Live at Newport, Rhode Island; July 1, 1961. Recording source unknown. Mono.
This Coltrane recording is from “Music At Newport, an entirely different one-off event that happened in Newport that summer.
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En directo en Newport, Rhode Island; 1 de julio de 1961. Fuente de grabación desconocida. Mono.
Esta
grabación de Coltrane pertenece a "Music At Newport", un evento único
totalmente diferente que tuvo lugar en Newport ese verano.
www.johncoltrane.com ...
Newport
'63 is the compilation of three songs recorded in wonderful versions at
the Newport Jazz Festival in 1963: I Want to Talk About You, My
Favorite Things and Impressions, which have the particularity that
drummer Roy Haynes replaces the usual quartet member Elvin Jones; plus
the addition of Chasin' Another Trane, taken from the legendary sessions
at the Village Vanguard in 1961, the only piece in which the
aforementioned drummer plays.
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Newport
'63 es la compilación de tres temas grabados en maravillosas versiones
en el Festival de Jazz de Newport, en 1963: I Want to Talk About You, My
Favorite Things e Impressions, que tienen como particularidad el hecho
de que el baterista Roy Haynes reemplaza al usual miembro del cuarteto
Elvin Jones; más el agregado de Chasin' Another Trane, extraida de las
legendarias sesiones en el Village Vanguard de 1961, única pieza en la
que toca el mencionado baterista.
www.johncoltrane.com ...
Hard wailing hardbop, touched by some of the modernist sensibilities that Priester forged while working in his Chicago underground years that included brief stints with Sun Ra! The set's one of the best hardbop sides to be cut for the Jazzland label -- and it's got a relaxed soulful feel that puts it among some of the great lost jazz albums from the early 60s. Priester leads the group with a great deal of tightness, and players include a young McCoy Tyner on piano, the soulful Charles Davis on baritone sax, the excellent tenor player Walter Benton, and the always wonderful rhythm team of Sam Jones and Art Taylor. Tracks include "Blue Stride", "Excursion", "Chi Chi", and "Spiritsville". Very nice -- and very hard to find!
https://www.dustygroove.com/item/31841/Julian-Priester:Spiritsville
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Hard wailing hardbop, tocado por algunas de las sensibilidades modernistas que Priester forjó mientras trabajaba en sus años underground de Chicago, ¡que incluyeron breves temporadas con Sun Ra! El conjunto es una de las mejores caras del hardbop que se grabó para el sello Jazzland, y tiene un aire relajado y conmovedor que lo sitúa entre algunos de los grandes álbumes de jazz perdidos de principios de los 60. Priester lidera el grupo con gran firmeza, y entre los músicos se incluyen un joven McCoy Tyner al piano, el conmovedor Charles Davis al saxo barítono, el excelente tenor Walter Benton, y el siempre maravilloso equipo rítmico de Sam Jones y Art Taylor. Los temas incluyen "Blue Stride", "Excursion", "Chi Chi" y "Spiritsville". Muy bonito -- ¡y muy difícil de encontrar!
https://www.dustygroove.com/item/31841/Julian-Priester:Spiritsville
Review
by Lindsay Planer
This is one of the most highly underrated entries in Coltrane's voluminous catalog. Although the same overwhelming attention bestowed upon My Favorite Things was not given to Coltrane's Sound upon its initial release, both were actually recorded during the same three-day period in the fall of 1960. So prolific were those recording dates, they informed no less than five different Coltrane albums on Atlantic. The title could not have been more accurate, as each of the six pieces bear the unmistakable and indelible stamp of Coltrane's early-'60s style. "The Night Has a Thousand Eyes" and "Body and Soul" (the only tracks not penned by Coltrane) are given unique and distinctive voices. Animating the arrangements on these sessions were Coltrane (soprano/tenor sax), Steve Davis (bass), Elvin Jones (drums), and McCoy Tyner (piano). It's perhaps Tyner's recollection of the quartet as "four pistons in an engine" that most aptly explains the singular drive heard during Coltrane's extended runs on "Liberia." Tyner flawlessly complements Coltrane with full resonating chords that cling to his volley of sound. The rhythmic gymnastics of percussionist Jones is also showcased as his double-jointed bop swing and military band precision are distinctly displayed on the blues "Equinox." The opening six bars give Jones a chance to make a contrasting statement -- which he takes full advantage of. Regardless of the lack of attention, these recordings remain among Trane's finest. [Some reissues add two bonus tracks, "26-2" as well as an alternate take of "Body and Soul."]
https://www.allmusic.com/album/coltranes-sound-mw0000604247
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Reseña
por Lindsay Planer
Esta es una de las entradas más subestimadas en el voluminoso catálogo de Coltrane. Aunque la misma atención abrumadora otorgada a My Favorite Things no se le dio al sonido de Coltrane en su lanzamiento inicial, ambos se grabaron durante el mismo período de tres días en el otoño de 1960. Tan prolíficas fueron esas fechas de grabación, que informaron no menos de cinco álbumes diferentes de Coltrane en Atlantic. El título no podría haber sido más preciso, ya que cada una de las seis piezas lleva el sello inconfundible e indeleble del estilo de principios de los años 60 de Coltrane. "The Night Has a Thousand Eyes "y" Body and Soul " (las únicas canciones no escritas por Coltrane) tienen voces únicas y distintivas. Los arreglos de estas sesiones fueron animados por Coltrane (soprano / saxo tenor), Steve Davis (bajo), Elvin Jones (batería) y McCoy Tyner (piano). Es quizás el recuerdo de Tyner del cuarteto como "cuatro pistones en un motor" lo que explica más acertadamente el impulso singular que se escuchó durante las carreras extendidas de Coltrane en "Liberia"."Tyner complementa a la perfección a Coltrane con acordes resonantes completos que se aferran a su descarga de sonido. La gimnasia rítmica del percusionista Jones también se muestra como su swing bop de doble articulación y la precisión de la banda militar se muestran claramente en el Equinoccio de blues."Los seis compases iniciales le dan a Jones la oportunidad de hacer una declaración contrastante, que aprovecha al máximo. A pesar de la falta de atención, estas grabaciones se encuentran entre las mejores de Trane. [Algunas reediciones agregan dos pistas adicionales, "26-2", así como una toma alternativa de " Body and Soul."]
https://www.allmusic.com/album/coltranes-sound-mw0000604247
Review from AllMusic:
While this isn't the only Wayne Shorter Blue Note collection, it is the best. The Best of Wayne Shorter, which was released in 1998 within a series of other Blue Note best-ofs that were coming out at the time, is adequate, but with only one disc it's hard to cover any ground with a guy who's recorded around a dozen top-notch records as a leader for Blue Note, and then appeared on scores of others — and that's where this collection wins. The second disc consists of appearances he made alongside such greats as Art Blakey, Lee Morgan, and Freddie Hubbard. Perhaps a Blue Note Wayne Shorter box set is in order? At any rate, "Speak No Evil," "Footprints," "Witch Hunt," and "Nefertiti" prove to highlight Wayne Shorter's astounding career and in turn show off jazz composition in general — as Shorter stands as one of the genre's best songwriters. Recommended as a springboard into the full-length discs these tracks are culled from, The Classic Blue Note Recordings of Wayne Shorter hits the mark.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588
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Reseña de AllMusic:
Si bien esta no es la única compilación de Blue Note de Wayne Shorter, sí es la mejor. The Best of Wayne Shorter, publicada en 1998 dentro de una serie de recopilaciones de Blue Note que salían por entonces, es adecuada, pero con un solo disco es difícil cubrir el terreno de un artista que grabó alrededor de una docena de discos de primera categoría como líder para Blue Note, y apareció en decenas más — y ahí es donde esta colección gana. El segundo disco consiste en sus apariciones junto a grandes como Art Blakey, Lee Morgan y Freddie Hubbard. ¿Quizás un box set de Wayne Shorter para Blue Note sea lo que se necesita? En cualquier caso, "Speak No Evil", "Footprints", "Witch Hunt" y "Nefertiti" destacan la asombrosa carrera de Wayne Shorter y a su vez exhiben la composición en el jazz en general — ya que Shorter es uno de los mejores compositores del género. Recomendada como trampolín hacia los discos completos de los que se toman estos temas, The Classic Blue Note Recordings da en el blanco.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588
Review by Scott Yanow
Time
for Tyner finds pianist McCoy Tyner with vibraphonist Bobby Hutcherson,
bassist Herbie Lewis, and drummer Freddie Waits. Tyner and Hutcherson
blend together quite well on the first three tracks from the original
program (all Tyner originals), and both display expertise at coming up
with inventive ideas over modal vamps. The other three selections are
veteran standards. "I Didn't Know What Time It Was" is taken by the full
quartet, Hutcherson sits out on "Surrey with the Fringe on Top," and a
rhapsodic "I've Grown Accustomed to Your Face" is a piano solo. A fine
all-round showcase for McCoy Tyner in the late '60s.
https://www.allmusic.com/album/time-for-tyner-mw0000194022
Review by allaboutjazz
With
the release of the latest batch of Rudy Van Gelder Blue Note reissues
comes the opportunity to hear vibraphonist Bobby Hutcherson on two
sessions that demonstrate just how flexible he is—something that
continues to define him to this day on projects like the
recently-released SFJazz Collective. But unlike SFJazz, which is a true
cooperative ensemble, we're talking about Hutcherson the sideman on the
'64 date that would become pianist Andrew Hill's Judgement, and here, on
pianist McCoy Tyner's '68 session Time for Tyner.
Both sessions
are quartet dates featuring vibes, piano, bass, and drums—in this case
the rhythm section consists of bassist Herbie Lewis and drummer Freddie
Waits. Waits comes to mind these days more as the father of drummer
Nasheet Waits, but he was an equally versatile player who appeared on
numerous sessions for Tyner, Hubert Laws, Hill, and others before his
untimely passing in '89 at the age of 46. The teaming of two chordal
instruments raises the possibility of some toe-stepping, but Hutcherson,
unlike Gary Burton who emerged around the same time, was always a more
linear player. And so while this is texturally lighter than dates
featuring a horn in the front line, Hutcherson plays a similar role.
Time
for Tyner is situated between two '67 releases, the quartet classic The
Real McCoy and octet Tender Moments, and the less-reputed but equally
significant Expansions—recorded a scant three months later with the same
rhythm section, but featuring a three-horn front line and Ron Carter on
cello. It distinguishes itself as the only session from that two-year
period which is not weighted heavily towards Tyner originals.
Tyner's
three originals here are characteristic of his writing at the time,
logical expansions on the modal approach he honed in his years with John
Coltrane. They are equally indicative of why he ultimately left the
saxophonist in '65, with Coltrane's shift towards completely
unstructured form becoming too extreme for Tyner's more down-the-middle
disposition. Still, while songs like the three-over-four polyrhythmic
"African Village and the more rhythmically straightforward "Little
Madimba may not feel particularly innovative forty years later, with
Tyner ultimately becoming one of the most influential pianists to emerge
in the last half-century, they're certainly still compelling enough, as
is the up-tempo swing of "May Street.
More telling is his take
on three standards. Tyner adds a whole-tone vamp to break up the more
familiar refrains of "I Didn't Know What Time It Was, while "The Surrey
With the Fringe on Top, pared down to a trio, is taken at an
uncharacteristically fast tempo with a middle section that returns to
modal terrain. The album closes with an open-ended solo rendition of
"I've Grown Accustomed to Her Face that demonstrates just how liberal
Tyner could be within a mainstream context.
While the ensuing
years have proven Time for Tyner to be more of a way station than a push
forward, it's still fully deserving of the Van Gelder remaster
treatment. It's also proof that Tyner's ability to reinvent standards
was certainly on par with his own compositional acumen.
By John Kelman
September 19, 2005
https://www.allaboutjazz.com/time-for-tyner-mccoy-tyner-blue-note-records-review-by-john-kelman
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Reseña de Scott Yanow
Time
for Tyner reúne al pianista McCoy Tyner con el vibrafonista Bobby
Hutcherson, el bajista Herbie Lewis y el batería Freddie Waits. Tyner y
Hutcherson se compenetran bastante bien en los tres primeros temas del
programa original (todos originales de Tyner), y ambos demuestran su
pericia a la hora de aportar ideas inventivas sobre los vamps modales.
Las otras tres selecciones son estándares veteranos. "I Didn't Know What
Time It Was" es interpretada por el cuarteto al completo, Hutcherson
participa en "Surrey with the Fringe on Top" y la rapsódica "I've Grown
Accustomed to Your Face" es un solo de piano. Un buen escaparate para
McCoy Tyner a finales de los 60.
https://www.allmusic.com/album/time-for-tyner-mw0000194022
Reseña de allaboutjazz
Con
la publicación del último lote de reediciones de Blue Note de Rudy Van
Gelder llega la oportunidad de escuchar al vibrafonista Bobby Hutcherson
en dos sesiones que demuestran lo flexible que es, algo que le sigue
definiendo hasta hoy en proyectos como el recientemente publicado SFJazz
Collective. Pero a diferencia de SFJazz, que es un verdadero conjunto
cooperativo, estamos hablando de Hutcherson el sideman en la fecha de
'64 que se convertiría en Judgement del pianista Andrew Hill, y aquí, en
la sesión de '68 Time for Tyner del pianista McCoy Tyner.
Ambas
sesiones son citas de cuarteto con vibráfono, piano, bajo y batería; en
este caso, la sección rítmica está formada por el bajista Herbie Lewis y
el batería Freddie Waits. A Waits se le recuerda más como el padre del
batería Nasheet Waits, pero fue un músico igualmente versátil que
participó en numerosas sesiones para Tyner, Hubert Laws, Hill y otros
antes de su prematuro fallecimiento en el 89 a la edad de 46 años. La
combinación de dos instrumentos de acordes plantea la posibilidad de
algunos toe-stepping, pero Hutcherson, a diferencia de Gary Burton, que
surgió en la misma época, siempre fue un músico más lineal. Y así,
aunque esto es texturalmente más ligero que las fechas con un cuerno en
primera línea, Hutcherson desempeña un papel similar.
Time for
Tyner se sitúa entre dos lanzamientos del 67, el clásico cuarteto The
Real McCoy y el octeto Tender Moments, y el menos reputado pero
igualmente significativo Expansions, grabado apenas tres meses después
con la misma sección rítmica, pero con tres trompas al frente y Ron
Carter al violonchelo. Se distingue por ser la única sesión de ese
periodo de dos años en la que no predominan los originales de Tyner.
Los
tres temas originales de Tyner son característicos de su estilo en
aquella época, expansiones lógicas del enfoque modal que perfeccionó en
sus años con John Coltrane. Son igualmente indicativos de por qué
finalmente abandonó al saxofonista en el 65, ya que el giro de Coltrane
hacia una forma completamente desestructurada se volvió demasiado
extremo para la disposición más relajada de Tyner. Aún así, aunque
canciones como la polirrítmica "African Village" y la rítmicamente más
sencilla "Little Madimba" no parezcan especialmente innovadoras cuarenta
años después, cuando Tyner se ha convertido en uno de los pianistas más
influyentes del último medio siglo, siguen siendo lo suficientemente
convincentes, como lo es el swing de "May Street".
Más reveladora
es su versión de tres estándares. Tyner añade un vampiro de tonos
enteros para romper los estribillos más familiares de "I Didn't Know
What Time It Was", mientras que "The Surrey With the Fringe on Top",
reducida a un trío, se interpreta a un tempo inusualmente rápido con una
sección central que vuelve al terreno modal. El álbum se cierra con una
interpretación en solitario de "I've Grown Accustomed to Her Face" que
demuestra lo liberal que podía ser Tyner en un contexto convencional.
Aunque
los años siguientes han demostrado que Time for Tyner es más una
estación de paso que un impulso hacia adelante, sigue mereciendo
plenamente el tratamiento de remasterización de Van Gelder. También es
la prueba de que la capacidad de Tyner para reinventar los estándares
estaba ciertamente a la altura de su propia perspicacia compositiva.
Por John Kelman
19 de septiembre de 2005
https://www.allaboutjazz.com/time-for-tyner-mccoy-tyner-blue-note-records-review-by-john-kelman
Biography by Richard S. Ginell
Wayne
Shorter was one of jazz's leading figures in the late 20th and early
21st centuries as both a composer and saxophonist. Though indebted to
John Coltrane, with whom he practiced in the mid-'50s, Shorter developed
his own voice and style on the tenor horn, retaining the tough tone
quality and intensity and, in later years, adding elements of funk. On
soprano, Shorter was almost another player entirely, his lovely tone
attuned more to lyrical thoughts, his choice of notes more spare. As a
composer, he wrote complex, long-limbed tunes, many of which are now
standards. On his '60s albums for Blue Note, most notably Juju and Night
Dreamer, the composer and the saxophone stylist meet. He co-founded
Weather Report in 1970 and through 1986 released Grammy-winning albums.
He issued jazz-funk recordings for Columbia and Verve in the late '80s
and early '90s, including Joy Ryder and High Life. On 2002's Footprints
Live!, and 2003's Alegria, Shorter showcased a new acoustic quartet
dedicated to performing his compositions. As he entered his eighties,
Shorter focused on impressively complex projects, including 2018's
Emanon, a graphic novel combined with four-part studio suite and 2021's
opera based on Greek myths titled Iphigenia.
Shorter started
playing the clarinet at 16 but switched to tenor sax before entering New
York University in 1952. After graduating with a BME in 1956, he played
with Horace Silver for a short time until he was drafted into the Army
for two years. Once out of the service, he joined Maynard Ferguson's
band, meeting Ferguson's pianist Joe Zawinul in the process. The
following year (1959), Shorter joined Art Blakey's Jazz Messengers,
where he remained until 1963, eventually becoming the band's music
director. During the Blakey period, Shorter also made his debut on
record as a leader, cutting several albums for Chicago's Vee-Jay label.
After a few prior attempts to hire him away from Blakey, Miles Davis
finally convinced Shorter to join his quintet in September 1964.
Staying
with Davis until 1970, Shorter became one of the band's most prolific
composer, contributing tunes like "E.S.P.," "Pinocchio," "Nefertiti,"
"Sanctuary," "Footprints," "Fall," and the signature description of
Davis, "Prince of Darkness." While playing through Davis' transition
from loose, post-bop acoustic jazz into electronic jazz-rock, Shorter
also took up the soprano in late 1968, an instrument that turned out to
be more suited to riding above the new electronic timbres than the
tenor. As a prolific solo artist for Blue Note during this period,
Shorter expanded his palette from hard bop almost into the atonal
avant-garde, with fascinating excursions into jazz-rock territory toward
the turn of the decade.
In November 1970, Shorter teamed up with
old cohort Joe Zawinul and Miroslav Vitous to form Weather Report
where, after a fierce start, Shorter's playing grew mellower and more
consciously melodic in order to fit into Zawinul's concepts. By now he
was playing mostly on soprano, though the tenor would re-emerge toward
the end of the group's run. Shorter's solo career was mostly put on hold
during the Weather Report days, though 1975's Native Dancer was an
attractive side trip into Brazilian-American tropicalismo made in tandem
with Milton Nascimento. Shorter also revisited the past in the late
'70s by touring with Freddie Hubbard and ex-Davis sidemen Herbie
Hancock, Ron Carter, and Tony Williams as V.S.O.P.
Shorter
finally left Weather Report in 1985. Still committed to electronics and
fusion, his recorded compositions from the period feature welcoming
rhythms and harmonically complex arrangements. After three Columbia
albums between 1986 and 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator, and Joy
Ryder -- and a tour with Santana (represented by the 2005 album Montreux
1988), he lapsed into silence, emerging again in 1992 with Wallace
Roney and the V.S.O.P. rhythm section in the "A Tribute to Miles" band.
In 1994, now on Verve, Shorter released High Life, an engaging electric
collaboration with keyboardist Rachel Z.
He continued playing
concerts with a wide range of groups and appeared on a number of
recordings as a guest including the Rolling Stones' Bridges to Babylon
in 1997 and Herbie Hancock's Gershwin's World in 1998. In 2001, he was
back with Hancock for Future 2 Future and on Marcus Miller's M².
Footprints Live! was released in 2002 under his own name with a new band
that included pianist Danilo Pérez, bassist John Patitucci, and drummer
Brian Blade, followed by Alegria in 2003 and Beyond the Sound Barrier
in 2005.
Though absent from recording, Shorter continued to tour
regularly with the same quartet after 2005. They re-emerged to record
again in February of 2013 with a live outing from their 2011 tour.
Without a Net, his first recording for Blue Note in 43 years, was issued
in February of 2013 as a precursor to his 80th birthday. Just after
that release, the Wayne Shorter Quartet performed four of the leader's
compositions with the Orpheus Chamber Orchestra at Carnegie Hall in New
York City. Shorter immediately brought the quartet and orchestra into
the studio to record those same four pieces: "Pegasus," "Prometheus
Unbound," "Lotus," and "The Three Marias," as a unified suite. The title
of this four-composition orchestral suite is also Shorter’s title
character for the graphic novel Emanon, or "no name" spelled backward.
Each of the four movements has a corresponding theme in a graphic novel
penned by Shorter and Monica Sly and illustrated by Randy DeBurke. It
draws inspiration from the concept of a multiverse (where numerous
universes co-exist simultaneously) and features a character named
Emanon, an action-hero proxy of Shorter, a comic book aficionado since
he was a boy. The story alludes to dystopian oppression and was clearly
informed by the saxophonist's Buddhist studies. All told, the music --
performed by the quartet with and without the chamber orchestra -- was
recorded live in London as well as in the studio, creating a triple
album accompanied by the 84-page graphic novel. Emanon was issued in
September of 2018, just after Shorter's 85th birthday. His next project
proved just as ambitious, writing an opera based around the myth of
Iphigenia, a Greek princess. Shorter co-created the work with librettist
esperanza spalding and set designer Frank Gehry. The work merged jazz
and classical themes and premiered in New York at the end of 2021. The
following year Candid released Live at the Detroit Jazz Festival.
Recorded at the 2017 event, it featured Shorter in a one-off quartet
setting that included drummer Terri Lyne Carrington, bassist/vocalist
esperanza spalding, and Argentine pianist Leo Genovese. It proved to be
the last music issued during his lifetime, as he passed away in March of
2023 at the age of 89.
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Biografía de Richard S. Ginell
Wayne
Shorter fue una de las figuras más destacadas del jazz de finales del
siglo XX y principios del XXI como compositor y saxofonista. Aunque
deudor de John Coltrane, con quien practicó a mediados de los años 50,
Shorter desarrolló su propia voz y estilo en la trompa tenor,
conservando la calidad e intensidad del tono duro y, en años
posteriores, añadiendo elementos de funk. En la soprano, Shorter era
casi otro intérprete, con un timbre encantador más acorde con los
pensamientos líricos y una elección de notas más sobria. Como
compositor, escribía melodías complejas y de largo aliento, muchas de
las cuales se han convertido en estándares. En sus álbumes de los años
60 para Blue Note, entre los que destacan Juju y Night Dreamer, el
compositor y el saxofonista se encuentran. Fue cofundador de Weather
Report en 1970 y hasta 1986 publicó álbumes ganadores del Grammy.
Publicó grabaciones de jazz-funk para Columbia y Verve a finales de los
80 y principios de los 90, entre ellas Joy Ryder y High Life. En
Footprints Live!, de 2002, y Alegria, de 2003, Shorter presentó un nuevo
cuarteto acústico dedicado a interpretar sus composiciones. Al entrar
en la década de los ochenta, Shorter se centró en proyectos
impresionantemente complejos, como Emanon, de 2018, una novela gráfica
combinada con una suite de estudio en cuatro partes, y la ópera de 2021
basada en los mitos griegos titulada Ifigenia.
Shorter empezó a
tocar el clarinete a los 16 años, pero cambió al saxo tenor antes de
ingresar en la Universidad de Nueva York en 1952. Tras licenciarse en
1956, tocó con Horace Silver durante un breve periodo hasta que fue
reclutado por el ejército durante dos años. Una vez fuera del servicio,
se unió a la banda de Maynard Ferguson, conociendo en el proceso al
pianista de Ferguson, Joe Zawinul. Al año siguiente (1959), Shorter se
unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, donde permaneció hasta 1963,
llegando a convertirse en el director musical de la banda. Durante el
periodo de Blakey, Shorter también debutó en el mundo discográfico como
líder, grabando varios álbumes para el sello Vee-Jay de Chicago. Tras
varios intentos previos de contratarle lejos de Blakey, Miles Davis
convenció finalmente a Shorter para que se uniera a su quinteto en
septiembre de 1964.
Permaneciendo con Davis hasta 1970, Shorter
se convirtió en uno de los compositores más prolíficos de la banda,
contribuyendo con temas como "E.S.P.", "Pinocchio", "Nefertiti",
"Sanctuary", "Footprints", "Fall" y la descripción característica de
Davis, "Prince of Darkness". Durante la transición de Davis del jazz
acústico post-bop al jazz-rock electrónico, Shorter también tocó la
soprano a finales de 1968, un instrumento que resultó ser más adecuado
que el tenor para navegar por encima de los nuevos timbres electrónicos.
Como prolífico solista para Blue Note durante este periodo, Shorter
amplió su paleta desde el hard bop casi hasta la vanguardia atonal, con
fascinantes incursiones en el territorio del jazz-rock hacia el final de
la década.
En noviembre de 1970, Shorter se unió a su viejo
amigo Joe Zawinul y a Miroslav Vitous para formar Weather Report, donde,
tras un feroz comienzo, la forma de tocar de Shorter se hizo más suave y
más conscientemente melódica para encajar en los conceptos de Zawinul.
Para entonces tocaba sobre todo como soprano, aunque el tenor resurgiría
hacia el final de la carrera del grupo. La carrera en solitario de
Shorter quedó en suspenso durante la época de Weather Report, aunque
Native Dancer, de 1975, fue un atractivo viaje paralelo al tropicalismo
brasileño-estadounidense realizado en colaboración con Milton
Nascimento. Shorter también revisitó el pasado a finales de los 70
haciendo giras con Freddie Hubbard y los ex-compañeros de Davis Herbie
Hancock, Ron Carter y Tony Williams como V.S.O.P.
Shorter
abandonó finalmente Weather Report en 1985. Aún comprometido con la
electrónica y la fusión, sus composiciones grabadas de la época
presentan ritmos acogedores y arreglos armónicamente complejos. Después
de tres álbumes de Columbia entre 1986 y 1988 -- Atlantis, Phantom
Navigator y Joy Ryder -- y una gira con Santana (representada por el
álbum de 2005 Montreux 1988), se sumió en el silencio, emergiendo de
nuevo en 1992 con Wallace Roney y la sección rítmica de V.S.O.P. en la
banda "A Tribute to Miles". En 1994, ahora en Verve, Shorter publicó
High Life, una atractiva colaboración eléctrica con la teclista Rachel
Z.
Siguió dando conciertos con una amplia gama de grupos y
apareció en varias grabaciones como invitado, entre ellas Bridges to
Babylon, de los Rolling Stones, en 1997, y Gershwin's World, de Herbie
Hancock, en 1998. En 2001, volvió con Hancock para Future 2 Future y en
M² de Marcus Miller. Footprints Live! se publicó en 2002 bajo su propio
nombre con una nueva banda que incluía al pianista Danilo Pérez, el
bajista John Patitucci y el batería Brian Blade, seguido de Alegria en
2003 y Beyond the Sound Barrier en 2005.
Review by Dave Nathan
Founded in 1947, Atlantic Records has been the home of some of jazz's more important figures (as well as blues). This compilation, originally issued as a two-fer LP, catches some of the excellent performances by the label's stable of jazz pianists over a period of 35 years. The earliest track is from Erroll Garner's first and only Atlantic album, Passport to Fame, a 1950 trio session where Garner applies his captivating style to "The Way You Look Tonight." The penultimate track on the album is from modernist Don Pullen. In between, there are cuts from albums made by some of the top jazz pianists, not only from that period, but whose work has stood the test of time and is still played regularly. It also shows that owners/producers Ahmet and Nesuhi Ertegun and Herb Abramson were wise and sensible enough to find room for artists representing a wide diversity of styles, from Garner through Dave Brubeck to Pullen and Joe Zawinul. Wide stylistic berth allowances notwithstanding, for most of these artists their stint with the label was short, a stopping off place before landing contracts with a major recording studio such as Columbia. The title is also a bit misleading in the sense the label never had some of the participants under contract. The cuts by Thelonious Monk and Bill Evans were from sessions headed by Art Blakey and Herbie Mann, respectively. But no matter how they got on the album, this collection of jazz piano is unmatched for its breadth and depth.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-piano-mw0000193273
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Reseña de Dave Nathan
Fundada en 1947, Atlantic Records ha sido el hogar de algunas de las figuras más importantes del jazz (así como del blues). Esta compilación, publicada originalmente como un LP de dos unidades, recoge algunas de las excelentes actuaciones de los pianistas de jazz del sello durante un período de 35 años. El primer tema pertenece al primer y único álbum de Erroll Garner en Atlantic, Passport to Fame, una sesión de trío de 1950 en la que Garner aplica su cautivador estilo a "The Way You Look Tonight". El penúltimo tema del álbum es del modernista Don Pullen. Entre medias, hay cortes de álbumes realizados por algunos de los mejores pianistas de jazz, no sólo de la época, sino cuya obra ha resistido el paso del tiempo y se sigue tocando con regularidad. También demuestra que los propietarios/productores Ahmet y Nesuhi Ertegun y Herb Abramson fueron lo suficientemente sabios y sensatos como para dar cabida a artistas que representaban una amplia diversidad de estilos, desde Garner a Dave Brubeck, pasando por Pullen y Joe Zawinul. A pesar de los amplios márgenes estilísticos, para la mayoría de estos artistas su paso por el sello fue breve, un lugar de paso antes de conseguir contratos con un estudio de grabación importante como Columbia. El título también es un poco engañoso en el sentido de que el sello nunca tuvo contrato con algunos de los participantes. Los cortes de Thelonious Monk y Bill Evans proceden de sesiones dirigidas por Art Blakey y Herbie Mann, respectivamente. Pero independientemente de cómo llegaron al álbum, esta colección de piano de jazz es inigualable por su amplitud y profundidad.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-piano-mw0000193273
Review
by Thom Jurek
Recorded
at the Penthouse Club on October 2, 1965, A Love Supreme: Live in
Seattle sat in the archive of musician/educator Joe Brazil (he played
flute on John Coltrane's OM, recorded the day before) for 55 years. Five
years after Brazil's death in 2008, family friend Steve Griggs
discovered two 1/4" reels containing this performance. This is only the
second complete concert performance of A Love Supreme to see the light
of day; the other is from a July 1965 concert in Antibes. The
saxophonist's quartet with McCoy Tyner, Elvin Jones, and Jimmy Garrison
was nearing its end; they were already augmented by bassist Donald
Garrett and saxophonist Pharoah Sanders. Rounding out this septet is
alto saxophonist Carlos Ward, who was invited to sit in that day. Brazil
used an Akai reel-to-reel tape recorder and two microphones. While the
drums sound a bit hot in places, and 'Trane goes off-mic occasionally,
the sound is quite good. This performance almost doubles the length of
the studio album and is 20 minutes longer than Antibes. In addition to
the suite's four movements -- "Acknowledgement," "Resolution,"
"Pursuance," and "Psalm" -- are four improvised solo interludes.
Opener
"Acknowledgement" is nearly 22 minutes long. Other than Coltrane's
familiar flutter on the thematic introduction, this piece is almost
unrecognizable for 15 minutes. The interplay between bassists is canny.
Garrett uses a bow while Garrison strums chords, and Tyner offers
chordal counterpoint as Jones double-times on ride cymbals. Coltrane and
Sanders trade solo spaces with Ward interjecting tentative bursts. The
four-note theme isn't really heard until minute 16. The vocal chant is
absent, replaced by bass and percussive themes that lead into the first
interlude, a short shared bass and percussion solo. "Resolution" emerges
with Coltrane stating the theme briefly. Tyner enters, expands the
frame, and signals Ward in. Initially uncertain, he adds sparse,
dissonant notes and flurries for a few moments and then grabs onto the
rhythm section's tough modal swing and rips the tune wide open with a
killer solo, followed by Sanders and Coltrane blazing scorching trails
through the tune. After a six-minute drum solo interlude, "Pursuance"
begins with Coltrane stating the theme, then Sanders breaks it into
pieces with a long, labyrinthine, and furious solo. Tyner supports with
sharp, chromatic asides before taking his own long, imaginative solo and
dueling with the bassists and Jones. Coltrane doesn't solo at all.
"Psalm," with its trademark bluesy tenor intro, stays closest to the
studio recording. Coltrane takes only a minute to begin ascending but
fades before he reaches a peak as Tyner and Jones envelop him. Coltrane
begins rebuilding the tune, reaches an inner pinnacle, then dissembles
it again amid bowed basses, Tyner's sparse middle register, and Sanders'
Tibetan prayer bells. The audience responds with stunned silence for a
few seconds. It's a startling performance. The package design is simply
stellar and the liner essays by critic/historian Ashley Kahn and
Coltrane biographer Lewis Porter are educational, authoritative, and
indispensable.
https://www.allmusic.com/album/a-love-supreme-live-in-seattle-mw0003586098?1660662822833
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Reseña
por Thom Jurek
Grabado
en el Penthouse Club el 2 de octubre de 1965, A Love Supreme: Live in
Seattle permaneció en el archivo del músico/educador Joe Brazil (tocó la
flauta en el OM de John Coltrane, grabado el día anterior) durante 55
años. Cinco años después de la muerte de Brazil, en 2008, un amigo de la
familia, Steve Griggs, descubrió dos bobinas de 1/4" que contenían esta
actuación. Se trata de la segunda interpretación completa en concierto
de A Love Supreme que ve la luz; la otra es de un concierto de julio de
1965 en Antibes. El cuarteto del saxofonista con McCoy Tyner, Elvin
Jones y Jimmy Garrison se acercaba a su fin; ya se les había añadido el
bajista Donald Garrett y el saxofonista Pharoah Sanders. Completa este
septeto el saxofonista alto Carlos Ward, que fue invitado a participar
ese día. Brasil utilizó una grabadora de carrete Akai y dos micrófonos.
Aunque la batería suena un poco caliente en algunas partes, y 'Trane se
sale del micrófono ocasionalmente, el sonido es bastante bueno. Esta
interpretación casi duplica la duración del álbum de estudio y es 20
minutos más larga que Antibes. Además de los cuatro movimientos de la
suite - "Acknowledgement", "Resolution", "Pursuance" y "Psalm"-, hay
cuatro interludios improvisados en solitario.
El primer
movimiento, "Acknowledgement", dura casi 22 minutos. Aparte del familiar
aleteo de Coltrane en la introducción temática, esta pieza es casi
irreconocible durante 15 minutos. La interacción entre los bajistas es
astuta. Garrett utiliza un arco mientras Garrison rasguea acordes, y
Tyner ofrece un contrapunto de acordes mientras Jones hace doblete con
los platillos. Coltrane y Sanders intercambian espacios en solitario con
Ward interviniendo con ráfagas tentativas. El tema de cuatro notas no
se escucha realmente hasta el minuto 16. El canto vocal está ausente,
sustituido por temas de bajo y percusión que conducen al primer
interludio, un breve solo compartido de bajo y percusión. "Resolution"
surge con Coltrane enunciando el tema brevemente. Tyner entra, amplía el
marco y hace una señal a Ward. Inicialmente inseguro, añade notas
dispersas y disonantes y ráfagas durante unos momentos y luego se aferra
al duro swing modal de la sección rítmica y abre la melodía de par en
par con un solo asesino, seguido por Sanders y Coltrane abriendo sendas
abrasadoras a través de la melodía. Tras un interludio de seis minutos
con un solo de batería, "Pursuance" comienza con Coltrane exponiendo el
tema, y luego Sanders lo rompe en pedazos con un largo, laberíntico y
furioso solo. Tyner le apoya con agudos y cromáticos asideros antes de
tomar su propio largo e imaginativo solo y batirse en duelo con los
bajistas y Jones. Coltrane no hace ningún solo. "Psalm", con su
característica introducción de tenor blues, es lo más parecido a la
grabación de estudio. Coltrane tarda sólo un minuto en empezar a
ascender, pero se desvanece antes de alcanzar un pico mientras Tyner y
Jones le envuelven. Coltrane comienza a reconstruir la melodía, alcanza
un pináculo interior y luego vuelve a disolverla entre bajos con arco,
el escaso registro medio de Tyner y las campanas de oración tibetanas de
Sanders. El público responde con un silencio atónito durante unos
segundos. Es una actuación sorprendente. El diseño del paquete es
simplemente estelar y los ensayos del crítico/historiador Ashley Kahn y
del biógrafo de Coltrane Lewis Porter son educativos, autorizados e
indispensables.
https://www.allmusic.com/album/a-love-supreme-live-in-seattle-mw0003586098?1660662822833
www.johncoltrane.com ...
Review by Ronnie D. Lankford, Jr.
Straight
No Filter finds tenor Hank Mobley in several settings from the
mid-'60s, each of them excellent. The overall roster is quite
impressive, starting with the first set which features trumpeter Lee
Morgan, pianist McCoy Tyner, bassist Bob Cranshaw, and drummer Billy
Higgins. The upbeat title cut is given a loose, post-bop feel by Tyner's
comping, but things are brought back to earth by Mobley's emotional
playing. A number of exchanges between Morgan and Mobley's horns give
the piece an effective ending. "Chain Reaction" gives this group nearly
11 minutes to stretch things out, while "Soft Impressions" features a
heavy blues groove. A couple of other standouts on this album -- "This
Feelin's Good" and "Yes Indeed" -- feature trumpeter Donald Byrd,
pianist Herbie Hancock, bassist Butch Warren, and drummer Philly Joe
Jones. Hancock provides a distinctive backdrop for Mobley and Morgan's
solos while turning in some fine work himself. Mobley shines on Sy
Oliver's "Yes Indeed," delivering a soulful solo, shot through with the
blues. His playing throughout Straight No Filter is warm, accessible,
and inventive, and it is instructive to have these sessions side by
side, giving the listener a chance to compare Mobley's work in different
settings. It should be mentioned that he penned eight out of the nine
of these fine compositions. Bob Blumenthal's liner notes are helpful,
breaking down the individual sessions and providing a good overview of
Mobley's career. Straight No Filter will be welcomed by Mobley's fans
and lovers of hard bop. It shouldn't be missed.
https://www.allmusic.com/album/straight-no-filter-mw0000112263
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Reseña por Ronnie D. Lankford, Jr.
Straight
No Filter encuentra al tenor Hank Mobley en varios escenarios de
mediados de los 60, cada uno de ellos excelente. La lista general es
bastante impresionante, comenzando con el primer set que presenta al
trompetista Lee Morgan, el pianista McCoy Tyner, el bajista Bob Cranshaw
y el baterista Billy Higgins. El corte optimista del título recibe una
sensación suelta y post-bop por la composición de Tyner, pero las cosas
vuelven a la tierra por la interpretación emocional de Mobley. Una serie
de intercambios entre los cuernos de Morgan y Mobley le dan a la pieza
un final efectivo. "Chain Reaction" le da a este grupo casi 11 minutos
para estirar las cosas, mientras que "Soft Impressions" presenta un
ritmo de blues pesado. Un par de otros destacados en este álbum," This
Feelin's Good "y" Yes Indeed", cuentan con el trompetista Donald Byrd,
el pianista Herbie Hancock, el bajista Butch Warren y el baterista
Philly Joe Jones. Hancock proporciona un telón de fondo distintivo para
los solos de Mobley y Morgan mientras entrega un buen trabajo él mismo.
Mobley brilla en " Yes Indeed "de Sy Oliver, entregando un solo
conmovedor, atravesado por el blues. Su interpretación en Straight No
Filter es cálida, accesible e inventiva, y es instructivo tener estas
sesiones una al lado de la otra, dando al oyente la oportunidad de
comparar el trabajo de Mobley en diferentes entornos. Cabe mencionar que
escribió ocho de las nueve de estas bellas composiciones. Las notas de
Bob Blumenthal son útiles, desglosan las sesiones individuales y brindan
una buena visión general de la carrera de Mobley. Straight No Filter
será bienvenido por los fanáticos y amantes del hard bop de Mobley. No
debe perderse.
https://www.allmusic.com/album/straight-no-filter-mw0000112263
Review
by Daniel Gioffre
This early recording by Joe Henderson is not only one of the finest of all of his recordings, but is also a high point for 1960s jazz. At this point in his career, Henderson was a full-time member of Horace Silver's combo and did not yet have a steady band in his hire. He is joined on Inner Urge by veterans of other combos: McCoy Tyner and Elvin Jones from John Coltrane's unit and Sonny Rollins sideman Bob Cranshaw. The presence of these luminaries aside, Inner Urge is home to two of Henderson's best (and best-loved) compositions: "Inner Urge" and "Isotope." The leader's solo on the title track is a marvelous thing, full of melody as well as anarchic bursts of sound, which is in perfect keeping with the spirit of the song's probing, searching theme. The other musicians support Henderson nicely as well as turning in some strong solos of their own. Tyner especially sounds fantastic on this record. Although not the equal of the leader in terms of the quality of his lines or the overall sense of composition of his solos, his performance is at least the rival of Henderson's in terms of raw kinetic power. The other great song on "Inner Urge," the Monk-ish "Isotope," is another ideal showcase for Henderson's total command of his instrument. The remaining tracks on Inner Urge are also fantastic, especially the wailing cry of "El Barrio" and the Henderson-altered head to "Night and Day," but the first side, even if taken alone, is by itself enough to guarantee this album as perhaps the best Henderson recorded in his long and illustrious career, and stands easily alongside the best records of the era.
https://www.allmusic.com/album/inner-urge-mw0000200926?1657207832707
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Reseña
por Daniel Gioffre
Esta temprana grabación de Joe Henderson no sólo es una de las mejores de todas sus grabaciones, sino que también es un punto álgido para el jazz de los años 60. En este punto de su carrera, Henderson era miembro a tiempo completo del combo de Horace Silver y todavía no tenía una banda estable en su alquiler. En Inner Urge le acompañan veteranos de otros combos: McCoy Tyner y Elvin Jones, de la unidad de John Coltrane, y el lateral de Sonny Rollins, Bob Cranshaw. Aparte de la presencia de estas luminarias, Inner Urge alberga dos de las mejores (y más queridas) composiciones de Henderson: "Inner Urge" e "Isotope". El solo del líder en el tema que da título al disco es una maravilla, llena de melodía así como de estallidos anárquicos de sonido, lo que está en perfecta consonancia con el espíritu del tema de búsqueda y sondeo de la canción. Los demás músicos apoyan a Henderson de forma excelente, además de ofrecer algunos sólidos solos propios. Tyner suena especialmente fantástico en este disco. Aunque no está a la altura del líder en cuanto a la calidad de sus líneas o el sentido general de la composición de sus solos, su interpretación es al menos el rival de Henderson en términos de potencia cinética bruta. La otra gran canción de "Inner Urge", "Isotope", de estilo Monk, es otro escaparate ideal para el dominio total de Henderson sobre su instrumento. El resto de los temas de Inner Urge son también fantásticos, especialmente el grito ululante de "El Barrio" y la cabeza alterada de Henderson en "Night and Day", pero la primera cara, incluso si se toma sola, es por sí misma suficiente para garantizar que este álbum es quizás el mejor que Henderson grabó en su larga e ilustre carrera, y se sitúa fácilmente al lado de los mejores discos de la época.
https://www.allmusic.com/album/inner-urge-mw0000200926?1657207832707
Biography
by Scott Yanow
One of the great jazz trumpeters of all time, Freddie Hubbard formed his sound out of the Clifford Brown/Lee Morgan tradition, and by the early '70s was immediately distinctive and the pacesetter in jazz. However, a string of blatantly commercial albums later in the decade damaged his reputation and, just when Hubbard, in the early '90s (with the deaths of Dizzy Gillespie and Miles Davis), seemed perfectly suited for the role of veteran master, his chops started causing him serious troubles.
Born and raised in Indianapolis, Hubbard played early on with Wes and Monk Montgomery. He moved to New York in 1958, roomed with Eric Dolphy (with whom he recorded in 1960), and was in the groups of Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton, and J.J. Johnson, before touring Europe with Quincy Jones (1960-1961). He recorded with John Coltrane, participated in Ornette Coleman's Free Jazz (1960), was on Oliver Nelson's classic Blues and the Abstract Truth album (highlighted by "Stolen Moments"), and started recording as a leader for Blue Note that same year. Hubbard gained fame playing with Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) next to Wayne Shorter and Curtis Fuller. He recorded Ascension with Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) with Eric Dolphy, and Maiden Voyage with Herbie Hancock, and, after a period with Max Roach (1965-1966), he led his own quintet, which at the time usually featured altoist James Spaulding. A blazing trumpeter with a beautiful tone on flügelhorn, Hubbard fared well in freer settings but was always essentially a hard bop stylist.
In 1970, Freddie Hubbard recorded two of his finest albums (Red Clay and Straight Life) for CTI. The follow-up, First Light (1971), was actually his most popular date, featuring Don Sebesky arrangements. But after the glory of the CTI years (during which producer Creed Taylor did an expert job of balancing the artistic with the accessible), Hubbard made the mistake of signing with Columbia and recording one dud after another; Windjammer (1976) and Splash (a slightly later effort for Fantasy) are low points. However, in 1977, he toured with Herbie Hancock's acoustic V.S.O.P. Quintet and, in the 1980s, on recordings for Pablo, Blue Note, and Atlantic, he showed that he could reach his former heights (even if much of the jazz world had given up on him). But by the late '80s, Hubbard's "personal problems" and increasing unreliability (not showing up for gigs) started to really hurt him, and a few years later his once mighty technique started to seriously falter. In late 2008, Hubbard suffered a heart attack that left him hospitalized until his death at age 70 on December 29 of that year.Freddie Hubbard's fans can still certainly enjoy his many recordings for Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, and his first Music Masters sets.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography
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Biografía
por Scott Yanow
Freddie Hubbard, uno de los grandes trompetistas de jazz de todos los tiempos, formó su sonido a partir de la tradición de Clifford Brown/Lee Morgan y, a principios de los años 70, era inmediatamente inconfundible y el referente del jazz. Sin embargo, una serie de álbumes descaradamente comerciales a finales de la década dañaron su reputación y, justo cuando Hubbard, a principios de los 90 (con la muerte de Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente apto para el papel de maestro veterano, sus chuletas empezaron a causarle serios problemas.
Nacido y criado en Indianápolis, Hubbard tocó en sus inicios con Wes y Monk Montgomery. Se trasladó a Nueva York en 1958, compartió habitación con Eric Dolphy (con quien grabó en 1960) y formó parte de los grupos de Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton y J.J. Johnson, antes de realizar una gira por Europa con Quincy Jones (1960-1961). Grabó con John Coltrane, participó en el Free Jazz de Ornette Coleman (1960), formó parte del clásico álbum de Oliver Nelson Blues and the Abstract Truth (en el que destaca "Stolen Moments") y empezó a grabar como líder para Blue Note ese mismo año. Hubbard ganó fama tocando con Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) junto a Wayne Shorter y Curtis Fuller. Grabó Ascension con Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) con Eric Dolphy y Maiden Voyage con Herbie Hancock y, tras un periodo con Max Roach (1965-1966), dirigió su propio quinteto, que en aquella época solía contar con el contralto James Spaulding. Trompetista ardiente con un bello tono de flügelhorn, Hubbard se desenvolvía bien en ambientes más libres, pero siempre fue esencialmente un estilista del hard bop.
En 1970, Freddie Hubbard grabó dos de sus mejores álbumes (Red Clay y Straight Life) para CTI. La continuación, First Light (1971), fue en realidad su fecha más popular, con arreglos de Don Sebesky. Pero después de la gloria de los años de CTI (durante los cuales el productor Creed Taylor hizo un trabajo experto para equilibrar lo artístico con lo accesible), Hubbard cometió el error de firmar con Columbia y grabar un fracaso tras otro; Windjammer (1976) y Splash (un esfuerzo ligeramente posterior para Fantasy) son puntos bajos. Sin embargo, en 1977, realizó una gira con el quinteto acústico V.S.O.P. de Herbie Hancock y, en los años 80, en grabaciones para Pablo, Blue Note y Atlantic, demostró que podía alcanzar sus cotas anteriores (aunque gran parte del mundo del jazz le había abandonado). Pero a finales de los 80, los "problemas personales" de Hubbard y su creciente falta de fiabilidad (no se presentaba a los conciertos) empezaron a perjudicarle de verdad, y unos años más tarde su otrora poderosa técnica empezó a flaquear seriamente. A finales de 2008, Hubbard sufrió un ataque al corazón que le dejó hospitalizado hasta su muerte a la edad de 70 años el 29 de diciembre de ese año.Los fans de Freddie Hubbard todavía pueden disfrutar sin duda de sus muchas grabaciones para Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, y sus primeros sets de Music Masters.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography