Herbie Mann • Mellow

Not a high water mark in Herbie Mann's recorded output, Mellow was released by Atlantic Records after dropping him from their roster.  Made up primarily of outtakes from mid- to late-'70s recording sessions, the album sounds like the hodgepodge it is.  Highlights include a take on Milton Nascimento's "Cinnamon Flower" and a lengthy version of Mann's classic "Memphis Underground," recorded at the 1977 Montreux Jazz Festival with guests Sonny Fortune, David Newman and the Brecker Brothers.  The low point arrives with the opening track, a cover of Bob Marley's "Bend Down Low" left over from the Reggae sessions, in which Mann actually sings the lead vocal. - AMG

Biography

The world according to flutist and composer Herbie Mann was a utopian musical paradise where jazz is made up of of Afro-Cuban, Middle-Eastern, R&B, and nearly every other kind of music. In the 1960s, he discovered Brazil's bossa-nova; in the 1970s, he even found disco rhythms in jazz.

Unlike most of his contemporaries in jazz, when Mann began playing flute in 1940s he had no forefathers to learn from, no pioneers of jazz flute to idolize. He was forced to look elsewhere—both inside and outside of jazz—to develop his approach to jazz and the flute. Among numerous musical influences, Mann was particularly drawn to rhythms and melodies from South America and the Caribbean.

Herbie Mann was born Herbert Jay Solomon in Brooklyn, New York, on April 16, 1930. Early in his childhood, Mann was so enthralled with rhythm that he wanted to be a drummer. Instead, a cousin of his mother convinced him to play the clarinet.

In 1948, Mann began serving four years in the army and while stationed in Trieste, Italy, he began playing saxophone in the military band. After his discharge from the service, he saw a jazz scene overflowing with sax players and he fell back on his second instrument, the flute. When the Dutch accordionist, Mat Matthews, told him he was looking for a jazz flute player for the first album by the then unknown Carmen McRae, Herbie immediately jumped at the opportunity and spent days “woodshedding” before going into the studio. With this opportunity he was able to distinguish himself from other players as a jazz flutist, of which there were few.

In 1954, Mann released his first album for Bethlehem Records, “Herbie Mann Plays.” Although at that time he was jamming with bebop innovators like bassist Milt Hinton, drummers Art Blakey and Kenny Clarke, and pianist Tommy Flanagan, Mann was never truly comfortable playing straight-ahead bebop. As he began to bring non-jazz elements into his sound, Mann's flute playing began to sound tougher and more aggressive.

Three years later, Mann made the first of three albums for Verve Records, titled “The Magic Flute of Herbie Mann.” The album featured, “The Evolution of Mann” which became an instant hit on the radio thanks to New York disc jockey, “Symphony Sid” Torin. Mann then formed an Afro-Cuban band with percussionists like Rudy Collins, Ray Mantilla, and Carlos “Patato” Valdez, all from Cuba's legendary Machito Orchestra. Because Mann was able to pay the percussionists more money than what they were making with the other Latin orchestras, a rift was created between Mann and many of the other Latin bandleaders. Eventually, Mann's interest in Afro-Cuban jazz led him to the music's source—Africa. In 1959, the U.S. State Department funded a trip for Mann to visit Africa, after they heard his version of “African Suite.”

After his trip to Africa, Mann moved to Atlantic Records, releasing “Common Ground (1960),” which embraced a wider sense of the African musical diaspora. Mann's band included musicians from Puerto Rico, Nigeria, and beyond. This added rhythmic element boosted Herbie's popularity and the list of Latin percussionists who played with him in the late 50's and 60's reads like a Who's Who of the genre: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo and others. Audiences around the world loved this sound.

Mann recorded a live album at New York City's Village Gate jazz club in 1961, the set featured “Comin' Home Baby” which became Mann's first major crossover hit. The immense popularity of At the Village Gate made Mann a true superstar.

Not content to rest on his laurels, Mann forged ahead into new territory. Inspired by the classic Brazilian film Black Orpheus, Mann convinced his manager Monte Kay to book him a tour to Brazil, although he was hardly known there. Mann returned to the U.S. transformed by the music he had heard in Brazil, intent on making a Brazilian jazz album. Although guitarist Charlie Byrd and saxophonist Stan Getz had already made a smash hit in 1962 with their Brazilian jazz album, “Jazz Samba,” Mann was unimpressed. His response, also released in 1962, was “Do The Bossa Nova,” featuring more of the real deal: Brazilian musicians like Sergio Mendes, guitarist Baden Powell, and pianist and arranger Antonio Carlos Jobim.

After the bossa-nova craze ran its course, Mann ventured off into Middle Eastern music, which resulted in the 1966 album, “Impressions of the Middle East.” Two years later, Mann delved deeper into yet another genre: rhythm & blues. While in London, he heard Willie Mitchell's Hi Records hit, “Mercy” and as he had done with his exploration of Afro-Cuban music, Mann went straight to the source: Memphis, Tennesee.

After absorbing Memphis' Stax and Hi records sounds, Mann came out with the soul-jazz album “Memphis Underground;” it became his best-selling disc ever. The radio-friendly music and the explosive R&B solo work from guitarist Sonny Sharrock on the disc again infuriated jazz critics.

After the breakthrough success with “Memphis Underground,” Mann continued to explore R&B and its distant cousin, disco. In 1969, Atlantic allowed Mann to start his own label, Embryo. Mann released the sexually-charged album Push Push, in 1971, generating a significant amount of controversy over the suggestive album cover—a nude Mann posing seductively with flute in hand.

Throughout the 1970s, Mann created more distance between himself and the jazz establishment by recording reggae, disco, British rock, and Japanese music albums. By the time he recorded “Discotheque,” he hardly had a jazz core audience. Throughout the 1980s, Mann remained in obscurity when it came to jazz. However, towards the end of this ten-year period, he formed a group, Jasil Brazz, and once again reestablished his musical footing in the fertile sounds of his beloved Brazil. He produced two records, “Jasil Brazz,” and “Opalescence,” featuring Brazilian guitarists Romero Lubambo and Ricardo Silveira. Throughout the label “shifts”, he retained his rights to these recordings and in l992 formed his own label, Kokopelli Music. He launched the label with the release of “Deep Pocket,” an all star, soul/jazz recording featuring Les McCann, Cornell Dupree, David Newman and Chuck Rainey.

Two years later, Herbie went into a partnership and Kokopelli Music was expanded to Kokopelli Records. This year and a half venture produced nearly a dozen recordings including Herbie's “Peace Pieces,” a tribute to the music of Bill Evans, featuring guitarist Bruce Dunlap, Eddie Gomez and Randy Brecker.

Herbie released two albums on the Lightyear label from his l995 weeklong celebration of his 65th birthday. The recordings, “Celebration,” and “America Brasil,” feature many of his longtime friends and musical partners from his past, including David “Fathead” Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi and others.

By 1997, he was diagnosed with inoperable prostate cancer, and the disease finally took his life on July 1, 2003.

Herbie Mann's career does not lend itself to easy characterization. At the same time, though, his recorded work speaks volumes about his ability to merge widely-varying forms into a coherent and appealing style that was accessible to the average listener. Mann could also be described as one of the first “world” musicians; his sensitivity for non-Western musical forms, evidenced by his ability to integrate them into work that could be easily appreciated by a largely Western audience while still retaining the essential characteristics of its origin, has few parallels among the other musicians of his generation.

Source: James Nadal

 

///////

No es una marca de agua alta en la producción grabada de Herbie Mann, Mellow fue lanzado por Atlantic Records después de sacarlo de su lista.  Compuesto principalmente por tomas de sesiones de grabación de mediados y finales de los 70, el álbum suena como la mezcolanza que es.  Entre los aspectos más destacados se incluyen una versión de "Cinnamon Flower" de Milton Nascimento y una larga versión del clásico de Mann "Memphis Underground", grabado en el Festival de Jazz de Montreux en 1977 con invitados como Sonny Fortune, David Newman y los Brecker Brothers.  El punto bajo llega con el tema de apertura, una versión de "Bend Down Low" de Bob Marley que sobró de las sesiones de Reggae, en la que Mann canta la voz principal. - AMG

Biografía

El mundo, según el flautista y compositor Herbie Mann, era un paraíso musical utópico donde el jazz se compone de música afrocubana, de Oriente Medio, de R&B y de casi cualquier otro tipo de música. En la década de 1960, descubrió la bossa-nova de Brasil; en la década de 1970, incluso encontró ritmos de discoteca en el jazz.

A diferencia de la mayoría de sus contemporáneos del jazz, cuando Mann comenzó a tocar la flauta en la década de 1940 no tenía antepasados de los que aprender, ni pioneros de la flauta de jazz a los que idolatrar. Se vio obligado a buscar en otros lugares, tanto dentro como fuera del jazz, para desarrollar su enfoque del jazz y la flauta. Entre las numerosas influencias musicales, Mann se sintió particularmente atraído por los ritmos y melodías de América del Sur y el Caribe.

Herbie Mann nació Herbert Jay Solomon en Brooklyn, Nueva York, el 16 de abril de 1930. A principios de su infancia, Mann estaba tan cautivado por el ritmo que quería ser un baterista. En cambio, un primo de su madre lo convenció de que tocara el clarinete.

En 1948, Mann comenzó a servir cuatro años en el ejército y mientras estaba destinado en Trieste, Italia, comenzó a tocar el saxofón en la banda militar. Después de su baja del servicio, vio una escena de jazz rebosante de saxofonistas y se echó atrás con su segundo instrumento, la flauta. Cuando el acordeonista holandés, Mat Matthews, le dijo que buscaba un flautista de jazz para el primer álbum de la entonces desconocida Carmen McRae, Herbie aprovechó inmediatamente la oportunidad y pasó días "woodshedding" antes de entrar en el estudio. Con esta oportunidad pudo distinguirse de otros músicos como flautista de jazz, que eran pocos.

En 1954, Mann lanzó su primer álbum para Bethlehem Records, "Herbie Mann Plays". Aunque en ese momento estaba tocando con innovadores del bebop como el bajista Milt Hinton, los bateristas Art Blakey y Kenny Clarke, y el pianista Tommy Flanagan, Mann nunca se sintió realmente cómodo tocando bebop de frente. A medida que empezó a introducir elementos de no jazz en su sonido, la flauta de Mann empezó a sonar más dura y agresiva.

Tres años después, Mann hizo el primero de tres álbumes para Verve Records, titulado "La flauta mágica de Herbie Mann". El álbum presentó "The Evolution of Mann", que se convirtió en un éxito instantáneo en la radio gracias al disc jockey neoyorquino "Symphony Sid" Torin. Mann formó entonces una banda afrocubana con percusionistas como Rudy Collins, Ray Mantilla y Carlos "Patato" Valdez, todos de la legendaria Orquesta Machito de Cuba. Debido a que Mann pudo pagar a los percusionistas más dinero del que ganaban con las otras orquestas latinas, se creó una brecha entre Mann y muchos de los otros directores de orquesta latinos. Con el tiempo, el interés de Mann en el jazz afrocubano le llevó a la fuente de la música: África. En 1959, el Departamento de Estado de los Estados Unidos financió un viaje para que Mann visitara África, después de haber escuchado su versión de "African Suite".

Después de su viaje a África, Mann se trasladó a Atlantic Records y publicó "Common Ground (1960)", que abarcaba un sentido más amplio de la diáspora musical africana. La banda de Mann incluía músicos de Puerto Rico, Nigeria y otros países. Este elemento rítmico añadido aumentó la popularidad de Herbie y la lista de percusionistas latinos que tocaron con él a finales de los años 50 y 60 se lee como un Who's Who del género: Candido, Ray Barretto, Olatunji, Potato Valdes, Willie Bobo y otros. El público de todo el mundo amaba este sonido.

Mann grabó un álbum en vivo en el club de jazz Village Gate de la ciudad de Nueva York en 1961, el conjunto incluía "Comin' Home Baby" que se convirtió en el primer gran éxito de Mann. La inmensa popularidad de "At the Village Gate" hizo de Mann una verdadera superestrella.

No contento con dormirse en sus laureles, Mann se forjó en un nuevo territorio. Inspirado por el clásico brasileño Black Orpheus, Mann convenció a su manager Monte Kay para que le reservara un viaje a Brasil, aunque apenas era conocido allí. Mann regresó a los EE.UU. transformado por la música que había escuchado en Brasil, con la intención de hacer un álbum de jazz brasileño. Aunque el guitarrista Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz ya habían conseguido un gran éxito en 1962 con su álbum de jazz brasileño, "Jazz Samba", Mann no quedó impresionado. Su respuesta, también publicada en 1962, fue "Do The Bossa Nova", con más de lo real: músicos brasileños como Sergio Mendes, el guitarrista Baden Powell, y el pianista y arreglista Antonio Carlos Jobim.

Después de que la locura de la bossa-nova siguiera su curso, Mann se aventuró en la música de Oriente Medio, lo que dio lugar al álbum de 1966, "Impressions of the Middle East". Dos años más tarde, Mann profundizó en otro género: el rhythm & blues. Mientras estaba en Londres, escuchó el éxito de Willie Mitchell en Hi Records, "Mercy" y como había hecho con su exploración de la música afrocubana, Mann fue directamente a la fuente: Memphis, Tennesee.

Después de absorber los sonidos de Stax y Hi Records de Memphis, Mann sacó el álbum de soul-jazz "Memphis Underground"; se convirtió en el disco más vendido de su vida. La música apta para la radio y el explosivo trabajo en solitario de R&B del guitarrista Sonny Sharrock en el disco enfurecieron de nuevo a los críticos de jazz.

Tras el gran éxito de "Memphis Underground", Mann siguió explorando el R&B y su primo lejano, el disco. En 1969, Atlantic permitió a Mann crear su propio sello, Embryo. Mann lanzó el álbum sexualmente cargado Push Push, en 1971, generando una importante controversia sobre la sugerente portada del álbum: una Mann desnuda posando seductoramente con la flauta en la mano.

A lo largo de la década de 1970, Mann creó más distancia entre él y el establecimiento del jazz al grabar álbumes de reggae, disco, rock británico y música japonesa. Cuando grabó "Discoteca", apenas tenía un público de jazz. A lo largo de los años 80, Mann permaneció en el olvido en lo que se refiere al jazz. Sin embargo, hacia el final de este período de diez años, formó un grupo, Jasil Brazz, y una vez más restableció su base musical en los fértiles sonidos de su amado Brasil. Produjo dos discos, "Jasil Brazz" y "Opalescence", con los guitarristas brasileños Romero Lubambo y Ricardo Silveira. Durante los "cambios" del sello, conservó los derechos de estas grabaciones y en 1992 formó su propio sello, Kokopelli Music. Lanzó el sello con el lanzamiento de "Deep Pocket", una grabación de soul/jazz con Les McCann, Cornell Dupree, David Newman y Chuck Rainey.

Dos años más tarde, Herbie se asoció con Kokopelli Music y se expandió a Kokopelli Records. Este año y medio la empresa produjo casi una docena de grabaciones, incluyendo "Peace Pieces" de Herbie, un tributo a la música de Bill Evans, con el guitarrista Bruce Dunlap, Eddie Gómez y Randy Brecker.

Herbie lanzó dos álbumes con el sello Lightyear en la semana de celebración de su 65 cumpleaños en 1995. Las grabaciones, "Celebration" y "America Brasil", presentan a muchos de sus viejos amigos y compañeros musicales de su pasado, incluyendo a David "Fathead" Newman, Dave Valentin, Ron Carter, Billy Taylor, Tito Puente, Randy Brecker, Claudio Roditi y otros.

En 1997 se le diagnosticó un cáncer de próstata inoperable, y la enfermedad finalmente le quitó la vida el 1 de julio de 2003.

La carrera de Herbie Mann no se presta a una fácil caracterización. Sin embargo, al mismo tiempo, su trabajo grabado dice mucho sobre su capacidad de fusionar formas muy variadas en un estilo coherente y atractivo que era accesible para el oyente medio. Mann también podría describirse como uno de los primeros músicos "mundiales"; su sensibilidad por las formas musicales no occidentales, que se pone de manifiesto en su capacidad para integrarlas en una obra que podía ser fácilmente apreciada por un público mayoritariamente occidental, conservando al mismo tiempo las características esenciales de su origen, tiene pocos paralelismos con los demás músicos de su generación.

Fuente: James Nadal

David Murray • Children

 

Review
by Scott Yanow
This intriguing set combines several strong personalities (David Murray on tenor and bass clarinet, guitarist James "Blood" Ulmer, pianist Don Pullen, bassist Lonnie Plaxico and drummer Marvin "Smitty" Smith) in performances that are avant-garde, close to free bop and sometimes hinting at Charles Mingus, M-Base and harmolodics. The quintet performs a nearly 15-minute version of "All the Things You Are" and three Murray originals, including "David -- Mingus." The somewhat noisy performances are pretty spontaneous and, thanks to Pullen's rhythmic style, a little more accessible than one might expect, despite being quite adventurous.
https://www.allmusic.com/album/children-mw0000188602


Biography
by Thom Jurek
David Murray is world-renowned saxophonist, bass clarinetist, bandleader, composer, and arranger. A prolific recording artist and a founding member of the World Saxophone Quartet, he has issued close to 100 albums under his own name and has hundreds of credits. A descendant of the abstract improvising style created by Albert Ayler, John Coltrane, and Archie Shepp, his tone is deep, dark, and warm with a wide vibrato -- it recalls swing-era tenors including Ben Webster and Coleman Hawkins -- but seldom adheres to the formal structure of a tune. He's adapted the expressive techniques of his early free jazz self (1976's Flowers for Albert, 1978's 3D Family) to more straight-ahead playing (1993's Ballads for Bass Clarinet, 2011's David Murray Cuban Ensemble Plays Nat King Cole). He performs standards with emotional intimacy, commanding restraint, and rigorous invention. Murray has led configurations from trios to big bands -- the David Murray Octet (1980-2000) earned renown for its canny, ambitious albums Ming, Home, and Dark Star: The Music of the Grateful Dead -- and he is a deeply sympathetic collaborator, as evidenced by his work with WSQ, Music Revelation Ensemble, the Gwo-Ka Masters, and many more. 2022's Seriana Promethea featured him in the freshly created Brave New World Trio with drummer Hamid Drake and bassist Brad Jones.

Murray hails from Berkeley, California. His parents were musical; his mother played piano and his father guitar. In his youth, Murray played music in church with his parents and two brothers. He was introduced to jazz while a student in the local public school system, playing alto sax in a school band. When he was 13, he played in a local group called the Notations of Soul. Hearing Sonny Rollins inspired him to switch from alto to tenor. He attended Pomona College, where he studied with a former Ornette Coleman sideman, trumpeter Bobby Bradford. Around this time, he was influenced by the writer Stanley Crouch, whom he'd met at Pomona. Murray moved to New York at the age of 20, during the city's loft jazz era -- a time when free jazz found a home in deserted industrial spaces and other undervalued bits of urban real estate below 14th Street. Murray and Crouch opened their own loft space, which they called Studio Infinity. Crouch occasionally played drums in Murray's trio with bassist Mark Dresser. In a relatively short time, Murray (with help from his unofficial publicity agent Crouch) acquired a reputation as a potential great. His early work was exceedingly raw, based as it was on Ayler's example and penchant for multiphonics, distorted timbres, extremes of volume, and forays into the horn's uppermost reaches.

He made his first albums in 1976, Flowers for Albert (India Navigation) and Low Class Conspiracy (Adelphi), with a rhythm section featuring bassist Fred Hopkins and drummer Phillip Wilson. Also in 1976, Murray became -- with Julius Hemphill, Oliver Lake, and Hamiet Bluiett -- a founding member of the World Saxophone Quartet. Also around this time, he was commissioned by theatrical impresario Joseph Papp to assemble a big band, which enjoyed a degree of critical success. Out of the big band came the formation of an octet, which provided him a platform for his increasingly ambitious compositions and won global acclaim.

During the '80s, Murray performed, toured, and recorded with the WSQ, his octet, and various small bands, recording mostly for the Italian Black Saint label. His octet records of the time (Ming, 1980; Home, 1982; Murray's Steps, 1983) revealed him as a talented composer and arranger, and a fully developed one by the time he released the seminal New Life in 1987. Murray's recording activity reached nearly absurd levels in the '80s and '90s; few contemporary jazz musicians have led more dates on more labels. (His abundant catalog of nearly 100 albums and 500 credits was assembled in less than 50 years). In addition to his own and WSQ's recordings, Murray worked closely with James Blood Ulmer, both as a sideman (Are You Glad to Be in America?) and co-leading the electric jazz outfit Music Revelation Ensemble, which began life with the recording No Wave.

But it was also in the '80s that Murray began relying more on the standard jazz repertoire, especially in his small ensemble work. As he got older, the wilder elements of that style were toned down or refined. Murray incorporated free jazz gestures into a more fully rounded voice that also drew on the mainstream of the jazz improvising tradition.

During the '90s, the influence of his swing- and bop-playing elders became stronger, even as the passionate abandon and spontaneity that marked his early work were replaced by his attention to the craft of playing the horn. Murray recorded just as often as he had with Black Saint. The DIW label signed a distribution deal with Columbia in the early '90s, and Murray recorded a number of important albums in that decade, including Special Quartet with McCoy Tyner, Fred Hopkins, and Elvin Jones, and Shakill's Warrior with Don Pullen on Hammond B-3, drummer Andrew Cyrille, and guitarist Stanley Franks -- the latter stretched the B-3 soul-jazz genre into entirely new terrain. He cut a one-off album for Red Baron entitled Jazzosaurus Rex, and fronted Pierre Dørge's New Jungle Orchestra for the Jazzpar Prize album. During this period, Murray's Black Saint albums began to appear as reissues; record store shelves were bursting with his titles. In 1995, Murray released one of the most compelling and little-known albums in his career on France's Bleuregard imprint. Flowers Around Cleveland was recorded with pianist Bobby Few, drummer John Betsch, and bassist Jean-Jacques Avenel -- the rhythm section from the Steve Lacy Quartet. It was a risky match that paid off gloriously; it offered proof that in spite of his towering presence as a soloist, Murray was also a sensitive stylist and team player.

In fact, Murray became an inimitable stylist, which was underscored by DIW's release of Ballads for Bass Clarinet that same year. He threw jazz fans a true and deeply satisfying curve ball by releasing Dark Star: The Music of the Grateful Dead on Astor Place, with a large group that included Hopkins, Craig Harris, and even the Dead's own Bob Weir. Murray also began a long and fruitful relationship with Justin Time, a Canadian label distributed through Enja. He recorded what was -- at the time -- the most revolutionary and controversial recording of his career in Fo Deuk Revue, which featured a large group of African and American musicians, with layers of drums and chanted vocals along with poetry and recitations by Amiri Baraka. It wove together funk, jazz, and various African folk styles that began to draw Murray in. They would emerge full-blown in the 21st century.

In 1998, he issued four albums of new material. First was another variation on the B-3 soul tip with Jug-A-Lug on DIW, his tribute to the music of Gene Ammons with organist Robert Irving, electric bassist Darryl Jones, and guitarists Bobby Broom and Darryl Thompson, with Olu Dara guesting on trumpet. This was followed on the same label by the moving The Long Goodbye: A Tribute to Don Pullen and the stellar The Tip. Murray also recorded his second album for Justin Time in 1998 with Creole, a large-group effort that offered a meld of jazz as influenced by numerous Latin and Brazilian styles. He also continued to record and tour with the World Saxophone Quartet.

In the 21st century, Murray released material prolifically. In 2000, he offered three albums and in 2001, four. Of these, the most satisfying was the 2000 release Octet Plays Trane on Justin Time. In 2002 Murray made the stellar Yonn-Dé for the label, it marked his first collaboration with Africa's Gwo-Ka Masters; the others would be 2004's Gwotet (with Pharoah Sanders) and 2009's The Devil Tried to Kill Me with Taj Mahal.

Murray issued a dizzying array of recordings in the 2000s, including Now Is Another Time with his Latin Big Band, Waltz Again in 2005 featuring his quartet in a setting backed by strings, and Silence in 2008, as well as five more with the WSQ. In 2010, Murray's complete Black Saint and Soul Note recordings were given the box set treatment. His first recording of new material in the century's second decade found the saxophonist on Emarcy with a new band called the David Murray Cuban Ensemble. Their debut for the label was Plays Nat King Cole en Español, released in October of 2011, which interpreted, song for song, two albums the singer and pianist recorded in Spanish and Portuguese in 1958 and 1962, respectively.

Murray's fiery persona as a vanguard improviser continued to reveal itself in performances and on select recordings. That said, his abilities as an artful composer, arranger, and bandleader who also happens to be a master technician on both tenor saxophone and bass clarinet are manifested more frequently. He debuted the Infinity Quartet on 2013's Be My Monster Love with pianist Marc Cary, bassist Jaribu Shahid, and drummer Nasheet Waits. The album also featured cameo appearances from vocalists Macy Gray and Gregory Porter, and trumpeter Bobby Bradford, the saxophonist's former teacher. In 2017, Murray collaborated with renowned Japanese composer and pianist Aki Takase on the album Cherry Sakura.

Back in 2014, Murray attended the funeral of longtime friend, poet, and activist Amiri Baraka, with whom he had collaborated on the albums New Music, New Poetry in 1982, 1984's Conjure: Music for the Texts of Ishmael Reed, and 1988's Conjure: Cab Calloway Stands in for the Moon. At the funeral he witnessed Saul Williams reciting a poem. The chance encounter led to a collaboration between the two artists, with Williams sending Murray a collection of poems to set to music. Like Baraka, Williams is challenging. He is socially and politically engaged and consistently employs visceral images in his work. Their recorded collaboration was released in 2018 as Blues for Memo. It features Williams stringing together images on topics ranging from politics to the nature of consciousness, from health, capitalism, and forced labor to poems about earth formations and cosmic time.

The following year, Murray was a featured guest with Paul Zauner's Blue Brass on Roots 'n' Wings, and in 2020 he was a co-billed soloist on Kahil El 'Zabar's Spirit Groove. In 2022, he made another such appearance on See You Out There by the Dave Gisler Trio. The year also saw him resume recording under his own with his newly formed Brave New World Trio with drummer Hamid Drake and bassist Brad Jones. They issued the jointly composed Seriana Promethea for Intakt in May.
https://www.allmusic.com/artist/david-murray-mn0000182855/biography

///////

Reseña
por Scott Yanow
Este intrigante conjunto combina varias personalidades fuertes (David Murray al clarinete tenor y bajo, el guitarrista James "Blood" Ulmer, el pianista Don Pullen, el bajista Lonnie Plaxico y el baterista Marvin "Smitty" Smith) en interpretaciones que son vanguardistas, cercanas al free bop y a veces insinuando a Charles Mingus, M-Base y harmolodics. El quinteto interpreta una versión de casi 15 minutos de "All the Things You Are" y tres originales de Murray, entre ellos "David -- Mingus". Las interpretaciones, algo ruidosas, son bastante espontáneas y, gracias al estilo rítmico de Pullen, un poco más accesibles de lo que cabría esperar, a pesar de ser bastante aventureras.
https://www.allmusic.com/album/children-mw0000188602


Biografía
por Thom Jurek
David Murray es un saxofonista, clarinetista bajo, director de orquesta, compositor y arreglista de fama mundial. Prolífico artista discográfico y miembro fundador del World Saxophone Quartet, ha publicado cerca de 100 álbumes con su propio nombre y cuenta con cientos de créditos. Descendiente del estilo de improvisación abstracta creado por Albert Ayler, John Coltrane y Archie Shepp, su tono es profundo, oscuro y cálido, con un amplio vibrato -que recuerda a los tenores de la época del swing, como Ben Webster y Coleman Hawkins-, pero rara vez se ciñe a la estructura formal de una melodía. Ha adaptado las técnicas expresivas de sus inicios en el free jazz (1976, Flowers for Albert; 1978, 3D Family) a una interpretación más directa (1993, Ballads for Bass Clarinet; 2011, David Murray Cuban Ensemble Plays Nat King Cole). Interpreta estándares con intimidad emocional, contención dominante e invención rigurosa. Murray ha dirigido formaciones que van desde tríos hasta grandes bandas: el David Murray Octet (1980-2000) se hizo famoso por sus ambiciosos y astutos álbumes Ming, Home y Dark Star: The Music of the Grateful Dead -- y es un colaborador profundamente comprensivo, como demuestra su trabajo con WSQ, Music Revelation Ensemble, Gwo-Ka Masters y muchos más. En 2022, Seriana Promethea le incluyó en el recién creado Brave New World Trio con el batería Hamid Drake y el bajista Brad Jones.

Murray es natural de Berkeley, California. Sus padres eran músicos; su madre tocaba el piano y su padre la guitarra. En su juventud, Murray tocaba música en la iglesia con sus padres y sus dos hermanos. Se inició en el jazz cuando estudiaba en la escuela pública local, tocando el saxo alto en una banda escolar. A los 13 años, tocó en un grupo local llamado Notations of Soul. Escuchar a Sonny Rollins le inspiró para cambiar el saxo alto por el tenor. Asistió al Pomona College, donde estudió con un antiguo compañero de Ornette Coleman, el trompetista Bobby Bradford. En esa época, recibió la influencia del escritor Stanley Crouch, a quien había conocido en Pomona. Murray se trasladó a Nueva York a los 20 años, durante la época del loft jazz de la ciudad, en la que el free jazz encontró su hogar en espacios industriales abandonados y en otros inmuebles urbanos infravalorados por debajo de la calle 14. Murray y Crouch abrieron su propio loft, al que llamaron Studio Infinity. Crouch tocaba ocasionalmente la batería en el trío de Murray con el bajista Mark Dresser. En relativamente poco tiempo, Murray (con la ayuda de su agente de publicidad no oficial, Crouch) adquirió reputación de grande en potencia. Sus primeros trabajos fueron extremadamente crudos, basados en el ejemplo de Ayler y en su inclinación por los multifónicos, los timbres distorsionados, los volúmenes extremos y las incursiones en los registros más agudos de la trompa.

En 1976 grabó sus primeros álbumes, Flowers for Albert (India Navigation) y Low Class Conspiracy (Adelphi), con una sección rítmica formada por el bajista Fred Hopkins y el batería Phillip Wilson. También en 1976, Murray se convirtió, junto con Julius Hemphill, Oliver Lake y Hamiet Bluiett, en miembro fundador del World Saxophone Quartet. También por esa época, el empresario teatral Joseph Papp le encargó que formara una big band, que tuvo cierto éxito de crítica. De la big band surgió la formación de un octeto, que le proporcionó una plataforma para sus composiciones cada vez más ambiciosas y le valió la aclamación mundial.

Durante los años 80, Murray actuó, realizó giras y grabó con el WSQ, su octeto y varias bandas pequeñas, sobre todo para el sello italiano Black Saint. Sus discos de octeto de la época (Ming, 1980; Home, 1982; Murray's Steps, 1983) le revelaron como un compositor y arreglista de talento, y uno plenamente desarrollado para cuando publicó el seminal New Life en 1987. La actividad discográfica de Murray alcanzó niveles casi absurdos en los años 80 y 90; pocos músicos de jazz contemporáneos han protagonizado más fechas en más sellos. (Su abundante catálogo de casi 100 álbumes y 500 créditos se reunió en menos de 50 años). Además de sus propias grabaciones y las de WSQ, Murray colaboró estrechamente con James Blood Ulmer, tanto como músico de acompañamiento (Are You Glad to Be in America?) como codirigiendo el conjunto de jazz eléctrico Music Revelation Ensemble, que comenzó su andadura con la grabación No Wave.

Pero fue también en los 80 cuando Murray empezó a basarse más en el repertorio estándar de jazz, sobre todo en su trabajo con pequeños conjuntos. Con los años, los elementos más salvajes de ese estilo se atenuaron o refinaron. Murray incorporó gestos de free jazz a una voz más redondeada que también bebía de la corriente principal de la tradición improvisadora del jazz.

Durante los años 90, la influencia de sus mayores del swing y el bop se hizo más fuerte, incluso cuando el apasionado abandono y la espontaneidad que marcaron sus primeros trabajos fueron sustituidos por su atención al arte de tocar la trompa. Murray grababa con la misma frecuencia que con Black Saint. El sello DIW firmó un acuerdo de distribución con Columbia a principios de los 90, y Murray grabó varios álbumes importantes en esa década, entre ellos Special Quartet con McCoy Tyner, Fred Hopkins y Elvin Jones, y Shakill's Warrior con Don Pullen al Hammond B-3, el batería Andrew Cyrille y el guitarrista Stanley Franks -este último llevó el género soul-jazz B-3 a un terreno completamente nuevo-. Grabó un álbum para Red Baron titulado Jazzosaurus Rex, y lideró la New Jungle Orchestra de Pierre Dørge para el álbum Jazzpar Prize. Durante este periodo, los álbumes Black Saint de Murray empezaron a aparecer como reediciones; las estanterías de las tiendas de discos estaban repletas de sus títulos. En 1995, Murray publicó uno de los álbumes más convincentes y poco conocidos de su carrera en el sello francés Bleuregard. Flowers Around Cleveland se grabó con el pianista Bobby Few, el batería John Betsch y el bajista Jean-Jacques Avenel, la sección rítmica del Steve Lacy Quartet. Fue una combinación arriesgada que dio sus frutos; demostró que, a pesar de su imponente presencia como solista, Murray era también un estilista sensible y un jugador de equipo.

De hecho, Murray se convirtió en un estilista inimitable, lo que se puso de manifiesto con la publicación por DIW de Ballads for Bass Clarinet ese mismo año. Lanzó a los aficionados al jazz una verdadera y profundamente satisfactoria bola curva al publicar Dark Star: The Music of the Grateful Dead en Astor Place, con un gran grupo que incluía a Hopkins, Craig Harris e incluso al propio Bob Weir de los Dead. Murray también inició una larga y fructífera relación con Justin Time, un sello canadiense distribuido a través de Enja. En Fo Deuk Revue grabó lo que fue -en aquel momento- la grabación más revolucionaria y controvertida de su carrera, en la que aparecía un gran grupo de músicos africanos y estadounidenses, con capas de batería y voces coreadas junto con poesía y recitados de Amiri Baraka. Entretejía funk, jazz y diversos estilos folclóricos africanos que empezaron a atraer a Murray. Surgirían con fuerza en el siglo XXI.

En 1998, publicó cuatro álbumes de material nuevo. El primero fue otra variación del B-3 soul con Jug-A-Lug en DIW, su homenaje a la música de Gene Ammons con el organista Robert Irving, el bajista eléctrico Darryl Jones y los guitarristas Bobby Broom y Darryl Thompson, con Olu Dara como invitado a la trompeta. Le siguieron en el mismo sello los conmovedores The Long Goodbye: A Tribute to Don Pullen y el estelar The Tip. Murray también grabó su segundo álbum para Justin Time en 1998 con Creole, un trabajo de grupo grande que ofrecía una fusión de jazz con influencias de numerosos estilos latinos y brasileños. También siguió grabando y haciendo giras con el World Saxophone Quartet.

En el siglo XXI, Murray publicó material prolíficamente. En 2000 ofreció tres álbumes y en 2001, cuatro. De ellos, el más satisfactorio fue el de 2000, Octet Plays Trane on Justin Time. En 2002, Murray realizó el estelar Yonn-Dé para el sello, que supuso su primera colaboración con los africanos Gwo-Ka Masters; los otros serían Gwotet, de 2004 (con Pharoah Sanders), y The Devil Tried to Kill Me, de 2009, con Taj Mahal.

En la década de 2000, Murray publicó una vertiginosa serie de grabaciones, entre ellas Now Is Another Time con su Latin Big Band, Waltz Again en 2005, con su cuarteto en un escenario respaldado por cuerdas, y Silence en 2008, así como cinco más con la WSQ. En 2010, las grabaciones completas de Black Saint y Soul Note de Murray se incluyeron en una caja. Su primera grabación de material nuevo en la segunda década del siglo encontró al saxofonista en Emarcy con una nueva banda llamada David Murray Cuban Ensemble. Su debut para el sello fue Plays Nat King Cole en Español, publicado en octubre de 2011, que interpretaba, canción por canción, dos álbumes que el cantante y pianista grabó en español y portugués en 1958 y 1962, respectivamente.

La fogosa personalidad de Murray como improvisador de vanguardia continuó revelándose en actuaciones y en grabaciones selectas. Sin embargo, sus habilidades como compositor, arreglista y director de orquesta, además de maestro técnico del saxofón tenor y el clarinete bajo, se manifiestan con más frecuencia. Debutó con el Infinity Quartet en Be My Monster Love, de 2013, con el pianista Marc Cary, el bajista Jaribu Shahid y el batería Nasheet Waits. El álbum también contó con cameos de los vocalistas Macy Gray y Gregory Porter, y del trompetista Bobby Bradford, antiguo profesor del saxofonista. En 2017, Murray colaboró con el renombrado compositor y pianista japonés Aki Takase en el álbum Cherry Sakura.

Ya en 2014, Murray asistió al funeral de su viejo amigo, poeta y activista Amiri Baraka, con quien había colaborado en los álbumes New Music, New Poetry en 1982, Conjure de 1984: Music for the Texts of Ishmael Reed, de 1984, y Conjure: Cab Calloway Stands in for the Moon, de 1988. En el funeral presenció cómo Saul Williams recitaba un poema. El encuentro fortuito dio lugar a una colaboración entre los dos artistas, y Williams envió a Murray una colección de poemas para que les pusiera música. Al igual que Baraka, Williams es desafiante. Está comprometido social y políticamente y emplea constantemente imágenes viscerales en su obra. Su colaboración grabada se publicó en 2018 con el título Blues for Memo. Presenta a Williams encadenando imágenes sobre temas que van desde la política hasta la naturaleza de la conciencia, desde la salud, el capitalismo y el trabajo forzado hasta poemas sobre las formaciones de la tierra y el tiempo cósmico.

Al año siguiente, Murray fue uno de los invitados principales del grupo Blue Brass de Paul Zauner en Roots 'n' Wings, y en 2020 fue uno de los solistas invitados en Spirit Groove de Kahil El 'Zabar. En 2022, volvió a aparecer en See You Out There, del Dave Gisler Trio. Ese año también reanudó sus grabaciones en solitario con su recién formado Brave New World Trio, con el batería Hamid Drake y el bajista Brad Jones. En mayo publicaron para Intakt el álbum Seriana Promethea, compuesto conjuntamente.
https://www.allmusic.com/artist/david-murray-mn0000182855/biography

Charles Williams • Charles Williams

 

Charles Isaac Williams (born July 18, 1932) is an alto saxophonist based in New York City.
Williams was born in Halls, Tennessee and moved to Alton, Illinois at the age of eight where he later played in the junior high school band, majored in music education at Lincoln University, in Jefferson City, Missouri and taught orchestral music in St. Albans, Queens. He released three albums on the Mainstream label in the early 1970s. Williams also played with Clark Terry, Frank Foster, and singer Ruth Brown. In 1995 Hamiett Bluiett approached record producer Pierre Sprey's Mapleshade label and convinced them to record Williams first album in more than two decades.
https://en.wikipedia.org/wiki/Charles_Williams_(musician)

///////

Charles Isaac Williams (nacido el 18 de julio de 1932) es un saxofonista alto afincado en Nueva York.
Williams nació en Halls, Tennessee, y se trasladó a Alton, Illinois, a la edad de ocho años, donde más tarde tocó en la banda de la escuela secundaria, se especializó en educación musical en la Universidad Lincoln, en Jefferson City, Missouri, y enseñó música orquestal en St. Albans, Queens. Publicó tres álbumes en el sello Mainstream a principios de la década de 1970. Williams también tocó con Clark Terry, Frank Foster y la cantante Ruth Brown. En 1995, Hamiett Bluiett se puso en contacto con el sello Mapleshade del productor discográfico Pierre Sprey y les convenció para grabar el primer álbum de Williams en más de dos décadas.
https://en.wikipedia.org/wiki/Charles_Williams_(músico)

Don Pullen Featuring Sam Rivers • Capricorn Rising

 

A richly dynamic set from pianist Don Pullen, and one of his farthest-out sessions from the mid 70s especially considering he had just finished a tenure as Mingus' piano player not long before this set was recorded! The 'outness' of the date is probably due in part to reedman Sam Rivers, who brings a great deal of energy to the set, and wrote half of the numbers the group performs (the other half are from Pullen) and the players work here in a quartet that features bassist Alex Blake and drummer Bobby Battles. The set's got a lot of the freewheeling energy that Rivers was hitting in the 70s and titles include 'Capricorn Rising', 'Fall Out', 'Joycie Girl'. and 'Break Out'. (Dusty Groove)

///////

Un conjunto muy dinámico del pianista Don Pullen, y una de sus sesiones más lejanas de mediados de los 70, ¡especialmente teniendo en cuenta que acababa de terminar como pianista de Mingus poco antes de que se grabara este conjunto! El "outness" de la fecha se debe probablemente en parte al reedman Sam Rivers, que aporta una gran cantidad de energía al conjunto, y escribió la mitad de los números que el grupo interpreta (la otra mitad son de Pullen) y los músicos trabajan aquí en un cuarteto que cuenta con el bajista Alex Blake y el baterista Bobby Battles. El set tiene mucha de la energía desenfrenada que Rivers pegaba en los 70 y los títulos incluyen 'Capricorn Rising', 'Fall Out', 'Joycie Girl'. y 'Break Out'. (Dusty Groove)

Don Pullen • Jazz A Confronto 21

 

Don Pullen developed an extended technique for the piano and a strikingly individual style, post-bop and modern, but retaining a strong feeling for the blues. He produced acknowledged masterworks of jazz in a range of formats and styles, crossing and mixing genres long before this became almost commonplace. By chance, unfortunately for his future commercial success if not for his musical development, his first contact on arriving on the New York scene was with the free players of the 1960s, with whom he recorded. It was some years later before his abilities in more straight ahead jazz playing, as well as free, were revealed to a larger audience. The variety in his music made him difficult to pigeonhole, but he always displayed a vitality that at first hearing could shock but would always engross and delight his audience.

Don Gabriel Pullen was born (on 25th December 1941 not in 1944 as sometimes said) and raised in Roanoke, Virginia, USA. Growing up in a musical family, he learned the piano at an early age, played and worked with the choir in his local church, and was heavily influenced by his cousin, professional jazz pianist Clyde "Fats" Wright. He had some lessons in classical piano but knew little of jazz, being mainly aware of church music and the blues. Don sought to play in a very fast style and managed to develop his own unorthodox technique allowing him to execute extremely fast runs while maintaining the melodic line.

Don left Roanoke for Johnson C. Smith University in North Carolina to study for a medical career but soon he realised that his only true vocation was music. After playing with local musicians and being exposed for the first time to records of the major jazz musicians and composers he abandoned his medical studies. He set out to make a career in music, desirous of playing like Ornette Coleman and Eric Dolphy.

In 1964 he went to Chicago for a few weeks where he encountered Muhal Richard Abrams' philosophy of making music, then headed for New York, where he was soon introduced to avant-garde saxist Guiseppi Logan, and absorbed more of the philosophy of creative music. Logan invited Don to play piano on his two record dates, 'Guiseppi Logan'(October 1964) and 'More Guiseppi Logan' (May 1965) on ESP, both exercises in structured free playing. Although these were Guiseppi Logan's recordings, most critical attention was given to the playing of percussionist Milford Graves and the unknown Don Pullen with his astonishing mastery of his instrument.

Subsequently he and Milford Graves formed a duo and their piano and drums concert at Yale University in May 1966 was recorded. They formed their own independent SRP record label to publish the result as two LPs. These were the first records to bear Don Pullen's name, second to Milford's. Although not greatly known in the United States, these avant-garde albums were well received in Europe and most copies were sold there. These have never been reissued after the first run sold out.

Finding little money in playing avant-garde jazz, Don began to play the Hammond organ to extend his opportunities for work, transferring elements of his individual piano style to this instrument. During the remainder of the 1960s and early the 1970s, he played with his own organ trio in clubs and bars, worked as self- taught arranger for record companies, and accompanied various singers, including Arthur Prysock and Nina Simone.

He suffered at this time, and for a long time after, from two undeserved allegations; the first (despite his grounding in the church and blues) that he was purely a free player and thus unemployable in any other context, the second that he had been heavily influenced by Cecil Taylor or was a clone of Cecil Taylor, to whose playing Don's own bore a superficial resemblance. Don strenuously denied that he had any link with Cecil Taylor, stating that his own style had been developed in isolation before he ever heard of Cecil. But the assertion of Cecil's influence continued to the end of Don's life, and persists even to this day.

He appeared on no more commercial recordings until 1971 and 1972 when he played organ on three recordings by blues altoist Williams, one being issued under the title of a Pullen composition, "Trees And Grass And Things". In 1973 drummer Roy Brooks introduced Don to bassist Charles Mingus, and after a brief audition he took over the vacant piano chair in the Mingus group; when a tenor saxophone player was needed, Don recommended George Adams; subsequently Dannie Richmond returned on drums; and these men, together with Jack Walrath on trumpet, formed the last great Mingus group.

Being part of the Mingus group and appearing at many concerts and on three Mingus studio recordings, 'Mingus Moves' (1973), 'Changes One' and 'Changes Two' (both 1974), gave great exposure to Don's playing and helped to persuade audiences and critics that Pullen was not just a free player. Two of his own compositions 'Newcomer' and 'Big Alice' were recorded on the 'Mingus Moves' session but 'Big Alice' was not released until a CD re- issue many years later. However musical disagreements with Mingus caused Don to leave the group in 1975. Don had always played piano with bass and drums behind him, feeling more comfortable this way, but in early 1975 he was persuaded to play a solo concert in Toronto. This was recorded and as 'Solo Piano Album' became the first record issued under Don's name alone. Among other pieces, it contains 'Sweet (Suite) Malcolm' declared a masterpiece by Cameron Brown, Don's long time associate of later years.

There was now growing awareness of Don's abilities but it was the European recording companies that were prepared to preserve it. In 1975 an Italian record company gave Don, George Adams and Dannie Richmond the opportunity to each make a recording under his own name. All three collaborated in the others' recordings. In the same year, Don made two further solo recordings in Italy for different record labels; 'Five To Go' and 'Healing Force', the latter being received with great acclaim. He became part of the regular seasonal tours of American musicians to Europe, playing in the avant-garde or free mode. In 1977, Don was signed by a major American jazz record company, Atlantic. This led to two records, the untypical 'Tomorrow's Promises' and the live 'Montreux Concert'. But after these, Don's association with Atlantic was terminated and he returned to European companies for three recordings under his own name or in partnership; 'Warriors', and 'Milano Strut' in '78 and 'The Magic Triangle' in '79. These, especially the startling 'Warriors' with its strong 30 minute title track, have remained in the catalogues over the years.

Meanwhile he recorded with groups led by Billy Hart (drums), Hamiet Bluiett, (baritone sax.), Cecil McBee (bass), Sunny Murray (drums) and Marcello Melis (bass). On the formation of the first Mingus Dynasty band Don occupied the piano chair and appeared on their recording 'Chair In The Sky' in 1979, but he soon left the band, feeling the music had diverged too far from Mingus' intentions. In late 1979 Don, George Adams and Dannie Richmond were booked to play as a quartet for a European tour of a few weeks duration. Don invited Cameron Brown to join them on bass. They were asked to bill themselves as a Mingus group but not wanting to be identified as mere copyists they declined and performed as the George Adams/Don Pullen Quartet. They played more structured music than Don normally favoured, but the immediate rapport among them led to the group touring the world with unchanged personnel until the death of Dannie Richmond in early 1988. From very early in their first tour in 1979, and until 1985, the quartet made a dozen remarkable recordings for European labels, both studio and live. Of these, 'Earth Beams' (1980), 'Live At The Village Vanguard' (1983) and 'Decisions' (1984) provide typically fine examples of their work at that period. Although highly regarded in Europe, the quartet felt they were not well enough known in America so in 1986 they signed to record for the American Blue Note label for which they recorded 'Breakthrough' (1986) and 'Song Everlasting' (1987). Beginning the Blue Note contract with great hope of increased fame and success, (as shown by the title of their first Blue Note album) they became disillusioned by the poor availability of these two records. Although the power of their live concerts maintained their reputation as one of the most exciting groups ever seen, the music recorded for the Blue Note sessions was at first deemed 'smoother' than on their European recordings, and took time to achieve the same high reputation.

After the death of Dannie Richmond the quartet fulfilled their remaining contracted engagements with a different drummer and then disbanded in mid 1988. Their music, usually original compositions by Don, George and Dannie, had ranged from blues, through ballads, to post- bop and avant-garde. The ability of the players to encompass all these areas, often within one composition, removed any sameness or sterility from the quartet format. Except for the early recordings on the vanished Horo label, their European recordings remained regularly available, unlike those made for Blue Note.

During the life of the Quartet, Don also made a duo recording with George Adams 'Melodic Excursions' (1982) and made three recordings under his own name, two further solo albums, the acclaimed 'Evidence Of Things Unseen' (1983) and 'Plays Monk' (1984), then with a quintet, another highly praised recording 'The Sixth Sense' (1985). He also recorded with (alphabetically) Hamiet Bluiett; Roy Brooks, the drummer who introduced him to Mingus; Jane Bunnett; Kip Hanrahan; Beaver Harris; Marcello Melis; and David Murray.

All Don's future recordings under his own name would now be for Blue Note. On 16th December 1988 he went into the studio with Gary Peacock (bass) and Tony Williams (drums) to make his first trio album 'New Beginnings', which astonished even those familiar with his work and became widely regarded as one of the finest trio albums ever recorded. He followed this in 1990 with another trio album 'Random Thoughts', in somewhat lighter mood, this time with James Genus (bass) and Lewis Nash (drums).

In late 1990 Don added a new element to his playing and his music with the formation of his African Brazilian Connection ('ABC'). This featured, as well as Don, Carlos Ward (alto sax), Nilson Matta (bass), Guilherme Franco and Mor Thiam (percussion) in a group which mixed African and Latin rhythms with Jazz. Their exciting first album "Kele Mou Bana" was released in 1991. Their second, but very different, album of 1993, 'Ode To Life' was a tribute to George Adams, who had died on 14th November 1992, containing Don's heartfelt and moving composition in George's memory 'Ah George We Hardly Knew Ya'. A third album 'Live .... Again' recorded in July 1993 at the Montreux festival, but not released until 1995. This featured 'Ah George...' and other songs from their previous albums, in somewhat extended versions. Don achieved more popular and commercial success with this group than with any other. In 1993 'Ode To Life' was fifth on the U.S. Billboard top jazz album chart.

During the last few years of his too short life, Don toured with his trio, with his African Brazilian Connection, as a solo artist, and with groups led by others, making much fine music, but sadly not enough records. The greatest loss to his admirers was that although his solo playing seemed to grow in power, he was never invited to record another solo album. Meanwhile he made important contributions to concerts and recordings of groups led by others, such as (alphabetically) Jane Bunnett (notably their fine Duo album 'New York Duets); Bill Cosby(!); Kip Hanrahan; David Murray (on organ, the best recorded example of his organ style being on Murray's 1991 'Shakill's Warrior'); Maceo Parker (on organ); Ivo Perelman; Jack Walrath (again on organ). He also toured and recorded with the group 'Roots' from its inception.

Don's final project was a work combining the music of his African Brazilian Connection (extended by Joseph Bowie on trombone) with a choir and drums of Native Americans. In 1994 Don was diagnosed with the lymphoma which eventually ended his life but, despite this, he put great physical effort into completing the this important and deeply felt composition. In early March 1995 he played on the recording 'Sacred Common Ground', displaying all his usual power although being but a few weeks away from his untimely death, returning as always to his heritage of the blues and the church. Unable himself to play at the live premiere, his place at the piano was taken by D D Jackson, with whom Don discussed the music from his hospital bed shortly before his death. He died on 22nd April 1995.

Don composed many pieces with melodies and rhythms which linger in the mind, often they were portraits or memories of people he knew. All were published by his own company Andredon but because he himself for a long time suffered from neglect musically so did many of his compositions. His most well known are the humorous 'Big Alice' (for an imaginary fan), the incredible 'Double Arc Jake' (for his son and Rahsaan Roland Kirk), the passionate 'Ode To Life' (for a friend), and the aforementioned lament 'Ah George We Hardly Knew Ya'. Occasionally he wrote pieces with a religious feeling, such as 'Gratitude' and 'Healing Force', or to highlight the plight of Afro-Americans such as 'Warriors', 'Silence = Death, and 'Endangered Species: African American Youth'. Following the assassination of Afro-American activist Malcolm X, Don had written a suite dedicated to Malcolm's memory but this required more instrumental resources than a normal jazz group provides, and only the piano parts of this were ever recorded. Except for the 'Plays Monk' album, Don almost exclusively featured his own compositions on his own recordings, until his time with the African Brazilian Connection. His compositions are well represented on the George Adams/Don Pullen Quartet recordings, but such compositions by Don which were recorded by others, were usually performed by those who had known and worked with him.

Although Don was able to play the piano in almost any style, (the attribute that had made him so important to the wide-ranging music of Mingus) and sometimes gave the impression that there were two pianists at the keyboard, he caused most astonishment by his ability to place extremely precise singing runs or glissandi over heavy chords, reminiscent of traditional blues, while never losing contact with the melodic line. His technique for creating these runs, where he seemed to roll his right hand over and over along the keys, received much comment from critics, was studied by pianists, and heavily filmed and investigated, but could never be totally explained, even by Don who had developed it. His piano technique can be seen on the DVDs 'Mingus At Montreux 1975' and on 'Roots Salutes The Saxophones'. But it is better not to concentrate too much on his technique, especially now that he is gone from among us, and to pay attention to his depth of feeling and the intensity of improvisations, whether these were suggested by the song itself or engendered by the moment. It is easy to forget that those who come to love his music from his records may be totally unaware of his playing method. Even at his concerts, only a minority of the audience would be fully able to see his hands moving along the keyboard and be aware of exactly how he revealed the emotional outpourings of his soul.

Don Pullen, like many other of greatest jazz musicians, had given his life to the music and was greatly missed after his death. Several musicians wrote songs as personal tributes to his memory, including Jane Bunnett, Cameron Brown, D D Jackson, and David Murray.

David Murray and D D Jackson made a whole album 'The Long Goodbye' dedicated to Don.

In 2005 Mosaic issued a set of four long unavailable Blue Note recordings, 'Breakthrough' and 'Song Everlasting' by the 'The Don Pullen/George Adams Quartet, and 'New Beginning' and 'Random Thoughts' by Don's own trio.
Source: Mike Bond
https://www.allaboutjazz.com/musicians/don-pullen

///////

Don Pullen desarrolló una extensa técnica para el piano y un estilo sorprendentemente individual, post-bop y moderno, pero conservando un fuerte sentimiento por el blues. Produjo reconocidas obras maestras del jazz en diversos formatos y estilos, cruzando y mezclando géneros mucho antes de que esto se convirtiera en algo casi habitual. Por casualidad, por desgracia para su futuro éxito comercial si no para su desarrollo musical, su primer contacto al llegar a la escena neoyorquina fue con los free players de los años sesenta, con los que grabó. Pasaron algunos años antes de que sus habilidades en el jazz más directo, así como en el free, se dieran a conocer a un público más amplio. La variedad de su música hacía difícil encasillarle, pero siempre mostraba una vitalidad que, a primera vista, podía chocar, pero que siempre cautivaba y deleitaba a su público.

Don Gabriel Pullen nació (el 25 de diciembre de 1941 y no en 1944, como a veces se dice) y creció en Roanoke, Virginia, Estados Unidos. Creció en una familia de músicos, aprendió a tocar el piano a una edad temprana, tocó y colaboró con el coro de su iglesia local y recibió una gran influencia de su primo, el pianista profesional de jazz Clyde "Fats" Wright. Recibió algunas clases de piano clásico, pero sabía poco de jazz, ya que conocía sobre todo la música de iglesia y el blues. Don buscaba tocar en un estilo muy rápido y consiguió desarrollar su propia técnica poco ortodoxa que le permitía ejecutar ejecuciones extremadamente rápidas manteniendo la línea melódica.

Don se marchó de Roanoke a la Universidad Johnson C. Smith de Carolina del Norte para estudiar la carrera de medicina, pero pronto se dio cuenta de que su verdadera vocación era la música. Tras tocar con músicos locales y conocer por primera vez discos de los principales músicos y compositores de jazz, abandonó sus estudios de medicina. Se propuso hacer carrera en la música, deseoso de tocar como Ornette Coleman y Eric Dolphy.

En 1964 fue a Chicago durante unas semanas, donde conoció la filosofía de Muhal Richard Abrams sobre la creación musical, y luego se dirigió a Nueva York, donde pronto conoció al saxofonista vanguardista Guiseppi Logan, y absorbió más de la filosofía de la música creativa. Logan invitó a Don a tocar el piano en sus dos discos, "Guiseppi Logan" (octubre de 1964) y "More Guiseppi Logan" (mayo de 1965) en ESP, ambos ejercicios de interpretación libre estructurada. Aunque se trataba de grabaciones de Guiseppi Logan, la mayor parte de la atención de la crítica se centró en la forma de tocar del percusionista Milford Graves y del desconocido Don Pullen, con su asombroso dominio de su instrumento.

Posteriormente, él y Milford Graves formaron un dúo y se grabó su concierto de piano y batería en la Universidad de Yale en mayo de 1966. Crearon su propio sello discográfico independiente SRP para publicar el resultado en dos LP. Estos fueron los primeros discos que llevaron el nombre de Don Pullen, el segundo después del de Milford. Aunque no fueron muy conocidos en Estados Unidos, estos álbumes vanguardistas fueron bien recibidos en Europa y la mayoría de las copias se vendieron allí. Nunca se han reeditado tras agotarse la primera tirada.

Al encontrar poco dinero tocando jazz de vanguardia, Don empezó a tocar el órgano Hammond para ampliar sus oportunidades de trabajo, transfiriendo elementos de su estilo pianístico individual a este instrumento. Durante el resto de la década de 1960 y principios de la de 1970, tocó con su propio trío de órgano en clubes y bares, trabajó como arreglista autodidacta para compañías discográficas y acompañó a varios cantantes, entre ellos Arthur Prysock y Nina Simone.

En esta época, y durante mucho tiempo después, sufrió dos acusaciones inmerecidas: la primera (a pesar de su formación en la iglesia y el blues) de que era un músico puramente libre y, por tanto, inempleable en cualquier otro contexto; la segunda, que había recibido una gran influencia de Cecil Taylor o que era un clon de Cecil Taylor, con cuya forma de tocar Don tenía un parecido superficial. Don negó enérgicamente que tuviera ningún vínculo con Cecil Taylor, afirmando que su propio estilo se había desarrollado de forma aislada antes de que oyera hablar de Cecil. Pero la afirmación de la influencia de Cecil continuó hasta el final de la vida de Don, y persiste incluso hoy en día.

No volvió a aparecer en grabaciones comerciales hasta 1971 y 1972, cuando tocó el órgano en tres grabaciones del contralto de blues Williams, una de las cuales se publicó con el título de una composición de Pullen, "Trees And Grass And Things". En 1973 el batería Roy Brooks presentó a Don al bajista Charles Mingus, y tras una breve audición ocupó la silla de piano vacante en el grupo Mingus; cuando se necesitó un saxofonista tenor, Don recomendó a George Adams; posteriormente Dannie Richmond volvió a la batería; y estos hombres, junto con Jack Walrath a la trompeta, formaron el último gran grupo Mingus.

Formar parte del grupo Mingus y aparecer en muchos conciertos y en tres grabaciones de estudio de Mingus, 'Mingus Moves' (1973), 'Changes One' y 'Changes Two' (ambas de 1974), dio una gran exposición a la forma de tocar de Don y ayudó a persuadir al público y a la crítica de que Pullen no era sólo un músico libre. Dos de sus composiciones "Newcomer" y "Big Alice" se grabaron en la sesión "Mingus Moves", pero "Big Alice" no se publicó hasta una reedición en CD muchos años después. Sin embargo, desavenencias musicales con Mingus hicieron que Don abandonara el grupo en 1975. Don siempre había tocado el piano con el bajo y la batería detrás de él, sintiéndose más cómodo de esta manera, pero a principios de 1975 fue persuadido para tocar un concierto en solitario en Toronto. Se grabó y, como "Solo Piano Album", se convirtió en el primer disco publicado con el nombre de Don en solitario. Entre otras piezas, contiene "Sweet (Suite) Malcolm", declarada obra maestra por Cameron Brown, antiguo colaborador de Don en los últimos años.

Cada vez se era más consciente de las habilidades de Don, pero fueron las compañías discográficas europeas las que estaban dispuestas a preservarlo. En 1975, una discográfica italiana dio a Don, George Adams y Dannie Richmond la oportunidad de grabar cada uno una canción con su propio nombre. Los tres colaboraron en las grabaciones de los demás. Ese mismo año, Don realizó otras dos grabaciones en solitario en Italia para diferentes sellos discográficos: "Five To Go" y "Healing Force", esta última recibida con gran éxito. Pasó a formar parte de las giras periódicas de temporada de músicos estadounidenses a Europa, tocando en modo vanguardista o libre. En 1977, Don fue contratado por una importante discográfica de jazz estadounidense, Atlantic. Esto dio lugar a dos discos, el atípico "Tomorrow's Promises" y el directo "Montreux Concert". Pero después de esto, la asociación de Don con Atlantic terminó y volvió a las compañías europeas para grabar tres discos con su propio nombre o en colaboración: "Warriors" y "Milano Strut" en 1978 y "The Magic Triangle" en 1979. Éstas, especialmente la sorprendente "Warriors", con su potente tema principal de 30 minutos, han permanecido en los catálogos a lo largo de los años.

Mientras tanto, grabó con grupos liderados por Billy Hart (batería), Hamiet Bluiett (saxo barítono), Cecil McBee (bajo), Sunny Murray (batería) y Marcello Melis (bajo). En la formación de la primera banda de la Mingus Dynasty, Don ocupó la silla del piano y apareció en su grabación 'Chair In The Sky' en 1979, pero pronto abandonó la banda, al sentir que la música se había desviado demasiado de las intenciones de Mingus. A finales de 1979, Don, George Adams y Dannie Richmond fueron contratados para tocar como cuarteto en una gira europea de unas pocas semanas de duración. Don invitó a Cameron Brown a tocar el bajo. Se les pidió que se presentaran como un grupo de Mingus, pero como no querían ser identificados como meros copistas, se negaron y actuaron como George Adams/Don Pullen Quartet. Tocaban una música más estructurada que la que Don solía preferir, pero la inmediata compenetración entre ellos llevó al grupo a girar por todo el mundo con el mismo personal hasta la muerte de Dannie Richmond a principios de 1988. Desde su primera gira en 1979 y hasta 1985, el cuarteto realizó una docena de notables grabaciones para sellos europeos, tanto en estudio como en directo. Entre ellas, "Earth Beams" (1980), "Live At The Village Vanguard" (1983) y "Decisions" (1984) son buenos ejemplos de su trabajo en aquella época. Aunque gozaban de gran prestigio en Europa, el cuarteto consideraba que no eran suficientemente conocidos en América, por lo que en 1986 firmaron un contrato discográfico con el sello estadounidense Blue Note, para el que grabaron "Breakthrough" (1986) y "Song Everlasting" (1987). Comenzaron el contrato con Blue Note con grandes esperanzas de aumentar la fama y el éxito, (como demuestra el título de su primer álbum en Blue Note) pero se desilusionaron por la escasa disponibilidad de estos dos discos. Aunque la potencia de sus conciertos en directo mantuvo su reputación como uno de los grupos más excitantes jamás vistos, la música grabada para las sesiones de Blue Note se consideró al principio "más suave" que en sus grabaciones europeas, y tardó en alcanzar la misma alta reputación.

Tras la muerte de Dannie Richmond, el cuarteto cumplió el resto de sus compromisos contractuales con otro batería y se disolvió a mediados de 1988. Su música, normalmente composiciones originales de Don, George y Dannie, había abarcado desde el blues, pasando por las baladas, hasta el post- bop y la vanguardia. La capacidad de los músicos para abarcar todas estas áreas, a menudo dentro de una misma composición, eliminaba toda uniformidad o esterilidad del formato de cuarteto. A excepción de las primeras grabaciones en el desaparecido sello Horo, sus grabaciones europeas siguieron estando disponibles con regularidad, a diferencia de las realizadas para Blue Note.

Durante la vida del Cuarteto, Don también grabó a dúo con George Adams "Melodic Excursions" (1982) y realizó tres grabaciones bajo su propio nombre, dos álbumes en solitario más, el aclamado "Evidence Of Things Unseen" (1983) y "Plays Monk" (1984), y luego con un quinteto, otra grabación muy elogiada "The Sixth Sense" (1985). También grabó con (por orden alfabético) Hamiet Bluiett; Roy Brooks, el batería que le presentó a Mingus; Jane Bunnett; Kip Hanrahan; Beaver Harris; Marcello Melis; y David Murray.

Todas las futuras grabaciones de Don bajo su propio nombre serían ahora para Blue Note. El 16 de diciembre de 1988 se metió en el estudio con Gary Peacock (bajo) y Tony Williams (batería) para grabar su primer álbum a trío, "New Beginnings", que sorprendió incluso a los que conocían su trabajo y se convirtió en uno de los mejores álbumes a trío jamás grabados. Siguió en 1990 con otro álbum en trío, "Random Thoughts", de humor algo más ligero, esta vez con James Genus (bajo) y Lewis Nash (batería).

A finales de 1990, Don añadió un nuevo elemento a su forma de tocar y a su música con la formación de su African Brazilian Connection ('ABC'). Además de Don, formaban parte de este grupo Carlos Ward (saxo alto), Nilson Matta (bajo), Guilherme Franco y Mor Thiam (percusión), en una mezcla de ritmos africanos y latinos con jazz. Su emocionante primer álbum, "Kele Mou Bana", se publicó en 1991. Su segundo álbum, muy diferente, de 1993, "Ode To Life", era un homenaje a George Adams, fallecido el 14 de noviembre de 1992, que contenía la sentida y conmovedora composición de Don en memoria de George "Ah George We Hardly Knew Ya". Un tercer álbum "Live .... Again", grabado en julio de 1993 en el festival de Montreux, pero no publicado hasta 1995. En él se incluían "Ah George..." y otras canciones de sus álbumes anteriores, en versiones algo ampliadas. Don consiguió más éxito popular y comercial con este grupo que con ningún otro. En 1993, "Ode To Life" ocupó el quinto puesto en la lista de los mejores álbumes de jazz del Billboard estadounidense.

Durante los últimos años de su demasiado corta vida, Don realizó giras con su trío, con su African Brazilian Connection, en solitario y con grupos dirigidos por otros, haciendo mucha buena música, pero lamentablemente no suficientes discos. La mayor pérdida para sus admiradores fue que, aunque su interpretación en solitario parecía crecer en potencia, nunca fue invitado a grabar otro álbum en solitario. Mientras tanto, hizo importantes contribuciones a conciertos y grabaciones de grupos dirigidos por otros, como (por orden alfabético) Jane Bunnett (en particular su excelente álbum a dúo "New York Duets"); Bill Cosby (¡!); Kip Hanrahan; David Murray (al órgano, siendo el mejor ejemplo grabado de su estilo al órgano el álbum de Murray de 1991 "Shakill's Warrior"); Maceo Parker (al órgano); Ivo Perelman; Jack Walrath (de nuevo al órgano). También realizó giras y grabaciones con el grupo 'Roots' desde sus inicios.

El proyecto final de Don fue una obra que combinaba la música de su conexión afrobrasileña (ampliada por Joseph Bowie al trombón) con un coro y tambores de nativos americanos. En 1994 le diagnosticaron el linfoma que acabó con su vida pero, a pesar de ello, hizo un gran esfuerzo físico para completar esta importante y profunda composición. A principios de marzo de 1995 tocó en la grabación "Sacred Common Ground", desplegando toda su potencia habitual a pesar de estar a pocas semanas de su prematura muerte, volviendo como siempre a su herencia del blues y la iglesia. Al no poder tocar él mismo en el estreno en directo, su lugar al piano lo ocupó D. D. Jackson, con quien Don discutió la música desde la cama del hospital poco antes de su muerte. Murió el 22 de abril de 1995.

Don compuso muchas piezas con melodías y ritmos que perduran en la mente, a menudo eran retratos o recuerdos de personas que conocía. Todas fueron publicadas por su propia compañía, Andredon, pero como él mismo sufrió durante mucho tiempo el abandono musical, lo mismo ocurrió con muchas de sus composiciones. Las más conocidas son la humorística "Big Alice" (para un admirador imaginario), la increíble "Double Arc Jake" (para su hijo y Rahsaan Roland Kirk), la apasionada "Ode To Life" (para un amigo) y el lamento antes mencionado "Ah George We Hardly Knew Ya". Ocasionalmente escribió piezas con un sentimiento religioso, como 'Gratitude' y 'Healing Force', o para resaltar la difícil situación de los afroamericanos, como 'Warriors', 'Silence = Death, y 'Endangered Species: Juventud afroamericana". Tras el asesinato del activista afroamericano Malcolm X, Don había escrito una suite dedicada a la memoria de Malcolm, pero requería más recursos instrumentales de los que ofrece un grupo de jazz normal, y sólo se grabaron las partes de piano. Excepto en el álbum "Plays Monk", Don se dedicó casi exclusivamente a sus propias composiciones en sus propias grabaciones, hasta su época con la African Brazilian Connection. Sus composiciones están bien representadas en las grabaciones de George Adams/Don Pullen Quartet, pero las composiciones de Don grabadas por otros solían ser interpretadas por quienes le habían conocido y habían trabajado con él.

Aunque Don era capaz de tocar el piano en casi cualquier estilo (el atributo que le había hecho tan importante para la amplia música de Mingus) y a veces daba la impresión de que había dos pianistas al teclado, lo que más asombraba de él era su habilidad para colocar ejecuciones o glissandi cantados extremadamente precisos sobre acordes pesados, que recordaban al blues tradicional, sin perder nunca el contacto con la línea melódica. Su técnica para crear estas ejecuciones, en las que parecía hacer rodar su mano derecha una y otra vez por las teclas, recibió muchos comentarios de los críticos, fue estudiada por pianistas y muy filmada e investigada, pero nunca pudo ser explicada del todo, ni siquiera por Don, que la había desarrollado. Su técnica pianística puede verse en los DVD "Mingus At Montreux 1975" y "Roots Salutes The Saxophones". Pero es mejor no concentrarse demasiado en su técnica, sobre todo ahora que ya no está entre nosotros, y prestar atención a la profundidad de sus sentimientos y a la intensidad de sus improvisaciones, ya fueran sugeridas por la propia canción o engendradas por el momento. Es fácil olvidar que quienes llegan a amar su música por sus discos pueden desconocer por completo su método de interpretación. Incluso en sus conciertos, sólo una minoría del público podía ver el movimiento de sus manos sobre el teclado y saber exactamente cómo revelaba las efusiones emocionales de su alma.

Don Pullen, como muchos otros grandes músicos de jazz, había entregado su vida a la música y se le echó mucho de menos tras su muerte. Varios músicos escribieron canciones como tributo personal a su memoria, entre ellos Jane Bunnett, Cameron Brown, D D Jackson y David Murray.

David Murray y D D Jackson grabaron un álbum entero, "The Long Goodbye", dedicado a Don.

En 2005, Mosaic publicó un conjunto de cuatro grabaciones de Blue Note que llevaban mucho tiempo sin estar disponibles: "Breakthrough" y "Song Everlasting", de "The Don Pullen/George Adams Quartet", y "New Beginning" y "Random Thoughts", del propio trío de Don.
Fuente: Mike Bond
https://www.allaboutjazz.com/musicians/don-pullen

Don Pullen • Plays Monk

 

Don Pullen developed an extended technique for the piano and a strikingly individual style, post-bop and modern, but retaining a strong feeling for the blues. He produced acknowledged masterworks of jazz in a range of formats and styles, crossing and mixing genres long before this became almost commonplace. By chance, unfortunately for his future commercial success if not for his musical development, his first contact on arriving on the New York scene was with the free players of the 1960s, with whom he recorded. It was some years later before his abilities in more straight ahead jazz playing, as well as free, were revealed to a larger audience. The variety in his music made him difficult to pigeonhole, but he always displayed a vitality that at first hearing could shock but would always engross and delight his audience.

Don Gabriel Pullen was born (on 25th December 1941 not in 1944 as sometimes said) and raised in Roanoke, Virginia, USA. Growing up in a musical family, he learned the piano at an early age, played and worked with the choir in his local church, and was heavily influenced by his cousin, professional jazz pianist Clyde "Fats" Wright. He had some lessons in classical piano but knew little of jazz, being mainly aware of church music and the blues. Don sought to play in a very fast style and managed to develop his own unorthodox technique allowing him to execute extremely fast runs while maintaining the melodic line.

Don left Roanoke for Johnson C. Smith University in North Carolina to study for a medical career but soon he realised that his only true vocation was music. After playing with local musicians and being exposed for the first time to records of the major jazz musicians and composers he abandoned his medical studies. He set out to make a career in music, desirous of playing like Ornette Coleman and Eric Dolphy.

In 1964 he went to Chicago for a few weeks where he encountered Muhal Richard Abrams' philosophy of making music, then headed for New York, where he was soon introduced to avant-garde saxist Guiseppi Logan, and absorbed more of the philosophy of creative music. Logan invited Don to play piano on his two record dates, 'Guiseppi Logan'(October 1964) and 'More Guiseppi Logan' (May 1965) on ESP, both exercises in structured free playing. Although these were Guiseppi Logan's recordings, most critical attention was given to the playing of percussionist Milford Graves and the unknown Don Pullen with his astonishing mastery of his instrument.

Subsequently he and Milford Graves formed a duo and their piano and drums concert at Yale University in May 1966 was recorded. They formed their own independent SRP record label to publish the result as two LPs. These were the first records to bear Don Pullen's name, second to Milford's. Although not greatly known in the United States, these avant-garde albums were well received in Europe and most copies were sold there. These have never been reissued after the first run sold out.

Finding little money in playing avant-garde jazz, Don began to play the Hammond organ to extend his opportunities for work, transferring elements of his individual piano style to this instrument. During the remainder of the 1960s and early the 1970s, he played with his own organ trio in clubs and bars, worked as self- taught arranger for record companies, and accompanied various singers, including Arthur Prysock and Nina Simone.

He suffered at this time, and for a long time after, from two undeserved allegations; the first (despite his grounding in the church and blues) that he was purely a free player and thus unemployable in any other context, the second that he had been heavily influenced by Cecil Taylor or was a clone of Cecil Taylor, to whose playing Don's own bore a superficial resemblance. Don strenuously denied that he had any link with Cecil Taylor, stating that his own style had been developed in isolation before he ever heard of Cecil. But the assertion of Cecil's influence continued to the end of Don's life, and persists even to this day.

He appeared on no more commercial recordings until 1971 and 1972 when he played organ on three recordings by blues altoist Williams, one being issued under the title of a Pullen composition, "Trees And Grass And Things". In 1973 drummer Roy Brooks introduced Don to bassist Charles Mingus, and after a brief audition he took over the vacant piano chair in the Mingus group; when a tenor saxophone player was needed, Don recommended George Adams; subsequently Dannie Richmond returned on drums; and these men, together with Jack Walrath on trumpet, formed the last great Mingus group.

Being part of the Mingus group and appearing at many concerts and on three Mingus studio recordings, 'Mingus Moves' (1973), 'Changes One' and 'Changes Two' (both 1974), gave great exposure to Don's playing and helped to persuade audiences and critics that Pullen was not just a free player. Two of his own compositions 'Newcomer' and 'Big Alice' were recorded on the 'Mingus Moves' session but 'Big Alice' was not released until a CD re- issue many years later. However musical disagreements with Mingus caused Don to leave the group in 1975. Don had always played piano with bass and drums behind him, feeling more comfortable this way, but in early 1975 he was persuaded to play a solo concert in Toronto. This was recorded and as 'Solo Piano Album' became the first record issued under Don's name alone. Among other pieces, it contains 'Sweet (Suite) Malcolm' declared a masterpiece by Cameron Brown, Don's long time associate of later years.

There was now growing awareness of Don's abilities but it was the European recording companies that were prepared to preserve it. In 1975 an Italian record company gave Don, George Adams and Dannie Richmond the opportunity to each make a recording under his own name. All three collaborated in the others' recordings. In the same year, Don made two further solo recordings in Italy for different record labels; 'Five To Go' and 'Healing Force', the latter being received with great acclaim. He became part of the regular seasonal tours of American musicians to Europe, playing in the avant-garde or free mode. In 1977, Don was signed by a major American jazz record company, Atlantic. This led to two records, the untypical 'Tomorrow's Promises' and the live 'Montreux Concert'. But after these, Don's association with Atlantic was terminated and he returned to European companies for three recordings under his own name or in partnership; 'Warriors', and 'Milano Strut' in '78 and 'The Magic Triangle' in '79. These, especially the startling 'Warriors' with its strong 30 minute title track, have remained in the catalogues over the years.

Meanwhile he recorded with groups led by Billy Hart (drums), Hamiet Bluiett, (baritone sax.), Cecil McBee (bass), Sunny Murray (drums) and Marcello Melis (bass). On the formation of the first Mingus Dynasty band Don occupied the piano chair and appeared on their recording 'Chair In The Sky' in 1979, but he soon left the band, feeling the music had diverged too far from Mingus' intentions. In late 1979 Don, George Adams and Dannie Richmond were booked to play as a quartet for a European tour of a few weeks duration. Don invited Cameron Brown to join them on bass. They were asked to bill themselves as a Mingus group but not wanting to be identified as mere copyists they declined and performed as the George Adams/Don Pullen Quartet. They played more structured music than Don normally favoured, but the immediate rapport among them led to the group touring the world with unchanged personnel until the death of Dannie Richmond in early 1988. From very early in their first tour in 1979, and until 1985, the quartet made a dozen remarkable recordings for European labels, both studio and live. Of these, 'Earth Beams' (1980), 'Live At The Village Vanguard' (1983) and 'Decisions' (1984) provide typically fine examples of their work at that period. Although highly regarded in Europe, the quartet felt they were not well enough known in America so in 1986 they signed to record for the American Blue Note label for which they recorded 'Breakthrough' (1986) and 'Song Everlasting' (1987). Beginning the Blue Note contract with great hope of increased fame and success, (as shown by the title of their first Blue Note album) they became disillusioned by the poor availability of these two records. Although the power of their live concerts maintained their reputation as one of the most exciting groups ever seen, the music recorded for the Blue Note sessions was at first deemed 'smoother' than on their European recordings, and took time to achieve the same high reputation.

After the death of Dannie Richmond the quartet fulfilled their remaining contracted engagements with a different drummer and then disbanded in mid 1988. Their music, usually original compositions by Don, George and Dannie, had ranged from blues, through ballads, to post- bop and avant-garde. The ability of the players to encompass all these areas, often within one composition, removed any sameness or sterility from the quartet format. Except for the early recordings on the vanished Horo label, their European recordings remained regularly available, unlike those made for Blue Note.

During the life of the Quartet, Don also made a duo recording with George Adams 'Melodic Excursions' (1982) and made three recordings under his own name, two further solo albums, the acclaimed 'Evidence Of Things Unseen' (1983) and 'Plays Monk' (1984), then with a quintet, another highly praised recording 'The Sixth Sense' (1985). He also recorded with (alphabetically) Hamiet Bluiett; Roy Brooks, the drummer who introduced him to Mingus; Jane Bunnett; Kip Hanrahan; Beaver Harris; Marcello Melis; and David Murray.

All Don's future recordings under his own name would now be for Blue Note. On 16th December 1988 he went into the studio with Gary Peacock (bass) and Tony Williams (drums) to make his first trio album 'New Beginnings', which astonished even those familiar with his work and became widely regarded as one of the finest trio albums ever recorded. He followed this in 1990 with another trio album 'Random Thoughts', in somewhat lighter mood, this time with James Genus (bass) and Lewis Nash (drums).

In late 1990 Don added a new element to his playing and his music with the formation of his African Brazilian Connection ('ABC'). This featured, as well as Don, Carlos Ward (alto sax), Nilson Matta (bass), Guilherme Franco and Mor Thiam (percussion) in a group which mixed African and Latin rhythms with Jazz. Their exciting first album "Kele Mou Bana" was released in 1991. Their second, but very different, album of 1993, 'Ode To Life' was a tribute to George Adams, who had died on 14th November 1992, containing Don's heartfelt and moving composition in George's memory 'Ah George We Hardly Knew Ya'. A third album 'Live .... Again' recorded in July 1993 at the Montreux festival, but not released until 1995. This featured 'Ah George...' and other songs from their previous albums, in somewhat extended versions. Don achieved more popular and commercial success with this group than with any other. In 1993 'Ode To Life' was fifth on the U.S. Billboard top jazz album chart.

During the last few years of his too short life, Don toured with his trio, with his African Brazilian Connection, as a solo artist, and with groups led by others, making much fine music, but sadly not enough records. The greatest loss to his admirers was that although his solo playing seemed to grow in power, he was never invited to record another solo album. Meanwhile he made important contributions to concerts and recordings of groups led by others, such as (alphabetically) Jane Bunnett (notably their fine Duo album 'New York Duets); Bill Cosby(!); Kip Hanrahan; David Murray (on organ, the best recorded example of his organ style being on Murray's 1991 'Shakill's Warrior'); Maceo Parker (on organ); Ivo Perelman; Jack Walrath (again on organ). He also toured and recorded with the group 'Roots' from its inception.

Don's final project was a work combining the music of his African Brazilian Connection (extended by Joseph Bowie on trombone) with a choir and drums of Native Americans. In 1994 Don was diagnosed with the lymphoma which eventually ended his life but, despite this, he put great physical effort into completing the this important and deeply felt composition. In early March 1995 he played on the recording 'Sacred Common Ground', displaying all his usual power although being but a few weeks away from his untimely death, returning as always to his heritage of the blues and the church. Unable himself to play at the live premiere, his place at the piano was taken by D D Jackson, with whom Don discussed the music from his hospital bed shortly before his death. He died on 22nd April 1995.

Don composed many pieces with melodies and rhythms which linger in the mind, often they were portraits or memories of people he knew. All were published by his own company Andredon but because he himself for a long time suffered from neglect musically so did many of his compositions. His most well known are the humorous 'Big Alice' (for an imaginary fan), the incredible 'Double Arc Jake' (for his son and Rahsaan Roland Kirk), the passionate 'Ode To Life' (for a friend), and the aforementioned lament 'Ah George We Hardly Knew Ya'. Occasionally he wrote pieces with a religious feeling, such as 'Gratitude' and 'Healing Force', or to highlight the plight of Afro-Americans such as 'Warriors', 'Silence = Death, and 'Endangered Species: African American Youth'. Following the assassination of Afro-American activist Malcolm X, Don had written a suite dedicated to Malcolm's memory but this required more instrumental resources than a normal jazz group provides, and only the piano parts of this were ever recorded. Except for the 'Plays Monk' album, Don almost exclusively featured his own compositions on his own recordings, until his time with the African Brazilian Connection. His compositions are well represented on the George Adams/Don Pullen Quartet recordings, but such compositions by Don which were recorded by others, were usually performed by those who had known and worked with him.

Although Don was able to play the piano in almost any style, (the attribute that had made him so important to the wide-ranging music of Mingus) and sometimes gave the impression that there were two pianists at the keyboard, he caused most astonishment by his ability to place extremely precise singing runs or glissandi over heavy chords, reminiscent of traditional blues, while never losing contact with the melodic line. His technique for creating these runs, where he seemed to roll his right hand over and over along the keys, received much comment from critics, was studied by pianists, and heavily filmed and investigated, but could never be totally explained, even by Don who had developed it. His piano technique can be seen on the DVDs 'Mingus At Montreux 1975' and on 'Roots Salutes The Saxophones'. But it is better not to concentrate too much on his technique, especially now that he is gone from among us, and to pay attention to his depth of feeling and the intensity of improvisations, whether these were suggested by the song itself or engendered by the moment. It is easy to forget that those who come to love his music from his records may be totally unaware of his playing method. Even at his concerts, only a minority of the audience would be fully able to see his hands moving along the keyboard and be aware of exactly how he revealed the emotional outpourings of his soul.

Don Pullen, like many other of greatest jazz musicians, had given his life to the music and was greatly missed after his death. Several musicians wrote songs as personal tributes to his memory, including Jane Bunnett, Cameron Brown, D D Jackson, and David Murray.

David Murray and D D Jackson made a whole album 'The Long Goodbye' dedicated to Don.

In 2005 Mosaic issued a set of four long unavailable Blue Note recordings, 'Breakthrough' and 'Song Everlasting' by the 'The Don Pullen/George Adams Quartet, and 'New Beginning' and 'Random Thoughts' by Don's own trio.
Source: Mike Bond
https://www.allaboutjazz.com/musicians/don-pullen

///////

Don Pullen desarrolló una extensa técnica para el piano y un estilo sorprendentemente individual, post-bop y moderno, pero conservando un fuerte sentimiento por el blues. Produjo reconocidas obras maestras del jazz en diversos formatos y estilos, cruzando y mezclando géneros mucho antes de que esto se convirtiera en algo casi habitual. Por casualidad, por desgracia para su futuro éxito comercial si no para su desarrollo musical, su primer contacto al llegar a la escena neoyorquina fue con los free players de los años sesenta, con los que grabó. Pasaron algunos años antes de que sus habilidades en el jazz más directo, así como en el free, se dieran a conocer a un público más amplio. La variedad de su música hacía difícil encasillarle, pero siempre mostraba una vitalidad que, a primera vista, podía chocar, pero que siempre cautivaba y deleitaba a su público.

Don Gabriel Pullen nació (el 25 de diciembre de 1941 y no en 1944, como a veces se dice) y creció en Roanoke, Virginia, Estados Unidos. Creció en una familia de músicos, aprendió a tocar el piano a una edad temprana, tocó y colaboró con el coro de su iglesia local y recibió una gran influencia de su primo, el pianista profesional de jazz Clyde "Fats" Wright. Recibió algunas clases de piano clásico, pero sabía poco de jazz, ya que conocía sobre todo la música de iglesia y el blues. Don buscaba tocar en un estilo muy rápido y consiguió desarrollar su propia técnica poco ortodoxa que le permitía ejecutar ejecuciones extremadamente rápidas manteniendo la línea melódica.

Don se marchó de Roanoke a la Universidad Johnson C. Smith de Carolina del Norte para estudiar la carrera de medicina, pero pronto se dio cuenta de que su verdadera vocación era la música. Tras tocar con músicos locales y conocer por primera vez discos de los principales músicos y compositores de jazz, abandonó sus estudios de medicina. Se propuso hacer carrera en la música, deseoso de tocar como Ornette Coleman y Eric Dolphy.

En 1964 fue a Chicago durante unas semanas, donde conoció la filosofía de Muhal Richard Abrams sobre la creación musical, y luego se dirigió a Nueva York, donde pronto conoció al saxofonista vanguardista Guiseppi Logan, y absorbió más de la filosofía de la música creativa. Logan invitó a Don a tocar el piano en sus dos discos, "Guiseppi Logan" (octubre de 1964) y "More Guiseppi Logan" (mayo de 1965) en ESP, ambos ejercicios de interpretación libre estructurada. Aunque se trataba de grabaciones de Guiseppi Logan, la mayor parte de la atención de la crítica se centró en la forma de tocar del percusionista Milford Graves y del desconocido Don Pullen, con su asombroso dominio de su instrumento.

Posteriormente, él y Milford Graves formaron un dúo y se grabó su concierto de piano y batería en la Universidad de Yale en mayo de 1966. Crearon su propio sello discográfico independiente SRP para publicar el resultado en dos LP. Estos fueron los primeros discos que llevaron el nombre de Don Pullen, el segundo después del de Milford. Aunque no fueron muy conocidos en Estados Unidos, estos álbumes vanguardistas fueron bien recibidos en Europa y la mayoría de las copias se vendieron allí. Nunca se han reeditado tras agotarse la primera tirada.

Al encontrar poco dinero tocando jazz de vanguardia, Don empezó a tocar el órgano Hammond para ampliar sus oportunidades de trabajo, transfiriendo elementos de su estilo pianístico individual a este instrumento. Durante el resto de la década de 1960 y principios de la de 1970, tocó con su propio trío de órgano en clubes y bares, trabajó como arreglista autodidacta para compañías discográficas y acompañó a varios cantantes, entre ellos Arthur Prysock y Nina Simone.

En esta época, y durante mucho tiempo después, sufrió dos acusaciones inmerecidas: la primera (a pesar de su formación en la iglesia y el blues) de que era un músico puramente libre y, por tanto, inempleable en cualquier otro contexto; la segunda, que había recibido una gran influencia de Cecil Taylor o que era un clon de Cecil Taylor, con cuya forma de tocar Don tenía un parecido superficial. Don negó enérgicamente que tuviera ningún vínculo con Cecil Taylor, afirmando que su propio estilo se había desarrollado de forma aislada antes de que oyera hablar de Cecil. Pero la afirmación de la influencia de Cecil continuó hasta el final de la vida de Don, y persiste incluso hoy en día.

No volvió a aparecer en grabaciones comerciales hasta 1971 y 1972, cuando tocó el órgano en tres grabaciones del contralto de blues Williams, una de las cuales se publicó con el título de una composición de Pullen, "Trees And Grass And Things". En 1973 el batería Roy Brooks presentó a Don al bajista Charles Mingus, y tras una breve audición ocupó la silla de piano vacante en el grupo Mingus; cuando se necesitó un saxofonista tenor, Don recomendó a George Adams; posteriormente Dannie Richmond volvió a la batería; y estos hombres, junto con Jack Walrath a la trompeta, formaron el último gran grupo Mingus.

Formar parte del grupo Mingus y aparecer en muchos conciertos y en tres grabaciones de estudio de Mingus, 'Mingus Moves' (1973), 'Changes One' y 'Changes Two' (ambas de 1974), dio una gran exposición a la forma de tocar de Don y ayudó a persuadir al público y a la crítica de que Pullen no era sólo un músico libre. Dos de sus composiciones "Newcomer" y "Big Alice" se grabaron en la sesión "Mingus Moves", pero "Big Alice" no se publicó hasta una reedición en CD muchos años después. Sin embargo, desavenencias musicales con Mingus hicieron que Don abandonara el grupo en 1975. Don siempre había tocado el piano con el bajo y la batería detrás de él, sintiéndose más cómodo de esta manera, pero a principios de 1975 fue persuadido para tocar un concierto en solitario en Toronto. Se grabó y, como "Solo Piano Album", se convirtió en el primer disco publicado con el nombre de Don en solitario. Entre otras piezas, contiene "Sweet (Suite) Malcolm", declarada obra maestra por Cameron Brown, antiguo colaborador de Don en los últimos años.

Cada vez se era más consciente de las habilidades de Don, pero fueron las compañías discográficas europeas las que estaban dispuestas a preservarlo. En 1975, una discográfica italiana dio a Don, George Adams y Dannie Richmond la oportunidad de grabar cada uno una canción con su propio nombre. Los tres colaboraron en las grabaciones de los demás. Ese mismo año, Don realizó otras dos grabaciones en solitario en Italia para diferentes sellos discográficos: "Five To Go" y "Healing Force", esta última recibida con gran éxito. Pasó a formar parte de las giras periódicas de temporada de músicos estadounidenses a Europa, tocando en modo vanguardista o libre. En 1977, Don fue contratado por una importante discográfica de jazz estadounidense, Atlantic. Esto dio lugar a dos discos, el atípico "Tomorrow's Promises" y el directo "Montreux Concert". Pero después de esto, la asociación de Don con Atlantic terminó y volvió a las compañías europeas para grabar tres discos con su propio nombre o en colaboración: "Warriors" y "Milano Strut" en 1978 y "The Magic Triangle" en 1979. Éstas, especialmente la sorprendente "Warriors", con su potente tema principal de 30 minutos, han permanecido en los catálogos a lo largo de los años.

Mientras tanto, grabó con grupos liderados por Billy Hart (batería), Hamiet Bluiett (saxo barítono), Cecil McBee (bajo), Sunny Murray (batería) y Marcello Melis (bajo). En la formación de la primera banda de la Mingus Dynasty, Don ocupó la silla del piano y apareció en su grabación 'Chair In The Sky' en 1979, pero pronto abandonó la banda, al sentir que la música se había desviado demasiado de las intenciones de Mingus. A finales de 1979, Don, George Adams y Dannie Richmond fueron contratados para tocar como cuarteto en una gira europea de unas pocas semanas de duración. Don invitó a Cameron Brown a tocar el bajo. Se les pidió que se presentaran como un grupo de Mingus, pero como no querían ser identificados como meros copistas, se negaron y actuaron como George Adams/Don Pullen Quartet. Tocaban una música más estructurada que la que Don solía preferir, pero la inmediata compenetración entre ellos llevó al grupo a girar por todo el mundo con el mismo personal hasta la muerte de Dannie Richmond a principios de 1988. Desde su primera gira en 1979 y hasta 1985, el cuarteto realizó una docena de notables grabaciones para sellos europeos, tanto en estudio como en directo. Entre ellas, "Earth Beams" (1980), "Live At The Village Vanguard" (1983) y "Decisions" (1984) son buenos ejemplos de su trabajo en aquella época. Aunque gozaban de gran prestigio en Europa, el cuarteto consideraba que no eran suficientemente conocidos en América, por lo que en 1986 firmaron un contrato discográfico con el sello estadounidense Blue Note, para el que grabaron "Breakthrough" (1986) y "Song Everlasting" (1987). Comenzaron el contrato con Blue Note con grandes esperanzas de aumentar la fama y el éxito, (como demuestra el título de su primer álbum en Blue Note) pero se desilusionaron por la escasa disponibilidad de estos dos discos. Aunque la potencia de sus conciertos en directo mantuvo su reputación como uno de los grupos más excitantes jamás vistos, la música grabada para las sesiones de Blue Note se consideró al principio "más suave" que en sus grabaciones europeas, y tardó en alcanzar la misma alta reputación.

Tras la muerte de Dannie Richmond, el cuarteto cumplió el resto de sus compromisos contractuales con otro batería y se disolvió a mediados de 1988. Su música, normalmente composiciones originales de Don, George y Dannie, había abarcado desde el blues, pasando por las baladas, hasta el post- bop y la vanguardia. La capacidad de los músicos para abarcar todas estas áreas, a menudo dentro de una misma composición, eliminaba toda uniformidad o esterilidad del formato de cuarteto. A excepción de las primeras grabaciones en el desaparecido sello Horo, sus grabaciones europeas siguieron estando disponibles con regularidad, a diferencia de las realizadas para Blue Note.

Durante la vida del Cuarteto, Don también grabó a dúo con George Adams "Melodic Excursions" (1982) y realizó tres grabaciones bajo su propio nombre, dos álbumes en solitario más, el aclamado "Evidence Of Things Unseen" (1983) y "Plays Monk" (1984), y luego con un quinteto, otra grabación muy elogiada "The Sixth Sense" (1985). También grabó con (por orden alfabético) Hamiet Bluiett; Roy Brooks, el batería que le presentó a Mingus; Jane Bunnett; Kip Hanrahan; Beaver Harris; Marcello Melis; y David Murray.

Todas las futuras grabaciones de Don bajo su propio nombre serían ahora para Blue Note. El 16 de diciembre de 1988 se metió en el estudio con Gary Peacock (bajo) y Tony Williams (batería) para grabar su primer álbum a trío, "New Beginnings", que sorprendió incluso a los que conocían su trabajo y se convirtió en uno de los mejores álbumes a trío jamás grabados. Siguió en 1990 con otro álbum en trío, "Random Thoughts", de humor algo más ligero, esta vez con James Genus (bajo) y Lewis Nash (batería).

A finales de 1990, Don añadió un nuevo elemento a su forma de tocar y a su música con la formación de su African Brazilian Connection ('ABC'). Además de Don, formaban parte de este grupo Carlos Ward (saxo alto), Nilson Matta (bajo), Guilherme Franco y Mor Thiam (percusión), en una mezcla de ritmos africanos y latinos con jazz. Su emocionante primer álbum, "Kele Mou Bana", se publicó en 1991. Su segundo álbum, muy diferente, de 1993, "Ode To Life", era un homenaje a George Adams, fallecido el 14 de noviembre de 1992, que contenía la sentida y conmovedora composición de Don en memoria de George "Ah George We Hardly Knew Ya". Un tercer álbum "Live .... Again", grabado en julio de 1993 en el festival de Montreux, pero no publicado hasta 1995. En él se incluían "Ah George..." y otras canciones de sus álbumes anteriores, en versiones algo ampliadas. Don consiguió más éxito popular y comercial con este grupo que con ningún otro. En 1993, "Ode To Life" ocupó el quinto puesto en la lista de los mejores álbumes de jazz del Billboard estadounidense.

Durante los últimos años de su demasiado corta vida, Don realizó giras con su trío, con su African Brazilian Connection, en solitario y con grupos dirigidos por otros, haciendo mucha buena música, pero lamentablemente no suficientes discos. La mayor pérdida para sus admiradores fue que, aunque su interpretación en solitario parecía crecer en potencia, nunca fue invitado a grabar otro álbum en solitario. Mientras tanto, hizo importantes contribuciones a conciertos y grabaciones de grupos dirigidos por otros, como (por orden alfabético) Jane Bunnett (en particular su excelente álbum a dúo "New York Duets"); Bill Cosby (¡!); Kip Hanrahan; David Murray (al órgano, siendo el mejor ejemplo grabado de su estilo al órgano el álbum de Murray de 1991 "Shakill's Warrior"); Maceo Parker (al órgano); Ivo Perelman; Jack Walrath (de nuevo al órgano). También realizó giras y grabaciones con el grupo 'Roots' desde sus inicios.

El proyecto final de Don fue una obra que combinaba la música de su conexión afrobrasileña (ampliada por Joseph Bowie al trombón) con un coro y tambores de nativos americanos. En 1994 le diagnosticaron el linfoma que acabó con su vida pero, a pesar de ello, hizo un gran esfuerzo físico para completar esta importante y profunda composición. A principios de marzo de 1995 tocó en la grabación "Sacred Common Ground", desplegando toda su potencia habitual a pesar de estar a pocas semanas de su prematura muerte, volviendo como siempre a su herencia del blues y la iglesia. Al no poder tocar él mismo en el estreno en directo, su lugar al piano lo ocupó D. D. Jackson, con quien Don discutió la música desde la cama del hospital poco antes de su muerte. Murió el 22 de abril de 1995.

Don compuso muchas piezas con melodías y ritmos que perduran en la mente, a menudo eran retratos o recuerdos de personas que conocía. Todas fueron publicadas por su propia compañía, Andredon, pero como él mismo sufrió durante mucho tiempo el abandono musical, lo mismo ocurrió con muchas de sus composiciones. Las más conocidas son la humorística "Big Alice" (para un admirador imaginario), la increíble "Double Arc Jake" (para su hijo y Rahsaan Roland Kirk), la apasionada "Ode To Life" (para un amigo) y el lamento antes mencionado "Ah George We Hardly Knew Ya". Ocasionalmente escribió piezas con un sentimiento religioso, como 'Gratitude' y 'Healing Force', o para resaltar la difícil situación de los afroamericanos, como 'Warriors', 'Silence = Death, y 'Endangered Species: Juventud afroamericana". Tras el asesinato del activista afroamericano Malcolm X, Don había escrito una suite dedicada a la memoria de Malcolm, pero requería más recursos instrumentales de los que ofrece un grupo de jazz normal, y sólo se grabaron las partes de piano. Excepto en el álbum "Plays Monk", Don se dedicó casi exclusivamente a sus propias composiciones en sus propias grabaciones, hasta su época con la African Brazilian Connection. Sus composiciones están bien representadas en las grabaciones de George Adams/Don Pullen Quartet, pero las composiciones de Don grabadas por otros solían ser interpretadas por quienes le habían conocido y habían trabajado con él.

Aunque Don era capaz de tocar el piano en casi cualquier estilo (el atributo que le había hecho tan importante para la amplia música de Mingus) y a veces daba la impresión de que había dos pianistas al teclado, lo que más asombraba de él era su habilidad para colocar ejecuciones o glissandi cantados extremadamente precisos sobre acordes pesados, que recordaban al blues tradicional, sin perder nunca el contacto con la línea melódica. Su técnica para crear estas ejecuciones, en las que parecía hacer rodar su mano derecha una y otra vez por las teclas, recibió muchos comentarios de los críticos, fue estudiada por pianistas y muy filmada e investigada, pero nunca pudo ser explicada del todo, ni siquiera por Don, que la había desarrollado. Su técnica pianística puede verse en los DVD "Mingus At Montreux 1975" y "Roots Salutes The Saxophones". Pero es mejor no concentrarse demasiado en su técnica, sobre todo ahora que ya no está entre nosotros, y prestar atención a la profundidad de sus sentimientos y a la intensidad de sus improvisaciones, ya fueran sugeridas por la propia canción o engendradas por el momento. Es fácil olvidar que quienes llegan a amar su música por sus discos pueden desconocer por completo su método de interpretación. Incluso en sus conciertos, sólo una minoría del público podía ver el movimiento de sus manos sobre el teclado y saber exactamente cómo revelaba las efusiones emocionales de su alma.

Don Pullen, como muchos otros grandes músicos de jazz, había entregado su vida a la música y se le echó mucho de menos tras su muerte. Varios músicos escribieron canciones como tributo personal a su memoria, entre ellos Jane Bunnett, Cameron Brown, D D Jackson y David Murray.

David Murray y D D Jackson grabaron un álbum entero, "The Long Goodbye", dedicado a Don.

En 2005, Mosaic publicó un conjunto de cuatro grabaciones de Blue Note que llevaban mucho tiempo sin estar disponibles: "Breakthrough" y "Song Everlasting", de "The Don Pullen/George Adams Quartet", y "New Beginning" y "Random Thoughts", del propio trío de Don.
Fuente: Mike Bond
https://www.allaboutjazz.com/musicians/don-pullen