Curtis Fuller & Hampton Hawes • With French Horns

Curtis Fuller un referente del trombón, en un contínuo diálogo entre el corno francés y el saxofón, con un resultado maravilloso.

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Curtis Fuller a reference trombone, in a continuous dialogue between the French horn and saxophone, with a wonderful result.

Ray Anderson • Funkorific

 

Album Notes
With this project, the LAPIS LAZULI BAND, Ray Anderson turns to the blues, and he does it in his own unmistakable way: jazzy, funky, and with a lot of fun. He is congenially assisted by the legendary Amina (Claudine Myers), ex-member in the bands of Anthony Braxton, Charlie Haden, Muhal Richard Abrams, Greg Osby, and Henry Threadgill and formerly prominently featured in Lester Bowie's New York Organ Ensemble. The band is completed by Jerome Harris and Tommy Campbell, both known for their work with Sonny Rollins, and bass player Lonnie Plaxico, once one of the leading figures of the M-Base scene.

About Ray Anderson:
"The most prominent trombonist of his generation." (Gene Seymour, NY Newsday)

"Anderson is a true and total original." (Fred Bouchard, Jazz Times)

"He can laze a loose-limbed legato line with the insouciance of a Vic Dickenson or provide locomotive tailgaiting with the urgency of a Kid Ory, delve into deft vocalization with the fluency of a Mangelsdorff, bend notes bluesily a la Lawrence Brown, or offer a sense of humor amid stuttering articulation reminiscent of Dicky Wells." Art Lange

The mark of a great artist has always been to go beyond technical excellence and impart a personal vision - a sense of style and self-expression that is indelibly his own. Among modern jazz musicians, no one rises to that standard more than trombonist Ray Anderson, whose sublime mastery of the tricks of his trade is equaled by the bountiful spirit he pours into his one-of-a kind sound. The man who wrote If I Ever Had a Home It Was a Slide Trombone, one of his many original compositions, has inhabited every nook and cranny of his horn. Described by critic Gary Giddins as "one of the most compellingly original trombonists," he is by turns a supremely lyrical player and bold texturalist, a warmly natural-sounding soloist and footloose innovator. Broadening the trombone's sonic scope with his extended techniques, brilliantly unconventional use of the plunger mute and demonstrative vocal-like tones, he played a major role in reawakening interest in the instrument in the '80s.

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Traducción Automática:

Notas del álbumCon este proyecto, LAPIS LAZULI BAND, Ray Anderson recurre al blues, y lo hace a su manera inconfundible: jazzy, funky y con mucha diversión. Cuenta con la ayuda de la legendaria Amina (Claudine Myers), ex integrante de las bandas de Anthony Braxton, Charlie Haden, Muhal Richard Abrams, Greg Osby y Henry Threadgill, y anteriormente participó en el New York Organ Ensemble de Lester Bowie. La banda se completa con Jerome Harris y Tommy Campbell, ambos conocidos por su trabajo con Sonny Rollins, y el bajista Lonnie Plaxico, una de las principales figuras de la escena M-Base.Acerca de Ray Anderson:"El trombonista más destacado de su generación". (Gene Seymour, NY Newsday)"Anderson es un verdadero y total original". (Fred Bouchard, Jazz Times)"Puede relajar una línea de legato de extremidades sueltas con la despreocupación de un Vic Dickenson o proporcionar una cola de locomotora con la urgencia de un Kid Ory, adentrarse en la hábil vocalización con la fluidez de un Mangelsdorff, notas de blues a Lawrence Brown, u oferta un sentido del humor en medio de la tartamudez articulación que recuerda a Dicky Wells ". Art LangeLa marca de un gran artista siempre ha sido ir más allá de la excelencia técnica e impartir una visión personal, un sentido del estilo y la autoexpresión que es indeleblemente suyo. Entre los músicos de jazz modernos, nadie se eleva a ese nivel más que el trombonista Ray Anderson, cuyo dominio sublime de los trucos de su oficio se ve igualado por el espíritu generoso que vierte en su sonido único. El hombre que escribió Si alguna vez tuve un hogar, fue un trombón de diapositivas, una de sus muchas composiciones originales, ha habitado todos los rincones y grietas de su cuerno. Descrito por el crítico Gary Giddins como "uno de los trombonistas más convincentes y originales", es, por turno, un jugador sumamente lírico y texturista audaz, un solista calurosamente natural y un innovador en los pies. Ampliando el alcance sonoro del trombón con sus técnicas extendidas, el uso poco convencional del silenciador del émbolo y los tonos vocales demostrativos, desempeñó un papel importante en despertar el interés en el instrumento en los años 80.

rayanderson.org ...
stonybrook.edu/ray_anderson ...

Kai Winding-J.J. Johnson-Bennie Green • Kai And Jay, Bennie Green With Strings

 

Review by Scott Yanow
Two unrelated session are combined on this CD reissue of an LP. Trombonist Bennie Green is heard on four ballads from 1952 while backed by a rhythm section and six strings. However, the more significant selections are eight songs that for the first time matched together trombonists J.J. Johnson and Kai Winding in a quintet. The Johnson and Winding group would be quite popular during the next two years and, listening to the colorful and melodic versions of such tunes as "How Long Has This Been Going On," "Dinner for One," and "We'll Be Together Again," it is easy to see why.
https://www.allmusic.com/album/kai-and-jay-bennie-green-with-strings-mw0000654635

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Reseña de Scott Yanow
Dos sesiones no relacionadas se combinan en esta reedición en CD de un LP. El trombonista Bennie Green se escucha en cuatro baladas de 1952 mientras está respaldado por una sección rítmica y seis cuerdas. Sin embargo, las selecciones más significativas son ocho canciones que por primera vez emparejaron a los trombonistas J. J. Johnson y Kai Winding en un quinteto. El grupo Johnson y Winding sería bastante popular durante los próximos dos años y, escuchando las versiones coloridas y melódicas de canciones como "How Long Has This Been Going On"," Dinner for One " y "We'll Be Together Again", es fácil ver por qué.
https://www.allmusic.com/album/kai-and-jay-bennie-green-with-strings-mw0000654635

Si Zentner • Rhythm Plus Blues

 

Rico Rodriguez • Roots to the bone

  

Bennie Green • The Swingin'est

 

Biography by Ron Wynn
A capable bebop soloist despite his style having firm swing-era roots, Bennie Green was a major trombonist and bandleader in the 1940s, '50s, and '60s. His sound and tone were large and round, and his approach was heavily influenced by traditionalists like Trummy Young. Green's solos were enjoyable and always well-executed, but he was never as ambitious in his playing as latter-day trombonists like J.J. Johnson or Curtis Fuller.

Green had a musical background: one of his brothers played tenor sax with Roy Eldridge's band. He studied at the famous Du Sable High School in Chicago under Capt. Walt Dyett, then began playing professionally with local groups. Budd Johnson recommended Green to Earl Hines in the early '40s, and he worked with Hines until 1948 (except for two-year stint in the Army). Green played with Gene Ammons for a short time, then with Charlie Ventura in the late '40s and early '50s. He toured with Hines again from 1951 until 1953.

Green led his own combo in the '50s and '60s, often playing with either Charlie Rouse or Jimmy Forrest. He also worked with Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin, and Elvin Jones. Green performed and recorded with Duke Ellington in 1968, playing on his second sacred concert. He settled in Las Vegas in the late '60s, working in hotel bands. Green was also featured on recordings made at the Newport in New York festival in the early '70s. He recorded as a leader for Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time, and Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

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Biografía de Ron Wynn
Bennie Green, un solista de bebop capaz a pesar de que su estilo tiene firmes raíces de la era del swing, fue un importante trombonista y director de banda en las décadas de 1940, 1950 y 1960. Su sonido y su tono eran amplios y redondos, y su enfoque estaba muy influenciado por tradicionalistas como Trummy Young. Los solos de Green eran agradables y siempre estaban bien ejecutados, pero nunca fue tan ambicioso en su forma de tocar como los trombonistas de hoy en día, como J.J. Johnson o Curtis Fuller.

Green tenía antecedentes musicales: uno de sus hermanos tocaba el saxo tenor en la banda de Roy Eldridge. Estudió en la famosa Du Sable High School de Chicago con el capitán Walt Dyett, y luego empezó a tocar profesionalmente con grupos locales. Budd Johnson recomendó a Green a Earl Hines a principios de los años 40, y trabajó con Hines hasta 1948 (a excepción de un periodo de dos años en el ejército). Green tocó con Gene Ammons durante un corto periodo de tiempo, y luego con Charlie Ventura a finales de los años 40 y principios de los 50. Volvió a salir de gira con Hines desde 1951 hasta 1953.

Green dirigió su propio combo en los años 50 y 60, a menudo tocando con Charlie Rouse o Jimmy Forrest. También trabajó con Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin y Elvin Jones. Green actuó y grabó con Duke Ellington en 1968, tocando en su segundo concierto sagrado. Se instaló en Las Vegas a finales de los años 60, trabajando en las bandas de los hoteles. Green también apareció en grabaciones realizadas en el festival de Newport, en Nueva York, a principios de los años 70. Grabó como líder para Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time y Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

Bill Harris • The Soul Of Jazz

 

This a rare and dynamic session, recorded by Rudy van Gelder in 1958, features an amazing All Stars cast. Essentially, it showcases Bill Harris playing alongside Joe Wilder, Bobby Jaspar, Pepper Adams, Eddie Costa, George Duvivier and Art Taylor. These musicians truly display the essence of jazz and hence the album’s title is so very appropriate. The sound even though ripped from a well-loved old vinyl still comes across ‘alive and fresh’ even by today’s standards. The concept of this LP is masterminded by the arrangements and conducting skills of Billy Ver Plank. The choices of tunes are very complimentary and blend well, all the while giving the players plenty of room to solo. Well Recommended.

Generally speaking, the men on the date fall into either a late swing or neo-modern period, as to their particular improvisatory allegiances. Yes, all bear the same "pure" approach to their performance of jazz. Bill Harris, veteran trombone star of the 1940's and the Woody Herman band has been a "preaching" jazzman of great fame for many years. Joe wilder, the early modern trumpet star, sparkles here with his growls, his various muses, and that unbelievably pure bell-tone while blowing a modern cascade of notes. Bobby Jaspar, Belgian import who has come to fame with J.J. Johnson and other combos on both tenor and flute, he is a "wailer" who plays in the Coltrane-Sims tradition these days. Pepper Adams, deserving of his nickname, bursts fierily throughout the proceedings. He is a Detroit export who rose to fame with Kenton, and has recently led his own combo in New York City. Eddie Costa, vibist and pianist once again proves his prowess as a tasty and ever-swinging keyboard man. George Duvivier can only be described as a "Rock" in a rhythm section ... with both beat, intonation, and "life" that are impeccable. Art Taylor, a usually intrepid bopper, illustrates his quieter moods here, lapsing into the more normal "popping" style he has become noted for on two tracks. Basically, the tunes are simple harmonic changes, with tried harmony, open voiced for the horns, and usually ending with the traditional "Amen" chord resolution. The solo-work, in almost every case stays fairly close to the simple diatonic harmonies, yet conveying a combined "preaching" and "funky blues" feel. ~ Extract from Liner Notes by H. Alan Stein.

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Esta es una rara y dinámica sesión, grabada por Rudy van Gelder en 1958, con un asombroso elenco de All Stars. En esencia, muestra a Bill Harris tocando junto a Joe Wilder, Bobby Jaspar, Pepper Adams, Eddie Costa, George Duvivier y Art Taylor. Estos músicos muestran la esencia del jazz y por eso el título del álbum es tan apropiado. El sonido, aunque arrancado de un viejo y querido vinilo, sigue siendo "vivo y fresco" incluso para los estándares de hoy en día. El concepto de este LP se basa en los arreglos y la dirección de Billy Ver Plank. La elección de los temas es muy complementaria y se mezclan bien, al tiempo que dan a los músicos mucho espacio para los solos. Bien recomendado.

En general, los hombres de la fecha caen en un período de swing tardío o neomoderno, en cuanto a sus lealtades particulares de improvisación. Sí, todos tienen el mismo enfoque "puro" en su interpretación del jazz. Bill Harris, veterano trombonista de los años 40 y la banda de Woody Herman ha sido un jazzista "predicador" de gran fama durante muchos años. Joe Wilder, la primera estrella de la trompeta moderna, brilla aquí con sus gruñidos, sus diversas musas y ese increíblemente puro tono de campana mientras sopla una moderna cascada de notas. Bobby Jaspar, importado de Bélgica que ha alcanzado la fama con J.J. Johnson y otros combos tanto en tenor como en flauta, es un "llorón" que toca en la tradición de Coltrane-Sims en estos días. Pepper Adams, merecedor de su apodo, irrumpe con fuerza en todo el proceso. Es un exportador de Detroit que saltó a la fama con Kenton, y recientemente ha dirigido su propio combo en la ciudad de Nueva York. Eddie Costa, vibrafonista y pianista demuestra una vez más su destreza como un sabroso teclista. George Duvivier sólo puede ser descrito como un "Rock" en una sección rítmica... con un ritmo, una entonación y una "vida" impecables. Art Taylor, un intrépido bopper, ilustra aquí sus estados de ánimo más tranquilos, cayendo en el estilo más normal de "popping" por el que se ha hecho famoso en dos temas. Básicamente, las melodías son simples cambios armónicos, con armonía probada, voz abierta para las trompas, y generalmente terminan con la tradicional resolución de acordes "Amen". El trabajo en solitario, en casi todos los casos se mantiene bastante cerca de las simples armonías diatónicas, pero transmitiendo una sensación combinada de "predicación" y "funky blues". ~ Extracto de Liner Notes de H. Alan Stein.

Melba Liston • Melba Liston and Her 'Bones

 

Biography
by Scott Yanow

A fine section trombonist, Melba Liston achieved her greatest fame as an arranger, particularly for her projects with Randy Weston. She grew up in California and played with Gerald Wilson's Orchestra starting in 1943. Her most notable recording as a soloist was with Dexter Gordon in 1947. Liston worked with Count Basie (1948-1949), Dizzy Gillespie's big band (1949-1950), and backed Billie Holiday, but then spent a few years outside of music. She toured with and wrote for Dizzy Gillespie's orchestra (1956-1957) and visited Europe with Quincy Jones' big band (1959), staying with that orchestra into 1961. Liston then became a freelance arranger, working on sessions led by Weston, Johnny Griffin, and Milt Jackson, writing for the studios, teaching, and occasionally playing. A serious stroke confined her to a wheelchair from 1985 onward, but Liston still wrote for several latter-day Randy Weston projects in the years prior to her death on April 23, 1999.
https://www.allmusic.com/artist/melba-liston-mn0000404399/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Excelente trombonista de sección, Melba Liston alcanzó su mayor fama como arreglista, especialmente por sus proyectos con Randy Weston. Creció en California y tocó con la orquesta de Gerald Wilson a partir de 1943. Su grabación más notable como solista fue con Dexter Gordon en 1947. Liston trabajó con Count Basie (1948-1949), la big band de Dizzy Gillespie (1949-1950) y fue telonera de Billie Holiday, pero después pasó unos años alejada de la música. Realizó giras y compuso para la orquesta de Dizzy Gillespie (1956-1957) y visitó Europa con la big band de Quincy Jones (1959), con la que permaneció hasta 1961. Liston se convirtió entonces en arreglista independiente, trabajando en sesiones dirigidas por Weston, Johnny Griffin y Milt Jackson, escribiendo para los estudios, enseñando y tocando ocasionalmente. Un grave derrame cerebral la confinó a una silla de ruedas a partir de 1985, pero Liston siguió escribiendo para varios proyectos de Randy Weston en los años anteriores a su muerte, el 23 de abril de 1999.

https://www.allmusic.com/artist/melba-liston-mn0000404399/biography

Johnny Colon & Orchestra • Boogaloo Blues

 

Johnny Colon is an American salsa musician, leader of the Johnny Colon Orchestra and founder of the East Harlem Music School, also known as a major contributor to the boogaloo sound of the 1960s.

Colon was born in New York City to parents of Puerto Rican heritage. He wrote most of the Orchestra's tunes, sings, plays percussion, piano and trombone, and first found success in the world of salsa with his 1967 debut album, Boogaloo Blues.[1][2] The record was produced by George Goldner and sold around three million copies worldwide.[3] He released five albums over the period 1967-72, and in 1968 founded the East Harlem Music School.[2] His 2008 album "Keeping It Real" features the American pop songbook.

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Johnny Colón es un músico de salsa estadounidense, líder de la Orquesta Johnny Colón y fundador de la Escuela de Música de East Harlem, también conocido como uno de los principales contribuyentes al sonido del boogaloo de los años 60.

Colón nació en la ciudad de Nueva York de padres de origen puertorriqueño. Escribió la mayor parte de las melodías de la Orquesta, canta, toca percusión, piano y trombón, y encontró por primera vez el éxito en el mundo de la salsa con su álbum debut de 1967, Boogaloo Blues. El disco fue producido por George Goldner y vendió alrededor de tres millones de copias en todo el mundo Publicó cinco álbumes en el período 1967-72, y en 1968 fundó la Escuela de Música del Este de Harlem Su álbum de 2008, Keeping It Real, presenta el cancionero pop estadounidense.

Bennie Green • Glidin' Along

 

Biography by Ron Wynn
A capable bebop soloist despite his style having firm swing-era roots, Bennie Green was a major trombonist and bandleader in the 1940s, '50s, and '60s. His sound and tone were large and round, and his approach was heavily influenced by traditionalists like Trummy Young. Green's solos were enjoyable and always well-executed, but he was never as ambitious in his playing as latter-day trombonists like J.J. Johnson or Curtis Fuller.

Green had a musical background: one of his brothers played tenor sax with Roy Eldridge's band. He studied at the famous Du Sable High School in Chicago under Capt. Walt Dyett, then began playing professionally with local groups. Budd Johnson recommended Green to Earl Hines in the early '40s, and he worked with Hines until 1948 (except for two-year stint in the Army). Green played with Gene Ammons for a short time, then with Charlie Ventura in the late '40s and early '50s. He toured with Hines again from 1951 until 1953.

Green led his own combo in the '50s and '60s, often playing with either Charlie Rouse or Jimmy Forrest. He also worked with Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin, and Elvin Jones. Green performed and recorded with Duke Ellington in 1968, playing on his second sacred concert. He settled in Las Vegas in the late '60s, working in hotel bands. Green was also featured on recordings made at the Newport in New York festival in the early '70s. He recorded as a leader for Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time, and Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

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Biografía de Ron Wynn
Bennie Green, un solista de bebop capaz a pesar de que su estilo tiene firmes raíces de la era del swing, fue un importante trombonista y director de banda en las décadas de 1940, 1950 y 1960. Su sonido y su tono eran amplios y redondos, y su enfoque estaba muy influenciado por tradicionalistas como Trummy Young. Los solos de Green eran agradables y siempre estaban bien ejecutados, pero nunca fue tan ambicioso en su forma de tocar como los trombonistas de hoy en día, como J.J. Johnson o Curtis Fuller.

Green tenía antecedentes musicales: uno de sus hermanos tocaba el saxo tenor en la banda de Roy Eldridge. Estudió en la famosa Du Sable High School de Chicago con el capitán Walt Dyett, y luego empezó a tocar profesionalmente con grupos locales. Budd Johnson recomendó a Green a Earl Hines a principios de los años 40, y trabajó con Hines hasta 1948 (a excepción de un periodo de dos años en el ejército). Green tocó con Gene Ammons durante un corto periodo de tiempo, y luego con Charlie Ventura a finales de los años 40 y principios de los 50. Volvió a salir de gira con Hines desde 1951 hasta 1953.

Green dirigió su propio combo en los años 50 y 60, a menudo tocando con Charlie Rouse o Jimmy Forrest. También trabajó con Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin y Elvin Jones. Green actuó y grabó con Duke Ellington en 1968, tocando en su segundo concierto sagrado. Se instaló en Las Vegas a finales de los años 60, trabajando en las bandas de los hoteles. Green también apareció en grabaciones realizadas en el festival de Newport, en Nueva York, a principios de los años 70. Grabó como líder para Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time y Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

Bennie Green • Walking Down

 

 

 

Review
by Scott Yanow
The third of Bennie Green's three Prestige albums from 1955-1956 features the personable trombonist in a quintet with the young tenor-saxophonist Eric Dixon (here showing a strong Paul Gonsalves influence), and an obscure but swinging rhythm section (composed of pianist Lloyd Mayers, bassist Sonny Wellesley, and drummer Bill English). The solos are colorful if occasionally stumbling, and the arrangements of the four standards and Green's "East of the Little Big Horn" have their share of surprises; "Walkin'" and "The Things We Did Last Summer" are taken at two different tempos while "It's You or No One," normally a ballad, really cooks.
https://www.allmusic.com/album/walking-down-mw0000313105

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Reseña
por Scott Yanow
El tercero de los tres álbumes Prestige de Bennie Green de 1955-1956 presenta al simpático trombonista en un quinteto con el joven tenor-saxofonista Eric Dixon (que aquí muestra una fuerte influencia de Paul Gonsalves), y una sección rítmica oscura pero con mucho swing (compuesta por el pianista Lloyd Mayers, el bajista Sonny Wellesley y el baterista Bill English). Los solos son coloridos, aunque a veces tropiecen, y los arreglos de los cuatro estándares y de "East of the Little Big Horn" de Green tienen su cuota de sorpresas; "Walkin'" y "The Things We Did Last Summer" se toman a dos tempos diferentes, mientras que "It's You or No One", normalmente una balada, realmente se cocina.
https://www.allmusic.com/album/walking-down-mw0000313105

Frank Rosolino • In Copenhagen

 

Frank Rosolino In Copenhagen Frank Rosolino managed to squeeze in trips abroad for specific tours. In the Summer of 1978 he did what was to be his last solo tour in Europe. He came to Copenhagen late in August to play at Slukefter in the Tivoli Gardens which is where the present CD was recorded. He was backed by Thomas Clausen Trio and with no restrictions on length of performances the quartet was allowed to expand the chosen pieces. Blue Daniel was Frank’s best known composition. It has the unusual chorus length of 14 bars. Waltz For Diane is played in waltz time. There is plenty of fast slide work here. How About You? Is nicely relaxed and serves as a prelude to a marathon blues performance using Thelonious Monk’s Straight No Chaser as the theme. There Is No Greater Love uses short, punching phrases during the solo to add impetus. Blue Daniel – How About You? – Straight No Chaser – There Is No Greater Lve – Waltz For Diane
https://www.storyvillerecords.com/products/in-copenhagen--1018522



Biography
Frank Rosolino will be remembered and respected throughout the contemporary jazz world for his mastery of the trombone, his uncanny ability to fit and work successfully with a wide range of musical ideas, and perhaps last but not entirely forgotten, his wit and capacity for comic entertainment. There has seldom been a time when any single aspect of this amazingly complex individual was submerged for any great length of time. He was always the superb performer, upfront individually as a musician or commercially as an entertainer.

Frank Rosolino was born in Detroit on August 20, 1926 and began taking trombone lessons in the eighth grade or about the time he was 14 years of age. Many of the traditional musical hurdles had already been “smoothed” out prior to his introduction to the trombone as a result of the guitar lessons he received from his father from the age of 9. However, proof as to his advancement on the trombone was obviously much in evidence long before he graduated from Miller High School in Detroit . He had auditioned and was accepted into the Cass Tech Symphony orchestra which drew its members from all over the city of Detroit and to be chosen was considered to be quite an honor.

Frank went into the army at the age of 18, evenually joined the 86th Division Band and went overseas to the Philippines. His two year stay in the army provided him with the opportunity to experience yet another kind of musical performance and added to the overall preparedness to fend for himself as a full fledged professional musician upon release from the service.

Rosolino's career started in earnest upon release from the Army in early 1946 and for the next several years he was to gain invaluable experience playing with a great variety of bands.....Bob Chester, Glen Gray, Gene Krupa, Tony Pastor, Herbie Fields, Georgie Auld, and with his own groups in Detroit . His first major break came when he was offered the jazz chair with the great Stan Kenton Band in 1952 and he was one of the featured soloists with Kenton through late 1954. However, following the breakup of that great jazz band he continued to record with the Kenton studio bands as late as March 30, 1955. Earlier he had joined the Howard Rumsey Lighthouse All Stars and appeared on his first recording with the All Stars in December of 1954.

He continued playing with the All Stars well into the 60's and also recorded with the Terry Gibbs “Dream Band” in 1959, 60, and 62. He next joined Donn Tremmer's House Band with the Steve Allen TV show where for two years he was featured as a soloist and occasionally as a comedian. In his constant search for a more fulfilling role for the solo jazz trombone he participated in a number of world tours - with Conti Condoli in 1973 and 1975, as the featured soloist on tour with the Supersax group and finally the trip to Japan with Quincy Jones and a 1974 tour of the USA with Benny Carter.

The fascinating/documentary review of Frank Rosolino's experiences and growth through the various musical groups underline the constant striving for a situation that would allow more time and exposuire for his own creative expression well beyond the “charts” and the traditional 12/24 bar chorus limitation. Perhaps this is one explanation for the most satisfactory times that occured when Frank was recording with small groups and on the tours with the various quartets, quintets . This certainly provided the opportunity to stretch out and develop longer lines and move well beyond the “signature” licks that have a tendency to surface when one is restricted to the solo space alloted in most musical groups.

Before and during the search for more solo exposure, especially in the latter part of the 60's and into the 70's, Rosolino arranged to direct a portion of his time to “educational” appearances in the form of clinics and festivals where he performed with students from many colleges and high schools. He was known to have frequently remarked about the excitement of working with varied groups and of meeting a wide variety of musicians both here and abroad, which allowed him to absorb new ideas and relationships dissimilar to his own. Jazz festivals in particulalr put him together with the unexpected mix , with other trombonists and instrument combinations that would not normally have been booked into the clubs and other commercial gigs, such as the International Trombone Workshop, the Dick Gibson Jazz Party, Charlie Parker Memorial in KC, DisneyWorld, Monterey, Concord, and many of the Universities and other educational institutions throughout the U.S and overseas.

Frank's outstanding reputation as a soloist often found him being featured on many special records; Tutti's Trombones, The Trombones Inc., as a guest with Zoot Sims, Dexter Gorden, Don Menza, Carl Fontana, Jean “Toots” Thielmans, Pete Christlieb, the Airmen of Note, and Bobby Knight's Great Trombone Company. Again as a freelance during the longer time period of 1945-78 about 17 movie scores found their way onto his schedule including Man with the Golden Arm, The Sweet Smell of Success, Hotel, etc., and as continuing testimony to the popularity and reemergence of Frank Rosolino there is now the amazing number of over 40 CD reissues. This is perhaps one of the reasons why the “all inclusive discography” remains such a gigantic challenge and is still far from completion after 20 years.

In retrospect we have lost one of the world's greatest trombone stylist at the very peak of his career, an extraordinary musical talent and a premier virtuoso on the TB possesed with a facility that enabled him to improvise as fluidly on the trombone as a saxophonist.. It is certainly an inspiration to view the Lighthouse videos and observe Frank executing the very fast up tempo bop lines in unision with the tenor or trumpet. It is not to say that similar lines did not exist in Frank's own solos , they did, but somehow it seems more breathtaking for a trombonist when heard as a unison line.

One of Rosolino's proudest personal acheivements has to do with a piece he recorded with the Holland Symphony Orchestra, a piece written for and dedicated to him by a young Dutch composer/arranger, Jerry Van Rooyen. “Violets” is a beautiful composition, a lush arrangement, and most certainly goes a very long way to quiet the critics who have faulted Frank for his tendency to display technique over substance.

Frank Rosolino, instrumentalist, composer, songwriter, singer, comedian, musician extraordinare - most of this to be discovered and experienced on this latest revival record, so very timely and contemporary, it is truely a late 20th century masterpiece.
Source: Eugene E. Grissom
https://musicians.allaboutjazz.com/frankrosolino

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Frank Rosolino En Copenhague, Frank Rosolino se las arregló para hacer viajes al extranjero para viajes específicos. En el verano de 1978 hizo lo que iba a ser su última gira en solitario por Europa. Vino a Copenhague a finales de agosto para tocar en Slukefter en los Jardines Tivoli, donde se grabó el presente CD. Fue respaldado por el Thomas Clausen Trio y sin restricciones en cuanto a la duración de las actuaciones el cuarteto pudo ampliar las piezas elegidas. Blue Daniel fue la composición más conocida de Frank. Tiene una inusual longitud de coro de 14 compases. Waltz For Diane se toca en tiempo de vals. Hay mucho trabajo de diapositivas rápidas aquí. ¿Y qué hay de ti? Es muy relajada y sirve como preludio a una maratón de blues usando "Straight No Chaser" de Thelonious Monk como tema. There Is No Greater Love usa frases cortas y contundentes durante el solo para añadirle ímpetu. Blue Daniel - ¿Y tú? - Straight No Chaser - There Is No Greater Lve - Waltz For Diane
https://www.storyvillerecords.com/products/in-copenhagen--1018522



Biografía
Frank Rosolino será recordado y respetado en todo el mundo del jazz contemporáneo por su dominio del trombón, su asombrosa habilidad para encajar y trabajar con éxito con una amplia gama de ideas musicales, y quizás por último, pero no del todo olvidado, su ingenio y capacidad de entretenimiento cómico. Rara vez ha habido un momento en el que un solo aspecto de este individuo increíblemente complejo haya estado sumergido durante mucho tiempo. Siempre fue el mejor intérprete, ya sea individualmente como músico o comercialmente como artista.

Frank Rosolino nació en Detroit el 20 de agosto de 1926 y comenzó a tomar clases de trombón en el octavo grado o alrededor de los 14 años de edad. Muchos de los obstáculos musicales tradicionales ya habían sido "suavizados" antes de su introducción al trombón como resultado de las lecciones de guitarra que recibió de su padre a partir de los 9 años de edad. Sin embargo, la prueba de su avance en el trombón era obviamente muy evidente mucho antes de que se graduara de la Escuela Secundaria Miller en Detroit . Había hecho una audición y fue aceptado en la orquesta sinfónica de Cass Tech, que atrajo a sus miembros de toda la ciudad de Detroit y ser elegido fue considerado un gran honor.

Frank entró en el ejército a la edad de 18 años, se unió a la Banda de la 86 División y se fue al extranjero, a las Filipinas. Su estancia de dos años en el ejército le dio la oportunidad de experimentar otro tipo de actuación musical y se sumó a la preparación general para valerse por sí mismo como músico profesional de pleno derecho al salir del servicio.

La carrera de Rosolino comenzó en serio al salir del ejército a principios de 1946 y durante los años siguientes adquiriría una experiencia inestimable tocando con una gran variedad de bandas.....Bob Chester, Glen Gray, Gene Krupa, Tony Pastor, Herbie Fields, Georgie Auld, y con sus propios grupos en Detroit . Su primera gran oportunidad llegó cuando le ofrecieron la cátedra de jazz con la gran Stan Kenton Band en 1952 y fue uno de los solistas destacados con Kenton hasta finales de 1954. Sin embargo, después de la ruptura de esa gran banda de jazz continuó grabando con las bandas de estudio de Kenton hasta el 30 de marzo de 1955. Anteriormente se había unido a los Howard Rumsey Lighthouse All Stars y apareció en su primera grabación con los All Stars en diciembre de 1954.

Continuó tocando con los All Stars hasta bien entrados los años 60 y también grabó con la "Dream Band" de Terry Gibbs en 1959, 60 y 62. Luego se unió a la Donn Tremmer's House Band con el programa de TV Steve Allen donde durante dos años fue solista y ocasionalmente comediante. En su constante búsqueda de un papel más satisfactorio para el trombón de jazz en solitario, participó en varias giras mundiales - con Conti Condoli en 1973 y 1975, como solista destacado en la gira con el grupo Supersax y, finalmente, el viaje a Japón con Quincy Jones y una gira de 1974 por los EE.UU. con Benny Carter.

La fascinante revisión documental de las experiencias y el crecimiento de Frank Rosolino a través de los diversos grupos musicales subraya la constante búsqueda de una situación que permita más tiempo y exposición para su propia expresión creativa mucho más allá de las "listas de éxitos" y de la tradicional limitación de los coros de 12/24 bares. Tal vez esta sea una explicación para los momentos más satisfactorios que ocurrieron cuando Frank grababa con pequeños grupos y en las giras con los diversos cuartetos, quintetos. Esto ciertamente proporcionó la oportunidad de estirar y desarrollar líneas más largas y moverse mucho más allá de los lametazos de "firma" que tienen tendencia a emerger cuando uno está restringido al espacio solista asignado en la mayoría de los grupos musicales.

Antes y durante la búsqueda de una mayor exposición en solitario, especialmente a finales de los años 60 y principios de los 70, Rosolino se las arregló para dirigir una parte de su tiempo a apariciones "educativas" en forma de clínicas y festivales en los que actuó con estudiantes de muchas universidades y escuelas secundarias. Se le conocía por haber comentado con frecuencia la emoción de trabajar con grupos variados y de conocer a una gran variedad de músicos tanto aquí como en el extranjero, lo que le permitía absorber nuevas ideas y relaciones disímiles a las suyas. Los festivales de jazz en particular lo unieron a la mezcla inesperada, con otros trombonistas y combinaciones de instrumentos que normalmente no se habrían reservado en los clubes y otros conciertos comerciales, como el Taller Internacional de Trombón, la Fiesta de Jazz de Dick Gibson, el Charlie Parker Memorial en KC, DisneyWorld, Monterey, Concord, y muchas de las universidades y otras instituciones educativas de los EE.UU. y el extranjero.

La destacada reputación de Frank como solista le ha llevado a aparecer en muchos discos especiales; Tutti's Trombones, The Trombones Inc., como invitado con Zoot Sims, Dexter Gorden, Don Menza, Carl Fontana, Jean "Toots" Thielmans, Pete Christlieb, the Airmen of Note, y Bobby Knight's Great Trombone Company. Nuevamente como freelance durante el largo período de tiempo de 1945-78 unas 17 partituras de películas encontraron su camino en su agenda incluyendo El hombre del brazo dorado, El dulce aroma del éxito, Hotel, etc., y como testimonio continuo de la popularidad y el resurgimiento de Frank Rosolino hay ahora el asombroso número de más de 40 reediciones de CD. Esta es quizás una de las razones por las que la "discografía todo incluido" sigue siendo un reto tan gigantesco y todavía está lejos de completarse después de 20 años.

En retrospectiva hemos perdido a uno de los más grandes estilistas de trombón del mundo en la cima de su carrera, un extraordinario talento musical y un virtuoso de primera clase en la TB poseído con una facilidad que le permitió improvisar tan fluidamente en el trombón como un saxofonista.. Es ciertamente una inspiración ver los videos de Lighthouse y observar a Frank ejecutando las líneas de bop de tempo muy rápido en unión con el tenor o la trompeta. No quiere decir que no existieran líneas similares en los solos de Frank, pero de alguna manera parece más impresionante para un trombonista cuando se escucha como una línea al unísono.

Uno de los logros personales de Rosolino tiene que ver con una pieza que grabó con la Orquesta Sinfónica de Holanda, una pieza escrita para él y dedicada a él por un joven compositor/arreglista holandés, Jerry Van Rooyen. "Violetas" es una hermosa composición, un arreglo exuberante, y sin duda va un largo camino para calmar a los críticos que han culpado a Frank por su tendencia a mostrar técnica sobre la sustancia.

Frank Rosolino, instrumentista, compositor, compositor de canciones, cantante, comediante, músico extraordinario - la mayor parte de esto se ha descubierto y experimentado en este último disco de renacimiento, tan oportuno y contemporáneo, es verdaderamente una obra maestra de finales del siglo XX.
Fuente: Eugene E. Grissom
https://musicians.allaboutjazz.com/frankrosolino

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Bob Enevoldsen • Smorgasbord

 

Bob Enevoldsen (1920-2005) was undoubtedly one of the most versatile performers in the Hollywood jazz scene. But his talent was so multi-faceted that besides the fact that he was a completely schooled instrumentalist, he also developed into an impressive and gifted arranger. Smorgasbord presents Bob Enevoldsen with an interesting line up composed of Marty Paich on accordion and piano, Larry Bunker on vibes, piano and drums, Red Mitchell on bass and piano, Howard Roberts on guitar, Don Heath on drums and Bob, of course, on valve trombone, tenor sax and bass. A variety of doubles among these players afforded an opportunity for orchestral changes in an attempt to set up a different feeling for each piece, said Enevoldsen. Each composition was carefully arranged and rehearsed and the group gets a unique sound with this instrumentation.
https://www.freshsoundrecords.com/bob-enevoldsen-albums/4383-the-music-of-bob-enevoldsen.html


Press reviews
"Perhaps Enevoldsen's finest leadership date from the mid-1950s is Smorgasbord. The album demonstrates his versatility and humor as well as his spirited arranging skills. In addition to being a highly swinging session, it's notable for the musicians who were there and the instruments they played. The recording features Enevoldsen on valve trombone and tenor sax; Marty Paich [pictured] on piano, organ and accordion; Larry Bunker on vibes and drums; Howard Roberts on guitar; Red Mitchell on bass and piano; and Don Heath on drums."
Marc Myers (June 19, 2009)
http://www.jazzwax.com

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Bob Enevoldsen (1920-2005) fue sin duda uno de los intérpretes más versátiles de la escena de jazz de Hollywood. Pero su talento era tan polifacético que, además de ser un instrumentista completamente escolarizado, se convirtió en un arreglista impresionante y dotado. Smorgasbord presenta a Bob Enevoldsen una interesante línea compuesta por Marty Paich en acordeón y piano, Larry Bunker en vibráfono, piano y batería, Red Mitchell en bajo y piano, Howard Roberts en guitarra, Don Heath en batería y Bob, por supuesto, en trombón de válvula, saxo tenor y bajo. Una variedad de dobles entre estos músicos permitió la oportunidad de cambios orquestales en un intento de establecer un sentimiento diferente para cada pieza, dijo Enevoldsen. Cada composición fue cuidadosamente arreglada y ensayada y el grupo obtiene un sonido único con esta instrumentación.
https://www.freshsoundrecords.com/bob-enevoldsen-albums/4383-the-music-of-bob-enevoldsen.html


Reseñas de prensa
"Quizás la mejor fecha de liderazgo de Enevoldsen de mediados de los 50 es Smorgasbord. El álbum demuestra su versatilidad y humor, así como sus briosas habilidades para los arreglos. Además de ser una sesión de gran swing, es notable por los músicos que estuvieron allí y los instrumentos que tocaron. La grabación cuenta con Enevoldsen en el trombón de válvula y el saxo tenor; Marty Paich [en la foto] en el piano, el órgano y el acordeón; Larry Bunker en el vibráfono y la batería; Howard Roberts en la guitarra; Red Mitchell en el bajo y el piano; y Don Heath en la batería".
Marc Myers (19 de junio de 2009)
http://www.jazzwax.com

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Si Zentner & His Orchestra • Warning Shot

 

From Wikipedia:

Simon Hugh "Si" Zentner (June 13, 1917 in New York City – January 31, 2000 in Las Vegas, Nevada) was an American trombonist and jazz big-band leader.

Zentner played violin from age four and picked up trombone a few years later. As a teenager, he was awarded the Guggenheim Foundation Philharmonic Scholarship. He attended college for music and had intended to pursue a career in classical music, but became more interested in pop music after recording with Andre Kostelanetz. Zentner played in the bands of Les Brown, Harry James, and Jimmy Dorsey in the 1940s, then moved to Los Angeles, where he worked as a studio musician. He also landed a job with MGM from 1949 to the mid-50s, and was involved in the music for films such as Singin' in the Rain and A Star Is Born.

In the late 1950s Zentner put together his own studio big band and signed with Bel Canto Records. The Zentner band began recording for Liberty Records in 1959 releasing numerous successful pop/jazz albums during the 1960s and touring steadily with a large well-rehearsed outfit. He also briefly recorded for RCA Victor. Zentner was a tireless promoter and claimed to have played 178 consecutive one-night performances when the band was at its peak. His ensemble was voted "Best Big Band" for 13 straight years by Down Beat, and Zentner himself was voted Best Trombonist in Playboy Jazz Readers' Poll. Zentner was known for his bold, brash and bright playing with great breath control and distinctive vibrato. In 1962, his album Up a Lazy River (Big Band Plays the Big Hits, Vol. 2) (arranged by Bob Florence) won a Grammy Award for Best Pop Instrumental Performance.[2]

Zentner's success was thoroughly unusual; he had a thriving big band going at a time when big band music was, for the most part, on the wane. The general downturn in interest eventually caught up to him, and by mid-decade the orchestra performed only on a limited basis despite recording through the late 1960s. He then moved to Las Vegas and accompanied Mel Tormé at the Blue Room of the Tropicana Hotel. In 1968 he became musical director of the long-running Vegas show Folies Bergere. It wasn't until the 1990s that Zentner returned to big band performance, assembling a new group and releasing several more albums. He suffered from leukemia late in life, though he continued performing into 1999; he died of the disease in early 2000.

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De Wikipedia:

Simon Hugh "Si" Zentner (13 de junio de 1917 en la ciudad de Nueva York - 31 de enero de 2000 en Las Vegas, Nevada) fue un trombonista estadounidense y líder de grandes bandas de jazz.

Zentner tocó el violín a los cuatro años y recogió el trombón unos años más tarde. En su adolescencia, recibió la Beca Filarmónica de la Fundación Guggenheim. Asistió a la universidad para la música y tenía la intención de seguir una carrera en la música clásica, pero se interesó más en la música pop después de grabar con Andre Kostelanetz. Zentner tocó en las bandas de Les Brown, Harry James y Jimmy Dorsey en la década de 1940, luego se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como músico de estudio. También consiguió un trabajo en MGM desde 1949 hasta mediados de los 50, y participó en la música de películas como Singin 'in the Rain y A Star Is Born.

A fines de la década de 1950, Zentner armó su propia gran banda de estudio y firmó con Bel Canto Records. La banda de Zentner comenzó a grabar para Liberty Records en 1959 lanzando numerosos álbumes de pop / jazz exitosos durante la década de 1960 y haciendo giras de manera constante con un gran atuendo bien ensayado. También grabó brevemente para RCA Victor. Zentner fue un incansable promotor y afirmó haber tocado 178 actuaciones consecutivas de una noche cuando la banda estaba en su apogeo. Su conjunto fue votado como "Mejor Big Band" por 13 años consecutivos por Down Beat, y el mismo Zentner fue elegido Mejor Trombonista en la Encuesta de Lectores de Playboy Jazz. Zentner era conocido por su juego audaz, temerario y brillante con un gran control de la respiración y un vibrato distintivo. En 1962, su álbum Up a Lazy River (Big Band Plays Big Hits, Vol. 2) (organizado por Bob Florence) ganó un premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop. [2]

El éxito de Zentner fue completamente inusual; él tenía una gran banda próspera en un momento en que la música de la gran banda estaba, en su mayor parte, en decadencia. La recesión general en el interés finalmente lo alcanzó, y para mediados de la década la orquesta actuó solo de manera limitada a pesar de la grabación hasta fines de los años sesenta. Luego se mudó a Las Vegas y acompañó a Mel Tormé en la habitación azul del hotel Tropicana. En 1968 se convirtió en director musical del espectáculo Folies Bergere de Las Vegas. No fue hasta la década de 1990 que Zentner regresó a la actuación de big band, formando un nuevo grupo y lanzando varios álbumes más. Sufrió leucemia en una etapa avanzada de la vida, aunque continuó actuando en 1999; Murió de la enfermedad a principios de 2000.

Si Zentner & His Dance Band • High Noon Cha Cha Cha

 

Biography by Greg Prato
While big bands seemed to be fading fast during the late '50s and early '60s, bandleader Si Zentner was one of the few to front a successful big band -- enjoying both critical and commercial acclaim. Born Simon H. Zentner on June 13, 1917 in New York City, the future bandleader picked up a violin at the age of four before switching over to trombone, and earned a music college scholarship. Originally studying to be a classical musician, Zentner became interested in more commercial styles of music after lending his skills to a recording session with composer/bandleader Andre Kostelanetz. Throughout the '40s, Zentner learned the tricks of the trade by playing in bands led by such notables as Les Brown, Harry James, and Jimmy Dorsey.

Zentner then relocated to Los Angeles, where he worked regularly as a studio musician -- and from 1949 through 1955, was on the MGM staff (working on such hit movies as Singing in the Rain and A Star Is Born). But Zentner's desire to front his own big band peaked at this time. Signing a recording contract with Liberty Records in 1959, Zentner assembled a large swing outfit, and toured steadily (he once claimed that his band played 178 consecutive one-night stands). While several popular releases came out around this time (1959's Thinking Man's Band, 1960s Suddenly It's Swing, 1963's Waltz in Jazz Time), Zentner's band won a staggering 13 straight Downbeat polls for 'Best Big Band,' as Zentner himself was recognized as 'Best Trombonist' in Playboy's Jazz Reader's Poll. Zentner's band scored their biggest hit in 1961, with a Bob Florence-arranged twist version of Hoagy Carmichael's "Up a Lazy River," which managed to cross over into the Top 40 of the pop charts.

Eventually however, the public's interest in big bands had dwindled to the point that even Zentner's fine band found it increasingly hard to attract a substantial audience on tour. Zentner landed back on his feet in 1965, when he moved to Las Vegas and opened the Tropicana Hotel's lounge, the Blue Room, accompanying Mel Tormé. Three years later, Zentner was named musical director for one of Las Vegas' longest-running floor shows, Folies Bergere. But once more, Zentner couldn't turn his back completely on taking a big band on the road, as he assembled another touring group. The '90s saw such new releases as Road Band, Country Blues, and Blue Eyes Plays Ol' Blue Eyes, but later in the decade, Zentner was diagnosed with leukemia. Admirably, Zentner kept performing up until six months prior to his passing, on January 31, 2000 in Las Vegas.
https://www.allmusic.com/artist/si-zentner-mn0000754514#biography

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Biografía de Greg Prato
Mientras las big bands parecían desaparecer rápidamente a finales de los 50 y principios de los 60, el director de orquesta Si Zentner fue uno de los pocos que dirigió con éxito una big band, con éxito tanto comercial como de crítica. Nacido como Simon H. Zentner el 13 de junio de 1917 en Nueva York, el futuro director de orquesta empezó a tocar el violín a los cuatro años y luego el trombón. Tras estudiar música clásica, Zentner se interesó por estilos musicales más comerciales después de colaborar en una sesión de grabación con el compositor y director de orquesta Andre Kostelanetz. A lo largo de los años 40, Zentner aprendió los trucos del oficio tocando en bandas dirigidas por músicos tan notables como Les Brown, Harry James y Jimmy Dorsey.

Zentner se trasladó a Los Ángeles, donde trabajó regularmente como músico de estudio y, de 1949 a 1955, formó parte de la plantilla de MGM (trabajando en películas de éxito como Cantando bajo la lluvia y Ha nacido una estrella). Pero el deseo de Zentner de liderar su propia big band alcanzó su punto álgido en esa época. Firmó un contrato de grabación con Liberty Records en 1959, Zentner reunió un gran grupo de swing y realizó constantes giras (en una ocasión afirmó que su banda había tocado en 178 conciertos consecutivos de una noche). En esta época salieron varios discos populares (1959's Thinking Man's Band, 1960s Suddenly It's Swing, 1963's Waltz in Jazz Time), la banda de Zentner ganó 13 encuestas consecutivas de Downbeat a la "Mejor Big Band", y el propio Zentner fue reconocido como "Mejor trombonista" en la encuesta Playboy's Jazz Reader's Poll. La banda de Zentner consiguió su mayor éxito en 1961, con una versión retorcida arreglada por Bob Florence de "Up a Lazy River" de Hoagy Carmichael, que consiguió entrar en el Top 40 de las listas de pop.

Con el tiempo, sin embargo, el interés del público por las grandes bandas había disminuido hasta el punto de que incluso a la excelente banda de Zentner le resultaba cada vez más difícil atraer a un público considerable durante las giras. Zentner se recuperó en 1965, cuando se trasladó a Las Vegas y abrió el salón del hotel Tropicana, el Blue Room, acompañando a Mel Tormé. Tres años más tarde, Zentner fue nombrado director musical de uno de los espectáculos de sala más longevos de Las Vegas, Folies Bergere. Pero una vez más, Zentner no podía dar la espalda por completo a la idea de llevar una big band de gira, ya que montó otro grupo de gira. En los años 90 se publicaron nuevos discos como Road Band, Country Blues y Blue Eyes Plays Ol' Blue Eyes, pero a finales de la década, a Zentner le diagnosticaron leucemia. Admirablemente, Zentner siguió actuando hasta seis meses antes de su fallecimiento, el 31 de enero de 2000 en Las Vegas.
https://www.allmusic.com/artist/si-zentner-mn0000754514#biography

Rico & The Rudies • Blow Your Horn & Brixton Cat

 

Artist Biography by Jason Ankeny

One of the most prolific session players of Jamaica's pre-ska era, trombonist Rico Rodriguez later emerged as a catalyst behind the UK's 2-Tone movement of the late 1970s, recording both as a solo artist and as a member of the legendary Specials. While attending Kingston's Alpha Cottage School, an institution for wayward boys, he studied trombone under the legendary Don Drummond. In the years to follow, Rodriguez emerged as one of Jamaica's most highly regarded session musicians, often working under the direction of the renowned producer Duke Reid. While his forte remained jazz, he adapted brilliantly to any environment, and applied his improvisational skills to productions from notables including Sly & Robbie. In 1977, Rodriguez also cut a solo LP, Man from Wareika, credited to simply "Rico; " it was followed a year later by Midnight in Ethiopia. In 1979, he appeared on the Specials' cover of "A Message to You Rudy," and soon joined the band as a full-time member; for the group's 2-Tone label, Rodriguez also helmed his own outfit, Rico and the Rudies, to yield the albums Blow Your Horn and Brixton Cat.

https://www.allmusic.com/artist/rico-rodriguez-mn0000215140/biography

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Biografía del artista por Jason Ankeny

Uno de los músicos de sesión más prolíficos de la era pre-ska de Jamaica, el trombonista Rico Rodríguez se convirtió más tarde en un catalizador del movimiento de los 2-Tonos del Reino Unido a finales de la década de 1970, grabando tanto como solista como miembro de los legendarios Specials. Mientras asistía a la Alpha Cottage School de Kingston, una institución para niños rebeldes, estudió trombón con el legendario Don Drummond. En los años siguientes, Rodríguez emergió como uno de los músicos de estudio más respetados de Jamaica, a menudo trabajando bajo la dirección del renombrado productor Duke Reid. Mientras su fuerte seguía siendo el jazz, se adaptó brillantemente a cualquier ambiente, y aplicó sus habilidades de improvisación a producciones de notables como Sly & Robbie. En 1977, Rodríguez también grabó un LP en solitario, Man from Wareika, al que se le atribuye simplemente "Rico", al que siguió un año más tarde Midnight en Etiopía. En 1979, apareció en la portada de los Specials de "A Message to You Rudy", y pronto se unió a la banda como miembro de tiempo completo; para el sello 2-Tone del grupo, Rodríguez también dirigió su propio equipo, Rico and the Rudies, para producir los álbumes Blow Your Horn y Brixton Cat.

https://www.allmusic.com/artist/rico-rodriguez-mn0000215140/biography

Kai Winding Trombones • That's Where It Is

 

Trombonist Kai Christen Winding (pronounced ki-win-ding) was one of the founding fathers of be-bop music and truly one of the finest-ever jazz trombonists.

As a sideman to bop’s reigning kings “ Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie and Tadd Dameron “ he was more a bridesmaid than a bride. Winding recorded too infrequently as a leader during this period and none of his compositions ever really caught on. Indeed, he was adept at putting a defining stamp on others’ compositions “ a trait he picked up while outlining the artistry of Stan Kenton’s sound during the mid 1940s.

Kai was born on May 18, 1922, in Aarhaus, Denmark. He came to the United States with his family in 1934. In 1940, he made his professional debut as trombonist with Shorty Allen’s band. He played with the bands of Sonny Dunham and Alvino Rey before joining the U.S. Coast Guard during World War II. After becoming a civilian in 1945, he worked with Benny Goodman’s highly popular band and moved onto Stan Kenton’s orchestra, where he helped defined the brassy Kenton sound and, quickly became a featured soloist. Thereafter, he hooked himself up with a number of emerging stars of be-bop, the “new jazz,” and recorded prolifically “ most notably, as part of one of the nonets featured on the historic “The Birth of the Cool” (Capitol/1949).

Winding recorded and performed prolifically during the 1950s, as a leader and “ with distinction “ behind a number of significant and popular soloists such as Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Still, the trombone was considered an unusual instrument to lead a combo. So it was with prescient oddity that in 1954, producer Ozzie Cadena proposed the marriage of two trombones “ Winding’s quick-witted mellifluousness with fellow trombonist J.J. Johnson’s hard-edged angularity. The two leaders clicked together musically right away (check out Savoy “Jay& Kai”) and, surprisingly, became a hugely popular club attraction and critical favorite. Jay and Kai - or “Kai and Jay” or “J.J. & K” or “J & K” or any other of a number of other combinations - was born.

The duo recorded eight highly popular “ and consistently artistic “ albums over the next two years for the Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige and Columbia labels. It was during this period that Kai's great compositional skill was finally recognized with such memorable tunes as “Don't Argue,” “Wind Bag,” “That's How I Feel About You,” “Gong Rock,” “Jeanne” and “Caribe.”

At this point, Kai Winding was a well-known “ and bankable “ entity. In addition to continuing session work and well-paid gigs, Winding recorded several “concept” oriented albums for Columbia where he embarked on his own remarkable - and successful - concept of a four-trombone front line.

Producer Creed Taylor, who has always recognized a sale-able sound (and produced the duo’s fourth album on Bethlehem from 1955, K + JJ), kept close tabs on Kai Winding. The producer brought the trombonist in for the delightful 1958 album, “The Axidentals “ with the Kai Winding Trombones” (ABC Paramount) and reunited with him when the producer helmed the inception of Impulse Records “ for the Kai and J.J. reunion (The Great Kai & J.J. “ with the catalog number “A-1”) and the marvelous solo record “The Incredible Trombones of Kai Winding.”

When Creed Taylor accepted a lucrative offer from MGM to head the jazz division of their record label, Verve, Kai Winding was invited too. Winding recorded a dozen albums and 4 non-LP 45-rpm records with Creed Taylor during his stay at the label (1961-67). The music Winding made during this time is well worth hearing and, surprisingly, uncharacteristic of his recordings before or after.

This is the period that my discography is most concerned with “ and when the be-bop legend recorded what I consider some of his most interesting material. There’s no doubt that Verve Records provided Kai Winding with the most popularity he’d known during his entire career and, in some odd and sometimes wonderful coincidences, provided the great trombone player, composer and arranger with the most notable music of his career.

Kai Winding's first Verve record was the wondrous, Latin-esque “Kai Olé”(1961). Still firmly rooted in bebop, Winding goes a bit further South of the Border than he did on his Columbia records, where he simply added a conga or a bongo to spice up the mix. Winding quickly followed with 1962's “Suspense Times in Jazz,” (1962), a collection of “crime jazz” (lots of Henry Mancini covers!), arranged by either Winding or the great Oliver Nelson.

Next came “Solo,” (1963), one of the first of Kai Winding's many 1963 recordings and a landmark in the trombonist's career. While not exactly true to its title, since it was a trombone-with-rhythm-section date, “Solo” did represent Winding's first solo recording where he was the only horn player! The record also featured several titles that celebrated Winding's role as the musical director of New York's Playboy Club - a position the musician maintained throughout the 1960s. “Solo” is, perhaps, Kai Winding's best jazz record on Verve, and maybe one of his least known for the label.

The next record, “Soul Surfin” (1963) changed all the rules. Quite unexpectedly, Kai Winding's cover of Riz Orolani's “More (Theme From Mondo Cane)” became a top ten hit in 1963 - spawning innumerable covers from the bachelor-pad crowd. The album, a collection of somewhat interesting surf tunes featured Winding and guitarist Kenny Burrell behind the oddly-annoying ondioline (played, without credit, by the legendary Jean Jacques Perrey!). After the single's unbelievable success, the album was renamed “More.”

Next up was the rather strange album titled “Kai Winding” (1963). The record was also known by the title”The Lonely One” due to the release of the one 45 from the album. This one, which features some pretty rockin' tunes, notably Claus Ogerman's hip “Get Lost,” certainly features Winding. But the trombonist barely solos and hardly ever takes a lead line. This writer guesses that the album was intended to be a feature for Garry (or “Gary,” or “Gerry”) Sherman, the arranger of many of the album's tunes. But the success of “More” encouraged Verve to issue the record (or a bunch of recordings that included Kai Winding) under the trombonist's name.

“Mondo Cane #2” (1963-64) next featured Winding covering Nino Oliviero's sequel (and not as good as the oriiginal) theme to Winding's top ten hit. Covering several Ogerman tunes here (notably “Python”) and a few originals (the best, which is “ Simian Theme”), Winding seems barely present on this record. Jean Jacques Perrey is again said to have played the ondioline (credited to Winding!), which dominates the sound and solos of the record. This is not the record for those that admire hearing Winding's magical trombone sound. When the hits didn't follow, Creed Taylor moved Kai Winding away from the surfing (and, thankfully, the ondioline) gimmick to other gimmick-y pastures. “Modern Country” (1964) followed, matching Kai's trombone and arrangements with the Anita Kerr Singers and a Nashville rhythm section. Somehow, the concept (which Taylor would explore again with Hubert Laws for CTI) yielded some exceptionally notable performances. Check out “Busted,” “Wolverton Mountain” and “Dang Me.”

Getting back to basics, Taylor and Winding thereafter conceived “Rainy Day” (1965) and The In Instrumentals” (1965), both which - much in the style of the time - attempt to place Kai Winding's sound into more contemporary arenas.

Things started gelling again when the pair conceived Kai Winding's excellent “More Brass” (1966), a not-so-veiled reference to both the trombonist's biggest hit and his best asset. The record yielded several credible performances of contemporary pop - highlighted especially by the delicate harpsichord styling of Hank Jones - that still had that sound of the past (and a marvelous re-arrangement of Winding's hit, “More”).

But perhaps the “hippest” Kai Winding ever got for Verve was on his next record, 1966's”Dirty Dog.” Featuring his patented four-trombone line-up with Carl Fontana, Urbie Green and Bill Watrous, Winding surrounded himself well with two-handed genius and funk overlord Herbie Hancock, bassist Bob Cranshaw, drummer Grady Tate and guitarist Al Gafa (under the pseudonym “Buzzy Bavarian,” to hide, perhaps an unusually rock-ish quality he lays down here). Winding traverses fast takes of the Hancock hits “Cantaloupe Island” and “Blind Man, Blind Man” and Gafa's surprisingly funky title track.

Winding's finest work with producer Creed Taylor, however, remains their last collaboration for Verve. “Penny Lane & Time” (1967) is an incredible accomplishment of pure pop finesse (shocking, given the number of Beatles covers here) and magical jazz arrangement (courtesy of Kai Winding himself). Winding pairs his mellifluous trombone with a four-part flute choir (featuring Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion and Jerome Richardson). The result, probably inspired by Winding's former partner, arranger Claus Ogerman, is truly ethereal. Winding ended his 12-album run at Verve much the way he began it: with great artistic beauty.

Shortly thereafter, Creed Taylor left Verve Records to form his own CTI Records label. Winding recorded yet another album - that remains unreleased - for the MGM label (with Taylor, most likely) before Taylor reunited Winding with J.J. Johnson. The pair collaborated on three high-profile reunion projects at A&M/CTI during the late 1960s. Winding also did session work at the time for such A&M/CTI recordings as Paul Desmond's “Summertime,” and Quincy Jones's “Walking in Space.”

By the early 1970s, Kai Winding toured extensively with The Giants Of Jazz, featuring such old comrades as Dizzy Gillespie and Sonny Stitt and legendary masters Thelonius Monk and Art Blakey. He was also caught on a series of records which captured the 1972 Newport in New York Festival, reuniting with such early cohorts as Billy Eckstein, Flip Phillips and Zoot Sims.

Winding eventually chose to play when he felt like it, settling in Spain with his third wife, Ezshwan. Records during these years were sparse and on very small labels: two for the Glendale label and two for Lionel Hampton's Who's Who In Jazz label. Winding still performed on a regular basis, pairing up with the great Curtis Fuller in 1979 for two excellent “Giant Bones” recordings. Finally, Winding recorded an incredible “Trombone Summit” for the German MPS label (1980), heading a bone quartet featuring Albert Mangelsdorff, Bill Watrous and Jiggs Whigham - even reuniting one last time with J.J. Johnson for “All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82” (1982).

Unfortunately, after a long and artistically fulfilling career, Kai Winding succumbed to a brain tumor in a New York hospital on May 6, 1983, just shy of his 61st birthday. One of his sons, Jai, has kept Kai Winding's musical legacy alive as a respected - and busy! - session keyboard player for a wide variety of artists including George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent and many, many others.

Kai Winding's bop legacy has been kept alive in a variety of worthwhile reissues and countless compilations. However, one hopes that eventually major labels will concede to acknowledge the considerable contribution Kai Winding made during the 1960s as part of Verve Records.

Source: Doug Payne

https://musicians.allaboutjazz.com/kaiwinding

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El trombonista Kai Christen Winding fue uno de los padres fundadores de la música be-bop y uno de los mejores trombonistas de jazz de todos los tiempos.

Como acompañante de los reyes del bop, Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron, fue más una dama de honor que una novia. Winding grabó muy pocas veces como líder durante este período y ninguna de sus composiciones llegó a ser realmente popular. De hecho, era adepto a poner un sello definitorio en las composiciones de los demás, un rasgo que recogió mientras esbozaba el arte del sonido de Stan Kenton a mediados de los años 40.

Kai nació el 18 de mayo de 1922, en Aarhaus, Dinamarca. Llegó a los Estados Unidos con su familia en 1934. En 1940, hizo su debut profesional como trombonista con la banda de Shorty Allen. Tocó con las bandas de Sonny Dunham y Alvino Rey antes de unirse a la Guardia Costera de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Después de convertirse en civil en 1945, trabajó con la banda de Benny Goodman, que era muy popular, y pasó a la orquesta de Stan Kenton, donde ayudó a definir el sonido broncínea de Kenton y, rápidamente, se convirtió en un solista destacado. A partir de entonces, se relacionó con varias estrellas emergentes del be-bop, el "nuevo jazz", y grabó prolíficamente, "sobre todo, como parte de uno de los noneto que apareció en el histórico "The Birth of the Cool" (Capitol/1949).

Winding grabó y tocó prolíficamente durante el decenio de 1950, como líder y "con distinción" detrás de varios solistas importantes y populares como Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Aún así, el trombón era considerado un instrumento inusual para dirigir un combo. Así que fue con una clarividente rareza que en 1954, el productor Ozzie Cadena propuso el matrimonio de dos trombones " La melifluidad de Winding con la angularidad del trombonista J.J. Johnson. Los dos líderes se unieron musicalmente de inmediato (vean el Savoy "Jay& Kai") y, sorprendentemente, se convirtieron en una atracción muy popular del club y en el favorito de la crítica. Jay y Kai - o "Kai y Jay" o "J.J. & K" o "J & K" o cualquier otra de una serie de otras combinaciones - nació.

El dúo grabó ocho álbumes muy populares y consistentemente artísticos en los dos años siguientes para los sellos Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige y Columbia. Fue durante este período que la gran habilidad compositiva de Kai fue finalmente reconocida con temas tan memorables como "Don't Argue", "Wind Bag", "That's How I Feel About You", "Gong Rock", "Jeanne" y "Caribe".

En ese momento, Kai Winding era una entidad muy conocida y financiable. Además de seguir trabajando en sesiones y en conciertos bien pagados, Winding grabó varios álbumes orientados al "concepto" para Columbia, donde se embarcó en su propio concepto notable - y exitoso - de una línea de frente de cuatro trombones.

El productor Creed Taylor, que siempre ha reconocido un sonido vendible (y produjo el cuarto álbum del dúo en Belén a partir de 1955, K + JJ), mantuvo una estrecha relación con Kai Winding. El productor trajo al trombonista para el encantador álbum de 1958, "The Axidentals " with the Kai Winding Trombones" (ABC Paramount) y se reunió con él cuando el productor dirigió la creación de Impulse Records " para la reunión de Kai y J.J. (The Great Kai & J.J. " con el número de catálogo "A-1") y el maravilloso disco en solitario "The Incredible Trombones of Kai Winding".

Cuando Creed Taylor aceptó una lucrativa oferta de MGM para dirigir la división de jazz de su sello discográfico, Verve, Kai Winding también fue invitado. Winding grabó una docena de álbumes y 4 discos no LP de 45 rpm con Creed Taylor durante su estancia en la discográfica (1961-67). La música que Winding hizo durante este tiempo es digna de ser escuchada y, sorprendentemente, poco característica de sus grabaciones antes o después.

Este es el período que más me preocupa en mi discografía " y cuando la leyenda del be-bop grabó lo que considero uno de sus materiales más interesantes. No hay duda de que Verve Records proporcionó a Kai Winding la mayor popularidad que había conocido durante toda su carrera y, en algunas extrañas y a veces maravillosas coincidencias, proporcionó al gran trombonista, compositor y arreglista la música más notable de su carrera.

El primer disco de Verve de Kai Winding fue el maravilloso y latino "Kai Olé" (1961). Todavía firmemente arraigado en el bebop, Winding va un poco más al sur de la frontera que en sus discos de Columbia, donde simplemente añadió una conga o un bongó para darle sabor a la mezcla. A Winding le siguió rápidamente el "Suspense Times in Jazz" (1962), una colección de "crime jazz" (¡muchas portadas de Henry Mancini!), arreglada por Winding o por el gran Oliver Nelson.

Luego vino "Solo" (1963), una de las primeras grabaciones de Kai Winding en 1963 y un hito en la carrera del trombonista. Aunque no es exactamente fiel a su título, ya que era una fecha de trombón con sección rítmica, "Solo" representó la primera grabación en solitario de Winding en la que él era el único trompetista. El disco también incluía varios títulos que celebraban el papel de Winding como director musical del Playboy Club de Nueva York, una posición que el músico mantuvo durante los años 60. "Solo" es, quizás, el mejor disco de jazz de Kai Winding en Verve, y quizás uno de los menos conocidos por el sello.

El siguiente disco, "Soul Surfin" (1963) cambió todas las reglas. De forma bastante inesperada, la versión de Kai Winding de "More (Theme From Mondo Cane)" de Riz Orolani se convirtió en un éxito entre los diez primeros en 1963, generando innumerables versiones de los solteros. El álbum, una colección de temas de surf un tanto interesantes, presentaba a Winding y al guitarrista Kenny Burrell detrás de la extrañamente molesta ondolina (¡interpretada, sin crédito, por el legendario Jean Jacques Perrey!). Después del increíble éxito del single, el álbum fue rebautizado como "More".

El siguiente fue el extraño álbum titulado "Kai Winding" (1963). El disco también era conocido por el título de "The Lonely One" debido al lanzamiento del uno 45 del álbum. Este, que contiene algunas canciones muy rockeras, en particular la cadera de Claus Ogerman "Get Lost", ciertamente contiene "Winding". Pero el trombonista apenas hace solos y casi nunca toma una línea principal. Este escritor adivina que el álbum estaba destinado a ser un reportaje para Garry (o "Gary" o "Gerry") Sherman, el arreglista de muchas de las canciones del álbum. Pero el éxito de "More" animó a Verve a publicar el disco (o un montón de grabaciones que incluían a Kai Winding) bajo el nombre del trombonista.

"Mondo Cane #2" (1963-64) fue el siguiente tema de Winding que cubría la secuela de Nino Oliviero (y no tan bueno como el original) del top diez de Winding. Cubriendo varias melodías ogermanas aquí (notablemente "Python") y unos pocos originales (el mejor, que es "Tema de Simio"), Winding parece apenas presente en este disco. Se dice que Jean Jacques Perrey ha tocado la ondiolina (acreditada a Winding!), que domina el sonido y los solos del disco. Este no es un disco para aquellos que admiran el sonido mágico del trombón de Winding. Cuando los éxitos no siguieron, Creed Taylor alejó a Kai Winding del truco del surf (y, afortunadamente, de la ondiolina) a otros pastos de trucos. Siguió "Modern Country" (1964), que combinaba el trombón y los arreglos de Kai con los cantantes de Anita Kerr y una sección rítmica de Nashville. De alguna manera, el concepto (que Taylor volvería a explorar con Hubert Laws para CTI) dio lugar a algunas actuaciones excepcionalmente notables. Echa un vistazo a "Busted", "Wolverton Mountain" y "Dang Me".

Volviendo a lo básico, Taylor y Winding concibieron posteriormente "Rainy Day" (1965) y "The In Instrumentals" (1965), ambas cosas que -muy al estilo de la época- intentan situar el sonido de Kai Winding en ámbitos más contemporáneos.

Las cosas comenzaron a ponerse de nuevo en marcha cuando la pareja concibió el excelente "More Brass" (1966) de Kai Winding, una referencia no muy revelada tanto al mayor éxito del trombonista como a su mejor activo. El disco produjo varias interpretaciones creíbles de pop contemporáneo, destacadas especialmente por el delicado estilo de clavicémbalo de Hank Jones, que todavía tenía ese sonido del pasado (y una maravillosa reorganización del éxito de Winding, "More").

Pero quizás el Kai Winding más "hippie" que jamás haya conseguido para Verve fue en su siguiente disco, "Dirty Dog" de 1966. Presentando su patentado conjunto de cuatro trombones con Carl Fontana, Urbie Green y Bill Watrous, Winding se rodeó de un genio de las dos manos y del señor del funk Herbie Hancock, del bajista Bob Cranshaw, del baterista Grady Tate y del guitarrista Al Gafa (bajo el seudónimo de "Buzzy Bavarian", para ocultar, tal vez, una cualidad inusualmente rockera que él pone aquí). Sinuosas y rápidas tomas de los éxitos de Hancock "Cantaloupe Island" y "Blind Man, Blind Man" y el sorprendente y funky tema del título de Gafa.

Sin embargo, el mejor trabajo de Winding con el productor Creed Taylor sigue siendo su última colaboración para Verve. "Penny Lane & Time" (1967) es un increíble logro de pura finura pop (impactante, dado el número de covers de los Beatles que hay aquí) y un mágico arreglo de jazz (cortesía del propio Kai Winding). Winding combina su melifluo trombón con un coro de flautas a cuatro voces (con Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion y Jerome Richardson). El resultado, probablemente inspirado por el antiguo socio de Winding, el arreglista Claus Ogerman, es verdaderamente etéreo. Winding terminó su carrera de 12 álbumes en Verve de la misma manera que la comenzó: con gran belleza artística.

Poco después, Creed Taylor dejó Verve Records para formar su propio sello CTI Records. Winding grabó otro álbum -que sigue sin publicarse- para el sello MGM (con Taylor, probablemente) antes de que Taylor reuniera a Winding con J.J. Johnson. El par colaboró en tres proyectos de reunión de alto perfil en A&M/CTI a finales de los 60. Winding también hizo trabajos de sesión en esa época para grabaciones de A&M/CTI como "Summertime" de Paul Desmond, y "Walking in Space" de Quincy Jones.

A principios de los 70, Kai Winding realizó una extensa gira con The Giants Of Jazz, presentando a viejos camaradas como Dizzy Gillespie y Sonny Stitt y a los legendarios maestros Thelonius Monk y Art Blakey. También fue capturado en una serie de discos que capturaron el Festival de Newport en Nueva York de 1972, reuniéndose con cohortes tan tempranas como Billy Eckstein, Flip Phillips y Zoot Sims.

Winding eligió finalmente tocar cuando le apetecía, estableciéndose en España con su tercera esposa, Ezshwan. Los discos durante estos años fueron escasos y en sellos muy pequeños: dos para el sello Glendale y dos para el sello Who's Who In Jazz de Lionel Hampton. Winding seguía tocando regularmente, formando pareja con el gran Curtis Fuller en 1979 para dos excelentes grabaciones de "Giant Bones". Finalmente, Winding grabó un increíble "Trombone Summit" para el sello alemán MPS (1980), encabezando un cuarteto de huesos con Albert Mangelsdorff, Bill Watrous y Jiggs Whigham - incluso se reunió por última vez con J.J. Johnson para el "All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82" (1982).

Desafortunadamente, después de una larga y artística carrera, Kai Winding sucumbió a un tumor cerebral en un hospital de Nueva York el 6 de mayo de 1983, justo antes de cumplir 61 años. Uno de sus hijos, Jai, ha mantenido vivo el legado musical de Kai Winding como un respetado - ¡y ocupado! - teclista de sesión para una gran variedad de artistas, incluyendo a George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent y muchos, muchos otros.

El legado del bop de Kai Winding se ha mantenido vivo en una variedad de reediciones valiosas e innumerables compilaciones. Sin embargo, se espera que con el tiempo los principales sellos discográficos reconozcan la considerable contribución que Kai Winding hizo durante los años 60 como parte de Verve Records.

Fuente: Doug Payne
https://musicians.allaboutjazz.com/kaiwinding