VA • Jazz Dispensary Cosmic Stash, 4 Vols.

 

Gary Bartz, Lee Konitz, Jackie McLean, Charlie Mariano • Altissimo

 

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#7

 

Gary Bartz • The Shadow Do!

 

Biography by Thom Jurek
Gary Bartz is an award-winning alto saxophonist, multi-instrumentalist, composer, bandleader, instructor, and sideman. Though he began his career with the Max Roach and Abbey Lincoln group in 1964 as well as many peers and mentors including McCoy Tyner, Pharoah Sanders, Woody Shaw, and Terumasa Hino. During the early 1970s Bartz founded NTU Troop and issued a series of pioneering albums including Follow the Medicine Man and I've Known Rivers and Other Bodies. The band's albums seamlessly integrated funky soul, African folk musics, post-bop, and spiritual jazz. During that decade Bartz worked extensively with Norman Connors, Donald Byrd, and groundbreaking jazz-funk producers, the Mizell Brothers. Though he led fewer dates during the '80s and '90s, he remained active as a collaborator and sideman. In 2003, Bartz joined the faculty of the Jazz Studies department at the Oberlin Conservatory of Music. He won a Grammy for his playing on Tyner's Illuminations in 2005 and released the acclaimed Coltrane Rules: Tao Music Warrior in 2012. In 2019 Bartz celebrated the 50th anniversary of his Another Earth at the Newport Jazz Festival alongside Ravi Coltrane and original personnel Charles Tolliver and Nasheet Waits. In 2020 he collaborated with London-based jazz-funk outfit Maisha on Night Dreamer: Direct to Disc Sessions. The following year, he collaborated with Adrian Younge and Ali Shaheed Muhammad on a dedicated volume in their ongoing Jazz Is Dead series, Gary Bartz JID006.

Born in Baltimore in 1940, Bartz is the son of nightclub-owning parents. He picked up the alto at age 11, influenced by the many top-level jazz musicians who made their way through his parents' club; he even got to sit in with Art Blakey and George Benson during his teens. After graduating from high school, Bartz attended the Juilliard Conservatory of Music. He became a member of Charles Mingus' Jazz Workshop from 1962-1964, where he worked with Eric Dolphy and encountered McCoy Tyner for the first time. He also began gigging as a sideman in the mid-'60s with the Abbey Lincoln and Max Roach group. He briefly joined Art Blakey & the Jazz Messengers and made his recording debut on their 1965 release Soul Finger, and remained for the following year's Hold On I'm Coming. In 1968 Bartz formed his own band and signed to Milestone. His debut, Libra, was performed by a quintet that included drummer Billy Higgins, bassist Richard Davis, pianist Albert Dailey, and trumpeter Jimmy Owens; the saxophonist continued to tour with the Roach/Lincoln band. He followed it with Another Earth in 1969, an album since celebrated as influential on both the American and European jazz scenes. His sidemen for the date included Pharoah Sanders, Reggie Workman, Charles Tolliver, Freddie Waits, and Stanley Cowell. In 1970, Miles Davis tapped Bartz for his Bitches Brew tour and featured him as a soloist on the Live-Evil recording. Subsequently, a more complete portrait emerged after his contribution to the Davis band was documented on The Cellar Door Sessions. Bartz formed the NTU Troop who, from the very beginning, melded soul, funk, African folk music, hard bop, and spiritual jazz in a vibrant multivalent whole. Vocalist Andy Bey joined the group for Harlem Bush Music: Taifa, Harlem Bush Music: Uhuru, Juju Street Songs and remained for several years. In 1972, Bartz began a longstanding working relationship with drummer Norman Connors on his groundbreaking soul-jazz outing Dance of Magic; he would record with the drummer throughout the decade. From 1973-1975, Bartz was on a roll. NTU Troop's I've Known Rivers and Other Bodies is one of the most revered jazz fusion outings of that decade and has proven influential for two generations of musicians in its wake. That same year, he collaborated with Jackie McLean on the acclaimed Ode to Super for Steeplechase, and appeared with Charlie Mariano on Altissimo for Philips.

NTU Troop issued its final outing, Singerella: A Ghetto Fairy Tale, in 1974 with producer Larry Mizell; he and Bartz formed a studio relationship that would last several years. In 1975, Bartz, the producer, and his brother Fonce Mizell (as well Davis' bandmembers Reggie Lucas, James Mtume, and Michael Henderson), collaborated for The Shadow Do. Two years later, with the same production team and an all-star guest list that included Syreeta, Mtume, James Gadson, David T. Walker, and others, Bartz issued the charting Music Is My Sanctuary, an album that initially proved far too funky for most jazz critics. Bartz stayed on a radio-friendly, pop-oriented jazz-funk tip for the remainder of the decade, issuing Love Affair in 1978 and Bartz in 1980.

The saxophonist spent most that decade as a sideman and billed collaborator. He worked steadily with Tyner, Phyllis Hyman, Mtume, Ndugu Chancler, and Woody Shaw. He returned to recording hard bop as a leader in 1988 with Monsoon and the following year's Reflections on Monk. Beginning with 1990's West 42nd Street, Bartz reveled in the hard bop tradition. 1991 saw the release of There Goes the Neighborhood, followed by Shadows, the latter with pianist Benny Green, bassist Christian McBride, drummer Victor Lewis, and tenor saxophonist Willie Williams. In 1994, Bartz briefly signed to Atlantic and issued one of his most enduring outings, the charting Red & Orange Poems. In its liner essay, critic Stanley Crouch wrote that: "he is one of the very finest to have ever picked up the instrument." He followed it a few months later with Episode 1: Children of Harlem, featuring a quartet that included pianist Larry Willis (Bartz had also been playing with his group), drummer Ben Riley, and bassist Buster Williams. In 1996, Bartz began to open up his sound again. Forming a studio band, he cut Blues Chronicles: Tales of Life with a star-studded lineup that included Jon Hendricks, Cyrus Chestnut, Dennis Chambers, Russell Malone, and rappers Nezkar Keith and Ransom. That same year, Bartz worked with organist Robert Walter on the Greyboy-produced Spirit of '70 that also included saxophonist Karl Denson. He closed the decade with the live Music for Ebbe: Live at San Sebastian ‎with Jeanne Lee and Jorge Pardo.

Bartz returned to his role as a collaborator during the early part of the new century. In 2000, he was co-billed with Jarek Śmietana on African Lake, which also included bassist Cameron Brown and trumpeter Jeremy Pelt. Three years later, in addition to releasing Jazz Time co-billed to Kankawa Toshihiko, he was featured on Blue Jazz with Malachi Thompson & Africa Brass and guest Billy Harper. Also in 2003, Bartz joined the staff of the Jazz Studies department at Oberlin Conservatory of Music where he remains. He issued Soprano Stories with a band that consisted of pianists John Hicks and George Cables, bassist James King, and drummer Greg Bandy. It marked his first album-length showcase for his soprano saxophone playing.

Bartz spent the next seven years teaching, playing out only occasionally. He received a Grammy for his work as a sideman on McCoy Tyner's Illuminations (2005). He re-emerged as a bandleader on 2012's Coltrane Rules: Tao Music Warrior on his own OYO label. In 2015, he was a featured guest on tenor saxophonist Allen Lowe's electro-acoustic score for Man with Guitar: Where's Robert Johnson? That same year Bartz was awarded the BNY Mellon Jazz 2015 Living Legacy Award. In 2019, after being celebrated for two decades as one of jazz's true fusion pioneers influencing everyone from Kamasi Washington, Yazz Ahmed, Shabaka Hutchings, and others, Revive Music invited Bartz to perform in celebration of the 50th Anniversary of Another Earth at New York's Winter Jazzfest. He reprised the performance at the North Sea and Newport Jazz Festivals and then at the Newport Jazz Fesitval with original personnel Charles Tolliver and Nasheet Waits as well as Ravi Coltrane.

In 2019, DJ and producer Gilles Peterson invited Bartz to play the annual We Out Here festival and selected the London-based spiritual jazz ensemble Maisha -- Amané Suganami, Twm Dylan, Tim Doyle, Yahael Camara-Onono, Shirley Tetteh, and Nubya Garcia -- to serve as his backing band. The gig went so well the group not only began playing dates across Europe, they re-assembled for a Peterson-curated We Out Here-branded gig at London's Royal Festival Hall, and a few months later, as part of the annual EFG London Jazz Festival. While they were playing their European dates, they booked two days in a recording studio in the Netherlands and cut five tunes for the direct-to-disc label Night Dreamer Records. Two early Bartz tunes, "Uhuru Sasa" and "Doctor Follows Dance," were rearranged by this group from the original recordings Harlem Bush Music: Uhuru and Follow the Medicine Man, respectively, while the other three were collectively written and arranged by the saxophonist and Maisha while they were on the road. The set was released in mid-2020, a few months shy of Bartz's 80th birthday. Just after, he went to Los Angeles and worked with Jazz Is Dead's multi-instrumentalist producers, Adrian Younge and Ali Shaheed Muhammad; that meeting resulted in 2021's Gary Bartz JID006.
https://www.allmusic.com/artist/gary-bartz-mn0000737969#biography

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Biografía de Thom Jurek
Gary Bartz es un saxofonista alto galardonado, multiinstrumentista, compositor, director de orquesta, instructor y acompañante. Aunque comenzó su carrera con Max Roach y Abbey Lincoln group en 1964, así como con muchos compañeros y mentores, incluidos McCoy Tyner, Pharoah Sanders, Woody Shaw y Terumasa Hino. A principios de la década de 1970, Bartz fundó NTU Troop y publicó una serie de álbumes pioneros que incluían Follow the Medicine Man y I've Known Rivers and Other Bodies. Los álbumes de la banda integraron a la perfección el soul funky, las músicas folclóricas africanas, el post-bop y el jazz espiritual. Durante esa década, Bartz trabajó extensamente con Norman Connors, Donald Byrd y los innovadores productores de jazz-funk, los Hermanos Mizell. Aunque dirigió menos fechas durante los años 80 y 90, se mantuvo activo como colaborador y acompañante. En 2003, Bartz se unió a la facultad del departamento de Estudios de Jazz en el Conservatorio de Música de Oberlin. Ganó un Grammy por su interpretación en Tyner's Illuminations en el 2005 y lanzó el aclamado Coltrane Rules: Tao Music Warrior en el 2012. En 2019 Bartz celebró el 50 aniversario de su Another Earth en el Festival de Jazz de Newport junto a Ravi Coltrane y el personal original Charles Tolliver y Nasheet Waits. En el 2020 colaboró con el grupo de jazz-funk Maisha, con sede en Londres, en Night Dreamer: Sesiones directas al Disco. Al año siguiente, colaboró con Adrian Younge y Ali Shaheed Muhammad en un volumen dedicado en su serie en curso Jazz Is Dead, Gary Bartz JID006.

Bartz, nacido en Baltimore en 1940, es hijo de padres dueños de clubes nocturnos. Aprendió el contralto a los 11 años, influenciado por los muchos músicos de jazz de primer nivel que se abrieron paso en el club de sus padres; incluso llegó a sentarse con Art Blakey y George Benson durante su adolescencia. Después de graduarse de la escuela secundaria, Bartz asistió al Conservatorio de Música Juilliard. Se convirtió en miembro del Taller de Jazz de Charles Mingus de 1962 a 1964, donde trabajó con Eric Dolphy y conoció a McCoy Tyner por primera vez. También comenzó a actuar como acompañante a mediados de los 60 con Abbey Lincoln y Max Roach group. Se unió brevemente a Art Blakey & the Jazz Messengers e hizo su debut discográfico en su lanzamiento de 1965 Soul Finger, y permaneció durante el año siguiente Hold On I'm Coming. En 1968 Bartz formó su propia banda y firmó con Milestone. Su debut, Libra, fue interpretado por un quinteto que incluía al baterista Billy Higgins, el bajista Richard Davis, el pianista Albert Dailey y el trompetista Jimmy Owens; el saxofonista continuó de gira con the Roach / Lincoln band. Lo siguió con Another Earth en 1969, un álbum que desde entonces se celebra como influyente tanto en la escena del jazz estadounidense como en la europea. Sus acompañantes para la cita incluyeron al faraón Sanders, Reggie Workman, Charles Tolliver, Freddie Waits y Stanley Cowell. En 1970, Miles Davis recurrió a Bartz para su gira Bitches Brew y lo presentó como solista en la grabación en vivo de Evil. Posteriormente, surgió un retrato más completo después de que su contribución a la banda de Davis fuera documentada en las sesiones de Cellar Door. Bartz formó la Tropa NTU que, desde el principio, fusionó soul, funk, música folclórica africana, hard bop y jazz espiritual en un todo vibrante y multivalente. El vocalista Andy Bey se unió al grupo para Harlem Bush Music: Taifa, Harlem Bush Music: Uhuru, Juju Street Songs y permaneció durante varios años. En 1972, Bartz inició una larga relación de trabajo con el baterista Norman Connors en su innovadora salida de soul-jazz Dance of Magic; grabaría con el baterista durante toda la década. De 1973 a 1975, Bartz estuvo en racha. I've Known Rivers and Other Bodies de NTU Troop es una de las salidas de jazz fusión más veneradas de esa década y ha demostrado ser influyente para dos generaciones de músicos a su paso. Ese mismo año, colaboró con Jackie McLean en la aclamada Ode to Super para Steeplechase, y apareció con Charlie Mariano en Altissimo para Philips.

NTU Troop emitió su última salida, Singerella: A Ghetto Fairy Tale, en 1974 con el productor Larry Mizell; él y Bartz formaron una relación de estudio que duraría varios años. En 1975, Bartz, el productor, y su hermano Fonce Mizell (así como los miembros de la banda de Davis, Reggie Lucas, James Mtume y Michael Henderson), colaboraron para The Shadow Do. Dos años después, con el mismo equipo de producción y una lista de invitados estelares que incluía a Syreeta, Mtume, James Gadson, David T. Walker, y otros, Bartz publicaron Music Is My Sanctuary, un álbum que inicialmente resultó demasiado funky para la mayoría de los críticos de jazz. Bartz se mantuvo en una pista de jazz-funk amigable con la radio y orientada al pop durante el resto de la década, emitiendo Love Affair en 1978 y Bartz en 1980.

El saxofonista pasó la mayor parte de esa década como acompañante y colaborador facturado. Trabajó constantemente con Tyner, Phyllis Hyman, Mtume, Ndugu Chancler y Woody Shaw. Volvió a grabar hard bop como líder en 1988 con Monsoon y Reflections on Monk del año siguiente. Comenzando con la calle 42 Oeste de 1990, Bartz se deleitó con la tradición del hard bop. en 1991 se lanzó There Goes the Neighborhood, seguido de Shadows, este último con el pianista Benny Green, el bajista Christian McBride, el baterista Victor Lewis y el saxofonista tenor Willie Williams. En 1994, Bartz firmó brevemente con Atlantic y publicó una de sus salidas más duraderas, The charting Red & Orange Poems. En su ensayo de línea, el crítico Stanley Crouch escribió que: "es uno de los mejores que jamás haya recogido el instrumento."Lo siguió unos meses después con el Episodio 1: Children of Harlem, con un cuarteto que incluía al pianista Larry Willis (Bartz también había estado tocando con su grupo), el baterista Ben Riley y el bajista Buster Williams. En 1996, Bartz comenzó a abrir su sonido nuevamente. Formando una banda de estudio, grabó Blues Chronicles: Tales of Life con una formación repleta de estrellas que incluía a Jon Hendricks, Cyrus Chestnut, Dennis Chambers, Russell Malone y los raperos Nezkar Keith y Ransom. Ese mismo año, Bartz trabajó con el organista Robert Walter en la producción de Greyboy Spirit of ' 70 que también incluyó al saxofonista Karl Denson. Cerró la década con la música en directo de Ebbe: Live at San Sebastian con Jeanne Lee y Jorge Pardo.

Bartz volvió a su papel de colaborador durante la primera parte del nuevo siglo. En 2000, fue co-facturado con Jarek Śmietana en African Lake, que también incluía al bajista Cameron Brown y al trompetista Jeremy Pelt. Tres años más tarde, además de lanzar Jazz Time co-facturado a Kankawa Toshihiko, apareció en Blue Jazz con Malachi Thompson & Africa Brass y el invitado Billy Harper. También en 2003, Bartz se unió al personal del departamento de Estudios de Jazz del Conservatorio de Música de Oberlin, donde permanece. Publicó Historias de soprano con una banda formada por los pianistas John Hicks y George Cables, el bajista James King y el baterista Greg Bandy. Marcó su primer escaparate de duración de álbum por su interpretación del saxofón soprano.

Bartz pasó los siguientes siete años enseñando, actuando solo ocasionalmente. Recibió un Grammy por su trabajo como acompañante en Illuminations de McCoy Tyner (2005). Resurgió como líder de banda en Coltrane Rules: Tao Music Warrior del 2012 en su propio sello OYO. En el 2015, fue invitado destacado en la partitura electroacústica del saxofonista tenor Allen Lowe para Man with Guitar: Where's Robert Johnson? Ese mismo año Bartz fue galardonado con el premio BNY Mellon Jazz 2015 Living Legacy Award. En 2019, después de ser celebrado durante dos décadas como uno de los verdaderos pioneros de la fusión del jazz influyendo en todos, desde Kamasi Washington, Yazz Ahmed, Shabaka Hutchings y otros, Revive Music invitó a Bartz a actuar para celebrar el 50 Aniversario de Another Earth en el Winter Jazzfest de Nueva York. Repitió la actuación en los Festivales de Jazz del Mar del Norte y Newport y luego en el Festival de Jazz de Newport con el personal original Charles Tolliver y Nasheet Waits, así como Ravi Coltrane.

En 2019, el DJ y productor Gilles Peterson invitó a Bartz a tocar en el festival anual We Out Here y seleccionó al conjunto de jazz espiritual Maisha, con sede en Londres, Amané Suganami, Twm Dylan, Tim Doyle, Yahael Camara-Onono, Shirley Tetteh y Nubya Garcia, para que actuaran como su banda de acompañamiento. El concierto fue tan bien que el grupo no solo comenzó a tocar en Europa, sino que se volvió a reunir para un concierto de la marca We Out Here comisariado por Peterson en el Royal Festival Hall de Londres y, unos meses más tarde, como parte del Festival anual de Jazz EFG de Londres. Mientras tocaban en sus fechas europeas, reservaron dos días en un estudio de grabación en los Países Bajos y grabaron cinco canciones para el sello discográfico Night Dreamer Records. Dos de las primeras melodías de Bartz, "Uhuru Sasa" y "Doctor Follows Dance", fueron reorganizadas por este grupo a partir de las grabaciones originales de Harlem Bush Music: Uhuru y Follow the Medicine Man, respectivamente, mientras que las otras tres fueron escritas y arregladas colectivamente por el saxofonista y Maisha mientras estaban de gira. El set se lanzó a mediados de 2020, unos meses antes del 80 cumpleaños de Bartz. Justo después, fue a Los Ángeles y trabajó con los productores multiinstrumentistas de Jazz Is Dead, Adrian Younge y Ali Shaheed Muhammad; esa reunión resultó en Gary Bartz JID006 de 2021.
https://www.allmusic.com/artist/gary-bartz-mn0000737969#biography

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Vincent Herring, Bobby Watson & Gary Bartz • Bird at 100

 

THREE OF THE MOST ACCLAIMED VOICES OF MODERN JAZZ: VINCENT HERRING, BOBBY WATSON, AND GARY BARTZ, an alto saxophone summit for the ages, celebrate the centennial of one of music’s most iconic figures, Charlie Parker. Along with a superb rhythm section, the three distinctive altoists pay tribute to Parker’s legacy in the most apt fashion for this ground-breaking pioneer: by carrying his innovations forward in their own utterly singular styles.

The soul-stirring Bird at 100 traces a direct lineage from Parker’s birthplace in Kansas City to the stage of Smoke Jazz & Supper Club, where these three influential acolytes look back from the vantage point of jazz in 2019, with a combination of reverence, respect and adventure. The program offers a buoyant mix of classic Parker tunes, familiar standards once recorded by Bird (and the generations since) and new compositions written in honor of the master.

The three are ably backed on Bird at 100 by a rhythm section that has deeply imbibed the entire sweep of that history: pianist David Kikoski, bassist Yasushi Nakamura, and drummer Carl Allen. All three are regular collaborators with Herring, thus bringing a well-established chemistry to this all-star outing.

“The influence of Charlie Parker is a constant thread that runs through all of us,” says Herring, who brainstormed the date. “It’s amazing how much Charlie Parker has touched so many different people in their pursuit of music. We certainly take in other influences as well, and of course we all hope to put our own stamp on it, but Bird is always there through his vocabulary and his way of interpreting of the music.”
https://smokesessionsrecords.com/shop/albums/bird-at-100/

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TRES DE LAS VOCES MÁS ACLAAMADAS DEL JAZZ MODERNO: VINCENT HERRING, BOBBY WATSON Y GARY BARTZ, una cumbre del saxofón alto para la posteridad, celebran el centenario de una de las figuras más emblemáticas de la música, Charlie Parker. Junto con una magnífica sección rítmica, los tres distintivos saxofonistas altos rinden homenaje al legado de Parker de la manera más adecuada para este pionero revolucionario: llevando adelante sus innovaciones con sus propios estilos absolutamente singulares.

El conmovedor Bird at 100 traza un linaje directo desde el lugar de nacimiento de Parker en Kansas City hasta el escenario del Smoke Jazz & Supper Club, donde estos tres influyentes discípulos miran atrás desde la perspectiva del jazz en 2019, con una combinación de reverencia, respeto y aventura. El programa ofrece una animada mezcla de temas clásicos de Parker, estándares familiares que Bird (y las generaciones posteriores) grabaron en su día y nuevas composiciones escritas en honor al maestro.

Los tres cuentan con el hábil respaldo en Bird at 100 de una sección rítmica que ha asimilado profundamente toda esa historia: el pianista David Kikoski, el bajista Yasushi Nakamura y el baterista Carl Allen. Los tres colaboran habitualmente con Herring, lo que aporta una química bien establecida a esta salida estelar.

«La influencia de Charlie Parker es un hilo conductor que nos une a todos», afirma Herring, quien ideó la fecha. «Es increíble cómo Charlie Parker ha influido en tantas personas diferentes en su búsqueda de la música. Por supuesto, también recibimos otras influencias y todos esperamos dejar nuestra propia huella, pero Bird siempre está presente a través de su vocabulario y su forma de interpretar la música».
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Donald Byrd • Stepping Into Tomorrow

 

Review
by Andy Kellman  
Beginning with a crack of thunder, like it was made to trail Gary Bartz's "Mother Nature" (actually recorded at a slightly later date), Stepping into Tomorrow contains almost all of the Mizell trademarks within its title track's first 30 seconds: a soft and easy (yet still funky) electric-bass-and-drums foundation, silken rhythm guitar, organ and piano gently bouncing off one another, light synthesizer shading, and coed group vocals to ensure true liftoff. It's only one in a line of many magnetic '70s sessions led by Fonce and Larry Mizell, and it differs from their two previous Donald Byrd dates -- the polarizing and groundbreaking Black Byrd and the deceptively excellent Street Lady -- by not featuring any of Roger Glenn's flute, and by focusing on heavily melodic and laid-back arrangements. Even the speedy "You Are the World," by some distance the most energetic song, seems more suited for relaxing in a hammock than shooting down a freeway. Many of the musicians present on the previous Byrd-Mizell meetings are here, including drummer Harvey Mason, bassist Chuck Rainey, keyboardist Jerry Peters, and guitarist David T. Walker. As ever, those who pined for the approach of Byrd's '60s dates would tune out a sublime set of material, but maybe some of those who sniffed at the straightforward nature of some of the rhythms and riffing were won over by the supreme layering of the many components (the way in which "Think Twice" lurches forward, peels back, and gathers steam is nothing short of heavenly), not to mention some deeply evocative playing from Byrd himself.
https://www.allmusic.com/album/stepping-into-tomorrow-mw0000057832

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Reseña
por Andy Kellman  
Empezando con un trueno, como si estuviera hecho para seguir a "Mother Nature" de Gary Bartz (en realidad grabado en una fecha ligeramente posterior), Stepping into Tomorrow contiene casi todas las marcas registradas de Mizell dentro de los primeros 30 segundos de su tema principal: una base de bajo eléctrico y batería suave y fácil (pero todavía funky), una guitarra rítmica sedosa, un órgano y un piano que rebotan suavemente entre sí, un ligero matiz de sintetizador y voces grupales conjuntas para asegurar un verdadero despegue. Es sólo una de las muchas sesiones magnéticas de los años 70 dirigidas por Fonce y Larry Mizell, y difiere de sus dos citas anteriores con Donald Byrd -el polarizador y rompedor Black Byrd y el engañosamente excelente Street Lady- por no presentar nada de la flauta de Roger Glenn, y por centrarse en arreglos muy melódicos y relajados. Incluso la veloz "You Are the World", con diferencia la canción más enérgica, parece más adecuada para relajarse en una hamaca que para rodar por una autopista. Muchos de los músicos presentes en las anteriores reuniones de Byrd-Mizell están aquí, como el batería Harvey Mason, el bajista Chuck Rainey, el teclista Jerry Peters y el guitarrista David T. Walker. Como siempre, los que añoran el enfoque de las citas de Byrd en los 60 se quedarán con un material sublime, pero quizás algunos de los que olfatearon la naturaleza directa de algunos ritmos y riffs fueron conquistados por la suprema estratificación de los muchos componentes (la forma en que "Think Twice" avanza, retrocede y se llena de vapor es nada menos que celestial), por no hablar de una interpretación profundamente evocadora del propio Byrd.
https://www.allmusic.com/album/stepping-into-tomorrow-mw0000057832

Tommy Cecil│Tommy Flanagan│Gary Bartz│Billy Hart│Paul Bollenback│Cyro Baptista • Samba For Felix

 

Colaborador / Contributor:  Mich58

VA • Miles From India, A Celebration Of The Music Of Miles Davis

 

 

Review
by Sean Westergaard  
It was such a simple concept. Producer Bob Belden (who has directed the Miles Davis reissue series) was talking with Times Square label owner Yusuf Gandhi about Miles' use of Indian instrumentation during The Complete On the Corner Sessions and wondered aloud what it would sound like if Indian musicians played Miles' music. Gandhi replied "Miles from India," and nearly a year later Belden delivered this brilliant set that not only features a number of India's finest musicians but a veritable who's who of Miles' own sidemen. In perhaps the boldest move, Belden and the musicians looked well beyond Miles' 1972-1975 sessions with Indian instruments for inspiration, performing tracks from the '50s, '60s, '70s, and '80s (the same time span covered by Miles' associates on this album). Another fun thing about these performances is that some of Miles' sidemen play on songs they didn't originally play on -- like the opener, "Spanish Key," featuring Mike Stern and Dave Liebman. But despite some additional Indian percussion and vocalizing, "Spanish Key" doesn't vary much from the original. On the other hand, "All Blues" is completely transformed, with Ravi Chary's sitar taking the place of Miles' trumpet. The Gary Bartz/Rudresh Mahanthappa sax duet on this is a real treat, as are the presence and playing of Jimmy Cobb, who also played on the original 1959 Kind of Blue session. The fast version of "Ife" marks the entrance of monster bass player Michael Henderson and the wonderfully deranged guitar of Pete Cosey, who does not record nearly enough. After the lovely but relatively brief sarod-led "In a Silent Way," it's great to hear Cosey rip it up on "It's About That Time." He's nearly matched in intensity by Bartz's sax and Kala Ramnath's violin while Henderson does his thing with that killer Dave Holland bassline. Stern gets to reprise his role on the classic "Jean Pierre," paired with some great flute from Rakesh Chaurasia.

Chick Corea appears only on "So What," but turns in a great piano solo with some tasty inside-the-piano work. Like "All Blues," "So What" becomes something else again with the addition of a trio of Indian percussionists and a change in time signature. And while the bassline of "Miles Runs the Voodoo Down" doesn't really lend itself to Henderson's signature propulsive style, the percussionists lock in with him, providing a platform for more sick playing from Cosey. "Blue in Green" has Wallace Roney's trumpet singing with Shankar Mahadevan's voice and then sarangi in another sublime transformation. Here, Mike Stern's solo is as gentle as the one on "Jean Pierre" was noisy. Henderson and drummer Vince Wilburn kick it on "Great Expectations," which segues briefly into the introspective "Orange Lady" and back. Chary and Roney both contribute excellent solos and Cosey goes nuts (why doesn't he record more?). Fortunately, he gets plenty more space on the slow version of "Ife," both soloing and comping. The rhythm section of Henderson and Badal Roy on tabla is completely hypnotic here, providing a perfect base for languid solos from Dave Liebman and Gary Bartz and some nice spacy sounds from Cosey and Adam Holzman. The album closes with the only track Miles didn't record: "Miles from India," penned by John McLaughlin for this set. Scored for voice, piano, guitar, and the electric mandolin of U. Srinivas, it's a pensive and atmospheric track that nevertheless features some passionate soloing. And that's merely touching on some of the highlights. Folks like Ron Carter, Marcus Miller, Ndugu Chancler, and Lenny White haven't even been mentioned, let alone some of the great Indian musicians also present here.

The essence of jazz is improvisation and expression, and Miles always sought out highly individual players. The beauty of Miles from India is how the players from different cultures and backgrounds meet on Miles' turf with their individual voices completely intact. Miles from India is not only an amazing celebration of the music of Miles Davis, it's also a tribute to the way Miles and Teo Macero changed the way jazz music can be made. Granted, it's the musicians involved who turn in these scorching performances, but this album was recorded in Mumbai, India, Chicago, New York, Los Angeles, and Saylorsburg, PA (!?), and would not have been possible without the studio techniques Macero pioneered with Miles. Perhaps, like Macero, Bob Belden will be remembered more for his production than his horn playing. Either way, with Miles from India, Belden has outdone himself and delivered a tribute that succeeds completely on every level. Kudos to all involved.
https://www.allmusic.com/album/miles-from-india-mw0000783402

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Revisar
por Sean Westergaard
Era un concepto tan simple. El productor Bob Belden (que dirigió la serie de reediciones de Miles Davis) estaba hablando con el propietario del sello Times Square, Yusuf Gandhi, sobre el uso de instrumentación india por parte de Miles durante The Complete On the Corner Sessions y se preguntó en voz alta cómo sonaría si músicos indios tocaran la canción de Miles. música. Gandhi respondió "Miles de la India", y casi un año después, Belden entregó este brillante set que no sólo presenta a varios de los mejores músicos de la India, sino también a un verdadero quién es quién de los acompañantes de Miles. Quizás en el movimiento más audaz, Belden y los músicos miraron mucho más allá de las sesiones de Miles de 1972-1975 con instrumentos indios en busca de inspiración, interpretando temas de los años 50, 60, 70 y 80 (el mismo lapso de tiempo cubierto por Miles). asociados en este álbum). Otra cosa divertida de estas actuaciones es que algunos de los acompañantes de Miles tocan canciones que ellos no tocaron originalmente, como el tema de apertura, "Spanish Key", con Mike Stern y Dave Liebman. Pero a pesar de algunas percusiones y vocalizaciones indias adicionales, "Spanish Key" no varía mucho del original. Por otro lado, "All Blues" se transforma completamente, con el sitar de Ravi Chary reemplazando a la trompeta de Miles. El dúo de saxos de Gary Bartz y Rudresh Mahanthappa es un verdadero placer, al igual que la presencia y la interpretación de Jimmy Cobb, quien también tocó en la sesión original de Kind of Blue de 1959. La versión rápida de "Ife" marca la entrada del monstruoso bajista Michael Henderson y la guitarra maravillosamente trastornada de Pete Cosey, que no graba lo suficiente. Después del encantador pero relativamente breve "In a Silent Way", dirigido por un sarod, es genial escuchar a Cosey romperlo en "It's About That Time". Casi lo igualan en intensidad el saxo de Bartz y el violín de Kala Ramnath, mientras que Henderson hace lo suyo con esa línea de bajo asesina de Dave Holland. Stern vuelve a interpretar su papel en el clásico "Jean Pierre", junto con una gran flauta de Rakesh Chaurasia.

Chick Corea aparece sólo en "So What", pero presenta un gran solo de piano con un sabroso trabajo dentro del piano. Al igual que "All Blues", "So What" vuelve a convertirse en algo distinto con la incorporación de un trío de percusionistas indios y un cambio en el compás. Y aunque la línea de bajo de "Miles Runs the Voodoo Down" realmente no se presta al estilo propulsor característico de Henderson, los percusionistas se unen a él, proporcionando una plataforma para que Cosey toque más enfermizo. "Blue in Green" tiene la trompeta de Wallace Roney cantando con la voz de Shankar Mahadevan y luego sarangi en otra transformación sublime. Aquí el solo de Mike Stern es tan suave como ruidoso el de "Jean Pierre". Henderson y el baterista Vince Wilburn lo lanzan en "Great Expectations", que da paso brevemente a la introspectiva "Orange Lady" y regresa. Chary y Roney contribuyen con excelentes solos y Cosey se vuelve loco (¿por qué no graba más?). Afortunadamente, obtiene mucho más espacio en la versión lenta de "Ife", tanto en solitario como en composición. La sección rítmica de Henderson y Badal Roy en tabla es completamente hipnótica aquí, proporcionando una base perfecta para los lánguidos solos de Dave Liebman y Gary Bartz y algunos sonidos agradables y espaciosos de Cosey y Adam Holzman. El álbum se cierra con la única canción que Miles no grabó: "Miles from India", escrita por John McLaughlin para este set. Compuesta para voz, piano, guitarra y mandolina eléctrica de U. Srinivas, es una pista pensativa y atmosférica que, sin embargo, presenta algunos solos apasionantes. Y esto es sólo mencionar algunos de los aspectos más destacados. Personas como Ron Carter, Marcus Miller, Ndugu Chancler y Lenny White ni siquiera han sido mencionadas, y mucho menos algunos de los grandes músicos indios que también están presentes aquí.

La esencia del jazz es la improvisación y la expresión, y Miles siempre buscó intérpretes muy individuales. La belleza de Miles from India es cómo los jugadores de diferentes culturas y orígenes se encuentran en el césped de Miles con sus voces individuales completamente intactas. Miles from India no es sólo una increíble celebración de la música de Miles Davis, sino también un tributo a la forma en que Miles y Teo Macero cambiaron la forma en que se puede hacer música jazz. Por supuesto, son los músicos involucrados quienes ofrecen estas ardientes actuaciones, pero este álbum fue grabado en Mumbai, India, Chicago, Nueva York, Los Ángeles y Saylorsburg, PA (!?), y no habría sido posible sin las técnicas de estudio. Macero fue pionero con Miles. Quizás, como Macero, Bob Belden sea recordado más por su producción que por su forma de tocar la trompeta. De cualquier manera, con Miles de la India, Belden se ha superado a sí mismo y ha entregado un tributo que triunfa completamente en todos los niveles. Felicitaciones a todos los involucrados.
https://www.allmusic.com/album/miles-from-india-mw0000783402

Woody Shaw • Blackstone Legacy

 

Review
by Michael G. Nastos  
Originally a two-fer on vinyl and now on one CD, Shaw's debut as a leader is one of the first "free bop" sessions, in many ways his answer to Bitches Brew. The trumpeter's ensemble extracts dense, energetic, meaty collective sounds based in pure improvisation with a skeleton of a rhythmic framework to expound upon. Saxophonists Gary Bartz & Bennie Maupin, electric pianist George Cables, twin bassists Ron Carter and Clint Houston, and drummer Lenny White respond to Shaw's heavy direction, making for some of the most kinetic jazz heard in that period of early fusion. Shaw's bright melodicism, hard edged swing and refusal to compromise are his greatest assets. They come shining through on tuneful classics like the unstoppable "Think On Me" and stop-start gymnastics of "Boo-Ann's Grand." It represents the progressive bop aesthetic at a fever pitch. The title track is as wild and wooly as Woody could be, while "Lost & Found" is free bop at its finest. "New World" is a free funk number, quite a trend setter for its time, while "A Deed For Dolphy" shows an abstract, no-time side rarely heard from Shaw. All tunes are quite lengthy, no shorter than nine, no longer than seventeen minutes. This allows the band to develop their ideas and interact in a manner more akin to a concert setting. Bartz (alto and soprano saxophone) and Maupin (tenor saxophone, bass clarinet and flute) consistently show why they are two of the best improvising jazzmen out there. As much as the music is the thing, it is the singular presence of Shaw that refracts many colors of light and dark, like a multi-hued beacon directing many ships to port. There is not a better example of this music from its inception, documented on tape, than this other worldly session that brought the trumpeter to the jazz world's attention. Furthermore, few have done it better since. Truly a landmark recording, and a pivot point in the history of post-modern music.
https://www.allmusic.com/album/blackstone-legacy-mw0000244299

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Originalmente en dos vinilos y ahora en un CD, el debut de Shaw como líder es una de las primeras sesiones de "free bop", en muchos sentidos su respuesta a Bitches Brew. El conjunto del trompetista extrae sonidos colectivos densos, enérgicos y carnosos basados en la improvisación pura con un esqueleto de marco rítmico sobre el que explayarse. Los saxofonistas Gary Bartz y Bennie Maupin, el pianista eléctrico George Cables, los bajistas gemelos Ron Carter y Clint Houston, y el batería Lenny White responden a la fuerte dirección de Shaw, dando lugar a uno de los jazz más cinéticos que se escucharon en ese periodo de fusión temprana. El brillante melodicismo de Shaw, su swing duro y su negativa a transigir son sus mayores bazas. Brillan con luz propia en clásicos afinados como el imparable "Think On Me" y la gimnasia de parada y arranque de "Boo-Ann's Grand". Representa la estética del bop progresivo en su punto álgido. La canción que da título al disco es tan salvaje y lanosa como Woody podría ser, mientras que "Lost & Found" es bop libre en su máxima expresión. "New World" es un tema de free funk que marcó tendencia en su época, mientras que "A Deed For Dolphy" muestra un lado abstracto y sin tiempo que raramente se escucha de Shaw. Todos los temas son bastante largos, no menos de nueve ni más de diecisiete minutos. Esto permite a la banda desarrollar sus ideas e interactuar de una manera más parecida a la de un concierto. Bartz (saxofón alto y soprano) y Maupin (saxofón tenor, clarinete bajo y flauta) demuestran constantemente por qué son dos de los mejores improvisadores de jazz que existen. Además de la música, es la presencia singular de Shaw la que refracta muchos colores de luz y oscuridad, como un faro multicolor que dirige muchos barcos a puerto. No hay mejor ejemplo de esta música desde sus inicios, documentada en cinta, que esta sesión de otro mundo que dio a conocer al trompetista al mundo del jazz. Además, pocos lo han hecho mejor desde entonces. Una grabación que marca un hito y un punto de inflexión en la historia de la música posmoderna.
https://www.allmusic.com/album/blackstone-legacy-mw0000244299


woodyshaw.com ...

Peter Leitch and Gary Bartz • The Montréal Concert

 

peterleitch.com ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

 

Roy Hargrove • Grande-Terre

 

Increasingly and with growing momentum, right up until he died at the young age of 55 in 2018, Roy Hargrove was a standard bearer for a new kind of African American jazz. The recipe embraced a variety of styles—jazz, Afro-Cuban music, funk, hip hop and soul—and it influenced a generation of musicians in jazz and beyond.

But Hargrove never abandoned jazz, the foundation stone of his style. Instead he regarded other genres as part of a rainbow of expression. "The spirit and energy that musicians are putting into it is the same," he told the San Jose Mercury News in 2003. "It's just a different way of speaking, a different dialect. I've been around all kinds of musicians, and if a cat can play, a cat can play. If it's gospel, funk, R&B, jazz or hip-hop, if it's something that gets in your ear and it's good, that's what matters." Hargrove shared this inclusive attitude with a contemporaneous, emerging generation of mainly Black jazz musicians in London, who, from around 2000, began revitalising British jazz with a similarly wide-screen approach. Take a bow, synchronicity.

Hargrove's band Crisol—Spanish for melting pot—represents a relatively conservative direction among his pot pourri of departures. It brought together American jazz and Afro-Cuban music and musicians, hardly a new thing in 1997, when the band released its Grammy-winning debut album, Habana (Verve). First-generation hard bop had included a similar strand from the get-go. But Habana was a magnificent album and is still a joy to listen to. And so is the follow-up, Grande-Terre, which was recorded in 1998 and has not previously been released. Check the opening track, "Rumba Roy," on the YouTube below. In all the essential characteristics it is classic hard bop. The Afro-Cuban rhythms and piano guajes are entirely of a type with those old Blue Note albums, though presented here with more prominence and played with more authenticity. While the band's personnel is almost entirely different from that on the first album—the only holdovers are trombonist Frank Lacy and percussionists Miguel "Angá" Díaz and José Luis "Changuito" Quintana—the groove is unchanged. Unchanged too is the policy of in-house composing. With the exception of Cedar Walton's "Afreaka," all the pieces were written by Hargrove or members of the band, much as on Habana , which had two covers, both by Kenny Dorham.

There are style differences. Guitarist Ed Cherry's beautiful comping is not classic hard bop, neither is the occasional use of electric keyboards, and the harmonies are sometimes a little more advanced than back in the day (the bittersweet horn voicings on "Lullabye from Atlantis," incidentally, sound remarkably like those written by British alto saxophonist John Dankworth for the soundtrack of Joseph Losey's mega-noir 1963 film, The Servant).

But basically, with Crisol, Hargrove was concerned with digging deeper into the hard bop tradition, refreshing it while not moving fundamentally beyond it. And he and the band do the music proud. Grande-Terre should ring the bell of all who love those enduring masterpieces by Art Blakey, Kenny Dorham and Joe Henderson, and their peers.
https://www.allaboutjazz.com/grande-terre-roy-hargroves-crisol-verve-records

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Cada vez más y con un impulso creciente, hasta que murió a la temprana edad de 55 años en 2018, Roy Hargrove fue un abanderado de un nuevo tipo de jazz afroamericano. La receta abarcó una variedad de estilos (jazz—música afrocubana, funk, hip hop y soul) e influyó en una generación de músicos de jazz y más allá.

Pero Hargrove nunca abandonó el jazz, la piedra angular de su estilo. En cambio, consideraba otros géneros como parte de un arcoíris de expresión. "El espíritu y la energía que los músicos están poniendo en él es el mismo", dijo al San Jose Mercury News en 2003. "Es solo una forma diferente de hablar, un dialecto diferente. He estado rodeado de todo tipo de músicos, y si un gato puede tocar, un gato puede tocar. Si es gospel, funk, R & B, jazz o hip-hop, si es algo que te llega al oído y es bueno, eso es lo que importa."Hargrove compartió esta actitud inclusiva con una generación contemporánea y emergente de músicos de jazz principalmente negros en Londres, quienes, alrededor del 2000, comenzaron a revitalizar el jazz británico con un enfoque similar de pantalla ancha. Haz una reverencia, sincronicidad.

La banda de Hargrove, Crisol, que en español significa crisol, representa una dirección relativamente conservadora entre su popurrí de salidas. Reunió jazz estadounidense y música y músicos afrocubanos, algo que no era nada nuevo en 1997, cuando la banda lanzó su álbum debut ganador del Grammy, Habana (Verve). El hard bop de primera generación había incluido una línea similar desde el principio. Pero Habana fue un álbum magnífico y sigue siendo un placer escucharlo. Y también lo es el seguimiento, Grande-Terre, que se grabó en 1998 y no se había publicado anteriormente. Mira la canción de apertura, "Rumba Roy", en el YouTube a continuación. En todas las características esenciales, es el clásico hard bop. Los ritmos afrocubanos y los guajes de piano son completamente de un tipo con esos viejos álbumes de Blue Note, aunque presentados aquí con más protagonismo y tocados con más autenticidad. Si bien el personal de la banda es casi completamente diferente al del primer álbum, los únicos vestigios son el trombonista Frank Lacy y los percusionistas Miguel "Angá" Díaz y José Luis" Changuito " Quintana, el ritmo no ha cambiado. Tampoco ha cambiado la política de composición interna. Con la excepción de "Afreaka" de Cedar Walton, todas las piezas fueron escritas por Hargrove o miembros de la banda, al igual que en Habana, que tenía dos versiones, ambas de Kenny Dorham.

Hay diferencias de estilo. La hermosa composición del guitarrista Ed Cherry no es un hard bop clásico, ni el uso ocasional de teclados eléctricos, y las armonías a veces son un poco más avanzadas que en el pasado (las voces agridulces de la bocina en "Lullabye from Atlantis", por cierto, suenan notablemente como las escritas por el saxofonista alto británico John Dankworth para la banda sonora de la película mega-negra de Joseph Losey de 1963, The Servant).

Pero básicamente, con Crisol, Hargrove estaba preocupado por profundizar en la tradición del hard bop, refrescándola sin moverse fundamentalmente más allá de ella. Y él y la banda hacen la música orgullosos. Grande-Terre debería llamar la atención de todos los que aman esas obras maestras perdurables de Art Blakey, Kenny Dorham y Joe Henderson, y sus pares.
https://www.allaboutjazz.com/grande-terre-roy-hargroves-crisol-verve-records

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Woody Shaw • For Sure!

 

Review
by Scott Yanow
One of five Woody Shaw albums on Columbia, this fine set finds the trumpeter's regular quartet (with pianist Larry Willis, bassist Stafford James, and drummer Victor Lewis) augmented by several horn players (Carter Jefferson on tenor and soprano, trombonists Curtis Fuller and Steve Turre, altoist Gary Bartz, and flutist James Spaulding), the percussion of Naná Vasconcelos, and, on two tracks, up to six strings. In addition, Judi Singh adds eerie vocals to "Time Is Right" and "Why?" Six separate sessions were needed to complete the LP, and the personnel varies on each track. There are originals performed by Shaw, Singh, Willis, and Lewis, but it is the trumpeter's feature on "We'll Be Together Again" with the strings that ends up being most memorable.
https://www.allmusic.com/album/for-sure%21-mw0000950895

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Reseña
por Scott Yanow
Uno de los cinco álbumes de Woody Shaw en Columbia, este buen conjunto encuentra el cuarteto habitual del trompetista (con el pianista Larry Willis, el bajista Stafford James y el baterista Victor Lewis) aumentado por varios trompistas (Carter Jefferson en tenor y soprano, los trombonistas Curtis Fuller y Steve Turre, el contralto Gary Bartz y el flautista James Spaulding), la percusión de Naná Vasconcelos y, en dos temas, hasta seis cuerdas. Además, Judi Singh añade una voz inquietante a "Time Is Right" y "Why?". Se necesitaron seis sesiones distintas para completar el LP, y el personal varía en cada tema. Hay temas originales interpretados por Shaw, Singh, Willis y Lewis, pero es la participación del trompetista en "We'll Be Together Again" con las cuerdas la que acaba siendo más memorable.
https://www.allmusic.com/album/for-sure%21-mw0000950895

Roy Hargrove • Of Kindred Souls

 

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Joey DeFrancesco • Ballads And Blues

 

Review by Ronnie D. Lankford, Jr.
Don't be fooled by the title. While Ballads and Blues may sound like a mellow batch of tunes to listen to while strolling in the park, the ever-soulful Joey DeFrancesco has something else in mind. The album takes off with "Get It All," a groovy piece of funk complete with Paul Bollenback's zesty guitar and Byron Landham's balanced backbeat. A steady, rocking groove also defines pieces like "Take the Coltrane" and "Jammin' in the Basement." The latter cut, in particular, emanates a good vibe, perhaps due to the presence of brother John DeFrancesco on guitar and Papa John DeFrancesco on a second B-3. Other guests include Pat Martino and saxophonist Gary Bartz on two tracks each. At least two pieces, "Home on the Range" and "Mama Don't Allow No," suggest that DeFrancesco has been hanging out with genre-bending guitarist Bill Frisell. And while soul-jazz renditions of folk songs may sound like a strange mix, every cut flows together in a lovely mesh of organ, guitar, and drums. DeFrancesco ends the album in a flourish by adding his smooth, rich vocals to "That's All." While his fans probably will not wait for a recommendation to pick up Ballads and Blues, everyone else will find the album a good introduction to organ music for the new millennium.
https://www.allmusic.com/album/ballads-and-blues-mw0000221431

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Reseña de Ronnie D. Lankford, Jr.
No te dejes engañar por el título. Mientras que Ballads and Blues puede sonar como un grupo de melodías suaves para escuchar mientras se pasea por el parque, el siempre sabio Joey DeFrancesco tiene algo más en mente. El álbum arranca con "Get It All", una pieza groovy de funk que se completa con la guitarra de Paul Bollenback y el ritmo equilibrado de Byron Landham. Un ritmo constante y rockero también define piezas como "Take the Coltrane" y "Jammin' in the Basement". Este último corte, en particular, emana buen rollo, quizás debido a la presencia del hermano John DeFrancesco a la guitarra y de Papa John DeFrancesco en un segundo B-3. Otros invitados son Pat Martino y el saxofonista Gary Bartz en dos temas cada uno. Al menos dos piezas, "Home on the Range" y "Mama Don't Allow No", sugieren que DeFrancesco ha pasado el rato con el guitarrista Bill Frisell. Y aunque las interpretaciones de soul-jazz de canciones folk pueden parecer una mezcla extraña, cada corte fluye en una encantadora malla de órgano, guitarra y batería. DeFrancesco termina el álbum con una floritura añadiendo su suave y rica voz a "That's All". Mientras que sus fans probablemente no esperarán una recomendación para coger Ballads and Blues, todos los demás encontrarán el álbum una buena introducción a la música de órgano del nuevo milenio.
https://www.allmusic.com/album/ballads-and-blues-mw0000221431

www.joeydefrancesco.com ...

Charles Tolliver • Paperman

 

Review by Scott Yanow
Also released by the Freedom label, this was trumpeter Charles Tolliver's full-length album as a leader. One of the top brassmen to emerge during the era (although he never quite lived up to his potential), Tolliver had the fat tone of a Freddie Hubbard, the adventurous spirit of Woody Shaw and a somewhat original conception of his own that bridged the gap between hard bop and the avant-garde. He performs six of his originals with pianist Herbie Hancock, bassist Ron Carter, drummer Joe Chambers and (on three of the selections) altoist Gary Bartz. This explorative and stirring music is well worth investigating.
https://www.allmusic.com/album/paper-man-mw0000874948

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Reseña de Scott Yanow
También publicado por el sello Freedom, este fue el álbum completo del trompetista Charles Tolliver como líder. Tolliver, uno de los mejores trompetistas de la época (aunque nunca estuvo a la altura de su potencial), tenía el tono grueso de Freddie Hubbard, el espíritu aventurero de Woody Shaw y una concepción propia algo original que tendía puentes entre el hard bop y la vanguardia. Interpreta seis de sus originales con el pianista Herbie Hancock, el bajista Ron Carter, el batería Joe Chambers y (en tres de las selecciones) el contralto Gary Bartz. Merece la pena investigar esta música exploradora y conmovedora.
https://www.allmusic.com/album/paper-man-mw0000874948


 

charlestolliver.com ...

Roy Hargrove • Diamond In The Rough

 

Review by Scott Yanow
Trumpeter Roy Hargrove's debut as a leader found him occasionally recalling Freddie Hubbard but already sounding fairly original in the hard bop genre. On a quartet version of "Easy To Remember," Hargrove shows restraint and maturity in his lyrical ballad statement while featuring his strong bop chops on most of the other selections. Among the many other up-and-coming voices heard on this 1989 set are pianist Geoffrey Keezer (who contributes three originals and shows what he had picked up from McCoy Tyner), the fluid altoist Antonio Hart and drummer Ralph Peterson, Jr. Tenor-saxophonist Ralph Moore, pianist John Hicks and drummer Al Foster are also in the notable supporting cast. The one fault to the CD is that the performances and solos are often a little too brief, with all but "Whisper Not" in the 4-6 minute range. But for a debut, Roy Hargrove can still be proud of Diamond In The Rough.
https://www.allmusic.com/album/diamond-in-the-rough-mw0000654915

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Reseña de Scott Yanow
En su debut como líder, el trompetista Roy Hargrove recuerda ocasionalmente a Freddie Hubbard, pero ya suena bastante original en el género hard bop. En una versión en cuarteto de "Easy To Remember", Hargrove muestra moderación y madurez en su lírica balada, mientras que en la mayoría de las otras selecciones muestra sus fuertes habilidades para el bop. Entre las muchas otras voces prometedoras que se escuchan en este disco de 1989 están el pianista Geoffrey Keezer (que contribuye con tres originales y demuestra lo que ha aprendido de McCoy Tyner), el fluido contralto Antonio Hart y el batería Ralph Peterson, Jr. El tenor-saxofonista Ralph Moore, el pianista John Hicks y el batería Al Foster también forman parte del notable reparto de secundarios. El único defecto del CD es que las interpretaciones y los solos son a menudo demasiado breves, ya que todos, excepto "Whisper Not", duran entre 4 y 6 minutos. Pero para ser un debut, Roy Hargrove puede estar orgulloso de Diamond In The Rough.
https://www.allmusic.com/album/diamond-in-the-rough-mw0000654915

royhargroveofficial.com ...

Roy Hargrove • Habana

Trumpeter Roy Hargrove has firmly established himself as one of this generation's premier players in jazz and beyond. Hargrove was born in Waco, TX on October 16, 1969. Inspired by the gospel music he heard in church on Sundays and the R&B and funk music that played on the radio, Roy began learning the trumpet in the fourth grade. By junior high school, he was playing at an advanced level of proficiency. At 16, he was studying music at Dallas's prestigious Booker T. Washington School for the Visual and Performing Arts.

Midway through his junior year, Roy was “discovered” by Wynton Marsalis, who was conducting a jazz clinic at the school. Impressed, Marsalis invited Roy to sit in with his band at Ft. Worth's Caravan of Dreams Performing Arts Center. Subsequently, Hargrove was able to return to the venue over a period of the next three months, sitting in with Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, Freddie Hubbard and Bobby Hutcherson. Word of Roy’s talent reached Paul Ackett, founder and Director of The North Sea Jazz Festival who arranged for him to perform there that summer. This led to a month-long European Tour.

Hargrove spent one year (1988-1989) studying at Boston's Berklee School of Music, but could more often be found in NYC jam sessions, which resulted in his transferring to New York’s New School. His first recording in NYC was with the saxophonist Bobby Watson followed shortly by a session with the up-and-comers super group, Superblue featuring Watson, Mulgrew Miller and Kenny Washington. In 1990, he released his solo debut, Diamond In The Rough, on the Novus/RCA label, for which he would record a total of four albums that document his incubational growth as a “young lion” to watch. Hargrove made his Verve Records debut in 1994 on With The Tenors Of Our Time, showcasing him with stellar sax men Joe Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman and Branford Marsalis.

Every album Roy has released on Verve has been different from the one preceding it. And the same can be said of the array of talents who have invited him to grace the stage and/or their recordings - from jazz legends Sonny Rollins and Jackie McLean to song stylists Natalie Cole, Diana Krall and Abbey Lincoln. From pop veterans Diana Ross, Steve Tyrell and Kenny Rankin to younger stars John Mayer and Rhian Benson to the crème de la crème of jazz divas: Carmen McRae and the late, great Shirley Horn. Hargrove was also commissioned by the Lincoln Jazz Center to compose the piece “The Love Suite: In Mahogany,” which was performed in 1993. He is also a superstar of the international touring scene with his quintet, RH Factor, and as a soloist.

In 2005, he was a featured guest with Slide Hampton and The Dizzy Gillespie All Star Band in bi-coastal tributes to James Moody in honor of the saxophonist's 80th birthday at Disney Hall in Los Angeles, the Kennedy Center in Washington, DC, and approximately 25 other concerts around the globe. As RH Factor attests, Roy is also a product of the hip hop generation. He can be heard on a cover of rapper Method Man’s “All I Need” the album- opening track of producer Tony Joseph’s 2005 Verve project Def Jazz (instrumental interpretations of rap classics from the Def Jam label).

He has further ventured into the black pop mainstream as a collaborator with edgy soul star D'Angelo and guest appearances on albums by neo soul priestess Erykah Badu, thought-provoking rapper Common, and English acid jazz DJ/producer Gilles Peterson.

Ever stretching into more challenging and colorful ways to flex his musical chops, Hargrove has left indelible imprints in a vast array of artful settings. During his tenure on the Verve label alone, he has recorded an album with a hand- picked collection of the world’s greatest tenor saxophonists (With The Tenors Of Our Time), an album of standards with strings (Moment to Moment) and, in 2003, introduced his own hip hop/jazz collective The RH Factor with the groundbreaking CD Hard Groove (swiftly followed by the limited edition EP, Strength). Hargrove has also won Grammy® Awards for two vastly different projects. In 1997, Roy’s Cuban-based band Crisol — including piano legend Jesus “Chucho” Valdes and wonder drummer Horatio “El Negro” Hernandez, and guitar virtuoso Russell Malone - won the Best Latin Jazz Performance Grammy for the album Habana. And in 2002, Hargrove, Herbie Hancock and Michael Brecker won Best Instrumental Jazz Album, Individual or Group, for their three-way collaboration, Directions In Music.

Hargrove brought two of his musical worlds closer together with the simultaneous releases of Distractions and Nothing Serious — all new recordings by both of Roy Hargrove’s touring ensembles. Distractions features the contemporary funk/jazz sounds of The RH Factor. Nothing Serious features straight ahead jazz by The Roy Hargrove Quintet with special guest Slide Hampton on trombone. Verve A&R executive Dahlia Ambach-Caplin explains, “When it came time to work on a new album, it became clear that Roy currently has two sides to his music. Choosing one over the other would not do him justice, so we went for both, approaching them as two separate projects. The quintet recorded in March of 2005 with 15-time GRAMMY award winning engineer Al Schmitt at Capitol Studios in Los Angeles, California. The RH Factor recorded later in May at Sausalito’s The Record Plant with engineer Russell Elevado.”

“I've been doing more touring with RH Factor than my quintet lately,” Hargrove muses. “People are turning a deaf ear to jazz. Some of that is the fault of jazz musicians trying too hard to appear to be cerebral. They aren’t having fun playing the music and that's why people aren't coming to hear it live anymore.

Hargrove goes on to say, “What do we have to offer in the world of jazz today? It's about being innovative, which is cool. But innovation right now will come in music that's swinging and feels good. It's meaningless if it doesn't make you feel something.”

The bulk of the new 12-track RH Factor disc is inspired vocal ruminations. Most telling is the knee-deep funk of “A Place,” the hook of which poses the musical question, “If I Take You To A Place I love/If I Change My Style/Would You Like It?” For the man who came to prominence in the jazz realm, these lyrics reflect the on-going challenge he has bridging the gap between the two styles of music that dominate his direction. “My goal with RH Factor has always been to try to erase the lines between the mainstream and the underground - straight ahead and hip hop/R&B. You have musicians who know all the theory and harmony. Then you have the musicians who have a direct line to the masses and what they like to hear. If you can combine the two, it can be something innovative as well.”

Other vocal numbers on the RH Factor disc include the feel- good track “Crazy Race” (in which some of Hargrove’s trumpet lines recall a melody from Earth, Wind & Fire’s “Brazilian Rhyme”) and “Can’t Stop,” both uplifting messages about striving in the face of adversity. Singer/songwriter Renee’ Neufville, a former member of the female soul duo Zhane, who has been performing with RH Factor for the last two years, wrote the laidback “On The One” (about missing an old lover), and co-wrote three others with Hargrove: the aforementioned “A Place,” the chill meditation “Family” and “Hold On,” which features vocals by none other than Roy himself, Renee’ and RHF drummer Jason “JT” Thomas. Commenting on his vocal feature on this album, Hargrove quips, “I sang on “I’ll Stay” from the first RH Factor album, but this is the first time I’ve sung several bars by myself.”

The man who sang with Roy on “I’ll Stay” was neo soul pioneer D’Angelo, who returns on the new album producing, writing, singing and signifying on the fiery “Bull****.” “I guess he brought me a track he thought would be good for me to play over,” Roy states modestly. “He did the automation at the Record Plant in Sausalito. The band played along to what he programmed, he took it to L.A. to work on it some more, then sent it back to me in New York where I worked on it at Electric Lady Studios.” The song recalls old New Orleans as filtered through a funky haze of modern hip hop boom-bap. “‘D’ most definitely blessed me,” Roy concludes. The remaining RH Factor tracks are groove interludes titled “Distractions” (1-4), plus the percolating psychedelics of the instrumental “Kansas City.”

Recalling the humorous origin of the latter, Hargrove begins, “I was playing a gig there with Directions in Music featuring Michael Brecker and Herbie Hancock and I always carry my portable studio with me. I wrote that in the hotel just after walking to get some fried chicken and Blue Bell ice cream, which they don't sell in New York. I used to OD on that stuff when I was living in Texas. When I got to KC and saw that they were selling it there, I was so happy, I went back to the hotel and wrote that song on the spot!”

Bringing all this RH Factor funk to life is a unique ensemble of Roy on trumpet, two saxophonists (Keith Anderson and the legendary David “Fathead” Newman), three keyboardists (Charles McCampbell, Bobby Sparks and Neufville), one guitarist (Todd Parsnow), two drummers (Jason “JT” Thomas and Willie Jones III), and - most amazingly - two bass players (Lenny Stalworth and Reggie Washington). “My regular bass player, Reggie, couldn't make the recording sessions at first,” Hargrove shares. “So I hired Lenny, a friend from Berklee, to do the record. But when Reggie heard about Lenny - not wanting him to creep in and take his gig - he was like ‘Wait a minute!’ I thought, ‘two bassists-two drummers - let's go!’”

Going with the flow in more ways than one has long been a hallmark of Hargrove’s approach. A major influence along those lines is sax man David “Fathead” Newman, a world class player and among the most fabled members of the late great Ray Charles’ band. It was an honor for Roy to have him in the band for this special RH Factor project. “Fathead was the first musician I ever saw improvise,” Hargrove remembers. “I was about 14 when he came to Oliver Wendell Holmes Middle School in Dallas. My band director, Dean Hill, was friends with Fathead and invited him to the school. Fathead did a baritone solo over our tuba and drum sections playing (Herbie Hancock’s) “Chameleon”. He was making a whole lot of music without reading anything and I became very fascinated with that. It put me on the road to learning how to improvise.”

Where Roy describes the RH Factor disc Distractions as “coming more from my personal archives,” Nothing Serious featuring his jazz quintet is a completely different animal...and not just stylistically. “It's important with a straight ahead group for everyone to contribute,” Hargrove explains. “Opening things up compositionally keeps the program well-rounded. And even when they're playing my tunes, everybody’s sound shapes the song.” A key to this cohesiveness can be found in the title of the quintet disc’s fourth track: “Camaraderie.” “That tune is a vehicle for the band to play in a more avant garde way yet still keep it ‘in,’” Hargrove states. Breaking it down even further, he elaborates, “The title suggests togetherness, and a good group has to be very cohesive...everybody knowing where everyone else is breathing. That way if you decide to take the music ‘out,’ whatever happens remains musical. The song is organized chaos, all coming together within a minor blues.” “Camaraderie” also has the distinction of being inspired by the late trumpet great, Lester Bowie, the forward thinking co-founder of the acclaimed Art Ensemble of Chicago. Roy recalls their meeting. “I was playing a jam session one night in Italy and Lester was there listening. I was playing all my bebop. He came up to me and said, ‘Man, take it out!’ I said, ‘What do you mean?’ He said, ‘Stop playing all that pretty stuff. Play something ugly!’ So I started playing less inside...screamin'...makin’ a lot of noise. Lester lit up like, ‘Yeah!’ It was a lesson for me.”

The 8-song Roy Hargrove Quintet disc Nothing Serious moves from Roy’s breathtaking and sensual flugelhorn ballad “Trust” and the enveloping warmth of “The Gift” to a fierce waltz time swinger “Salima’s Dance” (from the pen of pianist Ronnie Matthews), a relentlessly winding study in melody from bassist D’Wayne Burno evocatively titled “Devil Eyes,” and a whirl through the magical changes of Branislau Kaper’s “Invitation,” the set’s sole jazz standard. Rounding out the stellar quintet are alto saxophonist Justin Robinson (who also plays some lovely flute on “Trust”) and drummer Willie Jones III, the latter of whom has been playing in Hargrove’s groups for eight years. As a whole, this incarnation of the Roy Hargrove Quintet has been playing together for four years, the tightness of which is evident throughout the disc. The band perfected most of the material on the road before the recording.

One glowing exception is the lushly swingin’ “A Day in Vienna,” contributed by special guest Slide Hampton, a living giant of jazz. Roy cut his teeth with Hampton’s band in a trumpet section that included greats Jon Faddis and Claudio Roditi (documented on the Telarc Records CD Dedicated to Diz, a Slide Hampton & The Jazz Masters set from `93 recorded live at the Village Vanguard). “Slide has been a big part of my education. I can't tell you know much playing charts from the original Dizzy Big Band book with that group helped me. The way that Slide arranges and voices, he knows how to take a small group of horns and make it sound like an orchestra.” Listen to Roy’s own “Trust” to hear that he learned Slide’s lessons well.

Touching back on the statement Roy made at the outset about the state of jazz and jazz audiences today, the music world would be hard pressed to find another ambassador capable of traversing the worlds of straight ahead swingin’ and the funky underground better than Brother Hargrove. The RH Factor’s Distractions and The Roy Hargrove Quintet’s Nothing Serious stand as the actual proof.

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Virtuoso US trumpeter Roy Hargrove returns with his latest album, Earfood, a richly hued acoustic jazz suite that effortlessly brings together his multi- faceted musical vision — of deep grooves, memorable tunes and superb ensemble playing and solos. Thus Earfood presents a richly coloured snapshot of an artist reaching his prime, a young player once dubbed ubiquitously as the ‘Young Lion’, is now head of The Jazz Pride. He’s nothing left to prove as his current trumpet sound reveals in his total command of tone that’s inflected with subtle emotions and, when needed, pure hard bop power. Yet as he reveals in his liner notes, he now just wants to play tuneful, melodic music, that reaches out to an audience “wherever they are coming from.”

Hargrove explains his simple inspirations behind this great new addition to his illustrious catalogue of work: “This recording was made to bring sonic pleasure to the listener. It is my working quintet, playing a repertoire consisting of songs we play live while on tour, mixed in with a few new originals. Simple melodies moving around luscious chords, allow us to capture the attention, and give a feeling of transcendence. The cohesive sound of the group is a result of our constant touring, and getting to know one another, on and off of the bandstand. These are key elements in developing a tight sound, and in less time wasted in the studio. My goal in this project is to have a recording that is steeped in tradition and sophistication, while maintaining a sense of melodic simplicity.”

The following is an excerpt from C. Michael Bailey's article (AAJ 8/10/08):

Trumpeter Roy Hargrove emerged into jazz consciousness as one of the “young lions” who beamed into the late 1980s and early 1990s. Other notable contemporary trumpeters include Terence Blanchard, Nicholas Payton, Kermit Ruffins, and Wallace Roney. All are associated with different genre traditions, Hargrove's being most closely associated with Lee Morgan.

Hargrove's association with Morgan's style nevertheless has not prevented the young trumpeter from approaching music from a broad perspective. Hargrove and his Latin- Cuban band, Crisol, won a Grammy Award in 1998 for Habana (Verve, 1997). Hargrove participated in pianist Herbie Hancock's Directions in Music (Verve, 2002), earning a second Grammy Award.

Hargrove does not limit himself to “jazz,” however. He has also been active in the neo-electric-funk-soul arena with his band RH-Factor, releasing Distractions (Verve, 2006). If Roy Hargrove has been approaching his time to shine, it is here now.

Hargrove returns to his roots with Earfood (Emarcy, 2008). [The liner notes quote Hargrove] “My goal in this project is to have a recording that is steeped in tradition and sophistication, while maintaining a sense of melodic simplicity.” One would suspect that many of Hargrove's generation desire the same projects. That said, Hargrove enjoys complete success in achieving his goal with Earfood.

As a trumpeter, composer, and an arranger, Roy Hargrove has been a mainstay of the contemporary music scene in a variety of formats for nearly two decades. Nevertheless, his big band experience has been limited mostly to his appearances with the Dizzy Gillespie All-Star Big Band, with which he has most ably proved himself an heir to the late trumpet legend's mantle. Hargrove has been steadily accumulating big band experience in his own right since 1995, however, and Emergence is therefore most aptly titled, for it represents Hargrove's full-fledged emergence into the large ensemble idiom.

Source: Kandie Le Britain Webster, Editor

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El trompetista Roy Hargrove se ha establecido firmemente como uno de los principales músicos de esta generación en el jazz y más allá. Hargrove nació en Waco, TX el 16 de octubre de 1969. Inspirado por la música gospel que escuchaba en la iglesia los domingos y la música R&B y funk que sonaba en la radio, Roy comenzó a aprender la trompeta en el cuarto grado. En la escuela secundaria, tocaba a un nivel avanzado de competencia. A los 16 años, estudiaba música en la prestigiosa escuela Booker T. Washington School for the Visual and Performing Arts de Dallas.

A mediados de su tercer año, Roy fue "descubierto" por Wynton Marsalis, que dirigía una clínica de jazz en la escuela. Impresionado, Marsalis invitó a Roy a sentarse con su banda en el centro de artes escénicas Caravan of Dreams de Ft. Worth. Posteriormente, Hargrove pudo volver al lugar durante los tres meses siguientes, junto con Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, Freddie Hubbard y Bobby Hutcherson. La noticia del talento de Roy llegó a Paul Ackett, fundador y director del Festival de Jazz del Mar del Norte, que hizo los arreglos para que actuara allí ese verano. Esto llevó a una gira europea de un mes de duración.

Hargrove pasó un año (1988-1989) estudiando en la Berklee School of Music de Boston, pero se le podía encontrar más a menudo en las jam sessions de la ciudad de Nueva York, lo que resultó en su traslado a la New School de Nueva York. Su primera grabación en NYC fue con el saxofonista Bobby Watson, seguida poco después de una sesión con el prometedor supergrupo Superblue, en el que participaban Watson, Mulgrew Miller y Kenny Washington. En 1990, lanzó su debut en solitario, Diamond In The Rough, en el sello Novus/RCA, para el que grabaría un total de cuatro álbumes que documentan su crecimiento como un "joven león" a seguir. Hargrove hizo su debut con Verve Records en 1994 en With The Tenors Of Our Time, presentándolo con los saxofonistas estelares Joe Henderson, Stanley Turrentine, Johnny Griffin, Joshua Redman y Branford Marsalis.

Cada álbum que Roy ha publicado en Verve ha sido diferente del anterior. Y lo mismo puede decirse del conjunto de talentos que le han invitado a engalanar el escenario y/o sus grabaciones - desde las leyendas del jazz Sonny Rollins y Jackie McLean hasta los estilistas de canciones Natalie Cole, Diana Krall y Abbey Lincoln. Desde los veteranos del pop Diana Ross, Steve Tyrell y Kenny Rankin hasta las jóvenes estrellas John Mayer y Rhian Benson y la flor y nata de las divas del jazz: Carmen McRae y la difunta y gran Shirley Horn. Hargrove también fue comisionado por el Lincoln Jazz Center para componer la pieza "The Love Suite": En caoba", que fue interpretada en 1993. También es una superestrella de la escena internacional de giras con su quinteto, RH Factor, y como solista.

En 2005, fue invitado con Slide Hampton y The Dizzy Gillespie All Star Band en tributos bi-coitales a James Moody en honor al 80 cumpleaños del saxofonista en el Disney Hall de Los Ángeles, el Kennedy Center de Washington, DC, y aproximadamente otros 25 conciertos en todo el mundo. Como el Factor RH atestigua, Roy es también un producto de la generación del hip hop. Se le puede escuchar en la portada de "All I Need" del rapero Method Man, el tema de apertura del proyecto Verve 2005 del productor Tony Joseph, Def Jazz (interpretaciones instrumentales de clásicos del rap del sello Def Jam).

También se ha aventurado en la corriente principal del pop negro como colaborador de la estrella del soul D'Angelo y como invitado en los álbumes de la sacerdotisa del neo soul Erykah Badu, del rapero Common, que invita a la reflexión, y del DJ/productor de acid jazz inglés Gilles Peterson.

Cada vez más desafiante y colorido para flexionar sus chuletas musicales, Hargrove ha dejado huellas indelebles en una amplia gama de escenarios artísticos. Durante su permanencia en el sello Verve, ha grabado un álbum con una colección escogida a mano de los saxofonistas tenores más grandes del mundo (With The Tenors Of Our Time), un álbum de estándares con cuerdas (Moment to Moment) y, en 2003, introdujo su propio colectivo de hip hop/jazz The RH Factor con el innovador CD Hard Groove (rápidamente seguido por la edición limitada EP, Strength). Hargrove también ha ganado premios Grammy® por dos proyectos muy diferentes. En 1997, la banda Crisol de Roy, con sede en Cuba -incluyendo a la leyenda del piano Jesús "Chucho" Valdés y al maravilloso baterista Horatio "El Negro" Hernández, y al virtuoso de la guitarra Russell Malone- ganó el Grammy a la mejor interpretación de jazz latino por el álbum Habana. Y en 2002, Hargrove, Herbie Hancock y Michael Brecker ganaron el premio al Mejor Álbum de Jazz Instrumental, Individual o Grupal, por su colaboración a tres bandas, Directions In Music.

Hargrove acercó dos de sus mundos musicales con los lanzamientos simultáneos de Distracciones y Nada Serio - todas nuevas grabaciones de los dos grupos de gira de Roy Hargrove. Distracciones presenta los sonidos contemporáneos de funk/jazz de The RH Factor. Nothing Serious presenta el jazz directo de The Roy Hargrove Quintet con el invitado especial Slide Hampton en el trombón. La ejecutiva de Verve A&R, Dahlia Ambach-Caplin, explica: "Cuando llegó el momento de trabajar en un nuevo álbum, quedó claro que Roy tiene actualmente dos caras en su música. Elegir una sobre la otra no le haría justicia, así que nos decantamos por ambas, enfocándolas como dos proyectos separados. El quinteto grabó en marzo de 2005 con el ingeniero Al Schmitt, ganador de 15 premios GRAMMY, en los Capitol Studios de Los Ángeles, California. The RH Factor grabó más tarde en mayo en Sausalito's The Record Plant con el ingeniero Russell Elevado."

"He estado haciendo más giras con RH Factor que mi quinteto últimamente", musita Hargrove. "La gente está haciendo oídos sordos al jazz. Parte de eso es culpa de los músicos de jazz que se esfuerzan por parecer cerebrales. No se divierten tocando la música y por eso la gente ya no viene a escucharla en vivo.

Hargrove continúa diciendo, "¿Qué tenemos que ofrecer en el mundo del jazz hoy en día? Se trata de ser innovadores, lo cual es genial. Pero la innovación ahora mismo vendrá en la música que es swing y se siente bien. No tiene sentido si no te hace sentir algo".

La mayor parte del nuevo disco de 12 pistas de RH Factor está inspirado en rumores vocales. Lo más revelador es el funk hasta la rodilla de "A Place", cuyo gancho plantea la pregunta musical, "Si te llevo a un lugar que me encanta/si cambio de estilo/te gustaría?" Para el hombre que llegó a la prominencia en el reino del jazz, estas letras reflejan el desafío continuo que tiene para cerrar la brecha entre los dos estilos de música que dominan su dirección. "Mi objetivo con RH Factor siempre ha sido tratar de borrar las líneas entre la corriente principal y el underground - recto y hip hop/R&B. Tienes músicos que conocen toda la teoría y la armonía. Luego tienes a los músicos que tienen una línea directa con las masas y lo que les gusta oír. Si puedes combinar ambos, puede ser algo innovador también."

Otros números vocales del disco RH Factor incluyen la canción "Crazy Race" (en la que algunas de las líneas de trompeta de Hargrove recuerdan una melodía de Earth, Wind & Fire's "Brazilian Rhyme") y "Can't Stop", ambos mensajes edificantes sobre el esfuerzo ante la adversidad. La cantante y compositora Renee' Neufville, ex miembro del dúo de soul femenino Zhane, que ha actuado con RH Factor durante los dos últimos años, escribió el relajado "On The One" (sobre la pérdida de un viejo amante), y co-escribió otros tres con Hargrove: el ya mencionado "A Place", la meditación chill "Family" y "Hold On", que cuenta con las voces de nada menos que el propio Roy, Renee' y el baterista de RHF Jason "JT" Thomas. Comentando sobre su característica vocal en este álbum, Hargrove dice: "Canté en "I'll Stay" del primer álbum de RH Factor, pero esta es la primera vez que he cantado varios compases yo solo".

El hombre que cantó con Roy en "I'll Stay" fue el pionero del neo-soul D'Angelo, que regresa en el nuevo álbum produciendo, escribiendo, cantando y significando en el ardiente "Bull****". "Supongo que me trajo una pista que pensó que sería buena para que yo la tocara", afirma Roy modestamente. "Hizo la automatización en la planta de discos de Sausalito. La banda tocó lo que él programó, se lo llevó a Los Ángeles para trabajar en él un poco más, y luego me lo envió a Nueva York donde trabajé en los estudios Electric Lady." La canción recuerda a la vieja Nueva Orleans filtrada a través de una neblina funky del moderno boom-bap del hip hop. "D' definitivamente me bendijo", concluye Roy. El resto de los temas de RH Factor son interludios de groove titulados "Distracciones" (1-4), además de los psicodélicos penetrantes del instrumental "Kansas City".

Recordando el origen humorístico de este último, Hargrove comienza: "Estaba tocando un concierto allí con Directions in Music con Michael Brecker y Herbie Hancock y siempre llevo mi estudio portátil conmigo. Lo escribí en el hotel justo después de caminar para comprar pollo frito y helado Blue Bell, que no venden en Nueva York. Solía tener una sobredosis de esas cosas cuando vivía en Texas. Cuando llegué a KC y vi que lo vendían allí, me alegré tanto que volví al hotel y escribí esa canción en el acto".

Para dar vida a todo este funk de RH Factor hay un conjunto único de Roy a la trompeta, dos saxofonistas (Keith Anderson y el legendario David "Fathead" Newman), tres teclistas (Charles McCampbell, Bobby Sparks y Neufville), un guitarrista (Todd Parsnow), dos bateristas (Jason "JT" Thomas y Willie Jones III) y, lo que es más sorprendente, dos bajistas (Lenny Stalworth y Reggie Washington). "Mi bajista habitual, Reggie, no pudo hacer las sesiones de grabación al principio", comparte Hargrove. "Así que contraté a Lenny, un amigo de Berklee, para hacer el disco. Pero cuando Reggie se enteró de lo de Lenny, no queriendo que se colara en su concierto, dijo: "¡Espera un momento!". Pensé: "dos bajistas, dos bateristas, ¡vamos!"

Seguir la corriente en más de un sentido ha sido durante mucho tiempo un sello distintivo del enfoque de Hargrove. Una gran influencia en este sentido es el saxofonista David "Fathead" Newman, un jugador de clase mundial y uno de los miembros más legendarios de la última gran banda de Ray Charles. Fue un honor para Roy tenerlo en la banda para este proyecto especial de RH Factor. "Fathead fue el primer músico que vi improvisar", recuerda Hargrove. "Tenía unos 14 años cuando llegó a la escuela media Oliver Wendell Holmes en Dallas. El director de mi banda, Dean Hill, era amigo de Fathead y lo invitó a la escuela. Fathead hizo un solo de barítono sobre nuestras secciones de tuba y batería tocando (Herbie Hancock) "Chameleon". Hacía mucha música sin leer nada y eso me fascinó mucho. Me puso en el camino de aprender a improvisar."

Donde Roy describe el disco RH Factor Distracciones como "que viene más de mis archivos personales", Nada Serio con su quinteto de jazz es un animal completamente diferente... y no sólo estilísticamente. "Es importante que con un grupo de directo todos contribuyan", explica Hargrove. "Abrir las cosas desde el punto de vista compositivo mantiene el programa bien equilibrado. E incluso cuando tocan mis canciones, el sonido de todos da forma a la canción." La clave de esta cohesión se encuentra en el título de la cuarta pista del disco del quinteto: "Camaradería". "Esa melodía es un vehículo para que la banda toque de una manera más vanguardista y aún así mantenerla 'dentro'", afirma Hargrove. Desglosándolo aún más, explica: "El título sugiere unión, y un buen grupo tiene que ser muy cohesivo... todo el mundo sabe dónde están respirando los demás. De esa manera, si decides sacar la música, lo que ocurra sigue siendo musical. La canción es un caos organizado, todo se une dentro de un blues menor". "Camaradería" también tiene la distinción de estar inspirado por el gran trompetista fallecido, Lester Bowie, el cofundador progresista del aclamado Art Ensemble de Chicago. Roy recuerda su encuentro. "Estaba tocando en una jam session una noche en Italia y Lester estaba allí escuchando. Estaba tocando todo mi bebop. Se acercó a mí y me dijo: "Hombre, ¡sácalo! Le dije: "¿Qué quieres decir?" Él dijo: "Deja de jugar con todas esas cosas bonitas". Toca algo feo!' Así que empecé a tocar menos por dentro... gritando... haciendo mucho ruido. Lester se iluminó como, "¡Sí! Fue una lección para mí".

El disco de 8 canciones de Roy Hargrove Quintet Nothing Serious pasa de la impresionante y sensual balada de fliscorno de Roy "Trust" y la envolvente calidez de "The Gift" a un feroz vals de intercambio de tiempo "Salima's Dance" (de la pluma del pianista Ronnie Matthews), un estudio implacablemente sinuoso en la melodía del bajista D'Wayne Burno titulado evocativamente "Ojos de Diablo", y un giro a través de los mágicos cambios de la "Invitación" de Branislau Kaper, el único estándar de jazz del conjunto. Completan el quinteto estelar el saxofonista alto Justin Robinson (que también toca una encantadora flauta en "Trust") y el baterista Willie Jones III, este último ha estado tocando en los grupos de Hargrove durante ocho años. En conjunto, esta encarnación del quinteto de Roy Hargrove ha estado tocando juntos durante cuatro años, cuya firmeza es evidente en todo el disco. La banda perfeccionó la mayor parte del material en la carretera antes de la grabación.

Una excepción brillante es el exuberante swing "A Day in Vienna", aportado por el invitado especial Slide Hampton, un gigante viviente del jazz. Roy se formó con la banda de Hampton en una sección de trompetas que incluía a los grandes Jon Faddis y Claudio Roditi (documentado en el CD de Telarc Records Dedicated to Diz, un set de Slide Hampton & The Jazz Masters de `93 grabado en vivo en el Village Vanguard). "Slide" ha sido una gran parte de mi educación. No puedo decir que me ayudó mucho tocar en las listas de éxitos del libro original de la Dizzy Big Band con ese grupo. Por la forma en que Slide arregla y hace las voces, sabe cómo tomar un pequeño grupo de trompetas y hacer que suene como una orquesta." Escuchen el "Trust" de Roy para saber que aprendió bien las lecciones de Slide.

Remitiéndonos a la declaración que Roy hizo al principio sobre el estado del jazz y las audiencias de jazz hoy en día, el mundo de la música estaría muy presionado para encontrar otro embajador capaz de atravesar los mundos del swingin' straight ahead y el funky underground mejor que el hermano Hargrove. Las distracciones del Factor RH y el Quinteto Nada Serio de Roy Hargrove son la prueba.

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El virtuoso trompetista estadounidense Roy Hargrove regresa con su último álbum, Earfood, una suite de jazz acústico de ricos colores que reúne sin esfuerzo su visión musical multifacética - de ritmos profundos, melodías memorables y excelentes interpretaciones en conjunto y solos. Earfood presenta así una instantánea muy colorida de un artista que está alcanzando su mejor momento, un joven intérprete que antes era conocido como el "Joven León", y que ahora es el director de The Jazz Pride. No le queda nada que demostrar, ya que su actual sonido de trompeta se revela en su total dominio del tono, que se inflexiona con sutiles emociones y, cuando es necesario, puro poder del hard bop. Sin embargo, como revela en sus notas de línea, ahora sólo quiere tocar música melódica y afinada, que llegue a una audiencia "de donde sea que vengan".

Hargrove explica sus simples inspiraciones detrás de esta gran nueva adición a su ilustre catálogo de trabajo: "Esta grabación fue hecha para traer placer sónico al oyente. Es mi quinteto de trabajo, tocando un repertorio que consiste en canciones que tocamos en vivo mientras estamos de gira, mezcladas con algunos nuevos originales. Melodías simples que se mueven alrededor de acordes exquisitos, nos permiten captar la atención y dar una sensación de trascendencia. El sonido cohesivo del grupo es el resultado de nuestras constantes giras, y de conocernos unos a otros, dentro y fuera del quiosco. Estos son elementos clave para desarrollar un sonido ajustado, y en menos tiempo perdido en el estudio. Mi objetivo en este proyecto es tener una grabación que esté impregnada de tradición y sofisticación, manteniendo un sentido de simplicidad melódica".

El siguiente es un extracto del artículo de C. Michael Bailey (AAJ 8/10/08):

El trompetista Roy Hargrove emergió a la conciencia del jazz como uno de los "jóvenes leones" que resplandecieron a finales de los 80 y principios de los 90. Otros notables trompetistas contemporáneos incluyen a Terence Blanchard, Nicholas Payton, Kermit Ruffins y Wallace Roney. Todos están asociados con diferentes tradiciones de género, siendo Hargrove el más asociado con Lee Morgan.

Sin embargo, la asociación de Hargrove con el estilo de Morgan no ha impedido que el joven trompetista se acerque a la música desde una perspectiva amplia. Hargrove y su banda latino-cubana, Crisol, ganaron un premio Grammy en 1998 por La Habana (Verve, 1997). Hargrove participó en Directions in Music del pianista Herbie Hancock (Verve, 2002), con el que obtuvo un segundo premio Grammy.

Sin embargo, Hargrove no se limita al "jazz". También ha estado activo en el ámbito del neo-electric-funk-soul con su banda RH-Factor, lanzando Distractions (Verve, 2006). Si Roy Hargrove se ha acercado a su momento de brillar, ya está aquí.

Hargrove vuelve a sus raíces con Earfood (Emarcy, 2008). [Las notas del liner citan a Hargrove] "Mi objetivo en este proyecto es tener una grabación que esté impregnada de tradición y sofisticación, mientras mantengo un sentido de simplicidad melódica". Uno podría sospechar que muchos de la generación de Hargrove desean los mismos proyectos. Dicho esto, Hargrove disfruta de un éxito total en el logro de su objetivo con Earfood.

Como trompetista, compositor y arreglista, Roy Hargrove ha sido un pilar de la escena musical contemporánea en una variedad de formatos durante casi dos décadas. Sin embargo, su experiencia en la big band se ha limitado principalmente a sus apariciones con la Dizzy Gillespie All-Star Big Band, con la que ha demostrado ser el heredero del último manto de la leyenda de la trompeta. Sin embargo, Hargrove ha ido acumulando experiencia en la big band por derecho propio desde 1995, y "Emergencia" es por lo tanto el título más adecuado, ya que representa el pleno surgimiento de Hargrove en el idioma de los grandes conjuntos.

Fuente: Kandie Le Britain Webster, Editora

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

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