Julian Priester • Spiritsville

 

Hard wailing hardbop, touched by some of the modernist sensibilities that Priester forged while working in his Chicago underground years that included brief stints with Sun Ra! The set's one of the best hardbop sides to be cut for the Jazzland label -- and it's got a relaxed soulful feel that puts it among some of the great lost jazz albums from the early 60s. Priester leads the group with a great deal of tightness, and players include a young McCoy Tyner on piano, the soulful Charles Davis on baritone sax, the excellent tenor player Walter Benton, and the always wonderful rhythm team of Sam Jones and Art Taylor. Tracks include "Blue Stride", "Excursion", "Chi Chi", and "Spiritsville". Very nice -- and very hard to find!
https://www.dustygroove.com/item/31841/Julian-Priester:Spiritsville

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Hard wailing hardbop, tocado por algunas de las sensibilidades modernistas que Priester forjó mientras trabajaba en sus años underground de Chicago, ¡que incluyeron breves temporadas con Sun Ra! El conjunto es una de las mejores caras del hardbop que se grabó para el sello Jazzland, y tiene un aire relajado y conmovedor que lo sitúa entre algunos de los grandes álbumes de jazz perdidos de principios de los 60. Priester lidera el grupo con gran firmeza, y entre los músicos se incluyen un joven McCoy Tyner al piano, el conmovedor Charles Davis al saxo barítono, el excelente tenor Walter Benton, y el siempre maravilloso equipo rítmico de Sam Jones y Art Taylor. Los temas incluyen "Blue Stride", "Excursion", "Chi Chi" y "Spiritsville". Muy bonito -- ¡y muy difícil de encontrar!
https://www.dustygroove.com/item/31841/Julian-Priester:Spiritsville

Zoot Sims • At Birdland

 

Biography by Scott Yanow
Throughout his career, Zoot Sims was famous for epitomizing the swinging musician, never playing an inappropriate phrase. He always sounded inspired, and although his style did not change much after the early 1950s, Zoot's enthusiasm and creativity never wavered.

Zoot's family was involved in vaudeville, and he played drums and clarinet as a youth. His older brother, Ray Sims, developed into a fine trombonist who sounded like Bill Harris. At age 13, Sims switched permanently to the tenor, and his initial inspiration was Lester Young, although he soon developed his own cool-toned sound. Sims was a professional by the age of 15, landing his first important job with Bobby Sherwood's Orchestra, and he joined Benny Goodman's big band for the first time in 1943; he would be one of BG's favorite tenormen for the next 30 years. He recorded with Joe Bushkin in 1944, and even at that early stage, his style was largely set.

After a period in the Army, Sims was with Goodman from 1946-1947. He gained his initial fame as one of Woody Herman's "Four Brothers" during his time with the Second Herd (1947-1949). Zoot had brief stints with Buddy Rich's short-lived big band, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, and Elliot Lawrence. He toured and recorded with Stan Kenton (1953) and Gerry Mulligan (1954-1956). Sims was also a star soloist with Mulligan's Concert Jazz Band of the early '60s and visited the Soviet Union with Benny Goodman in 1962. A freelancer throughout most of his career, Sims often led his own combos or co-led bands with his friend Al Cohn; the two tenors had very similar sounds and styles. Zoot started doubling on soprano quite effectively in the '70s. Through the years, he appeared in countless situations, and always seemed to come out ahead. Fortunately, Zoot Sims recorded frequently, leading sessions for Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, and a wonderful series for Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

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Biografía de Scott Yanow
A lo largo de su carrera, Zoot Sims fue famoso por personificar al músico del swing, nunca tocando una frase inapropiada. Siempre sonaba inspirado, y aunque su estilo no cambió mucho después de los primeros años 50, el entusiasmo y la creatividad de Zoot nunca flaqueó.

La familia de Zoot se dedicaba al vodevil, y él tocaba la batería y el clarinete en su juventud. Su hermano mayor, Ray Sims, se convirtió en un fino trombonista que sonaba como Bill Harris. A los 13 años, Sims cambió permanentemente al tenor, y su inspiración inicial fue Lester Young, aunque pronto desarrolló su propio sonido de tono fresco. Sims era un profesional a los 15 años, consiguiendo su primer trabajo importante con la Orquesta de Bobby Sherwood, y se unió a la gran banda de Benny Goodman por primera vez en 1943; sería uno de los tenores favoritos de BG durante los siguientes 30 años. Grabó con Joe Bushkin en 1944, e incluso en esa primera etapa, su estilo estaba muy marcado.

Después de un período en el ejército, Sims estuvo con Goodman de 1946 a 1947. Ganó su fama inicial como uno de los "Cuatro Hermanos" de Woody Herman durante su estancia en la Segunda Manada (1947-1949). Zoot tuvo breves estancias en la corta vida de la gran banda de Buddy Rich, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, y Elliot Lawrence. Hizo giras y grabó con Stan Kenton (1953) y Gerry Mulligan (1954-1956). Sims también fue un solista estrella de la Concert Jazz Band de Mulligan a principios de los años 60 y visitó la Unión Soviética con Benny Goodman en 1962. Trabajó por cuenta propia durante la mayor parte de su carrera, y a menudo dirigió sus propios combos o bandas codirigidas con su amigo Al Cohn; los dos tenores tenían sonidos y estilos muy similares. Zoot empezó a doblar a la soprano de forma bastante efectiva en los 70. A través de los años, apareció en innumerables situaciones, y siempre pareció salir adelante. Afortunadamente, Zoot Sims grabó con frecuencia, dirigiendo sesiones para Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, y una maravillosa serie para Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

 

zootsims.jazzgiants.net ...

Thelonious Monk • 5 By Monk By 5

 

Review by Lindsay Planer
As the '50s drew to a close, so did Thelonious Monk's illustrious tenure on Riverside Records. In fact, the three dates needed for this title would be his penultimate for the label. The concept of the album consists of five Monk originals performed in a quintet setting. Ironically, this was the first time that Monk had recorded with a lineup that so prominently featured the "standard" bop rhythm section incorporating both a trumpet (or, in this case, cornet) and sax player. The quintet featured on 5 by Monk by 5 includes Monk (piano), Thad Jones (cornet), Charlie Rouse (tenor sax), Sam Jones (bass), and Art Taylor (drums). Rouse would become Monk's permanent tenor saxophonist for the majority of the 1960s. In what had become somewhat of a tradition, the disc's program consists of several of Monk's more established works as well as a few new compositions. One of the new works, "Jackie-ing" (incidentally, named after one of Monk's nieces), leads off the disc. It exemplifies the loose, disjointed, and exceedingly difficult arrangements that would define Monk as a premier composer/arranger/bandleader. This is in contrast to Monk the keyboard player and band member, which he skilfully demonstrates throughout the track as well as the rest of the album. The song's opening jam features a tasty tug of war between Rouse's animated lead and Monk's interjections and piano antics. Jones' cornet is incorporated tastefully throughout Monk's tricky arrangements. The stark contrast in performance timbre between the comparatively subdued Rouse or Monk and the frenetic bleating of Jones is notably disconcerting. [Some reissues includes two alternate takes of "Played Twice," the other Monk composition to be debuted on 5 by Monk by 5.]
https://www.allmusic.com/album/5-by-monk-by-5-mw0000200093

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Reseña de Lindsay Planer
A medida que los años 50 llegaban a su fin, también lo hacía el ilustre mandato de Thelonious Monk en Riverside Records. De hecho, las tres fechas necesarias para este título serían las penúltimas para el sello. El concepto del álbum consta de cinco Monk originals interpretados en un quinteto. Irónicamente, esta era la primera vez que Monk grababa con una formación que presentaba de manera tan destacada la sección rítmica bop "estándar" que incorporaba tanto una trompeta (o, en este caso, una corneta) como un saxofonista. El quinteto presentado en 5 by Monk by 5 incluye a Monk (piano), Thad Jones (corneta), Charlie Rouse (saxo tenor), Sam Jones (bajo) y Art Taylor (batería). Rouse se convertiría en el saxofonista tenor permanente de Monk durante la mayor parte de la década de 1960. En lo que se había convertido en una especie de tradición, el programa del disco consta de varias de las obras más establecidas de Monk, así como algunas composiciones nuevas. Una de las nuevas obras, "Jackie-ing" (por cierto, llamada así por una de las sobrinas de Monk), encabeza el disco. Ejemplifica los arreglos sueltos, inconexos y extremadamente difíciles que definirían a Monk como un compositor/arreglista/líder de banda de primer nivel. Esto contrasta con Monk, el tecladista y miembro de la banda, que demuestra hábilmente a lo largo de la pista, así como en el resto del álbum. La jam de apertura de la canción presenta un sabroso tira y afloja entre el protagonista animado de Rouse y las interjecciones y payasadas de piano de Monk. La corneta de Jones se incorpora con buen gusto en los complicados arreglos de Monk. El marcado contraste en el timbre de interpretación entre Rouse o Monk, comparativamente tenue, y el frenético balido de Jones es notablemente desconcertante. [Algunas reediciones incluyen dos tomas alternativas de "Played Twice", la otra composición de Monk que debutará en 5 by Monk by 5.]
https://www.allmusic.com/album/5-by-monk-by-5-mw0000200093

www.theloniousmonkmusic.com ...

Jackie McLean • Jackie's Bag

 

Review
by Steve Huey  
Jackie's Bag is split between two different recording sessions: the first, from January 1959, was the first session Jackie McLean ever led for Blue Note, and the second was a sextet date from September 1960 that featured tenor saxophonist Tina Brooks as a co-leader in all but name. According to the liner notes, McLean's first date produced only three songs of releasable quality, which are included here. Six tunes were cut at the Brooks session, which were all issued in Japan as Street Singer, and half appeared on the original Jackie's Bag LP. Given the transitional time period of the first and Brooks' musical taste on the second, the music on Jackie's Bag finds McLean in a staunchly hard bop mode, with occasional hints of adventurousness. While McLean's debut performances are certainly well done, the most distinctive appeal of the album lies in the Brooks collaborations. There are exotic flavors to McLean's terrific "Appointment in Ghana" and Brooks' "Isle of Java"; of the newly added bonus tracks, Brooks' "Medina" has a particularly complex and memorable theme, and his "Street Singer" was actually issued on his own Back to the Tracks album as well. Despite crucial contributions from trumpeter Blue Mitchell and drummer Art Taylor, the real focal point of these performances is the complementary interplay between McLean and Brooks, the latter of whom does a nice job of matching the former's legendarily hard-edged tone. McLean devotees will want this anyway, but the quality of the Street Singer material pushes Jackie's Bag far beyond a simple gap-plugging historical release.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

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Reseña
por Steve Huey  
Jackie's Bag se divide en dos sesiones de grabación diferentes: la primera, de enero de 1959, fue la primera sesión que Jackie McLean dirigió para Blue Note, y la segunda fue una fecha de sexteto de septiembre de 1960 que contó con la saxofonista tenor Tina Brooks como co-líder en todo menos en el nombre. Según las notas de presentación, la primera cita de McLean sólo produjo tres canciones de calidad publicable, que se incluyen aquí. En la sesión de Brooks se grabaron seis temas, que se publicaron en Japón como Street Singer, y la mitad aparecieron en el LP original Jackie's Bag. Dado el período de transición del primero y el gusto musical de Brooks en el segundo, la música de Jackie's Bag encuentra a McLean en un modo hard bop incondicional, con ocasionales toques de aventurerismo. Aunque las interpretaciones del debut de McLean están ciertamente bien hechas, el atractivo más distintivo del álbum reside en las colaboraciones de Brooks. Hay sabores exóticos en la estupenda "Appointment in Ghana" de McLean y en "Isle of Java" de Brooks; de las nuevas canciones extra añadidas, "Medina" de Brooks tiene un tema particularmente complejo y memorable, y su "Street Singer" se publicó en su propio álbum Back to the Tracks. A pesar de las contribuciones cruciales del trompetista Blue Mitchell y el batería Art Taylor, el verdadero punto focal de estas actuaciones es la interacción complementaria entre McLean y Brooks, el último de los cuales hace un buen trabajo igualando el legendario tono duro del primero. Los devotos de McLean querrán esto de todos modos, pero la calidad del material de Street Singer empuja a Jackie's Bag mucho más allá de un simple lanzamiento histórico para llenar huecos.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

Jackie McLean • Alto Madness

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
McLean became much more individual within a few years, while Jenkins would fade from the scene altogether. This likable jam session features plenty of tradeoffs by the two altoists.

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
McLean se volvió mucho más individual en unos pocos años, mientras que Jenkins desaparecería de la escena por completo. Esta agradable sesión de jam presenta muchos intercambios entre los dos saxofonistas alto.

Red Garland • Red Garland Revisited

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
For pianist Red Garland's fourth recording as a leader, he's teamed up with bassist Paul Chambers, drummer Art Taylor, and (on "Four" and "Walkin'") guest guitarist Kenny Burrell. Garland plays in his distinctive style consistently throughout Red Garland Revisited!. Highlights include "Billy Boy" (which was adapted from Ahmad Jamal's rendition), "I'm Afraid the Masquerade Is Over," "It Could Happen to You," and two Burrell tracks. Predictably excellent music; Garland recorded more than 20 additional albums within the next five years.
https://www.allmusic.com/album/red-garland-revisited!-mw0000041281

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Para la cuarta grabación del pianista Red Garland como líder, se asocia con el bajista Paul Chambers, el baterista Art Taylor y (en "Four" y "Walkin'") el guitarrista invitado Kenny Burrell. Garland toca en su estilo distintivo de manera consistente a lo largo de Red Garland Revisited!. Los puntos destacados incluyen "Billy Boy" (que fue adaptado de la interpretación de Ahmad Jamal), "I'm Afraid the Masquerade Is Over", "It Could Happen to You", y dos temas con Burrell. Música predeciblemente excelente; Garland grabó más de 20 álbumes adicionales en los próximos cinco años.
https://www.allmusic.com/album/red-garland-revisited!-mw0000041281

Lee Morgan • Candy

 

Review from AllMusic (by Stacia Proefrock) - 4 Stars:
His prodigal technical virtuosity had already been proven at this time in the Dizzy Gilliespie band, but Morgan's first solo ventures had been remarkable only because of his young age. Here, the influence of some of Morgan's mentors can be seen, but instead of just emulating the style of older trumpeters like Clifford Brown, he has begun absorbing bits and pieces of the phrasing and style of a wide range of musicians, from Gillespie to Miles Davis, then using them to forge his own sound. Morgan places himself front and center here -- there are no other horns to carry the melodic lines, leaving him quite exposed, but he manages to perform beautifully. Not merely a technical marvel, his tone on this album was sweet and his playing fluid, infused with joy and crisply articulated emotion. Morgan would later turn out to be an expert songwriter, but here songs like Buddy Johnson's "Since I Fell for You," and Jimmy Heath's "C.T.A." gave him ample space to show off his talents.
https://www.allmusic.com/album/candy-mw0000649662

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Reseña de AllMusic (por Stacia Proefrock) - 4 Estrellas:
Su virtuosismo técnico prodigioso ya había sido probado en este momento en la banda de Dizzy Gilliespie, pero las primeras aventuras en solitario de Morgan habían sido notables solo por su corta edad. Aquí, se puede ver la influencia de algunos de los mentores de Morgan, pero en lugar de solo emular el estilo de trompetistas mayores como Clifford Brown, ha comenzado a absorber fragmentos del fraseo y el estilo de una amplia gama de músicos, desde Gillespie hasta Miles Davis, y luego los usa para forjar su propio sonido. Morgan se coloca al frente y al centro aquí -- no hay otros metales para llevar las líneas melódicas, dejándolo bastante expuesto, pero se las arregla para actuar hermosamente. No solo una maravilla técnica, su tono en este álbum era dulce y su interpretación fluida, infundida con alegría y emoción articulada nítidamente. Morgan más tarde resultaría ser un compositor experto, pero aquí canciones como "Since I Fell for You" de Buddy Johnson y "C.T.A." de Jimmy Heath le dieron amplio espacio para mostrar sus talentos.
https://www.allmusic.com/album/candy-mw0000649662

Jackie McLean • Makin' The Changes

 

Jackie McLean • Makin' The Changes
No se encontró reseña en AllMusic.com
Review from Cashbox (June 25, 1960):
McLean's emergence as a major new alto voice is marked by his driving, energetic playing style. His intense approach shines on tracks including "Bean And The Boys," "I Never Knew," and "Chasin' The Bird," supported excellently by Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young, and Gil Coggins. An important recording session for Jackie McLean's developing career.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

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La emergencia de McLean como una importante nueva voz del saxo alto está marcada por su estilo de interpretación enérgico y vigoroso. Su enfoque intenso brilla en tracks que incluyen "Bean And The Boys", "I Never Knew" y "Chasin' The Bird", respaldado excelentemente por Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young y Gil Coggins. Una sesión de grabación importante para la carrera en desarrollo de Jackie McLean.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

George Wallington • Variations

George Wallington, cuyo verdadero nombre era Giacinto Figlia (Palermo, Sicilia, 27 de octubre de 1924 - Cape Coral, Miami, 15 de febrero de 1993) fue un pianista y compositor italo-estadounidense de jazz. Info completa

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George Wallington (born Giacinto Figlia; October 27, 1924, Palermo, Sicily – Cape Coral, Miami, February 15, 1993) was an American bebop pianist and composer. Full info

 

 

 

 

 

Hank Mobley • Curtain Call

 

Review by Lee Bloom
Today we can only speculate as to why so many Blue Note sessions were not originally issued. Blue Note founder/producer Alfred Lion, known to be punctilious in upholding a very high standard for his product, sometimes felt that a particular session was not worthy of public release. While neither the playing nor writing is quite at the level of Mobley's 1960 critically acclaimed Soul Station (Blue Note 4031), "Curtain Call" is nevertheless a fine effort; yet it was only made available in 1984 by Toshiba EMI in Japan. Kenny Dorham, who like Mobley had worked in Max Roach's group, is featured on trumpet. (Dorham and Mobley had also recorded together on an earlier Mobley session for the Prestige label.) Highlights include the ballad "Deep in a Dream," which was to be re-recorded four years later with Ike Quebec for inclusion on Sonny Clark's great Leapin' and Lopin' LP. Hank's originals "Curtain Call" and "The Mobe" are sprightly and likable bop lines. Despite an occasional tendency for Mobley's relaxed articulation to sound a bit languorous, his playing is generally enjoyable, and his writing exhibits character, maturity, and a uniquely rhythmic approach to crafting memorable melodies.
https://www.allmusic.com/album/curtain-call-mw0000370566

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Reseña de Lee Bloom
Hoy en día sólo podemos especular sobre por qué tantas sesiones de Blue Note no se publicaron originalmente. El fundador y productor de Blue Note, Alfred Lion, conocido por ser puntilloso a la hora de mantener un nivel muy alto para su producto, a veces consideraba que una sesión en particular no merecía ser publicada. Aunque ni la forma de tocar ni la de componer están al nivel del aclamado Soul Station (Blue Note 4031) de Mobley de 1960, "Curtain Call" es, no obstante, un buen trabajo; sin embargo, sólo estuvo disponible en 1984 por Toshiba EMI en Japón. Kenny Dorham, que al igual que Mobley había trabajado en el grupo de Max Roach, toca la trompeta. (Dorham y Mobley también habían grabado juntos en una sesión anterior de Mobley para el sello Prestige). Destaca la balada "Deep in a Dream", que sería regrabada cuatro años más tarde con Ike Quebec para su inclusión en el gran LP Leapin' and Lopin' de Sonny Clark. Los originales de Hank, "Curtain Call" y "The Mobe", son líneas de bop ágiles y agradables. A pesar de una tendencia ocasional a que la articulación relajada de Mobley suene un poco lánguida, su forma de tocar es generalmente agradable, y su escritura exhibe carácter, madurez y un enfoque rítmico único para crear melodías memorables.
https://www.allmusic.com/album/curtain-call-mw0000370566


 

Tina Brooks • True Blue

 

Lee Morgan • Complete Introduction Sessions

 

Being shot dead by a jealous lover at Slug's nightclub in 1972, meant that the hard-bop and soul-jazz trumpeter Lee Morgan ran into a catastrophe tailor-made for ascent to jazz-legend status, and his skills were such that speculation about what he might have achieved still goes on today. Morgan's hard, attacking sound and boldness of conception matched a thoughtful lyricism and warmth of tone when the right slow-burner came along, and with commercial funk hits like 1963's dancefloor anthem The Sidewinder (a big acid-jazz success with DJs 25 years later) he also proved he had a Herbie Hancock-like intuition for a groove.
Sounding superficially like a rough-hewn affair, this early Morgan set is perhaps for harder-core jazzers - although everything about it is urgently melodic, and the trumpeter's enthusiasm for pushing the regular bop envelope is infectious.
Taking place over a decade later than the famous Charlie Parker/Dizzy Gillespie bop-breakthrough recordings, the set nonetheless exudes a similar sensation, of music that can't wait to be made. A superb hard-bop lineup including Hank Jones on piano and Hank Mobley on tenor sax rattles through a selection of mostly home-grown pieces (though interestingly, none of them are Morgan's), and the rounded tone and poised phrasing of the hugely underrated Mobley is an ideal foil for Morgan's scything runs, explosive crescendos and engaging bebop bluster. Perhaps it's for the enthusiasts, but it's one of those rare studio discs that's almost like having the band in your room.

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El asesinato a tiros por parte de un amante celoso en el club nocturno Slug's en 1972 significó que el trompetista de hard bop y soul jazz Lee Morgan se topó con una catástrofe hecha a medida para ascender al estatus de leyenda del jazz, y sus habilidades eran tales que aún hoy se especula sobre lo que podría haber logrado. El sonido duro y agresivo de Morgan y la audacia de su concepción se combinaban con un lirismo reflexivo y la calidez del tono cuando llegaba el momento adecuado, y con éxitos comerciales de funk como el himno de las pistas de baile de 1963 The Sidewinder (un gran éxito de acid jazz entre los DJ 25 años después), también demostró que tenía una intuición para el groove similar a la de Herbie Hancock.
Aunque a primera vista pueda parecer un trabajo tosco, este primer álbum de Morgan es quizás para los jazzistas más incondicionales, aunque todo en él es urgentemente melódico y el entusiasmo del trompetista por traspasar los límites del bop habitual es contagioso.
Aunque se grabó más de una década después de las famosas grabaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie que marcaron un hito en el bop, este álbum transmite una sensación similar, la de una música que no puede esperar a ser creada. Una magnífica formación de hard bop, con Hank Jones al piano y Hank Mobley al saxo tenor, interpreta una selección de temas en su mayoría de composición propia (aunque, curiosamente, ninguno de ellos es de Morgan), y el tono redondo y el fraseo sereno del enormemente infravalorado Mobley son el complemento ideal para las vertiginosas escalas, los crescendos explosivos y la atractiva bravura bebop de Morgan. Quizás sea para los entusiastas, pero es uno de esos raros discos de estudio que es casi como tener a la banda en tu habitación.

Jackie McLean • Jackie McLean & Co

 

Charlie Rouse Quintet • Takin' Care Of Business

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Curtis Fuller • Bone & Bari

 

Review
by Lee Bloom
Curtis Fuller emerged during the 1950s as a leading hard bop trombonist. A native of Detroit, Fuller was initially inspired by hearing J.J. Johnson, who became a mentor for the young musician. This recording was completed only weeks before Fuller went into the studio to record John Coltrane's Blue Trane. The session is unique in its pairing of trombone with the baritone sax of Tate Houston. The resultant front line sound is thick and rotund. The rhythm section of Sonny Clark, Paul Chambers and Art Taylor had a lovely rapport; individually and collectively, these three made many important recordings in the late 1950s, especially for the Blue Note label. Highlights of Bone & Bari include the title tune, penned by Fuller, and the group's rendering of the standard "Heart and Soul."
https://www.allmusic.com/album/bone-bari-mw0000341687


Biography
by Ron Wynn
Curtis Fuller belonged in the select circle with J.J. Johnson, Kai Winding, and a few others who make the trombone sound fluid and inviting rather than awkward. His ability to make wide-octave leaps and play whiplash phrases in a relaxed, casual manner was a testament to his skill. Fuller's solos and phrases were often ambitious and creative, and he worked in several fine bands and participated in numerous great sessions.

Fuller studied music in high school, then began developing his skills in an Army band, where he played with Cannonball Adderley. He worked in Detroit with Kenny Burrell and Yusef Lateef, then moved to New York. Fuller made his recording debut as a leader on Transition in 1955, and recorded in the late '50s for Blue Note, Prestige, United Artists, and Savoy. He was a charter member of the Jazztet with Benny Golson and Art Farmer in 1959, then played in Art Blakey's Jazz Messengers from 1961 to 1965. There were additional recording dates for Warwick, Smash/Trip, Epic, and Impulse! in the '60s. Fuller toured Europe with Dizzy Gillespie's big band in 1968, then did several sessions in New York.

During the '70s, he experimented for a time playing hard bop arrangements in a band featuring electronic instruments, heading a group with guitarist Bill Washer and Stanley Clarke. He concluded that phase with the 1973 album Crankin'. Fuller toured with the Count Basie band from 1975 to 1977, and did dates for Mainstream, Timeless, and Bee Hive. He co-led the quintet Giant Bones with Winding in 1979 and 1980, and played with Art Blakey, Cedar Walton, and Benny Golson in the late '70s and early '80s. During the '80s, Fuller toured Europe regularly with the Timeless All-Stars, and performed and recorded with the revamped Jazztet in addition to leading a fine session for Savoy in 1993.

Fuller continued playing dates and working in the decades that followed, recording albums for labels like Delmark, Capri, and Savant. He retired from playing in the early 2010s; his final studio album was 2012's Down Home. The legendary trombonist died on May 8, 2021, at the age of 88.
https://www.allmusic.com/artist/curtis-fuller-mn0000139566/biography

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Reseña
por Lee Bloom
Curtis Fuller surgió durante la década de 1950 como un destacado trombonista de hard bop. Nativo de Detroit, Fuller se inspiró inicialmente al escuchar a J.J. Johnson, que se convirtió en mentor del joven músico. Esta grabación se realizó sólo unas semanas antes de que Fuller entrara en el estudio para grabar Blue Trane de John Coltrane. La sesión es única por el emparejamiento del trombón con el saxo barítono de Tate Houston. El sonido resultante de la primera línea es grueso y rotundo. La sección rítmica de Sonny Clark, Paul Chambers y Art Taylor se compenetraba muy bien; individual y colectivamente, estos tres hicieron muchas grabaciones importantes a finales de los años 50, especialmente para el sello Blue Note. Lo más destacado de Bone & Bari incluye la melodía del título, escrita por Fuller, y la interpretación del grupo del estándar "Heart and Soul".
https://www.allmusic.com/album/bone-bari-mw0000341687


Biografía
por Ron Wynn
Curtis Fuller pertenece al selecto círculo de J.J. Johnson, Kai Winding y algunos otros que hacen que el trombón suene fluido y atractivo en lugar de incómodo. Su capacidad para dar saltos de octava amplia y tocar frases latigazosas de forma relajada y desenfadada era un testimonio de su habilidad. Los solos y frases de Fuller eran a menudo ambiciosos y creativos, y trabajaba en varias bandas excelentes y participaba en numerosas y grandes sesiones.

Fuller estudió música en el instituto y luego empezó a desarrollar sus habilidades en una banda del ejército, donde tocó con Cannonball Adderley. Trabajó en Detroit con Kenny Burrell y Yusef Lateef, y luego se trasladó a Nueva York. Fuller hizo su debut discográfico como líder en Transition en 1955, y grabó a finales de los 50 para Blue Note, Prestige, United Artists y Savoy. Fue miembro fundador del Jazztet con Benny Golson y Art Farmer en 1959, y luego tocó en los Jazz Messengers de Art Blakey de 1961 a 1965. También grabó para Warwick, Smash/Trip, Epic e Impulse en los años 60. Fuller realizó una gira por Europa con la big band de Dizzy Gillespie en 1968, y luego hizo varias sesiones en Nueva York.

Durante los años 70, experimentó durante un tiempo tocando arreglos de hard bop en una banda con instrumentos electrónicos, encabezando un grupo con el guitarrista Bill Washer y Stanley Clarke. Concluyó esa etapa con el álbum Crankin', de 1973. Fuller estuvo de gira con la banda de Count Basie de 1975 a 1977, y realizó fechas para Mainstream, Timeless y Bee Hive. Codirigió el quinteto Giant Bones con Winding en 1979 y 1980, y tocó con Art Blakey, Cedar Walton y Benny Golson a finales de los 70 y principios de los 80. Durante los años 80, Fuller realizó giras regulares por Europa con los Timeless All-Stars, y actuó y grabó con el renovado Jazztet, además de dirigir una excelente sesión para Savoy en 1993.

Fuller siguió tocando y trabajando en las décadas siguientes, grabando discos para sellos como Delmark, Capri y Savant. Se retiró de tocar a principios de la década de 2010; su último álbum de estudio fue Down Home, de 2012. El legendario trombonista falleció el 8 de mayo de 2021, a la edad de 88 años.
https://www.allmusic.com/artist/curtis-fuller-mn0000139566/biography

Charlie Rouse • Takin' Care Of Business

 

Biography
by Scott Yanow
Possessor of a distinctive tone and a fluid bop-oriented style, Charlie Rouse was in Thelonious Monk's Quartet for over a decade (1959-1970) and, although somewhat taken for granted, was an important ingredient in Monk's music. Rouse was always a modern player and he worked with Billy Eckstine's orchestra (1944) and the first Dizzy Gillespie big band (1945), making his recording debut with Tadd Dameron in 1947. Rouse popped up in a lot of important groups including Duke Ellington's Orchestra (1949-1950), Count Basie's octet (1950), on sessions with Clifford Brown in 1953, and with Oscar Pettiford's sextet (1955). He co-led the Jazz Modes with Julius Watkins (1956-1959), and then joined Monk for a decade of extensive touring and recordings. In the 1970s he recorded a few albums as a leader, and in 1979 he became a member of Sphere. Charlie Rouse's unique sound began to finally get some recognition during the 1980s. He participated on Carmen McRae's classic Carmen Sings Monk album and his last recording was at a Monk tribute concert.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Poseedor de un tono inconfundible y un estilo fluido orientado al bop, Charlie Rouse formó parte del cuarteto de Thelonious Monk durante más de una década (1959-1970) y, aunque en cierto modo se da por sentado, fue un ingrediente importante en la música de Monk. Rouse siempre fue un intérprete moderno y trabajó con la orquesta de Billy Eckstine (1944) y con la primera big band de Dizzy Gillespie (1945), debutando en disco con Tadd Dameron en 1947. Rouse apareció en muchos grupos importantes, como la orquesta de Duke Ellington (1949-1950), el octeto de Count Basie (1950), en sesiones con Clifford Brown en 1953 y con el sexteto de Oscar Pettiford (1955). Codirigió los Jazz Modes con Julius Watkins (1956-1959), y después se unió a Monk para una década de extensas giras y grabaciones. En los años 70 grabó algunos álbumes como líder, y en 1979 se convirtió en miembro de Sphere. El sonido único de Charlie Rouse empezó a obtener por fin cierto reconocimiento durante la década de 1980. Participó en el clásico álbum de Carmen McRae Carmen Sings Monk y su última grabación fue en un concierto homenaje a Monk.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography

Paul Chambers • Bass on Top

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Bass on Top is another thoroughly engaging set of straight-ahead, mainstream jazz from Paul Chambers. The bassist leads a quartet comprised of guitarist Kenny Burrell, pianist Hank Jones, and drummer Art Taylor through a selection of standards, including "Yesterdays," "You'd Be So Nice to Come Home To," and "Dear Old Stockholm," as well as a handful of contemporary jazz numbers and originals. There's a relaxed, friendly atmosphere to the music, both in its tone and in the fact that Chambers lets Jones and Burrell have some time in the spotlight. The result is a warm, entertaining collection of mainstream jazz that nevertheless rewards close listening.
https://www.allmusic.com/album/bass-on-top-mw0000191612

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Bass on Top es otro atractivo conjunto de jazz directo y mainstream de Paul Chambers. El bajista dirige un cuarteto compuesto por el guitarrista Kenny Burrell, el pianista Hank Jones y el baterista Art Taylor a través de una selección de estándares, incluyendo «Yesterdays», «You'd Be So Nice to Come Home To» y «Dear Old Stockholm», así como un puñado de números de jazz contemporáneo y originales. Hay un ambiente relajado y amistoso en la música, tanto en su tono como en el hecho de que Chambers deja que Jones y Burrell tengan algo de tiempo en el centro de atención. El resultado es una colección cálida y entretenida de jazz convencional que, sin embargo, merece una escucha atenta.
https://www.allmusic.com/album/bass-on-top-mw0000191612

Don Byrd & Gigi Gryce • Jazz Lab

 

Dizzy Reece Quintet • From in to out

 

 

Alphonso Son "Dizzy" Reece is a hard bop jazz trumpeter with a distinctive sound and compositional style.
Reece was born January 5, 1931 in Kingston, Jamaica, the son of a silent film pianist. He attended the Alpha Boys School (famed in Jamaica for its musical alumni), switching from baritone to trumpet at 14. A full-time musician from age 16, he moved to London in 1948 and spent the 1950s working in Europe, much of that time in Paris. He played with Don Byas, Kenny Clarke, Frank Foster and Thad Jones, among others. Winning praise from the likes of Miles Davis and Sonny Rollins, he emigrated to New York City in 1959, but found New York in the 1960s a struggle. Too little heard-from in the intervening years, he had a reissue on Mosaic in 2004 that gave fans hope of a comeback. https://www.allaboutjazz.com/musicians/dizzy-reece/



Biography by Scott Yanow
Dizzy Reece is a fine hard bop trumpeter who has been overshadowed by the innovators of the style. He started on trumpet when he was 14 and moved to Europe in 1949. It was while he was based in England (1954-1959) that he achieved some recognition through a series of recordings with top English musicians, plus a 1958 date with Donald Byrd. He moved to New York in 1959 but, after a few notable recordings and a bit of publicity, Reece seemed to largely fade away despite remaining active. He was with the Dizzy Gillespie's orchestra in 1968 and the Paris Reunion Band in 1985. https://www.allmusic.com/artist/dizzy-reece-mn0000161947#biography

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Alphonso Son «Dizzy» Reece es un trompetista de jazz hard bop con un sonido y un estilo compositivo característicos.
Reece nació el 5 de enero de 1931 en Kingston, Jamaica, hijo de un pianista de cine mudo. Asistió a la Alpha Boys School (famosa en Jamaica por sus antiguos alumnos de música), y cambió el barítono por la trompeta a los 14 años. Músico a tiempo completo desde los 16 años, se trasladó a Londres en 1948 y pasó la década de 1950 trabajando en Europa, gran parte de ese tiempo en París. Tocó con Don Byas, Kenny Clarke, Frank Foster y Thad Jones, entre otros. Tras recibir los elogios de Miles Davis y Sonny Rollins, emigró a Nueva York en 1959, pero en la década de 1960 Nueva York le resultó difícil. En 2004, Mosaic reeditó su música, lo que dio a los aficionados la esperanza de un regreso. https://www.allaboutjazz.com/musicians/dizzy-reece/



Biografía de Scott Yanow
Dizzy Reece es un excelente trompetista de hard bop que ha sido eclipsado por los innovadores del estilo. Empezó a tocar la trompeta a los 14 años y se trasladó a Europa en 1949. Fue durante su estancia en Inglaterra (1954-1959) cuando alcanzó cierto reconocimiento gracias a una serie de grabaciones con los mejores músicos ingleses, además de una cita en 1958 con Donald Byrd. Se trasladó a Nueva York en 1959 pero, tras unas pocas grabaciones notables y un poco de publicidad, Reece pareció desvanecerse en gran medida a pesar de seguir en activo. Formó parte de la orquesta de Dizzy Gillespie en 1968 y de la Paris Reunion Band en 1985.
https://www.allmusic.com/artist/dizzy-reece-mn0000161947#biography

Dizzy Reece Quintet • From in to out

 

Review by Sean Westergaard
From in to Out is a live set from what was probably a one-off group of Dizzy Reece on trumpet, John Gilmore (doing a bit of freelancing on an Arkestra tour of Europe) on tenor, Siegfried Kessler on piano, and a rhythm section of Patrice Caratini on bass and Art Taylor on drums. Side one has a very Coltrane-esque feel, thanks mostly to Kessler's McCoy Tyner-isms and the driving rhythms of Art Taylor. Presumably without much rehearsal time, they basically set up a groove and blow. Reece solos first, followed by Gilmore and Kessler, before moving into a brief unaccompanied bass solo. Side two has the band shifting into an odd-meter groove, strongly reminiscent of "Dancing Girls" from Pete La Roca's Turkish Women at the Bath (another rare foray outside the Arkestra for Gilmore). About halfway through the second side, the band heads back to Trane territory to close out the set. Overall, this is an excellent, well-recorded set, even if it's nothing groundbreaking or earth-shattering. Highlights are the great drumming of Art Taylor and another fairly rare chance to hear John Gilmore operating outside of Sun Ra's music.
https://www.allmusic.com/album/from-in-to-out-mw0001882149

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Reseña de Sean Westergaard
From in to Out es una grabación en directo de lo que probablemente fue un grupo único formado por Dizzy Reece a la trompeta, John Gilmore (que trabajaba como freelance en una gira de la Arkestra por Europa) al tenor, Siegfried Kessler al piano y una sección rítmica formada por Patrice Caratini al bajo y Art Taylor a la batería. La primera cara tiene un aire muy Coltrane, gracias sobre todo a los McCoy Tynerismos de Kessler y a los ritmos de Art Taylor. Presumiblemente sin mucho tiempo de ensayo, básicamente establecen un groove y soplan. Reece hace el primer solo, seguido de Gilmore y Kessler, antes de pasar a un breve solo de bajo sin acompañamiento. En la segunda cara, la banda se adentra en un groove de compás extraño, que recuerda mucho a «Dancing Girls» del disco de Pete La Roca Turkish Women at the Bath (otra rara incursión de Gilmore fuera de la Arkestra). Hacia la mitad de la segunda cara, la banda vuelve al territorio de Trane para cerrar el set. En general, se trata de un conjunto excelente y bien grabado, aunque no sea nada rompedor ni revolucionario. Lo más destacado es la gran batería de Art Taylor y otra rara oportunidad de escuchar a John Gilmore fuera de la música de Sun Ra.
https://www.allmusic.com/album/from-in-to-out-mw0001882149