Johnny Guitar Watson • The Blues Soul Of Johnny (Guitar) Watson

 

Johnny 'Guitar' Watson • The Best Of The Modern Years

Review by Sean Westergaard

Although Johnny "Guitar" Watson had already recorded some sides for Federal (including the astonishing instrumental "Space Guitar"), the majority of those tunes featured the piano-playing Young John Watson. It was when he began recording for the Bihari Brothers' RPM subsidiary of Modern Records that he "became" Johnny "Guitar" Watson and his amazing legacy really began. The songs are solid West Coast blues, but they're brought to the next level by Watson's impassioned vocals and his incredible biting, staccato guitar solos. Watson's tenure at RPM was short-lived (as were most of his label relationships) and all these tracks were recorded in 1955, but they were wildly influential on a number of great guitarists and still hold their power 50 years down the road. This material has been released umpteen times over the years, but the remastering of this compilation has more clarity and warmth than the others. Johnny "Guitar" Watson recorded some great material for a variety of labels, but the real meat of his blues legacy is on these RPM sides. Fans of tough '50s blues and great blues guitar owe it to themselves to check this stuff out. Recommended.

Johnny "Guitar" Watson was still relatively close to the beginning of his career when he started recording for a subsidiary of Modern Records in the mid 1950s. In fact, it was really at Modern that Watson established his trademark guitar attack and laid-back vocal style. Watson wasn't at Modern very long, but the sides he waxed had a tremendous impact on the emerging electric blues scene.

Watson was a truly dazzling guitarist, melding jazz licks and experimental sounds into his blues, and while his career would continue well into the '90s, these classic tracks--which might be said to contain the blueprint for all of Watson's work that would follow--still stand tall in his discography. Heightened in value by its fine remastering, this excellent compilation comes highly recommended to Watson fans, and to fans of raw electric blues in general.

Liner Note Author: Billy Vera.

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Reseña de Sean Westergaard

Aunque Johnny "Guitarra" Watson ya había grabado algunos lados para Federal (incluyendo la asombrosa "Guitarra Espacial" instrumental), la mayoría de esas melodías incluían al joven pianista John Watson. Fue cuando comenzó a grabar para la subsidiaria de RPM de Modern Records de Bihari Brothers cuando se "convirtió" en Johnny "Guitarra" Watson y su increíble legado realmente comenzó. Las canciones son blues sólido de la Costa Oeste, pero son llevadas al siguiente nivel por la apasionada voz de Watson y sus increíbles solos de guitarra staccato. La permanencia de Watson en RPM fue corta (al igual que la mayoría de sus relaciones con el sello) y todos estos temas fueron grabados en 1955, pero fueron muy influyentes en un gran número de grandes guitarristas y todavía mantienen su poder 50 años después. Este material ha sido publicado muchas veces a lo largo de los años, pero la remasterización de esta compilación tiene más claridad y calidez que las otras. Johnny "Guitarra" Watson grabó un gran material para una variedad de etiquetas, pero la verdadera carne de su legado blues está en estos lados RPM. Los fanáticos del blues de los años 50 y de las grandes guitarras de blues se lo deben a ellos mismos. Recomendado.

Johnny "Guitarra" Watson estaba todavía relativamente cerca del comienzo de su carrera cuando comenzó a grabar para una subsidiaria de Modern Records a mediados de la década de 1950. De hecho, fue en Modern que Watson estableció su ataque de guitarra y su estilo vocal relajado. Watson no estuvo mucho tiempo en Modern, pero los equipos que enceró tuvieron un tremendo impacto en la emergente escena del blues eléctrico.

Watson era un guitarrista realmente deslumbrante, que mezclaba lametones de jazz y sonidos experimentales en su blues, y aunque su carrera continuaría hasta bien entrados los años 90, estos temas clásicos -que se podría decir que contienen el plano de todo el trabajo de Watson que le seguiría- aún se mantienen firmes en su discografía. Aumentado en valor por su fina remasterización, esta excelente compilación es muy recomendable para los fans de Watson, y para los fans del blues eléctrico en bruto en general.

Liner Note Author: Billy Vera.

Maxwell Davis • Maxwell Davis And His Tenor Sax

 

Maxwell was born and educated in Kansas. At the age of 17, he joined the Gene Coy band and travelled extensively throughout the mid- and northwest parts of the country. In 1937, he moved to Los Angeles, joining the Fletcher Henderson Orchestra. Davis worked as a freelance arranger and musician for many companies, including Black & White, Specialty, 4 Star, Aladdin, Modern, Crown, Kent, Capitol, Imperial and Miltone, where he accompanied vocalists such as Jo Evans, Helen Humes, Kay Thomas, T-Bone Walker and Ernie Andrews. In 1948, he contracted with Aladdin Records in Beverly Hills where he recorded with musicians/ singers such as Amos Milburn, Peppermint Harris, Charles Brown, Floyd Dixon and Calvin Boze. During this period, his wife, Adelia, described a special arrangement Maxwell made with Louis Jordan, famous band director, who had lost all of his band arrangements in a fire. Jordan asked Maxwell to accompany him on his upcoming tour, while writing his replacement arrangements. She and Maxwell followed the band to several east coast cities with the understanding that Maxwell would get the additional opportunity to play with the band at the famous Apollo Theater in New York. This was very exciting for him.

Modern/ Kent probably kept him employed the steadiest throughout the '50s and '60s; he worked with Pee Wee Crayton, Etta James, Johnny "Guitar" Watson, Lowell Fulson, Z.Z. Hill, and plenty more on the Bihari Brothers' star-studded roster. By 1954, Maxwell was working as full-time arrange/producer for Modern producing several hits with B.B. King, Jesse Belvin, The Teen Queens, Johnny 'Guitar' Watson, Richard Berry, The Cadets, The Jacks and many others. He arranged and recorded several albums in tribute to the Big Band Era. He continued recording sessions right up until the day before he died, September, 1970.
https://www.jazzmusicarchives.com/artist/maxwell-davis

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Maxwell nació y se educó en Kansas. A los 17 años, se unió a la banda de Gene Coy y viajó por todo el centro y noroeste del país. En 1937 se trasladó a Los Ángeles y se incorporó a la orquesta de Fletcher Henderson. Davis trabajó como arreglista y músico independiente para muchas compañías, entre ellas Black & White, Specialty, 4 Star, Aladdin, Modern, Crown, Kent, Capitol, Imperial y Miltone, donde acompañó a vocalistas como Jo Evans, Helen Humes, Kay Thomas, T-Bone Walker y Ernie Andrews. En 1948, firmó un contrato con Aladdin Records en Beverly Hills, donde grabó con músicos/cantantes como Amos Milburn, Peppermint Harris, Charles Brown, Floyd Dixon y Calvin Boze. Durante este periodo, su mujer, Adelia, describió un acuerdo especial que Maxwell hizo con Louis Jordan, famoso director de banda, que había perdido todos los arreglos de su banda en un incendio. Jordan pidió a Maxwell que le acompañara en su próxima gira, mientras escribía los arreglos que le sustituirían. Ella y Maxwell siguieron a la banda a varias ciudades de la costa este con el acuerdo de que Maxwell tendría la oportunidad adicional de tocar con la banda en el famoso Apollo Theater de Nueva York. Esto fue muy emocionante para él.

Modern/ Kent probablemente fue el que le mantuvo empleado de forma más constante durante los años 50 y 60; trabajó con Pee Wee Crayton, Etta James, Johnny "Guitar" Watson, Lowell Fulson, Z.Z. Hill y muchos más en la lista de estrellas de los Bihari Brothers. En 1954, Maxwell trabajaba como arreglista/productor a tiempo completo para Modern produciendo varios éxitos con B.B. King, Jesse Belvin, The Teen Queens, Johnny 'Guitar' Watson, Richard Berry, The Cadets, The Jacks y muchos otros. Arregló y grabó varios álbumes en homenaje a la era de la Big Band. Continuó grabando sesiones hasta el día antes de su muerte, en septiembre de 1970.
https://www.jazzmusicarchives.com/artist/maxwell-davis


maxwelldavismusic.com ...

Elmore James & The Broom Dusters • Blues After Hours

Elmore James (27 de enero, 1918 – 24 de mayo de 1963) fue un guitarrista de blues estadounidense, considerado el padre de la bottleneck guitar o slide guitar.

Comenzó su carrera musical en Misisipi junto al armonicista Rice Miller (más conocido como Sonny Boy Williamson), con el que permaneció varios años hasta que consiguió su primer contrato de grabación en 1951. Fue entonces cuando se trasladó a Chicago, donde inició su andadura en solitario acompañado del grupo "The Broomdusters". Falleció el 24 de mayo de 1963 de un ataque al corazón.

Su estilo sin trabas y apasionado se distinguía por el sonido característico del slide blues, que puede apreciarse en canciones como "Dust my broom", "I Believe" o "It hurts me too". El sonido de James ha influenciado a músicos de blues y rock como Jeremy Spencer de Fleetwood Mac, Brian Jones de The Rolling Stones, Alan Wilson de Canned Heat, Stevie Ray Vaughan, Michael Bloomfield, Duane Allman o John Mayall. Es nombrado por los Beatles en la canción For You Blue del disco Let It Be.

Autor de una considerable cantidad de clásicos del blues, muchas de esa piezas fueron posteriormente versionadas por grandes del rock y del blues. “Dust my broom” fue grabado por Fleetwood Mac, “Bleeding Heart” por Jimi Hendrix, “Rollin´n´tumblin” por Canned Heat y Eric Clapton entre otros.

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Elmore James was an American blues slide guitarist and singer who recorded from 1951 until 1963. As with most blues artists of his era, James' recordings were issued as two-song record singles in the then-standard ten-inch 78 rpm and seven-inch 45 rpm formats. James recorded for several record companies, beginning with Trumpet Records in 1951. From 1952 to 1956, he recorded for the Bihari brothers, who issued singles on their Meteor, Flair, and Modern labels. From 1959 to 1963, he recorded for Fire Records. Along the way, James also recorded some songs which appeared on Chess Records and Chief Records, and as a sideman.

After his death in 1963, Elmore James' former companies began re-issuing a number of his singles on subsidiaries and leasing them out to other companies. These various labels also began releasing numerous compilation albums, often with significant overlap in song selection. With the advent of compact discs, this trend continued. However, some box sets have appeared that collect most or all of James' recordings for a particular label or time period.

Jay McShann • The Band That Jumps The Blues!

 

 Biography by Scott Yanow
The great veteran pianist Jay McShann (also known as Hootie) enjoyed a long career and it is unfair to primarily think of him as merely the leader of an orchestra that featured a young Charlie Parker. He was mostly self-taught as a pianist, worked with Don Byas as early as 1931 and played throughout the Midwest before settling in Kansas City in 1936. McShann formed his own sextet the following year and by 1939 had his own big band. In 1940 at a radio station in Wichita, KS, McShann and an octet out of his orchestra recorded eight songs that were not released commercially until the 1970s; those rank among the earliest of all Charlie Parker records (he is brilliant on "Honeysuckle Rose" and "Lady Be Good") and also feature the strong rhythm section team McShann had with bassist Gene Ramey and drummer Gus Johnson. The full orchestra recorded for Decca on two occasions during 1941-1942 but they were typecast as a blues band and did not get to record many of their more challenging charts (although very rare broadcasts have since surfaced and been released on CD by Vintage Jazz Classics). In addition to Bird (who had a few short solos), the main stars were trumpeter Bernard Anderson, the rhythm section, and singer Walter Brown. McShann and his band arrived in New York in February 1942 and made a strong impression, but World War II made it difficult for any new orchestras to catch on. There was a final session in December 1943 without Parker, but McShann was soon drafted and the band broke up. After being discharged later in 1944, McShann briefly re-formed his group but soon moved to Los Angeles, where he led combos for the next few years; his main attraction was the young singer Jimmy Witherspoon.

McShann was in obscurity for the next two decades, making few records and mostly playing in Kansas City. In 1969 he was rediscovered and McShann (who had first sung on records in 1966) was soon a popular pianist/vocalist. Sometimes featuring violinist Claude Williams, he toured constantly, recorded frequently, and appeared at many jazz festivals, being active into the mid-'90s. Jay McShann, who recorded through the years for Onyx (the 1940 radio transcriptions), Decca, Capitol, Aladdin, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime, and Music Masters among others, was a vital pianist and an effective blues vocalist who keept a classic style alive. A live album, Hootie Blues, recorded in 2001 in Toronto and released in 2006 by Stony Plain, showed that McShann could still bring it at the age of 85. He died at the age of 90 on December 7, 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

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Biografía de Scott Yanow
El gran pianista veterano Jay McShann (también conocido como Hootie) disfrutó de una larga carrera y es injusto pensar en él principalmente como un simple líder de una orquesta en la que figuraba un joven Charlie Parker. Fue en su mayoría autodidacta como pianista, trabajó con Don Byas ya en 1931 y tocó en todo el Medio Oeste antes de establecerse en Kansas City en 1936. McShann formó su propio sexteto al año siguiente y en 1939 tenía su propia big band. En 1940, en una estación de radio de Wichita, KS, McShann y un octeto de su orquesta grabaron ocho canciones que no se publicaron comercialmente hasta la década de 1970; éstas se encuentran entre los primeros discos de Charlie Parker (es brillante en "Honeysuckle Rose" y "Lady Be Good") y también cuentan con el fuerte equipo de la sección rítmica que McShann tenía con el bajista Gene Ramey y el baterista Gus Johnson. La orquesta completa grabó para Decca en dos ocasiones durante 1941-1942, pero fueron encasillados como una banda de blues y no llegaron a grabar muchas de sus listas de éxitos más desafiantes (aunque desde entonces han surgido emisiones muy raras y han sido editadas en CD por Vintage Jazz Classics). Además de Bird (que tuvo algunos solos cortos), las principales estrellas fueron el trompetista Bernard Anderson, la sección rítmica, y el cantante Walter Brown. McShann y su banda llegaron a Nueva York en febrero de 1942 y causaron una gran impresión, pero la Segunda Guerra Mundial hizo difícil que las nuevas orquestas se pusieran de moda. Hubo una sesión final en diciembre de 1943 sin Parker, pero McShann pronto fue reclutado y la banda se separó. Después de ser dado de baja a finales de 1944, McShann volvió a formar brevemente su grupo, pero pronto se trasladó a Los Ángeles, donde dirigió los combos durante los siguientes años; su principal atracción era el joven cantante Jimmy Witherspoon.

McShann estuvo en la oscuridad durante las dos décadas siguientes, haciendo pocos discos y tocando principalmente en Kansas City. En 1969 fue redescubierto y McShann (que había cantado por primera vez en discos en 1966) pronto fue un pianista/vocalista popular. A veces con el violinista Claude Williams, hacía giras constantemente, grababa con frecuencia y se presentaba en muchos festivales de jazz, estando activo hasta mediados de los 90. Jay McShann, que grabó a lo largo de los años para Onyx (las transcripciones de radio de 1940), Decca, Capitol, Aladino, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime y Music Masters entre otros, fue un pianista vital y un eficaz vocalista de blues que mantiene vivo un estilo clásico. Un álbum en vivo, Hootie Blues, grabado en 2001 en Toronto y publicado en 2006 por Stony Plain, demostró que McShann todavía podía llevarlo a la edad de 85 años. Murió a la edad de 90 años el 7 de diciembre de 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

 

 

Henry Mancini • The Jazz Sound From Peter Gunn

The music in this album offers an excellent sampling of the sounds you're likely to hear any Monday eve when Peter Gunn swings into action on NBC-TV. The musicians are the same jazzmen who are heard to outstanding advantage in all the programs. Here are some of them: Drummer Jack Sperling and bassist Rolly Bundock state the show's forceful opening motif, Fallout! The raw-sounding trumpet belongs to Pete Candoli, a veteran of the Woody Herman and Stan Kenton bands. Dreamsville, which might be subtitled "a love refrain for hipsters," features a moving alto sax solo by Ted Nash; his brother Dick can be heard dueling with fellow trombonist Milt Bernhart on Session at Pete's Pad. Saxist Ronnie Lang, who, in common with most of the musicians here, is a graduate of the Les Brown band, wields a bulging baritone on Sorta Blue. Other soloists at Mother's, the nitery where Peter Gunn hangs his Brooks Brothers jacket, are vibist Larry Bunker and pianist Johnny T. Williams.
This music is Peter Gunn's kind of jazz. I think you'll find that it's your kind, too."
- Blake Edwards

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La música de este álbum ofrece una excelente muestra de los sonidos que es probable que escuches cualquier lunes por la noche cuando Peter Gunn entra en acción en NBC-TV. Los músicos son los mismos jazzistas que se escuchan con gran ventaja en todos los programas. Aquí están algunos de ellos: El baterista Jack Sperling y el bajista Rolly Bundock declaran el poderoso motivo de apertura del programa, Fallout! La trompeta de sonido crudo pertenece a Pete Candoli, un veterano de las bandas de Woody Herman y Stan Kenton. Dreamsville, que podría subtitularse "un estribillo de amor para los hipsters", presenta un conmovedor solo de saxo alto de Ted Nash; su hermano Dick puede oírse en duelo con su colega trombonista Milt Bernhart en Session at Pete's Pad. El saxofonista Ronnie Lang, que, como la mayoría de los músicos de aquí, es graduado de la banda Les Brown, esgrime un abultado barítono en Sorta Blue. Otros solistas en Mother's, el lugar donde Peter Gunn cuelga su chaqueta de los Brooks Brothers, son el vibrafonista Larry Bunker y el pianista Johnny T. Williams.

Esta música es el tipo de jazz de Peter Gunn. Creo que descubrirás que también es tu tipo".
- Blake Edwards