Sonny Clark • Dial S For Sonny

 

Original copies of Blue Note 1570—Dial "S" For Sonny—are among the rarer Blue Note records, often changing hands for thousands of dollars for even a mediocre copy. That's an awful lot of scratch for a fifty-six year old piece of pressed vinyl and a cardboard sleeve. Fortunately, there are better ways to hear pianist Sonny Clark's debut recording for the fabled label. The Music Matters series of two-disk, 45 rpm vinyl records is winding down after close to one hundred titles, and Dial "S" For Sonny made it in under the wire.

Clark's all too brief career was cut short when he died in 1963 at the age of 32, but he left a very well regarded, if relatively brief, collection of recordings. Growing up in Pittsburgh and then initially playing professionally on the west coast before returning to New York, he was essentially a blues player, but with a keenly developed sense of structural complexity in both his compositions and improvisations.

He plays with insistent swing and drive, even as he sticks to mostly mid tempos. On "Love Walked In" the horns sit out, and only drummer Louis Hayes and bassist Wilbur Ware accompany him. He opens the song with a tenderly romantic intro, but then delves into a solid well-constructed solo. He never gets too far off the tune, but fills it with his own harmonic textures and figures.

Clark's piano playing is excellent throughout, but most of the record is a septet with some of the most legendary musicians of the era (and in the case of Louis Hayes, even today). On the ballad "It Could Happen To You" Art Farmer blows a warm, bronzed trumpet, full of volume and weight, before clearing off for Clark's appropriately spare improvisation. Then Hank Mobley takes over with a soft-toned statement that fully captures the mood of the song. Finally, Curtis Fuller joins in with a short closing statement that makes a real case for the trombone's ability to convey subtlety and emotion in a ballad.

The Music Matters 45s are all about getting the best possible analog sound from the original master tapes, and Dial "S" lives up to the series standards. As a monaural recording it doesn't suffer from the sometimes controversial hard left-right panning of the stereo Blue Notes. The sound is rich, full and detailed, with a wide image. The record is a prime example of 'big mono' that marks the best mono recordings of the era. The pressing quality and printing of the gatefold cover is first-rate, befitting the premium price of the package.

Dial "S" For Sonny is one of those great old recordings that's worth seeking out to hear some young hard boppers playing their best. The musicians are brilliant, the music is solid, and—in the case of this Music Maters pressing—the reissue is first class all the way. 
https://www.allaboutjazz.com/dial-s-for-sonny-sonny-clark-blue-note-records-review-by-greg-simmons

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Las copias originales de Blue Note 1570—Dial "S" For Sonny— se encuentran entre los discos más raros de Blue Note, y a menudo se venden por miles de dólares incluso en copias mediocres. Es una suma exorbitante para un disco de vinilo prensado de cincuenta y seis años con funda de cartón. Afortunadamente, existen mejores maneras de escuchar la grabación debut del pianista Sonny Clark para el legendario sello. La serie Music Matters de discos dobles de vinilo a 45 rpm está llegando a su fin tras casi cien títulos, y Dial "S" For Sonny se incluyó justo a tiempo.

La brevísima carrera de Clark se vio truncada por su muerte en 1963 a la edad de 32 años, pero dejó una colección de grabaciones muy apreciada, aunque relativamente breve. Criado en Pittsburgh y tras tocar profesionalmente en la costa oeste antes de regresar a Nueva York, fue esencialmente un músico de blues, pero con un agudo sentido de la complejidad estructural tanto en sus composiciones como en sus improvisaciones.

Toca con un swing y una energía arrolladores, aunque se ciñe principalmente a tempos medios. En "Love Walked In", los vientos no participan, y solo lo acompañan el baterista Louis Hayes y el bajista Wilbur Ware. Abre la canción con una introducción tierna y romántica, para luego sumergirse en un solo sólido y bien estructurado. Nunca se desvía demasiado de la melodía, sino que la enriquece con sus propias texturas y figuras armónicas.

La interpretación de Clark al piano es excelente de principio a fin, pero la mayor parte del disco es un septeto con algunos de los músicos más legendarios de la época (y, en el caso de Louis Hayes, incluso de la actualidad). En la balada "It Could Happen To You", Art Farmer toca una trompeta cálida y bronceada, llena de volumen y profundidad, antes de ceder el protagonismo a la improvisación sobria y apropiada de Clark. Luego, Hank Mobley toma el relevo con una interpretación de tono suave que captura a la perfección la esencia de la canción. Finalmente, Curtis Fuller interviene con una breve declaración final que demuestra la capacidad del trombón para transmitir sutileza y emoción en una balada.

Los sencillos de 45 rpm de Music Matters se caracterizan por obtener el mejor sonido analógico posible de las cintas maestras originales, y Dial "S" cumple con los estándares de la serie. Al ser una grabación monoaural, no sufre la a veces controvertida panoramización izquierda-derecha extrema de los discos estéreo de Blue Note. El sonido es rico, pleno y detallado, con una amplia imagen sonora. El disco es un ejemplo perfecto del "gran mono" que define las mejores grabaciones mono de la época. La calidad de prensado y la impresión de la portada desplegable son de primera categoría, acordes con el precio elevado del paquete.

Dial "S" For Sonny es una de esas grandes grabaciones antiguas que vale la pena buscar para escuchar a jóvenes músicos de hard bop en su mejor momento. Los músicos son brillantes, la música es sólida y, en el caso de esta edición de Music Matters, la reedición es de primera clase en todos los sentidos. https://www.allaboutjazz.com/dial-s-for-sonny-sonny-clark-blue-note-records-review-by-greg-simmons

VA • Blue Note Meets UNIQLO

 

Horace Parlan, Joe Henderson, Dexter Gordon, Jackie McLean, Sonny Clark, Lou Donaldson, Tony Williams, Lee Morgan, Art Blakey.

www.bluenote.com ...

VA • Blue Note 101 Cocktail Jazz

 

VA • Blue Note Alts 'N Outs

 

Sonny Clark Trio • The 1960 Time Sessions With George Duvivier and Max Roach

 

Sonny Clark's reputation as one of the finest jazz pianists of his era has grown in recent years, with many folks rediscovering his classic Blue Note recordings like 'Cool Struttin', 'Dial 'S' for Sonny', 'Leapin' and Lopin', as well as session work with Lee Morgan, Grant Green and others. Cut down by heroin addiction at age 31 in 1961, Clark's legacy continues to expand.

The Time sessions were produced by the late Bob Shad, owner of Time and Mainstream Records. The reissue includes the original Time album re-mastered from the original tapes by Dave Donnelly, plus an extra disc of alternate takes previously unavailable on vinyl. Nat Hentoff wrote the original liner notes, included in the reissue package, and former New York Times critic Ben Ratliff contributes a new 3500-word essay. The 2LP set was produced for reissue by Mia Apatow (Time Records) and Josh Rosenthal (Tompkins Square).

(This download contains the original album, Sonny Clark Trio - Time T-70010 (1960), remastered. 2CD and 2LP versions on Tompkins Square, both out of print, contain the original album plus previously unreleased alternate takes)

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La reputación de Sonny Clark como uno de los mejores pianistas de jazz de su época ha crecido en los últimos años, y mucha gente ha redescubierto sus grabaciones clásicas para Blue Note, como «Cool Struttin'», «Dial “S” for Sonny» y «Leapin' and Lopin'», así como su trabajo en sesiones con Lee Morgan, Grant Green y otros. Fallecido a los 31 años en 1961 a causa de su adicción a la heroína, el legado de Clark sigue creciendo.

Las sesiones de Time fueron producidas por el difunto Bob Shad, propietario de Time y Mainstream Records. La reedición incluye el álbum original de Time remasterizado a partir de las cintas originales por Dave Donnelly, además de un disco extra con tomas alternativas que no estaban disponibles anteriormente en vinilo. Nat Hentoff escribió las notas originales del libreto, incluidas en el paquete de la reedición, y el antiguo crítico del New York Times Ben Ratliff contribuye con un nuevo ensayo de 3500 palabras. El conjunto de 2 LP fue producido para su reedición por Mia Apatow (Time Records) y Josh Rosenthal (Tompkins Square).

(Esta descarga contiene el álbum original, Sonny Clark Trio - Time T-70010 (1960), remasterizado. Las versiones en 2 CD y 2 LP de Tompkins Square, ambas descatalogadas, contienen el álbum original más tomas alternativas inéditas).

Curtis Fuller • Bone & Bari

 

Review
by Lee Bloom
Curtis Fuller emerged during the 1950s as a leading hard bop trombonist. A native of Detroit, Fuller was initially inspired by hearing J.J. Johnson, who became a mentor for the young musician. This recording was completed only weeks before Fuller went into the studio to record John Coltrane's Blue Trane. The session is unique in its pairing of trombone with the baritone sax of Tate Houston. The resultant front line sound is thick and rotund. The rhythm section of Sonny Clark, Paul Chambers and Art Taylor had a lovely rapport; individually and collectively, these three made many important recordings in the late 1950s, especially for the Blue Note label. Highlights of Bone & Bari include the title tune, penned by Fuller, and the group's rendering of the standard "Heart and Soul."
https://www.allmusic.com/album/bone-bari-mw0000341687


Biography
by Ron Wynn
Curtis Fuller belonged in the select circle with J.J. Johnson, Kai Winding, and a few others who make the trombone sound fluid and inviting rather than awkward. His ability to make wide-octave leaps and play whiplash phrases in a relaxed, casual manner was a testament to his skill. Fuller's solos and phrases were often ambitious and creative, and he worked in several fine bands and participated in numerous great sessions.

Fuller studied music in high school, then began developing his skills in an Army band, where he played with Cannonball Adderley. He worked in Detroit with Kenny Burrell and Yusef Lateef, then moved to New York. Fuller made his recording debut as a leader on Transition in 1955, and recorded in the late '50s for Blue Note, Prestige, United Artists, and Savoy. He was a charter member of the Jazztet with Benny Golson and Art Farmer in 1959, then played in Art Blakey's Jazz Messengers from 1961 to 1965. There were additional recording dates for Warwick, Smash/Trip, Epic, and Impulse! in the '60s. Fuller toured Europe with Dizzy Gillespie's big band in 1968, then did several sessions in New York.

During the '70s, he experimented for a time playing hard bop arrangements in a band featuring electronic instruments, heading a group with guitarist Bill Washer and Stanley Clarke. He concluded that phase with the 1973 album Crankin'. Fuller toured with the Count Basie band from 1975 to 1977, and did dates for Mainstream, Timeless, and Bee Hive. He co-led the quintet Giant Bones with Winding in 1979 and 1980, and played with Art Blakey, Cedar Walton, and Benny Golson in the late '70s and early '80s. During the '80s, Fuller toured Europe regularly with the Timeless All-Stars, and performed and recorded with the revamped Jazztet in addition to leading a fine session for Savoy in 1993.

Fuller continued playing dates and working in the decades that followed, recording albums for labels like Delmark, Capri, and Savant. He retired from playing in the early 2010s; his final studio album was 2012's Down Home. The legendary trombonist died on May 8, 2021, at the age of 88.
https://www.allmusic.com/artist/curtis-fuller-mn0000139566/biography

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Reseña
por Lee Bloom
Curtis Fuller surgió durante la década de 1950 como un destacado trombonista de hard bop. Nativo de Detroit, Fuller se inspiró inicialmente al escuchar a J.J. Johnson, que se convirtió en mentor del joven músico. Esta grabación se realizó sólo unas semanas antes de que Fuller entrara en el estudio para grabar Blue Trane de John Coltrane. La sesión es única por el emparejamiento del trombón con el saxo barítono de Tate Houston. El sonido resultante de la primera línea es grueso y rotundo. La sección rítmica de Sonny Clark, Paul Chambers y Art Taylor se compenetraba muy bien; individual y colectivamente, estos tres hicieron muchas grabaciones importantes a finales de los años 50, especialmente para el sello Blue Note. Lo más destacado de Bone & Bari incluye la melodía del título, escrita por Fuller, y la interpretación del grupo del estándar "Heart and Soul".
https://www.allmusic.com/album/bone-bari-mw0000341687


Biografía
por Ron Wynn
Curtis Fuller pertenece al selecto círculo de J.J. Johnson, Kai Winding y algunos otros que hacen que el trombón suene fluido y atractivo en lugar de incómodo. Su capacidad para dar saltos de octava amplia y tocar frases latigazosas de forma relajada y desenfadada era un testimonio de su habilidad. Los solos y frases de Fuller eran a menudo ambiciosos y creativos, y trabajaba en varias bandas excelentes y participaba en numerosas y grandes sesiones.

Fuller estudió música en el instituto y luego empezó a desarrollar sus habilidades en una banda del ejército, donde tocó con Cannonball Adderley. Trabajó en Detroit con Kenny Burrell y Yusef Lateef, y luego se trasladó a Nueva York. Fuller hizo su debut discográfico como líder en Transition en 1955, y grabó a finales de los 50 para Blue Note, Prestige, United Artists y Savoy. Fue miembro fundador del Jazztet con Benny Golson y Art Farmer en 1959, y luego tocó en los Jazz Messengers de Art Blakey de 1961 a 1965. También grabó para Warwick, Smash/Trip, Epic e Impulse en los años 60. Fuller realizó una gira por Europa con la big band de Dizzy Gillespie en 1968, y luego hizo varias sesiones en Nueva York.

Durante los años 70, experimentó durante un tiempo tocando arreglos de hard bop en una banda con instrumentos electrónicos, encabezando un grupo con el guitarrista Bill Washer y Stanley Clarke. Concluyó esa etapa con el álbum Crankin', de 1973. Fuller estuvo de gira con la banda de Count Basie de 1975 a 1977, y realizó fechas para Mainstream, Timeless y Bee Hive. Codirigió el quinteto Giant Bones con Winding en 1979 y 1980, y tocó con Art Blakey, Cedar Walton y Benny Golson a finales de los 70 y principios de los 80. Durante los años 80, Fuller realizó giras regulares por Europa con los Timeless All-Stars, y actuó y grabó con el renovado Jazztet, además de dirigir una excelente sesión para Savoy en 1993.

Fuller siguió tocando y trabajando en las décadas siguientes, grabando discos para sellos como Delmark, Capri y Savant. Se retiró de tocar a principios de la década de 2010; su último álbum de estudio fue Down Home, de 2012. El legendario trombonista falleció el 8 de mayo de 2021, a la edad de 88 años.
https://www.allmusic.com/artist/curtis-fuller-mn0000139566/biography

Grant Green • Oleo (LP)

Review by Michael Erlewine

This is an another excellent album with Green and pianist Sonny Clark, who along with Sam Jones on bass and Louis Hayes on drums make the foursome. The entire album is fine with "My Favorite Things," an old favorite of Green. This album was also released on The Complete Blue Note Recordings of Grant Green and Sonny Clark. If you can find this album, or the Mosaic set anywhere, you will be very satisfied. The best.

https://www.allmusic.com/album/oleo-mw0000952813

Artist Biography by Michael Erlewine

A severely underrated player during his lifetime, Grant Green is one of the great unsung heroes of jazz guitar. He combined an extensive foundation in R&B with a mastery of bebop and simplicity that put expressiveness ahead of technical expertise. Green was a superb blues interpreter, and while his later material was predominantly blues and R&B, he was also a wondrous ballad and standards soloist. He was a particular admirer of Charlie Parker, and his phrasing often reflected it.

Grant Green was born in St. Louis in 1935 (although many records during his lifetime incorrectly listed 1931). He learned his instrument in grade school from his guitar-playing father, and was playing professionally by the age of thirteen with a gospel group. He worked gigs in his home town and in East St. Louis, Illinois -- playing in the '50s with Jimmy Forrest, Harry Edison, and Lou Donaldson -- until he moved to New York in 1960 at the suggestion of Donaldson. Green told Dan Morgenstern in a Down Beat interview: "The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock & roll. It's all blues, anyhow."

During the early '60s, both his fluid, tasteful playing in organ/guitar/drum combos and his other dates for Blue Note established Green as a star, though he seldom got the critical respect given other players. He collaborated with many organists, among them Brother Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton, and Larry Young. He was off the scene for a bit in the mid-'60s, but came back strong in the late '60s and '70s. Green played with Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner, and Elvin Jones.

Sadly, drug problems interrupted his career in the '60s, and undoubtedly contributed to the illness he suffered in the late '70s. Green was hospitalized in 1978 and died a year later. Despite some rather uneven LPs near the end of his career, the great body of his work represents marvelous soul-jazz, bebop, and blues.

Although he mentions Charlie Christian and Jimmy Raney as influences, Green always claimed he listened to horn players (Charlie Parker and Miles Davis) and not other guitar players, and it shows. No other player has this kind of single-note linearity (he avoids chordal playing). There is very little of the intellectual element in Green's playing, and his technique is always at the service of his music. And it is music, plain and simple, that makes Green unique.

Green's playing is immediately recognizable -- perhaps more than any other guitarist. Green has been almost systematically ignored by jazz buffs with a bent to the cool side, and he has only recently begun to be appreciated for his incredible musicality. Perhaps no guitarist has ever handled standards and ballads with the brilliance of Grant Green. Mosaic, the nation's premier jazz reissue label, issued a wonderful collection The Complete Blue Note Recordings with Sonny Clark, featuring prime early '60s Green albums plus unissued tracks. Some of the finest examples of Green's work can be found there.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Artist Biography

Green was born on June 6, 1931 in St. Louis, Missouri. He first performed in a professional setting at the age of 13. His early influences were Charlie Christian and Charlie Parker; however, he played extensive R & B gigs in his home town and in East Saint Louis, IL while developing his jazz chops. His first recordings in St. Louis were with tenor saxophonist Jimmy Forrest for the Delmark label. Lou Donaldson discovered green playing in a bar in St. Louis. After touring together with Donaldson, Green arrived in New York around 1959-60. In a Down Beat interview from the early 60's, Green said “The first thing I learned to play was boogie-woogie. Then I had to do a lot of rock and roll. It's all blues, anyhow.”

Lou Donaldson introduced Green to Alfred Lion of Blue Note Records. Lion was so impressed that, rather than testing Green as a sideman, as was the usual Blue Note practice, he arranged for him to record as a bandleader first. This recording relationship was to last, with a few exceptions, throughout the 'sixties. From 1961 to 1965 Green made more Blue Note LPs as leader and sideman than anyone else. Green was named best new star in the Down Beat critics' poll, 1962. As a result, his influence spread wider than New York. Green's first session as a leader did not meet the approval of Lion and was shelved, not to be released until 2002 as First Session. Green's first issued album as a leader was Grant's First Stand. This was followed in the same year by two more Blue Note releases: Green Street and Grantstand. He often provided support to many of other great musicians on Blue Note. These included saxophonists Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine and Harold Vick, as well as organists Larry Young and Big John Patton.

Sunday Mornin' , The Latin Bit and Feelin' the Spirit are all loose concept albums, each taking a musical theme or style: Gospel, Latin and spirituals respectively. Green always carried off his more commercial dates with artistic success during this period. Idle Moments (1963), featuring Joe Henderson and Bobby Hutcherson, and Solid (1964) are acclaimed as two of Green's best recordings. Many of Green's Blue Note recordings, including a series of sessions with pianist Sonny Clark were not released during his lifetime. In 1966 Green left Blue Note and recorded for several other labels, including Verve. From 1967 to 1969 Grant was inactive due to personal problems. In 1969 Green, having relocated to Detroit, returned with a new funk-influenced band. His recordings from this period include the commercially successful Green is Beautiful and Live at the Lighthouse. Grant left Blue Note again in 1974 and once again recorded sporadically for different labels.

Green spent much of 1978 in hospital and, against the advice of doctors, went back on the road. While in New York to play an engagement at George Benson's Breezin' Lounge, Green collapsed in his car of a heart attack on January 31, 1979. He was buried in his hometown of St. Louis, Missouri, and was survived by six children.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

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Reseña de Michael Erlewine

Este es otro excelente álbum con Green y el pianista Sonny Clark, que junto con Sam Jones en el bajo y Louis Hayes en la batería hacen el cuarteto. Todo el álbum está bien con "My Favorite Things", un viejo favorito de Green. Este álbum también fue lanzado en The Complete Blue Note Recordings de Grant Green y Sonny Clark. Si puedes encontrar este álbum, o el conjunto Mosaico en cualquier lugar, estarás muy satisfecho. El mejor.

https://www.allmusic.com/album/oleo-mw0000952813

Biografía del artista por Michael Erlewine

Un jugador severamente subestimado durante su vida, Grant Green es uno de los grandes héroes anónimos de la guitarra de jazz. Combinó una amplia base en R&B con un dominio del bebop y la simplicidad que puso la expresividad por encima de la experiencia técnica. Green fue un magnífico intérprete de blues, y aunque su material posterior fue predominantemente blues y R&B, también fue un maravilloso solista de balada y estándares. Era un admirador particular de Charlie Parker, y su fraseo a menudo lo reflejaba.

Grant Green nació en St. Louis en 1935 (aunque muchos registros durante su vida mencionan incorrectamente 1931). Aprendió su instrumento en la escuela primaria de su padre guitarrista, y tocaba profesionalmente a la edad de trece años con un grupo de gospel. Trabajó en conciertos en su ciudad natal y en East St. Louis, Illinois -- tocando en los años 50 con Jimmy Forrest, Harry Edison y Lou Donaldson -- hasta que se mudó a Nueva York en 1960 por sugerencia de Donaldson. Green le dijo a Dan Morgenstern en una entrevista con Down Beat: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-boogie. Entonces tuve que hacer mucho rock & roll. Todo es blues, de todos modos."

A principios de los años 60, tanto su fluida y sabrosa interpretación en combos de órgano/guitarra/batería como sus otras fechas para Blue Note establecieron a Green como una estrella, aunque rara vez obtuvo el respeto de la crítica dado a otros jugadores. Colaboró con muchos organistas, entre ellos el Hermano Jack McDuff, Sam Lazar, Baby Face Willette, Gloria Coleman, Big John Patton y Larry Young. Estuvo fuera de escena por un tiempo a mediados de los 60, pero regresó con fuerza a finales de los 60 y 70. Green jugó con Stanley Turrentine, Dave Bailey, Yusef Lateef, Joe Henderson, Hank Mobley, Herbie Hancock, McCoy Tyner y Elvin Jones.

Lamentablemente, los problemas de drogas interrumpieron su carrera en los años 60, y sin duda contribuyeron a la enfermedad que sufrió a finales de los 70. Green fue hospitalizado en 1978 y murió un año después. A pesar de algunos LPs bastante desiguales cerca del final de su carrera, el gran cuerpo de su obra representa un maravilloso soul-jazz, bebop y blues.

Aunque menciona a Charlie Christian y Jimmy Raney como influencias, Green siempre dijo que escuchaba a los trompetistas (Charlie Parker y Miles Davis) y no a otros guitarristas, y se nota. Ningún otro jugador tiene este tipo de linealidad de nota única (evita tocar los acordes). Hay muy poco del elemento intelectual en el toque de Green, y su técnica está siempre al servicio de su música. Y es la música, simple y llanamente, lo que hace que Green sea único.

El toque de Green es inmediatamente reconocible, quizás más que cualquier otro guitarrista. El verde ha sido casi sistemáticamente ignorado por los aficionados al jazz con una inclinación hacia el lado frío, y sólo recientemente ha empezado a ser apreciado por su increíble musicalidad. Quizás ningún guitarrista ha manejado nunca los estándares y baladas con la brillantez de Grant Green. Mosaic, el sello de reedición de jazz más importante del país, publicó una maravillosa colección The Complete Blue Note Recordings con Sonny Clark, que incluye álbumes de los primeros años de la década de los'60, además de temas no publicados. Algunos de los mejores ejemplos del trabajo de Green se pueden encontrar allí.

https://www.allmusic.com/artist/grant-green-mn0000738855/biography

Biografía del artista

Green nació el 6 de junio de 1931 en St. Louis, Missouri. Se presentó por primera vez en un ambiente profesional a la edad de 13. Sus primeras influencias fueron Charlie Christian y Charlie Parker; sin embargo, tocó en extensos conciertos de R & B en su ciudad natal y en East Saint Louis, IL, mientras desarrollaba sus habilidades de jazz. Sus primeras grabaciones en St. Louis fueron con el saxofonista tenor Jimmy Forrest para el sello Delmark. Lou Donaldson descubrió el verde jugando en un bar de St. Louis. Después de viajar con Donaldson, Green llegó a Nueva York alrededor de 1959-60. En una entrevista de Down Beat de principios de los 60, Green dijo: "Lo primero que aprendí a tocar fue el boogie-woogie. Luego tuve que hacer mucho rock and roll. Todo es blues, de todos modos."

Lou Donaldson presentó a Green a Alfred Lion de Blue Note Records. Lion quedó tan impresionado que, en lugar de probar a Green como sideman, como era la práctica habitual de Blue Note, se las arregló para que grabara primero como líder de banda. Esta relación de grabación iba a durar, con algunas excepciones, a lo largo de los años sesenta. De 1961 a 1965 Green hizo más LPs de Blue Note como líder y sideman que cualquier otro. Green fue nombrada mejor nueva estrella en la encuesta de los críticos de Down Beat de 1962. Como resultado, su influencia se extendió más allá de Nueva York. La primera sesión de Green como líder no contó con la aprobación del León y fue archivada, por lo que no fue lanzada hasta 2002 como Primera Sesión. El primer álbum que publicó Green como líder fue "Grant's First Stand". Esto fue seguido en el mismo año por otras dos versiones de Blue Note: Green Street y Grantstand. A menudo proporcionó apoyo a muchos otros grandes músicos en Blue Note. Entre ellos se encontraban los saxofonistas Hank Mobley, Ike Quebec, Stanley Turrentine y Harold Vick, así como los organistas Larry Young y Big John Patton.

The Latin Bit y Feelin' the Spirit son álbumes de concepto sueltos, cada uno con un tema o estilo musical: Evangelio, latín y espirituales respectivamente. Green siempre se llevó sus citas más comerciales con éxito artístico durante este periodo. Idle Moments (1963), con Joe Henderson y Bobby Hutcherson, y Solid (1964) son aclamados como dos de las mejores grabaciones de Green. Muchas de las grabaciones de Blue Note de Green, incluyendo una serie de sesiones con el pianista Sonny Clark no fueron lanzadas durante su vida. En 1966 Green dejó Blue Note y grabó para varios otros sellos, entre ellos Verve. De 1967 a 1969 Grant estuvo inactivo debido a problemas personales. En 1969 Green, después de haberse mudado a Detroit, regresó con una nueva banda influenciada por la música funk. Sus grabaciones de este período incluyen el comercialmente exitoso Green is Beautiful y Live at the Lighthouse. Grant dejó Blue Note de nuevo en 1974 y grabó esporádicamente para diferentes sellos.

Green pasó gran parte de 1978 en el hospital y, en contra de los consejos de los médicos, volvió a la carretera. Mientras estaba en Nueva York para tocar en el Breezin' Lounge de George Benson, Green se desplomó en su coche de un ataque al corazón el 31 de enero de 1979. Fue enterrado en su ciudad natal de St. Louis, Missouri, y le sobrevivieron seis hijos.

https://musicians.allaboutjazz.com/grantgreen

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Buddy Defranco • Pretty Moods

 

Hank Mobley • Poppin'

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Poppin' was one of many sessions tenor saxophonist Hank Mobley recorded in the late '50s and early '60s but remained unreleased until the late '70s and '80s. It's hard to say why this session - which was recorded in 1957 -- sat on the shelves, since it as good as the other records he cut at the time. Leading a sextet featuring trumpeter Art Farmer, baritone saxophonist Pepper Adams, pianist Sonny Clark, bassist Paul Chambers, and drummer Philly Joe Jones, Mobley plays a selection of five originals and contemporary jazz songs with passion and vigor. All of the musicians turn in fine performances (Clark in particular stands out with his lithe solos and tasteful accompaniment), and the result is a winning collection of straight-ahead hard bop that ranks as another solid addition to Mobley's strong catalog.
https://www.allmusic.com/album/poppin-mw0000938036

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Poppin ' fue una de las muchas sesiones que el saxofonista tenor Hank Mobley grabó a finales de los 50 y principios de los 60, pero permaneció inédita hasta finales de los 70 y los 80. Es difícil decir por qué esta sesión, que se grabó en 1957, se quedó en los estantes, ya que es tan buena como los otros discos que grabó en ese momento. Al frente de un sexteto con el trompetista Art Farmer, el saxofonista barítono Pepper Adams, el pianista Sonny Clark, el bajista Paul Chambers y el baterista Philly Joe Jones, Mobley toca una selección de cinco canciones de jazz originales y contemporáneas con pasión y vigor. Todos los músicos ofrecen excelentes interpretaciones (Clark en particular se destaca con sus ágiles solos y su acompañamiento de buen gusto), y el resultado es una colección ganadora de hard bop directo que se ubica como otra adición sólida al sólido catálogo de Mobley.
https://www.allmusic.com/album/poppin-mw0000938036

Grant Green • First Session

First Session is an album by American jazz guitarist Grant Green featuring performances by Green recorded in 1960 and 1961 but not released on the Blue Note label until 2001. The album features the first recordings made by Green for Blue Note which were held back from release in favour of a later recording date which appeared as Grant's First Stand (1961). Also included on the album are two takes from a later 1961 session.

Review by Ronnie D. Lankford, Jr.

First Session is just that: the first material Grant Green recorded as a leader for Blue Note in 1960. While the results were certainly good, the label chose to shelf the recordings. Producer Alfred Lion may have had some misgivings about the results, but it is doubtful that Green's fans or jazz guitar fans will have any such qualms. Pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers, and drummer Philly Joe Jones join him on the first five cuts. They start with the spunky "He's a Real Gone Guy," but really hit their groove with the 11-minute original "Seepin'." Green's guitar is shot through with the blues on this slow burner, while Chambers' bass perfectly captures the late-night mood of this piece. Green seems unsure of his footing at the beginning of Sonny Rollins "Sonnymoon for Two," but quickly regains his balance and swings hard. Kelly's light, bluesy touch offers the perfect match for the artist's guitar; his lovely fills offer the perfect backdrop, while his solos are always distinctive. The last two tracks are multiple versions of "Woody 'N' You" with pianist Sonny Clark, bassist Butch Warren, and drummer Billy Higgins. While these tracks are not technically the first sessions, they do give the listener a chance to hear Green and Clark work together. Whatever hesitation Green may have felt as a first time leader, the warmth and immediacy of his style arrives in full bloom. First Session is a lively portrait of a jazz great, surrounded by the best musicians in the business, getting his feet wet. Don't miss it.

 

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 First Session es un álbum del guitarrista de jazz estadounidense Grant Green que incluye actuaciones de Green grabadas en 1960 y 1961 pero que no se publicaron en el sello Blue Note hasta 2001. El álbum contiene las primeras grabaciones realizadas por Green para Blue Note, que no se publicaron en favor de una fecha de grabación posterior que apareció como Grant's First Stand (1961). También se incluyen en el álbum dos tomas de una sesión posterior de 1961.

Reseña de Ronnie D. Lankford, Jr.
First Session es precisamente eso: el primer material que Grant Green grabó como líder para Blue Note en 1960. Aunque los resultados fueron ciertamente buenos, el sello decidió archivar las grabaciones. Es posible que el productor Alfred Lion tuviera algún recelo sobre los resultados, pero es dudoso que los fans de Green o los aficionados a la guitarra de jazz tengan esos reparos. El pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el batería Philly Joe Jones se unen a él en los cinco primeros cortes. Empiezan con la animada "He's a Real Gone Guy", pero realmente alcanzan su ritmo con la original de 11 minutos "Seepin'". La guitarra de Green está impregnada de blues en este tema lento, mientras que el bajo de Chambers capta perfectamente el ambiente nocturno de esta pieza. Green parece inseguro al comienzo de Sonny Rollins "Sonnymoon for Two", pero rápidamente recupera el equilibrio y se balancea con fuerza. El toque ligero y bluesero de Kelly ofrece la combinación perfecta para la guitarra del artista; sus encantadores rellenos ofrecen el telón de fondo perfecto, mientras que sus solos son siempre distintivos. Los dos últimos temas son versiones múltiples de "Woody 'N' You" con el pianista Sonny Clark, el bajista Butch Warren y el batería Billy Higgins. Aunque estas pistas no son técnicamente las primeras sesiones, dan al oyente la oportunidad de escuchar a Green y Clark trabajar juntos. Independientemente de las dudas que Green pueda haber sentido como líder por primera vez, la calidez e inmediatez de su estilo llega en pleno apogeo. First Session es un vivo retrato de un grande del jazz, rodeado de los mejores músicos del negocio, mojándose los pies. No se lo pierda.

Stanley Turrentine • Jubilee Shout!!!

Review by Ron Wynn
Featuring Turrentine with Sonny Clark on piano and Kenny Burrell on guitar. Also including Tommy Turrentine (tp), Butch Warren (b), and Al Harewood (d). Recorded at Englewood Cliffs, NJ, by Rudy Van Gelder. Here is classic funky soul-jazz groove, three up-tempo, three slow. Sonny Clark (p) soars, Turrentine red-hot. https://www.allmusic.com/album/jubilee-shout%21-mw0000204530
 

 

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Reseña de Ron Wynn
Con Turrentine con Sonny Clark al piano y Kenny Burrell a la guitarra. También incluye a Tommy Turrentine (tp), Butch Warren (b), y Al Harewood (d). Grabado en Englewood Cliffs, NJ, por Rudy Van Gelder. Aquí está el clásico funky soul-jazz groove, tres up-tempo, tres slow. Sonny Clark (p) se eleva, Turrentine al rojo vivo. https://www.allmusic.com/album/jubilee-shout%21-mw0000204530
 

Grant Green • Gooden's Corner

Review by Michael Erlewine
This is an album of real beauty and synergy between Green and pianist Sonny Clark, who along with Sam Jones on bass and Louis Hayes on drums rounds out the quartet. Green, an expert with standards, offers "Moon River," "On Green Dolphin Street," and "Count Every Star." 

Grant Green • Ballads

Ballads captures Grant Green in a mellow mood, offering something like a portrait of an artist as a young guitarist. All seven selections are from 1960 and 1961, mostly, as the liner notes state, because Green performed ballads less often as time went on (especially as a leader). It's instructive and gratifying, then, to have pieces like "My One and Only Love" and "Nancy (With the Laughing Face)" in one place. The personnel varies quite a bit since each cut originates from a different album, though pianist Sonny Clark plays on four cuts, including the lovely "Little Girl Blue." Flutist Yusef Lateef, organist Jack McDuff, and drummer Al Harewood join in for a delicate, impressionistic rendering of "My Funny Valentine," while bassist Ben Tucker and drummer Dave Bailey add minimalist support to a moody version of "'Round Midnight." On each tune, four of which exceed seven minutes, Green takes his time developing his ideas. He can dazzle, but he'd rather hold a note or allow a phrase to linger in the air for a moment. He'd rather wring a few more blue notes out of "God Bless the Child" than impress the listener with his speed and agility. For those unfamiliar with Green's softer side, Ballads offers a fine introduction. For those in the know, Ballads conveniently collects these pieces in the same place, creating an exquisite late-night disc. 

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 Ballads captura a Grant Green en un estado de ánimo melancólico, ofreciendo algo así como un retrato de un artista como un joven guitarrista. Las siete selecciones son de 1960 y 1961, en su mayoría, como dicen las notas de línea, porque Green interpretaba baladas con menos frecuencia a medida que pasaba el tiempo (especialmente como líder). Es instructivo y gratificante, entonces, tener piezas como "Mi único amor" y "Nancy (con la cara sonriente)" en un solo lugar. El personal varía bastante ya que cada corte se origina en un álbum diferente, aunque el pianista Sonny Clark toca en cuatro cortes, incluyendo el encantador "Little Girl Blue". El flautista Yusef Lateef, el organista Jack McDuff y el batería Al Harewood se unen para una delicada e impresionista interpretación de "My Funny Valentine", mientras que el bajista Ben Tucker y el batería Dave Bailey añaden un apoyo minimalista a una versión malhumorada de "Round Midnight". En cada canción, cuatro de las cuales superan los siete minutos, Green se toma su tiempo para desarrollar sus ideas. Puede deslumbrar, pero prefiere mantener una nota o dejar que una frase se quede en el aire por un momento. Prefiere sacar unas pocas notas más de "Dios bendiga al niño" que impresionar al oyente con su velocidad y agilidad. Para aquellos que no están familiarizados con el lado suave de Green, Ballads ofrece una buena introducción. Para los que saben, Ballads colecciona convenientemente estas piezas en el mismo lugar, creando un exquisito disco nocturno.

 

 

VA • Autour De Minuit - Piano Bar

 

Ahmad Jamal, Bobby Timmons, Claude Bolling, McCoy Tyner, Oscar Peterson, Sonny Clark, The Three Sounds,
 

 

Jackie McLean • Jackie McLean Quintet

 

Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

Ike Quebec • The Art Of Ike Quebec

 

Review
by Scott Yanow
Tenor-saxophonist Ike Quebec recorded six albums for Blue Note during his last period before passing away in Jan. 1963. This single CD has at least one selection from each of the records (11 in all) that, when taken as a whole, gives one a good idea as to how strong Quebec was still sounding. Although his fans will want to get the individual records (four of the six are currently available on CD's), this is an excellent sampler. Among the other players are organist Freddie Roach, guitarists Grant Green and Kenny Burrell, pianist Sonny Clark, drummer Art Blakey and Billy Higgins, trombonist Bennie Green and tenor great Stanley Turrentine.
https://www.allmusic.com/album/the-art-of-ike-quebec-mw0000613994

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Reseña
por Scott Yanow
El tenor-saxofonista Ike Quebec grabó seis álbumes para Blue Note durante su última etapa antes de fallecer en enero de 1963. Este único CD contiene al menos una selección de cada uno de los discos (11 en total) que, tomados en su conjunto, dan una buena idea de la fuerza con la que Quebec seguía sonando. Aunque sus fans querrán conseguir los discos individuales (cuatro de los seis están disponibles actualmente en CD), éste es un excelente muestrario. Entre los demás músicos figuran el organista Freddie Roach, los guitarristas Grant Green y Kenny Burrell, el pianista Sonny Clark, los baterías Art Blakey y Billy Higgins, el trombonista Bennie Green y el gran tenor Stanley Turrentine.
https://www.allmusic.com/album/the-art-of-ike-quebec-mw0000613994

Louis Smith • Smithville

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
Like his debut, Smithville is another set of thoroughly winning straight-ahead bop from the underappreciated trumpeter Louis Smith. Stylistically, there are no surprises here -- this is mainstream bop and hard bop, comprised of original and contemporary bop numbers, as well as standards ("There'll Never Be Another You," "Embraceable You") -- but since the music is performed so well, it doesn't matter. There is genuine passion to this music, not only from Smith, but also from pianist Sonny Clark, tenor saxophonist Charlie Rouse, bassist Paul Chambers and drummer Art Taylor. It's a first-rate hard bop set that deserves wider distribution than it has received.
https://www.allmusic.com/album/smithville-mw0000498692

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Al igual que su debut, Smithville es otro conjunto de bop straight-ahead completamente ganador del subestimado trompetista Louis Smith. Estilísticamente, no hay sorpresas aquí - se trata de bop mainstream y hard bop, compuesto de números bop originales y contemporáneos, así como estándares ("There'll Never Be Another You", "Embraceable You") - pero como la música se interpreta tan bien, no importa. Hay auténtica pasión en esta música, no sólo por parte de Smith, sino también del pianista Sonny Clark, el saxofonista tenor Charlie Rouse, el bajista Paul Chambers y el batería Art Taylor. Es un conjunto de hard bop de primera clase que merece una distribución más amplia de la que ha recibido.
https://www.allmusic.com/album/smithville-mw0000498692

Frank Rosolino • Frank Rosolino Quartet

 

Biography
by Ron Wynn
Jazz trombonist Frank Rosolino matched any of the idiom's giants in fluidity, technique, and imagination. He was a comic vocalist, but there was nothing funny about his solos. They were smooth and dazzling, delivered with ease and precision.

Born in Detroit, Rosolino began as a guitarist at 10 and trombone later in his teens. He joined the army at 18, and played with service bands both in America and the Philippines. He played in several big bands after his discharge, among them Bob Chester, Glen Gray, Gene Krupa, Tony Pastor, Herbie Fields, and Georgie Auld. Rosolino began leading his own group in Detroit, then joined Stan Kenton's orchestra in late 1952. He spent his latter career in California, playing with Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars from 1954 to 1960 and with Donn Trenner's band for Steve Allen's television show from 1962 to 1964.

Rosolino did several studio dates in Hollywood, then worked in Europe with Conte Candoli during the '70s. He toured with Benny Carter in 1974, and worked with Supersax and Quincy Jones in Japan, appearing often on recording sessions and film soundtracks. Tragically, Rosolino committed suicide in 1978.
https://www.allmusic.com/artist/frank-rosolino-mn0000792096/biography

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Biografía
por Ron Wynn
El trombonista de jazz Frank Rosolino coincidió con cualquiera de los gigantes del idioma en fluidez, técnica e imaginación. Era un vocalista cómico, pero no había nada gracioso en sus solos. Eran suaves y deslumbrantes, entregados con facilidad y precisión.

Nacido en Detroit, Rosolino comenzó como guitarrista a los 10 años y trombón más tarde en su adolescencia. Se unió al ejército a los 18 años y tocó con bandas de servicio en Estados Unidos y Filipinas. Tocó en varias grandes bandas después de su baja, entre ellos Bob Chester, Glen Gray, Gene Krupa, Tony Pastor, Herbie Fields y Georgie Auld. Rosolino comenzó a dirigir su propio grupo en Detroit, luego se unió a la orquesta de Stan Kenton a finales de 1952. Pasó su última carrera en California, tocando con Howard Rumsey’s Lighthouse All-Stars de 1954 a 1960 y con la banda de Donn Trenner para el programa de televisión de Steve Allen de 1962 a 1964.

Rosolino hizo varias fechas de estudio en Hollywood, luego trabajó en Europa con Conte Candoli durante los años 70. Viajó con Benny Carter en 1974, y trabajó con Supersax y Quincy Jones en Japón, apareciendo a menudo en sesiones de grabación y bandas sonoras de películas. Trágicamente, Rosolino se suicidó en 1978.
https://www.allmusic.com/artist/frank-rosolino-mn0000792096/biography

Sonny Rollins • The Sound Of Sonny

 

 

Review by Lindsay Planer
A new phase in Sonny Rollins' career began in 1957. He started what was at the time an almost blasphemous trend of recording for a number of different labels. His pioneering spirit yielded a few genre-defining albums, including this disc. His performances were also at a peak during 1957 as Down Beat magazine proclaimed him the Critics' Poll winner under the category of "New Star" of the tenor saxophone. This newfound freedom can be heard throughout the innovations on The Sound of Sonny. Not only are Rollins' fluid solos reaching newly obtained zeniths of melodic brilliance, but he has also begun experimenting with alterations in the personnel from tune to tune. Most evident on this platter is "The Last Time I Saw Paris" -- which is piano-less -- and most stunning of all is Rollins' unaccompanied tenor solo performance on "It Could Happen to You." Indeed, this rendering of the Jimmy Van Heusen standard is the highlight of the disc. That isn't to say that the interaction between Sonny Clark (piano), Roy Haynes (drums), and bassists Percy Heath and Paul Chambers -- who is featured on "The Last Time I Saw Paris" and "What Is There to Say" -- is not top-shelf. Arguably, it is Rollins and Heath -- the latter, incidentally, makes his East Coast debut on this album -- who set the ambience for The Sound of Sonny. There is an instinctually pervasive nature as they weave into and back out of each others' melody lines, only to emerge with a solo that liberates the structure of the mostly pop standards. This is a key component in understanding the multiplicities beginning to surface in Rollins' highly underappreciated smooth bop style.
https://www.allmusic.com/album/the-sound-of-sonny-mw0000188598

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Reseña de Lindsay Planer
Una nueva etapa en la carrera de Sonny Rollins comenzó en 1957. Comenzó lo que en ese momento era una tendencia casi blasfema de grabar para varios sellos diferentes. Su espíritu pionero produjo algunos álbumes que definieron el género, incluido este disco. Sus actuaciones también alcanzaron su punto máximo durante 1957 cuando la revista Down Beat lo proclamó ganador de la Encuesta de la Crítica en la categoría de "Nueva estrella" del saxofón tenor. Esta nueva libertad se puede escuchar a lo largo de las innovaciones en el Sonido de Sonny. Los solos fluidos de Rollins no solo alcanzan cénitos de brillantez melódica recién obtenidos, sino que también ha comenzado a experimentar con alteraciones en el personal de una melodía a otra. Lo más evidente en este plato es "The Last Time I Saw Paris", que no tiene piano , y lo más sorprendente de todo es la interpretación solista de tenor sin acompañamiento de Rollins en " It Could Happen to You."De hecho, esta interpretación del estándar de Jimmy Van Heusen es lo más destacado del disco. Eso no quiere decir que la interacción entre Sonny Clark (piano), Roy Haynes (batería) y los bajistas Percy Heath y Paul Chambers, que aparece en "The Last Time I Saw Paris" y "What Is There to Say", no sea de primera categoría. Podría decirse que fueron Rollins y Heath, este último, por cierto, hace su debut en la Costa Este en este álbum, quienes crearon el ambiente para El Sonido de Sonny. Hay una naturaleza instintivamente penetrante a medida que se entrelazan dentro y fuera de las líneas melódicas de los demás, solo para emerger con un solo que libera la estructura de los estándares en su mayoría pop. Este es un componente clave para comprender las multiplicidades que comienzan a surgir en el estilo smooth bop altamente subestimado de Rollins.
https://www.allmusic.com/album/the-sound-of-sonny-mw0000188598

sonnyrollins.com ...

 

John Jenkins • John Jenkins with Kenny Burrell