra a principios de los años 40. En 1942, él y Ellis visitaron la Orquesta de Charlie Fisk y no quedaron muy satisfechos con la sección rítmica. Con un toque de arrogancia, la pareja de genios se acercó al director de la banda y le dijo que podían superar a sus chicos. Fisk echó a la anterior sección rítmica tras una rápida audición. Para Babasin, eso significaba dejar la escuela para unirse a la banda. Así empezaron sus días de carretera. Realizó numerosas giras por Estados Unidos durante los cinco años siguientes con los grupos de Jimmy Joy, Bob Strong, Billie Rogers, Gene Krupa, Charlie Barnet, Boyd Raeburn, Benny Goodman, Woody Herman, Frank DeVol y Jerry Gray, entre otros. Se trasladó a Los Ángeles durante el trabajo con Barnet en 1945 y acabó uniéndose a la Orquesta de Benny Goodman, con la que realizó muchas grabaciones. A finales de los años 40, Babasin apareció en la película de Danny Kaye titulada Ha nacido una canción, una reunión de la aristocracia del jazz con Goodman, Barnet, Louis Armstrong, Lionel Hampton, Mel Powell, Tommy Dorsey y Louis Bellson, todos ellos con tiempo en pantalla. Para Babasin, esta experiencia tenía algo más importante que el brillo de Hollywood. Conoció a un guitarrista brasileño en el plató que era un extra. Su nombre: Laurindo Almeida. Algunas de las reuniones posteriores, en las que participaron los dos hombres junto con el baterista Roy Harte y el saxofonista Bud Shank, se encuentran entre las primeras mezclas de música brasileña y jazz estadounidense. En 1954, estos músicos grabaron dos discos de 10" que sentaron las bases de lo que sería la bossa nova, adelantándose en años a Stan Getz y Antonio Carlos Jobim.

Debió de ser un plató de cine bastante inspirador, porque también fue aquí donde Babasin empezó a practicar el arte del chelo de jazz pizzicato. Este interés se inspiró en realidad en su propia frustración a la hora de proyectar ideas en el bajo sobre el escenario. Afinó el violonchelo en cuartas para poder seguir manteniendo el bajo normal y permitir que sus solos subieran al rango audible. Grabó sus primeros solos de chelo a finales de 1947 con el Dodo Marmarosa Trio, disponibles en el CD Up in Dodo's Room de Jazz Classics. El siguiente paso fue añadir un bajista, un movimiento que daría al violonchelista aún más espacio para hacer un solo efectivo. Décadas más tarde, el bajista Ron Carter adoptó el mismo enfoque al tocar el chelo en sus propios grupos. Babasin grabó al frente de sus propios grupos para sellos como World Pacific y Discovery. También grabó una sesión de violonchelo a dúo con Oscar Pettiford que es seguramente uno de los puntos álgidos alcanzados con este instrumento en el jazz, y no sólo en lo que se refiere a los tonos de arco y punteo. El violonchelista continuó experimentando con diferentes combinaciones instrumentales que resaltaban el violonchelo, incluso añadiendo el vibráfono. Harte era un compañero frecuente. En 1952, se reunieron con amigos músicos como Shank, Marty Paich, Howard Roberts y Herbie Harper y decidieron empezar a grabar y sacar sus propias caras. El movimiento se produjo, como era de esperar, por la total falta de interés de las compañías discográficas. Este fue el comienzo del sello Nocturne. Dado que el sello parecía ser un triunfo artístico, no hace falta decir que era imposible que llegara a ser rentable. El violonchelista siguió adelante y puso en marcha Harry Babasin & the Jazzpickers, una combinación en la que la guitarra y el violonchelo estaban muy presentes y que dio lugar a tres álbumes muy coleccionables. En uno de ellos, Buddy Collette se sumó a la flauta, mientras que en el otro participaron el vibráfono, Red Norvo y Terry Gibbs, respectivamente. En los rocambolescos años 60, Babasin se reunió con Barnet, su jefe de los viejos tiempos, y acabó congelado en Alaska respaldando a Bob Hope, que estaba entreteniendo a grupos. En los años 70, Harte y Babasin crearon el Theaseum de Los Ángeles, un archivo sin ánimo de lucro de la historia del jazz de la Costa Oeste. Esta nueva biblioteca de grabaciones se transfirió a formato digital para su conservación, y se imprimió una nueva serie de discos bajo el sello Jazz Chronicles. La última gira de Babasin fue en 1985 con el pianista John Banister, irónicamente el hombre que le dio el apodo de "el Oso". Poco después se le diagnosticó un enfisema. Afirmaba que había tocado en 1.500 discos sólo como bajista, sin contar su trabajo con el violonchelo.
https://www.allmusic.com/artist/harry-babasin-mn0000668463/biography

The Jazzpickers & Red Norvo • Command Performance

Harry Babasin (19 de marzo de 1921, Dallas, Texas - 21 de mayo de 1988, Los Ángeles, California) fue un contrabajista y violonchelista estadounidense de jazz.
Tras tocar en orquesta locales de Texas, se trasladó a Nueva York, donde entró a formar parte de las big bands de Gene Krupa, Charlie Barnet y, en 1945 y ya instalado en California, Benny Goodman, con el que participa en el film , A Song Is Born. Después tocó con Woody Herman y con su propio grupo, The Jazz Pickers. Más tarde se convertirá en uno de los sidemen más solicitados de la escena de la Costa Oeste, formando con frecuencia sección con el batería Roy Harte. En sus últimos años, trabajó básicamente para bandas sonoras de cine y televisión.

Su estilo se caracterizaba por el uso frecuente de los registros agudos y el walking bass, siendo además pionero en el uso del violonchelo tocado en pizzicato (1947, en grabaciones con el pianista Dodo Marmarosa).

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Yervant Harry Babasin, Jr. (19 March 1921 Dallas, Texas - 21 May 1988 Los Angeles) was an American jazz bassist. His nickname was "The Bear".
Babasin was born in Texas to an American mother and an Armenian father. He attended North Texas State University, one of many noted jazz alumni from the school. Among them were Jimmy Giuffre, with whom Babasin played in Bill Ware's orchestra around 1940, and Herb Ellis, who played with Babasin in the Charlie Fisk Orchestra starting in 1942. Fisk actually fired his rhythm section after hearing Ellis and Babasin play, and after he was admitted, Babasin quit school to go on tour with Fisk. He also toured in the 1940s with Jimmy Joy, Bob Strong, Billie Rogers, Gene Krupa, Charlie Barnet, Boyd Raeburn, Benny Goodman, Woody Herman, Frank DeVol, and Jerry Gray. He also appeared in A Song Is Born, one of many jazz stars to play roles in the film. On the set of the film, he met Brazilian guitarist Laurindo Almeida, and the two began jamming together; along with Roy Harte and Bud Shank, their quartet was an early experiment blending Brazilian music and jazz. Their 1954 10" discs are predecessors to the bossa nova explosion of the late 1950s and early 1960s.
In 1947, he recorded the first cello solos known in jazz music, with the Dodo Marmarosa Trio. In order to do so, he tuned his strings in fourths. In later cello ensembles he added a bass player. He and Oscar Pettiford did a session together with two cellos. In the mid-1950s, he put together his own ensemble, Harry Babasin & the Jazzpickers, who played regularly at the Purple Onion in Hollywood; this ensemble released three albums. One recording of note was made in 1952 at the Tradewinds nightclub in Inglewood. It features Charlie Parker, Chet Baker, Sonny Criss, Al Haig, Larance Marable, and Harry, in one of Bird's few West Coast appearances.
His career cooled in the 1960s, returning to work with Charlie Barnet and supporting Bob Hope on USO tours. In the 1970s he and Harte initiated the Los Angeles Theaseum, a jazz archive and preservation society. Some of the recordings preserved through this effort were released on the Jazz Chronicles label.
Babasin's last tour was given in 1985 with John Banister on piano. Babasin died of emphysema three years later, having participated in possibly as many as 1,500 recordings.

Ray Brown ‎• Jazz Cello

On the last day of August and the first day of September 1960, bassist Ray Brown recorded his third album for the Verve label, focusing most of his attention upon the cello while Joe Mondragon handled the bass. The 11-piece band on this date was conducted by arranger Russ Garcia and included reed players Paul Horn and Bob Cooper as well as pianist Jimmy Rowles. The results were typical of late-'50s West Coast mainstream jazz: familiar ballads and friendly, uplifting standards, tidily performed. Some of the tunes reach back to the 1920s, with "Rock-A-Bye Your Baby with a Dixie Melody" serving as a surprisingly hip link with vaudeville as Brown's pizzicato maneuverings are punctuated with punchy blasts from reeds and brass. If one takes the time to place this recording within an historical context, an impressive evolution reveals itself. The first bassist to cross over to cello on records in modern times is believed to have been Oscar Pettiford, while Fred Katz popularized the warm-toned instrument through his work with drummer Chico Hamilton. The progression of jazz cellists since then is impressive, from Ray Brown, Sam Jones, Percy Heath and Ron Carter to Abdul Wadud, David Holland, David Darling, David Eyges and Diedre Murray. By the first decade of the 21st century, an unprecedented number of improvising cellists had appeared, making Ray Brown's 1960 Jazz Cello album seem like a sunny little episode in the foundation of a fascinating modern tradition spanning several generations.

 

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El último día de agosto y el primero de septiembre de 1960, el bajista Ray Brown grabó su tercer álbum para el sello Verve, centrando la mayor parte de su atención en el violonchelo mientras que Joe Mondragón se ocupaba del bajo. La banda de 11 músicos en esta fecha estaba dirigida por el arreglista Russ García e incluía a los músicos de lengüeta Paul Horn y Bob Cooper, así como al pianista Jimmy Rowles. Los resultados fueron típicos del jazz de la costa oeste de finales de los años 50: baladas familiares y estándares amistosos y edificantes, interpretados con orden. Algunas de las canciones se remontan a los años 20, con "Rock-A-Bye Your Baby with a Dixie Melody" sirviendo como un vínculo sorprendentemente moderno con el vodevil, ya que las maniobras de pizzicato de Brown están salpicadas de potentes explosiones de cañas y metales. Si uno se toma el tiempo de colocar esta grabación en un contexto histórico, se revela una evolución impresionante. Se cree que el primer bajista que pasó al violonchelo en los discos de los tiempos modernos fue Oscar Pettiford, mientras que Fred Katz popularizó el instrumento de tono cálido a través de su trabajo con el baterista Chico Hamilton. La progresión de los violonchelistas de jazz desde entonces es impresionante, desde Ray Brown, Sam Jones, Percy Heath y Ron Carter hasta Abdul Wadud, David Holland, David Darling, David Eyges y Diedre Murray. Para la primera década del siglo XXI, había aparecido un número sin precedentes de violonchelistas improvisadores, haciendo que el álbum Jazz Cello de 1960 de Ray Brown pareciera un pequeño y soleado episodio en la fundación de una fascinante tradición moderna que abarca varias generaciones.

 

 

Gulsah Erol • Jazz For My Little Cello

 

Gülşah Erol is an Istanbul-based artist actively as a composer / interpreter in different styles and genres. She developed a passion for avant-garde and experimental performance, as well as film scoring. She has composed music for four documentaries centered around Turkish and Armenian relations, and contributed as a cellist to numerous award-winning films, including Atlıkarınca (Merry-Go-Round) , Gişe Memuru (Toll Booth). Her film work has earned her numerous honors including Radikal Public Jury award (2010) and Best Golden Tulip award (2011) and the movie "Şarmaşık" which was showed at Sundace 2015, for the first time. Recently, she collaborated on the soundtrack for Sarmaşık, which was screened at Sundance and East End Festival to widespread acclaim.
Outside of her film work, Gülşah has toured with acclaimed orchestras and new music ensembles across Europe, including ABSTRA and Gülşah Erol Band. Artist different instrumanist style that has in recent years, with commentator and composer has taken place in many festivals with own musicians and bands in various musical styles, concerts and expand the boundaries as well as recordings of acoustic and electric instrument performers are working on improvised or composed works with composers and also solo concerts, theater, film, video art and dance are located in areas such as the musician and composer.

Soundtrips concert with the knee as it was invited in 2012 in Bochum, Wuppertal, Witten, Aachen, Hamburg, Hanover, has a number of important musicians concerts in Cologne and Berlin. These concerts were among the most important new music events in Germany.
In recent years, she has been involved in important music festivals in European countries such as Germany, Norway, Italy, Spain, Holland, France, Belgium, and Turkey and apart from these, she performed at some concerts, such as Greece, Albania, Austria, Bosnia And Herzegovina, Bulgaria, Macedonia. Since 2010, she has been performed at several music festivals in Turkey. Such as 26. İstanbul jazz Festival, XJazz İstanbul, XJazz Ankara, Eskişehir 2. ve 9. Young Jazz Musicians Festival, İstanbul Young Classical musicians Festival, İstanbul Future Sound Festival, Rock’n Coke 2011 ve 2013, One Love Festival. Furthermore, Gülşah Erol performed with some important musicians, such as Peter Brötzmann, Joe McPhee, Wolter Wierbos, Bart Maris, Jim Black, Kenan Doğulu, Oğuz Büyükberber.

She was born in Ankara, Turkey in 1984. She studied piano and cello in Anadolu University State Conservatory at 1993. In 2004 played chamber music in Embassy of The Russian Federation and played Sergei Rachmaninov's “Elegie” Trio live in Local Ankara Radio. While she has been studying, performed several recitals in Anadolu University and Osmangazi University. In 2005 she studied with Prof. Marcio Carneiro. Same year she performed Edward Elgar’s Cello Concerto in E minor, Op. 85 at Tibor Varga Foundation Music in Sion, Switzerland. In 2006 she performed as Cello Group Chef in Anadolu University Symphony Orchestra for a while, performed several chamber music concerts in various cities as member of different flute, bassoon and cello quartets. In 2007 she has been accepted into Concert Diploma Program at the Mimar Sinan University with Prof. Reşit Erzin. She studied with Christoph Richter and Stanimir Todorov in International Menuhin Academy, Switzerland and same time studied Prof. Tobias Kühne. Also worked with Prof. Raphael Wallfisch, Markus Beul, Andreas Greuer, Fabian Kircher whom is a member of " Alma Quartett " and Guy Ben-Ziony. Still she works with Anadolu University Symphony Orchestra in Eskisehir. Lastly, Gülşah Erol studied Jazz at Istanbul Bahcesehir University Jazz Department.
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Gülşah Erol es un artista afincado en Estambul que trabaja activamente como compositor/intérprete en diferentes estilos y géneros. Ha desarrollado su pasión por la interpretación vanguardista y experimental, así como por la composición de películas. Ha compuesto música para cuatro documentales centrados en las relaciones entre Turquía y Armenia, y ha contribuido como violonchelista a numerosas películas premiadas, como Atlıkarınca (Merry-Go-Round) , Gişe Memuru (Toll Booth). Su trabajo cinematográfico le ha valido numerosos reconocimientos, como el premio del jurado público Radikal (2010) y el premio al mejor tulipán de oro (2011) y la película "Şarmaşık", que se proyectó en Sundace 2015, por primera vez. Recientemente, ha colaborado en la banda sonora de Sarmaşık, que se proyectó en Sundance y en el Festival de East End con gran éxito.
Fuera de su trabajo cinematográfico, Gülşah ha realizado giras con aclamadas orquestas y conjuntos de música nueva por toda Europa, como ABSTRA y Gülşah Erol Band. Artista diferente estilo instrumentista que tiene en los últimos años, con comentarista y compositor ha tenido lugar en muchos festivales con los propios músicos y bandas en varios estilos musicales, conciertos y ampliar los límites, así como las grabaciones de los intérpretes de instrumentos acústicos y eléctricos están trabajando en obras improvisadas o compuestas con compositores y también conciertos en solitario, teatro, cine, video arte y la danza se encuentran en áreas como el músico y compositor.

Soundtrips concierto con la rodilla, ya que fue invitado en 2012 en Bochum, Wuppertal, Witten, Aquisgrán, Hamburgo, Hannover, tiene una serie de importantes músicos conciertos en Colonia y Berlín. Estos conciertos se encontraban entre los eventos de música nueva más importantes de Alemania.
En los últimos años, ha participado en importantes festivales de música en países europeos como Alemania, Noruega, Italia, España, Holanda, Francia, Bélgica y Turquía y, además, ha actuado en algunos conciertos, como en Grecia, Albania, Austria, Bosnia y Herzegovina, Bulgaria y Macedonia. Desde 2010, ha actuado en varios festivales de música en Turquía. Tales como 26. Festival de jazz de Estambul, XJazz İstanbul, XJazz Ankara, Eskişehir 2. ve 9. Young Jazz Musicians Festival, İstanbul Young Classical musicians Festival, İstanbul Future Sound Festival, Rock'n Coke 2011 ve 2013, One Love Festival. Además, Gülşah Erol actuó con algunos músicos importantes, como Peter Brötzmann, Joe McPhee, Wolter Wierbos, Bart Maris, Jim Black, Kenan Doğulu, Oğuz Büyükberber.

Nació en Ankara, Turquía, en 1984. Estudió piano y violonchelo en el Conservatorio Estatal de la Universidad de Anadolu en 1993. En 2004 tocó música de cámara en la Embajada de la Federación Rusa y tocó el Trío "Elegie" de Sergei Rachmaninov en directo en la radio local de Ankara. Mientras estudiaba, dio varios recitales en la Universidad Anadolu y en la Universidad Osmangazi. En 2005 estudió con el profesor Marcio Carneiro. Ese mismo año interpretó el Concierto para Violonchelo en Mi menor, Op. 85 de Edward Elgar en la Fundación Musical Tibor Varga en Sion, Suiza. En 2006 actuó como Jefa de Grupo de Violonchelo en la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Anadolu durante un tiempo, realizó varios conciertos de música de cámara en varias ciudades como miembro de diferentes cuartetos de flauta, fagot y violonchelo. En 2007 fue aceptada en el Programa de Diploma de Concierto de la Universidad Mimar Sinan con el profesor Reşit Erzin. Estudió con Christoph Richter y Stanimir Todorov en la Academia Internacional Menuhin, Suiza, y al mismo tiempo con el Prof. Tobias Kühne. También trabajó con el Prof. Raphael Wallfisch, Markus Beul, Andreas Greuer, Fabian Kircher que es miembro del "Alma Quartett" y Guy Ben-Ziony. Sigue trabajando con la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Anadolu en Eskisehir. Por último, Gülşah Erol estudió jazz en el Departamento de Jazz de la Universidad Bahcesehir de Estambul.
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Prague Cello Quartet • A Happy

 

Group of young professional musicians bring you their original versions of not only the most famous classics, but also film scores and jazz, rock and pop hits. Their goal is to entertain the audience with their adaptations of well-known compositions and intelligent sense of humour, breaking the boundaries between fun and classical music. Come and see for yourself during one of their concerts in Czechia or abroad.
https://pcq.cz/en/about-us/

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Un grupo de jóvenes músicos profesionales le ofrece sus originales versiones no sólo de los clásicos más famosos, sino también de partituras cinematográficas y éxitos del jazz, el rock y el pop. Su objetivo es entretener al público con sus adaptaciones de composiciones conocidas y su inteligente sentido del humor, rompiendo las fronteras entre la diversión y la música clásica. Venga y compruébelo usted mismo durante uno de sus conciertos en Chequia o en el extranjero.
https://pcq.cz/en/about-us/

 

 

 

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Young Holt Unlimited • The Beat Goes On

 

Biography by Steve Huey
 Bassist Eldee Young and drummer Isaac "Red" Holt attended the American Conversatory of Music in Chicago together, and played together in a dance orchestra called the Cleffs, where they met pianist Ramsey Lewis and formed a popular jazz trio in 1956. After a decade as Lewis' rhythm section, Young and Holt split to form their own act in the wake of the trio's breakout pop hit "The 'In' Crowd." Hiring pianist Hysear Don Walker and christening themselves the Young-Holt Trio, they scored a quick Top 20 R&B hit with the infectious and silly "Wack Wack." Most of their material, recorded on several LPs for Brunswick, cut an invigorating soul-jazz groove that explored the territory between Jimmy Smith and Junior Walker, with dour bass, Ray Charles-inspired keyboards, faint scat vocals, and a live party ambience. In 1968, Walker was replaced by Ken Chaney as Young and Holt tightened up their sound, added some funky rhythms, and renamed the group Young-Holt Unlimited. They scored a left-field smash with the instrumental "Soulful Strut," which was actually the backing track from Brunswick soul singer Barbara Acklin's "Am I the Same Girl." Although the actual Young-Holt group was rumored not to have even played on the track, it went all the way to number three in 1969, driven by a bright, indelible horn riff. Attempts to duplicate its success met with indifference, and although Young-Holt Unlimited remained a popular concert attraction on both the R&B and jazz circuits (sometimes with pianist Bobby Lyle in place of Chaney), their recording career was on the wane. They cut LPs for Atlantic (1972's Oh Girl) and Paula (1973's Plays Superfly) that failed to restore their commercial momentum, and disbanded in 1974. Both Young and Holt reunited with Ramsey Lewis in 1983.
https://www.allmusic.com/artist/young-holt-unlimited-mn0000590524#biography

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Biografía de Steve Huey
 El bajista Eldee Young y el batería Isaac "Red" Holt estudiaron juntos en el American Conversatory of Music de Chicago y tocaron juntos en una orquesta de baile llamada The Cleffs, donde conocieron al pianista Ramsey Lewis y formaron un popular trío de jazz en 1956. Tras una década como sección rítmica de Lewis, Young y Holt se separaron para formar su propio grupo a raíz del gran éxito pop del trío, "The 'In' Crowd". Tras contratar al pianista Hysear Don Walker y bautizarse como Young-Holt Trio, consiguieron un rápido éxito en el Top 20 de R&B con la contagiosa y tonta "Wack Wack". La mayor parte de su material, grabado en varios LPs para Brunswick, tenía un vigorizante groove soul-jazz que exploraba el territorio entre Jimmy Smith y Junior Walker, con un bajo adusto, teclados inspirados en Ray Charles, tenues voces scat y un ambiente de fiesta en directo. En 1968, Walker fue sustituido por Ken Chaney mientras Young y Holt endurecían su sonido, añadían ritmos funky y rebautizaban el grupo como Young-Holt Unlimited. Consiguieron un gran éxito con el instrumental "Soulful Strut", que en realidad era la banda sonora de "Am I the Same Girl" de la cantante de soul de Brunswick Barbara Acklin. Aunque se rumoreaba que el grupo Young-Holt ni siquiera había tocado en la canción, ésta llegó al número tres en 1969, impulsada por un brillante e indeleble riff de trompeta. Los intentos de duplicar su éxito se toparon con la indiferencia, y aunque Young-Holt Unlimited siguió siendo una popular atracción de conciertos tanto en el circuito de R&B como en el de jazz (a veces con el pianista Bobby Lyle en lugar de Chaney), su carrera discográfica estaba en declive. Grabaron LPs para Atlantic (Oh Girl, 1972) y Paula (Plays Superfly, 1973) que no lograron recuperar su impulso comercial, y se disolvieron en 1974. Young y Holt se reunieron con Ramsey Lewis en 1983.
https://www.allmusic.com/artist/young-holt-unlimited-mn0000590524#biography

Prague Cello Quartet • Top Secret

Group of young professional musicians bring you their original versions of not only the most famous classics, but also film scores and jazz, rock and pop hits. Their goal is to entertain the audience with their adaptations of well-known compositions and intelligent sense of humour, breaking the boundaries between fun and classical music. Come and see for yourself during one of their concerts in Czechia or abroad.
https://pcq.cz/en/about-us/

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Un grupo de jóvenes músicos profesionales le ofrece sus originales versiones no sólo de los clásicos más famosos, sino también de partituras cinematográficas y éxitos del jazz, el rock y el pop. Su objetivo es entretener al público con sus adaptaciones de composiciones conocidas y su inteligente sentido del humor, rompiendo las fronteras entre la diversión y la música clásica. Venga y compruébelo usted mismo durante uno de sus conciertos en Chequia o en el extranjero.
https://pcq.cz/en/about-us/

 

pcq.cz/en ...

Red Mitchell • Rejoice

 Keith Moore Mitchell (September 20, 1927, New York City - November 8, 1992, Salem, Oregon), better known as Red Mitchell, was an American jazz double-bassist, composer, lyricist, and poet.

Red was raised in New Jersey by a father who was an engineer and loved music, and a mother who loved poetry. His first instruments were piano, alto saxophone, and clarinet. Although Cornell University awarded an engineering scholarship to Mitchell, by 1947 he was in the US Army playing bass. The next year he was in a jazz trio in New York City.

Mitchell became known for performing and/or recording with Mundell Lowe, Chubby Jackson, Charlie Ventura, Woody Herman, Red Norvo, Gerry Mulligan, and, after joining the West Coast jazz scene in the early 1950s, with Andre Previn, Shelly Manne, Hampton Hawes, Billie Holiday, Ornette Coleman, and others. He also worked as a bassist in the TV and film studios around Los Angeles, occasionally appearing on screen. Mitchell also appeared in documentaries about Tal Farlow, and Zoot Sims.

Saxophonist Harold Land and Mitchell founded and co-led a quintet in the early 1960s. In 1966, Red began tuning his bass in fifths (as the violin, viola, and cello are tuned), and his tuning method opened up many possibilities for bassists.

Mitchell moved to Stockholm in 1968 and he won Swedish Grammy Awards in 1986 and 1991 for his recorded performances as a pianist, bassist, and vocalist, and for his compositions and poetic song lyrics.

https://musicians.allaboutjazz.com/redmitchell

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Keith Moore Mitchell (20 de septiembre de 1927, ciudad de Nueva York - 8 de noviembre de 1992, Salem, Oregón), más conocido como Red Mitchell, fue un contrabajista, compositor, letrista y poeta de jazz estadounidense.

Red fue criado en Nueva Jersey por un padre que era ingeniero y amaba la música, y una madre que amaba la poesía. Sus primeros instrumentos fueron piano, saxofón alto y clarinete. Aunque la Universidad de Cornell otorgó una beca de ingeniería a Mitchell, en 1947 estaba en el Ejército de los Estados Unidos tocando el bajo. Al año siguiente estuvo en un trío de jazz en la ciudad de Nueva York.

Mitchell se hizo conocido por actuar y / o grabar con Mundell Lowe, Chubby Jackson, Charlie Ventura, Woody Herman, Red Norvo, Gerry Mulligan y, luego de unirse a la escena del jazz de la Costa Oeste a principios de los años cincuenta, con Andre Previn, Shelly Manne, Hampton Hawes, Billie Holiday, Ornette Coleman, y otros. También trabajó como bajista en los estudios de televisión y cine de Los Ángeles, apareciendo ocasionalmente en la pantalla. Mitchell también apareció en documentales sobre Tal Farlow y Zoot Sims.

El saxofonista Harold Land y Mitchell fundaron y lideraron un quinteto a principios de los años sesenta. En 1966, Red comenzó a afinar su bajo en quintos (como el violín, la viola y el violonchelo están afinados), y su método de afinación abrió muchas posibilidades para los bajistas.

Mitchell se mudó a Estocolmo en 1968 y ganó los Premios Grammy de Suecia en 1986 y 1991 por sus actuaciones grabadas como pianista, bajista y vocalista, y por sus composiciones y letras de canciones poéticas.

https://musicians.allaboutjazz.com/redmitchell