Harold Mabern • Maya with Love

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Harold Mabern • Mabern's Grooveyard

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Christian McBride & Inside Straight • People Music

 

Review by Matt Collar
Christian McBride's 2013 studio album, People Music, is the bassist's fourth release on Mack Avenue Records and second with his quintet Inside Straight. Although the lineup has changed slightly, this is the same group of musicians that delivered the equally as stellar 2009 album Kind of Brown. Featured here are vibraphonist Warren Wolf, pianist Peter Martin, alto saxophonist Steve Wilson, and drummer Carl Allen, with drummer Ulysses Owens Jr. jumping on board for a few cuts as well. As with Kind of Brown, People Music features McBride in straight-ahead, acoustic jazz mode with a bent toward the expansive and soulful '60s and '70s recordings of the Bobby Hutcherson-Harold Land quintet. These are no-nonsense songs that showcase McBride's band's swinging, harmonically adroit style of post-bop improvisation and sympathetic group interplay. Easily one of the most gifted and mature bassists of his generation, McBride continues to make music that challenges himself while also aiming to please his audience. In the best sense, People Music is music for everyone to enjoy.
https://www.allmusic.com/album/people-music-mw0002521714

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Reseña de Matt Collar
El álbum de estudio de Christian McBride de 2013, People Music, es el cuarto lanzamiento del bajista en Mack Avenue Records y el segundo con su quinteto Inside Straight. Aunque la alineación ha cambiado ligeramente, este es el mismo grupo de músicos que entregó el igualmente estelar álbum de 2009 Kind of Brown. Aquí aparecen el vibrafonista Warren Wolf, el pianista Peter Martin, el saxofonista alto Steve Wilson, y el baterista Carl Allen, con el baterista Ulysses Owens Jr. saltando a bordo para algunos cortes también. Al igual que en Kind of Brown, People Music presenta a McBride en modo de jazz acústico directo con una inclinación hacia las grabaciones expansivas y conmovedoras de los años 60 y 70 del quinteto Bobby Hutcherson-Harold Land. Se trata de canciones sin complicaciones que muestran el estilo de improvisación post-bop de la banda de McBride, con una gran habilidad armónica y una simpática interacción de grupo. McBride, uno de los bajistas más talentosos y maduros de su generación, sigue haciendo música que se desafía a sí mismo al tiempo que pretende complacer a su público. En el mejor sentido, People Music es música para que la disfrute todo el mundo.
https://www.allmusic.com/album/people-music-mw0002521714

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Jimmy Smith • Finest Hour

 

Chick Corea, Christian McBride and Brian Blade • Trilogy 3

 

En febrero de 2020 el pianista Chick Corea, junto con que era su trío en aquel momento, formado por el contrabajista Christian McBride y el batería Brian Blade, inició una gira por los Estados Unidos para presentar el que era su último disco, «Trilogy».

Lamentablemente todos los conciertos a partir de marzo de ese año tuvieron que suspenderse a causa de las restricciones impuestas por la pandemia del Covid (tú ya sabes, aquel virus exportado por la R.P. China y que causó millones de muertes en todo el mundo).

No es habitual que un trío formado por grandes nombres del jazz moderno acabe funcionando, ya sea por una cuestión de egos, o de lo que sea, pero lo cierto es que este funcionó. ¡Y de qué manera!.

En «Trilogy 3» se recogen ocho temas grabados a lo largo de los dos meses escasos que duró la gira del grupo, y en la selección se mezclan temas, prácticamente a partes iguales, tanto compuestos por Corea como por algunos de su músicos predilectos, y de esta manera aparecen dos piezas de Thelonious Monk 8«Ask Me Now», «Trinkle Tinkle») una de Bud Powell («Tempus Fugit»), otra de Cole Porter («You’d Be So Easy To Love») y una de Domenico Scarlatti («Sonata en re menor. K9. L413 Allegro») –una suerte de guiño a la música española ya que, aunque italiano de nacimiento, Scarlatti desarrolló la práctica totalidad de su carrera en Madrid.

El arranque con «Humpty Dumpty», un tema del pianista aparecido en 1978 en «The Mad Hatter», ya da las claves de lo que se va a escuchar durante el resto del álbum; jazz fluido y tangible, convincente en todo momento.

«Trilogy 3» ciera, al menos hasta el momento, la triada de discos que tiene como base «Trilogy» (2013), después de la aparición de «Trilogy 2» (2018), que acaban representado un muy destacado legado de uno de los grandes pianistas y compositores de jazz.

Justo un año después, el 9 de febrero de 2021, el pianista fallecía a causa de extraño cáncer. Tenía 79 años.

Delein.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/chick-corea-christian-mcbride-brian-blade-trilogy-3

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The gift that graciously and selflessly keeps on giving, Chick Corea, Christian McBride and Brian Blade, known far and wide by both young and old as Trilogy, comes to life once more on Triology 3.

Cut short by that global pandemic the world still cannot shake, these gloriously effusive live performances are gathered from the trio's final tour (February-March 2020), precisely a year before the pianist's death in February 2021 from a rare cancer. He was 79.

Bittersweet as that may sound, there are not (as there rarely were) any dark moments on Trilogy 3. From the charged jumpstart of "Humpty Dumpty"—its performance here quite possibly the tune's most fluid and bopping rendition since its 1978 debut on The Mad Hatter (Polydor)—Corea, McBride, and Blade are instantly inspired. McBride is effervescent. Blade rolls the tide. It is pure energy and lyric. Pure intuition and humble style. Corea takes the lead, stately, joyfully on "Windows," a burnished waltz from the pianist's mid-sixties songbook. He then commences to frolic amid Blade and McBride's masterfully breezy rhythmic dance. 

That easy breezy groove begets the first of two jaunty Thelonious Monk classics, the snap happy "Ask Me Now" (Genius of Modern Music, Vol. 2 (Blue Note, 1952)) and the irresistible hurdles of "Trinkle Tinkle" (Thelonious Monk Trio (Impulse, 1954). Each performance is taken with the trio's seasoned aplomb and vigor. Sandwiched between Monk, Cole Porter's delightfully sassy "You'd Be So Easy To Love" oozes from these guys with an undeniable fervor.

Ever a Corea favorite, the trio imprints Domenico Scarlatti's "Sonata In D Minor" with a poppy bop fervor that compliments not only the 18th-century Italian composer but also the trio's nuanced genius with all musical styles no matter how modern or antiquated. First appearing on Chinese Butterfly (Stretch, 2017), the three have a field day with "Spanish Song" one of the pianist's more textured and playful late-period compositions. Bud Powell's bop masterpiece "Tempus Fugit" closes out Trilogy 3 on a high only these three can attain and sustain. 
https://www.allaboutjazz.com/triology-3-triology-3-candid-records

chickcorea.com ...

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www.brianblade.com ... 

Christian McBride Trio • Out Here

Muy buen disco este, muchos contrabajistas y bajistas convierten sus discos solistas en clínicas del instrumento, este no es el caso.

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Very good album this, many bassists and bassists convert their solo albums in instrument clinics, this is not the case.

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Gary Burton • For Hamp, Red, Bags, And Cal

Born in 1943 and raised in Indiana, Gary Burton taught himself to play the vibraphone and, at the age of 17, made his recording debut in Nashville, Tennessee, with guitarists Hank Garland and Chet Atkins. Two years later, Burton left his studies at Berklee College of Music to join George Shearing and subsequently Stan Getz, with whom he worked from 1964-1966.

As a member of Getz's quartet, Burton won Down Beat magazine's Talent Deserving of Wider Recognition award in 1965. By the time he left Getz to form his own quartet in 1967, Burton had also recorded three albums under his name for RCA. Borrowing rhythms and sonorities from rock music, while maintaining jazz's emphasis on improvisation and harmonic complexity, Burton's first quartet attracted large audiences from both sides of the jazz-rock spectrum. Such albums as Duster and Lofty Fake Anagram established Burton and his band as progenitors of the jazz fusion phenomenon. Burton's burgeoning popularity was quickly validated by Down Beat magazine, which awarded him its Jazzman of the Year award in 1968. During his subsequent association with the label (1973-1988) the Burton Quartet expanded to include the young Pat Metheny on guitar, and the band began to explore a repertoire of modern compositions. In the '70s, Burton also began to focus on more intimate contexts for his music. His 1971 album Alone at Last, a solo vibraphone concert recorded at the 1971 Montreux Jazz Festival, was honored with a Grammy Award. Burton also turned to the rarely heard duo format, recording with bassist Steve Swallow, guitarist Ralph Towner, and most notably with pianist Chick Corea, thus cementing a long personal and professional relationship that has garnered an additional two Grammy Awards.

Also in the '70s, Burton began his career with Berklee College of Music in Boston. Burton began as a teacher of percussion and improvisation classes at Berklee in 1971. In 1985 he was named Dean of Curriculum. In 1989, he received an honorary doctorate of music from the college, and in 1996, he was appointed Executive Vice President.

Burton began recording for GRP records in the '80s and '90s. In 1990, he paired up again with his former protege Metheny for Reunion, which landed him the top spot on Billboard magazine's jazz chart. Burton is now recording for Concord Records. Departure (Gary Burton & Friends) was released in 1997 by Concord Records as well as Native Sense, a new duet collaboration with Chick Corea, which garnered a Grammy Award in 1998. Also in 1997, Burton recorded his second collection of tango music, Astor Piazzolla Reunion, featuring the top tango musicians of Argentina, followed by Libertango in 2000, another collection of Piazzolla music. His 1998 Concord release, Like Minds, an all-star hit featuring his frequent collaborators Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes, and Dave Holland, was honored with a Grammy win, Burton's fifth. Gary's vibraphone tribute CD, For Hamp, Red, Bags and Cal, was released in March 2001 on Concord and garnered Gary's 12th Grammy nomination. His most recent release in 2002 is a unique project with Makoto Ozone, his pianist collaborator of the past twenty years. In Virtuosi the pair explore the improvisational possibilities of classical themes including works by Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber and others. In an unusual move, the Recording Academy nominated Virtuosi in the classical category of the Grammy awards, a unique honor for Gary.

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Nacido en 1943 y criado en Indiana, Gary Burton aprendió por sí mismo a tocar el vibráfono y, a los 17 años, hizo su debut discográfico en Nashville, Tennessee, con los guitarristas Hank Garland y Chet Atkins. Dos años más tarde, Burton dejó sus estudios en el Berklee College of Music para unirse a George Shearing y posteriormente a Stan Getz, con quien trabajó de 1964 a 1966.

Como miembro del cuarteto de Getz, Burton ganó en 1965 el premio Talent Mering of Wider Recognition de la revista Down Beat. Cuando dejó Getz para formar su propio cuarteto en 1967, Burton también había grabado tres álbumes a su nombre para la RCA. Tomando prestados ritmos y sonoridades de la música rock, mientras mantenía el énfasis del jazz en la improvisación y la complejidad armónica, el primer cuarteto de Burton atrajo a grandes audiencias de ambos lados del espectro del jazz-rock. Álbumes como Duster y Lofty Fake Anagram establecieron a Burton y su banda como progenitores del fenómeno de fusión del jazz. La creciente popularidad de Burton fue rápidamente validada por la revista Down Beat, que le otorgó su premio de "Jazzman del año" en 1968. Durante su posterior asociación con el sello (1973-1988) el Cuarteto Burton se amplió para incluir al joven Pat Metheny en la guitarra, y la banda comenzó a explorar un repertorio de composiciones modernas. En los años 70, Burton también comenzó a centrarse en contextos más íntimos para su música. Su álbum Alone at Last de 1971, un concierto de vibráfono en solitario grabado en el Festival de Jazz de Montreux de 1971, fue galardonado con un premio Grammy. Burton también recurrió al formato de dúo, raramente escuchado, y grabó con el bajista Steve Swallow, el guitarrista Ralph Towner y, sobre todo, con el pianista Chick Corea, cimentando así una larga relación personal y profesional que le ha valido otros dos premios Grammy.

También en los años 70, Burton comenzó su carrera en el Berklee College of Music de Boston. Burton comenzó como profesor de percusión y clases de improvisación en Berklee en 1971. En 1985 fue nombrado Decano de Currículum. En 1989, recibió un doctorado honorario en música del colegio y en 1996 fue nombrado Vicepresidente Ejecutivo.

Burton comenzó a grabar para GRP Records en los años 80 y 90. En 1990, volvió a formar pareja con su antiguo protegido Metheny para Reunion, lo que le permitió alcanzar el primer puesto de la lista de éxitos de jazz de la revista Billboard. Burton está grabando ahora para Concord Records. Departure (Gary Burton & Friends) fue lanzado en 1997 por Concord Records, así como Native Sense, una nueva colaboración en dúo con Chick Corea, que obtuvo un premio Grammy en 1998. También en 1997, Burton grabó su segunda colección de música de tango, Astor Piazzolla Reunion, con los mejores músicos de tango de Argentina, seguida de Libertango en 2000, otra colección de música de Piazzolla. Su lanzamiento en 1998 de Concord, Like Minds, un éxito estelar con sus frecuentes colaboradores Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes, y Dave Holland, fue honrado con un Grammy, el quinto de Burton. El CD tributo al vibráfono de Gary, For Hamp, Red, Bags and Cal, fue lanzado en marzo de 2001 en Concord y obtuvo la 12ª nominación de Gary al Grammy. Su más reciente lanzamiento en 2002 es un proyecto único con Makoto Ozone, su pianista colaborador de los últimos veinte años. En Virtuosi la pareja explora las posibilidades de improvisación de temas clásicos, incluyendo obras de Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber y otros. En un movimiento inusual, la Academia de la Grabación nominó a Virtuosi en la categoría clásica de los premios Grammy, un honor único para Gary.

 

 

 

Christian McBride • The Q Sessions

 

McBride visited NYC’s Power Station last year to record three start-to-finish Hi-Res songs commissioned by Qobuz. The project was created with top-notch equipment at 24-bit/192kHz quality, and the final product streams and downloads with the exact same sound, tones and touches in which it was first recorded.

The EP features three McBride performances, played in a quartet with saxophonist Marcus Strickland, drummer Eric Harland, and guitarist Mike Stern. Comprised of one blues improv, one standard and one new original commissioned by Qobuz ("Brouhaha," a song inspired by the then-recent passing of Chick Corea), The Q Sessions was custom-designed for the jazz fans who turn to Qobuz for the best quality sound. This EP joins Qobuz’s already established catalog of exclusive content – expert penned “panorama” interactive essays, artist-created playlists, liner notes and lyric booklets – to add to the platform’s reputation for the best listening experience in the field.

“What a pleasure it was to put together a special group featuring one of my favorite guitarists of all time, Mike Stern. It was a great day in the studio with Mike, Marcus and Eric – not only jamming a couple of tunes, but to also record a new original of mine, 'Brouhaha,'" said McBride.
Mar 8, 2022
https://bassmagazine.com/artists/christian-mcbride-releases-the-q-sessions

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McBride visitó la Power Station de Nueva York el año pasado para grabar tres canciones Hi-Res de principio a fin por encargo de Qobuz. El proyecto se creó con equipos de primera categoría a una calidad de 24 bits/192 kHz, y el producto final se transmite y descarga con exactamente el mismo sonido, tonos y toques con los que se grabó por primera vez.

El EP incluye tres interpretaciones de McBride, en cuarteto con el saxofonista Marcus Strickland, el batería Eric Harland y el guitarrista Mike Stern. Compuesto por una improvisación de blues, un estándar y un nuevo original encargado por Qobuz ("Brouhaha", una canción inspirada en el entonces reciente fallecimiento de Chick Corea), The Q Sessions fue diseñado a medida para los aficionados al jazz que acuden a Qobuz en busca de la mejor calidad de sonido. Este EP se une al ya consolidado catálogo de contenidos exclusivos de Qobuz -ensayos interactivos "panorámicos" escritos por expertos, listas de reproducción creadas por artistas, liner notes y libretos de letras- para aumentar la reputación de la plataforma como la mejor experiencia de escucha en este campo.

"Ha sido un placer reunir a un grupo especial con uno de mis guitarristas favoritos de todos los tiempos, Mike Stern. Fue un gran día en el estudio con Mike, Marcus y Eric - no sólo improvisando un par de temas, sino también para grabar un nuevo original mío, 'Brouhaha'", dijo McBride.
8 de marzo de 2022
https://bassmagazine.com/artists/christian-mcbride-releases-the-q-sessions


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Joey DeFrancesco • Part III

Review by Scott Yanow

This fairly early effort by organist Joey DeFrancesco features him displaying a great deal of energy on a variety of standards and basic originals. DeFrancesco swings hard throughout, mostly featuring his regular trio (with guitarist Paul Bollenback and drummer Byron Landham) and such fine (but little-known) players as tenor saxophonist Glenn Guidone, altoist Robert Landham, and trumpeter J.R. Henry. Joey's father, John DeFrancesco, makes a guest appearance on second organ on "Gut Bucket Blues." The music is quite enjoyable and easily recommended for fans of Jimmy Smith-style organ playing.

https://www.allmusic.com/album/part-iii-mw0000262468

www.joeydefrancesco.com ...

Benny Green • The Place To Be

Review by Scott Yanow

Benny Green continued to show gradual growth throughout the 1990s. For this outing with his 1994 trio (which also includes bassist Christian McBride and drummer Kenny Washington), Green shows off the influence of Oscar Peterson and other predecessors, but also displays his own musical voice during a mixture of originals, jazz standards (including "I Want to Talk About You," "Pensativa" and "The Folks Who Live on the Hill") and lesser-known tunes. Three songs add six horns orchestrated by Green and Bob Belden, and a special highlight is Green's solo rendition of Oscar Peterson's "Noreen's Nocturne." Overall, this CD is an excellent example of Benny Green's playing and writing talents.

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Reseña de Scott Yanow

Benny Green continuó mostrando un crecimiento gradual a lo largo de la década de 1990. Para esta salida con su trío de 1994 (que también incluye al bajista Christian McBride y al baterista Kenny Washington), Green muestra la influencia de Oscar Peterson y otros predecesores, pero también muestra su propia voz musical durante una mezcla de originales, estándares de jazz (incluyendo "I Want to Talk About You", "Pensativa" y "The Folks Who Live on the Hill") y temas menos conocidos. Tres canciones añaden seis trompetas orquestadas por Green y Bob Belden, y un punto culminante es la interpretación en solitario de "Noreen's Nocturne" de Oscar Peterson. En general, este CD es un excelente ejemplo de los talentos de Benny Green para tocar y escribir.

bennygreen.net ...

Peter Bernstein • Signs Of Life

Review by Scott Yanow
Peter Bernstein's second CD as a leader reunites him with pianist Brad Mehldau and once again features him in a quartet. However, both Bernstein and Mehldau had grown quite a bit as soloists during the previous two years (the pianist really tears into "Nobody Else but Me") and this time they are joined by the virtuosic bassist Christian McBride and drummer Gregory Hutchinson. In addition, the songs (five Bernstein originals and four standards) are stronger and challenge the soloists to play at their best. Among the highlights are "Jet Stream," "Jive Coffee" (Bernstein's sly revision of "Tea for Two"), "Will You Still Be Mine," and a tasteful "My Ideal" in addition to "Nobody Else but Me." An excellent effort.

 

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Reseña de Scott Yanow
El segundo CD de Peter Bernstein como líder lo reúne con el pianista Brad Mehldau y una vez más lo presenta en un cuarteto. Sin embargo, tanto Bernstein como Mehldau han crecido bastante como solistas durante los dos años anteriores (el pianista realmente se desgarra en "Nobody Else but Me") y esta vez se les une el virtuoso bajista Christian McBride y el baterista Gregory Hutchinson. Además, las canciones (cinco originales de Bernstein y cuatro estándares) son más fuertes y desafían a los solistas a tocar al máximo. Entre las más destacadas están "Jet Stream", "Jive Coffee" (la astuta revisión de Bernstein de "Tea for Two"), "Will You Still Be Mine", y una gustosa "My Ideal", además de "Nobody Else but Me". Un esfuerzo excelente.

www.peterbernsteinmusic.com ...

Christian Mcbride • Kind Of Brown

Review:

One might assume that bassist Christian McBride's CD Kind of Brown would be a tribute to Ray Brown. Au contraire -- in fact, it would be appropriate for this recording to own up to the title Kind of Blue Note, because this music bears a strong resemblance to the late-'60s to mid-'70s recordings of the legendary Bobby Hutcherson-Harold Land quintet. That seminal post-bop ensemble defined the mid-period Blue Note label sound, and created resonant sonic signposts that remained unequaled, until now. A new discovery in vibraphonist Warren Wolf, Jr., teamed with veteran saxophonist Steve Wilson, the wonderful pianist Eric Reed, and drummer Carl Allen makes McBride's quintet dubbed Inside Straight into one of the more melodically tuneful and harmonically focused contemporary ensembles combining past tradition with a fresh new approach to this potent style of jazz. McBride is almost an equal in this company, putting aside his furious note playing for a more democratic role in this extraordinarily balanced small combo. The similarities to the Hutcherson-Land group are unmistakable, from the tick-tock rhythm and melodic line similar to Hutch and Herbie Hancock's classic composition "Blow Up" on "Brother Mister" to the steady swinger "Rainbow Wheel" and "Pursuit of Peace," with its probing basslines via McBride and perfectly fitted hand-in-glove melody and unison approach. The athletic and quirky "Stick and Move" is hard-charging bop at its best with Reed leading; soul-jazz is adopted during the waltz "Used 'ta Could" in parallel to the standard "Better Than Anything"; while "The Shade of the Cedar Tree" (for Cedar Walton) is again similar to what Walton and Hutcherson did with the Timeless All Stars, and close to Walton's tune "Hindsight." McBride's role as a leader is more pronounced on "Theme for Kareem," an ultra-tight, very hip tune that has potential standard written all over it. Wilson concentrates on alto sax, but plays a bit of soprano on the recording for the waltz-to-samba "Starbeam"; McBride restrains his inclination to play a multiplicity of notes; and Wolf proves to be a new artist to keep a close watch on in the next decade. While Christian McBride has been involved with many amazing recordings during his brief but substantive career, this might be his best batch yet.

by Michael G. Nastos

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Reseña:

Uno podría asumir que el CD Kind of Brown del bajista Christian McBride sería un tributo a Ray Brown. Au contraire -- de hecho, sería apropiado que esta grabación se atribuyera el título de Kind of Blue Note, porque esta música tiene un fuerte parecido con las grabaciones de finales de los 60 y mediados de los 70 del legendario quinteto Bobby Hutcherson-Harold Land. Ese seminal conjunto post-bop definió el sonido de la etiqueta Blue Note en el período medio, y creó resonantes señales sonoras que permanecieron inigualables, hasta ahora. Un nuevo descubrimiento del vibrafonista Warren Wolf, Jr., junto con el veterano saxofonista Steve Wilson, el maravilloso pianista Eric Reed, y el batería Carl Allen hacen del quinteto de McBride, llamado Inside Straight, uno de los conjuntos contemporáneos más melódicamente afinados y armónicamente enfocados, que combina la tradición del pasado con un nuevo y fresco enfoque de este potente estilo de jazz. McBride es casi un igual en esta compañía, dejando de lado su furioso toque de notas para un papel más democrático en este pequeño combo extraordinariamente equilibrado. Las similitudes con el grupo de Hutcherson-Land son inconfundibles, desde el ritmo tic-tac y la línea melódica similar a la composición clásica de Hutch y Herbie Hancock "Blow Up" en "Brother Mister" hasta el constante swing "Rainbow Wheel" y "Pursuit of Peace", con sus probadas líneas de bajo a través de McBride y una melodía perfectamente ajustada de mano en mano y un enfoque al unísono. El atlético y estrafalario "Stick and Move" es un duro bop en su mejor momento con Reed al frente; el soul-jazz se adopta durante el vals "Used 'ta Could" en paralelo al estándar "Better Than Anything"; mientras que "The Shade of the Cedar Tree" (por Cedar Walton) es de nuevo similar a lo que Walton y Hutcherson hicieron con el Timeless All Stars, y cercano a la melodía de Walton "Hindsight". El papel de McBride como líder es más pronunciado en "Tema para Kareem", una melodía ultra-fuerte y muy moderna que tiene un estándar potencial escrito por todas partes. Wilson se concentra en el saxo alto, pero toca un poco de soprano en la grabación para el vals a la samba "Starbeam"; McBride refrena su inclinación a tocar una multiplicidad de notas; y Wolf demuestra ser un nuevo artista al que hay que vigilar de cerca en la próxima década. Mientras que Christian McBride ha estado involucrado en muchas grabaciones increíbles durante su breve pero sustanciosa carrera, esta podría ser su mejor hornada hasta ahora.

por Michael G. Nastos

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James Carter • Heaven on Earth

 

 

Review by Thom Jurek
Present Tense was born out of two very specific desires. First, saxophonist James Carter wanted a precise recorded portrait of where he was at as a musician, aesthetically and technically. Second was producer Michael Cuscuna's dead-on assertion that Carter, for all his instrumental and aesthetic virtuosity, had never been represented well on tape. Carter's inability to resist overdoing it on virtually everything he records (ten-minute solos in standards, etc.) makes that point inarguable. Cuscuna proves to be the perfect producer -- as both ally and foil -- and reins Carter in to benefit the recording as a whole. The band on Present Tense is solid: the young trumpeter and fellow Detroiter Dwight Adams, pianist D.D. Jackson, bassist James Genus, and drummer Victor Lewis round out the quintet, with percussionist Eli Fountain and guitarist Rodney Jones playing on three cuts each. The program is wide-ranging and eclectic, but it locks. It offers a portrait of Carter as an exciting traditionalist who can stretch arrangements and previous interpretations to the breaking point, without simply making them egotistical statements about him as a soloist.

Dave Burns "Rapid Shave" opens the set on a stomping, storming, Blue Note-style hard bop workout with Carter's tenor and Adams' trumpet playing the 24-bar jump blues with joyous abandon. Adams' comps push the fat harmonic center straight to the front. Genus and Lewis offer sprightly tempos and interesting rhythmic accents. Adams proves he can hang with the big fellows nicely in his own solo. Carter's "Bro. Dolphy" is one of the most compelling and emotionally satisfying tunes on the set, with Carter on bass clarinet. It opens as an angular, slightly dissonant harmonic sprint but gives way to some of the most lyric balladry Carter has ever composed; one can hear his love of Billie Holiday in the melody even as he evokes Dolphy's own love of the blues and simpler melodies. But this isn't enough by a long shot, and before long the ballad gives way to a stomping, Mingus-style workout, the very kind that showcased Dolphy's artistry as both a soloist and arranger.

Django Reinhardt's ballad, "Pour Que Ma Vie Demeure," with Carter on soprano, is lovely. It lowers the intensity and features a fine solo by Genus. Other standouts include Dodo Marmarosa's "Dodo's Bounce," with Carter on flute and Adams playing a muted trumpet. Its elegant, cool swing is balanced by Jones' semi-percussive strum that adds a weight to the rhythm section. Jones also appears on the Carter original "Bossa J.C." Fountain's congas shimmer in this samba, which contains a post-bop force inspired by Ray Barretto's tough Latin jazz sensibility and the lyricism of Tom Jobim. Carter's solo seeks the places where the tune's melody breaks out, and succeeds in finding it. Jones follows the roll of rhythms in his single-string and chord voicings as he alternates between George Benson-esque funk and Baden Powell's elegant textural statements. It works without a hitch. Whether it's in the sprinting bop pyrotechnics of Gigi Gryce's "Hymn of the Orient," or the off minor tropical blues of Jimmy Jones' "Shadowy Sands," or the balladry of the standard "Tenderly," Present Tense showcases Carter at his most disciplined and ambitious. Even his originals -- check "Sussa Nita" -- use the tradition in ways he hasn't employed before. This may be Carter's finest album because of its insistence on the balance between restraint and adventure. Carter placed himself in Cuscuna's expert hands and it has paid off handsomely.
https://www.allmusic.com/album/present-tense-mw0000785680

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Reseña de Thom Jurek

El tiempo presente nació de dos deseos muy específicos. En primer lugar, el saxofonista James Carter quería un retrato grabado preciso de dónde se encontraba como músico, estética y técnicamente. En segundo lugar, fue la afirmación categórica del productor Michael Cuscuna de que Carter, a pesar de todo su virtuosismo instrumental y estético, nunca había sido bien representado en una cinta. La incapacidad de Carter para resistirse a exagerar en prácticamente todo lo que graba (solos de diez minutos en estándares, etc.) hace que ese punto sea indiscutible. Cuscuna demuestra ser el productor perfecto, tanto como aliado como contrapeso, y reine a Carter para beneficiar la grabación en su conjunto. La banda en Tiempo Presente es sólida: el joven trompetista y compañero de Detroit Dwight Adams, el pianista D. D. Jackson, el bajista James Genus y el baterista Victor Lewis completan el quinteto, con el percusionista Eli Fountain y el guitarrista Rodney Jones tocando en tres cortes cada uno. El programa es amplio y ecléctico, pero se bloquea. Ofrece un retrato de Carter como un tradicionalista emocionante que puede estirar los arreglos y las interpretaciones previas hasta el punto de ruptura, sin simplemente hacer declaraciones egoístas sobre él como solista.

Dave Burns "Rapid Shave" abre el set con un entrenamiento de hard bop al estilo Blue Note pisoteando, asaltando, con el tenor de Carter y la trompeta de Adams tocando los blues de salto de 24 compases con alegre abandono. Las composiciones de Adams empujan el gordo centro armónico directamente al frente. Genus y Lewis ofrecen tempos vivaces y acentos rítmicos interesantes. Adams demuestra que puede pasar el rato con los big fellows muy bien en su propio solo. El "hermano. Dolphy " es una de las melodías más convincentes y emocionalmente satisfactorias del set, con Carter en el clarinete bajo. Se abre como un sprint armónico angular y ligeramente disonante, pero da paso a algunas de las baladas más líricas que Carter haya compuesto jamás; uno puede escuchar su amor por Billie Holiday en la melodía, incluso cuando evoca el amor de Dolphy por el blues y las melodías más simples. Pero esto no es suficiente por mucho, y en poco tiempo la balada da paso a un entrenamiento pisoteante al estilo Mingus, del mismo tipo que mostró el arte de Dolphy como solista y arreglista.

La balada de Django Reinhardt, "Pour Que Ma Vie Demeure", con Carter en soprano, es encantadora. Disminuye la intensidad y presenta un buen solo por género. Otros destacados incluyen "Dodo's Bounce" de Dodo Marmarosa, con Carter en la flauta y Adams tocando una trompeta apagada. Su swing elegante y fresco se equilibra con el rasgueo semipercusivo de Jones que agrega peso a la sección rítmica. Jones también aparece en las congas shimmer de Carter original "Bossa J.C." Fountain en esta samba, que contiene una fuerza post-bop inspirada en la dura sensibilidad del jazz latino de Ray Barretto y el lirismo de Tom Jobim. El solo de Carter busca los lugares donde estalla la melodía de la melodía y logra encontrarla. Jones sigue el ritmo de los ritmos en sus voces de una sola cuerda y acordes mientras alterna entre el funk al estilo de George Benson y las elegantes declaraciones texturales de Baden Powell. Funciona sin problemas. Ya sea en la pirotecnia bop de Gigi Gryce "Hymn of the Orient", o en el blues tropical apagado y menor de Jimmy Jones "Shadowy Sands", o en la balada de the standard "Tenderly", Present Tense muestra a Carter en su forma más disciplinada y ambiciosa. Incluso sus originales, como "Sussa Nita", usan la tradición de una manera que no había empleado antes. Este puede ser el mejor álbum de Carter debido a su insistencia en el equilibrio entre moderación y aventura. Carter se puso en las manos expertas de Cuscuna y ha valido la pena.

https://www.allmusic.com/album/present-tense-mw0000785680


jamescarterlive.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Christian McBride • Conversations With Christian

 

 

Review
by Ken Dryden  
Conversations with Christian is an unusual release, as it features the veteran bassist playing duets with a number of good friends. The vocal meetings include Angélique Kidjo, Sting, and Dee Dee Bridgewater (the latter with a hilarious, funky cover of the Isley Brothers' signature song "It's Your Thing"). The pairings with musicians of McBride's generation (trumpeter Roy Hargrove, tenor saxophonist Ron Blake, and guitarist Russell Malone) all exceed expectations. There are several enjoyable duets with pianists, one featuring Latin jazz master Eddie Palmieri, a duo improvised tango by Chick Corea and the leader, plus an all too rare acoustic outing by the talented George Duke (who tears up the keyboard with his hard-charging "McDukey Blues"). But McBride's meetings with Dr. Billy Taylor (playing his beautiful "Spiritual" with some potent arco playing by the bassist) and the elegant, swinging meeting with the gifted jazz master Hank Jones ("Alone Together") remain moments to savor, as they are among the final recordings by the two jazz greats, both of whom died in 2010. The last track is a funky blues just for laughs, with actress Gina Gershon joining the bassist by playing a Jew's harp, and featuring lots of comic spoken exchanges between the two. Throughout it all, Christian McBride plays with the chameleon-like adaptability of a Milt Hinton or Ray Brown. In the two-plus decades since arriving on the jazz scene, Christian McBride has demonstrated that he is a jazz master in the making, and this is easily one of his most compelling sets.
https://www.allmusic.com/album/conversations-with-christian-mw0002231979

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Reseña
por Ken Dryden  
Conversations with Christian es un lanzamiento inusual, ya que presenta al veterano bajista tocando a dúo con una serie de buenos amigos. Los encuentros vocales incluyen a Angélique Kidjo, Sting y Dee Dee Bridgewater (esta última con una divertidísima y funky versión de la emblemática canción de los Isley Brothers "It's Your Thing"). Los dúos con músicos de la generación de McBride (el trompetista Roy Hargrove, el saxofonista tenor Ron Blake y el guitarrista Russell Malone) superan todas las expectativas. Hay varios dúos agradables con pianistas, uno con el maestro del jazz latino Eddie Palmieri, un tango improvisado a dúo por Chick Corea y el líder, además de una salida acústica demasiado rara del talentoso George Duke (que destroza el teclado con su duro "McDukey Blues"). Pero los encuentros de McBride con el Dr. Billy Taylor (tocando su hermosa "Spiritual" con un potente arco del bajista) y el elegante y oscilante encuentro con el talentoso maestro del jazz Hank Jones ("Alone Together") siguen siendo momentos para saborear, ya que se encuentran entre las últimas grabaciones de los dos grandes del jazz, ambos fallecidos en El último tema es un blues funky sólo para reírse, con la actriz Gina Gershon uniéndose al bajista tocando un arpa judía, y con muchos intercambios cómicos hablados entre los dos. En todo momento, Christian McBride toca con la adaptabilidad camaleónica de Milt Hinton o Ray Brown. En las más de dos décadas que lleva en la escena del jazz, Christian McBride ha demostrado que es un maestro en ciernes, y éste es sin duda uno de sus sets más convincentes.
https://www.allmusic.com/album/conversations-with-christian-mw0002231979


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George Freeman • The Good Life

 

Editorial Review
George Freeman has been part of jazz for nearly a century. Brother of Von and uncle of Chico Freeman, he's worked with the greats, such as Charlie Parker and Ben Webster. Appearing on the recording is legendary organist Joey DeFrancesco, going into the studio just a couple of months before his untimely death. DeFrancesco admired Freeman's work on a Jimmy McGriff LP so it is quite touching that the two were able to collaborate here. Also featured on 4 tracks is bass phenom Christian McBride stoking up some swinging performances with Freeman. Drummers Lewis Nash and Carl Allen provide propulsive rhythms throughout. It must be said, however, that the pulsing heart of the band is Freeman himself, who plays with integrity and enthusiasm and who continues to bring an impressive lifetime of experience to his work.
https://www.amazon.com/George-Freeman/dp/B0C3RY6RT3

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Reseña editorial
George Freeman forma parte del jazz desde hace casi un siglo. Hermano de Von y tío de Chico Freeman, ha trabajado con los grandes, como Charlie Parker y Ben Webster. En la grabación aparece el legendario organista Joey DeFrancesco, que entró en el estudio sólo un par de meses antes de su prematura muerte. DeFrancesco admiraba el trabajo de Freeman en un LP de Jimmy McGriff, por lo que es muy conmovedor que ambos pudieran colaborar aquí. También aparece en 4 temas el fenómeno del bajo Christian McBride, que hace algunas interpretaciones con Freeman. Los baterías Lewis Nash y Carl Allen aportan ritmos propulsivos. Hay que decir, sin embargo, que el corazón palpitante de la banda es el propio Freeman, que toca con integridad y entusiasmo y que sigue aportando a su trabajo una impresionante experiencia de toda una vida.
https://www.amazon.com/George-Freeman/dp/B0C3RY6RT3


www.jazzdepot.com ...

Joe Lovano Quartets • Live At The Village Vanguard

 

Biography:
Grammy-winning saxophonist, composer and producer Joe Lovano is fearless in finding new modes of artistic expression. With a Grammy Win for his 52nd Street Themes and 14 other nominations, he has won Down Beat Magazine’s Critics and Readers Polls countless times as Tenor Saxophonist, Musician of the Year, Jazz Album of the Year and Triple Crowns from Downbeat. He has also gotten numerous awards from Jazz Times and the Jazz Journalists Association for Tenor Saxophone, Album of the Year and Musician of the Year.

Born in Cleveland, Ohio on December 29, 1952 he attended the famed Berklee College of Music in Boston where years later he was awarded an Honorary Doctorate. Since 2001 he has held the Gary Burton Chair in Jazz Performance and is a founding faculty member since 2009 of the Global Jazz Institute at Berklee directed by Danilo Perez. He is a guest lecturer at New York University’s Jazz Program, Juilliard and Manhattan School of Music as well as Clinician at Universities around the globe.

He has toured with jazz greats such as Woody Herman Thundering Herd, Dr. Lonnie Smith, Jack McDuff, Mel Lewis Jazz Orchestra, Paul Motian Trio, Charlie Haden Liberation Music Orchestra, Carla Bley Band, Elvin Jones Jazz Machine, Saxophone Summit and has created a body of work for his own large ensembles including strings, woodwinds, voice as well as his Horn-rich Nonet and more recently his UsFive group with double drummers which has been gathering kudos world-wide!

Since 1991 Lovano has been recording as a leader for Blue Note Records. “Joe Lovano Quartet: Classic! Live at Newport” featuring Hank Jones was recorded in 2005 and released in 2016 marking his 25th recording for the label.

Joe has also performed and recorded with a long list of jazz greats including Woody Herman, Mel Lewis, Bob Brookmeyer, Paul Motian, Bill Frisell, Tony Bennett, Abbey Lincoln, Charlie Haden, John Scofield, Gunther Schuller, Elvin Jones, McCoy Tyner, Ed Blackwell, Herbie Hancock, Dave Holland, Hank Jones, Dave Liebman, Michael Brecker, Dave Douglas, Judi Silvano, Ravi Coltrane, Chucho Valdez, Ornette Coleman and many others.

In addition, composer Mark Anthony Turnage wrote a Concerto for Saxophone and Chamber Orchestra for Joe called “A Man Descending” which has been performed globally and Maestro Michael Abene orchestrated an album of all-Lovano originals called “Symphonica” for the WDR Symphonic Orchestra and Big Band, which was released on Blue Note and received a Grammy nomination.

Joe Lovano continues to explore new horizons within the world of music as a soloist, band leader and composer.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joe-lovano

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Biografía:

El saxofonista, compositor y productor Joe Lovano, ganador de un Grammy, no tiene miedo a la hora de encontrar nuevos modos de expresión artística. Ganador de un Grammy por sus 52nd Street Themes y otras 14 nominaciones, ha ganado innumerables veces las encuestas de críticos y lectores de la revista Down Beat como saxofonista tenor, músico del año, álbum de jazz del año y triple corona de Downbeat. También ha obtenido numerosos premios del Jazz Times y de la Jazz Journalists Association como Saxofón Tenor, Álbum del Año y Músico del Año.

Nacido en Cleveland, Ohio, el 29 de diciembre de 1952, estudió en el famoso Berklee College of Music de Boston, donde años más tarde se le concedió el Doctorado Honoris Causa. Desde 2001 ocupa la cátedra Gary Burton de Interpretación de Jazz y es miembro fundador desde 2009 del Global Jazz Institute de Berklee dirigido por Danilo Pérez. Es profesor invitado en el Programa de Jazz de la Universidad de Nueva York, en Juilliard y en la Manhattan School of Music, así como clínico en universidades de todo el mundo.

Ha realizado giras con grandes del jazz como Woody Herman Thundering Herd, Dr. Lonnie Smith, Jack McDuff, Mel Lewis Jazz Orchestra, Paul Motian Trio, Charlie Haden Liberation Music Orchestra, Carla Bley Band, Elvin Jones Jazz Machine, Saxophone Summit y ha creado un corpus de obras para sus propios grandes conjuntos, que incluyen cuerdas, maderas y voz, así como su Horn-rich Nonet y, más recientemente, su grupo UsFive con doble batería, que ha cosechado elogios en todo el mundo.

Desde 1991, Lovano graba como líder para Blue Note Records. "Joe Lovano Quartet: ¡Classic! Live at Newport" con Hank Jones fue grabado en 2005 y lanzado en 2016 marcando su 25ª grabación para el sello.

Joe también ha tocado y grabado con una larga lista de grandes del jazz como Woody Herman, Mel Lewis, Bob Brookmeyer, Paul Motian, Bill Frisell, Tony Bennett, Abbey Lincoln, Charlie Haden, John Scofield, Gunther Schuller, Elvin Jones, McCoy Tyner, Ed Blackwell, Herbie Hancock, Dave Holland, Hank Jones, Dave Liebman, Michael Brecker, Dave Douglas, Judi Silvano, Ravi Coltrane, Chucho Valdez, Ornette Coleman y muchos otros.

Además, el compositor Mark Anthony Turnage escribió para Joe un concierto para saxofón y orquesta de cámara titulado "A Man Descending", que se ha interpretado en todo el mundo, y el maestro Michael Abene orquestó un álbum de originales de Lovano titulado "Symphonica" para la WDR Symphonic Orchestra and Big Band, que se publicó en Blue Note y recibió una nominación a los Grammy.

Joe Lovano sigue explorando nuevos horizontes en el mundo de la música como solista, líder de banda y compositor.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joe-lovano

joelovano.com ...

Gary Smulyan And Brass • Blue Suite

 

garysmulyan.com ...


Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Temple University Jazz Band • Without You, No Me

 

 

When his friend, colleague, mentor and confidante Jimmy Heath died in January 2020, trumpeter Terell Stafford's first impulse was to find a way to honor and remember the renowned Philadelphia-born saxophonist. As Stafford is director of the Temple University Jazz Band, also in Philadelphia, an obvious way would be to record a tribute album, which Stafford set about preparing. And then the Covid-19 pandemic arrived, scuttling those plans and most others on the drawing board.

The band did manage to release one album, The Covid Sessions: A Social Call, during the pandemic, recorded at long-distance with students "phoning in" their performances from homes across the country, but it wasn't until April 2021 that they were able to gather in the spacious Temple Performing Arts Center using social distancing, plexiglass dividers and half-hour "fresh air breaks" to record Without You, No Me, a picturesque tribute to Heath featuring special guests (and fellow Philadelphians) bassist Christian McBride and organist Joey DeFrancesco.

The album also honors two other Philly legends who died within the past year: saxophonist Bootsie Barnes and Hall of Fame basketball coach John Chaney—Barnes with Temple alumnus Jack Saint Clair's high-octane "Bootsie," Chaney with McBride's multi-layered "The Wise Old Owl." Heath wrote the breezy "Without You, No Me" (for Dizzy Gillespie) and the eloquent "Voice of the Saxophone," DeFrancesco the fast-paced "In That Order," Todd Bashore (a former student of Heath's) the assertive opener, "Passing of the Torch." Danielle Dougherty sings (quite well) on Saint Clair's perceptive arrangements of the standard "Please Don't Talk About Me When I'm Gone" and Shirley Scott's soulful "The Blues Ain't Nothin' (But Some Pain)." Bassist John Clayton arranged "I Can't Give You Anything But Love" (showcasing McBride's full-throated bass), pianist Bill Cunliffe "In That Order." The freewheeling closer, Juan Tizol's "Perdido," was scored by another Philadelphia icon, saxophonist Larry McKenna. DeFrancesco solos on "In That Order" and (with McBride) on "Perdido," McBride again on "The Wise Old Owl" and "I Can't Give You Anything But Love."

The band is admirable throughout, as are its (unnamed) soloists, one of whom may (or may not) be Stafford. McBride and DeFrancesco? Impeccable, as always. Splendid cover art too: a silhouette of Heath, saxophone in hand, against a backdrop of Philadelphia skyscrapers. A warm and spacious salute to a jazz colossus that was well worth the wait.
By Jack Bowers
November 28, 2021
https://www.allaboutjazz.com/without-you-no-me-temple-university-jazz-band-bcm-and-d-records

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Cuando su amigo, colega, mentor y confidente Jimmy Heath murió en enero de 2020, el primer impulso del trompetista Terell Stafford fue encontrar una manera de honrar y recordar al renombrado saxofonista nacido en Filadelfia. Como Stafford es director de la Banda de Jazz de la Universidad de Temple, también en Filadelfia, una forma obvia sería grabar un álbum de homenaje, que Stafford se puso a preparar. Y entonces llegó la pandemia de Covid-19, que echó por tierra esos planes y la mayoría de los que estaban en marcha.

La banda consiguió publicar un álbum, The Covid Sessions: A Social Call, durante la pandemia, grabado a distancia con estudiantes que "llamaban por teléfono" a sus actuaciones desde sus casas en todo el país, pero no fue hasta abril de 2021 cuando pudieron reunirse en el espacioso Temple Performing Arts Center utilizando el distanciamiento social, los separadores de plexiglás y las "pausas de aire fresco" de media hora para grabar Without You, No Me, un pintoresco homenaje a Heath que cuenta con invitados especiales (y compañeros de Filadelfia) el bajista Christian McBride y el organista Joey DeFrancesco.

El álbum también rinde homenaje a otras dos leyendas de Filadelfia que fallecieron el año pasado: el saxofonista Bootsie Barnes y el entrenador de baloncesto del Salón de la Fama John Chaney-Barnes con la canción de alto octanaje "Bootsie", del ex alumno de Temple Jack Saint Clair, y Chaney con "The Wise Old Owl", de McBride, de múltiples capas. Heath escribió la alegre "Without You, No Me" (para Dizzy Gillespie) y la elocuente "Voice of the Saxophone", DeFrancesco la acelerada "In That Order", Todd Bashore (antiguo alumno de Heath) la asertiva apertura, "Passing of the Torch". Danielle Dougherty canta (bastante bien) en los perspicaces arreglos de Saint Clair del estándar "Please Don't Talk About Me When I'm Gone" y la conmovedora "The Blues Ain't Nothin' (But Some Pain)" de Shirley Scott. El bajista John Clayton arregló "I Can't Give You Anything But Love" (mostrando el bajo de McBride a todo volumen), el pianista Bill Cunliffe "In That Order". El cierre libre, "Perdido" de Juan Tizol, fue anotado por otro icono de Filadelfia, el saxofonista Larry McKenna. DeFrancesco hace un solo en "In That Order" y (con McBride) en "Perdido", McBride de nuevo en "The Wise Old Owl" y "I Can't Give You Anything But Love".

La banda es admirable en todo momento, al igual que sus solistas (sin nombre), uno de los cuales puede (o no) ser Stafford. ¿McBride y DeFrancesco? Impecables, como siempre. El arte de la portada también es espléndido: una silueta de Heath, saxofón en mano, con un telón de fondo de rascacielos de Filadelfia. Un saludo cálido y espacioso a un coloso del jazz que ha merecido la pena esperar.
Por Jack Bowers
28 de noviembre de 2021
https://www.allaboutjazz.com/without-you-no-me-temple-university-jazz-band-bcm-and-d-records

Houston Person • A Little Houston On The Side

 

Review by Al Campbell
This budget disc from the 32 Jazz label is aptly titled A Little Houston on the Side. It highlights the jazz-soul of tenor saxophonist Houston Person: a leader, sideman, and producer. The material on this compilation comes from Person's stint with the now-defunct Muse label, and was recorded in the '70s, '80s, and early '90s. A Little Houston on the Side emphasizes the stripped-down raucous blues of Hammond B-3 heroes Joey DeFrancesco, Sonny Phillips, and Groove Holmes, although a highlight has to be Jack McDuff's "Walking the Dog," featuring the battling tenors of Person and Ron Bridgewater. The tenor-organ combo bases are beautifully covered here. Also represented are the soulful vocals of Etta Jones, pianist Charles Brown, and a duet with bassist Ron Carter. Person's haunting, breathy tone is used to great effect on the ballads "My Romance" and "I Remember Clifford," but this reissue also reminds us he can blow in a hard bop tenor style influenced by greats like John Coltrane and Dexter Gordon. Person's versions of "Equinox" and "Broadway" are classic examples of the hard bop influence on his playing. Recommended.
https://www.allmusic.com/album/a-little-houston-on-the-side-mw0000252546

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Reseña de Al Campbell
Este disco económico del sello 32 Jazz se titula acertadamente A Little Houston on the Side. Destaca el jazz-soul del saxofonista tenor Houston Person: líder, sideman y productor. El material de esta recopilación procede de la etapa de Person en el desaparecido sello Muse, y fue grabado en los años 70, 80 y principios de los 90. A Little Houston on the Side hace hincapié en el blues despojado y estridente de los héroes del Hammond B-3 Joey DeFrancesco, Sonny Phillips y Groove Holmes, aunque lo más destacado es «Walking the Dog» de Jack McDuff, con los tenores de Person y Ron Bridgewater. Las bases del combo tenor-órgano están maravillosamente cubiertas aquí. También están representadas las voces conmovedoras de Etta Jones, el pianista Charles Brown y un dúo con el bajista Ron Carter. El inquietante tono de Person se utiliza con gran efecto en las baladas «My Romance» y «I Remember Clifford», pero esta reedición también nos recuerda que puede soplar en un estilo de tenor hard bop influenciado por grandes como John Coltrane y Dexter Gordon. Las versiones de Person de «Equinox» y «Broadway» son ejemplos clásicos de la influencia del hard bop en su forma de tocar. Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/a-little-houston-on-the-side-mw0000252546

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Flip Phillips • Swing Is The Thing

 

Biography by Scott Yanow
Flip Phillips, who angered some critics early on because he gained riotous applause for his exciting solos during Jazz at the Philharmonic concerts, for over 50 years was an excellent tenor saxophonist equally gifted on stomps, ballads, and standards. He played clarinet regularly in a Brooklyn restaurant during 1934-1939, was in Frankie Newton's group (1940-1941), and spent time in the bands of Benny Goodman, Wingy Manone, and Red Norvo. However, it was in 1944 that he had his breakthrough. As a well-featured soloist with Woody Herman's Herd (1944-1946), Phillips became a big star. His warm tenor was most influenced by Ben Webster but sounded distinctive even at that early stage. He toured regularly with Jazz at the Philharmonic during 1946-1957, scoring a bit of a sensation with his honking solo on "Perdido" and holding his own with heavy competition (including Charlie Parker and Lester Young). He occasionally co-led a group with Bill Harris, and that band was the nucleus of the ensemble that Benny Goodman used in 1959. Phillips then retired to Florida for 15 years, playing on just an occasional basis, taking up the bass clarinet as a double and making only a sporadic record date. But by 1975 he was back in music full-time, making quite a few records and playing at festivals and jazz parties. Even as he passed his 80th birthday, Flip Phillips had lost none of the enthusiasm or ability that he had a half-century earlier.
https://www.allmusic.com/artist/flip-phillips-mn0000800026/biography

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Biografía de Scott Yanow
Flip Phillips, que enfureció a algunos críticos en sus inicios porque se ganaba los aplausos de los espectadores por sus emocionantes solos durante los conciertos de Jazz at the Philharmonic, fue durante más de 50 años un excelente saxofonista tenor igualmente dotado para los stomps, las baladas y los estándares. Tocó el clarinete con regularidad en un restaurante de Brooklyn durante 1934-1939, estuvo en el grupo de Frankie Newton (1940-1941) y pasó por las bandas de Benny Goodman, Wingy Manone y Red Norvo. Sin embargo, fue en 1944 cuando tuvo su gran éxito. Como solista destacado en el grupo de Woody Herman (1944-1946), Phillips se convirtió en una gran estrella. Su cálido tenor estaba más influenciado por Ben Webster, pero sonaba de forma distintiva incluso en esa etapa temprana. Realizó giras regulares con Jazz at the Philharmonic durante 1946-1957, causando un poco de sensación con su solo de bocina en "Perdido" y aguantando la fuerte competencia (incluyendo a Charlie Parker y Lester Young). Ocasionalmente codirigió un grupo con Bill Harris, y esa banda fue el núcleo del conjunto que utilizó Benny Goodman en 1959. A continuación, Phillips se retiró a Florida durante 15 años, tocando sólo de forma ocasional, retomando el clarinete bajo como doble y haciendo sólo una cita discográfica esporádica. Pero en 1975 volvió a dedicarse a la música a tiempo completo, grabando bastantes discos y tocando en festivales y fiestas de jazz. Incluso al pasar su 80º cumpleaños, Flip Phillips no había perdido nada del entusiasmo o la habilidad que tenía medio siglo antes.
https://www.allmusic.com/artist/flip-phillips-mn0000800026/biography