Miles Davis • Miles Davis & The Modern Jazz Giants

 

Review from All About Jazz (by Douglas Payne):
Hyperbole aside, this disc's title could hardly be more accurate. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. That doesn't even count the legendary rhythm sections (Percy Heath and Kenny Clarke in one, Red Garland, Paul Chambers and Philly Joe Jones in the other). Miles Davis And The Modern Jazz Giants is made up of two sessions, with four tracks from an all-star group with Jackson and Monk from 1954 (which also yielded the title track to Davis's Bags Groove) and one track from the first of the famous 1956 Davis quintet's marathon recordings that produced Workin', Steamin', Cookin' and Relaxin'. The music is unquestionably excellent, yielding sterling and signature input from each participant. The first of these two sessions is famous for being the one where the cranky trumpeter was miffed by the cantankerous Monk's playing behind his solos. "That's bullshit," according to label owner and session supervisor Bob Weinstock in the recently released The Prestige Records Story box set (and confirmed in this disc's liner notes by Ira Gitler). "Miles didn't want him to comp on one tune. There was no hostility, no fighting. I've heard that story many times but those guys had total respect for each other." Indeed, the musical evidence bears Weinstock out. The rapport among these leaders — however edgy it certainly must have been in the studio on that Christmas Eve day — works to the music's advantage. The quintet excels on Davis's "Swing Spring," Monk's "Bemsha Swing" and two very different takes of Gershwin's "The Man I Love." The lone 1956 track is Davis's breathtaking signature reverie on Monk's "'Round Midnight," with the trumpeter's familiar and definitive quintet. This collection essentially documents two important summit meetings from some of the greatest individuals jazz has ever known. Hyperbole aside, the results are significant and timeless.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne

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Reseña de All About Jazz (por Douglas Payne):
La hipérbole aparte, el título de este disco difícilmente podría ser más preciso. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. Y eso sin contar las legendarias secciones rítmicas (Percy Heath y Kenny Clarke en una, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones en la otra). Miles Davis And The Modern Jazz Giants está compuesto por dos sesiones: cuatro temas de un grupo all-star con Jackson y Monk de 1954 (que también produjo el tema titular del Bags Groove de Davis) y un tema de la primera de las famosas sesiones maratón del quinteto de Davis de 1956, que produjeron Workin', Steamin', Cookin' y Relaxin'. La música es inequívocamente excelente, ofreciendo aportes brillantes y característicos de cada participante. La primera de estas dos sesiones es famosa por ser aquella en la que el malhumorado trompetista estaba molesto con el juego de acompañamiento del obstinado Monk detrás de sus solos. "Eso es una tontería", según el dueño del sello y supervisor de sesión Bob Weinstock en el recientemente publicado box set The Prestige Records Story (y confirmado en las notas del liner de este disco por Ira Gitler). "Miles no quería que él acompañara en un tema. No había hostilidad, ni peleas. He escuchado esa historia muchas veces pero esos tipos se tenían total respeto mutuo." De hecho, la evidencia musical le da la razón a Weinstock. La compenetración entre estos líderes — por tensa que ciertamente debió de haber sido en el estudio en aquel día de Nochebuena — trabaja a favor de la música. El quinteto brilla en "Swing Spring" de Davis, "Bemsha Swing" de Monk y dos takes muy diferentes de "The Man I Love" de Gershwin. El único tema de 1956 es la ensoñación emblemática y sobrecogedora de Davis sobre "'Round Midnight" de Monk, con el familiar y definitivo quinteto del trompetista. Esta colección documenta esencialmente dos importantes cumbres de algunos de los más grandes individuos que el jazz haya conocido. La hipérbole aparte, los resultados son significativos e imperecederos.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne

VA • 100 Hard Bop Classics

Art Blakey, Stan Getz, Clifford Brown, Tina Brooks, Joe Henderson, Donald Byrd, Grant Green, J.J. Johnson, Horace Silver, Thelonious Monk, Dr. Lonnie Smith, Freddie Hubbard, Sarah Vaughan, Dexter Gordon, Lee Morgan, Clifford Brown, Jackie McLean, Sonny Clark, Cannonball Adderley, Stanley Turrentine, Kenny Dorham, Sonny Rollins, Hank Mobley, Paul Chambers, Dizzy Reece ...

 

 

Thelonious Monk • Plays Duke Ellington

 

Thelonious Monk Quintet Feat. Sonny Rollins • Blows For

 

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Thelonious Monk • 5 By Monk By 5

 

Review by Lindsay Planer
As the '50s drew to a close, so did Thelonious Monk's illustrious tenure on Riverside Records. In fact, the three dates needed for this title would be his penultimate for the label. The concept of the album consists of five Monk originals performed in a quintet setting. Ironically, this was the first time that Monk had recorded with a lineup that so prominently featured the "standard" bop rhythm section incorporating both a trumpet (or, in this case, cornet) and sax player. The quintet featured on 5 by Monk by 5 includes Monk (piano), Thad Jones (cornet), Charlie Rouse (tenor sax), Sam Jones (bass), and Art Taylor (drums). Rouse would become Monk's permanent tenor saxophonist for the majority of the 1960s. In what had become somewhat of a tradition, the disc's program consists of several of Monk's more established works as well as a few new compositions. One of the new works, "Jackie-ing" (incidentally, named after one of Monk's nieces), leads off the disc. It exemplifies the loose, disjointed, and exceedingly difficult arrangements that would define Monk as a premier composer/arranger/bandleader. This is in contrast to Monk the keyboard player and band member, which he skilfully demonstrates throughout the track as well as the rest of the album. The song's opening jam features a tasty tug of war between Rouse's animated lead and Monk's interjections and piano antics. Jones' cornet is incorporated tastefully throughout Monk's tricky arrangements. The stark contrast in performance timbre between the comparatively subdued Rouse or Monk and the frenetic bleating of Jones is notably disconcerting. [Some reissues includes two alternate takes of "Played Twice," the other Monk composition to be debuted on 5 by Monk by 5.]
https://www.allmusic.com/album/5-by-monk-by-5-mw0000200093

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Reseña de Lindsay Planer
A medida que los años 50 llegaban a su fin, también lo hacía el ilustre mandato de Thelonious Monk en Riverside Records. De hecho, las tres fechas necesarias para este título serían las penúltimas para el sello. El concepto del álbum consta de cinco Monk originals interpretados en un quinteto. Irónicamente, esta era la primera vez que Monk grababa con una formación que presentaba de manera tan destacada la sección rítmica bop "estándar" que incorporaba tanto una trompeta (o, en este caso, una corneta) como un saxofonista. El quinteto presentado en 5 by Monk by 5 incluye a Monk (piano), Thad Jones (corneta), Charlie Rouse (saxo tenor), Sam Jones (bajo) y Art Taylor (batería). Rouse se convertiría en el saxofonista tenor permanente de Monk durante la mayor parte de la década de 1960. En lo que se había convertido en una especie de tradición, el programa del disco consta de varias de las obras más establecidas de Monk, así como algunas composiciones nuevas. Una de las nuevas obras, "Jackie-ing" (por cierto, llamada así por una de las sobrinas de Monk), encabeza el disco. Ejemplifica los arreglos sueltos, inconexos y extremadamente difíciles que definirían a Monk como un compositor/arreglista/líder de banda de primer nivel. Esto contrasta con Monk, el tecladista y miembro de la banda, que demuestra hábilmente a lo largo de la pista, así como en el resto del álbum. La jam de apertura de la canción presenta un sabroso tira y afloja entre el protagonista animado de Rouse y las interjecciones y payasadas de piano de Monk. La corneta de Jones se incorpora con buen gusto en los complicados arreglos de Monk. El marcado contraste en el timbre de interpretación entre Rouse o Monk, comparativamente tenue, y el frenético balido de Jones es notablemente desconcertante. [Algunas reediciones incluyen dos tomas alternativas de "Played Twice", la otra composición de Monk que debutará en 5 by Monk by 5.]
https://www.allmusic.com/album/5-by-monk-by-5-mw0000200093

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Thelonious Monk • The Complete Blue Note Recordings

 

 

Biography by Thom Jurek
Recognized as one of the most original musicians in American history, Thelonious Sphere Monk fashioned a startlingly unique, inimitable playing and composing style that influenced virtually every succeeding jazz generation. His playing technique offered a percussive approach to the piano, identified by sparse, complex, sometimes dissonant harmonies, developed from unusual intervals and rhythms, and imbued with warmth and playfulness. (His motto was "There are no wrong notes on the piano.") Monk's name is synonymous with the creation of modern jazz; many of his compositions are jazz standards including, "Round Midnight," "Well You Needn’t," "Straight, No Chaser," and "Epistrophy." His bold musical conceptions sought to bind harmony and rhythm seamlessly to melody. A classically trained pianist, he was deeply influenced by Harlem's stride piano tradition. Monk's Blue Note recording sessions between 1947 and 1948, and 1951 and 1952, netted two volumes, numerically titled Genius of Modern Music. He cut outstanding albums for Riverside and Prestige in the '50s (Brilliant Corners), and Columbia in the '60s (Monk's Dream). On-stage, he was in constant motion: he'd leave his piano to dance during another player's solo, wiggle on his piano bench to emphasize a rhythm, and even bash elbows and forearms onto the keys in search of different tones. Monk released the charting Criss-Cross and Monk's Dream in 1963 and landed on the cover of Time a year later. After leaving Columbia in 1971, he recorded and played live only sporadically. From 1976 until his death in 1982, Monk lived at the home of longtime friend Pannonica de Koenigswarter. In 1978, he was honored by President Jimmy Carter during a White House jazz party.

Monk was born in Rocky Mount, North Carolina in October of 1917. His family moved to New York City when he was five. He started playing piano a year later and received formal classical tutoring from age 11. He also received rigorous gospel training accompanying his church choir (in which his mother sang), and attended Stuyvesant High School, where he excelled at physics and math. Near his home were several jazz clubs, as well as the residence of Harlem stride pianist James P. Johnson, from whom Monk learned a great deal. By age 13 he was playing in a local bar and grill with a trio. A year later he was playing rent parties. Monk gained distinction while performing at the Apollo Theater's weekly amateur contests: He won so often, he was ultimately banned from the competition. Subsequently, he accompanied a faith healer and preacher for a year-long tour that revealed to him the subtleties and intricacies of rhythm & blues accompaniment. During the late '30s he toured as a pianist with a gospel group, then began playing stride and swing in clubs where drummer Kenny Clarke heard and hired him for the house band at Minton's Playhouse in 1941. Minton's was home to the late-night jam sessions frequented by young lions Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Max Roach, and Bud Powell; the club served as an incubator for the emergent bebop. Monk was hired by Lucky Millinder's orchestra in 1942 and he also worked with the Coleman Hawkins Sextet between 1943 and 1945, making his recording debut on the 78 "Flyin' Hawk." Monk was a member of Dizzy Gillespie's big band in 1946, and started leading his own groups in 1947.

The period between 1945 and 1954 was difficult for Monk. Because his rhythmic solos reflected an uncommon use of space, and a somewhat percussive technique, some musicians and critics erroneously thought him an inferior pianist. His compositions were so harmonically and rhythmically advanced -- even when employing a 12-bar blues or 32-bar ballad architecture -- they confused lesser and/or lazier players. Add to this the systemic racism of the era, his unusual name, his large physical stature, and iconic fashion sense: He wore a stylish goatee, and had a constantly changing array of colorful hats, bamboo sunglasses, and sharp cut suits. His personality that rendered him an occasionally uncommunicative introvert but also the ultimate hipster who spoke in the jazz vernacular. All served to brand him an outsider. A trumped-up charge for drug possession (he took the rap for Powell) didn't help, either, as it deprived Monk of his New York cabaret license in 1951, forcing him to seek work in Brooklyn and elsewhere for six years. He was also forced to rely on the freely offered financial assistance of his patron, Baroness Pannonica de Koenigswarter.

Blue Note's Alfred Lion paid no mind to critics. He believed in Monk and recorded him extensively between 1947 and 1948 and again in 1951 and 1952. His singles were eventually compiled onto two 10" vinyl LPs released as Genius of Modern Music, Vols. 1 & 2. The initial release, issued when Monk was 35, offered eight originals including "Epistrophy" "'Round Midnight," "Well You Needn't," Ruby My Dear," and "Off Minor"; the second featured "Criss-Cross," "Four in One," and "Straight, No Chaser." Each of these titles reflected Monk’s trademark playing style, which incorporated silence and dissonance as forms of self-expression. Soon after that first recording session, Monk married Nellie Smith, who gave birth to his two children Barbara and T.S. Monk II.

During his time with Blue Note, Monk recorded a host of titles for Prestige including Thelonious Monk Plays and Sonny Rollins and Thelonious Monk. In 1955, Prestige sold his contract to Riverside where he released Plays the Music of Duke Ellington to appease the label. By 1956, Monk had come into his own with Brilliant Corners, considered to be his first masterpiece (due in part to its complex title track). It proved so technically demanding and harmonically complex that the album version had to be edited together from separate takes. In 1957, he recorded Mulligan Meets Monk with Gerry Mulligan; the release helped expose him to a wider audience. With the Riverside release of the solo Thelonious Himself and Thelonious Monk with John Coltrane, the artist received belated but well-deserved acclaim. In 1957 and 1958, he won the Down Beat Critics Poll as Best Jazz Pianist. Monk also worked with classical composer Hall Overton to present his music orchestrally for 1959's At Town Hall.

The pianist signed to Columbia in late 1961 and toured Europe for the first time with a quartet that included saxophonist Charlie Rouse, drummer Frankie Dunlop, and bassist John Ore. (Later rhythm sections would include bassists Butch Warren or Larry Gales, and drummer Ben Riley). He issued two long-players in 1962, Monk's Dream and Criss-Cross, both compiled from EP and single sessions. They both charted and were received enthusiastically by critics. In 1964, Monk, at the peak of his popularity, appeared on the cover of Time Magazine: He is one of only five jazz musicians to have done so. (The others were Louis Armstrong, Dave Brubeck, Duke Ellington, and much later, Wynton Marsalis.)

Columbia issued two charting titles by him that year, including Big Band and Quartet in Concert and It's Monk's Time. 1965 saw the release of Monk, comprised of a pair of striking originals (Teo" and "Pannonica") and standards. It's one of the artist's most unjustly underrated offerings, and it's still a radical album. Critics complained that he wasn't writing new music, but Monk re-recorded tunes to reinvigorate them using fresh harmonic and rhythmic approaches. His approach to standards here was to strip them to basic harmonies and rhythms then rebuild them in his own musical image. In 1965, the release of Solo Monk appeased them. A standout in his catalog, most of its sides were cut during breaks on a 1964 West Coast quartet tour in October and November. The jaunt netted two masterful live quartet releases as well: Live at the It Club and Live at the Jazz Workshop (unreleased until the '80s).

By 1965, Columbia had become enthralled with rock and R&B artists on its roster thanks to administrative vice-president and general manager Clive Davis, who took the helm in 1966. Jazz was losing its place of import. Still, Monk continued to record and tour for the label. The seminal Straight, No Chaser was released in 1967. Underground, Monk's last Columbia record to receive acclaim during his lifetime was released in 1968 at the pinnacle of the counterculture, its iconic Norman Griner cover shot featured Monk in a makeshift bunker (actually an upscale New York photo studio) with a rifle strapped to his back and assorted grenades and handguns on a table, a cow, a tied-up Nazi, and a broken piano that he played for 90 minutes. Monk spoke only to the cow during the entire shoot.

1969's Monk's Blues was his last outing for the label. Recorded by Monk's quartet with a big band in Los Angeles, it was deemed a commercial failure. Columbia's disinterest, combined with Monk's deteriorating mental and physical health, kept him out of the studio. In January of 1970, Rouse left the band, and less than two years later, the label quietly dropped Monk from its roster.

In 1971, Japan's Express signed him and issued Monk in Tokyo with a pick-up quartet comprised of saxophonist Paul Jeffrey, bassist Larry Ridley, and drummer Lenny McBrowne on one side, and with Toshiyuki Miyama & His New Herd Orchestra on the flip. He recruited saxophonist Pat Patrick and son Thelonious, Jr. for his quartet. Monk toured widely in 1972 with the "Giants of Jazz," a bop supergroup consisting of Dizzy Gillespie, Kai Winding, Sonny Stitt, Al McKibbon, and Art Blakey, resulting in the Atlantic-issued live set Giants of Jazz. That said, he accepted ever fewer live engagements. Monk cut two outings for Black Lion in London, comprised of solo and trio recordings with Blakey and McKibbon. Commercially they appeared as Something in Blue in 1972 and The Man I Love in 1973. (A final recording from these sessions appeared as Blue Sphere in 1977.) This material, all but ignored during his lifetime, was collected for a box set by Mosaic after his death and acclaimed for the inspiration and quality in his playing. After appearances at both Carnegie Hall and Lincoln Center in 1974 and 1975, and the Newport Jazz Festivals in 1975 and 1976, Monk quit performing altogether. With the full approval of his wife Nellie, he retired to a single room in Baroness Pannonica's New Jersey mansion. The room contained a piano, but he seldom touched it. He spoke even less. Monk, seriously ailing, would rise, shower, put on a fresh suit, and return to bed where he spent the day watching television. In 1979, Columbia issued the two-fer Always Know, a compilation of unreleased material from his tenure with the label.

Monk died from a stroke in 1982. Having lived in the same ground floor apartment on West 63rd St. for years, New York City named it "Thelonius Monk Circle" (sic). The spelling wasn't corrected until 2013. The year of his death, Columbia issued two stellar double-length live offerings from its vaults: Live at the It Club and Live at the Jazz Workshop. Two years later, producer Hal Willner's seminal tribute to the musician, That's the Way I Feel Now, was issued by A&M. Its track list included performances by jazz musicians such as the Carla Bley Big Band with Johnny Griffin; Steve Lacy with Elvin Jones or Gil Evans, and many others, but it also included rock and funk musicians like Was (Not Was), Joe Jackson, and NRBQ interpreting Monk's tunes. Mulligan Meets Monk was released by Milestone that same year. It contained the original album appended with alternate takes -- including a 21-minute version of the title tune in the process of being recorded. Mosaic, the jazz collector's label, offered The Complete Blue Note Recordings of Thelonious Monk as its debut release. It sold out almost instantly. A few years later they followed with The Complete Vogue Recordings/The Black Lion Sessions, fomenting a major critical reappraisal of the work; they were once maligned as inferior. In 1988, director Charlotte Zwerin's biographical documentary Straight, No Chaser appeared to thunderous acclaim and awards; Clint Eastwood was executive producer.

Four Classic Albums Plus: Thelonious Monk with John Coltrane/Cattin’ with Coltrane And Quinichette/Jazz Way Out/Kenny Burrell & John Coltrane
Virtually all of Monk's officially released recordings have been remastered and reissued several times. In 2005, Blue Note released The Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall to unanimous critical acclaim and chart success. Recorded during a benefit concert in 1957, the tape sat untouched in the Library of Congress until recording lab supervisor Larry Appelbaum unearthed it for restoration by Michael Cuscuna and T.S. Monk. In 2013, Robin D.G. Kelley's award-winning biography Thelonious Monk: The Life and Times of an American Original, was published. In 2017, the release of Les Liaisons Dangereuses 1960 contained 30 unreleased minutes of Monk's music cut in a single day by his quartet for Roger Vadim's film of the same name. In 2019, a long-lost 1968 recording of the Thelonious Monk Quartet (with Rouse, Gales, and Riley) at Palo Alto High School by Danny Scher emerged. Simply titled Palo Alto: Live at Palo Alto High School, it was set for release by Impulse! during the summer, but a dispute between Monk's estate and the label delayed its issue indefinitely.

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Biografía de Thom Jurek
Reconocido como uno de los músicos más originales de la historia de Estados Unidos, Thelonious Sphere Monk creó un estilo de tocar y componer asombrosamente único e inimitable que influyó en prácticamente todas las generaciones de jazz posteriores. Su técnica de interpretación ofrecía un enfoque percusivo del piano, identificado por armonías dispersas, complejas, a veces disonantes, desarrolladas a partir de intervalos y ritmos inusuales, e impregnadas de calidez y alegría. (Su lema era "No hay notas equivocadas en el piano".) El nombre de Monk es sinónimo de la creación del jazz moderno; muchas de sus composiciones son estándares del jazz, como "Round Midnight", "Well You Needn't", "Straight, No Chaser" y "Epistrophy". Sus audaces concepciones musicales buscaban unir a la perfección la armonía y el ritmo con la melodía. Pianista de formación clásica, estaba profundamente influido por la tradición del stride piano de Harlem. Las sesiones de grabación de Monk en Blue Note entre 1947 y 1948, y 1951 y 1952, dieron lugar a dos volúmenes, titulados Genius of Modern Music. Grabó álbumes excepcionales para Riverside y Prestige en los años 50 (Brilliant Corners), y para Columbia en los 60 (Monk's Dream). En el escenario, estaba en constante movimiento: dejaba el piano para bailar durante el solo de otro intérprete, se contoneaba en el banco del piano para enfatizar un ritmo e incluso golpeaba las teclas con los codos y los antebrazos en busca de tonos diferentes. Monk publicó Criss-Cross y Monk's Dream en 1963 y fue portada de Time un año después. Tras dejar Columbia en 1971, sólo grabó y tocó en directo esporádicamente. Desde 1976 hasta su muerte en 1982, Monk vivió en casa de su amiga Pannonica de Koenigswarter. En 1978, fue homenajeado por el Presidente Jimmy Carter durante una fiesta de jazz en la Casa Blanca.

Monk nació en Rocky Mount, Carolina del Norte, en octubre de 1917. Su familia se trasladó a Nueva York cuando él tenía cinco años. Empezó a tocar el piano un año más tarde y recibió clases de música clásica desde los 11 años. También recibió una rigurosa formación en gospel acompañando al coro de su iglesia (en el que cantaba su madre), y asistió al instituto Stuyvesant, donde destacó en física y matemáticas. Cerca de su casa había varios clubes de jazz, así como la residencia del pianista de stride de Harlem James P. Johnson, de quien Monk aprendió mucho. A los 13 años ya tocaba en un bar local con un trío. Un año más tarde ya tocaba en fiestas de alquiler. Monk se distinguió actuando en los concursos semanales de aficionados del teatro Apollo: Ganaba tantas veces que acabaron expulsándole del concurso. Posteriormente, acompañó a un curandero y predicador durante una gira de un año que le reveló las sutilezas y complejidades del acompañamiento del rhythm & blues. A finales de los años 30 realizó una gira como pianista con un grupo de gospel, y después empezó a tocar stride y swing en clubes, donde el batería Kenny Clarke le escuchó y le contrató para la banda de la casa en Minton's Playhouse en 1941. Minton's albergaba las jam sessions nocturnas que frecuentaban los jóvenes Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Max Roach y Bud Powell; el club sirvió de incubadora para el emergente bebop. Monk fue contratado por la orquesta de Lucky Millinder en 1942 y también trabajó con el Sexteto de Coleman Hawkins entre 1943 y 1945, haciendo su debut discográfico en el 78 "Flyin' Hawk". Monk fue miembro de la big band de Dizzy Gillespie en 1946, y empezó a dirigir sus propios grupos en 1947.

El periodo entre 1945 y 1954 fue difícil para Monk. Debido a que sus solos rítmicos reflejaban un uso poco común del espacio y una técnica algo percusiva, algunos músicos y críticos le consideraron erróneamente un pianista inferior. Sus composiciones eran tan avanzadas desde el punto de vista armónico y rítmico -incluso cuando empleaban una arquitectura de blues de 12 compases o de balada de 32- que confundían a los pianistas menos experimentados y/o más perezosos. A esto hay que añadir el racismo sistémico de la época, su inusual nombre, su gran estatura física y su icónico sentido de la moda: llevaba una elegante perilla y cambiaba constantemente de sombreros de colores, gafas de sol de bambú y trajes de corte afilado. Su personalidad le convertía en un introvertido a veces poco comunicativo, pero también en el hipster por excelencia que hablaba en la jerga del jazz. Todo ello le convirtió en un marginado. Una acusación falsa de posesión de drogas (Powell le acusó) tampoco ayudó, ya que privó a Monk de su licencia de cabaret en Nueva York en 1951, lo que le obligó a buscar trabajo en Brooklyn y otros lugares durante seis años. También se vio obligado a depender de la ayuda financiera ofrecida gratuitamente por su mecenas, la baronesa Pannonica de Koenigswarter.

Alfred Lion, de Blue Note, no hizo caso a los críticos. Creía en Monk y lo grabó en numerosas ocasiones entre 1947 y 1948, y de nuevo en 1951 y 1952. Sus singles se recopilaron finalmente en dos LP de vinilo de 10" publicados como Genius of Modern Music, Vols. 1 & 2. La primera entrega, publicada cuando Monk tenía 35 años, ofrecía ocho originales, entre ellos "Epistrophy", "'Round Midnight", "Well You Needn't", Ruby My Dear" y "Off Minor"; la segunda incluía "Criss-Cross", "Four in One" y "Straight, No Chaser". Cada uno de estos títulos reflejaba el estilo de tocar característico de Monk, que incorporaba el silencio y la disonancia como formas de autoexpresión. Poco después de esa primera sesión de grabación, Monk se casó con Nellie Smith, quien dio a luz a sus dos hijos Barbara y T.S. Monk II.

Durante su etapa con Blue Note, Monk grabó multitud de títulos para Prestige, entre ellos Thelonious Monk Plays y Sonny Rollins and Thelonious Monk. En 1955, Prestige vendió su contrato a Riverside, donde publicó Plays the Music of Duke Ellington para apaciguar a la discográfica. En 1956, Monk había alcanzado su plenitud con Brilliant Corners, considerada su primera obra maestra (debido en parte a la complejidad de su tema principal). Resultó ser tan exigente desde el punto de vista técnico y complejo desde el punto de vista armónico que la versión del álbum tuvo que editarse a partir de tomas separadas. En 1957, grabó con Gerry Mulligan el disco Mulligan Meets Monk, que le dio a conocer a un público más amplio. Con la publicación en Riverside de los discos en solitario Thelonious Himself y Thelonious Monk with John Coltrane, el artista recibió una tardía pero merecida aclamación. En 1957 y 1958, ganó el Down Beat Critics Poll como mejor pianista de jazz. Monk también trabajó con el compositor de música clásica Hall Overton para presentar su música de forma orquestal en At Town Hall, de 1959.

El pianista firmó un contrato con Columbia a finales de 1961 y realizó su primera gira por Europa con un cuarteto formado por el saxofonista Charlie Rouse, el batería Frankie Dunlop y el bajista John Ore (las secciones rítmicas posteriores incluirían a los bajistas Butch Warren o Larry Gales, y al batería Ben Riley). En 1962 publicó dos discos de larga duración, Monk's Dream y Criss-Cross, ambos recopilados de sesiones de EP y sencillos. Ambos alcanzaron las listas de éxitos y fueron recibidos con entusiasmo por la crítica. En 1964, Monk, en la cima de su popularidad, apareció en la portada de la revista Time: Es uno de los cinco músicos de jazz que lo han conseguido. (Los otros fueron Louis Armstrong, Dave Brubeck, Duke Ellington y, mucho más tarde, Wynton Marsalis).

Columbia publicó dos álbumes suyos ese año, Big Band and Quartet in Concert y It's Monk's Time. En 1965 apareció Monk, compuesto por un par de sorprendentes originales (Teo" y "Pannonica") y standards. Es una de las obras más injustamente infravaloradas del artista, y sigue siendo un álbum radical. Los críticos se quejaban de que no escribía música nueva, pero Monk regrababa temas para revitalizarlos con nuevos enfoques armónicos y rítmicos. Su enfoque de los estándares consistía en reducirlos a armonías y ritmos básicos para luego reconstruirlos a su propia imagen musical. En 1965, el lanzamiento de Solo Monk los aplacó. Destacado en su catálogo, la mayoría de sus caras fueron grabadas durante los descansos de una gira del cuarteto por la Costa Oeste en octubre y noviembre de 1964. La excursión también dio lugar a dos lanzamientos magistrales de cuartetos en directo: Live at the It Club y Live at the Jazz Workshop (inéditos hasta los años 80).

En 1965, Columbia se había entusiasmado con los artistas de rock y R&B de su lista gracias al vicepresidente administrativo y director general Clive Davis, que tomó el timón en 1966. El jazz estaba perdiendo su lugar de importancia. Aun así, Monk siguió grabando y haciendo giras para el sello. El seminal Straight, No Chaser se publicó en 1967. Underground, el último disco de Monk para Columbia que fue aclamado en vida, se publicó en 1968, en la cúspide de la contracultura, y su icónica portada de Norman Griner mostraba a Monk en un búnker improvisado (en realidad, un lujoso estudio fotográfico de Nueva York) con un rifle atado a la espalda y varias granadas y pistolas sobre una mesa, una vaca, un nazi atado y un piano roto que tocó durante 90 minutos. Monk sólo habló con la vaca durante todo el rodaje.

Monk's Blues, de 1969, fue su último trabajo para la discográfica. Grabado por el cuarteto de Monk con una big band en Los Ángeles, fue considerado un fracaso comercial. El desinterés de Columbia, unido al deterioro de la salud mental y física de Monk, le mantuvo alejado del estudio. En enero de 1970, Rouse dejó la banda y, menos de dos años después, la discográfica retiró discretamente a Monk de su lista. 

En 1971, Japan Express lo contrató y emitió Monk en Tokio con un cuarteto integrado por el saxofonista Paul Jeffrey, el bajista Larry Ridley y el baterista Lenny McBrowne por un lado, y con Toshiyuki Miyama y Su Nueva Orquesta Herd por el otro. Reclutó al saxofonista Pat Patrick y a su hijo Thelonious, Jr.para su cuarteto. Monk realizó una extensa gira en 1972 con los "Giants of Jazz", un supergrupo de bop formado por Dizzy Gillespie, Kai Winding, Sonny Stitt, Al McKibbon y Art Blakey, lo que resultó en los Gigantes del Jazz en vivo emitidos por Atlantic. Dicho esto, aceptó cada vez menos compromisos en vivo. Monk grabó dos salidas para Black Lion en Londres, compuestas por grabaciones en solitario y trío con Blakey y McKibbon. Comercialmente aparecieron como Something in Blue en 1972 y The Man I Love en 1973. (Una grabación final de estas sesiones apareció como Blue Sphere en 1977.) Este material, casi ignorado durante su vida, fue recopilado para una caja por Mosaic después de su muerte y aclamado por la inspiración y la calidad de su interpretación. Después de aparecer en el Carnegie Hall y el Lincoln Center en 1974 y 1975, y en los Festivales de Jazz de Newport en 1975 y 1976, Monk dejó de actuar por completo. Con la plena aprobación de su esposa Nellie, se retiró a una habitación individual en la mansión de la baronesa Pannonica en Nueva Jersey. La habitación contenía un piano, pero rara vez lo tocaba. Habló aún menos. Monk, gravemente enfermo, se levantaba, se duchaba, se ponía un traje nuevo y volvía a la cama, donde pasaba el día viendo la televisión. En 1979, Columbia publicó two-fer Always Know, una compilación de material inédito de su mandato con el sello.

Monk murió de un derrame cerebral en 1982. Habiendo vivido en el mismo apartamento de la planta baja en West 63rd St. durante años, la ciudad de Nueva York lo llamó "Thelonius Monk Circle" (sic). La ortografía no se corrigió hasta 2013. El año de su muerte, Columbia emitió dos ofertas estelares en vivo de doble duración desde sus bóvedas: Live at the It Club y Live at the Jazz Workshop. Dos años más tarde, el tributo seminal del productor Hal Willner al músico, That's the Way I Feel Now, fue publicado por A & M. Su lista de canciones incluía actuaciones de músicos de jazz como la Carla Bley Big Band con Johnny Griffin; Steve Lacy con Elvin Jones o Gil Evans, y muchos otros, pero también incluyó a músicos de rock y funk como Was (Not Was), Joe Jackson y NRBQ interpretando melodías de Monk. Mulligan Meets Monk fue lanzado por Milestone ese mismo año. Contenía el álbum original adjunto con tomas alternativas, incluida una versión de 21 minutos de la melodía del título en proceso de grabación. Mosaic, el sello de coleccionistas de jazz, ofreció las grabaciones completas de Blue Note de Thelonious Monk como su lanzamiento debut. Se agotó casi al instante. Unos años más tarde siguieron con The Complete Vogue Recordings/The Black Lion Sessions, fomentando una importante reevaluación crítica del trabajo; una vez fueron difamados como inferiores. En 1988, el documental biográfico de la directora Charlotte Zwerin Straight, No Chaser apareció con estruendosos elogios y premios; Clint Eastwood fue el productor ejecutivo.

Cuatro Álbumes Clásicos Más: Thelonious Monk con John Coltrane / Cattin ' con Coltrane Y Quinichette / Jazz Way Out / Kenny Burrell y John Coltrane
Prácticamente todas las grabaciones lanzadas oficialmente por Monk han sido remasterizadas y reeditadas varias veces. En 2005, Blue Note lanzó The Thelonious Monk Quartet con John Coltrane en el Carnegie Hall con elogios unánimes de la crítica y éxito en las listas de éxitos. Grabada durante un concierto benéfico en 1957, la cinta permaneció intacta en la Biblioteca del Congreso hasta que el supervisor del laboratorio de grabación Larry Appelbaum la desenterró para que Michael Cuscuna y TS Monk la restauraran. En 2013, se publicó la galardonada biografía de Robin D. G. Kelley, Thelonious Monk: The Life and Times of an American Original. En 2017, el lanzamiento de Les Liaisons Dangereuses 1960 contenía 30 minutos inéditos de la música de Monk grabados en un solo día por su cuarteto para la película del mismo nombre de Roger Vadim. En 2019, surgió una grabación perdida de 1968 del Cuarteto Thelonious Monk (con Rouse, Gales y Riley) en Palo Alto High School de Danny Scher. Titulado simplemente Palo Alto: Live at Palo Alto High School, ¡fue lanzado por Impulse! durante el verano, pero una disputa entre la herencia de Monk y el sello retrasó su emisión indefinidamente.

www.theloniousmonkmusic.com ...

VA • Take the A Train - New York Jazz

 

 

Quincy Jones, Cannonball Adderley, Anita O'Day, Ella Fitzgerald, Chet Baker, Hank Mobley, Sonny Rollins, Oliver Nelson, Dexter Gordon, Jimmy McGriff, Thelonious Monk, Benny Green, Dizzy Gillespie...

 

 

VA • Atlantic Jazz Piano

 

Review by Dave Nathan
Founded in 1947, Atlantic Records has been the home of some of jazz's more important figures (as well as blues). This compilation, originally issued as a two-fer LP, catches some of the excellent performances by the label's stable of jazz pianists over a period of 35 years. The earliest track is from Erroll Garner's first and only Atlantic album, Passport to Fame, a 1950 trio session where Garner applies his captivating style to "The Way You Look Tonight." The penultimate track on the album is from modernist Don Pullen. In between, there are cuts from albums made by some of the top jazz pianists, not only from that period, but whose work has stood the test of time and is still played regularly. It also shows that owners/producers Ahmet and Nesuhi Ertegun and Herb Abramson were wise and sensible enough to find room for artists representing a wide diversity of styles, from Garner through Dave Brubeck to Pullen and Joe Zawinul. Wide stylistic berth allowances notwithstanding, for most of these artists their stint with the label was short, a stopping off place before landing contracts with a major recording studio such as Columbia. The title is also a bit misleading in the sense the label never had some of the participants under contract. The cuts by Thelonious Monk and Bill Evans were from sessions headed by Art Blakey and Herbie Mann, respectively. But no matter how they got on the album, this collection of jazz piano is unmatched for its breadth and depth.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-piano-mw0000193273

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Reseña de Dave Nathan
Fundada en 1947, Atlantic Records ha sido el hogar de algunas de las figuras más importantes del jazz (así como del blues). Esta compilación, publicada originalmente como un LP de dos unidades, recoge algunas de las excelentes actuaciones de los pianistas de jazz del sello durante un período de 35 años. El primer tema pertenece al primer y único álbum de Erroll Garner en Atlantic, Passport to Fame, una sesión de trío de 1950 en la que Garner aplica su cautivador estilo a "The Way You Look Tonight". El penúltimo tema del álbum es del modernista Don Pullen. Entre medias, hay cortes de álbumes realizados por algunos de los mejores pianistas de jazz, no sólo de la época, sino cuya obra ha resistido el paso del tiempo y se sigue tocando con regularidad. También demuestra que los propietarios/productores Ahmet y Nesuhi Ertegun y Herb Abramson fueron lo suficientemente sabios y sensatos como para dar cabida a artistas que representaban una amplia diversidad de estilos, desde Garner a Dave Brubeck, pasando por Pullen y Joe Zawinul. A pesar de los amplios márgenes estilísticos, para la mayoría de estos artistas su paso por el sello fue breve, un lugar de paso antes de conseguir contratos con un estudio de grabación importante como Columbia. El título también es un poco engañoso en el sentido de que el sello nunca tuvo contrato con algunos de los participantes. Los cortes de Thelonious Monk y Bill Evans proceden de sesiones dirigidas por Art Blakey y Herbie Mann, respectivamente. Pero independientemente de cómo llegaron al álbum, esta colección de piano de jazz es inigualable por su amplitud y profundidad.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-piano-mw0000193273

Thelonious Monk • Criss-Cross

 

Review by Lindsay Planer

Criss-Cross -- Thelonious Monk's second album for Columbia Records -- features some of the finest work that Monk ever did in the studio with his '60s trio and quartet. Whether revisiting pop standards or reinventing Monk's own classic compositions, Monk and Charlie Rouse (tenor sax), John Ore (bass), and Frankie Dunlop (drums) exchange powerful musical ideas, as well as provide potent solos throughout the disc. Fittingly, "Hackensack" -- a frenetic original composition -- opens the disc by demonstrating the bandleader's strength in a quartet environment. The solid rhythmic support of the trio unfetters Monk into unleashing endless cascades of percussive inflections and intoxicating chord progressions. The title cut also reflects the ability of the four musicians to maintain melodic intricacies that are at times so exigent it seems cruel that Monk would have expected a musician of any caliber to pull them off. "Tea for Two" showcases Monk's appreciation for the great stride or "walking" piano style of James P. Johnson and Willie "The Lion" Smith. The arrangement here is lighter, and features a trio (minus Rouse) to accent rather than banter with Monk's splashes of magnificence throughout. Likewise, Monk's solo on "Don't Blame Me" is excellent. The extended runs up and down the keyboard can't help but reiterate the tremendous debt of gratitude owed to the original stride pianists of the early 20th century. The 1993 compact disc pressing of Criss-Cross sounds great and adds a version of "Pannonica" that was previously unissued at the time. Unfortunately, however, the liner notes originally used on the album jacket -- penned by "Pannonica"'s namesake, Baroness Nica de Koenigswarter -- were replaced by those of a writer for Rolling Stone magazine. This is prime Monk for any degree of listener.

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 Reseña de Lindsay Planer
Criss-Cross, el segundo álbum de Thelonious Monk para Columbia Records, contiene algunos de los mejores trabajos que Monk realizó en el estudio con su trío y cuarteto de los 60. Ya sea revisando estándares pop o reinventando las propias composiciones clásicas de Monk, éste y Charlie Rouse (saxo tenor), John Ore (bajo) y Frankie Dunlop (batería) intercambian poderosas ideas musicales, además de proporcionar potentes solos a lo largo del disco. De forma adecuada, "Hackensack" -una frenética composición original- abre el disco demostrando la fuerza del líder de la banda en un entorno de cuarteto. El sólido apoyo rítmico del trío hace que Monk desate interminables cascadas de inflexiones percusivas y embriagadoras progresiones de acordes. El corte que da título al disco también refleja la capacidad de los cuatro músicos para mantener complejidades melódicas que a veces son tan exigentes que parece cruel que Monk esperara que un músico de cualquier calibre las llevara a cabo. "Tea for Two" muestra el aprecio de Monk por el gran estilo de piano de James P. Johnson y Willie "The Lion" Smith. El arreglo aquí es más ligero, y cuenta con un trío (menos Rouse) para acentuar en lugar de bromear con las salpicaduras de magnificencia de Monk en todo momento. Asimismo, el solo de Monk en "Don't Blame Me" es excelente. Los largos recorridos por el teclado no pueden sino reiterar la tremenda deuda de gratitud que tiene con los pianistas originales de principios del siglo XX. El disco compacto de 1993 de Criss-Cross suena muy bien y añade una versión de "Pannonica" que no se había publicado en su momento. Sin embargo, por desgracia, las notas de presentación utilizadas originalmente en la carátula del álbum, escritas por la homónima de "Pannonica", la baronesa Nica de Koenigswarter, fueron sustituidas por las de un escritor de la revista Rolling Stone. Es un disco de Monk de primera calidad para cualquier tipo de oyente.

Thelonious Monk & Sonny Rollins • Thelonious Monk & Sonny Rollins

 

 Since a 50th Anniversary edition of this recording was released only several years ago, it's possible that this recent RVG edition was seen by the parent company, Concord, as an opportunity to capitalize on the success—critical and popular—of the Monk/Coltrane Carnegie Hall concert (Blue Note, 2005). Regardless, this early meeting of masters, while yielding music of undeniable historical significance and timeless interest, is no match for the later one.

To begin with, the title is deceptive. Rollins and Monk play together on three of the five tracks on the album, which comprises three separate sessions recorded between November 1953 and September 1954. On the opening "Way You Look Tonight Monk's solo is a mere half chorus—played in a fairly conventional bebop style. This leaves but two tunes, "I Want to Be Happy and "Friday the 13th, on which the two strong musical personalities seek to negotiate a happy result.

The proceedings are enjoyable, frequently original and illuminating, but not as miraculous as some reviews of earlier editions have suggested. It's instructive to hear the "real" Monk emerge on "Happy," allowing the beat to establish itself before he plays off of and around it, making the piano another polyrhythmic, percussive voice—as opposed to a solo voice accompanied by rhythm section or simply another member of the accompanying team itself.

The individualist/pianist solos for three choruses, each discretely original in conception and execution. After a chorus of connected, seamless lines played in the middle register, he leaps to the upper register for the second chorus, jabbing dissonant chord clusters at irregular intervals in the unfilled space. The third chorus finds him relinquishing his left hand to its independent devices while maintaining an elliptical melody in the right. Always an authoritative solo voice, Rollins seems emboldened by Monk's example, playing with unmistakable conviction, especially compared to his work on an earlier session like Miles Davis' Diggin' (Prestige, 1951), where the tenorist clearly was aiming to make an impression.

Still, after hearing the Monk/Coltrane concert this encounter is inescapably anticlimactic. Rollins, whose playing anticipates some of the melodic/rhythmic characteristics of his successor Charlie Rouse, lacks the light articulations and responsive quickness of the less-renowned player. Compared to Rouse's sportive playfulness, the tenor colossus sounds somewhat heavy and ponderous in Monk country. On the other hand, Coltrane's intensity meshes with Monk's whimsy because the piano "grounds the rapturous, altissimo flights of the tenor saxophone, as though Monk's insistent harmonies and unyielding time are the falconer around which the falcon's gyres are free to expend themselves without spiraling out of control.

Julius Watkins adds his solo voice for Monk's extended and challenging (certainly for the listener) four-bar composition, "Friday the 13th, and the album is rounded out by the two trio numbers which, though they include Blakey, aren't the equal of the later dialog between the pianist and the percussionist on Art Blakey's Jazz Messengers with Thelonious Monk (Atlantic, 1957)—a fascinating and lively, yet ultimately one-sided conversation that might just as well have been titled "The Thelonious Monk Quintet."

https://www.allaboutjazz.com/thelonious-monk-sonny-rollins-thelonious-monk-prestige-records-review-by-samuel-chell.php

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 Dado que la edición del 50 aniversario de esta grabación fue lanzada hace sólo varios años, es posible que esta reciente edición de RVG fuera vista por la compañía matriz, Concord, como una oportunidad para capitalizar el éxito -crítico y popular- del concierto de Monk/Coltrane Carnegie Hall (Blue Note, 2005). A pesar de todo, este primer encuentro de maestros, si bien produce una música de innegable importancia histórica e interés intemporal, no es rival para el posterior.

Para empezar, el título es engañoso. Rollins y Monk tocan juntos en tres de los cinco temas del álbum, que comprende tres sesiones separadas grabadas entre noviembre de 1953 y septiembre de 1954. En la apertura "Way You Look Tonight Monk's solo es un mero medio coro, interpretado en un estilo de bebop bastante convencional. Esto deja sólo dos temas, "I Want to Be Happy" y "Friday the 13th", en los que las dos fuertes personalidades de la música buscan negociar un resultado feliz.

Las actas son amenas, a menudo originales e iluminadoras, pero no tan milagrosas como han sugerido algunas reseñas de ediciones anteriores. Es instructivo escuchar al Monje "real" emerger sobre "Happy", permitiendo que el ritmo se establezca antes de tocar y alrededor de él, convirtiendo al piano en otra voz polirrítmica y percusiva, a diferencia de una voz solista acompañada de una sección rítmica o simplemente de otro miembro del equipo de acompañamiento.

Los solos individualistas/pianistas de tres coros, cada uno discretamente original en su concepción y ejecución. Después de un coro de líneas conectadas y sin fisuras tocadas en el registro medio, salta al registro superior para el segundo coro, golpeando grupos de acordes disonantes a intervalos irregulares en el espacio sin llenar. El tercer estribillo lo encuentra cediendo su mano izquierda a sus dispositivos independientes mientras mantiene una melodía elíptica en la derecha. Siempre una voz solista autoritaria, Rollins parece envalentonado por el ejemplo de Monk, jugando con una convicción inconfundible, especialmente en comparación con su trabajo en una sesión anterior como la de Miles Davis' Diggin' (Prestige, 1951), en la que el tenorista claramente intentaba causar una impresión.

Sin embargo, después de escuchar el concierto de Monk/Coltrane, este encuentro es ineludiblemente anticlimático. Rollins, cuya interpretación anticipa algunas de las características melódicas y rítmicas de su sucesor Charlie Rouse, carece de las ligeras articulaciones y de la rapidez de respuesta del intérprete menos conocido. Comparado con la juguetonería deportiva de Rouse, el tenor coloso suena algo pesado y pesado en el país de los monjes. Por otro lado, la intensidad de Coltrane se entremezcla con el capricho de Monk porque el piano "fundamenta los alegres y altisimos vuelos del saxofón tenor, como si las insistentes armonías de Monk y el tiempo inflexible fueran el halconero alrededor del cual las gyres de los halcones son libres de gastar su tiempo sin perder el control".

Julius Watkins añade su voz solista para la extensa y desafiante composición de cuatro compases de Monk, "Viernes 13, y el álbum se completa con los dos números de trío que, aunque incluyen a Blakey, no son iguales al diálogo posterior entre el pianista y el percusionista de Art Blakey's Jazz Messengers con Thelonious Monk (Atlantic, 1957), una conversación fascinante y animada, aunque en última instancia, de un solo lado que podría haberse titulado "The The The Thelonious Monk Quintet".

https://www.allaboutjazz.com/thelonious-monk-sonny-rollins-thelonious-monk-prestige-records-review-by-samuel-chell.php

VA • The Hard Bop Years - Rudy Van Gelder Masters

 

Compilation of RVG's masters, 99 tracks.

Art Blakey, Grant Green, Wayne Shorter, Bobby Hutcherson, Kenny Burrell, Cannonball Adderley, Ike Quebec, Jimmy Smith, Joe Henderson, Horace Silver, Sonny Rollins, Clifford Jordan, Blue Mitchell, Thelonious Monk, J.J. Johnson, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Lou Donaldson, Dexter Gordon, Stanley Turrentine ...

Thelonious Monk • Thelonious Monk Trio

 

Review
by Ronnie D. Lankford, Jr.
Any Thelonious Monk album that kicks off with a seven-minute version of "Blue Monk" is worth listening to. Backed alternately by bassists Percy Heath and Gary Mapp and drummers Art Blakey and Max Roach, Monk unleashes his idiosyncratic piano lines against a spare backdrop. Beautifully rendered, the opening piece is a highlight of the album, oddly combining disharmonic riffs within a melodic and very memorable structure. It's followed, surprisingly, by a rather tepid version of "Just a Gigolo," more lounge than jazz in execution. The set picks up again, however, on "Bemsha Swing" and later with a noisy "Little Rootie Tootie," another fascinating study in dissonance with some great drum work by Blakey. Because the album was pieced together from three different sessions, it's often difficult to identify the supporting players on individual cuts. Nonetheless, the small settings used on all ten pieces feature intricate interplay between bass, drums, and piano. They allow the necessary space for Monk's explorations, which conjure up images of a mathematician working out geometric patterns on the keyboard. While mathematical music may sound a bit cold and soulless, pieces like "Monk's Dream" and "Trinkle, Tinkle" evoke a sublime beauty as they build order out of chaos. Intimate, intense, and inspired, Thelonious Monk Trio offers 35 minutes of professional musicians practicing their craft.
https://www.allmusic.com/album/thelonious-monk-trio-mw0000658116

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Revista
por Ronnie D. Lankford, Jr.
Merece la pena escuchar cualquier álbum de Thelonious Monk que comience con una versión de siete minutos de "Blue Monk". Respaldado alternativamente por los bajistas Percy Heath y Gary Mapp y los baterías Art Blakey y Max Roach, Monk da rienda suelta a sus idiosincrásicas líneas de piano sobre un fondo sobrio. Bellamente interpretada, la pieza inicial es uno de los puntos álgidos del álbum, combinando extrañamente riffs disarmónicos dentro de una estructura melódica y muy memorable. Le sigue, sorprendentemente, una versión más bien tibia de "Just a Gigolo", más lounge que jazz en su ejecución. Sin embargo, el conjunto se anima de nuevo con "Bemsha Swing" y más tarde con una ruidosa "Little Rootie Tootie", otro fascinante estudio de la disonancia con un gran trabajo de batería por parte de Blakey. Debido a que el álbum se recopiló a partir de tres sesiones diferentes, a menudo es difícil identificar a los músicos de apoyo en los distintos cortes. No obstante, las pequeñas configuraciones utilizadas en las diez piezas presentan una intrincada interacción entre el bajo, la batería y el piano. Permiten el espacio necesario para las exploraciones de Monk, que evocan imágenes de un matemático elaborando patrones geométricos en el teclado. Aunque la música matemática pueda sonar un poco fría y desalmada, piezas como "Monk's Dream" y "Trinkle, Tinkle" evocan una belleza sublime al construir el orden a partir del caos. Íntimo, intenso e inspirado, Thelonious Monk Trio ofrece 35 minutos de músicos profesionales practicando su oficio.
https://www.allmusic.com/album/thelonious-monk-trio-mw0000658116

Dizzy Gillespie • Verve Jazz Masters 10

 

Thelonious Monk • The Very Best

 

Thelonious Monk • The Classic Quartet

 

www.theloniousmonkmusic.com ...

Thelonious Monk • 'Round Midnight and Other Jazz Classics

 

www.theloniousmonkmusic.com ...

Thelonious Monk • Underground

 

Monk siempre fue un músico extremadamente vanguardista, en su música, en su concepto de la melodía, e incluso en su forma de vida. La portada de este álbum —premiada por un Grammy— nos orienta sobre la música que contiene. Una llamada a la juventud neoyorquina para que busquen en el jazz, la forma de dar cauce a esa subcultura urbana que empobrece la vida de muchos jóvenes. La portada del álbum muestra a Monk como un revolucionario francés de la Segunda Guerra Mundial que porta un arma automática contra los nazis, y a uno de ellos, un oficial de las SS, lo representa atado en una silla.

“Underground”, fue el penúltimo álbum de estudio de Monk, así como su último trabajo con su célebre cuarteto — Charlie Rouse (saxo tenor), Ben Riley (batería) y Larry Gales (bajo)—, de los años sesenta. La notoriedad aquí, de la presencia de Charlie Rouse a lo largo del álbum es ciertamente digna de mención. Existía una relación especial entre el saxofonista y el pianista; ambos se entendían en el escenario a las mil maravillas. Underground», es un álbum clave en la discografía de Monk.
https://apoloybaco.com/jazz/thelonious-monk-underground/

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Underground is one of Thelonious Monk’s most distinctive late-career recordings, released in 1968 and widely recognized for its iconic cover art as well as its adventurous, hard-bop-rooted music. The album features Monk’s long-standing quartet with Charlie Rouse, Larry Gales, and Ben Riley—an ensemble renowned for its deep rapport and rhythmic precision.

The program highlights Monk’s unmistakable compositional voice with pieces like “Thelonious,” “Ugly Beauty,” and “Green Chimneys,” while the spirited rendition of “In Walked Bud,” featuring Jon Hendricks on vocals, adds a vibrant twist. Remastered from the original tapes and pressed on 180g vinyl, this edition captures the clarity and momentum of one of Monk’s essential late works.
https://www.jazzmessengers.com/es/83749/thelonious-monk/underground


 

VA • Blue Note 101 Jazz Icons

 

Review by Gregory Heaney
Blue Note Records has been home to some of the greatest names in jazz, and with its Blue Note 101 series, the storied label has been looking to introduce a whole new crop of listeners to some of the legendary artists on its roster with a series of introductory compilations. On Blue Note 101: Jazz Icons, the series gets to the real meat of the jazz world with a collection featuring some of the most influential names in the genre. Featuring tracks like Thelonious Monk's manic "Four in One" and John Coltrane's smoothly propulsive "Moment's Notice," the compilation will set new listeners down the path of enlightenment toward a cooler tomorrow. 
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

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Reseña de Gregory Heaney
Blue Note Records ha sido el hogar de algunos de los grandes nombres del jazz, y con su serie Blue Note 101, el histórico sello busca presentar a una nueva generación de oyentes algunos de los artistas legendarios de su catálogo con una serie de recopilatorios introductorios. En Blue Note 101: Jazz Icons, la serie llega a la esencia del mundo del jazz con una colección que incluye a algunos de los nombres más influyentes del género. Con temas como el frenético "Four in One" de Thelonious Monk y el ágil "Moment's Notice" de John Coltrane, el recopilatorio guiará a los nuevos oyentes hacia un futuro más prometedor.
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

Thelonious Monk • The Best Of Remastered

 

VA • Be-Bop And Post Bop

 

Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Bud Powell, J.J. Johnson, Wardell Gray, Stan Getz, Lennie Tristano, Thelonious Monk, Gerry Mulligan, Charles Mingus, Clifford Brown, Art Blakey, Miles Davis.