Joe Pass • Natsu - Tokyo Japan Radio Boadcast

 

McCoy Tyner Trio With Michael Brecker • Live In Wien

 

Frank Vignola's Guitar Night with Yotam Silberstein • Birdland Theater July 9th 2025

 

www.frankvignola.com ...
yotammusic.com ...

Keith Jarrett • New Vienna

 

New Vienna is the fourth concert recording to be released from Keith Jarrett’s final European solo tour. It follows Munich 2016, Budapest Concert and Bordeaux Concert. Why New Vienna? As Jarrett aficionados will know, his discography already includes a legendary Vienna Concert (recorded at the Vienna State Opera) whose music, he once claimed, spoke “the language of the flame itself”, after long years of “courting the fire”.  Keith Jarrett’s 2016 return to the Austrian capital brought the flames of inspiration to another historic location with lively acoustic properties, the Golden Hall of the Musikverein, where, at the start of the previous century, Schoenberg, Berg and Webern had premiered works that challenged and changed the course of modern music. New Vienna, shaping its new music in the moment, is near-encyclopedic in scope. The album is issued as Keith Jarrett turns 80.
https://ecmrecords.com/product/new-vienna-keith-jarrett/

There is a certain degree of inevitability that with much, if not all, of Keith Jarrett’s final European tour of 2016 having been recorded that ECM have released a fourth album of music from the series of concerts.

So, what does one make of the music recorded at Goldener Saal, Musikverein, Vienna, and yet another solo concert of improvised music from the pianist? In my review of the Bordeaux Concert released in September 2022 I wrote that “These concerts from 2016 stand as a testament to Jarrett’s creative abilities as an improviser and storyteller par excellence, and as a concert series it is remarkable how an artist can sustain such heights of creative brilliance ensuring that each concert has its own unique character and form from the one that proceeds it.” and this latest release substantiates that statement in a remarkable run of performances by Jarret in July 2016.
https://jazzviews.net/keith-jarrett-new-vienna/


The evening began with extraordinary anticipation as the Golden Hall filled to capacity, creating an atmosphere of reverent expectation for what many in the audience understood would be a rare opportunity to hear one of jazz's most celebrated improvisers in an optimal acoustic environment. However, the concert's opening moments quickly revealed the dynamics that often characterize Keith Jarrett's live performances, as the pianist's demands took center stage in a dramatic standoff with audience behavior.

Upon entering the stage to enthusiastic applause, Keith Jarrett immediately declared: "I will not play a single note until the two people who just took a photo leave this concert hall. If you're sitting beside them, urge them to leave or I won't play." This ultimatum, delivered with the intensity of what one observer characterized as "a toddler mid-tantrum," led to Jarrett's exit from the stage and the return of house lights, creating a tense atmosphere in the packed audience.

The standoff continued long enough for some members of the audience to begin considering the venue's refund policy before a man from approximately the twenty-fifth row voluntarily left the auditorium, to allow the performance to proceed. The whole atmosphere had changed from one of anticipatory adulation to one of tense and wrought anxiety.

"New Vienna" presents a suite of distinct parts, each a world unto itself.

"Part 1" Jarrett started the first piece sounding like Cecil Taylor, at least as much like Cecil Taylor as Jarrett allows himself. Soon Jarrett exerted control and the piano thunder subsided. There was still aggression, and it eventually turned into what sounded like metallic raindrops pattering on glass. This was the longest section of the performance.

"Part 2" Meditative. There is beauty in the construct. What is in Jarrett's mind as he builds this? What is in the minds of the audience? There is a kind of religiosity here. This processional music creates sound pictures. The mood is maintained for the whole track.

"Part 3" A rhythmic pattern develops with the left hand and right hand working independently. Two streams of thought clashing, a strange kind of counterpoint. There is a driven, relentless motif building. The ending is abrupt, as if he tires of the direction he has taken.

"Part 4" Quietly a simple melody, almost a refrain, is evolving and emerging. Suppressed romanticism could be a hymn leading to a surging triumphalism and a peaceful resolution.

"Part 5" seems to have been affected by the mood of the previous piece. The subtle structure opens the piece out with rippling notes over the very gentle rhythm. The second part is resolved when Jarrett discovers the theme. Gentleness is all. The mood of anger at the beginning seems to have dissipated.

"Part 6" Abstractions gliding to and fro. Counterpoint with the right hand dominant. An emphasis on the high keys is played off against the middle keys.

"Part 7" Tentative opening leading to a different rhythm. This is almost a lullaby, morphing into sheer pianistic artistry. Does Jarrett evade sentimentality? This skirts the edges of mawkishness at times. Recovering and edging towards Tchaikovskian grandeur.

"Part 8" Almost a reaction to the last piece, changing the mood completely, surging boogie, almost a crowd pleaser. Played with complete artistry.

"Part 9" Country music with a defined rhythm, clouds drifting over the Blue Mountains. You can hear a composition evolving as the piece progresses. This is Americana writ large.

Then, to finish, there is "Somewhere Over the Rainbow." This is not a sardonic take on the piece like Archie Shepp on "The Shadow of Your Smile" or Thelonious Monk's gently derisive "I'm Getting Sentimental Over You." No, this is played straight with occasional creative embellishments. The question is: what does the encore tell us about what went before? That was ephemeral music. Why play this with its echoes of Judy Garland, Eva Cassidy, and even Cliff Richard? What is it meant to make the audience feel? A bonbon for good behaviour?

Jarrett is a remarkable pianist. He holds his audience in thrall. In 2016, he was at a peak with solo concerts in Europe performed in Budapest, Vienna, Rome and Munich. He was brave and daring to face an audience with no preparation, just his wits and musical creativity to sustain him. All those who ventured to his concerts were aware of his diva tendencies. Most of them were prepared to forgive him or even secretly to enjoy the totemic tantrums.

There is an added frisson to this album's release with Keith Jarrett's eightieth birthday being celebrated. The health problems he has suffered in recent years suggest that there will be no more solo concerts. 
https://www.allaboutjazz.com/new-vienna-keith-jarrett-ecm-records__925

///////

New Vienna es la cuarta grabación de concierto que se lanzará de la última gira solista europea de Keith Jarrett. Sigue a Munich 2016, Budapest Concert y Bordeaux Concert. ¿Por qué Nueva Viena? Como sabrán los aficionados a Jarrett, su discografía ya incluye un legendario Concierto de Viena (grabado en la Ópera Estatal de Viena) cuya música, afirmó una vez, hablaba "el lenguaje de la llama misma", después de largos años de "cortejar el fuego".  El regreso de Keith Jarrett en 2016 a la capital austriaca llevó las llamas de la inspiración a otro lugar histórico con animadas propiedades acústicas, el Golden Hall del Musikverein, donde, a principios del siglo anterior, Schoenberg, Berg y Webern estrenaron obras que desafiaron y cambiaron el curso de la música moderna.. La Nueva Viena, que está dando forma a su nueva música en este momento, tiene un alcance casi enciclopédico. El álbum se publica cuando Keith Jarrett cumple 80 años.
https://ecmrecords.com/product/new-vienna-keith-jarrett/

Existe un cierto grado de inevitabilidad de que, habiendo grabado gran parte, si no toda, la última gira europea de Keith Jarrett de 2016, ECM haya lanzado un cuarto álbum de música de la serie de conciertos.

Entonces, ¿qué opina uno de la música grabada en Goldener Saal, Musikverein, Viena, y de otro concierto en solitario de música improvisada del pianista? En mi reseña del Concierto de Burdeos publicado en septiembre de 2022, escribí que " Estos conciertos de 2016 son un testimonio de las habilidades creativas de Jarrett como improvisador y narrador por excelencia, y como serie de conciertos es notable cómo un artista puede mantener tales alturas de brillantez creativa asegurando que cada concierto tenga su propio carácter y forma únicos a partir del que lo produce."y este último lanzamiento corrobora esa afirmación en una notable serie de actuaciones de Jarret en julio de 2016.
https://jazzviews.net/keith-jarrett-new-vienna/


La velada comenzó con una anticipación extraordinaria cuando el Golden Hall se llenó a capacidad, creando una atmósfera de expectativa reverente por lo que muchos en la audiencia entendieron que sería una rara oportunidad de escuchar a uno de los improvisadores más célebres del jazz en un ambiente acústico óptimo. Sin embargo, los momentos iniciales del concierto revelaron rápidamente la dinámica que a menudo caracteriza las presentaciones en vivo de Keith Jarrett, ya que las demandas del pianista tomaron protagonismo en un enfrentamiento dramático con el comportamiento de la audiencia.

Al entrar al escenario entre aplausos entusiastas, Keith Jarrett declaró de inmediato:" No tocaré una sola nota hasta que las dos personas que acaban de tomarse una foto salgan de esta sala de conciertos. Si estás sentado junto a ellos, instalos a que se vayan o no jugaré. Este ultimátum, entregado con la intensidad de lo que un observador caracterizó como "una rabieta a mitad de camino", llevó a Jarrett a salir del escenario y al regreso de las luces de la casa, creando una atmósfera tensa en la concurrida audiencia . 

El enfrentamiento continuó el tiempo suficiente para que algunos miembros de la audiencia comenzaran a considerar la política de reembolso del lugar antes de que un hombre de aproximadamente la vigésimo quinta fila abandonara voluntariamente el auditorio, para permitir que continuara la presentación. Toda la atmósfera había cambiado de una adulación anticipatoria a una de ansiedad tensa y forjada.

"Nueva Viena" presenta un conjunto de partes distintas, cada una un mundo en sí misma.

"Parte 1" Jarrett comenzó la primera pieza sonando como Cecil Taylor, al menos tanto como Cecil Taylor como Jarrett se permite. Pronto Jarrett ejerció el control y el trueno del piano disminuyó. Todavía había agresión, y eventualmente se convirtió en lo que sonaba como gotas de lluvia metálicas golpeando el vidrio. Esta fue la sección más larga de la actuación.

"Parte 2" Meditativa. Hay belleza en la construcción. ¿Qué hay en la mente de Jarrett mientras construye esto? ¿Qué hay en la mente de la audiencia? Aquí hay una especie de religiosidad. Esta música procesional crea imágenes sonoras. El ambiente se mantiene durante toda la pista.

"Parte 3" Se desarrolla un patrón rítmico con la mano izquierda y la mano derecha trabajando de forma independiente. Dos corrientes de pensamiento chocando, una extraña especie de contrapunto. Hay un edificio de motivos impulsado e implacable. El final es abrupto, como si se cansara de la dirección que ha tomado.

"Parte 4" En silencio, una melodía simple, casi un estribillo, está evolucionando y emergiendo. El romanticismo reprimido podría ser un himno que conduzca a un triunfalismo creciente y una resolución pacífica.

"Parte 5" parece haberse visto afectada por el estado de ánimo de la pieza anterior. La estructura sutil abre la pieza con notas ondulantes sobre el ritmo muy suave. La segunda parte se resuelve cuando Jarrett descubre el tema. La gentileza lo es todo. El estado de ánimo de ira al principio parece haberse disipado.

Abstracciones de la" Parte 6 " deslizándose de un lado a otro. Contrapunto con la mano derecha dominante. Un énfasis en las teclas altas se juega contra las teclas medias.

"Parte 7" Apertura tentativa que conduce a un ritmo diferente. Esto es casi una canción de cuna, transformándose en puro arte pianístico. ¿Jarrett evade el sentimentalismo? Esto bordea los bordes de la mucosidad a veces. Recuperándose y avanzando hacia la grandeza chaikovskiana.

"Part 8" Casi una reacción a la última pieza, cambiando el estado de ánimo por completo, boogie acelerado, casi un deleite para el público. Tocado con total maestría.

"Parte 9" Música country con un ritmo definido, nubes flotando sobre las Montañas Azules. Puedes escuchar una composición evolucionando a medida que avanza la pieza. Esto es Americana escrito en grande.

Luego, para terminar, está " Somewhere Over the Rainbow."Esta no es una versión sardónica de la pieza como Archie Shepp en "La sombra de Tu Sonrisa" o la gentilmente burlona de Thelonious Monk "Me estoy Poniendo Sentimental por Ti."No, esto se juega directamente con adornos creativos ocasionales. La pregunta es: ¿qué nos dice el bis sobre lo que sucedió antes? Eso fue música efímera. ¿Por qué tocar esto con sus ecos de Judy Garland, Eva Cassidy e incluso Cliff Richard? ¿Qué pretende hacer sentir al público? ¿Un bombón para el buen comportamiento?

Jarrett es un pianista extraordinario. Mantiene esclavizada a su audiencia. En 2016, estuvo en su apogeo con conciertos en solitario en Europa realizados en Budapest, Viena, Roma y Munich. Fue valiente y atrevido al enfrentarse a un público sin preparación, solo su ingenio y creatividad musical para sostenerlo. Todos los que se aventuraban a sus conciertos eran conscientes de sus tendencias de diva. La mayoría de ellos estaban dispuestos a perdonarlo o incluso a disfrutar secretamente de las rabietas totémicas.

Hay un escalofrío adicional al lanzamiento de este álbum con la celebración del octogésimo cumpleaños de Keith Jarrett. Los problemas de salud que ha sufrido en los últimos años hacen pensar que no habrá más conciertos en solitario. 
https://www.allaboutjazz.com/new-vienna-keith-jarrett-ecm-records__925

Gerry Mulligan • Nocturne

Editorial Reviews

The art of the latest Mulligan at its best. Giuseppe Piacentino, from liner notes

In the role of leader, Mulligan prepared scores that always made jazz a conversation between musicians. Playing was first and foremost an exchange of ideas. Mulligan had an unwavering sense of logic and had shown it from a very young age. The first great result came in the historic recordings of "Birth of the Cool": the leader was Miles Davis but the éminence grise was above all this boy in his early twenties. "It was a concert recorded in Bologna exactly the day after Jeru's sixty-fifth birthday. For that evening in Bologna Mulligan had brought his trusty Dean Johnson and RonVincent, who accompanied him in the last part of his career (he would die a little less than four years later). At the piano sat Harold Danko, whose contribution in mainstream contexts has always been first-rate. And yet his gaze, his sense of humor, his style - and anyone who attended one of his concerts can confirm this - everything
has remained lively: as if the crew cut was no longer in his head but somewhere in his soul. Furthermore, while maintaining his sense of logic unchanged, this mature Mulligan knows how to get to the heart of things on stage. If he has to swing, he does it with all the warmth possible. Of the compositions from his golden years, such as Line for Lyons and Walkin' Shoes, he gives us versions that bring memory back to life. But it is in the more intimate pieces that we find the art of the latest Mulligan at its best. Among these stands out Song for Strayhorn, a tribute to Duke Ellington's right-hand man. Billy Strayhorn was perhaps the musician who influenced him the most in his youth as a composer and arranger. For us who listen to him in Bologna, Mulligan finds the sincerest and most emotional notes to honor that little great man. "

///////

Reseña Editorial

El arte del último Mulligan en su máxima expresión. Giuseppe Piacentino, de liner notes

En el papel de líder, Mulligan preparó partituras que siempre hicieron del jazz una conversación entre músicos. Jugar era ante todo un intercambio de ideas. Mulligan tenía un inquebrantable sentido de la lógica y lo había demostrado desde muy joven. El primer gran resultado llegó en las históricas grabaciones de "Birth of the Cool": el líder era Miles Davis pero la éminence grise era sobre todo este chico de veintitantos años. "Fue un concierto grabado en Bolonia exactamente el día después del sexagésimo quinto cumpleaños de Jeru. Para esa noche en Bolonia Mulligan había traído a sus fieles Dean Johnson y RonVincent, quienes lo acompañaron en la última parte de su carrera (moriría poco menos de cuatro años después). Al piano se sentó Harold Danko, cuya contribución en contextos convencionales siempre ha sido de primer nivel. Y sin embargo, su mirada, su sentido del humor, su estilo, y cualquiera que haya asistido a uno de sus conciertos puede confirmarlo, todo
se ha mantenido animado: como si el corte de equipo ya no estuviera en su cabeza sino en algún lugar de su alma. Además, manteniendo inalterado su sentido de la lógica, este Mulligan maduro sabe cómo llegar al meollo de las cosas en el escenario. Si tiene que columpiarse, lo hace con toda la calidez posible. De las composiciones de sus años dorados, como Line for Lyons y Walkin ' Shoes, nos da versiones que reviven la memoria. Pero es en las piezas más íntimas donde encontramos el arte del último Mulligan en su máxima expresión. Entre estos destaca Song for Strayhorn, un homenaje a la mano derecha de Duke Ellington. Billy Strayhorn fue quizás el músico que más le influyó en su juventud como compositor y arreglista. Para nosotros que lo escuchamos en Bolonia, Mulligan encuentra las notas más sinceras y emotivas para honrar a ese pequeño gran hombre. "

Freddie Hubbard • On Fire Live From The Blue Morocco

On Fire: Live from the Blue Morocco is a never-before-released recording of jazz trumpet icon Freddie Hubbard captured live at the Blue Morocco jazz club in The Bronx, NY in 1967 featuring Bennie Maupin, Kenny Barron, Herbie Lewis and Freddie Waits. Transferred from the original tape reels that were recorded by legendary engineer Bernard Drayton, the album download and 2-CD set includes an elaborate 32-page booklet includes liner notes by producer John Koenig; plus interviews/statements with Kenny Barron and Bennie Maupin, plus other artists who knew or were inspired by Freddie Hubbard such as Eddie Henderson, Charles Tolliver, Jeremy Pelt, Steven Bernstein and more.

///////

On Fire: Live from the Blue Morocco es una grabación inédita del icono del jazz Freddie Hubbard, capturada en directo en el club de jazz Blue Morocco del Bronx, Nueva York, en 1967, con Bennie Maupin, Kenny Barron, Herbie Lewis y Freddie Waits. Transferido desde las cintas originales grabadas por el legendario ingeniero Bernard Drayton, el álbum descargable y el set de 2 CD incluyen un elaborado libreto de 32 páginas con notas del productor John Koenig, además de entrevistas y declaraciones de Kenny Barron y Bennie Maupin, así como de otros artistas que conocieron o se inspiraron en Freddie Hubbard, como Eddie Henderson, Charles Tolliver, Jeremy Pelt, Steven Bernstein y muchos más.

Charles Mingus • In Argentina The Buenos Aires Concerts

 

Mingus In Argentina: The Buenos Aires Concerts is a never-before-released pair of recordings of legendary bassist Charles Mingus captured live in Buenos Aires, Argentina in June 1977 featuring Ricky Ford (tenor saxophone), Jack Walrath (trumpet), Robert Neloms (piano) and Dannie Richmond (drums). Transferred from the original tape reels the 2-CD set includes an elaborate 36-page booklet featuring rare photos from the concert with liner notes by author and jazz historian Brian Priestley; plus interviews with Ricky Ford and Jack Walrath. This is an official release in cooperation with Jazz Workshop, Inc. and the Charles Mingus Estate. 
https://www.jazzmessengers.com/es/103871/charles-mingus/mingusinargentina

///////

Mingus en Argentina: Los conciertos de Buenos Aires es un álbum inédito con dos grabaciones del legendario bajista Charles Mingus, captadas en directo en Buenos Aires, Argentina, en junio de 1977, con Ricky Ford (saxo tenor), Jack Walrath (trompeta), Robert Neloms (piano) y Dannie Richmond (batería). Transferido desde las cintas originales, el conjunto de 2 CD incluye un elaborado folleto de 36 páginas con fotos poco comunes del concierto y notas del autor e historiador del jazz Brian Priestley, además de entrevistas con Ricky Ford y Jack Walrath. Se trata de un lanzamiento oficial en colaboración con Jazz Workshop, Inc. y el patrimonio de Charles Mingus.
https://www.jazzmessengers.com/es/103871/charles-mingus/mingusinargentina

Cedar Walton Trio • Live At Yoshi's

 

Gary Burton-Chick Corea • Crystal Silence

 

chickcorea.com ...
gary-burton ...        

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

 

Charles Lloyd • Workshop Sessions (Live, Boston '72)

Biography
by Matt Collar

Saxophonist Charles Lloyd is a forward-thinking musician whose supreme improvisational talents and interest in cross-pollinating jazz with rock as well as non-Western styles of music, established him as one of the key figures in the development of fusion and world music. Albums like Love In (1966), Forest Flower (1967), and In the Soviet Union (1970) were so successful in showcasing his warm, accessible playing style on tenor saxophone and flute that for a time he enjoyed the benefits and curses of the life of a rock star, playing sold-out dates across the world. The pressure left him feeling spiritually empty, and he left the music scene for a decade to follow a solitary path. After returning in 1981, Lloyd became one of jazz's elder statesmen, creating a body of work that reflects the influence of his forbears and collaborators. He has continued to work at a near-prolific pace with various ensembles that showcase different aspects of his musical persona. He signed to Blue Note Records in 2015 for the release of the charting live album Wild Man Dance, and formed an all-star fusion outfit called the Marvels with guitarists Bill Frisell and Greg Leisz. Their debut, I Long to See You, followed in 2016. Two years later, Lloyd, the Marvels, and singer/songwriter Lucinda Williams joined forces on Vanished Gardens. 8: Kindred Spirits (Live from the Lobero) was released in 2020. In early 2021, Lloyd's Marvels issued a cover of Leonard Cohen's "Anthem" to introduce the studio album Tone Poem that appeared in March.

Born in Memphis, Tennessee on March 15, 1938, Lloyd grew up surrounded by the vibrant blues and jazz scenes of his native city. Given a saxophone at age nine, Lloyd eventually studied with Memphis' legendary pianist Phineas Newborn, as well as saxophonist Irvin Reason. By his teens, Lloyd was not only best friends with schoolmate and trumpeter Booker Little, but was also gigging locally with such artists as saxophonist George Coleman and future blues icons including Bobby "Blue" Bland, Howlin' Wolf, B.B. King, and others.

In 1956, Lloyd left Memphis and enrolled at the University of Southern California to study classical music, ultimately earning a master's degree. During this time, he performed around Los Angeles with a veritable who's who of avant-garde jazzmen including saxophonist Ornette Coleman, saxophonist Eric Dolphy, and vibraphonist Bobby Hutcherson. He also became a working member of Gerald Wilson's big band. In 1960, Lloyd joined drummer Chico Hamilton's ensemble as musical director, replacing Dolphy, who had left to play with bassist Charles Mingus. During his time with Hamilton, Lloyd was responsible for writing and arranging much of the music in the band and recorded several albums with Hamilton, including 1962's Transfusion, 1963's A Different Kind of Journey, 1963's A Man from Two Worlds, and 1963's Passin' Thru.

By the mid-'60s, Lloyd had developed into a highly adept writer/arranger as well as a virtuoso improviser, and regular sojourns to New York City brought him into contact with such luminaries as saxophonist John Coltrane, trumpeter Miles Davis, saxophonist Coleman Hawkins, Mingus, and saxophonist Cannonball Adderley, whose group he joined in 1964. Also during this time, Lloyd began recording as a leader and released several albums, including 1965's Discovery! The Charles Lloyd Quartet and 1965's Of Course, Of Course. Lloyd continued recording as a leader after he left Adderley in 1965 and formed his own quartet, which featured future Miles Davis alum pianist Keith Jarrett, drummer Jack DeJohnette, and bassist Cecil McBee. An extremely creative, intuitive, and adventurous ensemble, Lloyd's quartet released several exceptional albums during this time, including 1966's Dream Weaver, the 1966 live album Charles Lloyd in Europe, and 1966's Love-In.

However, this ensemble's appearance at the Monterey Pop Festival in 1966, and the subsequent album Forest Flower: Charles Lloyd at Monterey, are what truly caught the public's attention. An expansive, sophisticated, and genre-bending performance, Forest Flower found Lloyd and his group in peak creative form, mixing his long-burgeoning interest in Eastern music with modal and avant-garde jazz. The performance was a highlight at the festival and the album was one of the first jazz recordings to sell a million copies, gain heavy radio play, and garner a wide crossover audience during a time when rock was quickly superseding jazz in the popular mindset.

His success at Monterey buoyed Lloyd's career, and he spent much of the late '60s sharing billing at such famed rock venues as San Francisco's Fillmore Auditorium alongside artists like guitarist Jimi Hendrix, Cream, and the Grateful Dead. Such was Lloyd's popularity that in 1967 he was voted Jazz Artist of the Year by DownBeat and toured Europe, even playing in the U.S.S.R. during a time when the government was discouraging jazz performances. Lloyd's genre-bending jazz dovetailed perfectly with the free-thinking experimentation of the late '60s, and although his music was based in acoustic jazz, many artists took notice and went the extra step toward electrifying jazz, most notably Miles Davis, whose 1969 classic Bitches Brew drew upon many of the same rock and world music influences that Lloyd had experimented with.

In the early '70s, with his career at its peak, Lloyd underwent a spiritual crisis. He withdrew from the public eye and moved to Big Sur to focus on what he described as an inner spiritual journey and to practice meditation. He remained out of sight until 1981, when he met the talented 18-year-old French pianist Michel Petrucciani. Inspired by Petrucciani's immense skill, Lloyd toured with the young pianist throughout the early '80s and released several albums, including the live Montreux (1982) and 1983's A Night in Copenhagen. In the late '80s, Lloyd formed a quartet with Swedish pianist Bobo Stenson and released several albums on ECM, including 1989's Fish Out of Water, 1991's Notes from Big Sur, and 1996's Canto.

His association with ECM continued throughout the next decade, a time of renewed public interest in Lloyd, and he built a steady body of work for the label, including 1999's Voice in the Night with guitarist John Abercrombie and 2000's The Water Is Wide with pianist Brad Mehldau. In August of 2001 Lloyd issued Hyperion with Higgins, an archival live date celebrating the memory of drummer Billy Higgins, who had passed in May. His 2002 album Lift Every Voice was scheduled to be recorded on the night of September 11, 2001 at New York City's Blue Note club. In the aftermath of 9/11, however, it was delayed until February when Lloyd, with pianist Geri Allen, drummer Billy Hart, guitarist John Abercrombie, and bassists Marc Johnson and Larry Grenadier played two gigs; their material drew from public-domain spirituals, pop/rock songs, R&B tunes and folk songs, Ellingtonia, and original compositions. The band's collective goal was to illustrate the power of music to provide empathy, compassion, and solace in the face of darkness. Lift Every Voice was issued in October, and has since become one of the saxophonist's most beloved albums.

In 2004, Lloyd released Which Way Is East, a collection of duets recorded with Higgins in the months before he died -- they constitute his final recordings. In 2006, Lloyd released the live album Sangam, featuring Indian tabla master Zakir Hussain. Two years later he returned with another live album, Rabo de Nube, this time with pianist Jason Moran. In 2010, Lloyd released Mirror, his 13th album for ECM, once again featuring Moran, along with bassist Reuben Rogers and drummer Eric Harland. The live album Athens Concert, featuring vocalist Maria Farantouri, followed in 2011. Lloyd continued touring for most of 2012. His next studio effort was a duet offering with pianist Jason Moran entitled Hagar's Song, which was issued in February of 2013. The same year, the saxophonist was commissioned to write and perform a work for Poland's Jazztopad Festival in Wrocław. The festival also screened Arrows Into Infinity, a documentary that looked at Lloyd's life and career. It was directed by Jeffrey Morse and his life partner, manager, and co-producer Dorothy Darr. The film made the festival and theater circuit before being released on disc by ECM in 2014.

After a nearly three-decade tenure with ECM, Lloyd re-signed to Blue Note in early 2015. His debut for the label, Wild Man Dance, had been commissioned by the Jazztopad Festival two years earlier. His band on the date included pianist Gerald Clayton, bassist Joe Sanders, and drummer Gerald Cleaver, with guest appearances from Greek lyra player Sokratis Sinopoulos and Hungarian cimbalom master Miklós Lukács. Wild Man Dance was released in April.

For his second Blue Note release, Lloyd had intended to use a 2013 concert recording made at UCLA's Royce Hall featuring guitarist Bill Frisell. However, producer Darr convinced him to re-enter the studio with Frisell instead. Along with drummer Harland, guitarist Greg Leisz, and bassist Reuben Rogers, they cut a set of traditional and folk tunes, and re-recorded some of Lloyd's earlier compositions, including "Of Course, Of Course," which was issued as a pre-release single. There were two guest vocal appearances: Norah Jones assisted on the pop nugget "You Are So Beautiful" and Willie Nelson lent his voice to a reading of Ed McCurdy's "Last Night I Had the Strangest Dream." Attributed to Charles Lloyd & the Marvels, the finished album was titled I Long to See You and was released in early 2015.

The saxophonist celebrated the tenth anniversary of his New Quartet with Moran, Rogers and Harland, with Passin' Thru in the summer of 2017. The live offering featured compositions from across his long career including the title track, which made its first recorded appearance in 1963 when he was a member of Hamilton's quintet. It also featured a new version of "Dream Weaver," the title of his first quartet's debut album in 1966.

Lloyd reconvened the Marvels for 2018's Vanished Gardens on Blue Note that also featured special guest Lucinda Williams. The singer/songwriter, who had worked with Leisz and Frisell before, met Lloyd backstage at a Marvels concert. The pair got along well, and before long, she invited him to open one of her own shows. He returned the favor, and the two decided to work together. Vanished Gardens, co-produced by Darr and Don Was, features Williams on four revisioned versions of originals from her catalog as well as a cover of Jimi Hendrix's "Angel." The rest of the album comprises three tracks by Lloyd, Thelonious Monk's "Monk's Mood," and the standard "Ballad of the Sad Young Men." In the aftermath of the record's release in June, the Marvels and Williams embarked on a nationwide tour for the rest of the calendar year.

The saxophonist celebrated his 80th birthday on March 15, 2018 at his hometown venue, Santa Barbara's Lobero Theatre, accompanied by guitarist Julian Lage, pianist Gerald Clayton, bassist Reuben Rogers, and drummer Eric Harland. Also on the scene for the occasion were organist Booker T. Jones and bassist (and Blue Note president) Don Was. They joined the ensemble midway through. A document of that event simply entitled 8: Kindred Spirits (Live from the Lobero), was issued by Blue Note Records in February of 2020.

While the pandemic shut down touring and, for practical purposes, collaborations, Lloyd and the Marvels soldiered on in the studio. In February 2021, the release of the single "Anthem" by Leonard Cohen appeared to positive critical notice. In March, the band issued the full-length Tone Poem, the first-ever new release in the label's Tone Poet deluxe vinyl series. The album also included covers by Ornette Coleman, Thelonious Monk, and Gabor Szabo, and a live reading of the Ignacio Jacinto Villa Fernandez Cuban standard "Ay Amor." Lloyd contributed three original compositions to the date, including the title track and "Prayer."

///////

Biografía
por Matt Collar
El saxofonista Charles Lloyd es un músico con visión de futuro cuyo talento supremo para la improvisación y su interés por la polinización cruzada del jazz con el rock y los estilos musicales no occidentales le convirtieron en una de las figuras clave en el desarrollo de la fusión y la música del mundo. Álbumes como Love In (1966), Forest Flower (1967) e In the Soviet Union (1970) tuvieron tanto éxito al mostrar su estilo cálido y accesible de tocar el saxofón tenor y la flauta, que durante un tiempo disfrutó de los beneficios y las maldiciones de la vida de una estrella del rock, actuando con las entradas agotadas en todo el mundo. La presión le hizo sentirse espiritualmente vacío, y dejó la escena musical durante una década para seguir un camino solitario. Tras su regreso en 1981, Lloyd se convirtió en uno de los ancianos del jazz, creando una obra que refleja la influencia de sus antepasados y colaboradores. Ha seguido trabajando a un ritmo casi prolífico con varios conjuntos que muestran diferentes aspectos de su persona musical. Firmó con Blue Note Records en 2015 para el lanzamiento del álbum en vivo Wild Man Dance, que está en la lista de éxitos, y formó un conjunto de fusión de estrellas llamado The Marvels con los guitarristas Bill Frisell y Greg Leisz. Su debut, I Long to See You, llegó en 2016. Dos años después, Lloyd, los Marvels y la cantante y compositora Lucinda Williams unieron sus fuerzas en Vanished Gardens. 8: Kindred Spirits (Live from the Lobero) se publicó en 2020. A principios de 2021, los Marvels de Lloyd publicaron una versión de "Anthem" de Leonard Cohen para presentar el álbum de estudio Tone Poem que apareció en marzo.

Nacido en Memphis, Tennessee, el 15 de marzo de 1938, Lloyd creció rodeado de las vibrantes escenas de blues y jazz de su ciudad natal. A los nueve años le regalaron un saxofón y acabó estudiando con el legendario pianista de Memphis Phineas Newborn, así como con el saxofonista Irvin Reason. En su adolescencia, Lloyd no sólo era el mejor amigo de su compañero de escuela y trompetista Booker Little, sino que también actuaba localmente con artistas como el saxofonista George Coleman y futuros iconos del blues como Bobby "Blue" Bland, Howlin' Wolf, B.B. King y otros.

En 1956, Lloyd dejó Memphis y se matriculó en la Universidad del Sur de California para estudiar música clásica, obteniendo finalmente un máster. Durante este tiempo, actuó en Los Ángeles con un verdadero "quién es quién" de jazzistas de vanguardia, como el saxofonista Ornette Coleman, el saxofonista Eric Dolphy y el vibrafonista Bobby Hutcherson. También fue miembro activo de la big band de Gerald Wilson. En 1960, Lloyd se unió al conjunto del baterista Chico Hamilton como director musical, sustituyendo a Dolphy, que se había marchado para tocar con el bajista Charles Mingus. Durante su estancia con Hamilton, Lloyd se encargó de escribir y arreglar gran parte de la música de la banda y grabó varios álbumes con Hamilton, como Transfusion, de 1962, A Different Kind of Journey, de 1963, A Man from Two Worlds y Passin' Thru, de 1963.

A mediados de los años 60, Lloyd se había convertido en un compositor y arreglista muy hábil, así como en un virtuoso de la improvisación, y las estancias regulares en Nueva York le pusieron en contacto con personalidades como el saxofonista John Coltrane, el trompetista Miles Davis, el saxofonista Coleman Hawkins, Mingus y el saxofonista Cannonball Adderley, a cuyo grupo se unió en 1964. ¡También durante esta época, Lloyd comenzó a grabar como líder y publicó varios álbumes, como Discovery! The Charles Lloyd Quartet y Of Course, Of Course de 1965. Lloyd continuó grabando como líder después de dejar a Adderley en 1965 y formó su propio cuarteto, en el que participaron el futuro pianista de Miles Davis Keith Jarrett, el baterista Jack DeJohnette y el bajista Cecil McBee. El cuarteto de Lloyd, un conjunto extremadamente creativo, intuitivo y aventurero, publicó varios álbumes excepcionales durante esta época, como Dream Weaver, de 1966, el álbum en directo Charles Lloyd in Europe, de 1966, y Love-In, de 1966.

Sin embargo, la aparición de este conjunto en el Monterey Pop Festival de 1966, y el posterior álbum Forest Flower: Charles Lloyd at Monterey, es lo que realmente llamó la atención del público. Forest Flower, una actuación expansiva, sofisticada y que trastoca los géneros, encontró a Lloyd y a su grupo en plena forma creativa, mezclando su creciente interés por la música oriental con el jazz modal y de vanguardia. La actuación fue una de las más destacadas del festival y el álbum fue una de las primeras grabaciones de jazz que vendió un millón de copias, obtuvo una gran difusión en la radio y consiguió una amplia audiencia en una época en la que el rock estaba desbancando rápidamente al jazz en la mentalidad popular.

Su éxito en Monterey impulsó la carrera de Lloyd, que pasó gran parte de los últimos años de la década de los 60 compartiendo cartel en famosos locales de rock como el Fillmore Auditorium de San Francisco junto a artistas como el guitarrista Jimi Hendrix, Cream y Grateful Dead. La popularidad de Lloyd fue tal que en 1967 fue elegido artista de jazz del año por DownBeat y realizó una gira por Europa, llegando a tocar en la URSS en una época en la que el gobierno desaconsejaba las actuaciones de jazz. El jazz de Lloyd, que transgredía los géneros, encajaba perfectamente con la experimentación de pensamiento libre de finales de los 60 y, aunque su música se basaba en el jazz acústico, muchos artistas se dieron cuenta y dieron un paso más hacia el jazz electrizante, sobre todo Miles Davis, cuyo clásico de 1969, Bitches Brew, se basó en muchas de las mismas influencias del rock y la música del mundo con las que Lloyd había experimentado.

A principios de los años 70, con su carrera en la cima, Lloyd sufrió una crisis espiritual. Se retiró de la escena pública y se trasladó a Big Sur para centrarse en lo que describió como un viaje espiritual interior y practicar la meditación. Permaneció oculto hasta 1981, cuando conoció al talentoso pianista francés de 18 años Michel Petrucciani. Inspirado por la inmensa habilidad de Petrucciani, Lloyd salió de gira con el joven pianista a lo largo de los primeros años de la década de los 80 y publicó varios álbumes, entre ellos el de Montreux (1982) en directo y A Night in Copenhagen (1983). A finales de los 80, Lloyd formó un cuarteto con el pianista sueco Bobo Stenson y publicó varios álbumes en ECM, como Fish Out of Water (1989), Notes from Big Sur (1991) y Canto (1996).

Su asociación con ECM continuó a lo largo de la siguiente década, una época de renovado interés público en Lloyd, y construyó un cuerpo de trabajo constante para el sello, incluyendo Voice in the Night de 1999 con el guitarrista John Abercrombie y The Water Is Wide de 2000 con el pianista Brad Mehldau. En agosto de 2001, Lloyd publicó Hyperion with Higgins, una fecha de archivo en directo que celebraba la memoria del batería Billy Higgins, fallecido en mayo. Su álbum de 2002 Lift Every Voice estaba programado para ser grabado la noche del 11 de septiembre de 2001 en el club Blue Note de Nueva York. Sin embargo, tras el 11-S, se retrasó hasta febrero, cuando Lloyd, junto con la pianista Geri Allen, el batería Billy Hart, el guitarrista John Abercrombie y los bajistas Marc Johnson y Larry Grenadier dieron dos conciertos; su material se basó en espirituales de dominio público, canciones pop/rock, melodías de R&B y canciones folclóricas, Ellingtonia y composiciones originales. El objetivo colectivo de la banda era ilustrar el poder de la música para proporcionar empatía, compasión y consuelo ante la oscuridad. Lift Every Voice se publicó en octubre, y desde entonces se ha convertido en uno de los álbumes más queridos del saxofonista.

En 2004, Lloyd publicó Which Way Is East, una colección de dúos grabados con Higgins en los meses anteriores a su muerte, que constituyen sus últimas grabaciones. En 2006, Lloyd publicó el álbum en directo Sangam, con el maestro de la tabla india Zakir Hussain. Dos años después volvió con otro álbum en directo, Rabo de Nube, esta vez con el pianista Jason Moran. En 2010, Lloyd publicó Mirror, su decimotercer álbum para ECM, de nuevo con Moran, junto con el bajista Reuben Rogers y el batería Eric Harland. El álbum en directo Athens Concert, con la vocalista Maria Farantouri, le siguió en 2011. Lloyd siguió de gira durante la mayor parte de 2012. Su siguiente trabajo de estudio fue un dúo con el pianista Jason Moran titulado Hagar's Song, que se publicó en febrero de 2013. Ese mismo año, el saxofonista recibió el encargo de escribir e interpretar una obra para el Festival Jazztopad de Polonia en Wrocław. En el festival también se proyectó Arrows Into Infinity, un documental que repasa la vida y la carrera de Lloyd. Fue dirigido por Jeffrey Morse y su compañera de vida, mánager y coproductora Dorothy Darr. La película recorrió el circuito de festivales y teatros antes de ser editada en disco por ECM en 2014.

Después de un período de casi tres décadas con ECM, Lloyd volvió a firmar con Blue Note a principios de 2015. Su debut para el sello, Wild Man Dance, había sido encargado por el Festival Jazztopad dos años antes. Su banda en esa fecha incluía al pianista Gerald Clayton, al bajista Joe Sanders y al baterista Gerald Cleaver, con apariciones de invitados como el lira griego Sokratis Sinopoulos y el maestro húngaro del cimbalom Miklós Lukács. Wild Man Dance se publicó en abril.

Para su segundo lanzamiento en Blue Note, Lloyd tenía la intención de utilizar una grabación de un concierto realizado en 2013 en el Royce Hall de la UCLA con el guitarrista Bill Frisell. Sin embargo, el productor Darr le convenció para que volviera a entrar en el estudio con Frisell en su lugar. Junto con el baterista Harland, el guitarrista Greg Leisz y el bajista Reuben Rogers, grabaron un conjunto de melodías tradicionales y folclóricas, y volvieron a grabar algunas de las primeras composiciones de Lloyd, incluyendo "Of Course, Of Course", que se publicó como un sencillo previo al lanzamiento. Hubo dos apariciones de voces invitadas: Norah Jones colaboró en la pepita de oro pop "You Are So Beautiful" y Willie Nelson prestó su voz para una lectura de "Last Night I Had the Strangest Dream" de Ed McCurdy. Atribuido a Charles Lloyd & the Marvels, el álbum terminado se tituló I Long to See You y se publicó a principios de 2015.

El saxofonista celebró el décimo aniversario de su New Quartet con Moran, Rogers y Harland, con Passin' Thru en el verano de 2017. La oferta en vivo incluyó composiciones de toda su larga carrera, incluido el tema del título, que hizo su primera aparición grabada en 1963, cuando era miembro del quinteto de Hamilton. También incluyó una nueva versión de "Dream Weaver", el título del primer álbum de su cuarteto en 1966.

Lloyd volvió a reunir a los Marvels para Vanished Gardens de 2018 en Blue Note, que también contó con la participación especial de Lucinda Williams. La cantante y compositora, que ya había trabajado con Leisz y Frisell, conoció a Lloyd entre bastidores en un concierto de los Marvels. La pareja se llevó bien, y al poco tiempo, ella le invitó a abrir uno de sus propios espectáculos. Él le devolvió el favor y ambos decidieron trabajar juntos. Vanished Gardens, coproducido por Darr y Don Was, presenta a Williams en cuatro versiones revisadas de originales de su catálogo, así como una versión de "Angel" de Jimi Hendrix. El resto del álbum comprende tres temas de Lloyd, "Monk's Mood" de Thelonious Monk, y el estándar "Ballad of the Sad Young Men". Tras la publicación del disco en junio, los Marvel y Williams se embarcaron en una gira por todo el país durante el resto del año.

El saxofonista celebró su 80 cumpleaños el 15 de marzo de 2018 en el teatro Lobero de Santa Bárbara, su ciudad natal, acompañado por el guitarrista Julian Lage, el pianista Gerald Clayton, el bajista Reuben Rogers y el baterista Eric Harland. También estuvieron en escena para la ocasión el organista Booker T. Jones y el bajista (y presidente de Blue Note) Don Was. Se unieron al conjunto a mitad de camino. Un documento de ese evento titulado simplemente 8: Kindred Spirits (Live from the Lobero), fue publicado por Blue Note Records en febrero de 2020.

Mientras la pandemia interrumpía las giras y, a efectos prácticos, las colaboraciones, Lloyd y los Marvels seguían en el estudio. En febrero de 2021, el lanzamiento del sencillo "Anthem" de Leonard Cohen apareció con una crítica positiva. En marzo, la banda publicó el álbum completo Tone Poem, la primera novedad de la serie de vinilos de lujo del sello Tone Poet. El álbum también incluía versiones de Ornette Coleman, Thelonious Monk y Gabor Szabo, y una lectura en directo del estándar cubano "Ay Amor" de Ignacio Jacinto Villa Fernández. Lloyd contribuyó con tres composiciones originales a la fecha, incluyendo el tema del título y "Prayer".

charleslloyd.com ...

Gene Ammons • Gene Ammons and Friends at Montreux

 

Chick Corea & Gary Burton • Berliner Jazztage, November 1972 [Bootleg]

 

chickcorea.com ...
gary-burton ...        

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Gerry Mulligan & Art Farmer Quartet • Live In Rome

 

Stray Cats • Tonight's The Night

 

  straycats.com ...

Herbie Mann • Live At The Whisky 1969 The Unreleased Masters

 

Legendary flautist Herbie Mann's long tenure at Atlantic Records included 1969's Live At the Whisky A Go Go where he was joined by other jazz luminaries including Steve Marcus, Roy Ayers, Sonny Sharrock, Miroslav Vitous and Bruno Carr.  This album featured only two songs, one on each side of the LP.  However, there was a lot more material recorded from the group's four-night stand at the famous nightspot.  Now, the tapes from these shows have been unearthed and newly mixed to create a 2-CD set featuring twelve unreleased songs: Live At the Whisky 1969: The Unreleased Masters.  In addition to different versions of the two songs from the original LP, you'll also find songs by Donovan, Tim Hardin, Aretha Franklin, Miles Davis and Simon & Garfunkel.
https://theseconddisc.com/release/live-at-the-whisky-1969-the-unreleased-masters/

///////

La larga trayectoria del legendario flautista Herbie Mann en Atlantic Records incluyó el álbum Live At the Whisky A Go Go de 1969, en el que le acompañaron otras luminarias del jazz como Steve Marcus, Roy Ayers, Sonny Sharrock, Miroslav Vitous y Bruno Carr.  Este álbum sólo contenía dos canciones, una en cada cara del LP.  Sin embargo, había mucho más material grabado de las cuatro noches que el grupo pasó en el famoso local nocturno.  Ahora, las cintas de estos conciertos han sido desenterradas y mezcladas de nuevo para crear un conjunto de 2 CD con doce canciones inéditas: Live At the Whisky 1969: The Unreleased Masters.  Además de diferentes versiones de las dos canciones del LP original, también encontrarás temas de Donovan, Tim Hardin, Aretha Franklin, Miles Davis y Simon & Garfunkel.
https://theseconddisc.com/release/live-at-the-whisky-1969-the-unreleased-masters/

Dizzy Reece Quintet • From in to out

 

Review by Sean Westergaard
From in to Out is a live set from what was probably a one-off group of Dizzy Reece on trumpet, John Gilmore (doing a bit of freelancing on an Arkestra tour of Europe) on tenor, Siegfried Kessler on piano, and a rhythm section of Patrice Caratini on bass and Art Taylor on drums. Side one has a very Coltrane-esque feel, thanks mostly to Kessler's McCoy Tyner-isms and the driving rhythms of Art Taylor. Presumably without much rehearsal time, they basically set up a groove and blow. Reece solos first, followed by Gilmore and Kessler, before moving into a brief unaccompanied bass solo. Side two has the band shifting into an odd-meter groove, strongly reminiscent of "Dancing Girls" from Pete La Roca's Turkish Women at the Bath (another rare foray outside the Arkestra for Gilmore). About halfway through the second side, the band heads back to Trane territory to close out the set. Overall, this is an excellent, well-recorded set, even if it's nothing groundbreaking or earth-shattering. Highlights are the great drumming of Art Taylor and another fairly rare chance to hear John Gilmore operating outside of Sun Ra's music.
https://www.allmusic.com/album/from-in-to-out-mw0001882149

///////

Reseña de Sean Westergaard
From in to Out es una grabación en directo de lo que probablemente fue un grupo único formado por Dizzy Reece a la trompeta, John Gilmore (que trabajaba como freelance en una gira de la Arkestra por Europa) al tenor, Siegfried Kessler al piano y una sección rítmica formada por Patrice Caratini al bajo y Art Taylor a la batería. La primera cara tiene un aire muy Coltrane, gracias sobre todo a los McCoy Tynerismos de Kessler y a los ritmos de Art Taylor. Presumiblemente sin mucho tiempo de ensayo, básicamente establecen un groove y soplan. Reece hace el primer solo, seguido de Gilmore y Kessler, antes de pasar a un breve solo de bajo sin acompañamiento. En la segunda cara, la banda se adentra en un groove de compás extraño, que recuerda mucho a «Dancing Girls» del disco de Pete La Roca Turkish Women at the Bath (otra rara incursión de Gilmore fuera de la Arkestra). Hacia la mitad de la segunda cara, la banda vuelve al territorio de Trane para cerrar el set. En general, se trata de un conjunto excelente y bien grabado, aunque no sea nada rompedor ni revolucionario. Lo más destacado es la gran batería de Art Taylor y otra rara oportunidad de escuchar a John Gilmore fuera de la música de Sun Ra.
https://www.allmusic.com/album/from-in-to-out-mw0001882149

John Coltrane • Living Space

 

 

www.johncoltrane.com ...

John Coltrane • Jazz Showcase - 1962

 

John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

///////

John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

www.johncoltrane.com ...

Thelonious Monk • Paris 1969

 

Review
by Thom Jurek  
Thelonious Monk was having a rough time of it during the latter 1960s. Experiencing health and some economic problems, he was also in dispute with Columbia Records, whose marketing department was trying to re-create him in the image of a rock star (see the cover of Underground). On top of this, he had lost his core rhythm section, bassist Larry Gales and drummer Ben Riley. For his eighth European tour, the pianist hired young, unknown players as accompanists for himself and saxophonist Charlie Rouse: Berklee music school student Nate "Lloyd" Hygelund on bass and 17-year-old drummer Paris Wright -- son of bassist Herman Wright.
This date was recorded on the last night of the tour at the 3,800 seat Salle Pleyel (the same theater in which a far lesser-known Monk, playing with a local rhythm section, had bombed badly in 1954), and was filmed for French television broadcast. The members of this band had been able to establish a rapport during their travels, including a stint at Ronnie Scott's in London as well as gigs in Berlin, Cologne, and Italy. The show finds Monk and band playing well -- even if, at times, they are just swinging through the tunes rather than embellishing them. The versions of his classic tunes -- "Ruby My Dear," "Straight, No Chaser," "Light Blue," "Epistrophy," "Crepuscule with Nelly," "Bright Mississippi" -- and others are played with a sophisticated command, if not the experimentation they once contained. Wright is a perfectly capable, hard-swinging hard bop drummer; his chops are impressive -- for his age -- if not exceptional. Hygelund is the perfect timekeeper, always physical and in the pocket, and Rouse, so familiar with his boss' music, plays it so effortlessly and perfectly that at times he seems on autopilot -- save for his angular solo on "Light Blue." Monk, despite his health problems, seems undiminished. While there is no dancing, unpredictable bashing of chords with his elbows, or other theatrics common to his earlier persona, his sense of rhythm, harmony, imagination, and swing is ample. Wright gets a lesson in how it's all done on "Nutty," when the pianist calls out Philly Joe Jones (then a resident of Paris), who, though looking haggard, adds a polyrhythmic thrust to the proceedings that emboldens and energizes Monk.
Another spot where we hear the pianist stretch is in his uncharacteristically busy flourishes on "Ruby My Dear." This volume is a welcome addition to Monk's recorded catalog; it adds a fine performance to counter the then-popular critical notion that the great composer and pianist was languishing.
https://www.allmusic.com/album/paris-1969-mw0002581640

///////

Reseña
por Thom Jurek
Thelonious Monk pasaba por un mal momento a finales de los años sesenta. Tenía problemas de salud y algunos problemas económicos, y también estaba en disputa con Columbia Records, cuyo departamento de marketing intentaba recrearlo a imagen de una estrella del rock (véase la portada de Underground). Además, había perdido a su principal sección rítmica, el bajista Larry Gales y el batería Ben Riley. Para su octava gira europea, el pianista contrató a jóvenes desconocidos como acompañantes suyos y del saxofonista Charlie Rouse: Nate "Lloyd" Hygelund, estudiante de la escuela de música Berklee, al bajo, y Paris Wright, batería de 17 años, hijo del bajista Herman Wright.
Esta fecha se grabó la última noche de la gira en la Salle Pleyel, con capacidad para 3.800 espectadores (el mismo teatro en el que un Monk mucho menos conocido, tocando con una sección rítmica local, había sufrido un grave atentado en 1954), y se filmó para su emisión por la televisión francesa. Los miembros de esta banda habían logrado establecer una buena relación durante sus viajes, incluyendo una temporada en el Ronnie Scott's de Londres, así como actuaciones en Berlín, Colonia e Italia. Monk y su banda tocan muy bien, aunque a veces se limiten a repasar los temas en lugar de embellecerlos. Las versiones de sus temas clásicos - "Ruby My Dear", "Straight, No Chaser", "Light Blue", "Epistrophy", "Crepuscule with Nelly", "Bright Mississippi"- y otros se tocan con un dominio sofisticado, si no con la experimentación que contenían antaño. Wright es un baterista de hard bop perfectamente capaz; sus habilidades son impresionantes - para su edad - si no excepcionales. Hygelund es el cronometrador perfecto, siempre físico y en el bolsillo, y Rouse, tan familiarizado con la música de su jefe, la interpreta tan sin esfuerzo y a la perfección que a veces parece en piloto automático -- salvo su anguloso solo en "Light Blue". Monk, a pesar de sus problemas de salud, no parece disminuido. Aunque no hay bailes, ni golpes impredecibles de acordes con los codos, ni otros elementos teatrales comunes a su anterior personaje, su sentido del ritmo, la armonía, la imaginación y el swing es amplio. Wright recibe una lección de cómo se hace todo esto en "Nutty", cuando el pianista llama a Philly Joe Jones (entonces residente en París), quien, aunque con aspecto demacrado, añade un empuje polirrítmico a las actuaciones que envalentona y da energía a Monk.
Otro punto en el que oímos al pianista estirarse es en sus florituras inusualmente ocupadas en "Ruby My Dear". Este volumen es una adición bienvenida al catálogo de grabaciones de Monk; añade una buena interpretación para contrarrestar la noción crítica entonces popular de que el gran compositor y pianista estaba languideciendo.
https://www.allmusic.com/album/paris-1969-mw0002581640

www.theloniousmonkmusic.com ...

Stan Getz & Kenny Barron • People Time

 

 

Review
by Scott Yanow
Stan Getz's final recording, a two-CD live set of duets with pianist Kenny Barron that was cut just three months before his death, finds the great tenor in surprisingly creative form despite an occasional shortness of breath. Getz's tone is as beautiful as ever and he does not spare himself on this often exquisite set. His version of Charlie Haden's "First Song" is a highlight but none of the 14 performances are less than great. A brilliant farewell recording by a masterful jazzman.
https://www.allmusic.com/album/people-time-mw0000677791

///////

Reseña
por Scott Yanow
La última grabación de Stan Getz, un conjunto de dos CDs en directo de duetos con el pianista Kenny Barron que se grabó sólo tres meses antes de su muerte, encuentra al gran tenor en una forma sorprendentemente creativa a pesar de una ocasional falta de aliento. El tono de Getz es tan bello como siempre y no escatima en este conjunto a menudo exquisito. Su versión de "First Song" de Charlie Haden es un momento culminante, pero ninguna de las 14 interpretaciones deja de ser magnífica. Una brillante grabación de despedida de un jazzista magistral.
https://www.allmusic.com/album/people-time-mw0000677791