Vic Ash • The Vic Ash Quartet plays Hoagy [EP]

Hoagy Carmichael, a quien hace referencia el título del álbum, la reseña de la wiki nos cuenta:

Howard Hoagland Carmichael (Bloomington, Indiana, 22 de noviembre de 1899 - Palm Springs, 27 de diciembre de 1981), conocido como Hoagy Carmichael, fue un compositor, cantante y pianista estadounidense de música popular y de jazz. Está considerado como uno de los grandes compositores de la canción popular estadounidense; entre sus canciones, muchas de ellas consideradas clásicos, se encuentran títulos como «Stardust», «Georgia on My Mind», «Up the Lazy River», «Rockin' Chair», «The Nearness of You», «Heart and Soul», «In the Cool, Cool, Cool of the Evening», «Skylark» y «New Orleans»
http://en.wikipedia.org/wiki/Hoagy_Carmichael

Victor "Vic" Ash, saxofonista y clarinetista inglés, nacido el 9 de marzo de 1930, en el este de Londres.
Ash comenzó a tocar profesionalmente en 1951 junto a Tubby Hayes, se unió a la banda de Kenny Baker con el que tocó hasta 1953. Luego Ash tocar con Vic Lewis (1953-56), y posteriormente acompañó a Hoagy Carmichael y Cab Calloway en las giras inglesas de estas figuras del jazz norteamericano.

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Automatic translation:Hoagy Carmichael, who refers to the title of the album, the review of the wiki tells us:Howard Hoagland Carmichael (Bloomington, Indiana, November 22, 1899 - Palm Springs, December 27, 1981), known as Hoagy Carmichael, was an American composer, singer and pianist of popular music and jazz. He is considered one of the great composers of American popular song; Among his songs, many of them considered classic, are titles such as "Stardust", "Georgia on My Mind", "Up the Lazy River", "Rockin 'Chair", "The Nearness of You", "Heart and Soul" , "In the Cool, Cool, Cool of the Evening", "Skylark" and "New Orleans" 
http://en.wikipedia.org/wiki/Hoagy_Carmichael 

Victor "Vic" Ash, saxophonist and English clarinetist, born on March 9, 1930, in East London. 
Ash began playing professionally in 1951 alongside Tubby Hayes, joined the band of Kenny Baker with whom he played until 1953. Then Ash played with Vic Lewis (1953-56), and later accompanied Hoagy Carmichael and Cab Calloway in the English tours of these American jazz figures.

Ivo Papasov • Dance Of The Falcon

 

Gitano de los Balcanes, realmente saca sonidos increibles de su clarinete.
http://en.wikipedia.org/wiki/Ivo_Papazov

El regreso del clarinetista Ivo Papasov al escenario mundial después de una larga ausencia en 2004 le mereció merecidamente el Premio del Público en los Premios de la World Music Awards de la BBC el año siguiente.

Procedente de Kardzali en el lado búlgaro de la frontera turca, Papasov es de origen romaní (gitano) y creció bajo la ocupación soviética, durante la cual se limitó en gran parte a jugar en bodas. Pronto se ganó el merecido aplauso de muchos y la poca atención de unos pocos. En 1982 fue arrestado y condenado a un término en un campo de trabajo por defender la música no soviética, una sentencia felizmente anulada. Al final de la década, las audiencias británicas fueron introducidas a su virtuosismo de espíritu libre con un hechizo de dos álbumes en Hannibal Records.

Hoy, Papasov tiene un perfil internacional, su técnica deslumbrante es el punto más alto de los festivales de todo el mundo, después de haber sido el escenario principal en WOMAD en Inglaterra en 2006.

Dance of the Falcon es un proyecto atesorado por mucho tiempo para Papasov, una colección de piezas con un recuerdo particular adjunto. Esos recuerdos van desde el himnario nostálgico de Hubava si moya Goro (el hermoso bosque) hasta el inolvidable romance de Sunrise, e incluso la deliciosamente extravagante cortesía de una versión del tema The Pink Panther, empalmada con ritmos orientales.

Papasov es un torbellino de músicos, un virtuoso técnico del cual se derrama un acercamiento fenomenal al clarinete, uno que burbujea y se evapora con energía y calor de tipo volcánico. Es posible que tenga que decir que aquí encontrará referencias a la mayoría de las tradiciones musicales de Europa central y oriental, pero no mucho.

No tiene que estar a punto de casarse para escuchar la embriagadora colección de canciones de boda de Papasov, pero haga un hueco en el piso más cercano disponible y prepárese para levantarse y bailar. Este es uno de los sonidos esenciales del verano del año.
https://www.bbc.co.uk/music/reviews/2whj/

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Clarinettist Ivo Papasov's return to the world stage after a lengthy absence in 2004 deservedly won him the Audience Award at the BBC World Music Awards the following year.

Hailing from Kardzali on the Bulgarian side of the Turkish border, Papasov is of Roma (gypsy) origin and grew up under Soviet occupation during which he was largely confined to playing at weddings. He was soon earning the deserved applause of many and the underserved attention of a few. In 1982 he was arrested and sentenced to a term in a labour camp for championing un-Soviet music, a sentence happily overturned. By the decade's end British audiences were being introduced to his free-spirited virtuosity with a two-album spell on Hannibal Records.

Today, Papasov has an international profile, his dazzling technique the high point of festivals around the globe, having claimed the main stage at WOMAD in England in 2006.

Dance of the Falcon is a long-treasured project for Papasov, a collection of pieces each with a particular memory attached to it. Those memories range from the nostalgic hymnal of Hubava si moya Goro (Beautiful Forest) to the haunting, jazz-tinged romance of Sunrise, and even the delightfully bizarre, courtesy of a cover of The Pink Panther theme spliced through with oriental rhythms.

Papasov is a whirlwind of a musician, a technical virtuoso out of whom spills a phenomenal approach to the clarinet, one that bubbles and boils away with volcano-like energy and heat. It might be stretching things to say you'll find references here to most middle- and eastern European music traditions, but not by very much.

You don't have to be about to get married to listen to Papasov's intoxicating collection of wedding songs, but do clear a space on the nearest available floor and be prepared to get up and dance. This is one of the essential summer sounds of the year.
https://www.bbc.co.uk/music/reviews/2whj/

Full Bio ...

 

ivo-papasov.com ...

Ken Peplowski • Live At Maybeck with Howard Alden

Review by Ken Dryden

Clarinetist Ken Peplowski and guitarist Howard Alden have a rare musical E.S.P. that enables them to weave intricate lines around each other as they soar through a great mix of overlooked standards and older jazz works on this live date. Peplowski's lyricism is stimulated by Alden's seemingly endless variations on "Blue Room," and the duo transforms "In the Dark" from a piano solo into an impressionist suite for their two instruments. But it is the spirited version of "Chasin' the Bird," complete with Peplowski's whimsical pun-filled introduction, that displays the depth of their playing. There is no loss of momentum when Peplowski switches to tenor sax. His vibrato-filled approach to "Changes" is reminiscent of Coleman Hawkins, while "S'posin'" highlights Alden's imaginative lines. The guitarist winds up the concert with stride-like guitar on "Just One of Those Things," which drives his partner's clarinet to a sizzling climax.

https://www.allmusic.com/album/concord-duo-series-vol-3-mw0000102874

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Revisión por Ken Dryden

El clarinetista Ken Peplowski y el guitarrista Howard Alden tienen un raro musical E.S.P. eso les permite tejer líneas intrincadas entre sí mientras se elevan a través de una gran mezcla de estándares pasados ​​por alto y obras de jazz más antiguas en esta fecha en vivo. El lirismo de Peplowski se ve estimulado por las aparentemente infinitas variaciones de Alden en "Blue Room" y el dúo transforma "In the Dark" de un solo de piano a una suite impresionista para sus dos instrumentos. Pero es la versión enérgica de "Chasin 'the Bird", que se completa con la caprichosa introducción del juego de palabras de Peplowski, que muestra la profundidad de su interpretación. No hay pérdida de impulso cuando Peplowski cambia a saxo tenor. Su enfoque lleno de vibrato de "Changes" recuerda a Coleman Hawkins, mientras que "S'posin '" destaca las líneas imaginativas de Alden. El guitarrista concluye el concierto con una guitarra de estilo zancudo en "Just One of Those Things", que lleva el clarinete de su compañero a un clímax candente.

https://www.allmusic.com/album/concord-duo-series-vol-3-mw0000102874

Peter & Will Anderson • Clarinet Summit

Young Anderson Brothers (Peter and Will are identical twins) both on clarinet here band together with two veteran clarinetists Ken Peplowski with rich background in big band jazz and multiple Grammy Award winner Paquito D’Rivera to perform live to a jubilant audience.

“They are sparkling virtuosos and their clever, tidy arrangements for various combinations of clarinet, alto and tenor saxophone are smart and refreshing…. everything they play sounds fresh, creative and in the moment.” (Paul de Barros – Soundposts)

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Los Young Anderson Brothers (Peter y Will son gemelos idénticos) ambos en la banda de clarinete aquí junto con dos veteranos clarinetistas Ken Peplowski con ricos antecedentes en el jazz de big band y el múltiple ganador de un premio Grammy Paquito D'Rivera para actuar en vivo ante un público jubiloso.

"Son virtuosos brillantes y sus arreglos ingeniosos y ordenados para varias combinaciones de clarinete, saxo alto y tenor son inteligentes y refrescantes... todo lo que tocan suena fresco, creativo y en el momento." (Pablo de Barros - Soundposts)

 

 

peterandwillanderson.com ...

 

 

Jimmy Giuffre • Free Fall

 

Review by Thom Jurek
Jimmy Giuffre's 1962 recording for Columbia with his trio is one of the most revolutionary recordings to come out of the 1960s. While Coltrane and Coleman and Taylor were trying to tear music down from the inside out to discover what it really counted for, Giuffre was quietly creating his own microtonal revolution that was being overlooked by other avant-gardists in jazz. On Free Fall, Giuffre, pianist Paul Bley, and bassist Steve Swallow embarked on a voyage even farther-reaching than their previous two Verve albums, Fusion and Thesis (both recorded in 1961), in their search of pointillistic harmony, open-toned playing, and the power of the nuanced phrase to open new vistas for solo or group improvisation. The original album is comprised of five clarinet solos, two duets for clarinet and bass, and three trio pieces. The CD reissue adds five more clarinet solos to the bank and makes it a stunning view of Giuffre as a master of the idiom of not only jazz free improvisation but also a fine interpreter of the musical languages being discussed by classical composers Darius Milhaud, Stravinsky, Messiaen, and even Morton Feldman and Earle Brown. All of Giuffre's clarinet studies -- particularly "Man Alone," "Yggdrasill," and "Present Motion" -- are studies in tonal coloration, where phraseology opens onto second and third tonal ideas being layered atop one another to de-emphasize one or the other. Of the group interactions, "Threewe" and "Spasmodic" offer the view of intertwining chromatic pointillism as it shapes itself linguistically between one instrument and the next without concern for a dominant harmony, rhythm, or melody. Indeed, Free Fall was such radical music, no one, literally no one, was ready for it and the group disbanded shortly thereafter on a night when they made only 35 cents apiece for a set. Reissued in 1999, Free Fall predates all of the European microtonal studies and is indeed an inspiration to all who have embraced it.
https://www.allmusic.com/album/free-fall-mw0000042360

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Reseña de Thom Jurek
La grabación de Jimmy Giuffre en 1962 para Columbia con su trío es una de las grabaciones más revolucionarias de la década de 1960. Mientras Coltrane, Coleman y Taylor intentaban derribar la música de adentro hacia afuera para descubrir para qué valía realmente, Giuffre estaba creando silenciosamente su propia revolución microtonal que estaba siendo ignorada por otros vanguardistas del jazz. En Free Fall, Giuffre, el pianista Paul Bley y el bajista Steve Swallow se embarcaron en un viaje aún más lejano que sus dos álbumes anteriores de Verve, Fusion y Thesis (ambos grabados en 1961), en su búsqueda de armonía puntillista, interpretación de tonos abiertos y el poder de la frase matizada para abrir nuevas perspectivas para la improvisación en solitario o grupal. El álbum original está compuesto por cinco solos de clarinete, dos dúos para clarinete y bajo y tres piezas de trío. La reedición en CD agrega cinco solos de clarinete más al banco y ofrece una visión impresionante de Giuffre como un maestro del idioma no solo de la improvisación libre del jazz, sino también un excelente intérprete de los lenguajes musicales que discuten los compositores clásicos Darius Milhaud, Stravinsky, Messiaen, e incluso Morton Feldman y Earle Brown. Todos los estudios de clarinete de Giuffre, particularmente "Man Alone"," Yggdrasill " y "Present Motion", son estudios sobre coloración tonal, donde la fraseología se abre a ideas de segundo y tercer tono superpuestas entre sí para restar énfasis a una u otra. De las interacciones grupales, "Threewe" y "Spasmodic" ofrecen la visión de entrelazar el puntillismo cromático a medida que se forma lingüísticamente entre un instrumento y el siguiente sin preocuparse por una armonía, ritmo o melodía dominantes. De hecho, Free Fall era una música tan radical que nadie, literalmente nadie, estaba listo para ella y el grupo se disolvió poco después en una noche en la que ganaban solo 35 centavos por set. Reeditado en 1999, Free Fall es anterior a todos los estudios microtonales europeos y, de hecho, es una inspiración para todos los que lo han abrazado.
https://www.allmusic.com/album/free-fall-mw0000042360

Tony Scott • I'll Remember

Tony Scott, a distinguished jazz clarinetist who in the 1950s helped steer his instrument out of the swing era and into the sax-infested waters of bebop. With Buddy DeFranco, Mr. Scott was considered one of the leading bebop clarinetists. (The two men were often described as the only major clarinetists to take on bebop, a style thought to be incompatible with the instrument’s soft, sweet sound.) Mr. Scott, who also played the saxophone, performed and recorded with some of the titans of mid-20th- century jazz, among them Duke Ellington, Ben Webster, Sarah Vaughan and Billie Holiday.

If Mr. Scott was not widely known to the American public, it was partly because his eclectic style made him unclassifiable: over the years, he ranged through bebop and what today would be called New Age and world music. It was also because he was peripatetic: for decades he roamed the globe, clarinet in hand. He had lived mostly abroad since the late ’50s.

Mr. Scott was also well regarded as a composer and arranger. His composition “Blues for Charlie Parker,” which he created extemporaneously at a concert in Yugoslavia in 1957, became his most- requested number. He also arranged hits like “The Banana Boat Song (Day-O)” for Harry Belafonte.

In a profile of Mr. Scott in The New York Times in 1967, John S. Wilson described him “playing his clarinet in his own uncompromisingly distinctive manner, a manner which encompasses both a feathery, light-as-air impressionism and an intense, emotional ferocity that makes the old-time ‘hot’ men sound as though they were blowing icicles.”

By the end of the 1940s, the swing style popularized by Benny Goodman was on the wane, and the clarinet was falling out of favor as a jazz instrument. Mr. Scott persevered, touring Sweden, South Africa, Senegal, the Philippines, Malaysia, Indonesia, Japan and elsewhere. His 1964 album “Music for Zen Meditation” (Verve), a collaboration with traditional Japanese musicians, is considered an early example of New Age music.

Among his other albums are “The Touch of Tony Scott” (RCA Victor, 1956); “The Modern Art of Jazz” (Seeco, 1957); “Tony Scott in Afrika” (A World of Music, 1997); and “A Jazz Life” (Kind of Blue), scheduled for release next month.

Anthony Joseph Sciacca “ his family name is pronounced “Shaka” “ was born on June 17, 1921, in Morristown, N.J., to parents who had come from Sicily. His father was a barber and amateur guitarist; his mother played the violin. He began playing the clarinet at 12 and in 1942 earned a diploma from the Juilliard School.

During World War II, Mr. Scott was stationed with the Army on Governor’s Island in New York. This meant he could spend many happy nights in Manhattan, playing the jazz clubs that lined West 52nd Street. He was such a ubiquitous presence there, Mr. Wilson wrote in The Times, that “one night an out-of-town visitor, making his way down the street, began to worry about what the booze was doing to him because he noticed that, in club after club, the clarinetist always seemed to look the same.”

Sciacca, was a late comer to the scene of bebop and cool jazz, playing on Sarah Vaughan in Hi-Fi (may 1950) with the gotha of bebop (trumpeter Miles Davis, trombonist Benny Green, guitarist Freddie Green), and forming a Septet that recorded Scott's Fling (january 1955) with trombonist Kai Winding and bassist Milt Hinton. He experimented with several formats that shunned the ruling styles.

An Orchestra consisting of members of Count Basie's and Duke Ellington's orchestras plus a rhythm section with pianist Bill Evans, Hinton and Green, recorded The Touch (july 1956), containing Vanilla Frosting On A Beef Pie, and The Complete (february 57), containing I'll Remember April. Three permutations of trumpeter Clark Terry, baritonist Sahib Shihab, trombonist Jimmy Knepper, pianist Bill Evans, bassist Henry Grimes, drummer Paul Motian recorded the twin albums My Kind of Jazz (november 1957), The Modern Art of Jazz (november 1957), containing Blues For 3 Horns, and Free Blown Jazz (november 1957), with Portrait Of Ravi.

Scott played clarinet, sax, piano, mandolin on Sung Heroes (october 1959), also known as Dedications, whose pieces were dedicated to dead musicians, the recording that, de facto, marked the debut of the Bill Evans Trio with Paul Motian and Scott LaFaro.

In 1960 Scott left the USA and went to explore the Far East. The result was Music For Zen Meditation (february 1964), a collaboration with koto player Shinichi Yuize and shakuhachi flute player Hozan Yamamoto (notably the trio The Murmuring Sound of the Mountain Stream, the koto-clarinet duets After the Snow, the Fragrance, Prajna-Paramita-Hridaya Sutra and Sanzen), that predated both new- age music, world-music and ambient music.

Having contributed to create the hare krishna zeitgeist of the hippy era, Scott followed that exploit with Homage to Lord Krishna (november 1967) and especially Music for Yoga Meditation and Other Joys (february 1968), a duet with sitar player Collin Walcott.

Journeys to Africa yielded the solo percussion album Music for Voodoo Meditation (1971), on which Scott played only African percussions, African Bird - Come Back Mother Africa, with the 16-minute African Bird Suite (february 1981) that married Charlie Parker and African percussion, and the triple-CD Voyage Into a Black Hole (1988) for radio waves, clarinet and synthesizer.

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Tony Scott, un distinguido clarinetista de jazz que en los años 50 ayudó a sacar a su instrumento de la era del swing y lo llevó a las aguas infestadas de saxofón del bebop. Con Buddy DeFranco, el Sr. Scott fue considerado uno de los principales clarinetistas de bebop. (Los dos hombres fueron descritos a menudo como los únicos clarinetistas importantes que tomaron el bebop, un estilo que se pensaba que era incompatible con el sonido suave y dulce del instrumento). El Sr. Scott, que también tocaba el saxofón, tocó y grabó con algunos de los titanes del jazz de mediados del siglo XX, entre ellos Duke Ellington, Ben Webster, Sarah Vaughan y Billie Holiday.

Si el Sr. Scott no era muy conocido por el público estadounidense era en parte porque su estilo ecléctico lo hacía inclasificable: a lo largo de los años, se extendió por el bebop y lo que hoy se llamaría New Age y world music. También fue porque era peripatético: durante décadas vagó por el mundo, clarinete en mano. Había vivido principalmente en el extranjero desde finales de los años 50.

El Sr. Scott también era bien considerado como compositor y arreglista. Su composición "Blues para Charlie Parker", que creó extemporáneamente en un concierto en Yugoslavia en 1957, se convirtió en su número más solicitado. También arregló éxitos como "The Banana Boat Song (Day-O)" para Harry Belafonte.

En un perfil del Sr. Scott en The New York Times en 1967, John S. Wilson lo describió "tocando su clarinete de su propia e inflexible manera distintiva, una manera que abarca tanto un impresionismo plumoso y ligero como una ferocidad intensa y emocional que hace que los hombres 'calientes' de antaño suenen como si estuvieran soplando carámbanos".

A finales de los años 40, el estilo de swing popularizado por Benny Goodman estaba en declive, y el clarinete estaba perdiendo el favor como instrumento de jazz. El Sr. Scott perseveró y realizó una gira por Suecia, Sudáfrica, Senegal, Filipinas, Malasia, Indonesia, Japón y otros lugares. Su álbum de 1964 "Music for Zen Meditation" (Verve), una colaboración con músicos tradicionales japoneses, se considera un ejemplo temprano de la música de la Nueva Era.

Entre sus otros álbumes se encuentran "The Touch of Tony Scott" (RCA Victor, 1956); "The Modern Art of Jazz" (Seeco, 1957); "Tony Scott in Afrika" (A World of Music, 1997); y "A Jazz Life" (Kind of Blue), cuyo lanzamiento está previsto para el mes próximo.

Anthony Joseph Sciacca " su apellido se pronuncia "Shaka" " nació el 17 de junio de 1921, en Morristown, N.J., de padres que habían venido de Sicilia. Su padre era barbero y guitarrista aficionado; su madre tocaba el violín. Empezó a tocar el clarinete a los 12 años y en 1942 obtuvo un diploma de la Juilliard School.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el Sr. Scott estuvo destinado con el ejército en la Isla del Gobernador en Nueva York. Esto significaba que podía pasar muchas noches felices en Manhattan, tocando en los clubes de jazz que se alineaban en la calle 52 Oeste. Era una presencia tan omnipresente allí, que el Sr. Wilson escribió en el Times, que "una noche un visitante de fuera de la ciudad, que se dirigía a la calle, empezó a preocuparse por lo que le hacía la bebida porque notó que, en un club tras otro, el clarinetista siempre parecía tener el mismo aspecto".

Sciacca, llegó tarde a la escena del bebop y el cool jazz, tocando en Sarah Vaughan en Hi-Fi (mayo de 1950) con el gotha del bebop (el trompetista Miles Davis, el trombonista Benny Green, el guitarrista Freddie Green), y formando un Septeto que grabó Scott's Fling (enero de 1955) con el trombonista Kai Winding y el bajista Milt Hinton. Experimentó con varios formatos que evitaban los estilos dominantes.

Una orquesta formada por miembros de las orquestas de Count Basie y Duke Ellington más una sección rítmica con el pianista Bill Evans, Hinton y Green, grabó The Touch (julio de 1956), que contiene Vanilla Frosting On A Beef Pie, y The Complete (febrero 57), que contiene I'll Remember April. Tres permutaciones del trompetista Clark Terry, el barítono Sahib Shihab, el trombonista Jimmy Knepper, el pianista Bill Evans, el bajista Henry Grimes, el baterista Paul Motian grabaron los álbumes gemelos My Kind of Jazz (noviembre de 1957), The Modern Art of Jazz (noviembre de 1957), que contiene Blues For 3 Horns, y Free Blown Jazz (noviembre de 1957), con Portrait Of Ravi.

Scott tocó clarinete, saxo, piano y mandolina en Sung Heroes (octubre de 1959), también conocido como Dedications, cuyas piezas fueron dedicadas a músicos muertos, la grabación que, de hecho, marcó el debut del Bill Evans Trio con Paul Motian y Scott LaFaro.

En 1960 Scott dejó los EE.UU. y se fue a explorar el Lejano Oriente. El resultado fue Music For Zen Meditation (febrero de 1964), una colaboración con el intérprete de koto Shinichi Yuize y el flautista de shakuhachi Hozan Yamamoto (en particular el trío The Murmuring Sound of the Mountain Stream, los dúos de koto-clarinete After the Snow, the Fragrance, Prajna-Paramita-Hridaya Sutra y Sanzen), que precedieron a la música new age, la world-music y la música ambiental.

Habiendo contribuido a crear el zeitgeist hare krishna de la era hippie, Scott siguió esa hazaña con Homenaje al Señor Krishna (noviembre de 1967) y especialmente Música para la Meditación del Yoga y Otras Alegrías (febrero de 1968), un dúo con el intérprete de sitar Collin Walcott.

Viajes a África dio lugar al álbum de percusión en solitario Music for Voodoo Meditation (1971), en el que Scott tocó sólo percusiones africanas, African Bird - Come Back Mother Africa, con la African Bird Suite de 16 minutos (febrero de 1981) que casó a Charlie Parker con la percusión africana, y el triple CD Voyage Into a Black Hole (1988) para ondas de radio, clarinete y sintetizador.

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

Don Byron • Romance with the Unseen

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
With Romance With the Unseen, Don Byron decides to not focus on a particular musical style, as he has done for most of his albums. Instead, he chooses to craft an album of songs that live up to the record's title; these are songs that feel romantic, but aren't love songs. Like most of Byron's albums, there's an abundance of technique and emotion, yet each track feels distinctly different from the others, while managing to form a cohesive whole. The most impressive thing about Romance With the Unseen is that, while it takes chances (how could it not, with Bill Frisell, Jack deJohnette, and Drew Gress forming Byron's backing band?), it never sounds inaccessible. It's a shining example of mainstream jazz at its best -- stimulating, provocative, and entertaining, all at once.
https://www.allmusic.com/album/romance-with-the-unseen-mw0000249826



For well over a decade, Don Byron has been a singular voice in an astounding range of musical contexts, exploring widely divergent traditions while continually striving for what he calls "a sound above genre." As clarinetist, saxophonist, composer, arranger, and social critic, he redefines every genre of music he plays, be it classical, salsa, hip-hop, funk, rhythm & blues, klezmer, or any jazz style from swing and bop to cutting-edge downtown improvisation. He has been consistently voted best clarinetist by critics and readers alike in leading international music journals since being named "Jazz Artist of the Year" by Down Beat in 1992. Acclaimed as much for his restless creativity as for his unsurpassed virtuosity as a player, Byron has presented a multitude of projects at major music festivals around the world, including recent performances in Vienna, San Francisco, Hong Kong, London, Monterey, New Zealand, and on New York's Broadway.

BEGINNINGS: Born and raised in the Bronx, Byron was exposed to a wide variety of music by his father, who played bass in calypso bands, and his mother, a pianist. His taste was further refined by trips to the symphony and ballet and by many hours spent listening to Dizzy Gillespie, Miles Davis and Machito recordings. He formalized his music education by studying classical clarinet with Joe Allard while playing and arranging salsa numbers for high school bands on the side. He later studied with George Russell in the Third Stream Department of the New England Conservatory of Music and, while in Boston, also performed with Latin and jazz ensembles.

COLLABORATIONS: His artistic collaborations include performances and recordings with Mario Bauza, the Duke Ellington Orchestra, John Hicks, Tom Cora, Bill Frisell, Vernon Reid, Marc Ribot, Cassandra Wilson, Hamiet Bluiett, Anthony Braxton, Geri Allen, Hal Willner, Marilyn Crispell, Reggie Workman, Craig Harris, David Murray, Leroy Jenkins, Bobby Previte, Gerry Hemingway, DD Jackson, Douglas Ewart, Brandon Ross, Ed Neumeister, Tom Pierson, Steve Coleman, Living Colour, Ralph Peterson, Uri Caine, Mandy Patinkin, Steve Lacy, the Kansas City All-Stars, the Bang On A Can All-Stars, Medeski Martin & Wood, Angelique Kidjo, Carole King, Daniel Barenboim, Salif Keita, the Atlanta Symphony, Klangforum Wien, Joe Henry, Paul Auster, Meshell Ndegeocello, and many others.

PROJECTS: An integral member of New York's cultural community for almost two decades, Byron has taken part in an extraordinarily wide range of projects. From 1996-99, he served as Artistic Director of Jazz at the Brooklyn Academy of Music where he curated a concert series for the Next Wave Festival and premiered his children's show, Bug Music for Juniors (formerly Tunes and 'Toons). From 2000-05, he was Artist-in-Residence at New York's Symphony Space, where he established is Adventurers Orchestra through another concert series titled Contrasting Brilliance, featuring his takes on music as diverse as Henry Mancini, Sly Stone, the pioneering hip-hop label Sugar Hill Records, Igor Stravinsky, Raymond Scott, Herb Alpert and Earth, Wind and Fire.

Other projects include arrangements of Stephen Sondheim's Broadway musicals; There Goes the Neighborhood, a piece commissioned and performed by the Kronos Quartet; and original scores for the silent film Scar of Shame and a 1961 television episode by comedy pioneer Ernie Kovacs. He wrote and performed music for the dance companies of Donald Byrd, Bebe Miller, Mark Dendy, and Ellen Sinopoli, and was featured in Robert Altman's movie Kansas City and the Paul Auster film Lulu on the Bridge. He also composed and recorded the score for Joel Katz's film Strange Fruit, a documentary about the 1930s protest song made famous by Billie Holiday. Composing commissions include "Spin", a duet for violin and piano premiered at the Library of Congress; "Red", a big band suite premiered at the Monterey Jazz Festival in 2002, and a new string quartet piece for Ethel.

RECORDINGS: Don Byron has released a diverse array of recordings. Since his ground-breaking debut album, Tuskegee Experiments (Nonesuch, 1992), he has recorded prolifically: Don Byron Plays the Music of Mickey Katz (Nonesuch, 1993), a tribute to the sly and bitingly humorous works of the neglected 1950's klezmer band leader; Music for Six Musicians (Nonesuch, 1995) which explores a significant side of his musical identity, the Afro-Caribbean heritage of his family and the neighborhood where he grew up; No-Vibe Zone (Knitting Factory Works, 1996), a vibrant live recording featuring his quintet; and Bug Music (Nonesuch,1996), his spirited showcase of the nascent Swing Era music of Raymond Scott, John Kirby and the young Duke Ellington.

His 1998 Blue Note debut, Nu Blaxploitation, is a funk and hip-hop inspired and "genre-bending" musical meditation with his band Existential Dred, with poet Sadiq and rap icon Biz Markie in performances reminiscent of the spoken-word pieces of Gil Scott-Heron, Amiri Baraka and Henry Rollins; Romance With The Unseen (1999), features a quartet consisting of guitarist Bill Frisell, bassist Drew Gress and drummer Jack DeJohnette playing a wide-ranging repertory, from obscure Ellington ("A Mural from Two Perspectives") to popular Beatles ("I'll Follow the Sun") to Byron originals loaded with socio-political commentary ("Bernhard Goetz, James Ramseur and Me", a reference to the notorious 1984 New York City subway shooting).

With 2000's A Fine Line: Arias & Lieder, Byron continued to blur stylistic borders by exploring and expanding the definition of the modern art song from Robert Schumann and Giacomo Puccini to Roy Orbison and Stevie Wonder. His 2001 release, You Are #6, once again finds him in the company of his longest-standing group, Music for Six Musicians, paying tribute to the Latin and Afro-Caribbean rhythms at his musical roots. His latest Blue Note release, Ivey-Divey, inspired by Lester Young's classic trio recording with Nat King Cole and Buddy Rich, features pianist Jason Moran and Jack DeJohnette and is also his recording debut on tenor saxophone. Ivey-Divey received a Grammy nomination for best instrumental solo and was voted Album of the Year 2004 by Jazz Times Magazine.

Byron's newest CD releases are A Ballad for Many, an album of his compositions performed by the Bang On A Can All-Stars (Cantaloupe Music) and Do the Boomerang, his interpretations of the music of saxophonist, singer, and soul/R&B legend Junior Walker (Blue Note, October 2006).

Don Byron is also an experienced and gifted teacher, who has led residencies at the University of California San Diego, the University of Nevada Reno, Harvard University, the Massachusetts Institute of Technology, and Columbia University. He is currently a Visiting Associate Professor at The State University of New York (Albany) where he teaches theory, saxophone, improvisation, and composition.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/don-byron

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Con Romance With the Unseen, Don Byron decide no enfocarse en un estilo musical en particular, como lo ha hecho en la mayoría de sus álbumes. En cambio, elige crear un álbum de canciones que estén a la altura del título del disco; estas son canciones que se sienten románticas, pero no son canciones de amor. Como la mayoría de los álbumes de Byron, hay una gran cantidad de técnica y emoción, sin embargo, cada pista se siente claramente diferente de las demás, al tiempo que logra formar un todo cohesivo. Lo más impresionante de Romance With the Unseen es que, aunque toma riesgos (¿cómo no podría ser, con Bill Frisell, Jack DeJohnette y Drew Gress formando la banda de acompañamiento de Byron?), nunca suena inaccesible. Es un brillante ejemplo del jazz convencional en su máxima expresión: estimulante, provocativo y entretenido, todo a la vez.
https://www.allmusic.com/album/romance-with-the-unseen-mw0000249826



Durante más de una década, Don Byron ha sido una voz singular en una asombrosa variedad de contextos musicales, explorando tradiciones ampliamente divergentes mientras se esfuerza continuamente por lograr lo que él llama "un sonido por encima del género."Como clarinetista, saxofonista, compositor, arreglista y crítico social, redefine cada género de música que toca, ya sea clásica, salsa, hip-hop, funk, rhythm & blues, klezmer o cualquier estilo de jazz, desde swing y bop hasta improvisación vanguardista en el centro. Ha sido votado constantemente como el mejor clarinetista por críticos y lectores por igual en las principales revistas internacionales de música desde que fue nombrado "Artista de Jazz del Año" por Down Beat en 1992. Aclamado tanto por su inquieta creatividad como por su insuperable virtuosismo como intérprete, Byron ha presentado multitud de proyectos en los principales festivales de música de todo el mundo, incluidas actuaciones recientes en Viena, San Francisco, Hong Kong, Londres, Monterrey, Nueva Zelanda y Broadway de Nueva York.

COMIENZOS: Nacido y criado en el Bronx, Byron estuvo expuesto a una amplia variedad de música por parte de su padre, que tocaba el bajo en bandas de calipso, y su madre, pianista. Su gusto se refinó aún más con viajes a la sinfónica y al ballet y con muchas horas dedicadas a escuchar grabaciones de Dizzy Gillespie, Miles Davis y Machito. Formalizó su educación musical estudiando clarinete clásico con Joe Allard mientras tocaba y arreglaba números de salsa para bandas de secundaria. Más tarde estudió con George Russell en el Departamento de Third Stream del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra y, mientras estuvo en Boston, también actuó con conjuntos latinos y de jazz.

COLABORACIONES: Sus colaboraciones artísticas incluyen actuaciones y grabaciones con Mario Bauza, la Orquesta Duke Ellington, John Hicks, Tom Cora, Bill Frisell, Vernon Reid, Marc Ribot, Cassandra Wilson, Hamiet Bluiett, Anthony Braxton, Geri Allen, Hal Willner, Marilyn Crispell, Reggie Workman, Craig Harris, David Murray, Leroy Jenkins, Bobby Previte, Gerry Hemingway, DD Jackson, Douglas Ewart, Brandon Ross, Ed Neumeister, Tom Pierson, Steve Coleman, Living Colour, Ralph Peterson, Uri Caine, Mandy Patinkin, Steve Lacy, Kansas City All-Stars, the Bang On A Can All-Stars, Medeski Martin & Wood, Angelique Kidjo, Carole King, Daniel Barenboim, Salif Keita, la Sinfónica de Atlanta, Klangforum Wien, Joe Henry, Paul Auster, Meshell Ndegeocello y muchos otros.

PROYECTOS: Miembro integral de la comunidad cultural de Nueva York durante casi dos décadas, Byron ha participado en una gama extraordinariamente amplia de proyectos. De 1996 a 1999, se desempeñó como Director Artístico de Jazz en la Academia de Música de Brooklyn, donde comisarió una serie de conciertos para el Festival Next Wave y estrenó su espectáculo infantil, Bug Music for Juniors (anteriormente Tunes y 'Toons). De 2000 a 2005, fue artista residente en Symphony Space de Nueva York, donde estableció is Adventurers Orchestra a través de otra serie de conciertos titulada Contrasting Brilliance, presentando sus interpretaciones de música tan diversa como Henry Mancini, Sly Stone, el sello pionero de hip-hop Sugar Hill Records, Igor Stravinsky, Raymond Scott, Herb Alpert y Earth, Wind and Fire.

Otros proyectos incluyen arreglos de los musicales de Broadway de Stephen Sondheim; There Goes the Neighborhood, una pieza encargada e interpretada por el Kronos Quartet; y partituras originales para la película muda Scar of Shame y un episodio de televisión de 1961 del pionero de la comedia Ernie Kovacs. Escribió e interpretó música para las compañías de baile de Donald Byrd, Bebe Miller, Mark Dendy y Ellen Sinopoli, y apareció en la película Kansas City de Robert Altman y en la película Lulu on the Bridge de Paul Auster. También compuso y grabó la partitura de la película Strange Fruit de Joel Katz, un documental sobre la canción de protesta de la década de 1930 que Billie Holiday hizo famosa. Los encargos de composición incluyen "Spin", un dueto para violín y piano estrenado en la Biblioteca del Congreso; "Red", una suite de big band estrenada en el Festival de Jazz de Monterrey en 2002, y una nueva pieza de cuarteto de cuerda para Ethel.

GRABACIONES: Don Byron ha lanzado una amplia gama de grabaciones. Desde su innovador álbum debut, Tuskegee Experiments (Nonesuch, 1992), ha grabado prolíficamente: Don Byron Toca la música de Mickey Katz (Nonesuch, 1993), un tributo a las obras astutas y mordazmente humorísticas del descuidado líder de la banda klezmer de la década de 1950; Música para Seis Músicos (Nonesuch, 1995) que explora un lado significativo de su identidad musical, la herencia afrocaribeña de su familia y el vecindario donde creció; No-Vibe Zone (Knitting Factory Works, 1996), una vibrante grabación en vivo con su quinteto; y Bug Music (Nonesuch, 1996), su animada muestra de la naciente música de la Era Swing de Raymond Scott, John Kirby y el joven Duke Ellington.

Su debut en Blue Note en 1998, Nu Blaxploitation, es una meditación musical inspirada en el funk y el hip-hop y que "dobla el género" con su banda Existential Dred, con el poeta Sadiq y el ícono del rap Biz Markie en actuaciones que recuerdan las piezas habladas de Gil Scott-Heron, Amiri Baraka y Henry Rollins; Romance With The Unseen (1999), presenta un cuarteto formado por el guitarrista Bill Frisell, el bajista Drew Gress y el baterista Jack DeJohnette interpretando un repertorio amplio, desde el oscuro Ellington ("Un Mural desde dos perspectivas") hasta los populares Beatles ("Seguiré al Sol") hasta los originales de Byron cargados de comentarios sociopolíticos ("Bernhard Goetz, James Ramseur y yo", una referencia al notorio tiroteo en el metro de la ciudad de Nueva York en 1984).

Con A Fine Line: Arias & Lieder de 2000, Byron continuó desdibujando las fronteras estilísticas al explorar y expandir la definición de la canción de arte moderno desde Robert Schumann y Giacomo Puccini hasta Roy Orbison y Stevie Wonder. Su lanzamiento de 2001, You Are #6, lo encuentra una vez más en compañía de su grupo más antiguo, Music for Six Musicians, rindiendo homenaje a los ritmos latinos y afrocaribeños en sus raíces musicales. Su último lanzamiento de Blue Note, Ivey-Divey, inspirado en la grabación clásica del trío de Lester Young con Nat King Cole y Buddy Rich, presenta al pianista Jason Moran y Jack DeJohnette y también es su debut discográfico con el saxofón tenor. Ivey-Divey recibió una nominación al Grammy al mejor solista instrumental y fue elegido Álbum del Año 2004 por la revista Jazz Times.

Los lanzamientos de CD más recientes de Byron son A Ballad for Many, un álbum de sus composiciones interpretadas por The Bang On A Can All-Stars (Cantaloupe Music) y Do the Boomerang, sus interpretaciones de la música del saxofonista, cantante y leyenda del soul/R&B Junior Walker (Blue Note, octubre de 2006).

Don Byron también es un maestro experimentado y talentoso, que ha dirigido residencias en la Universidad de California en San Diego, la Universidad de Nevada en Reno, la Universidad de Harvard, el Instituto de Tecnología de Massachusetts y la Universidad de Columbia. Actualmente es Profesor Asociado Visitante en la Universidad Estatal de Nueva York (Albany), donde imparte clases de teoría, saxofón, improvisación y composición.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/don-byron

Woody Herman • Woody's Winners

  

Eiji Kitamura • After You've Gone

 

About Eiji Kitamura (from Wikipedia / Encyclopedia.com / AllMusic):
Eiji Kitamura (北村英治, born April 8, 1929, Tokyo, Japan) is a Japanese jazz clarinetist and tenor saxophonist who made his professional debut at the age of 22. A self-taught musician, Kitamura devoted himself to clarinet playing while still an undergraduate at Keio University in Tokyo. He began working professionally in 1950 with Tetsuro Takahama's Esquire Cats, then worked for three years with Saburo Nambu (1951-53), before forming his first group, Cats Herd (1954-57). He then worked with Mitsuru Ono & His 6 Brothers Band (1957-60), before striking out on his own for good, leading a swing-styled sextet. He first came to prominence in the United States at the 20th Anniversary Jam Session of the Monterey Jazz Festival in 1977. His following in Japan had been built prior to this on his regular television program. He prefers to interpret traditional swing jazz rather than modern jazz, and according to AllMusic is most strongly influenced by Benny Goodman and Woody Herman. He often played alongside visiting American jazzmen throughout his career, recording with Teddy Wilson, Ben Webster and others. In 2007 he received the Order of the Rising Sun, Gold Rays with Rosette. Still active at 96 years of age.
https://en.wikipedia.org/wiki/Eiji_Kitamura
https://www.encyclopedia.com/arts/dictionaries-thesauruses-pictures-and-press-releases/kitamura-eiji
https://www.allmusic.com/artist/eiji-kitamura-mn0000226397

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Sobre Eiji Kitamura (desde Wikipedia / Encyclopedia.com / AllMusic):
Eiji Kitamura (北村英治, nacido el 8 de abril de 1929, Tokio, Japón) es un clarinetista y saxofonista tenor de jazz japonés que hizo su debut profesional a los 22 años. Músico autodidacta, Kitamura se dedicó al clarinete mientras era estudiante universitario en la Universidad de Keio en Tokio. Comenzó a trabajar profesionalmente en 1950 con los Esquire Cats de Tetsuro Takahama, luego trabajó tres años con Saburo Nambu (1951-53), antes de formar su primer grupo, Cats Herd (1954-57). Después actuó como sideman con la banda de Mitsuru Ono & His 6 Brothers (1957-60), antes de lanzarse definitivamente por su cuenta liderando un sexteto de estilo swing. Alcanzó notoriedad en Estados Unidos en la 20ª Sesión de Aniversario del Festival de Jazz de Monterey en 1977. Su popularidad en Japón se había construido antes de eso gracias a su programa regular de televisión. Prefiere interpretar el jazz swing tradicional antes que el jazz moderno, y según AllMusic está más influenciado por Benny Goodman y Woody Herman. A lo largo de su carrera tocó frecuentemente junto a músicos estadounidenses de visita, grabando con Teddy Wilson, Ben Webster y otros. En 2007 recibió la Orden del Sol Naciente, Rayos de Oro con Roseta. Sigue activo a los 96 años de edad.
https://en.wikipedia.org/wiki/Eiji_Kitamura
https://www.encyclopedia.com/arts/dictionaries-thesauruses-pictures-and-press-releases/kitamura-eiji
https://www.allmusic.com/artist/eiji-kitamura-mn0000226397

Ad Van Den Hoed Kwartet • King's Clarinet

Dutch jazz musician and bandleader. Plays clarinet and saxophone.

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Músico holandés de jazz y director de banda. Toca el clarinete y el saxofón.
 

 

 

Hal McKusick Octet • In A Twentieth-Century Drawing Room

 

Gerry Mulligan • Night Lights

 

 

www.gerrymulligan.com ...

Hal McKusick • Hal McKusick Quartet

Hal McKusick was a fine journeyman cool-toned bop-based altoist and clarinetist on this 1955 Bethlehem studio date (reissued on CD by Fresh Sound), McKusick is accompanied by guitarist Barry Galbraith, bassist Milt Hinton and drummer Osie Johnson on a variety of straightahead tunes including seven originals by arranger Manny Albam - The music is pleasing, light and swinging.

This is a very rare CD of Hall McKusick Quartet - It is the East Coast Jazz Series no - 8 - It was recorded in NYC on February 1955.

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Hal McKusick fue un excelente viajero, un altoista y clarinetista de bop basado en el bop en esta fecha de 1955 en los estudios de Belén (reeditado en CD por Fresh Sound), McKusick está acompañado por el guitarrista Barry Galbraith, el bajista Milt Hinton y el baterista Osie Johnson en una variedad de melodías de cabeza recta, incluyendo siete originales del arreglista Manny Albam - La música es agradable, ligera y swing.

Este es un CD muy raro del Cuarteto Hall McKusick - Es el número de la serie de jazz de la costa este - 8 - Fue grabado en Nueva York en febrero de 1955.

Uli Fiedler Trio • Frizzante

Bill Hitz, Greig McRitchie • Music For This Swingin' Age, Easy Jazz on a Fish Beat Bass

 

Shoji Suzuki & His Rhythm Aces • The Rhythm Aces Recital At Yamaha Hall, Tokyo

 

Japanese jazz clarinettist and band leader nicknamed the "Benny Goodman of Japan".
(August 16, 1932 – September 10, 1995)
https://www.discogs.com/artist/3167382-Shoji-Suzuki-2

Bob Keene Septet & Lex Golden Jazz Octet • Solo for Seven - The Lex Golden Jazz Octet in Hi-Fi

 

Description from Fresh Sound Records / Jazz Hot (by Michel Laplace):
When clarinettist Bob Keene led an 18-piece orchestra in 1951 it was billed as one of the greatest bands since Artie Shaw's. Shaw gave it his stamp of approval and considered Keene to be a worthy successor. However, Keene's fame was fleeting and he's since faded into obscurity. But members of his septet heard here, such as Pepper Adams, Red Norvo and Shelly Manne, still register strongly in the collective memory. Standards from the likes of Kern, Loesser and Arlen are rearranged by Jack Montrose and provide us with 11 compact, highly melodic tracks delivered in cool jazz and swing style. The average length of each clocks in at 2.7 minutes. There's nothing long-winded about Bob Keene!

Prior to the recording of In Hi-Fi, trumpeter Lex Golden was all but unknown outside Los Angeles where he led dance bands in the city's nightspots. Golden peut swinguer ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (born 1929) and Lester Pinter form a saxophone section heavily influenced by Woody Herman's ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) is a good trombonist and arranger ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano and Pinter, both equally Lester Young-influenced, take solos in "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

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Descripcion de Fresh Sound Records / Jazz Hot (por Michel Laplace):
Cuando el clarinetista Bob Keene dirigio una orquesta de 18 piezas en 1951, fue presentada como una de las mejores bandas desde la de Artie Shaw. Shaw le dio su sello de aprobacion y considero a Keene como un sucesor digno. Sin embargo, la fama de Keene fue efimera y desde entonces ha caido en el olvido. Pero los miembros de su septeto aqui escuchados, como Pepper Adams, Red Norvo y Shelly Manne, aun resuenan fuertemente en la memoria colectiva. Los standards de compositores como Kern, Loesser y Arlen son reorganizados por Jack Montrose y nos ofrecen 11 temas compactos y altamente melodicos entregados en estilo cool jazz y swing. La duracion media de cada uno ronda los 2.7 minutos. No hay nada prolijo en Bob Keene!

Antes de la grabacion de In Hi-Fi, el trompetista Lex Golden era practicamente desconocido fuera de Los Angeles, donde dirigia bandas de baile en los locales nocturnos de la ciudad. Golden sabe swingear ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (nacido en 1929) y Lester Pinter forman una seccion de saxofones muy influenciada por la de Woody Herman ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) es un buen trombonista y arreglista ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano y Pinter, ambos igualmente influenciados por Lester Young, intervienen en solitario en "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

freshsoundrecords.com ...

Eric Dolphy • Outward Bound

 

This CD contains Eric Dolphy's complete original LP Outward Bound (Prestige/New Jazz 8236). It marks his first album as a leader, and features him in a quintet format with Freddie Hubbard on trumpet, Jaki Byard on piano, George Tucker on bass and Roy Haynes on drums. It was also the first of various collaborations between Dolphy and Hubbard. The only two alternate takes from the session, as well as an extended reading of the bluesy "R&R" recorded that same year (and on which he shares center stage with Roy Eldridge and Charles Mingus) have been added as a bonus. ERIC DOLPHY - alto sax, bass clarinet & flute; FREDDIE HUBBARD, trumpet; JAKI BYARD, piano; GEORGE TUCKER, bass; ROY HAYNES, drums Recorded Englewood Cliffs, New Jersey, April 1, 1960. Original session recorded by Rudy Van Gelder. "Sometimes sounding as if it is boiling with rage, Dolphy's music is filled with sharp, jagged lines that lift the listener as they spiral to peak after peak of raw emotional expression. This album is life". DON DeMICHEAL - ALLMUSIC "This very likable set was Eric Dolphy's first as a leader. A perfect introduction to Eric Dolphy's versatile talents, this boppish set is more accessible than many of Dolphy's more innovative recordings. Recommended." (Scott Yanow)
https://www.propermusic.com/11437-outward-bound-3-bonus-tracks.html

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Este CD contiene el LP original completo de Eric Dolphy Outward Bound (Prestige/New Jazz 8236). Es su primer álbum como líder, y lo presenta en formato de quinteto con Freddie Hubbard a la trompeta, Jaki Byard al piano, George Tucker al bajo y Roy Haynes a la batería. También fue la primera de varias colaboraciones entre Dolphy y Hubbard. Las dos únicas tomas alternativas de la sesión, así como una lectura extendida del blues "R&R" grabada ese mismo año (y en la que comparte protagonismo con Roy Eldridge y Charles Mingus) se han añadido como bonus. ERIC DOLPHY - saxo alto, clarinete bajo y flauta; FREDDIE HUBBARD, trompeta; JAKI BYARD, piano; GEORGE TUCKER, bajo; ROY HAYNES, batería Grabado en Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 1 de abril de 1960. Sesión original grabada por Rudy Van Gelder. "A veces sonando como si hirviera de rabia, la música de Dolphy está llena de líneas afiladas y dentadas que elevan al oyente a medida que se elevan en espiral hacia un pico tras otro de cruda expresión emocional. Este álbum es la vida". DON DeMICHEAL - ALLMUSIC "Este conjunto tan agradable fue el primero de Eric Dolphy como líder. Una perfecta introducción al versátil talento de Eric Dolphy, este conjunto boppish es más accesible que muchas de las grabaciones más innovadoras de Dolphy. Recomendado". (Scott Yanow)
https://www.propermusic.com/11437-outward-bound-3-bonus-tracks.html

Tony Scott • Germany 1957 - Asia 1962

 

 

Tony Scott, a distinguished jazz clarinetist who in the 1950s helped steer his instrument out of the swing era and into the sax-infested waters of bebop. With Buddy DeFranco, Mr. Scott was considered one of the leading bebop clarinetists. (The two men were often described as the only major clarinetists to take on bebop, a style thought to be incompatible with the instrument’s soft, sweet sound.) Mr. Scott, who also played the saxophone, performed and recorded with some of the titans of mid-20th- century jazz, among them Duke Ellington, Ben Webster, Sarah Vaughan and Billie Holiday.

If Mr. Scott was not widely known to the American public, it was partly because his eclectic style made him unclassifiable: over the years, he ranged through bebop and what today would be called New Age and world music. It was also because he was peripatetic: for decades he roamed the globe, clarinet in hand. He had lived mostly abroad since the late ’50s.

Mr. Scott was also well regarded as a composer and arranger. His composition “Blues for Charlie Parker,” which he created extemporaneously at a concert in Yugoslavia in 1957, became his most- requested number. He also arranged hits like “The Banana Boat Song (Day-O)” for Harry Belafonte.

In a profile of Mr. Scott in The New York Times in 1967, John S. Wilson described him “playing his clarinet in his own uncompromisingly distinctive manner, a manner which encompasses both a feathery, light-as-air impressionism and an intense, emotional ferocity that makes the old-time ‘hot’ men sound as though they were blowing icicles.”

By the end of the 1940s, the swing style popularized by Benny Goodman was on the wane, and the clarinet was falling out of favor as a jazz instrument. Mr. Scott persevered, touring Sweden, South Africa, Senegal, the Philippines, Malaysia, Indonesia, Japan and elsewhere. His 1964 album “Music for Zen Meditation” (Verve), a collaboration with traditional Japanese musicians, is considered an early example of New Age music.

Among his other albums are “The Touch of Tony Scott” (RCA Victor, 1956); “The Modern Art of Jazz” (Seeco, 1957); “Tony Scott in Afrika” (A World of Music, 1997); and “A Jazz Life” (Kind of Blue), scheduled for release next month.

Anthony Joseph Sciacca “ his family name is pronounced “Shaka” “ was born on June 17, 1921, in Morristown, N.J., to parents who had come from Sicily. His father was a barber and amateur guitarist; his mother played the violin. He began playing the clarinet at 12 and in 1942 earned a diploma from the Juilliard School.

During World War II, Mr. Scott was stationed with the Army on Governor’s Island in New York. This meant he could spend many happy nights in Manhattan, playing the jazz clubs that lined West 52nd Street. He was such a ubiquitous presence there, Mr. Wilson wrote in The Times, that “one night an out-of-town visitor, making his way down the street, began to worry about what the booze was doing to him because he noticed that, in club after club, the clarinetist always seemed to look the same.”

Sciacca, was a late comer to the scene of bebop and cool jazz, playing on Sarah Vaughan in Hi-Fi (may 1950) with the gotha of bebop (trumpeter Miles Davis, trombonist Benny Green, guitarist Freddie Green), and forming a Septet that recorded Scott's Fling (january 1955) with trombonist Kai Winding and bassist Milt Hinton. He experimented with several formats that shunned the ruling styles.

An Orchestra consisting of members of Count Basie's and Duke Ellington's orchestras plus a rhythm section with pianist Bill Evans, Hinton and Green, recorded The Touch (july 1956), containing Vanilla Frosting On A Beef Pie, and The Complete (february 57), containing I'll Remember April. Three permutations of trumpeter Clark Terry, baritonist Sahib Shihab, trombonist Jimmy Knepper, pianist Bill Evans, bassist Henry Grimes, drummer Paul Motian recorded the twin albums My Kind of Jazz (november 1957), The Modern Art of Jazz (november 1957), containing Blues For 3 Horns, and Free Blown Jazz (november 1957), with Portrait Of Ravi.

Scott played clarinet, sax, piano, mandolin on Sung Heroes (october 1959), also known as Dedications, whose pieces were dedicated to dead musicians, the recording that, de facto, marked the debut of the Bill Evans Trio with Paul Motian and Scott LaFaro.

In 1960 Scott left the USA and went to explore the Far East. The result was Music For Zen Meditation (february 1964), a collaboration with koto player Shinichi Yuize and shakuhachi flute player Hozan Yamamoto (notably the trio The Murmuring Sound of the Mountain Stream, the koto-clarinet duets After the Snow, the Fragrance, Prajna-Paramita-Hridaya Sutra and Sanzen), that predated both new- age music, world-music and ambient music.

Having contributed to create the hare krishna zeitgeist of the hippy era, Scott followed that exploit with Homage to Lord Krishna (november 1967) and especially Music for Yoga Meditation and Other Joys (february 1968), a duet with sitar player Collin Walcott.

Journeys to Africa yielded the solo percussion album Music for Voodoo Meditation (1971), on which Scott played only African percussions, African Bird - Come Back Mother Africa, with the 16-minute African Bird Suite (february 1981) that married Charlie Parker and African percussion, and the triple-CD Voyage Into a Black Hole (1988) for radio waves, clarinet and synthesizer.

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Tony Scott, un distinguido clarinetista de jazz que en los años 50 ayudó a sacar a su instrumento de la era del swing y lo llevó a las aguas infestadas de saxofón del bebop. Con Buddy DeFranco, el Sr. Scott fue considerado uno de los principales clarinetistas de bebop. (Los dos hombres fueron descritos a menudo como los únicos clarinetistas importantes que tomaron el bebop, un estilo que se pensaba que era incompatible con el sonido suave y dulce del instrumento). El Sr. Scott, que también tocaba el saxofón, tocó y grabó con algunos de los titanes del jazz de mediados del siglo XX, entre ellos Duke Ellington, Ben Webster, Sarah Vaughan y Billie Holiday.

Si el Sr. Scott no era muy conocido por el público estadounidense era en parte porque su estilo ecléctico lo hacía inclasificable: a lo largo de los años, se extendió por el bebop y lo que hoy se llamaría New Age y world music. También fue porque era peripatético: durante décadas vagó por el mundo, clarinete en mano. Había vivido principalmente en el extranjero desde finales de los años 50.

El Sr. Scott también era bien considerado como compositor y arreglista. Su composición "Blues para Charlie Parker", que creó extemporáneamente en un concierto en Yugoslavia en 1957, se convirtió en su número más solicitado. También arregló éxitos como "The Banana Boat Song (Day-O)" para Harry Belafonte.

En un perfil del Sr. Scott en The New York Times en 1967, John S. Wilson lo describió "tocando su clarinete de su propia e inflexible manera distintiva, una manera que abarca tanto un impresionismo plumoso y ligero como una ferocidad intensa y emocional que hace que los hombres 'calientes' de antaño suenen como si estuvieran soplando carámbanos".

A finales de los años 40, el estilo de swing popularizado por Benny Goodman estaba en declive, y el clarinete estaba perdiendo el favor como instrumento de jazz. El Sr. Scott perseveró y realizó una gira por Suecia, Sudáfrica, Senegal, Filipinas, Malasia, Indonesia, Japón y otros lugares. Su álbum de 1964 "Music for Zen Meditation" (Verve), una colaboración con músicos tradicionales japoneses, se considera un ejemplo temprano de la música de la Nueva Era.

Entre sus otros álbumes se encuentran "The Touch of Tony Scott" (RCA Victor, 1956); "The Modern Art of Jazz" (Seeco, 1957); "Tony Scott in Afrika" (A World of Music, 1997); y "A Jazz Life" (Kind of Blue), cuyo lanzamiento está previsto para el mes próximo.

Anthony Joseph Sciacca " su apellido se pronuncia "Shaka" " nació el 17 de junio de 1921, en Morristown, N.J., de padres que habían venido de Sicilia. Su padre era barbero y guitarrista aficionado; su madre tocaba el violín. Empezó a tocar el clarinete a los 12 años y en 1942 obtuvo un diploma de la Juilliard School.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el Sr. Scott estuvo destinado con el ejército en la Isla del Gobernador en Nueva York. Esto significaba que podía pasar muchas noches felices en Manhattan, tocando en los clubes de jazz que se alineaban en la calle 52 Oeste. Era una presencia tan omnipresente allí, que el Sr. Wilson escribió en el Times, que "una noche un visitante de fuera de la ciudad, que se dirigía a la calle, empezó a preocuparse por lo que le hacía la bebida porque notó que, en un club tras otro, el clarinetista siempre parecía tener el mismo aspecto".

Sciacca, llegó tarde a la escena del bebop y el cool jazz, tocando en Sarah Vaughan en Hi-Fi (mayo de 1950) con el gotha del bebop (el trompetista Miles Davis, el trombonista Benny Green, el guitarrista Freddie Green), y formando un Septeto que grabó Scott's Fling (enero de 1955) con el trombonista Kai Winding y el bajista Milt Hinton. Experimentó con varios formatos que evitaban los estilos dominantes.

Una orquesta formada por miembros de las orquestas de Count Basie y Duke Ellington más una sección rítmica con el pianista Bill Evans, Hinton y Green, grabó The Touch (julio de 1956), que contiene Vanilla Frosting On A Beef Pie, y The Complete (febrero 57), que contiene I'll Remember April. Tres permutaciones del trompetista Clark Terry, el barítono Sahib Shihab, el trombonista Jimmy Knepper, el pianista Bill Evans, el bajista Henry Grimes, el baterista Paul Motian grabaron los álbumes gemelos My Kind of Jazz (noviembre de 1957), The Modern Art of Jazz (noviembre de 1957), que contiene Blues For 3 Horns, y Free Blown Jazz (noviembre de 1957), con Portrait Of Ravi.

Scott tocó clarinete, saxo, piano y mandolina en Sung Heroes (octubre de 1959), también conocido como Dedications, cuyas piezas fueron dedicadas a músicos muertos, la grabación que, de hecho, marcó el debut del Bill Evans Trio con Paul Motian y Scott LaFaro.

En 1960 Scott dejó los EE.UU. y se fue a explorar el Lejano Oriente. El resultado fue Music For Zen Meditation (febrero de 1964), una colaboración con el intérprete de koto Shinichi Yuize y el flautista de shakuhachi Hozan Yamamoto (en particular el trío The Murmuring Sound of the Mountain Stream, los dúos de koto-clarinete After the Snow, the Fragrance, Prajna-Paramita-Hridaya Sutra y Sanzen), que precedieron a la música new age, la world-music y la música ambiental.

Habiendo contribuido a crear el zeitgeist hare krishna de la era hippie, Scott siguió esa hazaña con Homenaje al Señor Krishna (noviembre de 1967) y especialmente Música para la Meditación del Yoga y Otras Alegrías (febrero de 1968), un dúo con el intérprete de sitar Collin Walcott.

Viajes a África dio lugar al álbum de percusión en solitario Music for Voodoo Meditation (1971), en el que Scott tocó sólo percusiones africanas, African Bird - Come Back Mother Africa, con la African Bird Suite de 16 minutos (febrero de 1981) que casó a Charlie Parker con la percusión africana, y el triple CD Voyage Into a Black Hole (1988) para ondas de radio, clarinete y sintetizador.

 

 

Pete Fountain • I Love Paris

 

Pete Fountain:

Peter Dewey Fountain, Jr. was born July 3, 1930 in New Orleans, the cradle of American music, Jazz. He was a skinny kid who spent too much time hanging around the front stoop of the Top Hat Dance Hall near his home. The Top Hat was a stronghold of Dixieland Jazz and Jazz already had a strong hold on Pete Fountain. But, oh the sounds! This was music straight from the soul. Sounds that would never be written in stone, that would always be brand new because they were purely personal. Pete heard all the greats in New Orleans and he knew he wanted to play Jazz.

After endless hours of practicing and listening to the recordings of Benny Goodman and Irving Fazola, the personal sound of Pete Fountain began to emerge and it was “Fat.” By the time Pete was 16, he had already gained a reputation on Bourbon Street. Through these formative years of his musical training, Pete performed with several sensational bands. One such band was the Junior Dixieland Band which performed in the famous Parisian Room-often performing for legendary jazz men. A few years later Pete joined Phil Zito's International Dixieland Express. They were playing the El Morocco on the street. Pete was performing with some of the best known jazz bands in the country—The Basin Street Six, The Dukes of Dixieland, and Al Hirt.

Until 1956...Be-Bop and Rock & Roll were the hot new sounds, and the music that Pete loved could not provide him or anybody else with a living. Jazz, in its own birthplace New Orleans, was definitely asleep. He gave up music. He had no choice. With a wife and three small children to support, music was a luxury he could not afford.

In 1957, Lawrence Welk, host of the nation's most popular television program, wanted Pete on the show, and for two years, Pete was the most famous Jazz musician on television. Pete Fountain became a household name and New Orleans Jazz made a comeback that has never faded.

After two years in California, Pete came home to New Orleans. He had learned what every New Orleanian has to accept as a fact of life. you can leave New Orleans, but it never leaves you. Pete immediately opened his own jazz club in the heart of the French Quarter. His national fame and fans followed him to New Orleans which allowed Pete's club to expand, through many years, into the largest jazz club in the city. Pete has always been considered an ambassador of New Orleans Jazz as he performs his music on guest appearances on network television and specials. Some of the highlights have been such classics as the Ed Sullivan, Bing Crosby, Bob Hope and Andy Williams specials. More recently his credits include A Close up of Pete Fountain, Super Bowl Saturday Night and the National Memorial Day Concert. He also performed 59 times on Johnny Carson's “The Tonight Show.”

Pete has performed at four U.S. State Dinners by command performance for four Presidents of the United States. He has also performed for Pope John Paul II at the New Orleans Papal Mass with an attendance of over 400,000 people.

During Pete's career, he has recorded 56 albums and has been a featured performer on 44 additional albums for a total of 100 recordings. Three of Pete's albums have gone gold, “Pete Fountain's New Orleans,” “The Blues,” and “Mr. New Orleans.” He also received a gold record for his hit single “Just A Closer Walk With Thee.”

Through Pete's career he has received numerous awards and honors including a Doctorate of Music from the College of Santa Fe; he was voted the #1 Jazz Clarinetist for 13 consecutive years in the Playboy Readers Poll; he was King of Bacchus; he received an Emmy for the 1990 Super Bowl Pre-Game Music; and he was awarded the 1993 Louisiana Legends Award.

Pete has performed with music legends ranging from Louis Armstrong and Harry James to Harry Connick, Jr. 

 

 

 

Biography by Scott Yanow
One of the most famous of all New Orleans jazz clarinetists, Pete Fountain had the ability to play songs that he performed countless times (such as "Basin Street Blues") with so much enthusiasm that one would swear he had just discovered them. His style and most of his repertoire remained unchanged from the late '50s into the new millennium, yet he never sounded bored. In 1948, Fountain (who was heavily influenced by Benny Goodman and Irving Fazola) was a member of the Junior Dixieland Band and this was followed by a stint with Phil Zito and an important association with the Basin Street Six (1950-1954), with whom the clarinetist made his first recordings. In 1955, Fountain was a member of the Dukes of Dixieland, but his big breakthrough came when he was featured playing a featured Dixieland number or two on each episode of The Lawrence Welk Show during 1957-1959. After he left, he moved back to New Orleans, opened his own club, and played there regularly up until retiring from the nightclub business in early 2003. Fountain's finest recordings were a lengthy string for Coral during 1959-1965 (they turned commercial for a period after that). Fountain died in New Orleans in August 2016 at the age of 86.
https://www.allmusic.com/artist/pete-fountain-mn0000312140#biography

 

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Pete Fountain:

Peter Dewey Fountain, Jr. nació el 3 de julio de 1930 en Nueva Orleans, la cuna de la música americana, el Jazz. Era un niño flaco que pasaba mucho tiempo colgado en la entrada del Top Hat Dance Hall cerca de su casa. El sombrero de copa era un bastión del Dixieland Jazz y el Jazz ya tenía una fuerte influencia sobre Pete Fountain. Pero, ¡oh, los sonidos! Esto era música directamente del alma. Sonidos que nunca serían escritos en piedra, que siempre serían nuevos porque eran puramente personales. Pete escuchó a todos los grandes de Nueva Orleans y sabía que quería tocar Jazz.

Después de horas interminables de practicar y escuchar las grabaciones de Benny Goodman e Irving Fazola, el sonido personal de Pete Fountain comenzó a emerger y fue "Fat". Para cuando Pete tenía 16 años, ya se había ganado una reputación en Bourbon Street. Durante estos años de formación musical, Pete tocó con varias bandas sensacionales. Una de ellas fue la Junior Dixieland Band, que actuó en la famosa Parisian Room, a menudo para hombres de jazz legendarios. Unos años después, Pete se unió al International Dixieland Express de Phil Zito. Estaban tocando El Morocco en la calle. Pete tocaba con algunas de las bandas de jazz más conocidas del país: The Basin Street Six, The Dukes of Dixieland y Al Hirt.

Hasta 1956... el Be-Bop y el Rock & Roll eran los nuevos sonidos calientes, y la música que a Pete le encantaba no le permitía ganarse la vida ni a él ni a nadie más. El jazz, en su lugar de nacimiento, Nueva Orleans, estaba definitivamente dormido. Dejó la música. No tenía otra opción. Con una esposa y tres hijos pequeños que mantener, la música era un lujo que no podía permitirse.

En 1957, Lawrence Welk, conductor del programa de televisión más popular del país, quería a Pete en el programa, y durante dos años, Pete fue el músico de jazz más famoso de la televisión. Pete Fountain se convirtió en un nombre muy conocido y el Jazz de Nueva Orleans tuvo un regreso que nunca se ha desvanecido.

Después de dos años en California, Pete volvió a Nueva Orleans. Había aprendido lo que todo New Orleanian tiene que aceptar como un hecho de la vida. Puedes dejar Nueva Orleans, pero nunca te deja. Pete inmediatamente abrió su propio club de jazz en el corazón del Barrio Francés. Su fama nacional y sus seguidores lo siguieron a Nueva Orleans, lo que permitió que el club de Pete se expandiera, a través de muchos años, hasta convertirse en el club de jazz más grande de la ciudad. Pete siempre ha sido considerado un embajador del Jazz de Nueva Orleans, ya que interpreta su música en apariciones como invitado en la televisión de la cadena y en programas especiales. Algunos de los puntos culminantes han sido clásicos como los especiales de Ed Sullivan, Bing Crosby, Bob Hope y Andy Williams. Más recientemente, sus créditos incluyen A Close up of Pete Fountain, Super Bowl Saturday Night y el National Memorial Day Concert. También actuó 59 veces en "The Tonight Show" de Johnny Carson.

Pete se ha presentado en cuatro Cenas de Estado de los Estados Unidos por comando para cuatro Presidentes de los Estados Unidos. También ha actuado para el Papa Juan Pablo II en la Misa Papal de Nueva Orleans con una asistencia de más de 400,000 personas.

Durante su carrera, Pete ha grabado 56 álbumes y ha participado en 44 álbumes adicionales para un total de 100 grabaciones. Tres de los álbumes de Pete se han convertido en oro, "Pete Fountain's New Orleans", "The Blues" y "Mr. New Orleans". También recibió un disco de oro por su exitoso sencillo "Just a Closer Walk With Thee".

A lo largo de la carrera de Pete ha recibido numerosos premios y honores, incluyendo un Doctorado en Música del Colegio de Santa Fe; fue elegido Clarinetista de Jazz #1 por 13 años consecutivos en la Encuesta de Lectores de Playboy; fue Rey de Baco; recibió un Emmy por la Música de Pre-Juego del Super Bowl de 1990; y fue galardonado con el Premio de Leyendas de Louisiana de 1993.

Pete ha tocado con leyendas de la música que van desde Louis Armstrong y Harry James hasta Harry Connick, Jr. 

 

 

 

Biografía de Scott Yanow

Pete Fountain, uno de los clarinetistas de jazz más famosos de Nueva Orleans, tenía la habilidad de tocar canciones que había interpretado innumerables veces (como «Basin Street Blues») con tanto entusiasmo que uno juraría que acababa de descubrirlas. Su estilo y la mayor parte de su repertorio permanecieron inalterados desde finales de los años 50 hasta el nuevo milenio, y sin embargo nunca sonó aburrido. En 1948, Fountain (muy influido por Benny Goodman e Irving Fazola) fue miembro de la Junior Dixieland Band, a lo que siguió una temporada con Phil Zito y una importante asociación con los Basin Street Six (1950-1954), con los que el clarinetista realizó sus primeras grabaciones. En 1955, Fountain fue miembro de los Dukes of Dixieland, pero su gran éxito llegó cuando apareció tocando un número o dos de Dixieland en cada episodio de The Lawrence Welk Show durante 1957-1959. Tras su marcha, regresó a Nueva Orleans, abrió su propio club y tocó allí con regularidad hasta que se retiró del negocio de los clubes nocturnos a principios de 2003. Las mejores grabaciones de Fountain fueron una larga serie para Coral durante 1959-1965 (después se volvieron comerciales durante un tiempo). Fountain falleció en Nueva Orleans en agosto de 2016 a la edad de 86 años.

https://www.allmusic.com/artist/pete-fountain-mn0000312140#biography