Tuesday, May 19, 2026
Lou Donaldson - Clifford Brown • New Faces – New Sounds
Sunday, May 17, 2026
Lee Morgan • The Cooker
Although Lee Morgan had already made a handful of albums at the age of 19, The Cooker (1957) represents his throwing down the gauntlet as successor to Clifford Brown's vacated throne. It's close to being a pure bebop session, suggestive of a date like For Musicians Only (Verve, 1956), on which Gillespie, Stitt and Getz set some sort of record for NPS (notes per second). At the same time, the precocious trumpeter, already brimming with confidence, is not about to get reckless: he pulls a punch or two, most notably on the opening "Night in Tunisia."
Bebop was a musical language about comparisons, and Morgan was keenly aware of his predecessors. Charlie Parker's incredible four-bar break at the end of the sixteen-bar tag of Gillespie's signature piece on the 1947 Carnegie Hall concert (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) had come to represent the gold standard of jazz improvisation, which Morgan had only begun to approach on his solo performances of the tune with the Gillespie big band (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). And though Clifford Brown's version is equal parts inspired invention and stunning virtuosity (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), the naked four-bar break is given to Lou Donaldson's alto saxophone, with arguably embarrassing results.
Morgan slyly eludes trouble yet takes the listener by surprise when he omits all but the tag's challenging four bars, which he then "wastes" by simply having bass and drums mark time. The listener's letdown is quickly offset, however, by a blistering trumpet solo starting on the first beat of the main chorus, demonstrating why the rising star chose such a deliberative tempo: almost the entirety of his two-chorus solo is played in double time. As dazzling as his execution is, Morgan has one more deception up his sleeve. On both the earlier Gillespie recording and a later Art Blakey date (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), the trumpeter makes sure he gets his piece said on the A7 altered chord of the tune's cadenza: on this occasion, he takes a complete pass!
The characteristically showy side of Morgan is in evidence on his "Heavy Dipper," an infectious, medium-tempo swinger. Anticipating trademark mannerisms—clipped notes, upward slurs, half-valving, triple-tonguing—his solo is still as flowing as it is playful.
The tempo of "Just One of Those Things" breaks the sound barrier while exposing one of the still-maturing musician's weaknesses: if a turn of phrase sounds good once, certainly playing it a few more times can't be a bad idea. Unfortunately, the effect of these ramped-up, "treadmill" moments can get uncomfortably close to "Carnival of Venice" showpiece territory. The alternate take of the tune proves more musically substantive, though the ballad number—the bebopper's requisite "Lover Man"—does little to advance the newcomer's cause.
Pepper Adams is an unrelenting juggernaut on the date, pushing the leader to rise to each challenge. Bobby Timmons, Paul Chambers and Philly Joe Jones supply all of the heat required for this cooking session, otherwise judiciously staying clear of the head chef, who serves up cuisine likely to impress even the fastidious gourmet.
BY SAMUEL CHELL
January 29, 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell
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Aunque Lee Morgan ya había hecho un puñado de álbumes a la edad de 19 años, The Cooker (1957) representa su lanzamiento del guante como sucesor del trono vacante de Clifford Brown. Está cerca de ser una sesión de bebop puro, que sugiere una fecha como For Musicians Only (Verve, 1956), en la que Gillespie, Stitt y Getz establecieron una especie de récord de NPS (notas por segundo). Al mismo tiempo, el precoz trompetista, ya rebosante de confianza, no está a punto de volverse imprudente: da algún que otro golpe, sobre todo en la inicial "Night in Tunisia".
El Bebop era un lenguaje musical de comparaciones, y Morgan era muy consciente de sus predecesores. La increíble pausa de cuatro compases de Charlie Parker al final de los dieciséis compases de la pieza emblemática de Gillespie en el concierto del Carnegie Hall de 1947 (Diz 'N Bird at Carnegie Hall, Blue Note, 1997) había llegado a representar el estándar de oro de la improvisación jazzística, al que Morgan sólo había empezado a acercarse en sus interpretaciones en solitario de la melodía con la big band de Gillespie (Dizzy Gillespie at Newport, Verve, 1957). Y aunque la versión de Clifford Brown es a partes iguales una invención inspirada y un virtuosismo asombroso (Art Blakey, A Night at Birdland, Vol. 1, Blue Note, 1954), la ruptura desnuda de cuatro compases se da al saxo alto de Lou Donaldson, con resultados posiblemente vergonzosos.
Morgan elude astutamente los problemas, pero toma al oyente por sorpresa cuando omite todos los compases excepto los cuatro desafiantes de la etiqueta, que luego "desperdicia" haciendo que el bajo y la batería marquen el tiempo. Sin embargo, la decepción del oyente se ve rápidamente compensada por un contundente solo de trompeta que comienza en el primer tiempo del estribillo principal, lo que demuestra por qué la estrella emergente eligió un tempo tan deliberativo: casi la totalidad de su solo de dos estribillos se toca en doble tiempo. Por muy deslumbrante que sea su ejecución, Morgan se guarda un engaño más en la manga. Tanto en la anterior grabación de Gillespie como en una fecha posterior de Art Blakey (A Night in Tunisia, Blue Note, 1960), el trompetista se asegura de que se diga su pieza en el acorde alterado A7 de la cadencia de la melodía: en esta ocasión, ¡se pasa por completo!
El lado característico de Morgan es evidente en su "Heavy Dipper", un contagioso swinger de medio tiempo. Anticipándose a los manierismos de su marca -notas cortadas, ligados ascendentes, medio valvulismo, triple lengua- su solo sigue siendo tan fluido como juguetón.
El tempo de "Just One of Those Things" rompe la barrera del sonido al mismo tiempo que expone una de las debilidades del músico que aún está madurando: si un giro de frase suena bien una vez, ciertamente tocarlo unas cuantas veces más no puede ser una mala idea. Desgraciadamente, el efecto de estos momentos de aceleración, de "cinta de correr", puede acercarse incómodamente al territorio del espectáculo del "Carnaval de Venecia". La toma alternativa de la melodía resulta más sustanciosa desde el punto de vista musical, aunque el número de la balada -el requisito del bebopper "Lover Man"- hace poco por la causa del recién llegado.
Pepper Adams es una fuerza implacable en la cita, empujando al líder a estar a la altura de cada desafío. Bobby Timmons, Paul Chambers y Philly Joe Jones aportan todo el calor necesario para esta sesión de cocina, y por lo demás se mantienen juiciosamente alejados del jefe de cocina, que sirve una cocina capaz de impresionar incluso al gourmet más exigente.
POR SAMUEL CHELL
29 de enero de 2007
https://www.allaboutjazz.com/the-cooker-lee-morgan-blue-note-records-review-by-samuel-chell
Saturday, May 16, 2026
Don Ellis • Essence
Review
by Scott Yanow
The rarest of all Don Ellis sessions, Essence matches the trumpeter with pianist Paul Bley, bassist Gary Peacock, and either Nick Martinis or Gene Stone on drums. Ellis, who sought during this period to transfer ideas and concepts from modern classical music into adventurous jazz, often experimented with time, tempos and the use of space while still swinging. His renditions of Billy Strayhorn's "Johnny Come Lately," "Angel Eyes" and "Lover" are quite fresh, he contributes four interesting originals and introduces Carla Bley's "Wrong Key Donkey" (here simply called "Donkey"). This is thought-provoking music that was certainly way overdue to be reissued.
https://www.allmusic.com/album/essence-mw0000644476
Biography
by Scott Yanow
A talented trumpeter with a vivid musical imagination and the willingness to try new things, Don Ellis led some of the most colorful big bands of the 1965-75 period. After graduating from Boston University, Ellis played in the big bands of Ray McKinley, Charlie Barnet, and Maynard Ferguson (he was featured with the latter on "Three More Foxes"), recorded with Charles Mingus, and played with George Russell's sextet (at the same time as Eric Dolphy). Ellis led four quartet and trio sessions during 1960-1962 for Candid, New Jazz, and Pacific Jazz, mixing together bop, free jazz, and his interest in modern classical music. However it was in 1965 when he put together his first orchestra that he really started to make an impression in jazz. Ellis's big bands were distinguished by their unusual instrumentation (which in its early days had up to three bassists and three drummers including Ellis himself), the leader's desire to investigate unusual time changes (including 7/8, 9/8, and even 15/16), its occasionally wacky humor (highlighted by an excess of false endings), and an openness towards using rock rhythms and (in later years) electronics. Ellis invented the four-valve trumpet and utilized a ring modulator and all types of wild electronic devices by the late '60s. By 1971, his band consisted of an eight-piece brass section (including French horn and tuba), a four-piece woodwind section, a string quartet, and a two-drum rhythm section. A later unrecorded edition even added a vocal quartet.
Among Don Ellis's sidemen were Glenn Ferris, Tom Scott, John Klemmer, Sam Falzone, Frank Strozier, Dave MacKay, and the brilliant pianist (straight from Bulgaria) Milcho Leviev. The orchestra's most memorable recordings were Autumn, Live at the Fillmore, and Tears of Joy (all for Columbia). After suffering a mid-'70s heart attack, Ellis returned to live performing, playing the "superbone" and a later edition of his big band featured Art Pepper. Ellis's last recording was at the 1977 Montreux Jazz Festival, a year before his heart finally gave out.
https://www.allmusic.com/artist/don-ellis-mn0000180060/biography
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Revisión
por Scott Yanow
La más rara de todas las sesiones de Don Ellis, Essence, reúne al trompetista con el pianista Paul Bley, el bajista Gary Peacock y Nick Martinis o Gene Stone en la batería. Ellis, que durante este periodo trató de transferir ideas y conceptos de la música clásica moderna al jazz de aventura, experimentó a menudo con el tiempo, los tempos y el uso del espacio sin dejar de hacer swing. Sus interpretaciones de "Johnny Come Lately", "Angel Eyes" y "Lover" de Billy Strayhorn son bastante frescas, contribuye con cuatro interesantes originales e introduce "Wrong Key Donkey" de Carla Bley (aquí llamada simplemente "Donkey"). Se trata de una música que invita a la reflexión y que, sin duda, debería haber sido reeditada.
https://www.allmusic.com/album/essence-mw0000644476
Biografía
por Scott Yanow
Trompetista de talento con una vívida imaginación musical y la voluntad de probar cosas nuevas, Don Ellis dirigió algunas de las grandes bandas más coloridas del período 1965-75. Tras graduarse en la Universidad de Boston, Ellis tocó en las big bands de Ray McKinley, Charlie Barnet y Maynard Ferguson (con este último participó en "Three More Foxes"), grabó con Charles Mingus y tocó con el sexteto de George Russell (al mismo tiempo que Eric Dolphy). Ellis dirigió cuatro sesiones de cuarteto y trío durante 1960-1962 para Candid, New Jazz y Pacific Jazz, mezclando el bop, el free jazz y su interés por la música clásica moderna. Sin embargo, fue en 1965, cuando formó su primera orquesta, cuando realmente empezó a dejar huella en el jazz. Las big bands de Ellis se distinguían por su inusual instrumentación (que en sus primeros días contaba con hasta tres bajistas y tres baterías, incluido el propio Ellis), el deseo del líder de investigar cambios de tiempo inusuales (incluyendo 7/8, 9/8 e incluso 15/16), su humor ocasionalmente descabellado (destacado por un exceso de falsos finales) y una apertura hacia el uso de ritmos de rock y (en años posteriores) de la electrónica. Ellis inventó la trompeta de cuatro válvulas y utilizó un modulador en anillo y todo tipo de dispositivos electrónicos salvajes a finales de los 60. En 1971, su banda estaba formada por una sección de metales de ocho piezas (incluyendo trompa y tuba), una sección de viento-madera de cuatro piezas, un cuarteto de cuerda y una sección rítmica de dos tambores. En una edición posterior no grabada se añadió incluso un cuarteto vocal.
Entre los acompañantes de Don Ellis se encontraban Glenn Ferris, Tom Scott, John Klemmer, Sam Falzone, Frank Strozier, Dave MacKay y el brillante pianista (directamente de Bulgaria) Milcho Leviev. Las grabaciones más memorables de la orquesta fueron Autumn, Live at the Fillmore y Tears of Joy (todas para Columbia). Después de sufrir un ataque al corazón a mediados de los 70, Ellis volvió a actuar en directo, tocando el "superbone" y una edición posterior de su big band con Art Pepper. La última grabación de Ellis fue en el Festival de Jazz de Montreux de 1977, un año antes de que su corazón se rindiera definitivamente.
https://www.allmusic.com/artist/don-ellis-mn0000180060/biography
Friday, May 15, 2026
Ralph Marterie & His Marlboro Men • Marvelous Marterie
Monday, May 11, 2026
Wilbur Harden & John Coltrane • The Complete Savoy Sessions
Review by Ken Dryden
Wilbur
Harden has been somewhat of a jazz mystery, appearing on a handful of
dates and then suddenly disappearing for good after falling ill not long
after the 1958 sessions featured on this reissue. After these
recordings of Harden's works were issued in various forms on LP,
including on some occasions with John Coltrane receiving top or sole
billing, all of the music recorded by this overlooked trumpeter and
flügelhornist with the legendary tenor saxophonist has finally become
available in one complete two-CD set. The always dependable Tommy
Flanagan is the pianist on two of the three sessions. Although Harden is
a competent player, his compositions aren't particularly memorable,
although they are enjoyable; the primary reason people have sought this
music is to plug a gap in their John Coltrane collections. Highlights
include the loping "Wells Fargo," the exotic "E.F.F.P.H.," and the
strutting "Anedac," which substitutes Howard Williams for Flanagan and
adds trombonist Curtis Fuller to the mix. The consistently strong
playing of John Coltrane is what makes this set worth acquiring.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-savoy-sessions-mw0000247652#review
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Reseña de Ken Dryden
Wilbur
Harden ha sido un misterio del jazz, apareciendo en un puñado de fechas
y luego desapareciendo repentinamente para siempre después de
enfermarse poco después de las sesiones de 1958 presentadas en esta
reedición. Después de que estas grabaciones de las obras de Harden se
publicaran en varias formas en LP, incluso en algunas ocasiones con John
Coltrane recibiendo facturación superior o exclusiva, toda la música
grabada por este trompetista y flügelhornista pasado por alto con el
legendario saxofonista tenor finalmente está disponible en un conjunto
completo de dos CD. El siempre confiable Tommy Flanagan es el pianista
en dos de las tres sesiones. Aunque Harden es un intérprete competente,
sus composiciones no son particularmente memorables, aunque son
agradables; la razón principal por la que la gente ha buscado esta
música es para llenar un vacío en sus colecciones de John Coltrane. Los
aspectos más destacados incluyen el zumbido "Wells Fargo", el exótico
"E. F. F. P. H." y el pavoneo "Anedac", que sustituye a Howard Williams
por Flanagan y agrega al trombonista Curtis Fuller a la mezcla. El juego
consistentemente fuerte de John Coltrane es lo que hace que valga la
pena adquirir este conjunto.
https://www.allmusic.com/album/the-complete-savoy-sessions-mw0000247652#review
Friday, May 8, 2026
Don Cherry • Complete Communion
Review
by Steve Huey
Not
counting a couple of sessions he co-led with John Coltrane and Albert
Ayler, Complete Communion was the first album Don Cherry recorded as a
leader following his departure from the Ornette Coleman Quartet. It was
also one of the earliest showcases for the Argentinian tenor saxophonist
Gato Barbieri, who Cherry discovered during a stay in Rome. While the
music on Complete Communion was still indebted to Coleman's concepts,
Cherry injected enough of his own personality to begin differentiating
himself as a leader. He arranged the original LP as two continuous
side-long suites, each of which incorporated four different compositions
and was recorded in a single take. In practice, this meant that several
melodic themes popped up over the course of each side; all the
musicians free-associated off of each theme, engaging in intense,
abstract dialogues before moving on to the next. As the album's title
suggests, every member of the group not only solos, but shares the total
space selflessly. Bassist Henry Grimes and drummer Ed Blackwell both
play extremely active roles, especially Grimes, who solos powerfully and
sometimes carries the main riffs. Often the music sounds more like a
conversation, as opposed to a solo with support, because the musicians
make such intelligent use of space and dynamics, and wind up with a
great deal of crackling, volatile interplay as a result. The leader
remains recognizably himself, and his burnished tone is a nice contrast
with Barbieri's fiery approach; for his part, Barbieri's playing has a
lot of speechlike inflections, and he spends a lot of time in the upper
register of his horn, which makes him sound quite similar to Ornette at
times. As a whole, the project comes off remarkably well, establishing
Cherry as an avant-garde force to be reckoned with in his own right.
https://www.allmusic.com/album/complete-communion-mw0000051472
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Reseña
por Steve Huey
Sin
contar un par de sesiones que codirigió con John Coltrane y Albert
Ayler, Complete Communion fue el primer álbum que Don Cherry grabó como
líder tras su salida del Ornette Coleman Quartet. También fue uno de los
primeros escaparates para el saxofonista tenor argentino Gato Barbieri,
a quien Cherry descubrió durante una estancia en Roma. Aunque la música
de Complete Communion seguía siendo deudora de los conceptos de
Coleman, Cherry inyectó lo suficiente de su propia personalidad para
empezar a diferenciarse como líder. Organizó el LP original como dos
suites laterales continuas, cada una de las cuales incorporaba cuatro
composiciones diferentes y se grababa en una sola toma. En la práctica,
esto significaba que aparecían varios temas melódicos a lo largo de cada
cara; todos los músicos se asociaban libremente a partir de cada tema,
entablando diálogos intensos y abstractos antes de pasar al siguiente.
Como sugiere el título del álbum, cada miembro del grupo no sólo hace
solos, sino que comparte el espacio total desinteresadamente. El bajista
Henry Grimes y el batería Ed Blackwell desempeñan papeles
extremadamente activos, especialmente Grimes, que hace solos potentes y a
veces lleva los riffs principales. A menudo, la música suena más como
una conversación que como un solo con apoyo, porque los músicos hacen un
uso muy inteligente del espacio y la dinámica y, como resultado, acaban
con una gran cantidad de crepitantes y volátiles interacciones. El
líder sigue siendo reconocible, y su tono bruñido contrasta con la
fogosidad de Barbieri; por su parte, la interpretación de Barbieri tiene
muchas inflexiones discursivas, y pasa mucho tiempo en el registro
superior de su trompa, lo que le hace sonar bastante parecido a Ornette
en algunos momentos. En conjunto, el proyecto resulta notablemente bien,
estableciendo a Cherry como una fuerza vanguardista a tener en cuenta
por derecho propio.
https://www.allmusic.com/album/complete-communion-mw0000051472
Tuesday, May 5, 2026
Freddie Hubbard & Woody Shaw • The Eternal Triangle
Review by Michael G. Nastos
No
one should consider the pairing of great jazz trumpeters Freddie
Hubbard and Woody Shaw akin to oil and water. Both are on fire, defer to
each other's personalized sound, and swing hard with fervor, supported
by an equally talented band featuring the always wondrous pianist
Mulgrew Miller, bassist Ray Drummond, and drummer Carl Allen. The X
factor is alto saxophonist Kenny Garrett, fresh off a stint with Miles
Davis, who rounds out the overall sound and contributes a vital harmonic
element to the double-edged swords Hubbard and Shaw wield. The eight
tracks are balanced between originals by the co-leaders and compositions
from their revered predecessors, all molded into straight-ahead,
no-nonsense hard bop. Shaw's famous "Moontrane" and lesser-known
"Tomorrow's Destiny" are shining examples of how to modernize tried and
true bop themes, the former a memorable hard-charging number with the
brass players shadowing each other in full, rich dialog, the latter
cleanly moving from inventive spatial modal tones to calypso and bebop
with seamless acumen. Hubbard's "Down Under" challenges the soul shuffle
precept with some great harmonic content from the three horns, while
the neglected "Nostrand and Fulton" moves from beats of four, five, and
six with seeming magical cues that fool you until you listen a second or
third time. Lee Morgan's "Calling Miss Khadija" contains much spirit in
a modal 6/8 framework; Kenny Dorham's "São Paulo" uses flutter and
trilled unison lines effectively with melodic long tones and tuneful
notes within the spaces; and the straight Sonny Stitt bopper "The
Eternal Triangle" simply steams ahead with Hubbard, Shaw, and Garrett
like a passenger train. Little Benny Harris wrote the closer, "Reets and
I," for Bud Powell, and on this session the band does nothing to
diminish its impact. What Miller brings to this group cannot be
discounted, a presence in terms of support, but also one who is clearly
having a ball inventing chords and substituting his own harmonic
flourishes, clearly inspired by his cohorts. This group toured
sporadically, giving live audiences a stretched-out taste of what these
two brilliant musicians were capable of dishing out in their later --
but still formative -- years. You'd be hard-pressed to find another
pairing of great jazz trumpeters that made music as spectacular as is
heard on this essential recording, perfect or fans, students, or those
who simply love a hard-swinging, boldly played brass horn or two.
https://www.allmusic.com/album/the-eternal-triangle-mw0000202026
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Reseña de Michael G. Nastos
Nadie
debería considerar que la pareja de grandes trompetistas de jazz
Freddie Hubbard y Woody Shaw es similar al aceite y el agua. Ambos están
en llamas, ceden al sonido personalizado del otro y se balancean con
fervor, apoyados por una banda igualmente talentosa con el siempre
maravilloso pianista Mulgrew Miller, el bajista Ray Drummond y el
baterista Carl Allen. The X factor es el saxofonista alto Kenny Garrett,
recién salido de una temporada con Miles Davis, que completa el sonido
general y contribuye con un elemento armónico vital a las espadas de
doble filo que manejan Hubbard y Shaw. Las ocho pistas están
equilibradas entre originales de los colíderes y composiciones de sus
venerados predecesores, todas moldeadas en un hard bop directo y
sensato. El famoso "Moontrane" de Shaw y el menos conocido "Tomorrow's
Destiny" son ejemplos brillantes de cómo modernizar temas bop probados y
verdaderos, el primero un número memorable y difícil de cargar con los
músicos de metal que se sombrean entre sí en un diálogo completo y rico,
el segundo se mueve limpiamente de tonos modales espaciales inventivos a
calipso y bebop con una perspicacia perfecta. "Down Under" de Hubbard
desafía el precepto del soul shuffle con un gran contenido armónico de
los tres cuernos, mientras que el descuidado" Nostrand and Fulton " se
mueve a partir de ritmos de cuatro, cinco y seis con señales
aparentemente mágicas que te engañan hasta que escuchas una segunda o
tercera vez. "Calling Miss Khadija" de Lee Morgan contiene mucho
espíritu en un marco modal de 6/8; "São Paulo" de Kenny Dorham utiliza
líneas al unísono onduladas y trinadas de manera efectiva con tonos
largos melódicos y notas melodiosas dentro de los espacios; y el recto
Sonny Stitt bopper" El Triángulo Eterno " simplemente avanza con
Hubbard, Shaw y Garrett como un tren de pasajeros. El pequeño Benny
Harris escribió el cierre, "Reets and I", para Bud Powell, y en esta
sesión la banda no hace nada para disminuir su impacto. No se puede
descartar lo que Miller aporta a este grupo, una presencia en términos
de apoyo, pero también uno que claramente se está divirtiendo inventando
acordes y sustituyendo sus propias florituras armónicas, claramente
inspiradas en sus cohortes. Este grupo realizó giras esporádicas, dando
al público en vivo una muestra de lo que estos dos brillantes músicos
fueron capaces de ofrecer en sus últimos años, pero aún formativos.
Sería difícil encontrar otra pareja de grandes trompetistas de jazz que
hicieran música tan espectacular como la que se escucha en esta
grabación esencial, perfecta para fanáticos, estudiantes o aquellos que
simplemente aman una trompa de latón dura y audazmente tocada o dos.
https://www.allmusic.com/album/the-eternal-triangle-mw0000202026
Monday, May 4, 2026
Don Elliott • Double Trumpet Doings
Biography by Ron Wynn
An
extremely popular player in the '50s, Don Elliott was a fine soloist in
the swing mode. He first studied piano and accordion, then played
baritone horn and mellophone in his high school band. He switched to
trumpet while playing in local dance bands, and as a teen worked with
fellow teen Bill Evans. Elliott studied harmony at the Institute of
Musical Art in New York in the mid-'40s, then played trumpet in an army
band. Following that, he studied arranging and vibes at the University
of Miami in 1947. When he returned to New York, Elliott played with
George Shearing, Teddy Wilson, and Benny Goodman. He later performed and
recorded with Terry Gibbs and Buddy Rich before forming his own band.
Elliott took "miscellaneous instrument" honors in Down Beat five
straight years in the late '50s. During the '60s and '70s, he did
Broadway shows and composed film scores and songs for radio and
television commercials. He returned to jazz in 1975, serving as a guest
soloist with the New York Jazz Repertory Company at Carnegie Hall.
https://www.allmusic.com/artist/don-elliott-mn0000150073/biography
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Biografía de Ron Wynn
Un
jugador muy popular en los años 50, Don Elliott era un buen solista en
el modo de swing. Primero estudió piano y acordeón, luego tocó el cuerno
barítono y el melófono en la banda de su instituto. Se pasó a la
trompeta mientras tocaba en bandas de baile locales, y de adolescente
trabajó con su compañero Bill Evans. Elliott estudió armonía en el
Instituto de Arte Musical de Nueva York a mediados de los 40, y luego
tocó la trompeta en una banda del ejército. Después de eso, estudió
arreglos y vibraciones en la Universidad de Miami en 1947. Cuando
regresó a Nueva York, Elliott tocó con George Shearing, Teddy Wilson y
Benny Goodman. Más tarde tocó y grabó con Terry Gibbs y Buddy Rich antes
de formar su propia banda. Elliott recibió honores de "instrumentos
varios" en el Down Beat cinco años seguidos a finales de los 50. Durante
los años 60 y 70, hizo espectáculos en Broadway y compuso partituras de
películas y canciones para anuncios de radio y televisión. Volvió al
jazz en 1975, sirviendo como solista invitado con la New York Jazz
Repertory Company en el Carnegie Hall.
https://www.allmusic.com/artist/don-elliott-mn0000150073/biography
Saturday, May 2, 2026
Don Cherry • Inside-Outside
Biography by Chris Kelsey
Imagination
and a passion for exploration made Don Cherry one of the most
influential jazz musicians of the late 20th century. A founding member
of Ornette Coleman's groundbreaking quartet of the late '50s, Cherry
continued to expand his musical vocabulary until his death in 1995. In
addition to performing and recording with his own bands, Cherry worked
with such top-ranked jazz musicians as Steve Lacy, Sonny Rollins, Archie
Shepp, Albert Ayler, John Coltrane, and Gato Barbieri. Cherry's most
prolific period came in the late '70s and early '80s when he joined Nana
Vasconcelos and Collin Walcott in the worldbeat group Codona, and with
former bandmates Charlie Haden and Ed Blackwell, and saxophonist Dewey
Redman in the Coleman-inspired group Old and New Dreams. Cherry later
worked with Vasconcelos and saxophonist Carlos Ward in the short-lived
group Nu.
Born in Oklahoma City in 1936, he first attained
prominence with Coleman, with whom he began playing around 1957. At that
time Cherry's instrument of choice was a pocket trumpet (or cornet) -- a
miniature version of the full-sized model. The smaller instrument -- in
Cherry's hands, at least -- got a smaller, slightly more nasal sound
than is typical of the larger horn. Though he would play a regular
cornet off and on throughout his career, Cherry remained most closely
identified with the pocket instrument. Cherry stayed with Coleman
through the early '60s, playing on the first seven (and most
influential) of the saxophonist's albums. In 1960, he recorded The
Avant-Garde with John Coltrane. After leaving Coleman's band, Cherry
played with Steve Lacy, Sonny Rollins, Archie Shepp, and Albert Ayler.
In 1963-1964, Cherry co-led the New York Contemporary Five with Shepp
and John Tchicai. With Gato Barbieri, Cherry led a band in Europe from
1964-1966, recording two of his most highly regarded albums, Complete
Communion and Symphony for Improvisers.
Cherry began the '70s by
teaching at Dartmouth College in 1970, and recorded with the Jazz
Composer's Orchestra in 1973. He lived in Sweden for four years, and
used the country as a base for his travels around Europe and the Middle
East. Cherry became increasingly interested in other, mostly non-Western
styles of music. In the late '70s and early '80s, he performed and
recorded with Codona, a cooperative group with percussionist Nana
Vasconcelos and multi-instrumentalist Collin Walcott. Codona's sound was
a pastiche of African, Asian, and other indigenous musics.
Concurrently,
Cherry joined with ex-Coleman associates Charlie Haden, Ed Blackwell,
and Dewey Redman to form Old and New Dreams, a band dedicated to playing
the compositions of their former employer. After the dissolution of
Codona, Cherry formed Nu with Vasconcelos and saxophonist Carlos Ward.
In 1988, he made Art Deco, a more traditional album of acoustic jazz,
with Haden, Billy Higgins, and saxophonist James Clay.
Until his
death in 1995, Cherry continued to combine disparate musical genres; his
interest in world music never abated. Cherry learned to play and
compose for wood flutes, tambura, gamelan, and various other non-Western
instruments. Elements of these musics inevitably found their way into
his later compositions and performances, as on 1990's Multi Kulti, a
characteristic celebration of musical diversity. As a live performer,
Cherry was notoriously uneven. It was not unheard of for him to arrive
very late for gigs, and his technique -- never great to begin with --
showed on occasion a considerable, perhaps inexcusable, decline. In his
last years, especially, Cherry seemed less self-possessed as a musician.
Yet his musical legacy is one of such influence that his personal
failings fade in relative significance.
https://www.allmusic.com/artist/don-cherry-mn0000796166/biography
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La imaginación y la pasión por la exploración hicieron de Don Cherry uno de los músicos de jazz más influyentes de finales del siglo XX. Miembro fundador del innovador cuarteto de Ornette Coleman de finales de los 50, Cherry siguió ampliando su vocabulario musical hasta su muerte en 1995. Además de actuar y grabar con sus propias bandas, Cherry trabajó con músicos de jazz de primera fila como Steve Lacy, Sonny Rollins, Archie Shepp, Albert Ayler, John Coltrane y Gato Barbieri. El periodo más prolífico de Cherry llegó a finales de los 70 y principios de los 80, cuando se unió a Nana Vasconcelos y Collin Walcott en el grupo de worldbeat Codona, y con sus antiguos compañeros de banda Charlie Haden y Ed Blackwell, y el saxofonista Dewey Redman en el grupo Old and New Dreams, inspirado en Coleman. Más tarde, Cherry trabajó con Vasconcelos y el saxofonista Carlos Ward en el efímero grupo Nu.
Nacido en la ciudad de Oklahoma en 1936, alcanzó la fama por primera vez con Coleman, con quien empezó a tocar hacia 1957. En aquella época, el instrumento elegido por Cherry era una trompeta de bolsillo (o corneta), una versión en miniatura del modelo de tamaño normal. El instrumento más pequeño -en las manos de Cherry, al menos- tenía un sonido más pequeño y ligeramente más nasal que el típico de la trompeta más grande. Aunque a lo largo de su carrera tocó de vez en cuando una corneta normal, Cherry se identificó más con el instrumento de bolsillo. Cherry permaneció con Coleman hasta principios de los años 60, tocando en los siete primeros (y más influyentes) álbumes del saxofonista. En 1960, grabó The Avant-Garde con John Coltrane. Tras dejar la banda de Coleman, Cherry tocó con Steve Lacy, Sonny Rollins, Archie Shepp y Albert Ayler. En 1963-1964, Cherry codirigió el New York Contemporary Five con Shepp y John Tchicai. Con Gato Barbieri, Cherry dirigió una banda en Europa entre 1964 y 1966, grabando dos de sus álbumes más apreciados, Complete Communion y Symphony for Improvisers.
Cherry comenzó los años 70 dando clases en el Dartmouth College en 1970, y grabó con la Jazz Composer's Orchestra en 1973. Vivió en Suecia durante cuatro años, y utilizó el país como base para sus viajes por Europa y Oriente Medio. Cherry se interesó cada vez más por otros estilos musicales, sobre todo no occidentales. A finales de los 70 y principios de los 80, actuó y grabó con Codona, un grupo cooperativo con la percusionista Nana Vasconcelos y el multiinstrumentista Collin Walcott. El sonido de Codona era un pastiche de músicas africanas, asiáticas y otras autóctonas.
Al mismo tiempo, Cherry se unió a sus ex socios de Codona Charlie Haden, Ed Blackwell y Dewey Redman para formar Old and New Dreams, una banda dedicada a tocar las composiciones de su antiguo empleador. Tras la disolución de Codona, Cherry formó Nu con Vasconcelos y el saxofonista Carlos Ward. En 1988, hizo Art Deco, un álbum más tradicional de jazz acústico, con Haden, Billy Higgins y el saxofonista James Clay.
Hasta su muerte en 1995, Cherry siguió combinando géneros musicales dispares; su interés por la música del mundo nunca disminuyó. Cherry aprendió a tocar y componer para flautas de madera, tambura, gamelán y otros instrumentos no occidentales. Elementos de estas músicas se introdujeron inevitablemente en sus composiciones y actuaciones posteriores, como en Multi Kulti, de 1990, una celebración característica de la diversidad musical. Como intérprete en directo, Cherry era notoriamente irregular. No era raro que llegara muy tarde a los conciertos, y su técnica, que nunca fue excelente, mostraba en ocasiones un declive considerable, quizá inexcusable. En sus últimos años, especialmente, Cherry parecía menos dueño de sí mismo como músico. Sin embargo, su legado musical es tan influyente que sus defectos personales pierden importancia relativa.
https://www.allmusic.com/artist/don-cherry-mn0000796166/biography
Jazz Incorporated • Live At Smalls
Jazz Incorporated is a collective ensemble co-led by Jazz drum legend Louis Hayes and trumpet player Jeremy Pelt. This contemporary hard-bop quartet plays repertoire from the legacy of their drummer as well as standards and originals. The energy during these sets was electric and the house was packed. Louis Hayes demonstrates the authoritative swing that has established his legend. He has been the driving force behind bands led by Cannonball Adderly, Horace Silver and Freddie Hubbard. Jeremy Pelt plays with an effortless majesty and true jazz conviction to each phrase. Pianist Anthony Wonsey delivers impeccable accompaniment and some sparkling solos. Dezron Douglas makes his second Smalls LIVE appearance proving why he is rapidly becoming the first call bassman for the top-shelf groups. The music is exciting, accessible and full of life.
Jazz Incorporated is a collective ensemble co-led by Jazz drum legend Louis Hayes and trumpet player Jeremy Pelt. This contemporary hard-bop quartet plays repertoire from the legacy of their drummer as well as standards and originals. The energy during these sets was electric and the house was packed. Louis Hayes demonstrates the authoritative swing that has established his legend. He has been the driving force behind bands led by Cannonball Adderly, Horace Silver and Freddie Hubbard. Jeremy Pelt plays with an effortless majesty and true jazz conviction to each phrase. Pianist Anthony Wonsey delivers impeccable accompaniment and some sparkling solos. Dezron Douglas makes his second Smalls LIVE appearance proving why he is rapidly becoming the first call bassman for the top-shelf groups. The music is exciting, accessible and full of life.
https://www.walmart.com/ip/Jazz-Incorporated-Live-at-Smalls/55881522
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Jazz Incorporated es un conjunto colectivo codirigido por la leyenda de la batería de jazz Louis Hayes y el trompetista Jeremy Pelt. Este cuarteto de hard-bop contemporáneo interpreta repertorio del legado de su batería, así como estándares y originales. La energía durante estas actuaciones fue eléctrica y la sala estaba abarrotada. Louis Hayes demuestra el swing autoritario que ha forjado su leyenda. Ha sido la fuerza motriz de bandas lideradas por Cannonball Adderly, Horace Silver y Freddie Hubbard. Jeremy Pelt toca con una majestuosidad sin esfuerzo y verdadera convicción jazzística en cada frase. El pianista Anthony Wonsey ofrece un acompañamiento impecable y algunos solos brillantes. Dezron Douglas hace su segunda aparición en Smalls LIVE demostrando por qué se está convirtiendo rápidamente en el bajista de primera llamada para los grupos de primera fila. La música es emocionante, accesible y llena de vida.
Jazz Incorporated es un conjunto colectivo codirigido por la leyenda de la batería de jazz Louis Hayes y el trompetista Jeremy Pelt. Este cuarteto de hard-bop contemporáneo interpreta repertorio del legado de su batería, así como estándares y originales. La energía durante estas actuaciones fue eléctrica y la sala estaba abarrotada. Louis Hayes demuestra el swing autoritario que ha forjado su leyenda. Ha sido la fuerza motriz de bandas lideradas por Cannonball Adderly, Horace Silver y Freddie Hubbard. Jeremy Pelt toca con una majestuosidad sin esfuerzo y verdadera convicción jazzística en cada frase. El pianista Anthony Wonsey ofrece un acompañamiento impecable y algunos solos brillantes. Dezron Douglas hace su segunda aparición en Smalls LIVE demostrando por qué se está convirtiendo rápidamente en el bajista de primera llamada para los grupos de primera fila. La música es emocionante, accesible y llena de vida.
https://www.walmart.com/ip/Jazz-Incorporated-Live-at-Smalls/55881522
Jim Rotondi Quintet • Live At Smalls
Biography by Matt Collar
Trumpeter Jim Rotondi is a solid post-bop musician with a warm tone and an improvisational approach deeply steeped in the tradition of great jazz trumpeters. While the Butte, Montana native began piano lessons with his mother at age eight, it was the trumpet that became his main instrument from age 12 on. After graduating high school in 1980, Rotondi enrolled in the highly regarded jazz studies program at North Texas State University. In 1984, he earned first place in the International Trumpet Guild's jazz trumpet competition. Post-college, Rotondi toured with various ensembles including the Lionel Hampton Orchestra and Charles Earland's quintet. Eventually settling in New York City, Rotondi established himself as a mainstay in the city's vibrant jazz club scene. In 1997, Rotondi joined forces with saxophonist Eric Alexander and drummer Joe Farnsworth to form the jazz super-group One For All with which he has recorded a large body of work. Also in 1997, he released his debut album, Introducing Jim Rotondi on the Dutch label Criss Cross. Since then he has released a steady stream of albums including Jim's Bop (1998), Excursions (2000), Destination Up (2001), New Vistas (2004), Iron Man (2006), Four of a Kind (2008), 1000 Rainbows (2010), and Hard Hittin' at the Bird's Eye (2013). In the 2000's, Rotondi began spending more time in Europe, eventually relocating to Graz, Austria where he holds a jazz professor position at the University of Music and Dramatic Arts. When not teaching, Rotondi remains an active touring a recording musician as both a solo artist and member of One For All. In 2016, he released Dark Blue on the Smoke Sessions Records.
Biography by All About Jazz
Trumpeter Jim Rotondi began his musical studies at a very early age. His mother, a piano teacher, encouraged Jim to begin playing the piano at age eight. He took up the trumpet at age twelve.
In 1980 Jim graduated from Butte High School in Butte,Montana. He then attended North Texas State University (now the University of North Texas), where he graduated with a degree in trumpet performance. While in Texas, Jim was awarded first place in the International Trumpet Guild's jazz trumpet competition for the year 1984. After college Jim began recording and touring internationally with the Ray Charles Orchestra . Immediately following this he commenced a six year tenure with the Lionel Hampton Orchestra. During this time Jim also became a member of organist Charles Earland's quintet. He currently tours with his own group, as well as with Grammy-winner Toshiko Akiyoshi and the collective known as One For All, which features a front line of Eric Alexander and Steve Davis.
Jim's extensive recording experience most recently includes the release of his second date as a leader for the Sharp Nine Label,titled "The Pleasure Dome", following a successful previous release on the same label as well as four CD's on the Criss Cross Jazz label. He can also be heard on several of Charles Earland's Highnote Records releases, alongside saxophonist Eric Alexander, with whom Jim made his recording debut on Eric's Delmark release "Straight Up." Other recordings include saxophonist George Coleman's Octet, featuring Harold Mabern, as well as drummer Ray Appleton's Sextet, which features Slide Hampton, Charles McPherson, and John Hicks. Jim is also a member of the aforementioned One For All, whose Sharp Nine Records releases "Too Soon To Tell" and "Optimism" received critical acclaim from Cadence, JazzTimes, and The Detroit Free Press.
Jim currently lives and works in the New York City area, where he maintains a vigorous performing, recording, composing and teaching schedule.He has recently given clinics at Emory University in Atlanta, the Jamey Aebersold Summer Jazz Camp and served on the faculty of the Stanford Jazz Workshop in Palo Alto, California, as well as being an affiliate faculty member at the State University of New York in Purchase.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jim-rotondi
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Biografía de Matt Collar
El trompetista Jim Rotondi es un sólido músico post-bop con un tono cálido y un enfoque de improvisación profundamente impregnado de la tradición de los grandes trompetistas de jazz. Si bien el nativo de Butte, Montana, comenzó a tomar lecciones de piano con su madre a los ocho años, fue la trompeta la que se convirtió en su instrumento principal a partir de los 12 años. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1980, Rotondi se inscribió en el prestigioso programa de estudios de jazz de la Universidad Estatal del Norte de Texas. En 1984, obtuvo el primer lugar en la competencia de trompeta de jazz del International Trumpet Guild. Después de la universidad, Rotondi realizó giras con varios conjuntos, incluida la Orquesta Lionel Hampton y el quinteto de Charles Earland. Finalmente, al establecerse en la ciudad de Nueva York, Rotondi se estableció como un pilar en la vibrante escena de clubes de jazz de la ciudad. En 1997, Rotondi unió fuerzas con el saxofonista Eric Alexander y el baterista Joe Farnsworth para formar el supergrupo de jazz One For All con el que ha grabado una gran cantidad de trabajos. También en 1997, lanzó su álbum debut, Introducing Jim Rotondi en el sello holandés Criss Cross. Desde entonces, ha lanzado un flujo constante de álbumes que incluyen Jim's Bop (1998), Excursions (2000), Destination Up (2001), New Vistas (2004), Iron Man (2006), Four of a Kind (2008), 1000 Rainbows (2010) y Hard Hittin' at the Bird's Eye (2013). En la década de 2000, Rotondi comenzó a pasar más tiempo en Europa, y finalmente se mudó a Graz, Austria, donde ocupa un puesto de profesor de jazz en la Universidad de Música y Artes Dramáticas. Cuando no está enseñando, Rotondi sigue siendo un músico de gira activo como solista y miembro de One For All. En el 2016, lanzó Dark Blue en los registros de Smoke Sessions.
Biografía por All About Jazz
El trompetista Jim Rotondi comenzó sus estudios musicales a una edad muy temprana. Su madre, profesora de piano, alentó a Jim a comenzar a tocar el piano a los ocho años. Tomó la trompeta a los doce años.
En 1980, Jim se graduó de la escuela Secundaria Butte en Butte, Montana. Luego asistió a la Universidad Estatal del Norte de Texas (ahora la Universidad del Norte de Texas), donde se graduó con un título en interpretación de trompeta. Mientras estuvo en Texas, Jim obtuvo el primer lugar en la competencia de trompeta de jazz del International Trumpet Guild para el año 1984. Después de la universidad, Jim comenzó a grabar y hacer giras internacionales con la Orquesta Ray Charles . Inmediatamente después de esto, comenzó un mandato de seis años con la Orquesta Lionel Hampton. Durante este tiempo, Jim también se convirtió en miembro del quinteto del organista Charles Earland. Actualmente realiza giras con su propio grupo, así como con el ganador del Grammy Toshiko Akiyoshi y el colectivo conocido como One For All, que cuenta con una línea de frente de Eric Alexander y Steve Davis.
La extensa experiencia discográfica de Jim incluye más recientemente el lanzamiento de su segunda fecha como líder para el sello Sharp Nine,titulada "The Pleasure Dome", luego de un exitoso lanzamiento anterior en el mismo sello, así como cuatro CD en el sello Criss Cross Jazz. También se le puede escuchar en varios de los lanzamientos de Highnote Records de Charles Earland, junto al saxofonista Eric Alexander, con quien Jim hizo su debut discográfico en el lanzamiento de Eric Delmark "Straight Up. Otras grabaciones incluyen el Octeto del saxofonista George Coleman, con Harold Mabern, así como el Sexteto del baterista Ray Appleton, que presenta a Slide Hampton, Charles McPherson y John Hicks. Jim también es miembro de One For All, cuyos afilados lanzamientos de Nueve Discos "Too Soon To Tell "y" Optimism " recibieron elogios de la crítica de Cadence, JazzTimes y Detroit Free Press.
Jim actualmente vive y trabaja en el área de la ciudad de Nueva York, donde mantiene un vigoroso horario de interpretación, grabación, composición y enseñanza.Recientemente ha impartido clínicas en la Universidad de Emory en Atlanta, el Campamento de Jazz de Verano Jamey Aebersold y ha sido miembro de la facultad del Stanford Jazz Workshop en Palo Alto, California, además de ser miembro afiliado de la facultad en la Universidad Estatal de Nueva York en Purchase.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jim-rotondi
Thursday, April 30, 2026
Kenny Dorham • Quiet Kenny
Review
by Michael G. Nastos
In the liner notes of Quiet Kenny, former Downbeat magazine publisher Jack Maher states that trumpeter Kenny Dorham's music is not necessarily the demure, balladic, rapturous jazz one might associate as romantic or tranquil. Cool and understated might be better watchwords for what the ultra-melodic Dorham achieves on this undeniably well crafted set of standards and originals that is close to containing his best work overall during a far too brief career. Surrounded by an excellent rhythm team of the equally sensitive pianist Tommy Flanagan, emerging bassist Paul Chambers, and the always-beneficial drummer Art Taylor, Dorham and his mates are not prone to missteps or overt exaggerations. One of Dorham's all-time best tunes "Lotus Blossom" kicks off the set with its bop to Latin hummable melody, fluid dynamics, and Dorham's immaculate, unpretentious tone. "Old Folks," a classic ballad, is done mid-tempo, while the true "quiet" factor comes into play on interesting version of "My Ideal" where Dorham gingerly squeezes out the slippery wet notes, and on the sad ballad "Alone Together." The rest of the material is done in easygoing, unforced fashion, especially the originals "Blue Friday" and the simple swinger "Blue Spring Shuffle" which is not really a shuffle. Never known as a boisterous or brash player, but also not a troubadour of romanticism -- until he started singing -- Dorham's music is also far from complacent, and this recording established him as a Top Five performer in jazz on his instrument. It comes recommended to all.
https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483
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Reseña
por Michael G. Nastos
En las notas de Quiet Kenny, el antiguo editor de la revista Downbeat, Jack Maher, afirma que la música del trompetista Kenny Dorham no es necesariamente el jazz recatado, baladístico y arrebatador que uno podría asociar como romántico o tranquilo. Fresco y discreto podrían ser mejores palabras para lo que el ultra-melódico Dorham logra en este conjunto de estándares y originales innegablemente bien elaborados que está cerca de contener su mejor trabajo en general durante una carrera demasiado breve. Rodeado por un excelente equipo rítmico formado por el igualmente sensible pianista Tommy Flanagan, el emergente bajista Paul Chambers y el siempre beneficioso baterista Art Taylor, Dorham y sus compañeros no son propensos a cometer errores o exageraciones manifiestas. Uno de los mejores temas de Dorham de todos los tiempos, "Lotus Blossom", da el pistoletazo de salida al conjunto con su melodía tarareable en clave latina, su dinámica fluida y el tono inmaculado y sin pretensiones de Dorham. "Old Folks", una balada clásica, se hace a medio tiempo, mientras que el verdadero factor "tranquilo" entra en juego en la interesante versión de "My Ideal", donde Dorham exprime con cautela las resbaladizas notas húmedas, y en la triste balada "Alone Together". El resto del material está hecho de forma fácil y no forzada, especialmente los originales "Blue Friday" y el sencillo swinger "Blue Spring Shuffle" que no es realmente un shuffle. Nunca se le conoció como un intérprete bullicioso o descarado, pero tampoco como un trovador del romanticismo -hasta que empezó a cantar- la música de Dorham también está lejos de ser complaciente, y esta grabación lo estableció como un intérprete del Top 5 del jazz en su instrumento. Se recomienda a todos.
https://www.allmusic.com/album/quiet-kenny-mw0000649483
Cat Anderson • Plays W.C. Handy
Review by Scott Yanow
Cat Anderson only led a scattering of sessions throughout his career, and this particular set (reissued on CD in 1997) was only his second date as a leader since 1965. For a tribute to the music of W.C. Handy, Anderson performs nine Handy classics (including "Careless Love," "Beale Street Blues," "St. Louis Blues," and "Memphis Blues"), plus three alternate takes that were released for the first time in this reissue. Anderson, arguably the greatest of all high-note trumpeters, mostly plays in the middle-register during this set, but he cuts loose in the stratosphere now and then to remind listeners who he is, most notably on the opening "Yellow Dog Blues." On a swing date that sometimes hints at Dixieland, Anderson takes solo honors while being assisted by ex-Ellingtonians altoist Norris Turney, tenor saxophonist Harold Ashby, trombonist Booty Wood, bassist Aaron Bell, and drummer Sam Woodyard. Philippe Baudoin or Andre Persiany is on piano. A near classic.
https://www.allmusic.com/album/plays-wc-handy-mw0001882005
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Reseña de Scott Yanow
Cat Anderson sólo dirigió un puñado de sesiones a lo largo de su carrera, y este conjunto en particular (reeditado en CD en 1997) fue sólo su segunda cita como líder desde 1965. En un homenaje a la música de W.C. Handy, Anderson interpreta nueve clásicos de Handy (entre ellos "Careless Love", "Beale Street Blues", "St. Louis Blues" y "Memphis Blues"), además de tres tomas alternativas que se publicaron por primera vez en esta reedición. Anderson, posiblemente el más grande de todos los trompetistas de notas altas, toca sobre todo en el registro medio durante este disco, pero se suelta en la estratosfera de vez en cuando para recordar a los oyentes quién es, sobre todo en la inicial "Yellow Dog Blues". En una cita con el swing que a veces se asoma al Dixieland, Anderson se hace con los honores de solista, asistido por el contralto Norris Turney, el saxo tenor Harold Ashby, el trombonista Booty Wood, el bajista Aaron Bell y el batería Sam Woodyard. Philippe Baudoin o Andre Persiany están al piano. Casi un clásico.
https://www.allmusic.com/album/plays-wc-handy-mw0001882005
Wednesday, April 29, 2026
Louis Prima • Plays Pretty For The People
Biography by Steve Huey
A tireless showman and an underrated musical talent, Louis Prima swung his way to icon status thanks to an irresistible, infectious sound whose appeal translated across generations. Nominally a swing artist, Prima's distinctive sound also encompassed New Orleans-style jazz, boogie-woogie, jump blues, R&B, early rock & roll, and even the occasional Italian tarantella. Regardless of what form his music took, it swung hard and fast, with a rolling, up-tempo shuffle beat that helped some of his earlier material cross over to R&B audiences (his songs were also covered by jump blues artists from time to time). His greatest period of popularity coincided with his marriage to singer Keely Smith, whose coolly sophisticated vocals and detached stage manner made a perfect counterpoint to Prima's boisterous presence: mugging, clowning, and cavorting around the stage with the boundless enthusiasm of a hyperactive boy. Prima's band during this time was anchored by tenor saxophonist Sam Butera, whose grounding in jump blues and New Orleans R&B was a perfect match. Perhaps because Prima refused to take his music too seriously, sober-minded jazz critics often dismissed him as a mere entertainer, overlooking his very real talent as a jazzman. He was a capable, gravelly-voiced singer modeled on Louis Armstrong, boasting a surprising range, and was also a fine trumpet player, again in the irrepressible mold of Armstrong; what was more, he wrote Benny Goodman's perennial swing smash "Sing, Sing, Sing." Prima's impact on popular culture was also significant; his pronounced ethnicity made it safe for other Italian-American singers to acknowledge their roots, and he was the first high-profile musical act to take up regular residence in the lounges and casinos of Las Vegas, helping to start the city's transformation into a broader-based entertainment capital. His musical legacy proved long-lasting, as covers of his classics became modern-day hits for David Lee Roth and Brian Setzer; additionally, the '90s swing revival, which sought to re-emphasize the danceability and sense of fun that had largely disappeared from jazz, brought Prima's music back into the limelight (as well as the good graces of critics).
Louis Prima was born December 7, 1910 in New Orleans, LA, to an Italian family who'd emigrated to the U.S. by way of Argentina. He took violin lessons as a youth, but switched to trumpet at age 15 when his older brother went out on tour with a band and left a spare instrument behind. By 17, Prima was playing professionally at a New Orleans theater, influenced chiefly by Louis Armstrong and King Oliver. This was a problem, since the theater was not a jazz venue, and Prima was fired. In the early '30s, he caught on with cornetist Red Nichols for a time, and moved to New York in 1934 at the urging of star bandleader Guy Lombardo, who had been impressed with Prima's trumpet playing. Initially struggling to find work, Prima formed a Dixieland-style backing group called the New Orleans Gang and landed a regular gig at a 52nd Street club known as the Famous Door. The band was a hit, adopting "Way Down Yonder in New Orleans" as their signature song, and recorded numerous sides for a succession of labels up through 1939; some of the better-known members included -- at various points -- clarinetist Pee Wee Russell, pianist Claude Thornhill, guitarist George Van Eps, reedman Eddie Miller, and trombonist George Brunies. Prima also traveled to Los Angeles periodically, and made cameo appearances in several Hollywood musicals, starting with the Bing Crosby Western Rhythm on the Range in 1936.
Meanwhile, Prima was composing original material, and in 1937 he completed a song called "Sing, Sing, Sing." Benny Goodman recorded an instrumental version and had a huge smash with it the following year, spotlighting it in his legendary Carnegie Hall appearance; to this day it remains one of the most readily identifiable melodies of the swing era. Prima broke up the New Orleans Gang in 1939 to form his own big band, which he dubbed the Gleeby Rhythm Orchestra. Following World War II, the band started to take off, landing hits with novelty numbers that often drew upon Prima's Italian background and accent. The first was 1944's "Angelina," a major success that paved the way for titles like "Felicia No Capicia," "Bacciagaloop (Makes Love on the Stoop)," "Please No Squeeza Da Banana," and "Josephina, Please No Leana on the Bell." Prima also made the Hit Parade Top Ten with songs like "Robin Hood" (1944; covered the next year by Les Brown for a bigger hit), "Bell Bottom Trousers" (sung by Lily Ann Carol in 1945), and "Civilization (Bongo, Bongo, Bongo)" (1947). He also wrote Jo Stafford's 1947 hit "A Sunday Kind of Love."
In 1948, Prima hired a new female vocalist for his band, a 16-year-old Norfolk, Virginia native named Dorothy Keely, who was renamed Keely Smith. Prima parlayed her initial shyness into a stage routine where he attempted to break down her icily reserved façade. The contrast in their styles made for immediate chemistry, and Smith's boyish haircut only added to the duo's distinctive stage presence. Prima broke up the big band in 1949, and continued to work with Smith as a more streamlined nightclub act. They scored a hit in 1950 with their co-composition "Oh Babe!" and toured the country over the next few years. In the summer of 1953, Smith became Prima's fourth wife.
By late 1954, Prima was finding bookings harder and harder to come by. He talked a friend into booking him for an extended stay at the Sahara Hotel in Las Vegas, and while passing through New Orleans, he recruited locally popular tenor saxophonist Sam Butera as a possible collaborator if things went well. They did, and Prima called Butera out to Vegas, asking him to bring a few more musicians; the new group debuted at the Sahara on the day after Christmas, and Butera dubbed them the Witnesses during Prima's first on-stage introduction. Their act quickly became a sensation around Las Vegas, and their engagement turned into a residency, billed as "The Wildest Show in Vegas," which ran up to five times a night. Prima and Smith's comic banter was riddled with sexual innuendo, and they sometimes rewrote the lyrics to popular standards in the same spirit; meanwhile, Butera's jump blues/R&B background kept the music equally lively. Even if the music was aimed at older listeners, it shared a great deal of the spirit of early rock & roll.
In 1956, Prima inked a new deal with Capitol, which marked the beginning of the most celebrated and influential period of his recording career. His first album for the label was 1956's The Wildest!, which successfully translated the high energy of his live act into a studio recording; it featured many of his best-known latter-day songs, including the "Just a Gigolo/I Ain't Got Nobody" medley, "Jump, Jive an' Wail," "Buona Sera," "Oh Marie," and the jive-talking duet "The Lip." Over the next few years, Capitol issued six more Prima albums, highlighted by 1957's The Call of the Wildest and 1958's concert set The Wildest Show in Tahoe. He appeared frequently on The Ed Sullivan Show and other variety programs, and in 1958 he and Smith won a Grammy for their hit version of "That Old Black Magic." In 1959, they appeared in the film Hey Boy! Hey Girl!, which featured their renditions of the title song, "Lazy River," and "Banana Split for My Baby," among others.
While Prima and Smith boasted terrific chemistry on stage, their infidelity-riddled marriage was floundering by the close of the '50s. In 1961, Prima switched from Capitol to Dot Records, and from the Sahara Hotel to the Desert Inn; with his popularity still running high, both deals netted huge sums of money. However, Smith divorced him later that year, scuttling the act and largely negating the deals. Prima returned to Capitol for one final album, 1962's The Wildest Comes Home, and hired a new female vocalist, Gia Maione, who became his fifth wife in 1963. Without Smith, he was never again as popular or prolific on record, but he continued to perform in Las Vegas with Butera and the Witnesses, and toured successfully as well. In 1967, Disney tapped Prima to voice the character of King Louie, ruler of the orangutans, in its animated adaptation of The Jungle Book; his featured number, the swinging "I Wanna Be Like You," ranks among the best-loved Disney songs of its era.
Prima spent much of the late '60s and early '70s playing Vegas casinos and lounges, most notably at the Sands Hotel. With more and more musical acts taking up residence in the city, Prima no longer had the drawing power of old, and in the early '70s he and Butera returned home to New Orleans, where they made a steadier living playing in the French Quarter for the tourist crowd. In late 1975, Prima underwent surgery to remove a brain tumor, and fell into a coma; although he survived for nearly three more years, he never regained consciousness, and died on August 24, 1978. Prima's music began to reappear in subsequent years; ex-Van Halen singer David Lee Roth scored the best-remembered hit of his solo career with a carbon-copy version of "Just a Gigolo/I Ain't Got Nobody" in 1985, and onetime Stray Cat Brian Setzer scored a Grammy-winning hit with his cover of "Jump, Jive an' Wail." Prima's original version was featured in a Gap commercial around the same time, and the swing-dancing fad of the time helped bring the rest of his music back into the public eye. Meanwhile, Sam Butera continued to perform Prima hits from the golden years on the casino circuits in Las Vegas and Atlantic City.
https://www.allmusic.com/artist/louis-prima-mn0000272567#biography
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Biografía de Steve Huey
Louis Prima, un showman incansable y un talento musical subestimado, se abrió camino hacia el estatus de ícono gracias a un sonido irresistible y contagioso cuyo atractivo se transmitió de generación en generación. Nominalmente un artista de swing, el sonido distintivo de Prima también abarcaba jazz al estilo de Nueva Orleans, boogie-woogie, jump blues, R & B, rock & roll temprano e incluso la ocasional tarantela italiana. Independientemente de la forma que tomara su música, giró fuerte y rápido, con un ritmo aleatorio continuo y acelerado que ayudó a que parte de su material anterior llegara al público de R&B (sus canciones también fueron versionadas por artistas de jump blues de vez en cuando). Su mayor período de popularidad coincidió con su matrimonio con la cantante Keely Smith, cuya voz fríamente sofisticada y actitud desapegada en el escenario hacían un contrapunto perfecto a la bulliciosa presencia de Prima: atracar, hacer payasadas y retozar por el escenario con el entusiasmo ilimitado de un niño hiperactivo. La banda de Prima durante este tiempo estuvo anclada por el saxofonista tenor Sam Butera, cuya base en jump blues y R & B de Nueva Orleans era una combinación perfecta. Quizás porque Prima se negó a tomarse su música demasiado en serio, los críticos de jazz de mente sobria a menudo lo descartaron como un mero artista, pasando por alto su verdadero talento como jazzista. Era un cantante capaz, de voz grave, inspirado en Louis Armstrong, con un rango sorprendente, y también era un buen trompetista, nuevamente en el molde incontenible de Armstrong.; además, escribió el perenne éxito del swing de Benny Goodman " Canta, canta, Canta."El impacto de Prima en la cultura popular también fue significativo; su pronunciada etnia hizo que fuera seguro para otros cantantes italoamericanos reconocer sus raíces, y fue el primer acto musical de alto perfil en establecerse regularmente en los salones y casinos de Las Vegas, ayudando a iniciar la transformación de la ciudad en una capital del entretenimiento de base más amplia. Su legado musical resultó duradero, ya que las versiones de sus clásicos se convirtieron en éxitos modernos para David Lee Roth y Brian Setzer; además, el renacimiento del swing de los 90, que buscaba volver a enfatizar la bailabilidad y el sentido de la diversión que habían desaparecido en gran medida del jazz, devolvió la música de Prima al centro de atención (así como las buenas gracias de los críticos).
Louis Prima nació el 7 de diciembre de 1910 en Nueva Orleans, Luisiana, en el seno de una familia italiana que había emigrado a los EE.UU. a través de Argentina. Tomó lecciones de violín cuando era joven, pero cambió a la trompeta a los 15 años cuando su hermano mayor salió de gira con una banda y dejó un instrumento de repuesto. A los 17 años, Prima tocaba profesionalmente en un teatro de Nueva Orleans, influenciada principalmente por Louis Armstrong y King Oliver. Esto fue un problema, ya que el teatro no era un lugar de jazz, y Prima fue despedida. A principios de los años 30, se enganchó con el cornetista Red Nichols por un tiempo, y se mudó a Nueva York en 1934 a instancias del líder de la banda estrella Guy Lombardo, quien había quedado impresionado con la trompeta de Prima. Inicialmente luchando por encontrar trabajo, Prima formó un grupo de apoyo al estilo Dixieland llamado New Orleans Gang y consiguió un concierto regular en un club de la calle 52 conocido como Famous Door. La banda fue un éxito, adoptando "Way Down Yonder in New Orleans" como su canción insignia, y grabó numerosos lados para una sucesión de sellos hasta 1939.; algunos de los miembros más conocidos incluyeron, en varios momentos, al clarinetista Pee Wee Russell, el pianista Claude Thornhill, el guitarrista George Van Eps, el reedman Eddie Miller y el trombonista George Brunies. Prima también viajó a Los Ángeles periódicamente e hizo cameos en varios musicales de Hollywood, comenzando con Bing Crosby Western Rhythm on the Range en 1936.
Mientras tanto, Prima estaba componiendo material original, y en 1937 completó una canción llamada " Canta, Canta, Canta."Benny Goodman grabó una versión instrumental y tuvo un gran éxito con ella al año siguiente, destacándola en su legendaria aparición en el Carnegie Hall; hasta el día de hoy sigue siendo una de las melodías más fácilmente identificables de la era del swing. Prima disolvió la pandilla de Nueva Orleans en 1939 para formar su propia big band, a la que llamó Gleeby Rhythm Orchestra. Después de la Segunda Guerra Mundial, la banda comenzó a despegar, obteniendo éxitos con números novedosos que a menudo se basaban en el origen y acento italiano de Prima. La primera fue "Angelina" de 1944, un gran éxito que allanó el camino para títulos como "Felicia No Capicia", " Bacciagaloop (Hace el amor en el Escalón)", "Please No Squeeza Da Banana "y"Josephina, Please No Leana on the Bell".. Prima también llegó al Top Ten del Hit Parade con canciones como" Robin Hood " (1944; cubierto al año siguiente por Les Brown para un éxito mayor), " Bell Bottom Trousers "(cantada por Lily Ann Carol en 1945) y " Civilization (Bongo, Bongo, Bongo)" (1947). También escribió el éxito de Jo Stafford de 1947 " A Sunday Kind of Love."
En 1948, Prima contrató a una nueva vocalista femenina para su banda, Dorothy Keely, nativa de Norfolk, Virginia, de 16 años, que pasó a llamarse Keely Smith. Prima aprovechó su timidez inicial en una rutina escénica en la que intentó derribar su fachada fríamente reservada. El contraste en sus estilos generó química inmediata, y el corte de pelo juvenil de Smith solo se sumó a la distintiva presencia escénica del dúo. Prima disolvió la big band en 1949 y continuó trabajando con Smith como un acto de club nocturno más ágil. Obtuvieron un éxito en 1950 con su co-composición " Oh Babe!"y recorrió el país durante los siguientes años. En el verano de 1953, Smith se convirtió en la cuarta esposa de Prima.
A fines de 1954, Prima estaba encontrando reservas cada vez más difíciles de conseguir. Convenció a un amigo para que lo reservara para una estadía prolongada en el Hotel Sahara en Las Vegas, y mientras pasaba por Nueva Orleans, reclutó al saxofonista tenor Sam Butera, popular localmente, como posible colaborador si las cosas salían bien. Lo hicieron, y Prima llamó a Butera a Las Vegas, pidiéndole que trajera algunos músicos más; el nuevo grupo debutó en el Sahara el día después de Navidad, y Butera los apodó The Witnesses durante la primera presentación de Prima en el escenario. Su acto se convirtió rápidamente en una sensación en Las Vegas, y su compromiso se convirtió en una residencia, anunciada como "El Espectáculo Más Salvaje de Las Vegas", que se presentaba hasta cinco veces por noche. Las bromas cómicas de Prima y Smith estaban plagadas de insinuaciones sexuales, y a veces reescribieron las letras según los estándares populares con el mismo espíritu; mientras tanto, los antecedentes de jump blues/R&B de Butera mantuvieron la música igualmente animada. Incluso si la música estaba dirigida a oyentes mayores, compartía gran parte del espíritu del rock & roll temprano.
En 1956, Prima firmó un nuevo contrato con Capitol, que marcó el comienzo del período más célebre e influyente de su carrera discográfica. Su primer álbum para el sello fue The Wildest!de 1956., que tradujo con éxito la alta energía de su acto en vivo en una grabación de estudio; presentó muchas de sus canciones más conocidas de los últimos días, incluido el popurrí" Just a Gigolo/I Ain't Got Nobody", "Jump, Jive an 'Wail", "Buona Sera", "Oh Marie" y el dúo de jive-talking " The Lip."Durante los siguientes años, Capitol lanzó seis álbumes Prima más, destacados por The Call of the Wildest de 1957 y concert set de 1958, El Espectáculo Más salvaje en Tahoe. Apareció con frecuencia en The Ed Sullivan Show y otros programas de variedades, y en 1958 él y Smith ganaron un Grammy por su exitosa versión de "That Old Black Magic"."En 1959, aparecieron en la película Hey Boy! ¡Hola Chica!, que incluía sus interpretaciones de la canción principal, "Lazy River" y "Banana Split for My Baby", entre otras.
Mientras Prima y Smith se jactaban de una química tremenda en el escenario, su matrimonio plagado de infidelidades se tambaleaba a fines de los años 50. En 1961, Prima cambió de Capitol a Dot Records, y de Sahara Hotel a Desert Inn; con su popularidad aún en alza, ambos acuerdos obtuvieron enormes sumas de dinero. Sin embargo, Smith se divorció de él más tarde ese año, arruinando el acto y negando en gran medida los acuerdos. Prima regresó a Capitol para un último álbum, The Wildest Comes Home de 1962, y contrató a una nueva vocalista, Gia Maione, quien se convirtió en su quinta esposa en 1963. Sin Smith, nunca volvió a ser tan popular o prolífico en el registro, pero continuó actuando en Las Vegas con Butera y The Witnesses, y también realizó giras con éxito. En 1967, Disney recurrió a Prima para dar voz al personaje del rey Louie, gobernante de los orangutanes, en su adaptación animada de El Libro de la Selva; su número destacado, el oscilante "I Wanna Be Like You", se encuentra entre las canciones Disney más queridas de su época.
Prima pasó gran parte de finales de los 60 y principios de los 70 jugando en casinos y salones de Las Vegas, sobre todo en el Sands Hotel. Con más y más actos musicales instalándose en la ciudad, Prima ya no tenía el poder de atracción de antaño, y a principios de los 70, él y Butera regresaron a casa en Nueva Orleans, donde se ganaban la vida más estable tocando en el Barrio Francés para la multitud turística. A fines de 1975, Prima se sometió a una cirugía para extirparle un tumor cerebral y cayó en coma; aunque sobrevivió casi tres años más, nunca recuperó el conocimiento y murió el 24 de agosto de 1978. La música de Prima comenzó a reaparecer en los años siguientes; el ex cantante de Van Halen, David Lee Roth, anotó el éxito más recordado de su carrera en solitario con una versión al carbón de "Just a Gigolo/ I Ain't Got Nobody"en 1985, y Brian Setzer, el gato Callejero, obtuvo un éxito ganador del Grammy con su versión de" Jump, Jive an ' Wail."La versión original de Prima apareció en un comercial de Gap casi al mismo tiempo, y la moda de bailar swing de la época ayudó a que el resto de su música volviera a estar en el ojo público. Mientras tanto, Sam Butera continuó interpretando éxitos Prima de los años dorados en los circuitos de casinos de Las Vegas y Atlantic City.
https://www.allmusic.com/artist/louis-prima-mn0000272567#biography
Saturday, April 25, 2026
Nat Adderley • Sayin' Somethin'
Review
by Scott Yanow
Cornetist Nat Adderley was at the peak of his powers in the mid-1960's. This Atlantic issue has four quintet numbers with tenor-saxophonist Joe Henderson (three also feature pianist Herbie Hancock) plus four tunes in which Nat is part of an 11-piece group. He plays quite well on such songs as "Cantaloupe Island," "Hippodelphia," "Gospellete" and even the then-current pop tune "Call Me," making this set one to search for.
https://www.allmusic.com/album/sayin-somethin-mw0000870948
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Revisión
por Scott Yanow
El cornetista Nat Adderley estaba en la cima de sus poderes a mediados de los años 60. Esta edición de Atlantic tiene cuatro números de quinteto con el tenor-saxofonista Joe Henderson (tres también cuentan con el pianista Herbie Hancock) más cuatro melodías en las que Nat es parte de un grupo de 11 piezas. Toca muy bien canciones como "Cantaloupe Island", "Hippodelphia", "Gospellete" e incluso el tema pop de entonces "Call Me", lo que hace que este conjunto sea uno de los que hay que buscar.
https://www.allmusic.com/album/sayin-somethin-mw0000870948