Eddie Condon • Bixieland

Eddie Condon was on of the young 'White' Chicagoans who, during the 1920s, were instrumental in creating a new, hard driving type of “Chicago Dixieland Jazz”. His career started at just age 17 when he played Banjo (his original instrument) with the 'Hollis Peavey Jazz bandits', and he even played briefly with some members of the now fabled “Austin High School Gang”.

In 1927 he co-led the McKenzie-Condon Chicagoans on a record that was popular in Chicago. In 1929, after organizing some other recording sessions, Condon switched cities and instruments. He moved to New York, and began playing the guitar. In New York, he worked with Red McKenzie's Mound City Blue Blowers and with Red Nichol's and His Five Pennies. He appeared on one record (1929) with Louis Armstrong and His Savoy Ballroom 5.

In New York (ca. 1930), fellow Chicagoan Joe Marsala had a band that played at John Popkin's Hickory House on 52nd Street in New York for nearly ten years. Condon became Marsala's guitar player, and, between sets, spent a good deal of time at the bar. Between 1937 and 1944, he worked nightly at a famous New York Jazz club, Nick's, in New York 's Greenwich Village section. It may be said that Condon's “big break” came in 1938 when he led a group on some recording sessions for Milt Gabler's Commodore Label. These recording made Eddie a New York icon.

From 1944 to 1945, Condon was involved in a series of weekly broadcasts (and recordings) from New York's Town Hall . In 1945, Condon and Pete Pesci - manager of Julius's Bar - came up with a plan to open a jointly owned Club and this became the first “Eddie Condon's” (on West 3rd Street - Greenwich Village area). Eddie had excellent qualifications for a nightclub operator, - he was a sociable man who could hold his liquor, and was a very fine musician with many musician friends who could come in and help out.

Condon loved what he called “our particular brand of Jazz”, by which he meant 'Dixieland Jazz' with a strong rhythmic beat. His groups never used tubas or banjos and this was curious because Eddie's very first instrument was the Banjo. Sidemen that were often heard with him included Pee Wee Russell on clarinet, Gene Schroeder on piano, Big Sid “Rim Shots” Catlett on drums, as well as Muggsy Spanier or Bobby Hackett or Wild Bill Davison on trumpets.

In 1947, H.Holt Company published his biography”We Called It Music: A Generation of Jazz”. In the 1950s, he recorded for the Columbia label, these were a series of live recordings that are some of his best work.

In 1961, the club lost the 3rd Street lease to New York University. Condon and Pesci then relocated to the posh Hotel Sutton on East 56th. Street, where the club continued until 1967. Referring to his clubs, Condon once said that his policy was, “We don't throw anybody in, and we don't throw anybody out”.

Eddie Condon was a real character and a strong supporter of jazz. He always had racially mixed bands and fought for that cause as well. His playing was fiercely rhythmic, and he set the tempo for his outfits. He rarely took solos, and preferred to give the spotlight to the other players, but it was his band for sure.

Condon left a generous discography, and many of his prime era recordings have been reissued on several labels as Jazzology, Mosaic, Collectables, Storyville and others.

Eddie Condon passed away at age 68, in 1973

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Eddie Condon fue uno de los jóvenes "blancos" de Chicago que, durante los años 20, fue instrumental en la creación de un nuevo tipo de "Chicago Dixieland Jazz". Su carrera comenzó a la edad de 17 años cuando tocó el banjo (su instrumento original) con los bandidos de Hollis Peavey Jazz, e incluso tocó brevemente con algunos miembros de la ahora legendaria "Banda de la Escuela Secundaria de Austin".

En 1927 codirigió a los Chicagoanos de McKenzie-Condón en un disco que fue muy popular en Chicago. En 1929, después de organizar otras sesiones de grabación, Condon cambió de ciudad y de instrumento. Se mudó a Nueva York y comenzó a tocar la guitarra. En Nueva York, trabajó con Red McKenzie's Mound City Blue Blowers y con Red Nichol's and His Five Pennies. Apareció en un disco (1929) con Louis Armstrong y His Savoy Ballroom 5.

En Nueva York (alrededor de 1930), el chicagüense Joe Marsala tuvo una banda que tocó en John Popkin's Hickory House en la calle 52 de Nueva York durante casi diez años. Condon se convirtió en el guitarrista de Marsala, y, entre los sets, pasó mucho tiempo en el bar. Entre 1937 y 1944, trabajó todas las noches en un famoso club de jazz de Nueva York, Nick's, en la sección de Greenwich Village de Nueva York. Se puede decir que la "gran oportunidad" de Condon llegó en 1938 cuando dirigió un grupo en algunas sesiones de grabación para el sello Commodore de Milt Gabler. Estas grabaciones hicieron de Eddie un icono de Nueva York.

De 1944 a 1945, Condon participó en una serie de transmisiones semanales (y grabaciones) desde el Ayuntamiento de Nueva York. En 1945, Condon y Pete Pesci - gerente del Julius's Bar - idearon un plan para abrir un Club de propiedad conjunta y éste se convirtió en el primer "Eddie Condon's" (en la calle 3 Oeste - zona de Greenwich Village). Eddie tenía excelentes calificaciones para ser operador de un club nocturno, - era un hombre sociable que podía sostener su licor, y era un músico muy fino con muchos amigos músicos que podían entrar y ayudar.

A Condon le encantaba lo que él llamaba "nuestra marca particular de Jazz", con lo que se refería al 'Dixieland Jazz' con un fuerte ritmo. Sus grupos nunca usaron tubas o banjos y esto era curioso porque el primer instrumento de Eddie fue el Banjo. Los sidemen que se escuchaban a menudo con él incluían a Pee Wee Russell en el clarinete, Gene Schroeder en el piano, Big Sid "Rim Shots" Catlett en la batería, así como Muggsy Spanier o Bobby Hackett o Wild Bill Davison en las trompetas.

En 1947, la compañía H.Holt publicó su biografía "We Called It Music": Una generación de Jazz". En los años 50, grabó para el sello Columbia, una serie de grabaciones en vivo que son algunos de sus mejores trabajos.

En 1961, el club perdió el contrato de la calle 3 con la Universidad de Nueva York. Condon y Pesci se mudaron al elegante Hotel Sutton en la 56 Este. Street, donde el club continuó hasta 1967. Refiriéndose a sus clubes, Condon dijo una vez que su política era: "No echamos a nadie dentro, y no echamos a nadie fuera".

Eddie Condon era un verdadero personaje y un gran partidario del jazz. Siempre tuvo bandas de mezcla racial y también luchó por esa causa. Su forma de tocar era muy rítmica y marcaba el ritmo de su ropa. Rara vez hacía solos, y prefería dar el protagonismo a los otros músicos, pero era su banda, seguro.

Condon dejó una generosa discografía, y muchas de sus grabaciones de la época de la primacía han sido reeditadas en varios sellos como Jazzology, Mosaic, Collectables, Storyville y otros.

Eddie Condon falleció a los 68 años, en 1973

Sidney Bechet • The Legendary Sidney Bechet

Winifred Atwell • Hall Of Fame

 

Biography
by Sharon Mawer
Winifred Atwell was one of the stars of the early British charts when they were introduced for the first time in the 1950s, playing an upright piano in a boogie-woogie style of ragtime. She was born on February 27, 1914, in Tunapuna on the island of Trinidad. Her father owned a pharmacy, and although the young Winifred was trained in chemistry and was expected to join the family business, she was always more interested in performing for U.S. servicemen either at the air base or a local club, Piarco. Having trained from a very early age on the piano, she was proficient enough to satisfy the troops stationed in the Caribbean, when someone asked her to play in the popular style of boogie-woogie. When she returned to the club, she had written the song "Piarco Boogie," which was later to be retitled "Five Finger Boogie." Atwell moved to America in the early '40s to study the piano with Alexander Borovsky and later to London, where she studied at the Royal Academy of Music and became the first female pianist to be awarded the highest grade for musicianship. Supplementing her income while studying, she played ragtime at various London clubs and was spotted at the Casino Theatre by entrepreneur Bernard Delfont, who signed her to a recording contract with Decca Records.

In 1946 Atwell met the comedian Lew Levisohn, who was to become her husband. Levinsohn suggested that an original sound and stage presentation might be achieved if Atwell first played a classical piece on a concert grand piano and then a ragtime on a battered upright, which they purchased in a junk shop for £2.50. This would become known as Atwell's "other piano," and would travel with her around the world, even to the Sydney Opera House. Both pianos would be very slightly detuned to give a faint off-key sound, and this originality was one of the stepping stones to her successful career. She also appeared cheerful with a dazzling smile and a warm personality, and in Britain during the late '40s, dominated by rationing after World War II, it was a welcome relief to be entertained by this very special lady. One of her recordings that became extremely popular in the early '50s was actually written in the 1920s by George Botsford and titled "Black and White Rag," which received an enormous amount of radio play and would later become famous as the signature tune for the BBC snooker series Pot Black.

When Britain introduced pop charts in November 1952, Atwell was one of the first black artists to hit the Top Ten and the first instrumentalist in the chart, with the song "Britannia Rag." The hits continued throughout the 1950s, including "Coronation Rag" in the summer of 1953 to celebrate Queen Elizabeth II's coronation, and at Christmas she recorded the first of her piano medleys of music hall songs under the title "Let's Have a Party," which included "If You Knew Susie," "The More We Are Together," "Knees Up Mother Brown," "Daisy Bell," "Boomps a Daisy," and "She Was One of the Early Birds." Setting a trend that would continue on all of her medleys, side one of the single was an uptempo rag while the B-side was a slightly slower medley. Reverting to her classical training, she hit the charts in 1954 with Rachmaninov's 18th Variation on a Theme by Paganini, and at Christmas she achieved her first number one hit with another medley, "Let's Have Another Party." The mid-'50s were a period of peak popularity for her in Britain, with Atwell playing at the Royal Variety Show and even at a private party for the Queen, where a personal encore of "Roll Out the Barrel" was requested.

Her breakthrough performance in the U.S.A. was due to have been as a guest on The Ed Sullivan Show in 1956, but she was confronted with racist opposition to the idea of a black woman appearing as a guest, and the show was never even recorded. She encountered no such problems in Australia, where she visited in 1956 and became equally as popular. Back in Britain in that year she enjoyed her second number one single, a version of the French song "Poor People of Paris." After this hit, her massive popularity diminished with the two-pronged attack from the rise of rock & roll and a new young British pianist, Russ Conway, who began to have hit records with the same style of honky tonk/ragtime playing, and she found the Top Ten of the singles chart a difficult goal to reach, apart from her subsequent Christmas season medleys "Let's Have a Ding Dong," "Make It a Party," and "Piano Party." She was also exceedingly popular in Australia and was an outspoken critic of the plight of the Aborigines, and eventually she and her husband settled in Sydney. When Lew Levisohn died in 1977, she considered relocating back to Trinidad but remained in Australia. Tragedy struck in the early '80s when a fire destroyed her home in Narrabeen and she suffered a heart attack shortly afterwards. She died on February 28, 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

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Biografía

por Sharon Mawer

Winifred Atwell fue una de las estrellas de las primeras listas británicas cuando se presentaron por primera vez en la década de 1950, tocando un piano vertical en un estilo boogie-woogie de ragtime. Nació el 27 de febrero de 1914 en Tunapuna en la isla de Trinidad. Su padre era dueño de una farmacia y, aunque la joven Winifred tenía formación en química y se esperaba que se uniera al negocio familiar, ella siempre estuvo más interesada en actuar para los Estados Unidos. militares ya sea en la base aérea o en un club local, Piarco. Tras aprender a tocar el piano desde muy temprana edad, logró satisfacer a las tropas estacionadas en el Caribe cuando alguien le pidió que tocara el popular estilo boogie-woogie. Cuando regresó al club, había escrito la canción "Piarco Boogie", que luego pasaría a llamarse "Five Finger Boogie". Atwell se mudó a Estados Unidos a principios de los años 40 para estudiar piano con Alexander Borovsky y más tarde a Londres, donde estudió en la Royal Academy of Music y se convirtió en la primera pianista en recibir la calificación más alta en musicalidad. Para complementar sus ingresos mientras estudiaba, tocó ragtime en varios clubes de Londres y fue descubierta en el Casino Theatre por el empresario Bernard Delfont, quien le firmó un contrato discográfico con Decca Records.

En 1946, Atwell conoció al comediante Lew Levisohn, quien se convertiría en su marido. Levinsohn sugirió que se podría lograr un sonido y una presentación escénica originales si Atwell tocara primero una pieza clásica en un piano de cola de concierto y luego un ragtime en un vertical bateado, que compraron en una tienda de chatarra por £ 2,50. Este sería conocido como el "otro piano" de Atwell y viajaría con ella por todo el mundo, incluso hasta la Ópera de Sydney. Ambos pianos estaban ligeramente desafinados para dar un ligero sonido desafinado, y esta originalidad fue uno de los peldaños de su exitosa carrera. También parecía alegre, con una sonrisa deslumbrante y una personalidad cálida, y en Gran Bretaña a finales de los años 40, dominada por la racionalización después de la Segunda Guerra Mundial, era un alivio bienvenido ser entretenida por esta dama tan especial. Una de sus grabaciones que se hizo extremadamente popular a principios de los años 50 fue escrita en la década de 1920 por George Botsford y titulada "Black and White Rag", que recibió una enorme cantidad de reproducción en la radio y más tarde se haría famosa como la melodía característica de la Serie de billar de la BBC Pot Black.

Cuando Gran Bretaña introdujo las listas de éxitos pop en noviembre de 1952, Atwell fue uno de los primeros artistas negros en llegar al Top Ten y el primer instrumentista en la lista, con la canción "Britannia Rag". Los éxitos continuaron a lo largo de la década de 1950, incluido "Coronation Rag" en el verano de 1953 para celebrar la coronación de la reina Isabel II, y en Navidad grabó el primero de sus popurrís para piano de canciones de music hall bajo el título "Let's Have a Party", que incluyó "If You Knew Susie", "The More We Are Together", "Knees Up Mother Brown", "Daisy Bell", "Boomps a Daisy" y "She Was One of the Early Birds". Estableciendo una tendencia que continuaría en todos sus popurrís, la cara uno del sencillo era un trapo rápido mientras que la cara B era un popurrí un poco más lento. Volviendo a su formación clásica, llegó a las listas de éxitos en 1954 con la 18.ª variación de Rachmaninov sobre un tema de Paganini, y en Navidad logró su primer éxito número uno con otro popurrí, "Let's Have Another Party". A mediados de los años 50 fue un período de máxima popularidad para ella en Gran Bretaña, con Atwell tocando en el Royal Variety Show e incluso en una fiesta privada de la Reina, donde se solicitó un bis personal de "Roll Out the Barrel".

Su gran actuación en los EE.UU. Debía haber estado como invitada en The Ed Sullivan Show en 1956, pero se enfrentó a una oposición racista a la idea de que una mujer negra apareciera como invitada, y el programa ni siquiera fue grabado. No encontró tales problemas en Australia, donde visitó en 1956 y se hizo igualmente popular. De regreso a Gran Bretaña ese año, disfrutó de su segundo sencillo número uno, una versión de la canción francesa "Poor People of Paris". Después de este éxito, su popularidad masiva disminuyó con el ataque doble del ascenso del rock & roll y un nuevo joven pianista británico, Russ Conway, que comenzó a grabar discos con el mismo estilo de tocar honky tonk/ragtime, y ella Consideró que el Top Ten de la lista de sencillos era un objetivo difícil de alcanzar, aparte de sus popurrís posteriores de la temporada navideña "Let's Have a Ding Dong", "Make It a Party" y "Piano Party". También fue muy popular en Australia y criticó abiertamente la difícil situación de los aborígenes y, finalmente, ella y su marido se establecieron en Sydney. Cuando Lew Levisohn murió en 1977, consideró regresar a Trinidad, pero permaneció en Australia. La tragedia se produjo a principios de los años 80 cuando un incendio destruyó su casa en Narrabeen y poco después sufrió un ataque cardíaco. Murió el 28 de febrero de 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

Chris Barber's Jazz Band • Ice Cream

Biography

Barber/Ball/Bilk are a British traditional jazz trio comprised of trombonist Chris Barber, trumpeter Kenny Ball, and clarinetist Acker Bilk, whose individual recordings were compiled from time to time on joint best-of collections such as At the Jazz Band Ball (1994) and Boaters Bowlers & Bowties (2009). The recordings of Barber (born on April 17, 1930, in Welwyn Garden City, Hertfordshire, England), Ball (born on May 22, 1930, in Ilford, Essex, England), and Bilk (born on January 28, 1929, in Pensford, Somerset, England) were first compiled jointly in 1962 on The Best of Ball, Barber & Bilk, which was released in the wake of "Stranger on the Shore." Performed by Mr. Acker Bilk & the Leon Young String Chorale and originally released in October 1961, "Stranger on the Shore" was one of the biggest hits of 1962 in not only the U.K., where it was the best-selling single of the year, but also the U.S., where it topped the Billboard singles chart for a week in May. Even though "Stranger on the Shore" isn't featured on The Best of Ball, Barber & Bilk, which includes songs by Mr. Acker Bilk & His Paramount Jazz Band, Kenny Ball & His Jazzmen, and Chris Barber & His Jazz Band, the song's popularity, along with that of the British traditional jazz movement, propelled the compilation to the top of the U.K. albums chart in September 1962. From time to time over the years, the recordings of Barber, Ball, and Bilk were likewise compiled jointly. At the Jazz Band Ball (1994) is a particularly notable compilation of 1962 recordings drawn from the BBC Archives. In addition, Boaters Bowlers & Bowties (2009) is notable for its double-disc length as well as for its inclusion of "Stranger on the Shore."

by Jason Birchmeier

https://www.allmusic.com/artist/chris-barber-mn0000105761/biography

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Biografía

Barber/Ball/Bilk es un trío de jazz tradicional británico compuesto por el trombonista Chris Barber, el trompetista Kenny Ball y el clarinetista Acker Bilk, cuyas grabaciones individuales se compilaron de vez en cuando en colecciones conjuntas de lo mejor, como At the Jazz Band Ball (1994) y Boaters Bowlers & Bowties (2009). Las grabaciones de Barber (nacido el 17 de abril de 1930, en Welwyn Garden City, Hertfordshire, Inglaterra), Ball (nacido el 22 de mayo de 1930, en Ilford, Essex, Inglaterra) y Bilk (nacido el 28 de enero de 1929, en Pensford, Somerset, Inglaterra) se compilaron conjuntamente por primera vez en 1962 en The Best of Ball, Barber & Bilk, que se publicó a raíz de "Stranger on the Shore". Interpretado por el Sr. Acker Bilk & the Leon Young String Chorale y estrenado originalmente en octubre de 1961, "Stranger on the Shore" fue uno de los mayores éxitos de 1962 no sólo en el Reino Unido, donde fue el single más vendido del año, sino también en los EE.UU., donde encabezó la lista de singles de Billboard durante una semana en mayo. Aunque "Stranger on the Shore" no aparece en The Best of Ball, Barber & Bilk, que incluye canciones de Mr. Acker Bilk & His Paramount Jazz Band, Kenny Ball & His Jazzmen, y Chris Barber & His Jazz Band, la popularidad de la canción, junto con la del movimiento de jazz tradicional británico, impulsó la compilación a lo más alto de la lista de álbumes del Reino Unido en septiembre de 1962. De vez en cuando a lo largo de los años, las grabaciones de Barber, Ball, y Bilk también fueron compiladas conjuntamente. At the Jazz Band Ball (1994) es una compilación particularmente notable de grabaciones de 1962 extraídas de los archivos de la BBC. Además, Boaters Bowlers & Bowties (2009) es notable por su longitud de doble disco así como por su inclusión de "Stranger on the Shore".

por Jason Birchmeier

https://www.allmusic.com/artist/chris-barber-mn0000105761/biography

Chris Barber's Jazzband • The Original Copenhagen Concert

 

Recorded live, Odd Fellow Palaet, Copenhagen, October 10th, 1954 Chris Barber’s Jazz Band have always been a great live attraction.Many of their concerts have been recorded with no less than ten commercially recorded performances between 1954 and 1961. And it all started in Copenhagen, Denmark on October 10th, 1954. Here then – for the first time, and in chronological order – you can enjoy listening to this remarkable concert, which gave way for an outstanding international career for Chris Barber and the boys. The Album contains three previously unissued performances.

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Grabado en directo, Odd Fellow Palaet, Copenhague, 10 de octubre de 1954 La Chris Barber's Jazz Band siempre ha sido una gran atracción en directo. Muchos de sus conciertos han sido grabados, con no menos de diez actuaciones registradas comercialmente entre 1954 y 1961. Y todo comenzó en Copenhague, Dinamarca, el 10 de octubre de 1954. Aquí, pues, por primera vez y en orden cronológico, se puede disfrutar de la escucha de este notable concierto, que dio paso a una destacada carrera internacional de Chris Barber y los chicos. El álbum contiene tres actuaciones inéditas.

Joe Fingers Carr • Plays Zambezi-Plays Young Bulls Of Pamplona

Louis Ferdinand Busch
Profile:
* Born Louis Ferdinand Bush, 18 July 1910, Louisville, Kentucky
* Died 19 September 1979, Camarillo, California

Although Lou Busch (not Bush, he changed the spelling) is best known for his honky-tonk piano recordings under his stage name, Joe "Fingers" Carr, his contributions to space age pop go well beyond that. He got his start early, leading his own band by the age of 12 and leaving home at 16 to work as a professional musician. He played with a number of sweet big bands--Clyde McCoy, Henry Busse, and George Olson--then took a short break to study at the Cincinnati Conservatory.
After that, he went back to the sweet bands, this time joining one of the most successful of them, Hal Kemp's. Bush stayed with Kemp for most of the 1930s and married the first of his several wives, the band's girl singer, Janet Blair. After the band's lead arranger, John Scott Trotter, departed in early 1936, Bush and fellow band member Hal Mooney split most of the arranging duties. When Kemp died in a car crash in 1940, they moved to Los Angeles and started working as studio musicians, but World War Two came along and pulled Bush into the Army for a three-year stint.
When he returned to L.A. in 1945, he hooked up with Johnny Mercer's fledgling Capitol Records label and ended up working as an A&R executive. He continued to do occasional session work as a pianist, though, and provided the key ingredient in the 1949 Jo Stafford-Paul Weston hit, "Ragtime Cowboy Joe." In 1950, he sold the label on the idea of recording his ragtime playing, and he made up the name, Joe "Fingers" Carr, during his initial studio session. His first single, featuring his original tune, "Ivory Rag," became an international hit.
Although Capitol played up the nostalgic cariacature of Carr the honky tonk pianist, wearing derby hat, bowtie, vest, and suspenders, Bush tried not to let his recordings slip into mere novelty.
Carr's success spurred a revival of ragtime in the form of camped-up honky tonk.
http://www.spaceagepop.com/carr.htm 

 

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Louis Ferdinand Busch
Perfil:
* Nacido Louis Ferdinand Bush, 18 de julio de 1910, Louisville, Kentucky
* Fallecido el 19 de septiembre de 1979, Camarillo, California

Aunque Lou Busch (no Bush, cambió la ortografía) es más conocido por sus grabaciones de piano honky-tonk bajo su nombre artístico, Joe "Fingers" Carr, sus contribuciones al pop de la era espacial van mucho más allá. Empezó pronto, dirigiendo su propia banda a los 12 años y dejando su casa a los 16 para trabajar como músico profesional. Tocó con varias grandes bandas de música -Clyde McCoy, Henry Busse y George Olson- y luego se tomó un breve descanso para estudiar en el Conservatorio de Cincinnati.
Después de eso, volvió a las bandas dulces, esta vez uniéndose a una de las más exitosas, la de Hal Kemp. Bush permaneció con Kemp durante la mayor parte de la década de 1930 y se casó con la primera de sus varias esposas, la cantante de la banda, Janet Blair. Después de que el principal arreglista de la banda, John Scott Trotter, se marchara a principios de 1936, Bush y su compañero Hal Mooney se repartieron la mayor parte de los arreglos. Cuando Kemp murió en un accidente de coche en 1940, se trasladaron a Los Ángeles y empezaron a trabajar como músicos de estudio, pero la Segunda Guerra Mundial hizo que Bush se alistara en el ejército durante tres años.
Cuando regresó a Los Ángeles en 1945, se unió a la incipiente discográfica Capitol Records de Johnny Mercer y acabó trabajando como ejecutivo de A&R. Sin embargo, continuó haciendo trabajos ocasionales de sesión como pianista, y proporcionó el ingrediente clave en el éxito de 1949 de Jo Stafford-Paul Weston, "Ragtime Cowboy Joe". En 1950, vendió a la discográfica la idea de grabar su forma de tocar el ragtime, y se inventó el nombre de Joe "Fingers" Carr durante su primera sesión de estudio. Su primer sencillo, con su tema original, "Ivory Rag", se convirtió en un éxito internacional.
Aunque Capitol se empeñó en la nostálgica cariacontecimiento de Carr, el pianista del honky tonk, con sombrero, pajarita, chaleco y tirantes, Bush intentó que sus grabaciones no se convirtieran en una mera novedad.
El éxito de Carr impulsó un renacimiento del ragtime en forma de honky tonk acampado.
http://www.spaceagepop.com/carr.htm

King of Ragtime: Scott Joplin and His Era

 

In 1974, the academy award-winning film The Sting brought back the music of Scott Joplin, a black ragtime composer who died in 1917. Led by The Entertainer, one of the most popular pieces of the mid-1970s, a revival of his music resulted in events unprecedented in American musical history. Never before had any composer's music been so acclaimed by both the popular and classical music worlds. While reaching a "Top Ten" position in the pop charts, Joplin's music was also being performed in classical recitals and setting new heights for sales of classical records. His opera Treemonisha was performed both in opera houses and on Broadway.
Destined to be the definitive work on the man and his music, King of Ragtime is written by Edward A. Berlin. A renowned authority on Joplin and the author of the acclaimed and widely cited Ragtime: A Musical and Cultural History, Berlin redefines the Scott Joplin biography. Using the tools of a trained musicologist, he has uncovered a vast amount of new information about Joplin. His biography truly documents the story of the composer, replacing the myths and unsupported anecdotes of previous histories. He shows how Joplin's opera Treemonisha was a tribute to the woman he loved, a woman other biographers never even mentioned. Berlin also reveals that Joplin was an associate of Irving Berlin, and that he accused Berlin of stealing his music to compose Alexander's Ragtime Band in 1911.
Berlin paints a vivid picture of the ragtime years, placing Scott Joplin's story in its historical context. The composer emerges as a representative of the first post-Civil War generation of African Americans, of the men and women who found in the world of entertainment a way out of poverty and lowly social status. King of Ragtime recreates the excitement of these pioneers, who dreamed of greatness as they sought to expand the limits society placed upon their race.

 

  Edward A. Berlin (Author)

 

Chuck Gould • Plays A La Fletcher Henderson

 

Notes LP:

Charles “Chuck” Gould was born in Staples, Minnesota, and grew up in Seattle, Washington. His unusual musical career has included the composing, conducting and producing of such musicals as “Flyin’ Hi,” Olsen and Johnson’s “Funzapoppin’,” the “American Revue in Paris.” He has composed the lyrics and music for many popular songs, is prominent as a vocalist and as the composer-conductor of the popular álbum “White Satín and Black Velvet.” He is well fitted to bring us the culmination of the talents of his great friend Fletcher Henderson in this remarkable alburn, showing what can be 'done with the only native American art—Jazz. But this is more than the combining of the talents of Henderson and Gould or a creating of vital living jazz history—it’s also fun to listen to, to dance with, and to hear again'and again as the magic of mood and music are portrayed thru the talents of two men who knew what they were doing.

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Notas LP:

Charles "Chuck" Gould nació en Staples, Minnesota, y creció en Seattle, Washington. Su inusual carrera musical ha incluido la composición, dirección y producción de musicales como "Flyin' Hi", "Funzapoppin'" de Olsen y Johnson, la "American Revue in Paris". Ha compuesto la letra y la música de muchas canciones populares, se ha destacado como vocalista y como compositor y director del popular álbum "White Satín and Black Velvet". Está bien preparado para traernos la culminación de los talentos de su gran amigo Fletcher Henderson en esta notable alburna, mostrando lo que se puede hacer con el único arte-jazz nativo americano. Pero esto es más que la combinación de los talentos de Henderson y Gould o la creación de una historia vital de jazz viviente: también es divertido escuchar, bailar y escuchar una y otra vez y otra vez como la magia del humor y la música se retratan a través de los talentos de dos hombres que sabían lo que hacían.

Rags and Ragtime: A Musical History

 

"A work for all time . . . (with) a tremendous amount of historical information which has never been published. . . . It will be the standard text and reference work in the ragtime field." — Rag Times.
This well-known, highly praised book is the definitive history of ragtime music and its composers. Both authors are widely celebrated composers, performers, collectors, historians, and critics of ragtime music. With great enthusiasm and expertise, they trace the growth and diversification of ragtime from its earliest beginnings in the late nineteenth century through its heyday in the Folk, Classic, Popular, Novelty, and Stride Ragtime periods to its current revival.
Forty-eight major composers are discussed, including Scott Joplin, Zez Confrey, Jelly Roll Morton, Fats Waller, and many other greats. In addition, 800 important rags are profiled, most of them bearing the carefree titles that were part of the tradition, titles like "Canned Corn Rag," "Bantam Step," "Too Much Raspberry," "Ragging the Scale," and "Red Onion Rag." Each profile includes date of publication, original publisher, a discography, and a commentary of the unique character and appeal of each rag.
Over 100 photographs, many of them rare, illuminate this lively chronicle, along with reproductions of original sheet music and many other items of interest from the authors' personal archives.
"Jasen and Tichenor have no peers in ragtime knowledge. . . .They are the two unchallengeable authorities in the field of ragtime history, personalities, and musical forms." — The Classic Rag.
"A combination encyclopedia/biography/history/analysis and review, it teems with what would appear to be everything the ragtime buff or casual inquirer needs or wants to know about the music that won't stand still." — The Christian Science Monitor.
"Rags and Ragtime tells it all. There's a lot here I didn't know in pictures, music, and words." — Eubie Blake.

 

by David A. Jasen (Author), Trebor Jay Tichenor (Author) 

 

Jean-Pierre Rampal • Plays Scott Joplin

www.jprampal.com ...

Sidney Bechet • Petite Fleur [Quadromania]

 

Ragtime An Encyclopedia, Discography, and Sheetography

 

Ragtime: An Encyclopedia, Discography, and Sheetography is the definitive reference work for this important popular form of music that flourished from the 1890s through the 1920s, and was one of the key predecessors of jazz. It collects for the first time entries on all the important composers and performers, and descriptions of their works; a complete listing of all known published ragtime compositions, even those self-published and known only in single copies; and a complete discography from the cylinder era to today. It also represents the culmination of a lifetime’s research for its author, considered to be the foremost scholar of ragtime and early twentiethh-century popular music. Rare photographs accompany most entries, taken from the original sheets, newspapers, and other archival sources.

 

Sidney Bechet • Ten Songs For You

 

Stable Roof Jazzband • Ramblin' Around

 

La Stable Roof Jazz Band lleva años en la cima del jazz tradicional holandés. La gente en el extranjero, especialmente en Alemania, también aprecia la banda.

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The Stable Roof Jazz Band has been at the top of traditional Dutch jazz for years. People abroad, especially in Germany, also appreciate the band.


www.stableroof.nl ...

Colaborador / Contributor:  peer57

Pete Fountain & Big Tiny Little • Mr. New Orleans Meets Mr. Honky Tonk

 

Chris Barber's Jazz Band • In Concert

Biography
by arwulf arwulf
Trombonist and bandleader Chris Barber spearheaded the Anglo-European trad jazz movement during the late '50s and early '60s and devoted 60 years to the endless celebration of old-fashioned music. Barber initially broke through in the '50s releasing albums like 1954's New Orleans Joys, which spawned the Lonnie Donegan skiffle classic "Rock Island Line. He also scored a Top 20 U.K. hit in 1959 with "Petite Fleur," a cover of the Sydney Bechet song featuring clarinetist Monty Sunshine. But that's only part of his story. Even as he presided over that transatlantic response to the Dixieland revival, Barber went out of his way to make music with U.S. blues legends Big Bill Broonzy, Brother John Sellers, Sonny Terry, Brownie McGhee, Otis Spann, Muddy Waters, James Cotton, and Sonny Boy Williamson II. This cross-pollination dramatically affected the lives and careers of budding British rockers such as the Rolling Stones, the Yardbirds, Eric Burdon, Jimmy Page, and John Mayall.

Donald Christopher "Chris" Barber was born on April 17, 1930, in Welwyn Garden City, Hertfordshire, just north of London, England. After studying double bass and trombone at London's Guildhall School of Music, he assembled the King Oliver-inspired Barber New Orleans Band in 1949. In 1953 he co-founded a group called the Jazzmen with Ken Colyer, a cornetist who had just returned from New Orleans where he had worked with clarinetist George Lewis. In 1954 the group was rechristened Chris Barber's Jazz Band. Trumpeter Pat Halcox had begun what would amount to a 59-year commitment, banjoist/guitarist Lonnie Donegan now sang songs from the jazz, blues, and folk traditions, and Barber sometimes performed on the string bass while Beryl Bryden stroked a washboard.

Donegan and Barber are credited with having ignited the mid-'50s U.K. skiffle movement with a 1955 cover of Leadbelly's "Rock Island Line" that went gold on both sides of the Atlantic. Another of the band's chart-topping hits was its interpretation of Sidney Bechet's "Petite Fleur," a feature for clarinetist Monty Sunshine that led to the eventual rise of pop instrumentalist Acker Bilk. The year 1955 also saw the arrival of Barber's future wife, vocalist Ottilie Patterson, a blues-based performer who sang duets with Sister Rosetta Tharpe when the gospel/swing star sat in with the band in 1957. Barber's often surprisingly diverse lineup also included Jamaican saxophonists Joe Harriott and Bertie King.

In 1959 Barber went cinematic by generating music for Look Back in Anger, a film noir exercise in kitchen sink realism directed by Tony Richardson and starring Richard Burton as a violently misogynistic, emotionally disturbed confection peddler and part-time Dixieland trumpeter (dubbed by Pat Halcox). Barber made the first of many U.S. tours in 1959, bringing out of the woodwork African-American jazz veterans like pianist Hank Duncan, clarinetist Edmond Hall, trumpeter Sidney DeParis, and rhythm & blues pioneer singer/saxophonist Louis Jordan. Barber's 1960s discography includes air shots from the BBC radio archives and live recordings made in Budapest and East Berlin, with gospel and folk material enriching the already fertile ground of the band's repertoire.

As the years passed, a gradually renamed Chris Barber's Jazz & Blues Band regularly employed blues and rock musicians, blurring the artificially imposed delineations between genres while offering music that was accessible to a wide range of listeners. In 1964, he brought on board blues guitarist John Slaughter as a full-time member. He also recorded a 1972 album with guitarist Rory Gallagher, Drat That Fratle Rat. Barber spent a lot of time performing in Europe during the 1970s, and after the passing of Duke Ellington deliberately sought out some of Duke's key soloists in organist Wild Bill Davis, saxophonist Russell Procope, and singer/trumpeter/violinist Ray Nance.

On a Mardi Gras Day
Throughout the 1980s Barber stayed faithful to his traditional and progressive instincts by teaming up with Louisiana singer, philosopher, and keyboardist Dr. John. Originally from backgrounds as different as could be, the two made several records together, including 1990's On a Mardi Gras Day, and toured a show called Take Me Back to New Orleans. The 1990s and the first decade of the 21st century found Barber carrying the torch of trad jazz into his sixth decade of creative professional activity, often expanding his group to include 11 players while consistently delivering music of unpretentious warmth and historic depth. Barber suffered from dementia in his later years and retired from performing in 2019. He died on March 2, 2021 at the age of 90.
https://www.allmusic.com/artist/chris-barber-mn0000105761/biography

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Biografía
por arwulf arwulf
El trombonista y director de orquesta Chris Barber encabezó el movimiento de jazz tradicional angloeuropeo a finales de los años 50 y principios de los 60 y dedicó 60 años a la celebración incesante de la música antigua. Barber se dio a conocer en los años 50 con álbumes como New Orleans Joys, de 1954, que dio lugar al clásico del skiffle de Lonnie Donegan "Rock Island Line". También consiguió un éxito en el Top 20 del Reino Unido en 1959 con "Petite Fleur", una versión de la canción de Sydney Bechet con la participación del clarinetista Monty Sunshine. Pero eso es sólo una parte de su historia. Incluso mientras presidía esa respuesta transatlántica al renacimiento del Dixieland, Barber se desvivió por hacer música con las leyendas del blues estadounidense Big Bill Broonzy, Brother John Sellers, Sonny Terry, Brownie McGhee, Otis Spann, Muddy Waters, James Cotton y Sonny Boy Williamson II. Esta polinización cruzada afectó de forma dramática a las vidas y carreras de rockeros británicos en ciernes como los Rolling Stones, los Yardbirds, Eric Burdon, Jimmy Page y John Mayall.

Donald Christopher "Chris" Barber nació el 17 de abril de 1930 en Welwyn Garden City, Hertfordshire, al norte de Londres, Inglaterra. Tras estudiar contrabajo y trombón en la Guildhall School of Music de Londres, reunió en 1949 la Barber New Orleans Band, inspirada en King Oliver. En 1953 cofundó un grupo llamado Jazzmen con Ken Colyer, un cornetista que acababa de regresar de Nueva Orleans, donde había trabajado con el clarinetista George Lewis. En 1954 el grupo fue rebautizado como Chris Barber's Jazz Band. El trompetista Pat Halcox había comenzado lo que sería un compromiso de 59 años, el banjoista/guitarrista Lonnie Donegan cantaba ahora canciones de las tradiciones del jazz, el blues y el folk, y Barber actuaba a veces con el bajo de cuerda mientras Beryl Bryden acariciaba una tabla de lavar.

A Donegan y Barber se les atribuye el mérito de haber iniciado el movimiento skiffle de mediados de los 50 en el Reino Unido con una versión de 1955 de "Rock Island Line" de Leadbelly que se convirtió en disco de oro a ambos lados del Atlántico. Otro de los éxitos de la banda en las listas de éxitos fue su interpretación de "Petite Fleur" de Sidney Bechet, un tema para el clarinetista Monty Sunshine que condujo al posterior ascenso del instrumentista pop Acker Bilk. El año 1955 también vio la llegada de la futura esposa de Barber, la vocalista Ottilie Patterson, una intérprete de blues que cantó a dúo con la hermana Rosetta Tharpe cuando la estrella del gospel/swing se sentó con la banda en 1957. La formación de Barber, a menudo sorprendentemente diversa, también incluía a los saxofonistas jamaicanos Joe Harriott y Bertie King.

En 1959, Barber se dedicó al cine al crear la música de Look Back in Anger, un ejercicio de realismo de cine negro dirigido por Tony Richardson y protagonizado por Richard Burton en el papel de un vendedor de dulces violentamente misógino y emocionalmente perturbado y trompetista Dixieland a tiempo parcial (doblado por Pat Halcox). Barber realizó la primera de muchas giras por Estados Unidos en 1959, sacando de la nada a veteranos del jazz afroamericano como el pianista Hank Duncan, el clarinetista Edmond Hall, el trompetista Sidney DeParis y el cantante y saxofonista pionero del rhythm & blues Louis Jordan. La discografía de Barber de los años 60 incluye tomas de aire de los archivos de la radio de la BBC y grabaciones en directo realizadas en Budapest y Berlín Oriental, con material gospel y folk que enriquece el ya fértil terreno del repertorio de la banda.

Con el paso de los años, la Chris Barber's Jazz & Blues Band, gradualmente rebautizada, empleó con regularidad a músicos de blues y de rock, desdibujando las delineaciones artificialmente impuestas entre los géneros y ofreciendo al mismo tiempo una música accesible a una amplia gama de oyentes. En 1964, incorporó al guitarrista de blues John Slaughter como miembro a tiempo completo. También grabó un álbum en 1972 con el guitarrista Rory Gallagher, Drat That Fratle Rat. Barber pasó mucho tiempo actuando en Europa durante la década de 1970, y tras el fallecimiento de Duke Ellington buscó deliberadamente a algunos de los solistas clave de Duke en el organista Wild Bill Davis, el saxofonista Russell Procope y el cantante, trompetista y violinista Ray Nance.

En un día de carnaval
A lo largo de la década de 1980, Barber se mantuvo fiel a sus instintos tradicionales y progresistas asociándose con el cantante, filósofo y teclista de Luisiana Dr. John. Los dos, de orígenes tan diferentes como se puede, grabaron varios discos juntos, entre ellos On a Mardi Gras Day, de 1990, y realizaron una gira con el espectáculo Take Me Back to New Orleans. En los años 90 y en la primera década del siglo XXI, Barber llevó la antorcha del jazz tradicional hasta su sexta década de actividad profesional creativa, ampliando a menudo su grupo hasta incluir a 11 músicos y ofreciendo siempre una música de calidez sin pretensiones y profundidad histórica. Barber sufrió demencia en sus últimos años y se retiró de la actuación en 2019. Murió el 2 de marzo de 2021 a la edad de 90 años.
https://www.allmusic.com/artist/chris-barber-mn0000105761/biography

Johnny Maddox And His Dixie Boys • Dixieland Blues

 

Johnny Maddox, one of the most recognizable personalities in ragtime history died Tuesday, November 27th, he was 91. He planted the seeds of a ragtime revival that would bloom with the classical revival of ragtime music in the late 60s.

Johnny Maddox was born on August 4, 1927 in Gallatin, Tennessee. He learned piano as a toddler from his Aunt Zula Cothron who had played ragtime at the 1904 Louisiana Purchase Exposition in St. Louis. Maddox began performing publically at age 5 and had a professional career by the time he was 12 years old.

He became a nationally recognized star after the release of “St. Louis Tickle” backed with “Crazy Bone Rag” on Dot Records in 1950. It sold 22 thousand copies in just a few weeks. Maddox carried Dot Records, which was owned by his friend Randy Wood, to national prominence, recording a series of hits for them until 1967. His discography runs to over 50 albums and 90 additional singles.

In the early 50s, he appeared with major stars from Sophie Tucker to Elvis Presley. He had a hit playing Bob Wills’ “San Antonio Rose”, bringing the sounds of his piano to millions of ears. He had another major hit with “In The Mood”.

His sound caught on with the public and by 1954 he had been declared the “Number One Jukebox Artist in America” by the MOA (Music Operators of America). The next year he recorded his biggest hit, a version of “Crazy Otto Medley” that spent 14 weeks near the top of the Billboard Chart and became the first all-piano record to sell more than a million copies. He went on to have nine gold singles.

During his broadest fame in the 50s and 60s he appeared on all the major television variety shows, and in major city venues nationwide, but he also toured state fairs, playing a piano mounted on the back of a pickup truck. He befriended many of the surviving stars of the original ragtime and early jazz era, including W.C. Handy, and appeared with rising country musicians like Patsy Cline.

Always one to have a home base, he maintained a 17 year engagement at the Red Slipper Room in Denver, Colorado’s Cherry Creek Inn through the 50s and 60s.  He attempted to retire several times but continued to perform regularly until 2012.  He played at  Il Porto Ristorante in Old Town Alexandria, Virginia for many years and then from 1996-2012 at the Strater Hotel’s Diamond Belle Saloon in Durango, Colorado.  He amassed one of the largest collections of original ragtime sheet music in private hands, totaling more than 200,000 pieces. In recent years he has befriended and performed with young ragtime pianist Adam Swanson.
Johnny Maddox (August 4, 1927 – November 27, 2018)
https://syncopatedtimes.com/johnny-maddox-has-died/



Elliott Simon By Elliott Simon
September 17, 2005
When the Grateful Dead sang a hundred verses in ragtime to "Ramble On Rose, it was no accident that the leader of their conjured-up band was Crazy Otto. Their reference was to ragtime pianist Johnny Maddox, whose Crazy Otto Rag released in 1955, sold over 2 million copies and in the process became the first million selling all piano recording in history. Maddox, who lives in Gallatin, TN, continues to travel twice yearly to the Diamond Belle Saloon in Durango Colorado's Strater Hotel where he plays two extended solo engagements. Releases like Red Hot Ragtime, Vol. 1 (Crazy Otto Music) impress not only with their clean sound but also with the way Maddox infuses well worn classics with new life. Tunes that, through overplaying and hackneyed arrangements, can become somewhat anachronistic have their inner glory revealed through precise phrasing, a wonderful left hand, blinding speed and a unique style that Maddox has crafted over the years.

A ragtime historian whose sheet music collection numbers over 200,000 and who can play thousands of pieces from memory, Maddox easily defines his genre and differentiates it from jazz. "...you play a steady marching bass with your left hand and the right hand works against the left...that's what ragtime is...and you can rag anything...you can rag a hymn, you can rag a brand new piece of music today as long as you are playing that steady marching bass and the right hand working against the left...you were supposed to play it as it was written...jazz...you could take liberties with the music...that's absolutely the only difference...and ol' Sidney Bechet said its (all) ragtime no matter how you look at it. Things are of course not quite that simple and when asked if he plays it as it is written the answer is a resounding "No!...it has to be me...if I'm trying to play something...it comes across stiff or stilted...I have to express me...

True to his word, Maddox does infuse himself into his music and when you hear "12th Street Rag played the Johnny Maddox way, it is like hearing it for the first time. Maddox began in show business in 1939 and started recording in 1950, his 50 albums and 87 singles total over 11,000,000 in record sales. Unfortunately, most of his output has remained unreleased on CD. Crazy Otto Music however, has begun to change that with recent reissues. A jewel of this effort is a three CD collectors edition of solo piano, 3CD Collector's Edition Box Set, with beautifully illustrated booklets. Period sheet music covers and Johnny's own thoughts on each song personalize the listener's encounter. Each CD reflects a theme; be it the Southern flavored Back Home in Tennessee, Cowboys and Indians, with its homage to the West or my personal favorite, Where the Southern Crosses the Yellow Dog, a tribute to W.C. Handy. Johnny's own arrangements reflect his scrupulous approach to detail and validity. He recalled the time in 1951 that he looked up W.C. Handy in NYC to make sure he got it just right, "I met Handy. I spent a whole day with him. He called me the white boy with the colored fingers. That was a big compliment...I wanted to know the original dance tempos that he played...when he was in Memphis in 1908, 09...I wanted to know how he originally played the Memphis Blues, the tempo he played it in, and the St. Louis Blues. Because most people play those blues so slow they will put you to sleep. But they were not played that a' way way back, they were rags actually.

Likewise, Johnny's classic Dixieland Blues has been given special re-packaging that includes a variety of computer accessible pictures, video clips and interviews. The session itself, features top jazz players and though recorded over 40 years ago hasn't lost any of its incredible power. From the opening assault of the Original Dixieland Jazz Band's "Bluin' the Blues through W.C. Handy classics and the sweet Dixieland of pieces like Spencer Williams' "Tishomingo Blues the band cooks. Though Johnny may consider himself srictly "ragtime" he is as jazz-y a ragtime pianist as there is and his skills in that regard enable the session to come off as a "jazz" success. With Red Callendar's tuba pumping the bass throughout, drummer Nick Fatool, Mannie Klein on trumpet, Matty Matlock's searing clarinet work, Nappy LaMare's banjo, and Moe Schneider's trombone, Johnny remembers the session as a somewhat daunting experience that magically came together. "I was thrown in with a jazz group....I'm ragtime strictly...I guess I was in awe of those musicians that I worked with because they were such famous and well known musicians. I was the youngest one there. We walked in the studio and just did it...I'm the only one that is alive on the whole record. Johnny Maddox is certainly still very much alive and well and as one of America's greatest living ragtime pianists he is a national musical treasure.
https://www.allaboutjazz.com/johnny-maddox-ragtime-historian-by-elliott-simon

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Johnny Maddox, una de las personalidades más reconocidas de la historia del ragtime. Plantó las semillas de un renacimiento del ragtime que florecería con el renacimiento clásico de la música ragtime a finales de los años 60.

Johnny Maddox nació el 4 de agosto de 1927 en Gallatin, Tennessee. Aprendió a tocar el piano de pequeño con su tía Zula Cothron, que había tocado ragtime en la Exposición de la Compra de Luisiana de 1904 en San Luis. Maddox comenzó a actuar en público a los 5 años y ya tenía una carrera profesional a los 12 años.

Se convirtió en una estrella reconocida a nivel nacional tras el lanzamiento de "St. Louis Tickle" con "Crazy Bone Rag" en Dot Records en 1950. Vendió 22.000 copias en pocas semanas. Maddox llevó a Dot Records, que era propiedad de su amigo Randy Wood, a la fama nacional, grabando una serie de éxitos para ellos hasta 1967. Su discografía abarca más de 50 álbumes y 90 singles adicionales.

A principios de los años 50, actuó con grandes estrellas, desde Sophie Tucker hasta Elvis Presley. Tuvo un éxito interpretando "San Antonio Rose" de Bob Wills, llevando los sonidos de su piano a millones de oídos. Tuvo otro gran éxito con "In The Mood".

Su sonido caló en el público y en 1954 fue declarado "Artista número uno de las máquinas de discos en Estados Unidos" por la MOA (Music Operators of America). Al año siguiente grabó su mayor éxito, una versión de "Crazy Otto Medley" que pasó 14 semanas en la cima de la lista Billboard y se convirtió en el primer disco de piano que vendió más de un millón de copias. Llegó a tener nueve singles de oro.

Durante su mayor fama, en los años 50 y 60, apareció en todos los programas de variedades de la televisión y en los principales locales de las ciudades de todo el país, pero también recorrió las ferias estatales tocando un piano montado en la parte trasera de una camioneta. Se hizo amigo de muchas de las estrellas supervivientes del ragtime original y de la primera época del jazz, como W.C. Handy, y actuó con músicos country emergentes como Patsy Cline.

Siempre dispuesto a tener una base, mantuvo un compromiso de 17 años en el Red Slipper Room del Cherry Creek Inn de Denver, Colorado, durante los años 50 y 60.  Intentó retirarse varias veces, pero siguió actuando con regularidad hasta 2012.  Tocó en Il Porto Ristorante en Old Town Alexandria, Virginia, durante muchos años y luego, de 1996 a 2012, en el Diamond Belle Saloon del Hotel Strater en Durango, Colorado.  Ha acumulado una de las mayores colecciones de partituras originales de ragtime en manos privadas, con un total de más de 200.000 piezas. En los últimos años ha entablado amistad y ha actuado con el joven pianista de ragtime Adam Swanson.
Johnny Maddox (4 de agosto de 1927 - 27 de noviembre de 2018)
https://syncopatedtimes.com/johnny-maddox-has-died/



Elliott Simon Por Elliott Simon
17 de septiembre de 2005
Cuando los Grateful Dead cantaron cien versos en ragtime a "Ramble On Rose", no fue casualidad que el líder de su banda de conjuntos fuera Crazy Otto. Su referencia era el pianista de ragtime Johnny Maddox, cuyo Crazy Otto Rag, publicado en 1955, vendió más de dos millones de copias y, de paso, se convirtió en la primera grabación de un millón de ventas de todos los pianos de la historia. Maddox, que vive en Gallatin (TN), sigue viajando dos veces al año al Diamond Belle Saloon del Hotel Strater de Durango (Colorado), donde interpreta dos largos conciertos en solitario. Lanzamientos como Red Hot Ragtime, Vol. 1 (Crazy Otto Music) impresionan no sólo por su sonido limpio, sino también por la forma en que Maddox infunde nueva vida a clásicos muy gastados. Melodías que, debido a la sobreactuación y a los arreglos trillados, pueden llegar a ser algo anacrónicas, ven su gloria interior revelada a través de un fraseo preciso, una maravillosa mano izquierda, una velocidad cegadora y un estilo único que Maddox ha elaborado a lo largo de los años.

Un historiador del ragtime cuya colección de partituras supera las 200.000 y que puede tocar miles de piezas de memoria, Maddox define fácilmente su género y lo diferencia del jazz. "...tocas un bajo de marcha constante con la mano izquierda y la mano derecha trabaja contra la izquierda... eso es el ragtime... y puedes rapear cualquier cosa... puedes rapear un himno, puedes rapear una pieza musical nueva hoy en día siempre que estés tocando ese bajo de marcha constante y la mano derecha trabajando contra la izquierda. ...se suponía que debías tocarla tal y como estaba escrita... el jazz... podías tomarte libertades con la música... esa es absolutamente la única diferencia... y el viejo Sidney Bechet dijo que es (todo) ragtime, lo mires como lo mires. Las cosas, por supuesto, no son tan sencillas y cuando se le pregunta si lo toca tal y como está escrito, la respuesta es un rotundo "¡No!... tengo que ser yo... si intento tocar algo... resulta rígido o rebuscado... tengo que expresarme...".

Fiel a su palabra, Maddox se infunde a sí mismo en su música y cuando se escucha "12th Street Rag" interpretada a la manera de Johnny Maddox, es como si se oyera por primera vez. Maddox comenzó en el mundo del espectáculo en 1939 y empezó a grabar en 1950; sus 50 álbumes y 87 singles suman más de 11.000.000 de ventas de discos. Lamentablemente, la mayor parte de su producción ha permanecido inédita en CD. Sin embargo, Crazy Otto Music ha empezado a cambiar esta situación con recientes reediciones. Una joya de este esfuerzo es una edición de coleccionistas de tres CD de piano solo, 3CD Collector's Edition Box Set, con folletos bellamente ilustrados. Las portadas de las partituras de época y los pensamientos del propio Johnny sobre cada canción personalizan el encuentro con el oyente. Cada CD refleja un tema; ya sea el de sabor sureño Back Home in Tennessee, Cowboys and Indians, con su homenaje al Oeste o mi favorito personal, Where the Southern Crosses the Yellow Dog, un homenaje a W.C. Handy. Los propios arreglos de Johnny reflejan su escrupuloso enfoque de los detalles y la validez. Recordó la vez que, en 1951, buscó a W.C. Handy en Nueva York para asegurarse de que lo hacía bien: "Conocí a Handy. Pasé un día entero con él. Me llamó el chico blanco con los dedos de color. Fue un gran cumplido... Quería saber los tempos de baile originales que tocaba... cuando estaba en Memphis en 1908, 09... Quería saber cómo tocaba originalmente el Memphis Blues, el tempo en que lo tocaba, y el St. Porque la mayoría de la gente toca esos blues tan despacio que te duermen. Pero no se tocaban así hace mucho tiempo, en realidad eran trapos.

Asimismo, el clásico Dixieland Blues de Johnny ha sido objeto de un reempaquetado especial que incluye una variedad de imágenes, videoclips y entrevistas accesibles por ordenador. La sesión en sí, cuenta con los mejores músicos de jazz y, aunque se grabó hace más de 40 años, no ha perdido nada de su increíble poder. Desde el asalto inicial de "Bluin' the Blues" de la Original Dixieland Jazz Band, pasando por los clásicos de W.C. Handy y el dulce Dixieland de piezas como "Tishomingo Blues" de Spencer Williams, la banda cocina. Aunque Johnny se considere a sí mismo "ragtime", es un pianista de ragtime tan jazzístico como el que más y sus habilidades en este sentido permiten que la sesión sea un éxito "jazzístico". Con la tuba de Red Callendar, el baterista Nick Fatool, Mannie Klein en la trompeta, el clarinete de Matty Matlock, el banjo de Nappy LaMare y el trombón de Moe Schneider, Johnny recuerda la sesión como una experiencia un tanto desalentadora que se materializó mágicamente. "Me metieron en un grupo de jazz -.... Soy estrictamente ragtime... Supongo que estaba asombrado por los músicos con los que trabajé porque eran músicos muy famosos y conocidos. Yo era el más joven. Entramos en el estudio y simplemente lo hicimos... Soy el único que está vivo en todo el disco. Sin duda, Johnny Maddox sigue muy vivo y, como uno de los mejores pianistas de ragtime vivos de Estados Unidos, es un tesoro musical nacional.
https://www.allaboutjazz.com/johnny-maddox-ragtime-historian-by-elliott-simon

Sidney Bechet • Masters Of Jazz, Vol. 9

 

Clarinettist Mezz Mezzrow was a great admirer of Sidney Bechet and made many recordings featuring himself with Bechet for his own record company, the King Jazz label, in the mid forties. This compilation includes sessions from the Mezzrow-Bechet Septet and Quintet. *”Mezz Mezzrow’s playing was not by any means in the same league as Sidney Bechet’s ... but in this set of recordings - made in New York in 1945 and Chicago two years later - Mezzrow ... works around the ever-creative Bechet but he also demonstrates a pleasant rapport ... “ - *from the new liner notes by Chris Albertson.

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El clarinetista Mezz Mezzrow era un gran admirador de Sidney Bechet y realizó muchas grabaciones con Bechet para su propia compañía discográfica, el sello King Jazz, a mediados de los años cuarenta. Esta compilación incluye sesiones del Septeto y del Quinteto Mezzrow-Bechet. *"La forma de tocar de Mezz Mezzrow no estaba ni mucho menos a la altura de la de Sidney Bechet... pero en este conjunto de grabaciones - realizadas en Nueva York en 1945 y en Chicago dos años después- Mezzrow... trabaja en torno al siempre creativo Bechet pero también demuestra una agradable compenetración... " - *de las nuevas notas de Chris Albertson.


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Tuts Washington • Live At Tipitina's

Review by Don Snowden

There's not a whole helluva lot of Tuts Washington out there, so any recorded legacy of the most important pre-Professor Longhair generation of New Orleans piano players has its value. He was an acknowledged influence on Fess, and while these performances are alleged to be board tapes, it sure sounds more like someone turned on a cassette recorder in the sound booth. You're right there in the front rows at Tipitina's with constant crowd chatter, the odd drink being slurped, some fairly dramatic volume fluctuations, and a house piano way closer to a honky tonk upright than a precisely tuned Steinway or Bosendorfer. It doesn't really matter, you know. Washington was one of those original, old-school songsters who mixed blues and ragtime, old-time popular standards, whatever it was people wanted to hear. Dr. John (and James Booker before him) can fall in that school and the trick is not caring about genres -- it's all about fluid melody, interpretation, rhythmic command, and common language. One can hear echoes of Cream's version of Robert Johnson's "Four Until Late" in the melody to "Miss Lucy's Blues," but who knows what song Tuts would have cited as a source, if any. Washington was more of a rolling and tumbling right-hand pianist than either Longhair or the pure boogie-woogie crew, and "Tuts Washington Blues" has some nice right-hand lines and moves. "Someone to Watch Over Me" receives a fine ballad treatment; "Sweet Georgia Brown" and "Honky Tonk" are all but unrecognizable as such when Washington gets done with them (that's not a criticism). The romping "When the Saints Go Marching In" and "Poydras Street" both have a real antebellum ragtime feel and Tuts doesn't ignore the blues side, be it nodding to the Longhair left-hand foundation debt to Jimmy Yancey on "Yancey Special" or upping the tempo ante with "Pool Hall Blues." "Gravel Road Blues" is a seriously rockin' "Night Train" adaptation with memorable trills, and "After Hours" sports a naggingly familiar melody and a feel very evocative of its title before the tape fades out. The songwriting credits seem a little weird, and some of the song transitions are abrupt (to put it mildly), but the informal ambience creates a strong sense of dropping into a neighborhood club in New Orleans where the night's featured attraction was Washington. That's exactly what this performance was, and probably paints an accurate picture of how Tuts Washington spent most of his life as a working musician, playing solo piano in less than optimum conditions. There's always the New Orleans Piano Professor studio CD on Rounder for those who place higher priority on a more formal, pristine presentation and how perfect the piano sounds.

https://www.allmusic.com/album/live-at-tipitinas-78-mw0000258994

Biography

Isadore ‘Tuts’ Washington provides a wider perspective on the phenomenon of New Orleans piano that is called the Storyville tradition. Storyville was an upscale brothel district that operated in New Orleans until 1917. Every first class whorehouse had one or more pianists, who were called the Professors. Since the clients were white and often made requests, the Professors developed a repertoire much more diverse than the barrelhouse players, including ragtime and the popular music of the day. Although Tuts came along slightly after Storyville, he was an example of the wide range of musicianship characteristic of the tradition. His forte was that he could play most any request in any style. A master of the country blues since his boyhood, he used to amaze the audience with astonishingly beautiful original compositions of his own.

Tuts Washington was born in New Orleans in 1907. He grew up always around a piano, he quit school after the sixth grade, and was soon working in local bands and making the rounds. He learned a lot from the older players, as “Red” Cayou, who was his personal mentor, until 1925.

Throughout the ‘30’s and ‘40’s, Tuts was playing in the clubs and barrooms along South Rampart Street. This is about the time that a young Roy Byrd would follow him around picking up on his style, many years before he would be known as Professor Longhair. One of his friends was blues pianist Champion Jack Dupree, who also played the clubs in the area.

Washington achieved his greatest success in the company of singer/guitarist Smiley Lewis, with whom he joined forces during the late 1940s; prior to the 1952 breakup, they cut for Imperial some of the landmark New Orleans R&B sides of the period. He then went to the band of local legend Papa Celestin.

He was in the ‘50’s a principal teacher of James Booker, as he was a close family friend and always at the Booker home, where he took the young pianist under his wing at an early age. He remained close to home in New Orleans and did not venture out of the city much as he always had work and was in demand.

He was “rediscovered” in 1983 by the people at Rounder Records who had the foresight to record and produce him on the excellent “Tuts Washington New Orleans Piano Professor.” This is a high quality solo session that displays his virtuosity and fine technique over a nice set of traditional standards. It’s sad to note that in a lifelong career that left just a few recorded cuts, after his long awaited solo debut, Tuts Washington passed away in 1984.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/tutswashington

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Reseña de Don Snowden

No hay una gran cantidad de Tuts Washington por ahí, así que cualquier legado grabado de la generación más importante de pianistas de la pre-Professor Longhair  de Nueva Orleans tiene su valor. Fue una influencia reconocida en Fess, y aunque estas actuaciones son supuestamente cintas de cartón, seguro que suena más como si alguien hubiera encendido una grabadora de cassette en la cabina de sonido. Usted está en las primeras filas de Tipitina's con constantes charlas entre la multitud, la extraña bebida siendo sorbida, algunas fluctuaciones de volumen bastante dramáticas, y un piano de casa mucho más cerca de un honky tonk vertical que un Steinway o Bosendorfer afinado con precisión. Realmente no importa, sabes. Washington era uno de esos pianistas originales de la vieja escuela que mezclaban blues y ragtime, estándares populares de antaño, lo que fuera que la gente quería oír. El Dr. John (y James Booker antes que él pueden caer en esa escuela y el truco es no preocuparse por los géneros - se trata de una melodía fluida, interpretación, dominio rítmico y lenguaje común. Uno puede escuchar ecos de la versión de Cream de "Four Until Late" de Robert Johnson en la melodía de "Miss Lucy's Blues", pero quién sabe qué canción habría citado Tuts como fuente, si la hubiera. Washington era más un pianista de la mano derecha que el de pelo largo o el equipo de boogie-woogie puro, y "Tuts Washington Blues" tiene algunas líneas y movimientos agradables de la mano derecha. "Someone to Watch Over Me" recibe un buen tratamiento de balada; "Sweet Georgia Brown" y "Honky Tonk" son casi irreconocibles como tales cuando Washington termina con ellos (eso no es una crítica). El retozón "When the Saints Go Marching In" y "Poydras Street" tienen una verdadera sensación de ragtime antes de la partida y Tuts no ignora el lado blues, ya sea asintiendo a la deuda de la fundación izquierdista Longhair con Jimmy Yancey en "Yancey Special" o subiendo el tempo antes de la partida con "Pool Hall Blues". "Gravel Road Blues" es una adaptación seriamente rockera de "Night Train" con trinos memorables, y "After Hours" tiene una molesta melodía familiar y una sensación muy evocadora de su título antes de que la cinta se desvanezca. Los créditos de composición de canciones parecen un poco raros, y algunas de las transiciones de canciones son abruptas (por decirlo suavemente), pero el ambiente informal crea una fuerte sensación de caer en un club de barrio en Nueva Orleáns donde la atracción principal de la noche fue Washington. Eso es exactamente lo que fue esta actuación, y probablemente pinta un cuadro exacto de cómo Tuts Washington pasó la mayor parte de su vida como músico de trabajo, tocando el piano solo en condiciones menos que óptimas. Siempre está el CD de estudio de New Orleans Piano Professor en Rounder para aquellos que dan mayor prioridad a una presentación más formal y prístina y a la perfección de los sonidos del piano.

https://www.allmusic.com/album/live-at-tipitinas-78-mw0000258994

Biografía

Isadore 'Tuts' Washington ofrece una perspectiva más amplia sobre el fenómeno del piano de Nueva Orleans que se llama la tradición de Storyville. Storyville fue un distrito de burdeles de lujo que funcionó en Nueva Orleáns hasta 1917. En todos los prostíbulos de primera clase había uno o más pianistas, que se llamaban los Profesores. Como los clientes eran blancos y a menudo hacían pedidos, los profesores desarrollaron un repertorio mucho más diverso que el de los músicos de barrelhouse, incluyendo el ragtime y la música popular de la época. Aunque Tuts apareció un poco después de Storyville, fue un ejemplo de la amplia gama de habilidades musicales características de la tradición. Su fuerte era que podía tocar la mayoría de los pedidos en cualquier estilo. Maestro del country blues desde su infancia, solía sorprender al público con composiciones originales de asombrosa belleza.

Tuts Washington nació en Nueva Orleans en 1907. Creció siempre alrededor de un piano, dejó la escuela después del sexto grado, y pronto estuvo trabajando en bandas locales y haciendo las rondas. Aprendió mucho de los jugadores mayores, como "Red" Cayou, que fue su mentor personal, hasta 1925.

A lo largo de los años 30 y 40, Tuts tocaba en los clubes y bares de South Rampart Street. Esta es la época en la que un joven Roy Byrd le seguía a todas partes, muchos años antes de que se le conociera como Profesor Pelo Largo. Uno de sus amigos era el campeón de pianistas de blues Jack Dupree, que también tocaba en los clubes de la zona.

Washington logró su mayor éxito en compañía del cantante y guitarrista Smiley Lewis, con quien unió fuerzas a finales de la década de 1940; antes de la ruptura de 1952, cortaron para Imperial algunos de los emblemáticos lados del R&B de Nueva Orleáns del período. Luego fue a la banda de la leyenda local Papa Celestin.

En los años 50 fue profesor principal de James Booker, ya que era un amigo cercano de la familia y siempre estaba en la casa de los Booker, donde acogió al joven pianista bajo su tutela a una edad muy temprana. Permaneció cerca de su casa en Nueva Orleans y no se aventuró a salir de la ciudad, ya que siempre tenía trabajo y había mucha demanda.

Fue "redescubierto" en 1983 por la gente de Rounder Records que tuvo la previsión de grabarlo y producirlo en el excelente "Tuts Washington New Orleans Piano Professor". Esta es una sesión en solitario de alta calidad que muestra su virtuosismo y fina técnica sobre un buen conjunto de estándares tradicionales. Es triste notar que en una carrera de toda una vida que dejó sólo unos pocos cortes grabados, después de su tan esperado debut en solitario, Tuts Washington falleció en 1984.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/tutswashington

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Isidore 'Tuts' Washington • New Orleans Piano

 Biography

Isadore ‘Tuts’ Washington provides a wider perspective on the phenomenon of New Orleans piano that is called the Storyville tradition. Storyville was an upscale brothel district that operated in New Orleans until 1917. Every first class whorehouse had one or more pianists, who were called the Professors. Since the clients were white and often made requests, the Professors developed a repertoire much more diverse than the barrelhouse players, including ragtime and the popular music of the day. Although Tuts came along slightly after Storyville, he was an example of the wide range of musicianship characteristic of the tradition. His forte was that he could play most any request in any style. A master of the country blues since his boyhood, he used to amaze the audience with astonishingly beautiful original compositions of his own.

Tuts Washington was born in New Orleans in 1907. He grew up always around a piano, he quit school after the sixth grade, and was soon working in local bands and making the rounds. He learned a lot from the older players, as “Red” Cayou, who was his personal mentor, until 1925.

Throughout the ‘30’s and ‘40’s, Tuts was playing in the clubs and barrooms along South Rampart Street. This is about the time that a young Roy Byrd would follow him around picking up on his style, many years before he would be known as Professor Longhair. One of his friends was blues pianist Champion Jack Dupree, who also played the clubs in the area.

Washington achieved his greatest success in the company of singer/guitarist Smiley Lewis, with whom he joined forces during the late 1940s; prior to the 1952 breakup, they cut for Imperial some of the landmark New Orleans R&B sides of the period. He then went to the band of local legend Papa Celestin.

He was in the ‘50’s a principal teacher of James Booker, as he was a close family friend and always at the Booker home, where he took the young pianist under his wing at an early age. He remained close to home in New Orleans and did not venture out of the city much as he always had work and was in demand.

He was “rediscovered” in 1983 by the people at Rounder Records who had the foresight to record and produce him on the excellent “Tuts Washington New Orleans Piano Professor.” This is a high quality solo session that displays his virtuosity and fine technique over a nice set of traditional standards. It’s sad to note that in a lifelong career that left just a few recorded cuts, after his long awaited solo debut, Tuts Washington passed away in 1984.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/tutswashington

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Biografía

Isadore 'Tuts' Washington ofrece una perspectiva más amplia sobre el fenómeno del piano de Nueva Orleans que se llama la tradición de Storyville. Storyville fue un distrito de burdeles de lujo que funcionó en Nueva Orleáns hasta 1917. En todos los prostíbulos de primera clase había uno o más pianistas, que se llamaban los Profesores. Como los clientes eran blancos y a menudo hacían pedidos, los profesores desarrollaron un repertorio mucho más diverso que el de los músicos de barrelhouse, incluyendo el ragtime y la música popular de la época. Aunque Tuts apareció un poco después de Storyville, fue un ejemplo de la amplia gama de habilidades musicales características de la tradición. Su fuerte era que podía tocar la mayoría de los pedidos en cualquier estilo. Maestro del country blues desde su infancia, solía sorprender al público con composiciones originales de asombrosa belleza.

Tuts Washington nació en Nueva Orleans en 1907. Creció siempre alrededor de un piano, dejó la escuela después del sexto grado, y pronto estuvo trabajando en bandas locales y haciendo las rondas. Aprendió mucho de los jugadores mayores, como "Red" Cayou, que fue su mentor personal, hasta 1925.

A lo largo de los años 30 y 40, Tuts tocaba en los clubes y bares de South Rampart Street. Esta es la época en la que un joven Roy Byrd le seguía a todas partes, muchos años antes de que se le conociera como Profesor Pelo Largo. Uno de sus amigos era el campeón de pianistas de blues Jack Dupree, que también tocaba en los clubes de la zona.

Washington logró su mayor éxito en compañía del cantante y guitarrista Smiley Lewis, con quien unió fuerzas a finales de la década de 1940; antes de la ruptura de 1952, cortaron para Imperial algunos de los emblemáticos lados del R&B de Nueva Orleáns del período. Luego fue a la banda de la leyenda local Papa Celestin.

En los años 50 fue profesor principal de James Booker, ya que era un amigo cercano de la familia y siempre estaba en la casa de los Booker, donde acogió al joven pianista bajo su tutela a una edad muy temprana. Permaneció cerca de su casa en Nueva Orleans y no se aventuró a salir de la ciudad, ya que siempre tenía trabajo y había mucha demanda.

Fue "redescubierto" en 1983 por la gente de Rounder Records que tuvo la previsión de grabarlo y producirlo en el excelente "Tuts Washington New Orleans Piano Professor". Esta es una sesión en solitario de alta calidad que muestra su virtuosismo y fina técnica sobre un buen conjunto de estándares tradicionales. Es triste notar que en una carrera de toda una vida que dejó sólo unos pocos cortes grabados, después de su tan esperado debut en solitario, Tuts Washington falleció en 1984.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/tutswashington

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator