VA • Blue Note 101 Jazz And Coffee

 

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VA • Blue Note 101 Jazz Icons

 

Review by Gregory Heaney
Blue Note Records has been home to some of the greatest names in jazz, and with its Blue Note 101 series, the storied label has been looking to introduce a whole new crop of listeners to some of the legendary artists on its roster with a series of introductory compilations. On Blue Note 101: Jazz Icons, the series gets to the real meat of the jazz world with a collection featuring some of the most influential names in the genre. Featuring tracks like Thelonious Monk's manic "Four in One" and John Coltrane's smoothly propulsive "Moment's Notice," the compilation will set new listeners down the path of enlightenment toward a cooler tomorrow. 
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

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Reseña de Gregory Heaney
Blue Note Records ha sido el hogar de algunos de los grandes nombres del jazz, y con su serie Blue Note 101, el histórico sello busca presentar a una nueva generación de oyentes algunos de los artistas legendarios de su catálogo con una serie de recopilatorios introductorios. En Blue Note 101: Jazz Icons, la serie llega a la esencia del mundo del jazz con una colección que incluye a algunos de los nombres más influyentes del género. Con temas como el frenético "Four in One" de Thelonious Monk y el ágil "Moment's Notice" de John Coltrane, el recopilatorio guiará a los nuevos oyentes hacia un futuro más prometedor.
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

Donald Byrd • Birdhouse

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

VA • The Best Blue Note Album In The World Ever

 

The perfect introduction to jazz by the genre's most legendary record label! This album is a great introduction to the Blue Note label and their incredible library of music, in fact there are probably enough great Blue Note tunes for another equally good compilation - New jazz converts will appreciate being able to use this as an introduction to the various artists.

With 20 classic tracks included on the two discs there is plenty of music to keep your fingers tapping - The songs are thoughtfully chosen and ordered so that it feels less like a compilation album and more like a mix - This means that even more seasoned jazz listeners will appreciate being able to slip in a couple of discs and get a couple of hours of great music without having to try and create their own mix

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Soul Flutes • Trust In Me

Review
by Richard S. Ginell 

This is a sneaky one. Probably because Herbie Mann was under contract to Atlantic at the time, producer Creed Taylor completely omits Mann's name on the jacket and liner (A&M's Glory Of Love, by contrast, was put out as a Mann LP) and put this out under the pseudonym "Soul Flutes." The liner notes obliquely refer to a mysterious headliner known only as the Fluteman, but it's easy to tell that Mann is the flutist on this LP, backed now and then by a small choir of two to four "ghost" flutes. At any rate, it's a pretty good series of sessions, with Don Sebesky scoring subtly for the flute ensemble, Eric Gale adding his distinctive rhythm and solo guitar, and the usual A&M/CTI rhythm section of Herbie Hancock, Ron Carter and Grady Tate providing impeccable support. The tracks are short, made for airplay (some were actually heard on the air), best when translating calypso ("Day-O"), creating a golden mellow vision of "Early Autumn," or doing a rollicking turn on a country & western tune "Buckaroo" (though it fades out just as Herbie really gets rolling). Maybe one day, A&M's current custodians at PolyGram will see fit to re-release this music under its headliner's rightful name.

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Reseña:

Este es un engaño. Probablemente porque Herbie Mann estaba bajo contrato con Atlantic en ese momento, el productor Creed Taylor omite completamente el nombre de Mann en la chaqueta y el forro (Glory Of Love de A&M, por el contrario, se publicó como un LP de Mann) y publicó esto bajo el seudónimo de "Soul Flutes". Las notas del forro se refieren oblicuamente a un misterioso titular conocido sólo como el Fluteman, pero es fácil decir que Mann es el flautista en este LP, respaldado de vez en cuando por un pequeño coro de dos a cuatro flautas "fantasma". En cualquier caso, es una serie de sesiones bastante buena, con Don Sebesky anotando sutilmente para el conjunto de flautas, Eric Gale añadiendo su distintivo ritmo y guitarra solista, y la habitual sección rítmica A&M/CTI de Herbie Hancock, Ron Carter y Grady Tate proporcionando un apoyo impecable. Los temas son cortos, hechos para ser tocados en el aire (algunos se escucharon en el aire), mejor cuando se traduce el calypso ("Day-O"), creando una visión dorada y melodiosa de "Early Autumn", o haciendo un giro alegre en una melodía country & western "Buckaroo" (aunque se desvanece justo cuando Herbie se pone a tocar). Tal vez algún día, los actuales custodios de A&M en PolyGram consideren oportuno relanzar esta música bajo el nombre que le corresponde.

por Richard S. Ginell 

Herbie Hancock & Wayne Shorter • 1+1

 

Bobby Hutcherson • Components

 

Review
by Steve Huey  
Perhaps the single album that best sums up Bobby Hutcherson's early musical personality, Components is appropriately split into two very distinct halves. The first features four Hutcherson originals in a melodic but still advanced hard bop style, while the latter half has four free-leaning avant-garde pieces by drummer Joe Chambers. Hutcherson allots himself more solo space than on Dialogue, but that's no knock on the excellent supporting cast, which includes Herbie Hancock on piano, James Spaulding on alto sax and flute, Freddie Hubbard on trumpet, and Ron Carter on bass. It's just more Hutcherson's date, and he helps unite the disparate halves with a cool-toned control that's apparent regardless of whether the material is way outside or more conventionally swinging. In the latter case, Hutcherson's originals are fairly diverse, encompassing rhythmically complex hard bop (the title track), pensive balladry ("Tranquillity," which features a lovely solo by Hancock), down-and-dirty swing ("West 22nd Street Theme"), and the gaily innocent "Little B's Poem," which went on to become one of Hutcherson's signature tunes and contains some lyrical flute work from Spaulding. The Chambers pieces tend to be deliberate explorations that emphasize texture and group interaction in the manner of Dialogue, except that there's even more freedom in terms of both structure and tonal center. (The exception is the brief but beautiful closing number, "Pastoral," an accurate title if ever there was one.) Components illustrated that Hutcherson was not only the most adventurous vibes player on the scene, but that he was also capable of playing more straightforward music with intelligence and feeling.
https://www.allmusic.com/album/components-mw0000624439

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Reseña
por Steve Huey  
Quizás el álbum que mejor resume la personalidad musical de Bobby Hutcherson, Components está dividido en dos partes bien diferenciadas. La primera presenta cuatro temas originales de Hutcherson en un estilo hard bop melódico pero avanzado, mientras que la segunda mitad contiene cuatro piezas vanguardistas de estilo libre del batería Joe Chambers. Hutcherson se concede más espacio como solista que en Dialogue, pero eso no es un desprecio al excelente elenco de apoyo, que incluye a Herbie Hancock al piano, James Spaulding al saxo alto y la flauta, Freddie Hubbard a la trompeta y Ron Carter al bajo. Es simplemente más la cita de Hutcherson, y él ayuda a unir las dispares mitades con un control de tono frío que es evidente independientemente de si el material es muy fuera o más convencionalmente swing. En este último caso, los originales de Hutcherson son bastante diversos, abarcando hard bop rítmicamente complejo (el tema que da título al disco), baladas pensativas ("Tranquillity", que cuenta con un precioso solo de Hancock), swing sucio ("West 22nd Street Theme"), y el alegremente inocente "Little B's Poem", que se convirtió en uno de los temas emblemáticos de Hutcherson y contiene un lírico trabajo de flauta de Spaulding. Las piezas de Chambers tienden a ser exploraciones deliberadas que enfatizan la textura y la interacción de grupo a la manera de Dialogue, excepto que hay incluso más libertad en términos tanto de estructura como de centro tonal. (La excepción es el breve pero hermoso número final, "Pastoral", un título acertado donde los haya). Components demostró que Hutcherson no sólo era el intérprete de vibráfono más aventurero de la escena, sino que también era capaz de tocar música más sencilla con inteligencia y sentimiento.
https://www.allmusic.com/album/components-mw0000624439

Herbie Hancock & Oscar Peterson • New York 1982 (Live 1972)

 

Donald Byrd • Blackjack

 

Review
by Scott Yanow
One of three Donald Byrd albums from 1967 (the end of his hard bop period), this recording features the trumpeter/leader with altoist Sonny Red, tenor saxophonist Hank Mobley, pianist Cedar Walton, bassist Walter Booker, and drummer Billy Higgins. The six tunes (five of which are originals by Byrd or Red) are all quite obscure and to one extent or another quite explorative. One can sense that Byrd wanted to break through the boundaries and rules of hard bop but had not yet decided on his future directions. The music does swing and highlights include "West of the Pecos" and "Beale Street"; Byrd and Red in particular are in excellent form throughout the date.
https://www.allmusic.com/album/blackjack-mw0000032341

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Reseña
por Scott Yanow
Uno de los tres álbumes de Donald Byrd de 1967 (el final de su periodo hard bop), esta grabación presenta al trompetista/líder con el contralto Sonny Red, el saxofonista tenor Hank Mobley, el pianista Cedar Walton, el bajista Walter Booker y el batería Billy Higgins. Los seis temas (cinco de los cuales son originales de Byrd o Red) son todos bastante oscuros y, en una u otra medida, bastante exploratorios. Se puede intuir que Byrd quería romper los límites y las reglas del hard bop, pero aún no había decidido su futuro. La música tiene swing y entre las canciones más destacadas se encuentran "West of the Pecos" y "Beale Street"; Byrd y Red, en particular, están en excelente forma durante todo el disco.
https://www.allmusic.com/album/blackjack-mw0000032341

Herbie Hancock • Jazz Workshop Boston 1973 [Live]

 

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Cal Tjader • Hip Vibrations

Tjader's group is augmented by a brass section featuring such heavyweights as J.J. Johnson and Marvin Stamm. Herbie Hancock's on piano, Ron Carter and Richard Davis alternate on bass, Ray Barretto is on conga and Benny Golson arranged most of the tracks.

The brass gives the 'Tjader sound' an additional kick, while the typical Verve formula is retained with a mixture of jazz standards and pop hits of the day. Highlights are a feel-good version of Windy, which adapts perfectly to the latin jazz treatment, a nice arrangement with some Brazilian percussion for the Baden Powell/Vinicius de Moraes standard Canto de Ossanha and some great soloing from Hancock on the longer pieces Django and Blues March.

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El grupo de Tjader se amplía con una sección de latón que incluye a pesos pesados como J.J. Johnson y Marvin Stamm. Herbie Hancock está en el piano, Ron Carter y Richard Davis se alternan en el bajo, Ray Barretto está en la conga y Benny Golson arregló la mayoría de los temas.

Los metales le dan al 'sonido Tjader' un toque adicional, mientras que la fórmula típica de Verve se mantiene con una mezcla de estándares de jazz y éxitos pop del día. Lo más destacado es una versión para sentirse bien de Windy, que se adapta perfectamente al tratamiento del jazz latino, un bonito arreglo con algo de percusión brasileña para el Canto de Ossanha del estándar de Baden Powell/Vinicius de Moraes y algunos grandes solos de Hancock en las piezas más largas Django y Blues March.

 

 

Herbie Hancock • Crossings

 

Richard S. Ginell
With the frenzied knocking of what sounds like a clock shop gone berserk, Crossings takes the Herbie Hancock Sextet even further into the electric avant-garde, creating its own idiom. Now, however, the sextet has become a septet with the addition of Dr. Patrick Gleeson on Moog synthesizer, whose electronic decorations, pitchless and not, give the band an even spacier edge. Again, there are only three tracks -- the centerpiece being Hancock's multi-faceted, open-structured suite in five parts called "Sleeping Giant." Nearly 25 minutes long yet amazingly cohesive, "Sleeping Giant" gathers a lot of its strength from a series of funky grooves -- the most potent of which explodes at the tail-end of Part Two -- and Hancock's on-edge Fender Rhodes electric piano solos anticipate his funk adventures later in the '70s. Bennie Maupin's "Quasar" pushes the session into extraterrestrial territory, dominated by Gleeson's wild Moog effects and trumpeter Eddie Henderson's patented fluttering air trumpet. Even stranger is Maupin's "Water Torture," which saunters along freely with splashes of color from Hancock's spooky Mellotron and fuzz-wah-pedaled Fender Rhodes piano, Gleeson's electronics, and a quintet of voices. Still a challenging sonic experience, this music (which can be heard on Warners' Mwandishi two-CD set) has yet to find its audience, though the electronica-minded youth ought to find it dazzling.
https://www.allmusic.com/album/crossings-mw0000454536

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Richard S. Ginell
Con el frenético golpeteo de lo que suena como una relojería enloquecida, Crossings lleva al Herbie Hancock Sextet aún más lejos en la vanguardia eléctrica, creando su propio lenguaje. Ahora, sin embargo, el sexteto se ha convertido en un septeto con la incorporación del Dr. Patrick Gleeson al sintetizador Moog, cuyas decoraciones electrónicas, sin tono o no, dan a la banda un toque aún más espacial. De nuevo, sólo hay tres temas -- la pieza central es la polifacética suite de estructura abierta en cinco partes de Hancock llamada "Sleeping Giant". Con una duración de casi 25 minutos y una cohesión asombrosa, "Sleeping Giant" obtiene gran parte de su fuerza de una serie de ritmos funky -el más potente de los cuales explota al final de la segunda parte- y los solos de piano eléctrico Fender Rhodes de Hancock anticipan sus aventuras funk más adelante en los años 70. Quasar" de Bennie Maupin empuja la sesión hacia territorio extraterrestre, dominado por los salvajes efectos Moog de Gleeson y la trompeta de aire aleteante patentada del trompetista Eddie Henderson. Aún más extraña es "Water Torture" de Maupin, que se pasea libremente con salpicaduras de color del espeluznante Mellotron de Hancock y el piano Fender Rhodes con pedal fuzz-wah, la electrónica de Gleeson y un quinteto de voces. Esta música (que puede escucharse en los dos CD de Mwandishi de Warners), que sigue siendo una experiencia sonora desafiante, aún no ha encontrado su público, aunque los jóvenes aficionados a la electrónica deberían encontrarla deslumbrante.
https://www.allmusic.com/album/crossings-mw0000454536

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Grant Green • Blue Note Retrospective

 

Simply put, this is a very decent four-disc collection of the work of guitarist Grant Green. It features tracks from his many albums as a leader and some as a sideman with others, such as Lee Morgan, John Patton, Baby Face Willette, and Sonny Clark. His early-’60s sides are here along with most of his defining cuts from the ’60s, from hard bop to soul-jazz to ballads to gospel — everything most fans would ever want is here, including his late blues sides recorded in the bars of Detroit in 1970. While Green’s own albums can never be replaced, this is a solid portrait of one of the most influential jazz guitarists in history.
 

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En pocas palabras, esta es una muy decente colección de cuatro discos del trabajo del guitarrista Grant Green. Presenta temas de sus muchos álbumes como líder y algunos como acompañante de otros, como Lee Morgan, John Patton, Baby Face Willette y Sonny Clark. Sus lados de principios de los 60 están aquí junto con la mayoría de sus cortes definitorios de los 60, desde el hard bop al soul-jazz a las baladas y al gospel - todo lo que la mayoría de los fans querría está aquí, incluyendo sus lados de blues tardío grabados en los bares de Detroit en 1970. Aunque los álbumes de Green nunca podrán ser reemplazados, este es un sólido retrato de uno de los guitarristas de jazz más influyentes de la historia.
 
 

VA • Walk On The Wild Side, The Jazz Side Of Mod

 

 

King Curtis, Bill Doggett, Herbie Mann, Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Herbie Hancock, Brother Jack McDuff, Quincy Jones, Wayne Shorter, Booker T. & The MG's, Mel Torme,

Miles Davis Quintet • Milano 1964

 

Wes Montgomery • Goin' Out of My Head

Artist Biography

Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.

https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery

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Biografía del artista

Nacido en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos (donde también murió de un ataque al corazón en 1968), Montgomery provenía de una familia de músicos, en la que sus hermanos, Monk (bajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender de oído melodías complejas y riffs. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Junto con el uso de octavas (tocando la misma nota en dos cuerdas separadas por una octava) por lo que es ampliamente conocido, Montgomery fue también un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de sus solos de una sola nota, octava y acorde de bloque. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery desplumó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando las pulsaciones hacia abajo para notas simples y una combinación de pulsaciones hacia arriba y hacia abajo para acordes y octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía una mazorca en el pulgar, lo que le dio ese punto a su sonido. Obtenía un sonido para las partes blandas, y luego ese punto usando el maíz. Por eso nadie podrá igualar a Wes. Y su pulgar estaba doblemente articulado. Podía doblarlo todo para tocarse la muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente".

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson fabricó para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador a válvulas, a menudo un Fender. En sus últimos años tocó un Standel.

Montgomery realizó una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en grabaciones de este período. Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluyó a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, quien hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones hechas por Montgomery y sus hermanos entre 1957 y 1959 fueron editadas por el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959, Montgomery fue fichado por el sello Riverside Records y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la empresa quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son ampliamente consideradas por los aficionados y los historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como un cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum contenía una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, generalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve produjo varios álbumes donde fue presentado con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a cambiar hacia el territorio de la música pop. Una excepción notable es el Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos apariciones memorables en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes continuó tocando la guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En ella, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para riffar, creando un concepto holístico de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las canciones de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Para cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, había abandonado totalmente el jazz directo de su carrera anterior por el mercado pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su periodo A&M (1967-68) incluyen interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos aficionados y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias, incluyendo: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock'n' Roll, Soul, y Rhythm and Blues[se necesitan citas] Muchos compositores y compositores le han escrito tributos musicales, incluyendo a Stevie Wonder y Eric Johnson. 

https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery

VA • Chilled Bossa Nova

Quincy Jones, George Benson, Les McCann, Stan Getz, Sergio Mendes, Ramsey Lewis, Coleman Hawkins, Sarah Vaughan, Cal Tjader, Antonio Carlos Jobim, Wes Montgomery, Milt Jackson, Donald Byrd, Stanley Turrentine, Herbie Hancock, Dizzy Gillespie, Lalo Schifrin, Oscar Peterson, Kenny Dorham ...

Wah Wah Watson • Elementary

 

Biography
by Ron Wynn
Another prolific session guitarist well respected by musicians but generally unknown to the listening public, Melvin Ragin, aka Wah Wah Watson, played on countless sessions. Born in Richmond, Virginia in December 1950, Ragin/Watson moved to Detroit and became a member of the Motown label's legendary studio band known as the Funk Brothers. He played with and/or contributed material to the recordings of the Temptations, the Jackson 5, the Supremes, the Four Tops, and Gladys Knight & the Pips, as well as Michael Jackson, Pharoah Sanders, Donald Byrd, Herbie Hancock, Billy Preston, and Evelyn King, among many others. He died in Santa Monica, California in October 2018 at the age of 67.
https://www.allmusic.com/artist/wah-wah-watson-mn0000225971/biography

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Biografía
por Ron Wynn
Melvin Ragin, alias Wah Wah Watson, otro prolífico guitarrista de sesión muy respetado por los músicos pero generalmente desconocido para el público, tocó en innumerables sesiones. Nacido en Richmond, Virginia, en diciembre de 1950, Ragin/Watson se trasladó a Detroit y se convirtió en miembro de la legendaria banda de estudio del sello Motown, conocida como los Funk Brothers. Tocó y/o contribuyó con material a las grabaciones de los Temptations, los Jackson 5, las Supremes, los Four Tops y Gladys Knight & the Pips, así como de Michael Jackson, Pharoah Sanders, Donald Byrd, Herbie Hancock, Billy Preston y Evelyn King, entre muchos otros. Falleció en Santa Mónica, California, en octubre de 2018 a los 67 años.
https://www.allmusic.com/artist/wah-wah-watson-mn0000225971/biography

Paul Desmond • Summertime

 

Review by Richard S. Ginell
In the midst of lolling away his time in semi-retirement after the Dave Brubeck Quartet broke up in 1967, Paul Desmond allowed himself to be lured back into the recording studio by producer Creed Taylor, who knew exactly what to do with his idle, but by no means spent, alto player. The result is a beautifully produced, eclectic album of music that revives Desmond's "bossa antigua" idea and sends it in different directions, directly toward Brazil and various Caribbean regions, as well as back to the jazzy States. "Samba With Some Barbecue" is a marvelous bossa nova treatment of Louis Armstrong's New Orleans rouser "Struttin' With Some Barbecue," whose opening bars bear an uncanny resemblance to those of "Samba de Orpheus" (which the erudite Desmond was no doubt aware of). No matter how many times you've heard "Autumn Leaves," Desmond's bossa nova treatment will give you a fresh jolt as he offhandedly tosses off the most exquisitely swinging ruminations; too bad it fades after only three minutes. In a pliable mood, Desmond even consents to record a then-new Beatles tune, "Ob-La-Di, Ob-La-Da," samba-style, quoting "Hey Jude" along the way (it's very possible that he was attracted by the main character of the lyric, a fellow named Desmond), and he makes potent music out of movie tunes like "Emily" and even the snazzy "Lady in Cement." Don Sebesky brings in some intelligently crafted arrangements for big band augmented by French horns, Herbie Hancock turns in some often brilliant solo work in several featured spots, Ron Carter is on bass, and Leo Morris and Airto Moreira alternate on drums. Never before had Desmond's alto been recorded so ravishingly -- Rudy Van Gelder's engineering gives it a new golden-mellow glow -- and the original LP had a great, sarcastic cover: gleaming icicles.

 

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Reseña de Richard S. Ginell
En medio de su tiempo de semi-retiro tras la disolución del Dave Brubeck Quartet en 1967, Paul Desmond se dejó atraer de nuevo al estudio de grabación por el productor Creed Taylor, que sabía exactamente qué hacer con su ocioso, pero en absoluto gastado, contralto. El resultado es un álbum ecléctico y bellamente producido que revive la idea de la "bossa antigua" de Desmond y la envía en diferentes direcciones, directamente hacia Brasil y varias regiones del Caribe, así como de vuelta a los Estados Unidos del jazz. "Samba With Some Barbecue" es una maravillosa versión bossa nova de la canción de Louis Armstrong "Struttin' With Some Barbecue", cuyos primeros compases guardan un asombroso parecido con los de la "Samba de Orpheus" (que el erudito Desmond sin duda conocía). No importa cuántas veces hayas escuchado "Autumn Leaves", el tratamiento de la bossa nova de Desmond te dará una nueva sacudida cuando lance las cavilaciones más exquisitamente oscilantes; lástima que se desvanezca después de sólo tres minutos. En un estado de ánimo flexible, Desmond incluso consiente en grabar un tema de los Beatles, "Ob-La-Di, Ob-La-Da", al estilo de la samba, citando de paso "Hey Jude" (es muy posible que se sintiera atraído por el personaje principal de la letra, un tipo llamado Desmond), y hace música potente de melodías de películas como "Emily" e incluso la elegante "Lady in Cement". Don Sebesky aporta algunos arreglos inteligentemente elaborados para la big band, aumentados por las trompas francesas, Herbie Hancock realiza un trabajo en solitario a menudo brillante en varios puntos destacados, Ron Carter está en el bajo, y Leo Morris y Airto Moreira se alternan en la batería. Nunca antes se había grabado el contralto de Desmond de forma tan maravillosa -la ingeniería de Rudy Van Gelder le da un nuevo brillo dorado- y el LP original tenía una portada genial y sarcástica: carámbanos brillantes.

Roy Ayers • Daddy Bug

Review by Scott Yanow

During 1967-1969, vibraphonist Roy Ayers (a few years before he turned to disco music) recorded three excellent albums for Atlantic. This 1976 LP has selections from two of the records, plus a pair of selections ("In the Limelight" and "Virgo Vibes" that were previously unreleased. On the fine sampler, Ayers' sidemen include Herbie Hancock, Joe Henderson, Charles Tolliver, and Ron Carter. "Slow Motion," the latest selection (from Dec. 1969), hints at the commercial direction that Ayers would be emphasizing from 1970 on.

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Traducción Automática:

Review by Scott Yanow

During 1967-1969, vibraphonist Roy Ayers (a few years before he turned to disco music) recorded three excellent albums for Atlantic. This 1976 LP has selections from two of the records, plus a pair of selections ("In the Limelight" and "Virgo Vibes" that were previously unreleased. On the fine sampler, Ayers' sidemen include Herbie Hancock, Joe Henderson, Charles Tolliver, and Ron Carter. "Slow Motion," the latest selection (from Dec. 1969), hints at the commercial direction that Ayers would be emphasizing from 1970 on.