McCoy Tyner Trio With Michael Brecker • Live In Wien

 

McCoy Tyner-Joe Henderson • Forces of Nature Live at Slugs'

 

Review by Matt Collar
Spotlighting a fiery evening at the storied New York club, 2024's Forces of Nature: Live at Slugs' captures McCoy Tyner and Joe Henderson in a kinetic 1966 live performance. The pianist and tenor saxophonist had already been close associates by the time they convened, along with drummer Jack Dejohnette and bassist Henry Grimes, at Slugs' Saloon in Manhattan's East Village. They had both recorded with Lee Morgan the same year, appearing on Delightfulee. Tyner had also played on Henderson's classic 1964 date In 'n Out. For Tyner, this was a crucial transitional period, right after he left John Coltrane's group and before his run of classic Blue Note albums; one that would begin the following year with The Real McCoy featuring Henderson. Similarly, Henderson would soon sign his own recording deal with Milestone and embark on a run of funky, soulful albums. Here, we find them on the cusp of what the late '60s would bring, communing over some of their most emphatic modal works. They kick the night off with a truly epic 27-minute take of Henderson's "In 'n Out," featuring a god-like multi-chorus solo from the saxophonist. Although the performance certainly echoes Coltrane, Henderson dances on the razor's edge of atonality, deftly showcasing a spiraling, motivic tension all his own. Tyner responds in kind, spitting out a cascading solo that drives the group to their crashing end. From there, they offer a bit of a respite, settling into a luxuriously candlelit reading of the ballad "We'll Be Together Again," before diving into Tyner's "Taking Off." They also debut a soulful 6/8 blues, "The Believer," and finish with an equally groove-oriented take of Henderson's "Isotope." Both Grimes and DeJohnette play with a robust energy throughout. Along with supplying plenty of woody bass grit on the uptempo tunes, Grimes' beautiful solo "We'll Be Together Again" displays the way he had already begun incorporating more free-leaning harmonies into his style. Similarly, DeJohnette's machine gun-blast drum accents, especially on "Taking Off," underscore how impactful his presence would be on both the avant-garde and rock-fusion movements to come. While this quartet would remain a one-off alliance, their sound has the unified cohesion of a road-tested ensemble, and Forces of Nature is the kind of sonically overwhelming album that leaves you grappling with what you just experienced in the best way. https://www.allmusic.com/album/forces-of-nature-live-at-slugs-mw0004381304

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Reseña de Matt Collar
Destacando una noche ardiente en el histórico club de Nueva York, Forces of Nature: Live at Slugs de 2024 captura a McCoy Tyner y Joe Henderson en una cinética actuación en vivo de 1966. El pianista y saxofonista tenor ya habían sido socios cercanos cuando se reunieron, junto con el baterista Jack Dejohnette y el bajista Henry Grimes, en Slugs' Saloon en el East Village de Manhattan. Ambos habían grabado con Lee Morgan el mismo año, apareciendo en Delightfulee. Tyner también había tocado en la cita clásica de Henderson de 1964 In ' n Out. Para Tyner, este fue un período de transición crucial, justo después de dejar el grupo de John Coltrane y antes de su serie de álbumes clásicos de Blue Note; uno que comenzaría al año siguiente con The Real McCoy con Henderson. Del mismo modo, Henderson pronto firmaría su propio contrato discográfico con Milestone y se embarcaría en una serie de álbumes funky y conmovedores. Aquí, los encontramos en la cúspide de lo que traerían los finales de los 60, comunicando algunos de sus trabajos modales más enfáticos. Comienzan la noche con una toma verdaderamente épica de 27 minutos de "In 'n Out" de Henderson, con un solo de coros múltiples divino del saxofonista. Aunque la actuación ciertamente se hace eco de Coltrane, Henderson baila al filo de la navaja de la atonalidad, mostrando hábilmente una tensión motívica en espiral propia. Tyner responde de la misma manera, escupiendo un solo en cascada que lleva al grupo a su final estrepitoso. A partir de ahí, ofrecen un pequeño respiro, acomodándose en una lectura lujosa a la luz de las velas de la balada "Estaremos Juntos de nuevo", antes de sumergirse en "Taking Off" de Tyner."También estrenan un blues conmovedor de 6/8, "The Believer", y terminan con una versión igualmente orientada al groove de "Isotope" de Henderson."Tanto Grimes como DeJohnette juegan con una energía robusta en todo momento .  Además de proporcionar un montón de grano de bajo amaderado en las melodías uptempo, el hermoso solo de Grimes "We'll be Together Again" muestra la forma en que ya había comenzado a incorporar más armonías de inclinación libre en su estilo. Del mismo modo, los acentos de batería de ametralladora de DeJohnette, especialmente en "Taking Off", subrayan cuán impactante sería su presencia tanto en los movimientos de vanguardia como de fusión de rock por venir. Si bien este cuarteto seguiría siendo una alianza única, su sonido tiene la cohesión unificada de un conjunto probado en la carretera, y Forces of Nature es el tipo de álbum musicalmente abrumador que te deja lidiando con lo que acabas de experimentar de la mejor manera. https://www.allmusic.com/album/forces-of-nature-live-at-slugs-mw0004381304

VA • Jazz Dispensaryː Haunted High

 

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)

 

Wayne Shorter • The Soothsayer

 

wayneshorterofficial.com ...

Stanley Turrentine • The Spoiler

Stanley William Turrentine was one of the most distinctive tenor saxophonists in jazz. Known for his big, warm, sound, “The Sugar Man” or the original “Mr. T” found inspiration in the blues and turned it into a hugely successful career with a #1 hit and four Grammy nominations — first in R&B and then in jazz.

Born on April 5, 1934 in Pittsburgh, a city that has produced more than its share of jazz masters, Turrentine hailed from a musical family. His saxophone-playing father was a big influence, as was his stride piano-playing mother and older brother, the late trumpeter Tommy Turrentine.

One of Stanley's earliest influences on sax was tenor great Illinois Jacquet. Jacquet once encouraged a 12-year old Stanley to sit in with him. At 17, Turrentine went on the road with bluesman Lowell Fulson. In 1953, he was hired by R&B saxman and bandleader Earl Bostic to replace John Coltrane.

A consummate musician who learned his craft through disparate experiences and influences, Turrentine received his only formal musical training during his military stint in the mid-'50s. In 1959, he jumped from the frying pan into the fire when he left the military and went straight into the band of the great drummer Max Roach.

Turrentine married organist Shirley Scott (left) in 1960. When they moved to Philadelphia, they befriended Hammond B-3 organ legend Jimmy Smith and Turrentine quickly immersed himself in the Smith's soulful jazz organ sound. He even recorded on Jimmy's epochal Blue Note album Midnight Special.

The organ-centered soul-jazz that Jimmy Smith and Shirley Scott concocted provided Turrentine the perfect gateway to cross over into pop territory. His first foray in this new, more radio-friendly music began in 1969 when he signed with Creed Taylor's slick and successful CTI label.

Turrentine's first album for CTI, Sugar, was released in 1970 and yielded the classic tune of the same name. He continued with a string a pop-laced crossover albums for CTI including the 1971 hit Don't Mess with Mr. T. His relative success, despite his continued ability to deliver in the straight-ahead jazz vein, led to a predictable critical backlash. Listen to L.A. Times jazz critic Don Heckman, bassist Ray Brown, and Stanley talk about the critical backlash he received after making pop-oriented hit albums

Nevertheless, Turrentine persevered on the ever-changing landscape of jazz, by tapping into his enduring, soulful sound and bluesy approach. He remained a perennial favorite among jazz fans well up to his untimely death on Sept. 12, 2000.

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Stanley William Turrentine fue uno de los saxofonistas tenores más distintivos del jazz. Conocido por su gran y cálido sonido, "The Sugar Man" o el original "Mr. T" encontró la inspiración en el blues y lo convirtió en una carrera de gran éxito con un éxito #1 y cuatro nominaciones a los Grammy - primero en R&B y luego en el jazz.

Nacido el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh, una ciudad que ha producido más que su cuota de maestros de jazz, Turrentine provenía de una familia musical. Su padre, que tocaba el saxofón, fue una gran influencia, al igual que su madre, que tocaba el pianoforte, y su hermano mayor, el fallecido trompetista Tommy Turrentine.

Una de las primeras influencias de Stanley en el saxo fue el gran tenor de Illinois Jacquet. Jacquet animó una vez a un Stanley de 12 años a sentarse con él. A los 17, Turrentine se fue a la carretera con el trompetista Lowell Fulson. En 1953, fue contratado por el saxofonista y director de banda Earl Bostic para reemplazar a John Coltrane.

Un músico consumado que aprendió su oficio a través de experiencias e influencias dispares, Turrentine recibió su único entrenamiento musical formal durante su periodo militar a mediados de los 50. En 1959, saltó de la sartén al fuego cuando dejó el ejército y entró directamente en la banda del gran baterista Max Roach.

Turrentine se casó con la organista Shirley Scott (izquierda) en 1960. Cuando se mudaron a Filadelfia, se hicieron amigos de la leyenda del órgano B-3 de Hammond, Jimmy Smith, y Turrentine se sumergió rápidamente en el sonido conmovedor del órgano de jazz de Smith. Incluso grabó en el álbum de época de Jimmy, Blue Note, Midnight Special.

El soul-jazz centrado en el órgano que Jimmy Smith y Shirley Scott inventaron proporcionó a Turrentine la puerta perfecta para cruzar al territorio del pop. Su primera incursión en esta nueva música más radiofónica comenzó en 1969 cuando firmó con el ingenioso y exitoso sello CTI de Creed Taylor.

El primer álbum de Turrentine para CTI, Sugar, fue lanzado en 1970 y produjo la clásica melodía del mismo nombre. Continuó con una serie de álbumes de música pop para CTI, incluyendo el éxito de 1971 Don't Mess with Mr. T. Su relativo éxito, a pesar de su continua habilidad para tocar en la línea recta del jazz, le llevó a un previsible rechazo de la crítica. Escuche al crítico de jazz del L.A. Times Don Heckman, al bajista Ray Brown y a Stanley hablar de la reacción crítica que recibió después de hacer álbumes de éxito orientados al pop

Sin embargo, Turrentine perseveró en el siempre cambiante paisaje del jazz, aprovechando su duradero y conmovedor sonido y su enfoque bluesiano. Siguió siendo un favorito perenne entre los aficionados al jazz hasta su prematura muerte el 12 de septiembre de 2000.

Bobby Hutcherson • Stick Up!

 

Review
by Steve Huey  
One of Bobby Hutcherson's best albums, Stick-Up! was also his first official release not to feature drummer Joe Chambers, who was a major part of Hutcherson's outside leanings. Instead, Stick-Up! stakes out the middle ground between hard bop and the avant-garde, offering a set of structured yet advanced modal pieces indebted particularly to Coltrane. Hutcherson's originals (five out of six selections) show him at the top of his game as a composer, and the ensemble's playing is tight and focused throughout, but what really lifts Stick-Up! to the top tier of Hutcherson's discography is its crackling energy. It's quite possibly the hardest-swinging album he ever cut, and part of the credit has to go to the stellar rhythm section of McCoy Tyner on piano, Herbie Lewis on bass, and Billy Higgins on drums, who lay down a driving, pulsating foundation that really pushes Hutcherson and tenorist Joe Henderson. Tyner in particular is a standout, charging relentlessly forward on the intricate "8/4 Beat" and "Black Circle" and lending a Coltrane-ish flavor to the spiritually searching "Verse." The lone non-Hutcherson piece, Ornette Coleman's sometimes overlooked "Una Muy Bonita," is given a fantastic, rollicking treatment as catchy as it is progressive, proving that the piece is a classic regardless of whether it's interpreted freely or with a steady groove and tonal center. Hutcherson's originals are uniformly strong and memorable enough to sit very well next to it, and that -- coupled with the energetic performances -- ranks Stick-Up! with Dialogue and Components as the finest work of Hutcherson's tenure at Blue Note.
https://www.allmusic.com/album/stick-up%21-mw0000028035


Biography
by Steve Huey
Easily one of jazz's greatest vibraphonists, Bobby Hutcherson epitomized his instrument in relation to the era in which he came of age the way Lionel Hampton did with swing or Milt Jackson with bop. He wasn't as well-known as those two forebears, perhaps because he started out in less accessible territory when he emerged in the '60s playing cerebral, challenging modern jazz that often bordered on avant-garde. Along with Gary Burton, the other seminal vibraphone talent of the '60s, Hutcherson helped modernize his instrument by redefining what could be done with it -- sonically, technically, melodically, and emotionally. In the process, he became one of the defining (if underappreciated) voices in the so-called "new thing" portion of Blue Note's glorious '60s roster. Hutcherson gradually moved into a more mainstream, modal post-bop style that, if not as adventurous as his early work, still maintained his reputation as one of the most advanced masters of his instrument.

Bobby Hutcherson was born January 27, 1941, in Los Angeles. He studied piano with his aunt as a child, but didn't enjoy the formality of the training; still, he tinkered with it on his own, especially since his family was already connected to jazz: his brother was a high-school friend of Dexter Gordon and his sister was a singer who later dated Eric Dolphy. Everything clicked for Hutcherson during his teen years when he heard a Milt Jackson record; he worked until he saved up enough money to buy his own set of vibes. He began studying with Dave Pike and playing local dances in a group led by his friend, bassist Herbie Lewis. After high school, Hutcherson parlayed his growing local reputation into gigs with Curtis Amy and Charles Lloyd, and in 1960 he joined an ensemble co-led by Al Grey and Billy Mitchell. In 1961, the group was booked at New York's legendary Birdland club and Hutcherson wound up staying on the East Coast after word about his inventive four-mallet playing started to spread. Hutcherson was invited to jam with some of the best up-and-coming musicians in New York: hard boppers like Grant Green, Hank Mobley, and Herbie Hancock, but most importantly, forward-thinking experimentalists like Jackie McLean, Grachan Moncur III, Archie Shepp, Andrew Hill, and Eric Dolphy. Through those contacts, Hutcherson became an in-demand sideman at recording sessions, chiefly for Blue Note.

Hutcherson had a coming-out party of sorts on McLean's seminal "new thing" classic One Step Beyond (1963), providing an unorthodox harmonic foundation in the piano-less quintet. His subsequent work with Dolphy was even more groundbreaking and his free-ringing, open chords and harmonically advanced solos were an important part of Dolphy's 1964 masterwork, Out to Lunch. That year, he won the Down Beat readers' poll as Most Deserving of Wider Recognition on his instrument.

Hutcherson's first shot as a leader came with 1965's Dialogue, a classic of modernist post-bop with a sextet featuring some of the hottest young talent on the scene -- most notably Freddie Hubbard, Sam Rivers, and Andrew Hill, although drummer Joe Chambers would go on to become a fixture on Hutcherson's '60s records (and often contributed some of the freest pieces he recorded). A series of generally excellent sessions followed over the next few years, highlighted by 1965's classic Components (which showcased both the free and straight-ahead sides of Hutcherson's playing) and 1966's Stick-Up! In 1967, he returned to Los Angeles and started a quintet co-led by tenor saxophonist Harold Land, which made its recording debut the following year on Total Eclipse. Several more sessions followed (Spiral, Medina, Now) that positioned the quintet about halfway in between free bop and mainstream hard bop -- advanced territory, but not entirely fashionable at the time. Thus, the group didn't really receive its due and dissolved in 1971.

By that point, Hutcherson was beginning a brief flirtation with mainstream fusion, which produced 1970's funky but still sophisticated San Francisco (named after his new base of operations). By 1973, however, he'd abandoned that direction, returning to modal bop and forming a new quintet with trumpeter Woody Shaw that played at that summer's Montreux Jazz Festival (documented on Live at Montreux). In 1974, he re-teamed with Land, and over the next few years he continued to record cerebral bop dates for Blue Note despite being out of step with the label's more commercial direction. He finally departed in 1977 and signed with Columbia, where he recorded three albums from 1978-1979 (highlighted by Un Poco Loco). Adding the marimba to his repertoire, Hutcherson remained active throughout the '80s as both a sideman and leader, recording most often for Landmark in a modern-mainstream bop mode. He spent much of the '90s touring rather than leading sessions; in 1993, he teamed with McCoy Tyner for the duet album Manhattan Moods. Toward the end of the decade, Hutcherson signed on with Verve, for whom he debuted in 1999 with the well-received Skyline.

In 2004, Hutcherson joined the SFJAZZ Collective, touring with the ensemble for several years. In 2007, he released the album For Sentimental Reasons, which featured pianist Renee Rosnes. Two years later, Hutcherson returned with the John Coltrane-inspired Wise One. The concert album Somewhere in the Night, recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center, appeared in 2012. In 2014, Hutcherson joined organist Joey DeFrancesco and saxophonist David Sanborn for the Blue Note session Enjoy the View. Suffering from emphysema, Hutcherson died at his home in Montara, California in August 2016 at the age of 75.
https://www.allmusic.com/artist/bobby-hutcherson-mn0000081231/biography

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Reseña
por Steve Huey  
Uno de los mejores álbumes de Bobby Hutcherson, Stick-Up! fue también su primer lanzamiento oficial sin el baterista Joe Chambers, que era una parte importante de las inclinaciones externas de Hutcherson. En su lugar, Stick-Up! se sitúa en un punto intermedio entre el hard bop y la vanguardia, ofreciendo un conjunto de piezas modales estructuradas pero avanzadas, especialmente deudoras de Coltrane. Las piezas originales de Hutcherson (cinco de las seis seleccionadas) le muestran en lo más alto de su carrera como compositor, y el conjunto toca con precisión y concentración en todo momento, pero lo que realmente eleva a Stick-Up! al nivel más alto de la discografía de Hutcherson es su energía crepitante. Es muy posible que sea el álbum más movido que haya grabado nunca, y parte del mérito hay que atribuírselo a la estelar sección rítmica de McCoy Tyner al piano, Herbie Lewis al bajo y Billy Higgins a la batería, que establecen una base impulsora y palpitante que realmente empuja a Hutcherson y al tenorista Joe Henderson. Tyner en particular destaca, cargando implacablemente hacia delante en las intrincadas "8/4 Beat" y "Black Circle" y dando un sabor a Coltrane a la búsqueda espiritual de "Verse". La única pieza que no es de Hutcherson, "Una Muy Bonita" de Ornette Coleman, a veces pasada por alto, recibe un tratamiento fantástico, tan pegadizo como progresivo, demostrando que la pieza es un clásico independientemente de si se interpreta libremente o con un groove constante y un centro tonal. Los originales de Hutcherson son uniformemente fuertes y lo suficientemente memorables como para encajar muy bien junto a él, y eso - junto con las enérgicas interpretaciones - sitúa a Stick-Up! con Dialogue and Components como el mejor trabajo de la etapa de Hutcherson en Blue Note.
https://www.allmusic.com/album/stick-up%21-mw0000028035


Biografía
por Steve Huey
Bobby Hutcherson, sin duda uno de los mejores vibrafonistas del jazz, personificó su instrumento en relación con la época en la que alcanzó la mayoría de edad, del mismo modo que Lionel Hampton lo hizo con el swing o Milt Jackson con el bop. No era tan conocido como esos dos precursores, quizá porque empezó en un territorio menos accesible cuando surgió en los años 60 tocando un jazz moderno cerebral y desafiante que a menudo rozaba la vanguardia. Junto con Gary Burton, el otro talento seminal del vibráfono de los 60, Hutcherson ayudó a modernizar su instrumento redefiniendo lo que se podía hacer con él: sonora, técnica, melódica y emocionalmente. En el proceso, se convirtió en una de las voces definitorias (aunque infravaloradas) de la llamada "cosa nueva" de la gloriosa lista de Blue Note de los años 60. Poco a poco, Hutcherson fue evolucionando hacia un estilo post-bop más convencional y modal que, si bien no era tan aventurero como sus primeros trabajos, mantenía su reputación como uno de los maestros más avanzados de su instrumento.

Bobby Hutcherson nació el 27 de enero de 1941 en Los Ángeles. De niño estudió piano con su tía, pero no disfrutó de la formalidad de la formación; aun así, jugueteó con él por su cuenta, sobre todo porque su familia ya estaba relacionada con el jazz: su hermano era amigo de instituto de Dexter Gordon y su hermana era una cantante que más tarde salió con Eric Dolphy. Todo encajó para Hutcherson durante su adolescencia, cuando escuchó un disco de Milt Jackson; trabajó hasta ahorrar lo suficiente para comprarse su propio juego de vibráfonos. Empezó a estudiar con Dave Pike y a tocar en bailes locales en un grupo dirigido por su amigo, el bajista Herbie Lewis. Después del instituto, Hutcherson aprovechó su creciente reputación local para tocar con Curtis Amy y Charles Lloyd, y en 1960 se unió a un conjunto codirigido por Al Grey y Billy Mitchell. En 1961, el grupo fue contratado en el legendario club Birdland de Nueva York y Hutcherson acabó quedándose en la Costa Este después de que empezara a correrse la voz sobre su inventiva tocando cuatro ballets. Hutcherson fue invitado a improvisar con algunos de los mejores músicos emergentes de Nueva York: músicos de hard bop como Grant Green, Hank Mobley y Herbie Hancock, pero sobre todo, experimentalistas con visión de futuro como Jackie McLean, Grachan Moncur III, Archie Shepp, Andrew Hill y Eric Dolphy. Gracias a esos contactos, Hutcherson se convirtió en un acompañante muy solicitado en las sesiones de grabación, principalmente para Blue Note.

Hutcherson tuvo una especie de fiesta de presentación en el clásico de McLean One Step Beyond (1963), aportando una base armónica poco ortodoxa en el quinteto sin piano. Su trabajo posterior con Dolphy fue aún más innovador, y sus acordes abiertos, de timbre libre, y sus solos armónicamente avanzados fueron una parte importante de la obra maestra de Dolphy de 1964, Out to Lunch. Ese año, ganó la encuesta de los lectores de Down Beat como "Most Deserving of Wider Recognition" por su instrumento.

La primera oportunidad de Hutcherson como líder llegó con Dialogue, de 1965, un clásico del post-bop modernista con un sexteto que incluía a algunos de los jóvenes talentos más prometedores de la escena, sobre todo Freddie Hubbard, Sam Rivers y Andrew Hill, aunque el batería Joe Chambers se convertiría en un fijo en los discos de Hutcherson de los 60 (y a menudo contribuyó con algunas de las piezas más libres que grabó). Una serie de sesiones generalmente excelentes siguieron en los años siguientes, destacando el clásico Components de 1965 (que mostraba tanto el lado libre como el directo de Hutcherson) y Stick-Up! de 1966. En 1967, regresó a Los Ángeles y formó un quinteto codirigido por el saxofonista tenor Harold Land, que hizo su debut discográfico al año siguiente en Total Eclipse. Siguieron varias sesiones más (Spiral, Medina, Now) que situaron al quinteto a medio camino entre el free bop y el hard bop dominante, territorio avanzado, pero no del todo de moda en aquella época. Así pues, el grupo no recibió realmente su merecido y se disolvió en 1971.

Para entonces, Hutcherson había iniciado un breve coqueteo con la fusión mainstream, que dio lugar al funky pero sofisticado San Francisco (llamado así por su nueva base de operaciones) de 1970. En 1973, sin embargo, había abandonado esa dirección, volviendo al bop modal y formando un nuevo quinteto con el trompetista Woody Shaw que tocó en el Festival de Jazz de Montreux de ese verano (documentado en Live at Montreux). En 1974, volvió a formar equipo con Land, y durante los años siguientes continuó grabando fechas de bop cerebral para Blue Note a pesar de no estar en sintonía con la dirección más comercial del sello. Finalmente se marchó en 1977 y firmó con Columbia, donde grabó tres álbumes entre 1978 y 1979 (entre los que destaca Un Poco Loco). Tras añadir la marimba a su repertorio, Hutcherson se mantuvo activo a lo largo de los años 80 como músico de acompañamiento y como líder, grabando sobre todo para Landmark en un estilo bop moderno y mainstream. Pasó gran parte de los 90 de gira más que dirigiendo sesiones; en 1993, se asoció con McCoy Tyner para el álbum de duetos Manhattan Moods. Hacia el final de la década, Hutcherson fichó por Verve, para la que debutó en 1999 con el bien recibido Skyline.

En 2004, Hutcherson se unió al SFJAZZ Collective, con el que realizó giras durante varios años. En 2007, publicó el álbum For Sentimental Reasons, en el que participó la pianista Renee Rosnes. Dos años después, Hutcherson volvió con Wise One, inspirado en John Coltrane. El álbum de conciertos Somewhere in the Night, grabado en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center, apareció en 2012. En 2014, Hutcherson se unió al organista Joey DeFrancesco y al saxofonista David Sanborn para la sesión de Blue Note Enjoy the View. Aquejado de enfisema, Hutcherson falleció en su casa de Montara (California) en agosto de 2016 a los 75 años.
https://www.allmusic.com/artist/bobby-hutcherson-mn0000081231/biography

Grant Green • Matador

Matador featuring performances recorded in 1964 but not released on the Japanese Blue Note label until 1979. The album was finally reissued in the U.S. on CD in 1990 with one bonus track. It was also reissued on vinyl in 2010, with a different cover.

Review by Steve Huey

Grant Green recorded so much high-quality music for Blue Note during the first half of the '60s that a number of excellent sessions went unissued at the time. Even so, it's still hard to figure out why 1964's Matador was only released in Japan in 1979, prior to its U.S. CD reissue in 1990 -- it's a classic and easily one of Green's finest albums. In contrast to the soul-jazz and jazz-funk for which Green is chiefly remembered, Matador is a cool-toned, straight-ahead modal workout that features some of Green's most advanced improvisation, even more so than his sessions with Larry Young. Part of the reason for that is that Green is really pushed by his stellar backing unit: pianist McCoy Tyner, bassist Bob Cranshaw, and drummer Elvin Jones. Not only is Green leading a group that features one-half of the classic Coltrane Quartet, but he even takes on Coltrane's groundbreaking arrangement of "My Favorite Things" -- and more than holds his own over ten-plus minutes. In fact, every track on the album is around that length; there are extended explorations of two Green originals ("Green Jeans" and the title track) and Duke Pearson's Middle Eastern-tinged "Bedouin," plus the bonus cut "Wives and Lovers," a swinging Bacharach pop tune not on the Japanese issue. The group interplay is consistently strong, but really the spotlight falls chiefly on Green, whose crystal-clear articulation flourishes in this setting. And, for all of Matador's advanced musicality, it ends up being surprisingly accessible. This sound may not be Green's claim to fame, but Matador remains one of his greatest achievements.

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Matador con actuaciones grabadas en 1964 pero no publicadas en el sello japonés Blue Note hasta 1979. El álbum fue finalmente reeditado en los EE.UU. en CD en 1990 con un tema extra. También fue reeditado en vinilo en 2010, con una cubierta diferente.

Reseña de Steve Huey

Grant Green grabó tanta música de alta calidad para Blue Note durante la primera mitad de los años 60 que no se emitieron varias sesiones excelentes en ese momento. Aún así, todavía es difícil entender por qué Matador de 1964 fue lanzado en Japón en 1979, antes de su reedición en Estados Unidos en 1990 -- es un clásico y fácilmente uno de los mejores álbumes de Green. En contraste con el soul-jazz y el jazz-funk por los que Green es principalmente recordado, Matador es un entrenamiento modal de tono fresco y directo que incluye algunas de las improvisaciones más avanzadas de Green, incluso más que sus sesiones con Larry Young. Parte de la razón de esto es que Green es realmente empujado por su estelar unidad de apoyo: el pianista McCoy Tyner, el bajista Bob Cranshaw, y el baterista Elvin Jones. Green no sólo lidera un grupo que cuenta con la mitad del clásico Cuarteto Coltrane, sino que incluso se hace cargo del innovador arreglo de "Mis Cosas Favoritas" de Coltrane, y más de diez minutos. De hecho, todos los temas del álbum son de esa longitud; hay exploraciones extendidas de dos originales de Green ("Green Jeans" y el tema del título) y "Bedouin" de Duke Pearson, teñido de Oriente Medio, además del corte extra "Wives and Lovers", una melodía pop de Bacharach que no está en la edición japonesa. La interacción del grupo es constantemente fuerte, pero en realidad la atención se centra principalmente en el Verde, cuya clara articulación florece en este escenario. Y, a pesar de toda la avanzada musicalidad de Matador, termina siendo sorprendentemente accesible. Este sonido puede que no sea el reclamo de Green a la fama, pero Matador sigue siendo uno de sus mayores logros.

McCoy Tyner • With Stanley Clarke and Al Foster

 

Charlie Rouse • Bossa Nova Bacchanal

Review by Thom Jurek

This 1962 date by tenor saxophonist Charlie Rouse celebrates a grander and funkier scale of what Stan Getz and Charlie Byrd did earlier in 1962 with the bossa nova. Unlike Getz, Rouse didn't feel he needed to be a purist about it, and welcomed all sorts of Afro-Caribbean variations into his music. His choice of bandmates reflects that: a three-piece percussion section with drummer Willie Bobo, conguero Carlos "Patato" Valdes, and Garvin Masseaux on chekere (a beaded percussion instrument that is played by being shaken). Add to this bassist Larry Gales, and a pair of guitarists, Kenny Burrell, and Chauncey Westbrook, along with Rouse, and it is an unusual and exotic sextet. Burrell and Masseaux were part of Ike Quebec's band on Soul Samba, but the two recordings couldn't be more different. For his part, Rouse's embrace of bossa nova, as well as other Latin and Caribbean music, is firmly rooted in jazz -- and not American jazz trying to be Brazilian. Rhythmically, Rouse, who is a hard bopper if there ever was one, takes the rhythmic and harmonic concepts of the samba, marries them to Afro-Caribbean folk styles, and burns it all through with the gloriously unapologetic swing of jazz. The standout selections here are a pair of Luiz Bonfá tunes, "Velhos Tempos," and his classic "Samba de Orfeu." On the former, both guitarists play unamplified guitars in rhythmic counterpoint as Rouse offers first the melody, and then an improvisation in the upper register of the horn, on the latter, nix the counterpoint and listen, as both guitarists shimmer through the changes, one playing just behind the beat for a reverb effect. The percussion interplay is startling in its complexity, but seamless and warm in its balance, resulting in a fine section solo in the middle of the cut that is infectious. Ultimately, this is one of Rouse's finest moments as a leader.

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Reeseña por Thom Jurek

Esta fecha de 1962 del tenor saxofonista Charlie Rouse celebra una escala más grandiosa y funkier de lo que Stan Getz y Charlie Byrd hicieron antes en 1962 con la bossa nova. A diferencia de Getz, Rouse no sentía que necesitara ser un purista al respecto, y dio la bienvenida a todo tipo de variaciones afrocaribeñas en su música. Su elección de compañeros de banda refleja eso: una sección de percusión de tres piezas con el baterista Willie Bobo, el conguero Carlos "Patato" Valdés, y Garvin Masseaux sobre chekere (un instrumento de percusión de cuentas que se toca sacudido). Agregue a este bajista Larry Gales, y un par de guitarristas, Kenny Burrell, y Chauncey Westbrook, junto con Rouse, y es un sexteto inusual y exótico. Burrell y Masseaux formaban parte de la banda de Ike Quebec en Soul Samba, pero las dos grabaciones no podían ser más diferentes. Por su parte, el abrazo de Rouse a la bossa nova, así como a otras músicas latinas y caribeñas, está firmemente arraigado en el jazz, y no en el jazz estadounidense que intenta ser brasileño. Rítmicamente, Rouse, que es un hard bopper si alguna vez hubo uno, toma los conceptos rítmicos y armónicos de la samba, los casa con los estilos populares afro-caribeños y lo quema todo con el swing gloriosamente libre de jazz. Las selecciones más destacadas son un par de canciones de Luiz Bonfá, "Velhos Tempos" y su clásico "Samba de Orfeu". En el primero, ambos guitarristas tocan guitarras sin amplificar en contrapunto rítmico cuando Rouse ofrece primero la melodía, y luego una improvisación en el registro superior del cuerno, en este último, nix el contrapunto y escucha, mientras ambos guitarristas titilan a través de los cambios, uno jugando justo detrás del ritmo para un efecto de reverberación. La interacción de percusión es sorprendente por su complejidad, pero perfecta y cálida en su equilibrio, lo que resulta en un solo de sección fina en el medio del corte que es infeccioso. En última instancia, este es uno de los mejores momentos de Rouse como líder.

Stanley Turrentine • A Bluish Bag

Stephane Grappelli & McCoy Tyner • One On One

 

Review by Scott Yanow

Violinist Stephane Grappelli, although a veteran of the swing era, has always kept an open mind toward newer styles even while he has retained his own sound and veteran repertoire. This duet set with pianist McCoy Tyner might seem unlikely at first glance but it works quite well. The duo sticks to standards (including two that are associated with John Coltrane) and find plenty of common ground. The mutual respect they have for each other is obvious and they both sound a bit inspired.

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Reseña de Scott Yanow

El violinista Stéphane Grappelli, aunque es un veterano de la era del swing, siempre ha mantenido una mente abierta hacia los nuevos estilos, incluso mientras ha conservado su propio sonido y su repertorio veterano. Este dúo con el pianista McCoy Tyner puede parecer improbable a primera vista, pero funciona bastante bien. El dúo se ciñe a los estándares (incluyendo dos que se asocian con John Coltrane) y encuentran muchos puntos en común. El respeto mutuo que se tienen el uno al otro es obvio y ambos suenan un poco inspirados.

VA • Autour De Minuit - Piano Bar

 

Ahmad Jamal, Bobby Timmons, Claude Bolling, McCoy Tyner, Oscar Peterson, Sonny Clark, The Three Sounds,
 

 

John Coltrane • A Love Supreme - The Complete Masters [3 CD]

 

www.johncoltrane.com ...

McCoy Tyner • Song Of The New World

 

Review
by Scott Yanow
This set gave pianist McCoy Tyner his first opportunity to write music for a larger group that included brass, flutes, and -- on two of the five songs -- a string section.
The powerful pianist is in fine form and the main soloist throughout (although there are spots for trumpeter Virgil Jones and the flute of Sonny Fortune). Most memorable is the title cut and a reworking of "Afro Blue."
https://www.allmusic.com/album/song-of-the-new-world-mw0000264760

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Reseña
por Scott Yanow
Este conjunto dio al pianista McCoy Tyner su primera oportunidad de escribir música para un grupo más grande que incluía metales, flautas y, en dos de las cinco canciones, una sección de cuerda.
El poderoso pianista está en plena forma y es el principal solista (aunque hay momentos para el trompetista Virgil Jones y la flauta de Sonny Fortune). Lo más memorable es el corte que da título al disco y una reelaboración de "Afro Blue".
https://www.allmusic.com/album/song-of-the-new-world-mw0000264760

McCoy Tyner & Freddie Hubbard Quartet • Live at Fabrik, Hamburg 1986

 

Previously unissued recording has the Tyner and Hubbard band in full-on hard-bop mode, with Avery Sharpe on bass and Louis Hayes on drums.
In 1986 master trumpeter Freddie Hubbard was on stage at the "Fabrik" as a guest performer joining the trio of one of the leading pianists of contemporary jazz: McCoy Tyner, whose extremely powerful touch always added a highly energized percussive quality to his virtuous performance. McCoy Tyner passed away in March 2020. The recordings from 1986 (he was 58 back then) show him at the summit of his fame as master of an unique expressiveness that characterized him as an artist. His performance on the piano and the exceptional charisma of Hubbard's trumpet (same year of birth as Tyner (1938) but already deceased in 2008) stand out, but also bassist Avery Sharpe, born in 1954 and a master on acoustic as well as electric guitar, as well as Louis Hayes, who until today in his eighties is one of the most resilient modern percussionists, leave their mark on the tracks of two CDs documenting one of the absolute concert highlights of this epoch.
https://www.amazon.com/Live-At-Fabrik-Hamburg-1986/dp/B09R3DHQP7

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Una grabación inédita con la banda de Tyner y Hubbard en pleno modo hard-bop, con Avery Sharpe al bajo y Louis Hayes a la batería.
En 1986, el maestro trompetista Freddie Hubbard estuvo en el escenario de la "Fabrik" como artista invitado uniéndose al trío de uno de los pianistas más destacados del jazz contemporáneo: McCoy Tyner, cuyo toque extremadamente poderoso siempre añadía una cualidad percusiva muy enérgica a su virtuosa interpretación. McCoy Tyner falleció en marzo de 2020. Las grabaciones de 1986 (entonces tenía 58 años) le muestran en la cumbre de su fama como dueño de una expresividad única que le caracterizaba como artista. Destacan su interpretación al piano y el carisma excepcional de la trompeta de Hubbard (del mismo año de nacimiento que Tyner (1938) pero ya fallecido en 2008), pero también el bajista Avery Sharpe, nacido en 1954 y maestro tanto en la guitarra acústica como en la eléctrica, así como Louis Hayes, que hasta hoy a sus ochenta años es uno de los percusionistas modernos más resistentes, dejan su huella en las pistas de dos CD que documentan uno de los momentos álgidos absolutos de los conciertos de esta época.
https://www.amazon.com/Live-At-Fabrik-Hamburg-1986/dp/B09R3DHQP7

Stanley Turrentine • Easy Walker

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine  
Easy Walker is a fairly standard but highly enjoyable small-group soul-jazz session from Stanley Turrentine.
Backed by a rhythm section of pianist McCoy Tyner, drummer Mickey Roker, and bassist Bob Cranshaw, Turrentine turns in a number of rich, round, and full-bodied leads which are perfectly complemented by Tyner's strutting, sympathetic piano. Largely divided between midtempo grooves and slow blues, with a couple of pop covers like "What the World Needs Now Is Love," thrown in, Easy Walker doesn't offer much challenging material, but it does let the musicians work a good groove, and occasionally showcase their improvisational skills, making it a good, relaxing soul-jazz session.
The 1997 CD reissue features four bonus tracks which were recorded with drummer Billy Cobham and bassist Gene Taylor, along with Tyner; the highlight of these is a breezy version of Antonio Carlos Jobim's "Wave."
https://www.allmusic.com/album/easy-walker-mw0000087671

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine  
Easy Walker es una sesión de soul-jazz en pequeño grupo de Stanley Turrentine bastante estándar pero muy disfrutable.
Respaldado por una sección rítmica compuesta por el pianista McCoy Tyner, el baterista Mickey Roker y el bajista Bob Cranshaw, Turrentine ofrece una serie de pistas ricas, redondas y con cuerpo que se complementan perfectamente con el piano simpático de Tyner. Dividido en gran parte entre grooves a medio tiempo y blues lento, con un par de versiones pop como "What the World Needs Now Is Love", Easy Walker no ofrece mucho material desafiante, pero permite a los músicos trabajar un buen groove, y ocasionalmente mostrar sus habilidades de improvisación, convirtiéndolo en una buena y relajante sesión de soul-jazz.
La reedición en CD de 1997 incluye cuatro temas extra que fueron grabados con el batería Billy Cobham y el bajista Gene Taylor, junto con Tyner; el más destacado de ellos es una versión desenfadada de "Wave" de Antonio Carlos Jobim.
https://www.allmusic.com/album/easy-walker-mw0000087671

Freddie Hubbard • Goin' Up

 

McCoy Tyner • Piano Jazz

 

It is to McCoy Tyner’s great credit that his career after John Coltrane has been far from anti-climatic. Along with Bill Evans, Tyner has been the most influential pianist in jazz of the past 50 years, with his chord voicings being adopted and utilized by virtually every younger pianist. A powerful virtuoso and a true original (compare his playing in the early ’60s with anyone else from the time), Tyner (like Thelonious Monk) has not altered his style all that much from his early days but he has continued to grow and become even stronger.

Tyner grew up in Philadelphia, where Bud Powell and Richie Powell were neighbors. As a teenager he gigged locally and met John Coltrane. He made his recording debut with the Art Farmer-Benny Golson Jazztet, but after six months left the group to join Coltrane in what (with bassist Jimmy Garrison and drummer Elvin Jones) would become the classic quartet. Few other pianists of the period had both the power and the complementary open-minded style to inspire Coltrane, but Tyner was never overshadowed by the innovative saxophonist. During the Coltrane years (1960-1965), the pianist also led his own record dates for Impulse.

After leaving Coltrane, Tyner struggled for a period, working as a sideman (with Ike and Tina Turner, amazingly) and leading his own small groups; his recordings were consistently stimulating even during the lean years. After he signed with Milestone in 1972, Tyner began to finally be recognized as one of the greats, and he has never been short of work since. Although there have been occasional departures (such as a 1978 all-star quartet tour with Sonny Rollins and duo recordings with Stephane Grappelli), Tyner has mostly played with his own groups since the ’70s, which have ranged from a quartet with Azar Lawrence and a big band to his trio. In the ’80s and ’90s, Tyner did the rounds of labels (his old homes Blue Note and Impulse! as well as Verve, Enja, and Milestone) before settling in with Telarc in the late ’90s and releasing a fine series of albums including 2000’s Jazz Roots: McCoy Tyner Honors Jazz Piano Legends of the 20th Century and 2004’s Illuminations. In 2007, Tyner returned with the studio album McCoy Tyner Quartet featuring saxophonist Joe Lovano, bassist Christian McBride, and drummer Jeff “Tain” Watts. ~ Scott Yanow

After signing with Telarc, he recorded with several trios that included Charnett Moffett on bass and Al Foster on drums. In 2008, he toured with a quartet of Gary Bartz, Gerald L. Cannon, and Eric Kamau Gravatt.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed McCoy Tyner among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

On March 6, 2020, Tyner died at his home in northern New Jersey, at the age of 81. No other details were provided.

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Es un gran mérito de McCoy Tyner que su carrera después de John Coltrane no haya sido ni mucho menos anticlimática. Junto con Bill Evans, Tyner ha sido el pianista más influyente en el jazz de los últimos 50 años, y sus voces de acordes han sido adoptadas y utilizadas por prácticamente todos los pianistas jóvenes. Un virtuoso poderoso y un verdadero original (comparen su forma de tocar a principios de los 60 con cualquier otro de la época), Tyner (como Thelonious Monk) no ha alterado mucho su estilo desde sus comienzos, pero ha seguido creciendo y haciéndose aún más fuerte.

Tyner creció en Filadelfia, donde Bud Powell y Richie Powell eran vecinos. En su adolescencia, se presentó en la ciudad y conoció a John Coltrane. Hizo su debut discográfico con el Art Farmer-Benny Golson Jazztet, pero después de seis meses dejó el grupo para unirse a Coltrane en lo que (con el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones) se convertiría en el cuarteto clásico. Pocos otros pianistas de la época tenían tanto el poder como el estilo complementario de mente abierta para inspirar a Coltrane, pero Tyner nunca fue eclipsado por el saxofonista innovador. Durante los años de Coltrane (1960-1965), el pianista también dirigió sus propias fechas de grabación para Impulse.

Después de dejar Coltrane, Tyner luchó durante un período, trabajando como sideman (con Ike y Tina Turner, sorprendentemente) y dirigiendo sus propios grupos pequeños; sus grabaciones fueron constantemente estimulantes incluso durante los años de escasez. Después de firmar con Milestone en 1972, Tyner comenzó a ser finalmente reconocido como uno de los grandes, y nunca le ha faltado trabajo desde entonces. Aunque ha habido algunas salidas ocasionales (como una gira del cuarteto de estrellas en 1978 con Sonny Rollins y grabaciones en dúo con Stéphane Grappelli), Tyner ha tocado sobre todo con sus propios grupos desde los años 70, que han ido desde un cuarteto con Azar Lawrence y una gran banda hasta su trío. En los 80 y 90, Tyner hizo las rondas de sellos discográficos (sus viejos hogares Blue Note e Impulse! así como Verve, Enja, y Milestone) antes de establecerse con Telarc a finales de los 90 y lanzar una buena serie de álbumes incluyendo 2000's Jazz Roots: McCoy Tyner honra a las leyendas del piano de jazz del siglo XX y a los Illuminations de 2004. En 2007, Tyner regresó con el álbum de estudio McCoy Tyner Quartet con el saxofonista Joe Lovano, el bajista Christian McBride y el baterista Jeff "Tain" Watts. ~ Scott Yanow

Después de firmar con Telarc, grabó con varios tríos que incluían a Charnett Moffett en el bajo y Al Foster en la batería. En 2008, realizó una gira con un cuarteto de Gary Bartz, Gerald L. Cannon y Eric Kamau Gravatt.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a McCoy Tyner en la lista de cientos de artistas cuyo material, según se informó, fue destruido en el incendio del Universal en 2008.

El 6 de marzo de 2020, Tyner murió en su casa en el norte de Nueva Jersey, a la edad de 81 años. No se dieron más detalles.

 

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McCoy Tyner Quartet • Live in London

 

 

It is to McCoy Tyner’s great credit that his career after John Coltrane has been far from anti-climatic. Along with Bill Evans, Tyner has been the most influential pianist in jazz of the past 50 years, with his chord voicings being adopted and utilized by virtually every younger pianist. A powerful virtuoso and a true original (compare his playing in the early ’60s with anyone else from the time), Tyner (like Thelonious Monk) has not altered his style all that much from his early days but he has continued to grow and become even stronger.

Tyner grew up in Philadelphia, where Bud Powell and Richie Powell were neighbors. As a teenager he gigged locally and met John Coltrane. He made his recording debut with the Art Farmer-Benny Golson Jazztet, but after six months left the group to join Coltrane in what (with bassist Jimmy Garrison and drummer Elvin Jones) would become the classic quartet. Few other pianists of the period had both the power and the complementary open-minded style to inspire Coltrane, but Tyner was never overshadowed by the innovative saxophonist. During the Coltrane years (1960-1965), the pianist also led his own record dates for Impulse.

After leaving Coltrane, Tyner struggled for a period, working as a sideman (with Ike and Tina Turner, amazingly) and leading his own small groups; his recordings were consistently stimulating even during the lean years. After he signed with Milestone in 1972, Tyner began to finally be recognized as one of the greats, and he has never been short of work since. Although there have been occasional departures (such as a 1978 all-star quartet tour with Sonny Rollins and duo recordings with Stephane Grappelli), Tyner has mostly played with his own groups since the ’70s, which have ranged from a quartet with Azar Lawrence and a big band to his trio. In the ’80s and ’90s, Tyner did the rounds of labels (his old homes Blue Note and Impulse! as well as Verve, Enja, and Milestone) before settling in with Telarc in the late ’90s and releasing a fine series of albums including 2000’s Jazz Roots: McCoy Tyner Honors Jazz Piano Legends of the 20th Century and 2004’s Illuminations. In 2007, Tyner returned with the studio album McCoy Tyner Quartet featuring saxophonist Joe Lovano, bassist Christian McBride, and drummer Jeff “Tain” Watts. ~ Scott Yanow

After signing with Telarc, he recorded with several trios that included Charnett Moffett on bass and Al Foster on drums. In 2008, he toured with a quartet of Gary Bartz, Gerald L. Cannon, and Eric Kamau Gravatt.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed McCoy Tyner among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

On March 6, 2020, Tyner died at his home in northern New Jersey, at the age of 81. No other details were provided.

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Es un gran mérito de McCoy Tyner que su carrera después de John Coltrane no haya sido ni mucho menos anticlimática. Junto con Bill Evans, Tyner ha sido el pianista más influyente en el jazz de los últimos 50 años, y sus voces de acordes han sido adoptadas y utilizadas por prácticamente todos los pianistas jóvenes. Un virtuoso poderoso y un verdadero original (comparen su forma de tocar a principios de los 60 con cualquier otro de la época), Tyner (como Thelonious Monk) no ha alterado mucho su estilo desde sus comienzos, pero ha seguido creciendo y haciéndose aún más fuerte.

Tyner creció en Filadelfia, donde Bud Powell y Richie Powell eran vecinos. En su adolescencia, se presentó en la ciudad y conoció a John Coltrane. Hizo su debut discográfico con el Art Farmer-Benny Golson Jazztet, pero después de seis meses dejó el grupo para unirse a Coltrane en lo que (con el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones) se convertiría en el cuarteto clásico. Pocos otros pianistas de la época tenían tanto el poder como el estilo complementario de mente abierta para inspirar a Coltrane, pero Tyner nunca fue eclipsado por el saxofonista innovador. Durante los años de Coltrane (1960-1965), el pianista también dirigió sus propias fechas de grabación para Impulse.

Después de dejar Coltrane, Tyner luchó durante un período, trabajando como sideman (con Ike y Tina Turner, sorprendentemente) y dirigiendo sus propios grupos pequeños; sus grabaciones fueron constantemente estimulantes incluso durante los años de escasez. Después de firmar con Milestone en 1972, Tyner comenzó a ser finalmente reconocido como uno de los grandes, y nunca le ha faltado trabajo desde entonces. Aunque ha habido algunas salidas ocasionales (como una gira del cuarteto de estrellas en 1978 con Sonny Rollins y grabaciones en dúo con Stéphane Grappelli), Tyner ha tocado sobre todo con sus propios grupos desde los años 70, que han ido desde un cuarteto con Azar Lawrence y una gran banda hasta su trío. En los 80 y 90, Tyner hizo las rondas de sellos discográficos (sus viejos hogares Blue Note e Impulse! así como Verve, Enja, y Milestone) antes de establecerse con Telarc a finales de los 90 y lanzar una buena serie de álbumes incluyendo 2000's Jazz Roots: McCoy Tyner honra a las leyendas del piano de jazz del siglo XX y a los Illuminations de 2004. En 2007, Tyner regresó con el álbum de estudio McCoy Tyner Quartet con el saxofonista Joe Lovano, el bajista Christian McBride y el baterista Jeff "Tain" Watts. ~ Scott Yanow

Después de firmar con Telarc, grabó con varios tríos que incluían a Charnett Moffett en el bajo y Al Foster en la batería. En 2008, realizó una gira con un cuarteto de Gary Bartz, Gerald L. Cannon y Eric Kamau Gravatt.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a McCoy Tyner en la lista de cientos de artistas cuyo material, según se informó, fue destruido en el incendio del Universal en 2008.

El 6 de marzo de 2020, Tyner murió en su casa en el norte de Nueva Jersey, a la edad de 81 años. No se dieron más detalles.

 

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