Chick Corea-Steve Kujala • Voyage

 

chickcorea.com ...

Michel Hausser Quartet & Bobby Jaspar • Vibes + Flute

 

Michel Hausser is a French vibraphonist and jazz accordionist. He played bebop with lines directly inherited from those of Milt Jackson.

Learned piano by his father, he became a professional musician in 1947 in Strasbourg where he was appointed professor at the Academy Accordion Oscar Dhiebolt. In 1949 he formed his first band with which he toured Europe and North Africa. Three years later he moved to the Latin Quarter in Paris, the musical heart of the capital. He gives concerts with violinist Stéphane Grappelli and jazz club The cat fishing. In 1954, he met Milt Jackson he sees as the greatest American vibraphonist.

In 1958, Michel Hausser is designated by critics 1st European vibraphonist. The author considers the Bill Coleman with Geo Daly and Dany Doriz as one of the top three French vibraphone this period and whose style is inspired by that of Milt Jackson1. He made his first recordings with American stars. In 1967, he became Chairman of the Branch Trade Union of Musicians Jazz and Variety France.

In 1969, Michel Hausser returns in Alsace. It creates the Academy Accordion Michel Hausser in Munster and Colmar. It is final member of the SACEM with over 200 works reported, including several film scores.

He runs for 20 years with his Jazz Trio Werner Brum on bass and Bernard Hertrich on guitar and Michel Hausser Regio Jazz Group, a septet made up of soloists French, German and Swiss.

Michel Hausser created in 1988 the Munster Jazz Festival for which he was artistic director until 2008.

Note: I suspect the sides are reversed, as Moanin' is labeled H.E.C. Blues.

///////

Michel Hausser es un vibrafonista francés y acordeonista de jazz. Jugó al bebop con líneas heredadas directamente de las de Milt Jackson.

Aprendió piano con su padre y se convirtió en músico profesional en 1947 en Estrasburgo, donde fue nombrado profesor de la Academia de Acordeón Oscar Dhiebolt. En 1949 formó su primera banda con la que realizó giras por Europa y el norte de África. Tres años más tarde se trasladó al Barrio Latino de París, el corazón musical de la capital. Da conciertos con el violinista Stéphane Grappelli y el club de jazz The cat fishing. En 1954, conoció a Milt Jackson, al que considera el mejor vibrafonista estadounidense.

En 1958, Michel Hausser es designado por los críticos del primer vibrafonista europeo. El autor considera al Bill Coleman con Geo Daly y Dany Doriz como uno de los tres mejores vibrafones franceses de esta época y cuyo estilo se inspira en el de Milt Jackson1. Hizo sus primeras grabaciones con estrellas americanas. En 1967, se convirtió en Presidente del Sindicato de Músicos de Jazz y Variedad de Francia.

En 1969, Michel Hausser regresa a Alsacia. Crea la Academia de Acordeón Michel Hausser en Munster y Colmar. Es miembro final de la SACEM con más de 200 trabajos reportados, incluyendo varias partituras de películas.

Dirige durante 20 años con su Trío de Jazz Werner Brum al bajo y Bernard Hertrich a la guitarra y Michel Hausser Regio Jazz Group, un septeto formado por solistas franceses, alemanes y suizos.

Michel Hausser creó en 1988 el Munster Jazz Festival del que fue director artístico hasta 2008.

Nota: Sospecho que los lados estan invertidos, ya que Moanin' está etiquetado como H.E.C. Blues.

Herbie Mann • Live at Newport

 

Review by Scott Yanow
Most of Herbie Mann's Atlantic sessions of the 1960s are among the flutist's best and most popular work. Mann and his regular group of 1963 (which includes vibraphonist Dave Pike, pianist Don Friedman, guitarist Attila Zoller, bassist Ben Tucker and drummer Bob Thomas with added percussionists Willie Bobo and Potato Valdez) are heard in spirited form on this set from the 1963 Newport Jazz Festival. There are two surprises, both having to do with Antonio Carlos Jobim tunes. The bossa nova hit "Desafinado" is taken in straight 4/4 time without the percussionists, which makes it sound like a new song. And three months after Stan Getz, Jobim and the Gilbertos recorded "The Girl From Ipanema" (but before it was even released), Mann can be heard playing an instrumental version of the song, here listed as "Garota De Ipanema." A catchy rendition of "Soft Winds," the bossa nova "Samba De Orfeu," and Ben Tucker's "Don't You Know" round out the well-played program.

 

///////

 

Reseña de Scott Yanow
La mayoría de las sesiones de Herbie Mann en Atlantic de los años 60 se encuentran entre los mejores y más populares trabajos del flautista. Mann y su grupo habitual de 1963 (que incluye al vibrafonista Dave Pike, al pianista Don Friedman, al guitarrista Attila Zoller, al bajista Ben Tucker y al baterista Bob Thomas con los percusionistas añadidos Willie Bobo y Potato Valdez) se escuchan en forma animada en este set del Festival de Jazz de Newport de 1963. Hay dos sorpresas, ambas relacionadas con temas de Antonio Carlos Jobim. El éxito de la bossa nova "Desafinado" se interpreta en tiempo 4/4 sin los percusionistas, lo que la hace sonar como una canción nueva. Y tres meses después de que Stan Getz, Jobim y los Gilbertos grabaran "The Girl From Ipanema" (pero antes de que saliera a la venta), se puede escuchar a Mann tocando una versión instrumental de la canción, aquí catalogada como "Garota De Ipanema". Una pegadiza interpretación de "Soft Winds", la bossa nova "Samba De Orfeu" y "Don't You Know" de Ben Tucker completan el programa bien interpretado.

Leo Wright • Soul Talk

 

Biography by Chris Kelsey
A first-rate bop-oriented alto saxophonist, Wright was also one of the finest flutists jazz has known. He studied saxophone under the tutelage of his father. His first recording was made in 1958 with vibist Dave Pike; the next year, he played the Newport Festival with bassist Charles Mingus' group. Wright joined Dizzy Gillespie's band in 1959, remaining until 1962. In addition to his sideman work, Wright established himself as a leader in the early '60s, leading New York-based bands that included the likes of bassist Ron Carter, pianist Junior Mance, drummer Charlie Persip, and guitarist Kenny Burrell, among others. In 1960, he recorded the record for which he is perhaps best-known -- Blues Shout for the Atlantic label -- with a group consisting of himself, Mance, Persip, bassist Art Davis, and trumpeter Richard Williams. After leaving Gillespie's band, Wright went on to play and record with pianist/composer Lalo Schifrin and organist Jack McDuff; with the latter he recorded Screamin' for the Prestige label. He also worked with composer Antonio Carlos Jobim, trumpeter Johnny Coles, and singer Jimmy Witherspoon before moving to Europe later in the decade. There he worked with pianist/composer George Gruntz and he also played with saxophonist Lee Konitz in an all-star group called Alto Summit and with trumpeter Carmell Jones. Wright eventually moved to Berlin, where he played in a studio band and worked freelance. In May 1978, Wright co-led a studio session in New York City with pianist Red Garland for Muse Records. He essentially retired from music around 1979, before re-emerging in the mid-'80s. In 1986, Wright played gigs with the Paris Reunion Band, which also included trombonist Grachan Moncur III, cornetist Nat Adderley, and pianist Kenny Drew Sr. In the years before his death, Wright worked and recorded with his wife, singer Elly Wright. His autobiography, God Is My Booking Agent, was published posthumously by Bayou Press in the fall of 1991. His last recording was made with his wife on her CD Listen to My Plea.
https://www.allmusic.com/artist/leo-wright-mn0000208857#biography

///////

Biografía de Chris Kelsey
Wright, saxofonista alto de primera clase orientado al bop, fue también uno de los mejores flautistas que ha conocido el jazz. Estudió saxofón bajo la tutela de su padre. Su primera grabación fue en 1958 con el vibra Dave Pike; al año siguiente, tocó en el Festival de Newport con el grupo del bajista Charles Mingus. Wright se incorporó a la banda de Dizzy Gillespie en 1959, donde permaneció hasta 1962. Además de su trabajo como músico de acompañamiento, Wright se consolidó como líder a principios de los 60, al frente de bandas de Nueva York en las que figuraban, entre otros, el bajista Ron Carter, el pianista Junior Mance, el batería Charlie Persip y el guitarrista Kenny Burrell. En 1960, grabó el disco por el que quizá sea más conocido, Blues Shout para el sello Atlantic, con un grupo formado por él mismo, Mance, Persip, el bajista Art Davis y el trompetista Richard Williams. Tras abandonar la banda de Gillespie, Wright tocó y grabó con el pianista y compositor Lalo Schifrin y el organista Jack McDuff; con este último grabó Screamin' para el sello Prestige. También trabajó con el compositor Antonio Carlos Jobim, el trompetista Johnny Coles y el cantante Jimmy Witherspoon antes de trasladarse a Europa a finales de la década. Allí trabajó con el pianista y compositor George Gruntz y también tocó con el saxofonista Lee Konitz en un grupo de estrellas llamado Alto Summit y con el trompetista Carmell Jones. Wright se trasladó finalmente a Berlín, donde tocó en una banda de estudio y trabajó como freelance. En mayo de 1978, Wright codirigió una sesión de estudio en Nueva York con el pianista Red Garland para Muse Records. Se retiró prácticamente de la música hacia 1979, antes de reaparecer a mediados de los 80. En 1986, Wright actuó con la Paris Reunion Band, integrada también por el trombonista Grachan Moncur III, el cornetista Nat Adderley y el pianista Kenny Drew Sr. En los años anteriores a su muerte, Wright trabajó y grabó con su esposa, la cantante Elly Wright. Su autobiografía, God Is My Booking Agent, fue publicada póstumamente por Bayou Press en otoño de 1991. Su última grabación la realizó con su esposa en el CD Listen to My Plea.
https://www.allmusic.com/artist/leo-wright-mn0000208857#biography

Herbie Mann & Machitos Jazz Orchestra • Super Mann

La grabación original aparecida en 1958 como disco de "Machito & his Jazz Orchestra" en donde si bien Herbie tiene una importante participación aparece como músico invitado de Francisco Raúl Gutiérrez Grillo también conocido como "Machito", músico y director de orquesta desde finales de los '30 del estilo latin-jazz, o sea por aquel entonces (1958) "Machito" era mucho más importante que Herbie por lo cual se entiende que no aparezca como co-autor del disco. Años más tarde en 1978 ante la creciente fama de Herbie y las ansias por más dinero de la grabadora reciclan esta grabación bajo el título de "Herbie Mann & Machitos Jazz Orchestra - Super Mann".

"Machito"

Como sospecharán este es un disco bastante distinto de otros de Herbie, el cual a lo largo de su carrera no ha disimulado su gusto por los sonidos latinos, en el cual hay que valorar tanto a Herbie por su visión adelantada a su época de la interpretación de la flauta, como también a “Machito” por unos excelentes arreglos y ensamble orquestal.

///////

The original recording appeared in 1958 as an album by Machito & his Jazz Orchestra where, although Herbie has an important participation, he appears as a guest musician of Francisco Raúl Gutiérrez Grillo also known as "Machito", musician and orchestra conductor since the end of the '30 of the latin-jazz style, or at that time (1958) "Machito" was much more important than Herbie so it is understood that not appear as a co-author of the album. Years later in 1978 before the increasing fame of Herbie and the hunger for more money of the recorder recycle this recording under the title that of "Herbie Mann & Machitos Jazz Orchestra - Super Mann".As they suspect this is a record quite different from others by Herbie, who throughout his career has not disguised his taste for Latin sounds, in which we must value so much Herbie for his vision ahead of his time of interpretation Of the flute, as well as "Machito" by excellent arrangements and orchestral ensemble.

Bob Dorough & Sam Most Quartet • Complete Recordings

 

The only vocalist to ever record with Miles Davis, Bob Dorough was also an exceptional pianist, composer, arranger and lyricist. This outstanding 69-minute release showcases the enigmatic musician's formidable piano skills along side flute and clarinet virtuoso Sam Most, bassist Bill Crow and drummer Joe Morello. Tasteful from start to finish, this sterling release is a must have for any jazz collector.

///////

El único vocalista que ha grabado con Miles Davis, Bob Dorough fue también un excepcional pianista, compositor, arreglista y letrista. Este excepcional lanzamiento de 69 minutos muestra las formidables habilidades de piano del enigmático músico junto con el virtuoso de la flauta y el clarinete Sam Most, el bajista Bill Crow y el batería Joe Morello. De buen gusto de principio a fin, este excelente lanzamiento es una necesidad para cualquier coleccionista de jazz.

Quartetto Moderno • Ecco!

“Quartetto Moderno” is going through Italian jazz scene foregoing a new feeling which implies a cool aesthetic so much connected with European culture. Actually, we cannot but remark that Italian jazz music issued between the late ‘50s throughout the ‘60s is gaining attention elsewhere but in Italy. Numbers and numbers of excellent recording – from Basso Valdambrini’s to Quartetto di Lucca’s, from Giorgio Azzolini’s to Eraldo Volontè’s – are now in great demand thanks to some characteristics which were probably not so easy to focus at the time: actually, they are the fruit of a musical research sustained by stylistic choices showing undoubtedly Italian roots; which is the right humus for Quartetto Moderno. Refined sounds, modal impulses combined with elaborate harmonic series and romantic melodies represent the natural, modern continuation of that artistic period and mood. The young age of the musicians is then the curious pretext for unexpected executions showing however creativity and style in perfect balance.

///////

Traducciñon Automática:

"Quartetto Moderno" atraviesa la escena del jazz italiano, renunciando a un nuevo sentimiento que implica una estética genial, tan conectada con la cultura europea. En realidad, no podemos dejar de señalar que la música de jazz italiana emitida entre finales de los años 50 a lo largo de los años 60 está ganando atención en otros lugares, pero en Italia. Los números y los números de excelentes grabaciones, desde Basso Valdambrini hasta Quartetto di Lucca, desde Giorgio Azzolini hasta Eraldo Volontè, son ahora muy solicitados gracias a algunas características que probablemente no eran tan fáciles de enfocar en ese momento: en realidad, son el fruto de una investigación musical sostenida por elecciones estilísticas que muestran, sin duda, raíces italianas; Cuál es el humus correcto para Quartetto Moderno. Los sonidos refinados, los impulsos modales combinados con elaboradas series armónicas y las melodías románticas representan la continuación natural y moderna de ese período artístico y estado de ánimo. La corta edad de los músicos es entonces el curioso pretexto para ejecuciones inesperadas que muestran, sin embargo, la creatividad y el estilo en perfecto equilibrio.

 

Herbie Mann • Push Push

Review

Flutist Herbie Mann opened up his music on this date for Push Push (and during the era) toward R&B, rock and funk music. The results were generally appealing, melodic and danceable. On such songs as "What's Going On," "Never Can Say Goodbye," "What'd I Say" and the title cut, Mann utilizes an impressive crew of musicians, which include guitarist Duane Allman and keyboardist Richard Tee.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/push-push-mw0000203730

///////

Revisar

El flautista Herbie Mann abrió su música en esta fecha para Push Push (y durante la época) hacia el R&B, el rock y el funk. Los resultados fueron en general atractivos, melódicos y bailables. En canciones como "What's Going On", "Never Can Say Goodbye", "What'd I Say" y el corte del título, Mann utiliza un impresionante equipo de músicos, que incluye al guitarrista Duane Allman y al teclista Richard Tee.

por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/push-push-mw0000203730

Al Di Meola & Eszter Horgas • He & Carmen

  

 

aldimeola.com ...

facebook.com/horgaseszter ... 

Yusef Lateef • The Gentle Giant

 

 

 

William Emanuel Huddleston, (n. Chattanooga, 9 de octubre de 1920 ; m. Sutesbury (Massachusetts), 23 de diciembre de 2013), mejor conocido como Yusef Lateef, fue un músico estadounidense que tocaba la flauta, el oboe y el saxo tenor, encuadrado habitualmente como músico de jazz, aunque su ámbito estilístico era el de la vanguardia musical en general: hard bop, new age, músicas del mundo, etc.

Lateef creció en Detroit y empezó tocando el saxo tenor a los 17 años. Trabajó con Lucky Millinder (1946), Hot Lips Page, Roy Eldridge y con la big band de Dizzy Gillespie (1949-50). Durante los años cincuenta se inició en el estudio de la flauta en la Wayne State University.

Comenzó a grabar como líder en 1955 para el sello Savoy y más tarde para Riverside y Prestige. En 1959, se trasladó a Nueva York, cuando ya tenía una sólida reputación por su versatilidad y su tendencia a utilizar instrumentos creados por él.

En 1960, tocó con Charles Mingus, acompañó a Donald Byrd y trabajó con el Cannonball Adderley Sextet (1962-1964).

Con Impulse! (1963-1966) grabó algunos de sus mejores trabajos, como también lo fueron los grabados para Atlantic (1967-76).

En los años ochenta se dedicó a la enseñanza en Nigeria y su música prestó atención al new age, ampliando sus intereses en los noventa y llegando a grabar improvisación pura con músicos como Ricky Ford, Archie Shepp y Von Freeman. [WIKI]

http://www.yuseflateef.com/

///////

Yusef Abdul Lateef (born William Emanuel Huddleston; October 9, 1920 – December 23, 2013) was an American jazz multi-instrumentalist, composer and prominent figure among the Ahmadiyya Community in America, in 1950.

 Although Lateef's main instruments were the tenor saxophone and flute, he also played oboe and bassoon, both rare in jazz, and also used a number of non-western instruments such as the bamboo flute, shanai, shofar, xun, arghul and koto. He is known for having been an innovator in the blending of jazz with "Eastern" music. Peter Keepnews, in his New York Times obituary of Lateef, wrote that the musician "played world music before world music had a name."[2]

 Lateef wrote and published a number of books including two novellas entitled A Night in the Garden of Love and Another Avenue, the short story collections Spheres and Rain Shapes, also his autobiography, The Gentle Giant, written in collaboration with Herb Boyd.[3] Along with his record label YAL Records, Lateef owned Fana Music, a music publishing company. Lateef published his own work through Fana, which includes Yusef Lateef's Flute Book of the Blues and many of his own orchestral compositions.

http://www.yuseflateef.com/

 

 

Herbie Mann • The Wailing Dervishes

 

Review by Richard S. Ginell

One of Herbie Mann's more esoteric excursions, The Wailing Dervishes chases after a fusion that is extremely rare even today - jazz and the Middle East. Believe it or not, it works -- and there are no commercial or ethnic compromises. Mann does not alter his familiar flute improvisational manner one whit, and he enlists the help of an Armenian-descended oud virtuoso, Chick Ganimian, whose folk-like solos on his stringed instrument blend in with, but derive hardly anything rhythmic from, jazz. Mann's regular sidekick Roy Ayers sounds comfortable on vibes and Moulay "Ali" Hafid contributes the ethnic rhythms of his bongo-like dümbek to the percussion section. We also get a ringer in the form of bagpipes player Rufus Harley, whose guest solo on the blues "Flute Bag" is like the old saw of a dog walking on its hind legs; one applauds that it can be done at all. Recorded live, this LP is definitely worth hunting for if you want to hear something really different.

Biography by Scott Yanow

Herbie Mann played a wide variety of music throughout his career. He became quite popular in the 1960s, but in the '70s became so immersed in pop and various types of world music that he seemed lost to jazz. However, Mann never lost his ability to improvise creatively as his later recordings attest.

Herbie Mann began on clarinet when he was nine but was soon also playing flute and tenor. After serving in the Army, he was with Mat Mathews' Quintet (1953-1954) and then started working and recording as a leader. During 1954-1958 Mann stuck mostly to playing bop, sometimes collaborating with such players as Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar, and Charlie Rouse. He doubled on cool-toned tenor and was one of the few jazz musicians in the '50s who recorded on bass clarinet; he also recorded a full album in 1957 (for Savoy) of unaccompanied flute.

After spending time playing and writing music for television, Mann formed his Afro-Jazz Sextet, in 1959, a group using several percussionists, vibes (either Johnny Rae, Hagood Hardy, or Dave Pike) and the leader's flute. He toured Africa (1960) and Brazil (1961), had a hit with "Comin' Home Baby," and recorded with Bill Evans. The most popular jazz flutist during the era, Mann explored bossa nova (even recording in Brazil in 1962), incorporated music from many cultures (plus current pop tunes) into his repertoire, and had among his sidemen such top young musicians as Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller, and Roy Ayers; at the 1972 Newport Festival his sextet included David Newman and Sonny Sharrock. By then Mann had been a producer at Embroyo (a subsidiary of Atlantic) for three years and was frequently stretching his music outside of jazz. As the '70s advanced, Mann became much more involved in rock, pop, reggae, and even disco. After leaving Atlantic at the end of the '70s, Mann had his own label for awhile and gradually came back to jazz. He recorded for Chesky, made a record with Dave Valentin, and in the '90s founded the Kokopelli label on which before breaking away in 1996, he was free to pursue his wide range of musical interests. Through the years, he recorded as a leader for Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli, and most significantly Atlantic. He passed away on July 1, 2003, following an extended battle with prostate cancer. His last record was 2004's posthumously released Beyond Brooklyn for Telarc.

///////

Reseña de Richard S. Ginell
Una de las excursiones más esotéricas de Herbie Mann, The Wailing Dervishes, persigue una fusión que es extremadamente rara incluso hoy en día: el jazz y Oriente Medio. Lo creas o no, funciona, y no hay compromisos comerciales o étnicos. Mann no altera su familiar manera de improvisar flauta, y cuenta con la ayuda de un virtuoso del oud de ascendencia armenia, Chick Ganimian, cuyos solos folclóricos en su instrumento de cuerdas se mezclan con el jazz, pero apenas derivan de él. El compañero habitual de Mann, Roy Ayers, se siente cómodo con las vibraciones y Moulay "Ali" Hafid aporta a la sección de percusión los ritmos étnicos de su dümbek de bongó. También tenemos un timbre en forma de gaitero Rufus Harley, cuyo solo de invitado en el blues "Flute Bag" es como la vieja sierra de un perro que camina sobre sus patas traseras; uno aplaude que se puede hacer en absoluto. Grabado en vivo, este LP definitivamente vale la pena si quieres escuchar algo realmente diferente.


Biografía de Scott Yanow

Herbie Mann tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. Se hizo muy popular en la década de 1960, pero en la década de los 70 se sumergió tanto en el pop como en varios tipos de músicas del mundo que parecía perdido en el jazz. Sin embargo, Mann nunca perdió su capacidad de improvisar creativamente como lo atestiguan sus últimas grabaciones.

Herbie Mann comenzó a tocar el clarinete cuando tenía nueve años, pero pronto también tocaba flauta y tenor. Después de servir en el Ejército, estuvo con Mat Mathews 'Quintet (1953-1954) y luego comenzó a trabajar y grabar como líder. Durante 1954-1958, Mann se dedicó principalmente a jugar bop, a veces colaborando con jugadores como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar y Charlie Rouse. Se dobló con un tenor de tono frío y fue uno de los pocos músicos de jazz en los años 50 que grabaron en el clarinete bajo; también grabó un álbum completo en 1957 (para Savoy) de flauta no acompañada.

Después de pasar el tiempo tocando y escribiendo música para la televisión, Mann formó su Sexteto Afro-Jazz, en 1959, un grupo que utiliza varios percusionistas, vibraciones (ya sea Johnny Rae, Hagood Hardy o Dave Pike) y la flauta del líder. Realizó una gira por África (1960) y Brasil (1961), tuvo un éxito con "Comin 'Home Baby" y grabó con Bill Evans. El flautista de jazz más popular durante la era, Mann exploró la bossa nova (incluso grabando en Brasil en 1962), incorporó música de muchas culturas (más las melodías pop actuales) en su repertorio, y tuvo entre sus dirigentes a músicos jóvenes tan importantes como Willie Bobo. Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Festival de Newport de 1972, su sexteto incluía a David Newman y Sonny Sharrock. Para entonces, Mann había sido productor en Embroyo (una subsidiaria de Atlantic) durante tres años y frecuentemente estaba extendiendo su música fuera del jazz. A medida que avanzaban los años 70, Mann se involucró mucho más en el rock, el pop, el reggae e incluso la discoteca. Después de dejar Atlantic a finales de los años 70, Mann tuvo su propio sello por un tiempo y gradualmente volvió al jazz. Grabó para Chesky, grabó un disco con Dave Valentin, y en los años 90 fundó el sello Kokopelli, en el cual, antes de separarse en 1996, tenía libertad para dedicarse a su amplia gama de intereses musicales. A través de los años, grabó como líder para Belén, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, lo más importante, Atlantic. Falleció el 1 de julio de 2003, luego de una prolongada batalla contra el cáncer de próstata. Su último disco fue 2004, lanzado póstumamente Beyond Brooklyn para Telarc.

Hubert Laws • Laws' Cause

 

 

Internationally renowned flutist Hubert Laws is one of the few classical artists who has also mastered jazz, pop, and rhythm-and-blues genres; moving effortlessly from one repertory to another. He has appeared as a soloist with the New York Philharmonic under Zubin Mehta, with the orchestras of Los Angeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Amsterdam, Japan, Detroit and with the Stanford String Quartet. He has given annual performances at Carnegie Hall, and has performed sold out performances in the Hollywood Bowl with fellow flutist Jean-Pierre Rampal and was a member of the New York Philharmonic and Metropolitan Opera Orchestras. In addition, he has appeared at the Montreux, Playboy, and Kool Jazz festivals; he performed with the Modern Jazz Quartet at the Hollywood Bowl in 1982 and with the Detroit Symphony in 1994. His recordings have won three Grammy nominations.

Mr. Laws has been involved in unique projects such as collaborations with Quincy Jones, Bob James, and Claude Bolling for Neil Simon's comedy California Suite, a collaboration with Earl Klugh and Pat Williams on the music for How to Beat the High Cost of Living: and film scores for The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich, and Spot Marks the X.

There are 20 albums in Mr. Laws' discography for such record companies as: Atlantic, CBS, CTI, including: “My Time Will Come,” and “Storm Then The Calm” for the Music Masters record label.

Session work also remains a staple of Hubert Laws' schedule, and includes collaborations and recordings with such artists as Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein and the New York Philharmonic.

In addition, Mr. Laws maintains his own publishing companies, Hulaws Music and Golden Flute Music, and he founded Spirit Productions in 1976 to produce his own albums and those of promising new artists. He was selected the No. 1 flutist in Down Beat readers' polls ten years in a row and was the critic's choice seven consecutive years.

Born in Houston, Mr. Laws' musical education came from various sources. He grew up directly across from a honky- tonk called Miss Mary's Place, his grandfather played the harmonica, and his mother played gospel music on the piano. His classical training got under way in high school. He later enrolled in the music department at Texas Southern University. During this period, he arranged to study privately with Clement Barone who Mr. Laws considers had a profound effect on his development. From there he traveled to Los Angeles with the Jazz Crusaders where he won a scholarship to the Juilliard School of music in New York City. Mr. Laws completed his studies and obtained his degree at the Juilliard School of music in New York City under tutelage of the renowned flutist Julius Baker.

HUBERT LAWS' MUSICAL BACKGROUND
Hubert's musical education has always been an amalgamation. For starters, his boyhood home was directly across the street from an honest-to-goodness honky-tonk, Miss Mary's Place, which still sits on the same spot in Houston's Studewood section. His grandfather played the harmonica and often entertained as a one-man band. His mother, Miola, played gospel music on piano.

The second of eight children in a musical family, Hubert grew up playing rhythm and blues and gospel at dances in the neighborhood. Brother Ronnie and sisters, Eloise and Debra, have all made their mark in the music industry, while sister Blanche has devoted her talent to gospel singing and brother Johnnie has contributed his voice on Hubert's recordings. It's fitting that Hubert's fourth album for Columbia was entitled Family, featuring almost the entire Laws clan.

Starting out on Piano then Mellophone and alto sax, Hubert picked up the flute in high school while volunteering to fill-in on a flute solo performance with his high school orchestra. Music teacher, Clement Barone, is credited with teaching Hubert the fundamentals. During his early teens, Hubert was exposed to jazz by high school band director Sammy Harris at Phillis Wheatley High School. He enjoyed the freedom of improvisation and the creativity allowed by jazz and began playing regularly with a Houston group known variously as the Swingsters, the Modern Jazz Sextet, Night Hawks, the Jazz Crusaders, and more recently, the Crusaders.

After high school, Hubert enrolled in the Music Department at Texas Southern University. After two years there he left with the Crusaders for Los Angeles. This soon became a point of departure to the Juilliard School of Music in New York. Winning a scholarship that would cover the cost of tuition in 1960, Hubert left for New York in a 1950 Plymouth Sedan with $600.00 in his pocket. Fondly remembering the moment he realized his savings would not cover the necessities of life in New York, Hubert recalled, “It was the fall of 1960. I was down to my last fifty bucks and wondering what to do when the phone rang and it was a call offering me my first job at Sugar Ray's Lounge in Harlem. Times were tough then, but, I haven't looked back since.”

Studying all day every day in class or with master flautist Julius Baker, evenings were devoted to gigging for support. Soon Hubert was playing with the likes of Mongo Santamaria, Lloyd Price Big Band, John Lewis of the Modern Jazz Quartet, the Orchestra USA, and the Berkshire Festival Orchestra at Tanglewood — summer home of the Boston Symphony Orchestra.

Recording session work became a staple of Hubert's schedule and included Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry, and J.J. Johnson. During those tough times, the ability to play R&B and jazz enabled him not only to survive, but to thrive. Hubert believes musicians would do well to learn how to play in a variety of musical idioms.
https://musicians.allaboutjazz.com/hubertlaws

///////

El flautista de renombre internacional Hubert Laws es uno de los pocos artistas clásicos que también domina los géneros del jazz, el pop y el rhythm-and-blues, pasando sin esfuerzo de un repertorio a otro. Ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Zubin Mehta, con las orquestas de Los Ángeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Ámsterdam, Japón, Detroit y con el Stanford String Quartet. Ha ofrecido actuaciones anuales en el Carnegie Hall y ha agotado las entradas en el Hollywood Bowl con su colega el flautista Jean-Pierre Rampal y ha sido miembro de las orquestas de la Filarmónica de Nueva York y de la Ópera Metropolitana. Además, ha aparecido en los festivales de Montreux, Playboy y Kool Jazz; actuó con el Modern Jazz Quartet en el Hollywood Bowl en 1982 y con la Detroit Symphony en 1994. Sus grabaciones han obtenido tres nominaciones a los Grammy.

El Sr. Laws ha participado en proyectos únicos como las colaboraciones con Quincy Jones, Bob James y Claude Bolling para la comedia de Neil Simon California Suite, una colaboración con Earl Klugh y Pat Williams en la música de How to Beat the High Cost of Living: y partituras de películas como The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich y Spot Marks the X.

Hay 20 álbumes en la discografía del Sr. Laws para compañías discográficas como: Atlantic, CBS, CTI, incluyendo: "My Time Will Come", y "Storm Then The Calm" para el sello discográfico Music Masters.

El trabajo de sesión también sigue siendo un elemento básico en la agenda de Hubert Laws, e incluye colaboraciones y grabaciones con artistas como Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York.

Además, el Sr. Laws mantiene sus propias editoriales, Hulaws Music y Golden Flute Music, y fundó Spirit Productions en 1976 para producir sus propios álbumes y los de nuevos artistas prometedores. Fue elegido el flautista número 1 en las encuestas de los lectores de Down Beat durante diez años consecutivos y fue la elección de la crítica durante siete años consecutivos.

Nacido en Houston, la educación musical del Sr. Laws provino de varias fuentes. Creció justo enfrente de un honky-tonk llamado Miss Mary's Place, su abuelo tocaba la armónica y su madre tocaba música gospel en el piano. Su formación clásica comenzó en el instituto. Más tarde se matriculó en el departamento de música de la Texas Southern University. Durante este periodo, consiguió estudiar en privado con Clement Barone, quien el Sr. Laws considera que tuvo un profundo efecto en su desarrollo. Desde allí viajó a Los Ángeles con los Jazz Crusaders, donde ganó una beca para la Juilliard School of music de Nueva York. El Sr. Laws completó sus estudios y obtuvo su título en la Juilliard School of music de Nueva York bajo la tutela del renombrado flautista Julius Baker.

FORMACIÓN MUSICAL DE HUBERT LAWS
La educación musical de Hubert siempre ha sido una amalgama. Para empezar, su casa de la infancia estaba justo enfrente de un honky-tonk de verdad, Miss Mary's Place, que todavía se encuentra en el mismo lugar en el barrio de Studewood de Houston. Su abuelo tocaba la armónica y a menudo actuaba como un solo hombre orquesta. Su madre, Miola, tocaba la música gospel al piano.

Hubert, el segundo de ocho hijos de una familia de músicos, creció tocando rhythm and blues y gospel en los bailes del barrio. Su hermano Ronnie y sus hermanas, Eloise y Debra, han dejado su huella en la industria musical, mientras que la hermana Blanche ha dedicado su talento al canto gospel y su hermano Johnnie ha aportado su voz en las grabaciones de Hubert. Resulta apropiado que el cuarto álbum de Hubert para Columbia se titule Family, con la participación de casi todo el clan Laws.

Hubert empezó tocando el piano, luego el violonchelo y el saxo alto, y en el instituto se hizo con la flauta mientras se ofrecía como voluntario para un solo de flauta en la orquesta de su instituto. Su profesor de música, Clement Barone, le enseñó los fundamentos de la flauta. Durante su adolescencia, Hubert conoció el jazz de la mano del director de la banda del instituto, Sammy Harris, en el Phillis Wheatley High School. Disfrutó de la libertad de improvisación y de la creatividad que permite el jazz y empezó a tocar regularmente con un grupo de Houston conocido como los Swingsters, el Modern Jazz Sextet, los Night Hawks, los Jazz Crusaders y, más recientemente, los Crusaders.

Después del instituto, Hubert se matriculó en el Departamento de Música de la Texas Southern University. Tras dos años allí, se marchó con los Crusaders a Los Ángeles. Pronto se convirtió en el punto de partida hacia la Juilliard School of Music de Nueva York. Ganando una beca que cubriría el coste de la matrícula en 1960, Hubert se fue a Nueva York en un Plymouth Sedan de 1950 con 600 dólares en el bolsillo. Recordando con cariño el momento en que se dio cuenta de que sus ahorros no cubrirían las necesidades de la vida en Nueva York, Hubert recuerda: "Era el otoño de 1960. Estaba con mis últimos cincuenta dólares y preguntándome qué hacer cuando sonó el teléfono y era una llamada ofreciéndome mi primer trabajo en el Sugar Ray's Lounge de Harlem. Eran tiempos difíciles entonces, pero desde entonces no he mirado atrás".

Estudiando todo el día en clase o con el maestro flautista Julius Baker, las noches las dedicaba a dar conciertos de apoyo. Pronto Hubert estuvo tocando con artistas de la talla de Mongo Santamaria, la Lloyd Price Big Band, John Lewis del Modern Jazz Quartet, la Orchestra USA y la Berkshire Festival Orchestra en Tanglewood, sede de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston.

Las sesiones de grabación se convirtieron en un elemento básico de la agenda de Hubert y en ellas participaron Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry y J.J. Johnson. En esos tiempos difíciles, la capacidad de tocar R&B y jazz le permitió no sólo sobrevivir, sino prosperar. Hubert cree que los músicos harían bien en aprender a tocar en una variedad de lenguajes musicales.
https://musicians.allaboutjazz.com/hubertlaws

 

hubertlaws.com ... 

Herbie Mann • Hold On I'm Coming, Live Montreux Jazz Festival

 

Biography by Scott Yanow

Herbie Mann played a wide variety of music throughout his career. He became quite popular in the 1960s, but in the '70s became so immersed in pop and various types of world music that he seemed lost to jazz. However, Mann never lost his ability to improvise creatively as his later recordings attest.

Herbie Mann began on clarinet when he was nine but was soon also playing flute and tenor. After serving in the Army, he was with Mat Mathews' Quintet (1953-1954) and then started working and recording as a leader. During 1954-1958 Mann stuck mostly to playing bop, sometimes collaborating with such players as Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar, and Charlie Rouse. He doubled on cool-toned tenor and was one of the few jazz musicians in the '50s who recorded on bass clarinet; he also recorded a full album in 1957 (for Savoy) of unaccompanied flute.

After spending time playing and writing music for television, Mann formed his Afro-Jazz Sextet, in 1959, a group using several percussionists, vibes (either Johnny Rae, Hagood Hardy, or Dave Pike) and the leader's flute. He toured Africa (1960) and Brazil (1961), had a hit with "Comin' Home Baby," and recorded with Bill Evans. The most popular jazz flutist during the era, Mann explored bossa nova (even recording in Brazil in 1962), incorporated music from many cultures (plus current pop tunes) into his repertoire, and had among his sidemen such top young musicians as Willie Bobo, Chick Corea (1965), Attila Zoller, and Roy Ayers; at the 1972 Newport Festival his sextet included David Newman and Sonny Sharrock. By then Mann had been a producer at Embroyo (a subsidiary of Atlantic) for three years and was frequently stretching his music outside of jazz. As the '70s advanced, Mann became much more involved in rock, pop, reggae, and even disco. After leaving Atlantic at the end of the '70s, Mann had his own label for awhile and gradually came back to jazz. He recorded for Chesky, made a record with Dave Valentin, and in the '90s founded the Kokopelli label on which before breaking away in 1996, he was free to pursue his wide range of musical interests. Through the years, he recorded as a leader for Bethlehem, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli, and most significantly Atlantic. He passed away on July 1, 2003, following an extended battle with prostate cancer. His last record was 2004's posthumously released Beyond Brooklyn for Telarc.

///////

Biografía de Scott Yanow

Herbie Mann tocó una gran variedad de música a lo largo de su carrera. Se hizo muy popular en la década de 1960, pero en la década de los 70 se sumergió tanto en el pop como en varios tipos de músicas del mundo que parecía perdido en el jazz. Sin embargo, Mann nunca perdió su capacidad de improvisar creativamente como lo atestiguan sus últimas grabaciones.

Herbie Mann comenzó a tocar el clarinete cuando tenía nueve años, pero pronto también tocaba flauta y tenor. Después de servir en el Ejército, estuvo con Mat Mathews 'Quintet (1953-1954) y luego comenzó a trabajar y grabar como líder. Durante 1954-1958, Mann se dedicó principalmente a jugar bop, a veces colaborando con jugadores como Phil Woods, Buddy Collette, Sam Most, Bobby Jaspar y Charlie Rouse. Se dobló con un tenor de tono frío y fue uno de los pocos músicos de jazz en los años 50 que grabaron en el clarinete bajo; también grabó un álbum completo en 1957 (para Savoy) de flauta no acompañada.

Después de pasar el tiempo tocando y escribiendo música para la televisión, Mann formó su Sexteto Afro-Jazz, en 1959, un grupo que utiliza varios percusionistas, vibraciones (ya sea Johnny Rae, Hagood Hardy o Dave Pike) y la flauta del líder. Realizó una gira por África (1960) y Brasil (1961), tuvo un éxito con "Comin 'Home Baby" y grabó con Bill Evans. El flautista de jazz más popular durante la era, Mann exploró la bossa nova (incluso grabando en Brasil en 1962), incorporó música de muchas culturas (más las melodías pop actuales) en su repertorio, y tuvo entre sus dirigentes a músicos jóvenes tan importantes como Willie Bobo. Chick Corea (1965), Attila Zoller y Roy Ayers; en el Festival de Newport de 1972, su sexteto incluía a David Newman y Sonny Sharrock. Para entonces, Mann había sido productor en Embroyo (una subsidiaria de Atlantic) durante tres años y frecuentemente estaba extendiendo su música fuera del jazz. A medida que avanzaban los años 70, Mann se involucró mucho más en el rock, el pop, el reggae e incluso la discoteca. Después de dejar Atlantic a finales de los años 70, Mann tuvo su propio sello por un tiempo y gradualmente volvió al jazz. Grabó para Chesky, grabó un disco con Dave Valentin, y en los años 90 fundó el sello Kokopelli, en el cual, antes de separarse en 1996, tenía libertad para dedicarse a su amplia gama de intereses musicales. A través de los años, grabó como líder para Belén, Prestige, Epic, Riverside, Savoy, Mode, New Jazz, Chesky, Kokopelli y, lo más importante, Atlantic. Falleció el 1 de julio de 2003, luego de una prolongada batalla contra el cáncer de próstata. Su último disco fue 2004, lanzado póstumamente Beyond Brooklyn para Telarc.

Hozan Yamamoto • Shakuhachi & Bossa Nova

 

Hōzan Yamamoto (山本 邦山, Yamamoto Hōzan; October 6, 1937 - February 10, 2014 in Ōtsu, Shiga prefecture) was a Japanese shakuhachi player, composer and lecturer.

Yamamoto started playing the Japanese bamboo flute shakuhachi at the age of nine. He was initially taught by his father and then by Chozan Nakanishi. After graduating from Kyoto Junior College of Foreign Studies in 1958, he participated in UNESCO's World Folk Music Festival and graduated from Seiha Music College in 1962. Together with koto player Shinichi Yuize and Tony Scott, he recorded the album Music for Zen Meditation in February 1964.

After forming the widely acclaimed "Shakuhachi Sanbon Kai" trio in 1966 with Reibo Aoki and Katsuya Yokoyama, he electrified the conservative traditional scene by applying his talents to a variety of crossover collaborations. These have led him to work with such world-renowned musicians as Ravi Shankar, Helen Merrill, Gary Peacock and Karl Berger, and also with flute colleagues Jean-Pierre Rampal and Chris Hinze.

In 1980 he was invited to the renowned Donaueschingen music festival with his trio. He recorded music for the movie Samurai Reincarnation film and the album Masters of Zen: Shakuhachi & Organ with Wolfgang Mitterer. Through the 1970s and 1980s until his death he led the shakuhachi world receiving innumerable honors, including Japanese Ministry of Cultural Affairs and Education Ministerial awards for his performances, recordings (numbering in the hundreds) and compositions. He served as lecturer at the Tokyo National University of Fine Arts and Music and as head of the Hozan-kai Shakuhachi Guild.

In 2002 he was designated Living National Treasure of Japan. In 2004, he was awarded a Medal with Purple Ribbon. In 2009, he was awarded an Order of the Rising Sun, Gold Rays with Rosette.

On February 10, 2014, he died at a hospital in Tokyo.
https://en.wikipedia.org/wiki/H%C5%8Dzan_Yamamoto

///////

Hōzan Yamamoto (山本 邦山, Yamamoto Hōzan; 6 de octubre de 1937 - 10 de febrero de 2014 en Ōtsu, prefectura de Shiga) fue un intérprete japonés de shakuhachi, compositor y conferenciante.

Yamamoto comenzó a tocar la flauta de bambú japonesa shakuhachi a los nueve años. Al principio le enseñó su padre y después Chozan Nakanishi. Tras graduarse en la Escuela Superior de Estudios Extranjeros de Kioto en 1958, participó en el Festival Mundial de Música Folclórica de la UNESCO y se licenció en la Escuela Superior de Música de Seiha en 1962. Junto con el intérprete de koto Shinichi Yuize y Tony Scott, grabó el álbum Music for Zen Meditation en febrero de 1964.

Tras formar el aclamado trío "Shakuhachi Sanbon Kai" en 1966 con Reibo Aoki y Katsuya Yokoyama, electrificó la conservadora escena tradicional aplicando su talento a diversas colaboraciones transversales. Éstas le han llevado a trabajar con músicos de fama mundial como Ravi Shankar, Helen Merrill, Gary Peacock y Karl Berger, y también con sus colegas flautistas Jean-Pierre Rampal y Chris Hinze.

En 1980 fue invitado al renombrado festival de música de Donaueschingen con su trío. Grabó música para la película Samurai Reincarnation y el álbum Masters of Zen: Shakuhachi & Organ con Wolfgang Mitterer. A lo largo de las décadas de 1970 y 1980, y hasta su muerte, lideró el mundo del shakuhachi recibiendo innumerables honores, entre ellos los premios ministeriales del Ministerio de Asuntos Culturales y Educación de Japón por sus actuaciones, grabaciones (que se cuentan por centenares) y composiciones. Fue profesor en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio y director del Gremio Hozan-kai Shakuhachi.

En 2002 fue designado Tesoro Nacional Viviente de Japón. En 2004 se le concedió la Medalla con Cinta Púrpura. En 2009, se le concedió la Orden del Sol Naciente, Rayos de Oro con Roseta.

El 10 de febrero de 2014 falleció en un hospital de Tokio.
https://en.wikipedia.org/wiki/H%C5%8Dzan_Yamamoto

Prince Lasha Quintet [featuring Sonny Simmons] • The Cry!

 

Review by Alex Henderson
In the early '60s, flutist Prince Lasha's work with alto saxophonist Sonny Simmons was often compared to the trailblazing free jazz that Ornette Coleman was exploring at the time. To be sure, Coleman was a major inspiration to both of them. And yet, The Cry! demonstrates that Lasha's work with Simmons had an avant-garde energy of its own. Coleman is a strong influence on this 1962 session -- which Lasha co-led with Simmons -- but The Cry! isn't an outright imitation of Coleman's work any more than Phil Woods' recordings are outright imitations of Charlie Parker's. For one thing, The Cry! is slightly more accessible than the albums that Coleman recorded for Atlantic in the early '60s. Free jazz performances like "Bojangles," "A.Y.," and the rhythmic "Congo Call" are abstract, cerebral, and left-of-center, but they're still a bit more accessible than Coleman's harmolodic experimentation. The same thing goes for the Latin-influenced "Juanita" and the bluesy "Red's Mood," which is Coleman-minded but also has a strong Charlie Parker influence -- in fact, the tune successfully bridges the gap between Bird and Coleman and shows listeners what those altoists had in common. It should be noted that, even though The Cry! (which employs Gary Peacock or Mark Proctor on acoustic bass and Gene Stone on drums) is free jazz, it isn't the blistering, ferocious stuff that Albert Ayler, Cecil Taylor, and late-period John Coltrane were known for in the 1960s. This album is quirky and dissonant, but it isn't harsh or confrontational. In avant-garde circles, The Cry! went down in history as one of Lasha's finest accomplishments -- and deservedly so.


Biography by Scott Yanow
A survivor of the 1960s, Prince Lasha was an inventive avant-garde flutist who occasionally played alto and clarinet. He played in Texas in an early-'50s band that also included Ornette Coleman. In 1954, Lasha moved to California, where he was pretty much in obscurity until the 1960s. He recorded two Contemporary albums with Sonny Simmons (1962 and 1967) and a 1966 session for British Columbia, and as a sideman with Eric Dolphy and the Elvin Jones/Jimmy Garrison Sextet (both of the latter in 1963). After a few more records for small labels (the last one around 1983), Lasha disappeared from the jazz scene. He passed away in 2008.
https://www.allmusic.com/artist/prince-lasha-mn0000302974#biography

///////

Reseña de Alex Henderson
A principios de los 60, el trabajo del flautista Prince Lasha con el saxofonista alto Sonny Simmons a menudo se comparaba con el pionero free jazz que Ornette Coleman estaba explorando en ese momento. Sin duda, Coleman fue una gran inspiración para ambos. ¡Y sin embargo, El Grito! demuestra que el trabajo de Lasha con Simmons tenía una energía vanguardista propia. Coleman es una gran influencia en esta sesión de 1962 which que Lasha codirigió con Simmons but ¡pero El Grito! no es una imitación absoluta del trabajo de Coleman más de lo que las grabaciones de Phil Woods son imitaciones absolutas de las de Charlie Parker. ¡Por un lado, The Cry! es un poco más accesible que los álbumes que Coleman grabó para Atlantic a principios de los 60. Las actuaciones de free jazz como "Bojangles", "A. Y." y la rítmica "Congo Call" son abstractas, cerebrales y centradas a la izquierda, pero siguen siendo un poco más accesibles que la experimentación armolódica de Coleman. Lo mismo ocurre con la "Juanita" de influencia latina y el blues "Red's Mood", que tiene la mentalidad de Coleman pero también tiene una fuerte influencia de Charlie Parker; de hecho,la melodía cierra con éxito la brecha entre Bird y Coleman y muestra a los oyentes lo que esos altoístas tenían en común. Cabe señalar que, a pesar de que El Grito! (que emplea a Gary Peacock o Mark Proctor en el bajo acústico y Gene Stone en la batería) es free jazz, no es el material feroz y abrasador por el que Albert Ayler, Cecil Taylor y John Coltrane de finales de la década de 1960. Este álbum es peculiar y disonante, pero no es áspero ni confrontativo. En los círculos de vanguardia, ¡El Grito! pasó a la historia como uno de los mejores logros de Lasha des y merecidamente.


Biografía de Scott Yanow
Sobreviviente de la década de 1960, Prince Lasha era un inventivo flautista de vanguardia que ocasionalmente tocaba el alto y el clarinete. Tocó en Texas en una banda de principios de los 50 que también incluía a Ornette Coleman. En 1954, Lasha se mudó a California, donde permaneció prácticamente en la oscuridad hasta la década de 1960. Grabó dos álbumes contemporáneos con Sonny Simmons (1962 y 1967) y una sesión de 1966 para Columbia Británica, y como acompañante de Eric Dolphy y el Sexteto de Elvin Jones/Jimmy Garrison (ambos de este último en 1963). Después de algunos discos más para pequeños sellos (el último alrededor de 1983), Lasha desapareció de la escena del jazz. Falleció en 2008.
https://www.allmusic.com/artist/prince-lasha-mn0000302974#biography

Sahib Shihab & Herbie Mann • The Jazz We Heard Last Summer

 

James Spaulding & Pierre Christophe • Down With It Live At The Sunside

 

Biography
James Spaulding, has established his reputation as a masterful soloist for ensemble performances, and for many years was among the busier sidemen for Blue Note Records. An exceptional saxophonist and flutist, he is one of the many fine artists to come out James has worked with Sun Ra, Freddie Hubbard, Max Roach, and more...of the Indianapolis, Indiana area. James is a modernist, with solid roots in classical jazz; his saxophone style is an extension of the Charlie Parker influence, but his overall concept incorporates much of the broad jazz saxophone heritage.

Spaulding's musical training started early, as he came from a musical family in his place of birth Indiana (his father was a professional musician who played the guitar and led his own big band, traveling throughout the country). James began playing a bugle when he was in grade school. He later took up the trumpet and saxophone on his own, and while in high school studied clarinet. He made his professional debut playing around Indianapolis with a rhythm "n" blues group. He has performed as a sideman and been recorded on over 100 recordings... See discography »

From 1954 to 1957, Spaulding was in the army playing in service bands. When he was discharged, he settled in Chicago where he performed in clubs leading his own group, and had a stay with the Sun Ra Orchestra. He also furthered his flute studies there at the Chicago Cosmopolitan School of Music. In 1962, he arrived in New York City, and subsequently was associated with notables such as Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Max Roach and the Ellington Orchestra. In 1975, he received a bachelor's degree in music from Livingston College in New Jersey where he taught flute as an adjunct professor. James' daughters, Gina and Yvonne Spaulding were on the cover of his very first recording: "The Legacy of Duke Ellington," recorded in 1975. Mr. Spaulding's range of performance experiences extends nationally and internationally, from the concert stage to jazz clubs to colleges and street fairs. His original music, a suite entitled "A Song of Courage," was performed by him with full orchestra and choir at the Voorhees Chapel at the Rutgers University campus from funds awarded him by the National Endowment for the Arts. He holds a historically significant place in jazz reference books including, The Encyclopedia of Jazz in the Seventies by Leonard Feather and Ira Gitler; The New Grove Dictionary of Jazz by Brian Case and Stan Britt; The Illustrated Encyclopedia of Jazz edited by Barry Keinfeld, just to name a few.

He has performed as a sideman and been recorded on over 100 recordings.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-spaulding

///////

Biografía
James Spaulding, ha establecido su reputación como un solista magistral para actuaciones de conjunto, y durante muchos años estuvo entre los sidemen más ocupados para Blue Note Records. Excepcional saxofonista y flautista, es uno de los muchos buenos artistas que han salido James ha trabajado con Sun Ra, Freddie Hubbard, Max Roach, y más ... de la zona de Indianápolis, Indiana. James es un modernista, con sólidas raíces en el jazz clásico; su estilo de saxofón es una extensión de la influencia de Charlie Parker, pero su concepto general incorpora gran parte de la amplia herencia del saxofón de jazz.

La formación musical de Spaulding comenzó pronto, ya que procedía de una familia de músicos de su lugar de nacimiento, Indiana (su padre era un músico profesional que tocaba la guitarra y dirigía su propia big band, con la que viajaba por todo el país). James empezó a tocar la corneta cuando estaba en primaria. Más tarde tocó la trompeta y el saxofón por su cuenta, y en el instituto estudió clarinete. Debutó profesionalmente tocando en Indianápolis con un grupo de rhythm "n" blues. Ha actuado como músico de acompañamiento y ha participado en más de 100 grabaciones... Ver discografía "

De 1954 a 1957, Spaulding estuvo en el ejército tocando en bandas de servicio. Cuando fue licenciado, se instaló en Chicago, donde actuó en clubes al frente de su propio grupo, y tuvo una estancia con la Sun Ra Orchestra. También amplió allí sus estudios de flauta en la Chicago Cosmopolitan School of Music. En 1962, llegó a Nueva York, y posteriormente se relacionó con notables como Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson, Max Roach y la Orquesta Ellington. En 1975 se licenció en música por el Livingston College de Nueva Jersey, donde enseñó flauta como profesor adjunto. Las hijas de James, Gina e Yvonne Spaulding, aparecieron en la portada de su primera grabación: "The Legacy of Duke Ellington", grabada en 1975. El Sr. Spaulding ha actuado a escala nacional e internacional, en conciertos, clubes de jazz, universidades y ferias callejeras. Su música original, una suite titulada "A Song of Courage", fue interpretada por él mismo con orquesta completa y coro en la Capilla Voorhees del campus de la Universidad de Rutgers con fondos que le concedió la National Endowment for the Arts. Ocupa un lugar de importancia histórica en libros de referencia sobre jazz, como The Encyclopedia of Jazz in the Seventies (La enciclopedia del jazz en los años setenta), de Leonard Feather e Ira Gitler; The New Grove Dictionary of Jazz (El nuevo diccionario Grove del jazz), de Brian Case y Stan Britt; The Illustrated Encyclopedia of Jazz (La enciclopedia ilustrada del jazz), editada por Barry Keinfeld, por nombrar sólo algunos.

Ha actuado como músico de acompañamiento y ha participado en más de 100 grabaciones.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/james-spaulding

 

Herbie Mann • Plays The Roar of the Greasepaint & The Smell of the Crowd

Review by Scott Yanow

On this out of print LP, flutist Herbie Mann performs 11 songs from a famous Leslie Bricusse-Anthony Newley musical. Joined by an orchestra arranged by Ray Ellis (and including either Chick Corea or Roger Kellaway on piano), Mann plays well enough. However, the only one of the 11 songs remembered today is "Who Can I Turn To," and the renditions of the material are so brief (only two songs are longer than three minutes) as to be unadventurous and rather superficial. One of Mann's less significant projects of the '60s.

https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394

///////

Reseña de Scott Yanow

En este LP agotado, el flautista Herbie Mann interpreta 11 canciones de un famoso musical de Leslie Bricusse-Anthony Newley. Acompañado por una orquesta arreglada por Ray Ellis (e incluyendo a Chick Corea o Roger Kellaway en el piano), Mann toca bastante bien. Sin embargo, la única de las 11 canciones que se recuerdan hoy en día es "Who Can I Turn To", y las interpretaciones del material son tan breves (sólo dos canciones duran más de tres minutos) que no son aventureras y son bastante superficiales. Uno de los proyectos menos significativos de Mann de los años 60.

https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394

 

 

 

Milt Jackson • Bags & Flutes

Biography by Scott Yanow
Before Milt Jackson, there were only two major vibraphonists: Lionel Hampton and Red Norvo. Jackson soon surpassed both of them in significance and, despite the rise of other players (including Bobby Hutcherson and Gary Burton), still won the popularity polls throughout the decades. Jackson (or "Bags" as he was long called) was at the top of his field for 50 years, playing bop, blues, and ballads with equal skill and sensitivity. In its essence, Jackson did for the vibes what Dizzy Gillespie did for the trumpet -- revolutionize its approach. He slowed the speed on the instrument's oscillator, changed its vibrato and perfected slow, cleverly paced blues solos. His floating solos with long, sustained notes and darting rhythms became a bop staple. A former singer, guitarist and pianist, Jackson was an extremely versatile player, cutting big-band dates, working with orchestras, and fighting to maintain a successful solo career yet retain his ties with the Modern Jazz Quartet, the group he co-founded with pianist John Lewis in 1952.

Milt Jackson started on guitar when he was seven, and piano at 11; a few years later, he switched to vibes. He actually made his professional debut singing in a touring gospel quartet. After Dizzy Gillespie discovered him playing in Detroit, he offered him a job with his sextet and (shortly after) his innovative big band (1946). Jackson recorded with Gillespie, and was soon in great demand. During 1948-1949, he worked with Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee, and the Woody Herman Orchestra. After playing with Gillespie's sextet (1950-1952), which at one point included John Coltrane, Jackson recorded with a quartet comprised of John Lewis, Percy Heath, and Kenny Clarke (1952), which soon became a regular group called the Modern Jazz Quartet. Although he recorded regularly as a leader (including dates in the 1950s with Miles Davis and/or Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane, and Ray Charles), Milt Jackson stayed with the MJQ through 1974, becoming an indispensable part of their sound. By the mid-'50s, Lewis became the musical director and some felt that Bags was restricted by the format, but it actually served him well, giving him some challenging settings. And he always had an opportunity to jam on some blues numbers, including his "Bags' Groove." However, in 1974, Jackson felt frustrated by the MJQ (particularly financially) and broke up the group. He recorded frequently for Pablo in many all-star settings in the 1970s, and after a seven-year vacation, the MJQ came back in 1981. In addition to the MJQ recordings, Milt Jackson cut records as a leader throughout his career for many labels including Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters, and Qwest. He died of liver cancer on October 9, 1999, at the age of 76.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

///////

Biografía de Scott Yanow
Antes de Milt Jackson, sólo había dos grandes vibrafonistas: Lionel Hampton y Red Norvo. Jackson pronto superó a ambos en importancia y, a pesar del auge de otros intérpretes (entre ellos Bobby Hutcherson y Gary Burton), siguió ganando las encuestas de popularidad a lo largo de las décadas. Jackson (o «Bags», como se le llamó durante mucho tiempo) estuvo en la cima de su campo durante 50 años, tocando bop, blues y baladas con igual habilidad y sensibilidad. En esencia, Jackson hizo por el vibráfono lo que Dizzy Gillespie hizo por la trompeta: revolucionar su enfoque. Redujo la velocidad del oscilador del instrumento, cambió su vibrato y perfeccionó los solos de blues lentos y de ritmo inteligente. Sus solos flotantes con notas largas y sostenidas y ritmos vertiginosos se convirtieron en un elemento básico del bop. Jackson, que había sido cantante, guitarrista y pianista, era un músico extremadamente versátil, que tocaba con big bands, trabajaba con orquestas y luchaba por mantener una exitosa carrera en solitario y, al mismo tiempo, conservar sus vínculos con el Modern Jazz Quartet, el grupo que cofundó con el pianista John Lewis en 1952.

Milt Jackson empezó a tocar la guitarra a los siete años y el piano a los once; unos años más tarde, se pasó al vibráfono. En realidad, debutó profesionalmente cantando en un cuarteto de gospel de gira. Cuando Dizzy Gillespie le descubrió tocando en Detroit, le ofreció trabajar con su sexteto y (poco después) con su innovadora big band (1946). Jackson grabó con Gillespie y pronto estuvo muy solicitado. Durante 1948-1949, trabajó con Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee y la Woody Herman Orchestra. Después de tocar con el sexteto de Gillespie (1950-1952), que en un momento dado incluyó a John Coltrane, Jackson grabó con un cuarteto formado por John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke (1952), que pronto se convirtió en un grupo fijo llamado Modern Jazz Quartet. Aunque grabó regularmente como líder (incluyendo fechas en los años 50 con Miles Davis y/o Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane y Ray Charles), Milt Jackson permaneció con el MJQ hasta 1974, convirtiéndose en una parte indispensable de su sonido. A mediados de los 50, Lewis se convirtió en el director musical y algunos pensaron que Bags se veía limitado por el formato, pero en realidad le servía bien, ya que le ofrecía algunos escenarios desafiantes. Y siempre tenía la oportunidad de improvisar en algunos números de blues, incluyendo su «Bags' Groove». Sin embargo, en 1974, Jackson se sintió frustrado por el MJQ (sobre todo económicamente) y disolvió el grupo. En la década de 1970 grabó con frecuencia para Pablo en muchos grupos de estrellas y, tras unas vacaciones de siete años, el MJQ regresó en 1981. Además de las grabaciones del MJQ, Milt Jackson grabó discos como líder a lo largo de su carrera para muchos sellos, como Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters y Qwest. Murió de cáncer de hígado el 9 de octubre de 1999, a la edad de 76 años.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

 

 

Jethro Tull • The Zealot Gene

 

 

From jethrotull.com
About The Album
Tull bandleader Ian Anderson holds no reservations about the role for which the mythos and themes of Biblical storytelling played in the lyrical content of the new album, saying:

"While I have a spot of genuine fondness for the pomp and fairytale story-telling of the Holy Book, I still feel the need to question and draw sometimes unholy parallels from the text. The good, the bad, and the downright ugly rear their heads throughout, but are punctuated with elements of love, respect, and tenderness.”

Looking back on the earth-shaking disruption of the Coronavirus pandemic, which ultimately ended the band’s touring plans and hopes of a 2020 release for ‘The Zealot Gene’, Anderson shares:

"It was so sudden. Amidst the concerns and warnings of the scientific community and a few more enlightened politicians, we all retreated in disbelief to our homes to wait out the storm."
https://jethrotull.com/the-zealot-gene/

///////

De jethrotull.com
Sobre el álbum
El líder de la banda Tull, Ian Anderson, no tiene reservas sobre el papel que el mito y los temas de la narración bíblica han desempeñado en el contenido lírico del nuevo álbum, afirmando:

"Aunque siento cierto cariño por la pompa y la narración de cuentos de hadas del Libro Sagrado, también siento la necesidad de cuestionar y establecer paralelismos, a veces impíos, con el texto. Lo bueno, lo malo y lo francamente feo asoman la cabeza, pero salpicados de elementos de amor, respeto y ternura".

Anderson recuerda la conmovedora interrupción que supuso la pandemia del coronavirus, que acabó con los planes de gira de la banda y con las esperanzas de publicar "The Zealot Gene" en 2020:

"Fue tan repentino. En medio de las preocupaciones y advertencias de la comunidad científica y de algunos políticos más ilustrados, todos nos retiramos incrédulos a nuestros hogares para esperar a que pasara la tormenta".
https://jethrotull.com/the-zealot-gene/


 

 

jethrotull.com ...