Showing posts with label country. Show all posts
Showing posts with label country. Show all posts

Thursday, September 3, 2026

Clifton Chenier • Zydeco Sont Pas Sale



French Creole accordionist and singer Clifton Chenier, the undisputed King of Zydeco, was a ubiquitous figure on the juke joint and dance hall circuit of southwestern Louisiana long before breaking through to more widespread acclaim after his appearance at the inaugural New Orleans Jazz & Heritage Festival in 1970. Held outdoors in what was then known as Beauregard Square (originally Congo Square, an open space where slaves were allowed to gather on Sundays to sing, dance and play music during the 18th century), this George Wein event included performances by international jazz stars like the Duke Ellington Orchestra and Ella Fitzgerald along with local artists such as guitarist Snooks Eaglin, the Olympia Brass Band, Pete Fountain, Al Hirt, Papa John French and the Mardi Gras Indians.

Born on June 25, 1925, the son of sharecropper and amateur accordion player, Clifton Chenier absorbed the influences of bluesmen Muddy Waters, Peetie Wheatstraw and Lightnin' Hopkins along with the New Orleans R&B artists Fats Domino and Professor Longhair. By 1944, he was performing with his brother Cleveland in the dance halls of Lake Charles, Louisiana. Chenier began his recording career in 1954 when he signed with Elko Records and scored a regional hit with "Clifton's Blues." He then jumped to the Specialty label in 1955 and had a national hit with a cover of Professor Longhair's "Hey Little Girl" (sung in French as "Ay Tite Fille"). His reputation spread through a string of rootsy recordings through the '60s and early '70s with the Arhoolie label, including Louisiana Blues and Zydeco and Bogalusa Boogie. He later received a Grammy Award for his 1982 Alligator album, I'm Here!

Jointly introduced here by Duck Allen, curator of the archive of New Orleans jazz at Tulane University, and Arhoolie Records head Chris Strachwitz, Chenier dazzled the New Orleans crowd with his unique brand of dance music brought up from his hometown of Opelousas, Louisiana, and which he sung in a French patois. A flamboyant performer and virtuosic player, Chenier set the template for all zydeco accordionists who followed in his wake, including Rockin' Dopsie, Buckwheat Zydeco, Beau Jaques, Roy Carrier, Sunpie Barnes and Rosie Ledet.

Accompanied by his brother Cleveland on rubboard (or frottoir), bassist Jumpin' Joe
Morris, guitarist Antoine Victor and drummer Robert St. Judy, Chenier kicks off his
April 23rd set with the rollicking "Zydeco Boogie Woogie," which he said he used to "wake the boys up a little bit." He next turns in a lovely rendition of the country lament "Release Me" (sung in French) that also showcases his powerful vocals and melodic invention on the accordion. The lively "Zydeco Sont Pas Sale (Snapbeans Ain't Salty)" is a quintessential fast-stepping dance number from the heart of southwestern Louisiana while "You Promised Me Love" is a delicate French waltz rendition of a Ray Charles ballad. Chenier and his crew conclude their New Orleans Jazz & Heritage Festival set with a French version of "Let the Good Times Roll," putting a Creole exclamation point on that popular Louis Jordan number.

Chenier performed at the White House in 1984 and though he suffered from kidney disease and a partially amputated foot in his final years, he continued performing until one week before his death on December 12, 1987. In 1989, he was inducted posthumously into the Blues Hall of Fame. - Bill Milkowski

///////

El acordeonista y cantante criollo francés Clifton Chenier, el indiscutible Rey de Zydeco, fue una figura omnipresente en el circuito de juke joint y dance hall del sudoeste de Luisiana mucho antes de llegar a una aclamación más generalizada después de su aparición en el Festival inaugural de Jazz y Herencia de Nueva Orleans. 1970. Se llevó a cabo al aire libre en lo que entonces se conocía como la Plaza Beauregard (originalmente Plaza del Congo, un espacio abierto donde los esclavos podían reunirse los domingos para cantar, bailar y tocar música durante el siglo XVIII), este evento de George Wein incluyó actuaciones de jazz internacional estrellas como la Duke Ellington Orchestra y Ella Fitzgerald, junto con artistas locales como el guitarrista Snooks Eaglin, la Olympia Brass Band, Pete Fountain, Al Hirt, Papa John French y los indios Mardi Gras.

Nacido el 25 de junio de 1925, hijo de un aparcero y jugador de acordeón aficionado, Clifton Chenier absorbió las influencias de los músicos de blues Muddy Waters, Peetie Wheatstraw y Lightnin 'Hopkins, junto con los artistas de R&B de Nueva Orleans, Fats Domino y Professor Longhair. Para 1944, estaba actuando con su hermano Cleveland en los salones de baile de Lake Charles, Louisiana. Chenier comenzó su carrera discográfica en 1954 cuando firmó con Elko Records y obtuvo un éxito regional con "Clifton's Blues". Luego saltó al sello de Especialidad en 1955 y tuvo un éxito nacional con una versión de "Hey Little Girl" del profesor Longhair (cantada en francés como "Ay Tite Fille"). Su reputación se extendió a través de una serie de grabaciones arraigadas en los años 60 y principios de los 70 con el sello Arhoolie, que incluye Louisiana Blues, Zydeco y Bogalusa Boogie. Más tarde recibió un premio Grammy por su álbum de 1982 Alligator, ¡Estoy aquí!

Presentado conjuntamente por Duck Allen, curador del archivo de jazz de Nueva Orleans en la Universidad de Tulane, y Chris Strachwitz, director de Arhoolie Records, Chenier deslumbró a la multitud de Nueva Orleans con su exclusiva marca de música de baile criada en su ciudad natal de Opelousas, Louisiana, y que cantó en un patois francés. Chenier, un artista extravagante y virtuoso, estableció la plantilla para todos los acordeonistas zydecos que lo siguieron, entre ellos Rockin 'Dopsie, Buckwheat Zydeco, Beau Jaques, Roy Carrier, Sunpie Barnes y Rosie Ledet.

Acompañado por su hermano Cleveland en el rubboard (o frottoir), el bajista Jumpin 'Joe
Morris, el guitarrista Antoine Victor y el baterista Robert St. Judy, Chenier inicia su
El 23 de abril comenzó con la "Zydeco Boogie Woogie", que según él solía "despertar un poco a los chicos". A continuación, entrega una encantadora versión del lamento del país "Release Me" (cantado en francés) que también muestra sus poderosas voces y su invento melódico en el acordeón. El animado "Zydeco Sont Pas Sale (Snapbeans Ain't Salty)" es un número de baile por excelencia en el corazón del sudoeste de Louisiana, mientras que "You Promised Me Love" es una delicada versión francesa de vals de una balada de Ray Charles. Chenier y su equipo concluyen su Festival de Jazz y Herencia de Nueva Orleans con una versión francesa de "Let the Good Times Roll", poniendo un signo de exclamación criolla en ese popular número de Louis Jordan.

Chenier actuó en la Casa Blanca en 1984 y aunque sufrió una enfermedad renal y un pie parcialmente amputado en sus últimos años, continuó actuando hasta una semana antes de su muerte el 12 de diciembre de 1987. En 1989, fue incluido póstumamente en los Blues Salón de la Fama. - Bill Milkowski



Tuesday, September 1, 2026

Tom Tomlinson & Jerry Kennedy • Guitar's Greatest Hits

 


TOM TOMLINSON had worked on the Louisiana Hayride in the early 50s and carved out a reputation as a hot session guitarist, before joining Johnny Horton's band - he played on all Horton's hits.

JERRY KENNEDY had been a successful 13-year old Rockabilly singer, 'Jerry Glenn', before also joining the Louisiana Hayride house band, eventually becoming a Nashville 'A' Team regular at the age of just seventeen.

They teamed up in 1961 to cut the Guitar's Greatest Hits LP, and recorded Guitar's Greatest Hits Vol. II the following year.

////////

TOM TOMLINSON había trabajado en el Louisiana Hayride a principios de los años 50 y se había labrado una reputación como guitarrista de sesión antes de unirse a la banda de Johnny Horton, donde tocó en todos los éxitos de éste.

JERRY KENNEDY había sido un exitoso cantante de Rockabilly de 13 años, 'Jerry Glenn', antes de unirse también a la banda de la casa Louisiana Hayride, convirtiéndose finalmente en un habitual del equipo 'A' de Nashville a la edad de sólo diecisiete años.

En 1961 se unieron para grabar el LP Guitar's Greatest Hits, y al año siguiente grabaron el Guitar's Greatest Hits Vol. II.

 

Friday, August 14, 2026

Clifton Chenier • Zodico Blues & Boogie

 



Review by Ron Wynn
Clifton Chenier's mid-'50s singles for Specialty were among his rawest and simplest; they were short ditties with rippling accordion and gritty vocals on top and driving rhythms and surging instrumental accompaniment underneath. That's the formula displayed on this 20-cut presentation of Chenier's early work, where he was often backed by guitarists Phillip Walker or Cornelius Green (Lonesome Sundown), with his brother Cleveland handling rubboard duties. This is Chenier in his stylistic infancy, building and nurturing what ultimately became a signature sound.
https://www.allmusic.com/album/zodico-blues-boogie-mw0000098928

///////


Reseña de Ron Wynn
Los singles de Clifton Chenier para Specialty de mediados de los 50 se encontraban entre los más crudos y sencillos; eran breves cancioncillas con un acordeón ondulante y voces enérgicas por encima y ritmos enérgicos y un acompañamiento instrumental enérgico por debajo. Esa es la fórmula que se muestra en esta presentación de 20 cortes de los primeros trabajos de Chenier, en los que a menudo estaba respaldado por los guitarristas Phillip Walker o Cornelius Green (Lonesome Sundown), y su hermano Cleveland se encargaba de las tareas de rubboard. Se trata de Chenier en su infancia estilística, construyendo y alimentando lo que finalmente se convirtió en un sonido característico.
https://www.allmusic.com/album/zodico-blues-boogie-mw0000098928


Friday, August 7, 2026

Clifton Chenier • Live At Montreux

 


Clifton Chenier (June 25, 1925 - December 12, 1987), a Creole French -speaking native of Opelousas, Louisiana, was an eminent performer and recording artist of Zydeco and 1983 Grammy winner. Like so many American originals, accordion player and singer Clifton Chenier was able to synthesize several older genres of music into a new form. He added to Cajun music a touch of the blues, rhythm and blues, and rock & roll to create a driving pop version of Zydeco. He explained, "People been playing Zydeco for a long time, old style like French music. But I was the first one to put the pep to it." He started his career performing on weekends near the oilfields, where he worked at his day job. During the '50s he was associated with R&B, recording for legendary labels like Specialty and Chess. His influences were not older Cajun musicians, but figures like Fats Domino and Professor Longhair. By the time Chenier hit his stride, traditional Cajun and Creole music had begun to take different paths: Cajuns were becoming more interested in country music, while Creole players preferred blues and R&B, abandoning the fiddle in favor of the rub-board and sometimes a horn section. In 1964 Arhoolie Records producer Chris Strachwitz persuaded Chenier to play more zydeco -- a move that renewed his career and led to a long series of hit albums. Among his later hit singles were 1964's "Louisiana Blues" and 1965's "Black Gal." He also recorded what has become the national anthem of Zydeco, "Zydeco Sont pas Sale." Clifton Chenier became the first major Zydeco superstar and also introduced the word Zydeco to the musical lexicon in 1965. He said that Zydeco was a corruption of les haricots (French for the beans). The undisputed "King of Zydeco," Clifton Chenier was the first Creole to be presented a Grammy award on national television. Blending the French and Cajun 2-steps and waltzes of southwest Louisiana with New Orleans R&B, Texas blues, and big-band jazz, Chenier created the modern, dance-inspiring, sounds of Zydeco. A flamboyant personality, remembered for his gold tooth and the cape and crown that he wore during concerts, Chenier set the standard for all the Zydeco players who have followed in his footsteps. In an interview from Ann Savoy's book, Cajun Music: Reflection of a People, Chenier explained, "Zydeco is rock and French mixed together, you know, like French music and rock with a beat to it. It's the same thing as rock and roll but it's different because I'm singing in French." The son of sharecropper and amateur accordion player, Joe Chenier, and the nephew of a guitarist, fiddler, and dance club owner, Maurice "Big" Chenier, Chenier found his earliest influences in the blues of Muddy Waters, Peetie Wheatstraw, and Lightnin' Hopkins, the New Orleans R&B of Fats Domino and Professor Longhair, the 1920s and '30s recordings by Zydeco accordionist Amede Ardoin and the playing of childhood friends Claude Faulk and Jesse and Zozo Reynolds. Acquiring his first accordion from a neighbor, Isaie "Easy" Blasa in 1947, Chenier was taught the basics of the instruments by his father. Chenier is credited with redesigning the wood and crimped tin washboard into the frottoir, an instrument that would easily hang from the shoulders. Cleveland Chenier, Clifton's older brother, also played in the Red Hot Louisiana Band. He found popularity for his ability to manipulate the distinctive sound of the frottoir by rubbing several bottle openers (held in each hand) along its ridges. By 1944, Chenier was performing, with his brother Cleveland on frottoir in the dance halls of Lake Charles.

Moving to New Iberia in the mid-'40s, Chenier worked in the sugar fields cutting sugar cane. After moving, to Port Arthur, TX, in 1947, he divided his time between driving a refinery truck and hauling pipe for Gulf and Texaco and playing with his brother. In 1954, Chenier signed with Elko Records. His first recording session, at Lake Charles radio station KAOK, yielded seven tunes including the regional hit single, "Cliston's Blues" and "Louisiana Stomp." Chenier's first national attention came with his first single for the Specialty record label, "Ay Tete Fille (Hey, Little Girl)," a cover of a Professor Longhair tune, released in May 1955. The song was one of 12 that he recorded during two sessions produced by Bumps Blackwell, best known for his work with Little Richard. By 1956, Chenier had left his day job to devote his full-time attention to music, Touring with his band, the Zydeco Ramblers, which included blues guitarist Philip Walker. The following year, Chenier left Specialty and signed with the Chess label in Chicago. Although he toured, along with Etta James, throughout the United States, Chenier's career suffered when the popularity of ethnic and regional music styles began to decline. Although he recorded 13 songs for the Crowley, LA-based Zynn label, between 1958 and 1960, none charted. The turning point in Chenier's career came when Lightnin' Hopkins' wife, who was a cousin, introduced Chris Strachwitz, owner of the roots music label, Arhoolie, to his early recordings. Strachwitz quickly signed Chenier to Arhoolie, producing his first single, "Ay Yi Yi"/"Why Did You Go Last Night?," in four years. Although they continued to work together until the early '70s, Chenier and Strachwitz differed artistically. While Chenier wanted to record commercial-minded R&B, Strachwitz encouraged him to focus on traditional Zydeco. Chenier's first album for Arhoolie, Louisiana Blues and Zydeco, featured one side of blues and R&B and one side of French 2-steps and waltzes. In 1976, Chenier recorded one of his best albums, "Bogalusa Boogie", and formed a new group, the Red Hot Louisiana Band, featuring tenor saxophonist "Blind" John Hart and guitarist Paul Senegal. Chenier reached the peak of his popularity in the '80s. In 1983, he received a Grammy award for his album, I'm Here!, recorded in eight hours in Bogalusa, LA. The following year, he performed at the White House. Although he suffered from kidney disease and a partially amputated foot and was required to undergo dialysis treatment every three days, Chenier continued to perform until one week before his death on December 12, 1987.

Starting in the 1950s, Clifton Chenier pioneered the modern sound of zydeco and eventually became one of the genre’s best-known performers. The self-proclaimed “King of Zydeco” won a Grammy for his 1983 album I’m Here, was awarded a National Heritage Fellowship, and played at the White House for President Ronald Reagan. Born June 25, 1925, near Opelousas, Chenier learned to play the accordion from his father Joseph, who worked as a sharecropper. Chenier came from an extended family of musicians who played in the older Creole “la la” style, which was closely related in sound to early Cajun music. He was influenced by the recordings and live performances of the celebrated Creole accordionist Amédé Ardoin and the almost-forgotten Sidney Babineaux, who was one of the earliest Creoles to play the larger piano accordion, which Chenier made famous. Scholars have debated whether Chenier ever publicly played the smaller diatonic accordion associated with Cajun music, but evidence seems to suggest that he at least learned to play that instrument from his father. During the 1940s, Chenier absorbed the “jump blues” style of Louis Jordan and was soon fusing rhythm and blues (R&B) with Creole music. Out of this potent mixture came modern zydeco. Chenier and his brother Cleveland started playing dances in the 1940s in Louisiana and, by the early 1950s were operating along the Texas border. After losing a job at an oil refinery in Beaumont, Texas, Chenier entered the music profession full time. He designed the vest-style frottoir, based on the washboard that his brother used to provide a rhythmic accompaniment to the accordion, thus giving birth to the basic percussive sound identified with zydeco. The Cheniers worked on the “chitlin circuit,” a loose network of juke joints and dance halls in the southern United States that catered to an African American clientele. On the circuit he met fellow Louisianan Clarence “Bon Ton” Garlow, an R&B guitarist, club owner, and disc jockey in Beaumont. Garlow linked Chenier to the California producer J. R. Fulbright, who signed the zydeco performer to a recording contract. Chenier made his first recordings in Lake Charles in 1954. In 1955 Chenier released his first major hit, “Ay Tete Fee,” on the Speciality label. With this recording, Chenier emerged onto the national R&B scene and shared the stage with major headliners such as Joe Turner. Chenier further refined his music by adding a trumpets and saxophones to his lineup of accordion, frottoir, drums, and guitars. Chenier’s music was highly danceable, hard driving, and propulsive in nature, as demonstrated by his cover of Jordan’s “Let the Good Times Roll” (written by Louisianan Sam Theard). He also demonstrated a great ability with blues material, including songs like “I’m a Hog for You,” which became major parts of his repertoire. Like that of many artists, Chenier’s career waned in the wake of rock ‘n’ roll. He returned to Louisiana and recorded for the Crowley label Zynn during the late 1950s, but his career seemed to stall. Then blues musician Lightnin’ Hopkins (a relative by marriage) introduced Chenier to Chris Strachwitz, the owner of Arhoolie Records. Strachwitz signed Chenier to a recording contract and gave the accordion master nearly free rein in the studio. In 1964 Arhoolie released its first Chenier single, “Ay Ai Ai.” The record enjoyed great popularity and restarted Chenier’s career. He toured widely throughout the United States and Europe from the mid-1960s until his death. He regularly drew large crowds at the Montreaux Jazz Festival and the New Orleans Jazz & Heritage Festival. While he recorded with many labels, including Jin and Maison de Soul, his best recordings were with Arhoolie. During this time he proclaimed himself the “King of Zydeco” and took to the stage wearing either a crown or diadem. Chenier suffered numerous health problems in his later years. Diabetes plagued him and he lost part of a foot, but he still took to the stage as often as possible. He died December 13, 1987, in Lafayette. Chenier left a powerful legacy in Louisiana music, transforming the old rural la la sound into a modern R&B style that garnered acceptance around the world. He was also an emotional singer and a deeply beautiful accordionist whose performances crossed genre lines.(~Kevin Fontenot)

In New Orleans was recorded in the late '70s with one of Clifton Chenier's classic bands, which featured his brother on washboard, saxophonist John Hart, and guitarist Paul Senegal, among others. The album is textbook Chenier -- it rocks & rolls, wails and shouts. It's may be a typical record for the king of zydeco, but that means it's very, very enjoyable.(~Thom Owens)

///////

Clifton Chenier (25 de junio de 1925 - 12 de diciembre de 1987), un criollo nativo de habla francesa de Opelousas, Louisiana, fue un eminente intérprete y artista de grabación de Zydeco y ganador del Grammy en 1983. Como tantos originales americanos, el acordeonista y cantante Clifton Chenier fue capaz de sintetizar varios géneros musicales antiguos en una nueva forma. Añadió a la música cajún un toque de blues, rhythm and blues, y rock & roll para crear una versión pop de Zydeco. Explicó: "La gente lleva mucho tiempo tocando Zydeco, a la antigua usanza de la música francesa. Pero yo fui el primero en darle energía". Comenzó su carrera actuando los fines de semana cerca de los yacimientos petrolíferos, donde trabajaba en su trabajo diario. Durante los años 50 estuvo asociado al R&B, grabando para sellos legendarios como Specialty y Chess. Sus influencias no eran músicos cajún más viejos, sino figuras como Fats Domino y el Profesor Pelo Largo. Para cuando Chenier dio su paso, la música tradicional cajún y criolla había comenzado a tomar diferentes caminos: Los cajuns estaban cada vez más interesados en la música country, mientras que los criollos preferían el blues y el R&B, abandonando el violín en favor del rub-board y a veces de una sección de trompa. En 1964, el productor de Arhoolie Records Chris Strachwitz persuadió a Chenier para que tocara más zydeco, un movimiento que renovó su carrera y lo llevó a una larga serie de álbumes de éxito. Entre sus éxitos posteriores se encuentran "Louisiana Blues" de 1964 y "Black Gal" de 1965. También grabó lo que se ha convertido en el himno nacional de Zydeco, "Zydeco Sont pas Sale". Clifton Chenier se convirtió en la primera gran superestrella de Zydeco y también introdujo la palabra Zydeco en el léxico musical en 1965. Dijo que Zydeco era una corrupción de les haricots (frijoles en francés). El indiscutible "Rey de Zydeco", Clifton Chenier fue el primer criollo en recibir un premio Grammy en la televisión nacional. Mezclando los 2 pasos y valses franceses y cajunes del suroeste de Louisiana con el R&B de Nueva Orleans, el blues de Texas y el jazz de big-band, Chenier creó los sonidos modernos e inspiradores del Zydeco. Una personalidad extravagante, recordada por su diente de oro y la capa y corona que usó durante los conciertos, Chenier marcó la pauta para todos los jugadores del Zydeco que han seguido sus pasos. En una entrevista del libro de Ann Savoy, Música Cajun: Reflexión de un pueblo, explicó Chenier, "Zydeco es rock y francés mezclado, ya sabes, como la música francesa y el rock con un ritmo. Es lo mismo que el rock and roll, pero es diferente porque canto en francés". Hijo de un aparcero y acordeonista aficionado, Joe Chenier, y sobrino de un guitarrista, violinista y dueño de un club de baile, Maurice "Big" Chenier, Chenier encontró sus primeras influencias en el blues de Muddy Waters, Peetie Wheatstraw, y Lightnin' Hopkins, el New Orleans R&B of Fats Domino y el Profesor Longhair, las grabaciones de los años 20 y 30 de la acordeonista de Zydeco Amede Ardoin y la interpretación de los amigos de la infancia Claude Faulk y Jesse y Zozo Reynolds. Adquiriendo su primer acordeón de un vecino, Isaie "Easy" Blasa en 1947, Chenier aprendió los fundamentos de los instrumentos con su padre. A Chenier se le atribuye el mérito de haber rediseñado la tabla de lavar de madera y de hojalata en el frottoir, un instrumento que colgaría fácilmente de los hombros. Cleveland Chenier, el hermano mayor de Clifton, también tocó en la Red Hot Louisiana Band. Encontró popularidad por su habilidad para manipular el sonido distintivo del frottoir frotando varios abridores de botellas (sostenidos en cada mano) a lo largo de sus crestas. Para 1944, Chenier estaba actuando, con su hermano Cleveland en el frottoir en los salones de baile de Lake Charles.

A mediados de los años 40, Chenier se trasladó a Nueva Iberia y trabajó en los campos de azúcar cortando caña de azúcar. Después de mudarse a Port Arthur, TX, en 1947, dividió su tiempo entre conducir un camión de refinería y transportar tuberías para Gulf y Texaco y jugar con su hermano. En 1954, Chenier firmó con Elko Records. Su primera sesión de grabación, en la estación de radio KAOK de Lake Charles, produjo siete temas, incluyendo el éxito regional "Cliston's Blues" y "Louisiana Stomp". La primera atención nacional de Chenier llegó con su primer sencillo para el sello discográfico Specialty, "Ay Tete Fille (Hey, Little Girl)", una portada de una canción de Professor Longhair, publicada en mayo de 1955. La canción fue una de las 12 que grabó durante dos sesiones producidas por Bumps Blackwell, mejor conocido por su trabajo con Little Richard. Para 1956, Chenier había dejado su trabajo diurno para dedicarse de lleno a la música, haciendo giras con su banda, The Zydeco Ramblers, que incluía al guitarrista de blues Philip Walker. Al año siguiente, Chenier dejó la especialidad y firmó con el sello Chess en Chicago. Aunque viajó de gira, junto con Etta James, por todo Estados Unidos, la carrera de Chenier se vio afectada cuando la popularidad de los estilos musicales étnicos y regionales comenzó a declinar. Aunque grabó 13 canciones para el sello Zynn de Crowley, con sede en Los Ángeles, entre 1958 y 1960, ninguna fue grabada. El punto de inflexión en la carrera de Chenier llegó cuando la esposa de Lightnin' Hopkins, que era prima, presentó a Chris Strachwitz, propietario del sello musical Arhoolie, sus primeras grabaciones. Strachwitz rápidamente contrató a Chenier para Arhoolie, produciendo su primer sencillo, "Ay Yi Yi"/"Why Did You Go Last Night? Aunque continuaron trabajando juntos hasta principios de los años 70, Chenier y Strachwitz diferían artísticamente. Mientras que Chenier quería grabar R&B con mentalidad comercial, Strachwitz le animó a centrarse en el Zydeco tradicional. El primer álbum de Chenier para Arhoolie, Louisiana Blues y Zydeco, incluía un lado de blues y R&B y un lado de 2 pasos y valses franceses. En 1976, Chenier grabó uno de sus mejores discos, "Bogalusa Boogie", y formó un nuevo grupo, la Red Hot Louisiana Band, con el saxofonista tenor "Blind" John Hart y el guitarrista Paul Senegal. Chenier alcanzó la cima de su popularidad en los años 80. En 1983, recibió un premio Grammy por su álbum, I'm Here! grabado en ocho horas en Bogalusa, LA. Al año siguiente, actuó en la Casa Blanca. Aunque sufría de una enfermedad renal y un pie parcialmente amputado y se le exigía que se sometiera a un tratamiento de diálisis cada tres días, Chenier continuó realizando su trabajo hasta una semana antes de su muerte, el 12 de diciembre de 1987.

A partir de los años 50, Clifton Chenier fue pionero en el sonido moderno del zydeco y se convirtió en uno de los intérpretes más conocidos del género. El autoproclamado "Rey de Zydeco" ganó un Grammy por su álbum de 1983 I'm Here, fue galardonado con una beca del Patrimonio Nacional y tocó en la Casa Blanca para el Presidente Ronald Reagan. Nacido el 25 de junio de 1925, cerca de Opelousas, Chenier aprendió a tocar el acordeón de su padre Joseph, que trabajaba como aparcero. Chenier provenía de una extensa familia de músicos que tocaban en el antiguo estilo criollo "la la", que estaba estrechamente relacionado en sonido con la música cajún antigua. Fue influenciado por las grabaciones y actuaciones en vivo del célebre acordeonista criollo Amédé Ardoin y del casi olvidado Sidney Babineaux, quien fue uno de los primeros criollos en tocar el acordeón de piano más grande, que Chenier hizo famoso. Los eruditos han debatido si Chenier alguna vez tocó públicamente el acordeón diatónico más pequeño asociado con la música cajún, pero la evidencia parece sugerir que al menos aprendió a tocar ese instrumento de su padre. Durante la década de 1940, Chenier absorbió el estilo "jump blues" de Louis Jordan y pronto fusionó el rhythm and blues (R&B) con la música criolla. De esta potente mezcla surgió el zydeco moderno. Chenier y su hermano Cleveland comenzaron a tocar bailes en la década de 1940 en Louisiana y, a principios de la década de 1950, operaban a lo largo de la frontera de Texas. Después de perder un trabajo en una refinería de petróleo en Beaumont, Texas, Chenier entró en la profesión de la música a tiempo completo. Diseñó el frottoir al estilo chaleco, basado en la tabla de lavar que su hermano utilizaba para acompañar rítmicamente el acordeón, dando así origen al sonido básico de percusión identificado con el zydeco. Los Cheniers trabajaron en el "circuito chitlin", una red informal de bares y salas de baile en el sur de Estados Unidos que atendía a una clientela afroamericana. En el circuito conoció a su compatriota Clarence "Bon Ton" Garlow, guitarrista de R&B, dueño de un club y disc-jockey en Beaumont. Garlow vinculó a Chenier con el productor californiano J. R. Fulbright, quien firmó el contrato de grabación del intérprete de zydeco. Chenier hizo sus primeras grabaciones en Lake Charles en 1954. En 1955 Chenier lanzó su primer gran éxito, "Ay Tete Fee", en el sello Speciality. Con esta grabación, Chenier emergió a la escena nacional de R&B y compartió escenario con grandes estrellas como Joe Turner. Chenier refinó aún más su música añadiendo trompetas y saxofones a su alineación de acordeón, frottoir, batería y guitarras. La música de Chenier era altamente bailable, de conducción dura y de naturaleza propulsora, como lo demuestra su portada de "Let the Good Times Roll" de Jordan (escrita por Louisianan Sam Theard). También demostró una gran habilidad con el material de blues, incluyendo canciones como "I'm a Hog for You", que se convirtió en una parte importante de su repertorio. Como la de muchos artistas, la carrera de Chenier se desvaneció en la estela del rock'n' roll. Regresó a Luisiana y grabó para el sello Crowley Zynn a finales de la década de 1950, pero su carrera pareció estancarse. Entonces el músico de blues Lightnin' Hopkins (un pariente por matrimonio) presentó a Chenier a Chris Strachwitz, el dueño de Arhoolie Records. Strachwitz firmó con Chenier un contrato de grabación y le dio al maestro del acordeón casi rienda suelta al estudio. En 1964 Arhoolie lanzó su primer single de Chenier, "Ay Ai Ai Ai." El disco gozó de gran popularidad y reinició la carrera de Chenier. Realizó giras por todo Estados Unidos y Europa desde mediados de la década de 1960 hasta su muerte. Regularmente atrae a grandes multitudes al Festival de Jazz de Montreaux y al Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleans. Aunque grabó con muchos sellos discográficos, incluyendo Jin y Maison de Soul, sus mejores grabaciones fueron con Arhoolie. Durante este tiempo se proclamó "Rey de Zydeco" y subió al escenario llevando una corona o una diadema. Chenier sufrió numerosos problemas de salud en sus últimos años. La diabetes lo atormentaba y perdió parte de un pie, pero aún así salía al escenario con la mayor frecuencia posible. Murió el 13 de diciembre de 1987 en Lafayette. Chenier dejó un poderoso legado en la música de Louisiana, transformando la antigua la la la sound en un estilo moderno de R&B que fue aceptado en todo el mundo. También fue un cantante emotivo y un acordeonista profundamente bello cuyas actuaciones cruzaron las líneas del género (~Kevin Fontenot).

En Nueva Orleans fue grabado a finales de los'70 con una de las bandas clásicas de Clifton Chenier, en la que figuraban su hermano en la tabla de lavar, el saxofonista John Hart, y el guitarrista Paul Senegal, entre otros. El álbum es el libro de texto de Chenier - se mece y rueda, llora y grita. Puede que sea un disco típico del rey de Zydeco, pero eso significa que es muy, muy agradable.
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator



Tuesday, July 21, 2026

Id fight the world. A political history of old-time, hillbilly, and country music

 


Saturday, July 18, 2026

Lenny Breau • The Legendary Lenny Breau... Now!

 

 



Review
by Paul Kohler
Recorded with the help of guitar master Chet Atkins, this record showcases Breau in the solo guitar spotlight. A few tunes feature him soloing against a seperate rhythm guitar track that he also played. Breau's version of McCoy Tyner's "Visions" is astounding!!
https://www.allmusic.com/album/the-legendary-lenny-breau--now%21%21-mw0000875119



Biography:
Leonard Harold Breau (August 5, 1941 – August 12, 1984) was an American-Canadian guitarist. He blended many styles of music, including jazz, country, classical, and flamenco. Inspired by country guitarists like Chet Atkins, Breau used fingerstyle techniques not often used in jazz guitar. By using a seven-string guitar and approaching the guitar like a piano, he opened up possibilities for the instrument.

Early life
Breau was born August 5, 1941, in Auburn, Maine, and moved with his family to Moncton, New Brunswick in 1948. His francophone parents, Harold Breau and Betty Cody, were professional country and western musicians who performed and recorded from the mid-1930s until the mid-1970s. From the mid to late 1940s they played summer engagements in southern New Brunswick, advertising their performances by playing free programs on radio station CKCW Moncton. Lenny began playing guitar at the age of eight. When he was twelve, he started a small band with friends, and by the age of fourteen he was the lead guitarist for his parents' band, billed as "Lone Pine Junior", playing Merle Travis and Chet Atkins instrumentals and occasionally singing. He made his first professional recordings in Westbrook, Maine at Event Records with Al Hawkes at the age of 15 while working as a studio musician. Many of these recordings were released posthumously on the album Boy Wonder.

The Breau family moved to Winnipeg, Manitoba in 1957 and their new band performed around the city and province as the CKY Caravan. Their shows were radio broadcast live on Winnipeg's CKY on Saturday mornings from remote locations.

Jazz career
Around 1959 Breau left his parents' country band after his father slapped him in the face for incorporating jazz improvisation into his playing with the group. He sought out local jazz musicians, performing at Winnipeg venues Rando Manor and the Stage Door. He met pianist Bob Erlendson, who began teaching him more of the foundations of jazz.

In 1962, Breau briefly performed in the Toronto-based jazz group Three with singer and actor Don Francks, and Eon Henstridge on acoustic bass. Three performed in Toronto, Ottawa, and New York City. Their music was featured in the 1962 National Film Board documentary Toronto Jazz. They recorded a live album at the Village Vanguard in New York City and appeared on the Jackie Gleason and Joey Bishop television shows.

Returning to Winnipeg a few months later, Breau became a session guitarist, recording for CBC Radio and CBC Television, and contributed to CBC-TV's Teenbeat, Music Hop, and his own The Lenny Breau Show filmed in Winnipeg. In 1963 and 1964, Breau appeared at David Ingram's Fourth Dimension at 2000 Pembina Highway in Fort Garry, a suburb of Winnipeg. Every Sunday night was a party open to all. Other regulars at the club on Sunday nights included Neil Young and his band The Squires, and Randy Bachman, who was heavily influenced by Breau, in particular in the jazz guitar style of his The Guess Who hit "Undun".

In 1967, recordings of Breau's playing from The Lenny Breau Show found their way to Chet Atkins. The ensuing friendship resulted in Breau's first two albums, Guitar Sounds from Lenny Breau and The Velvet Touch of Lenny Breau – Live! on RCA, accompanied by fellow Winnipegers Ron Halldorson and Reg Kelln. Breau did not record again for nearly 10 years, though he continued to do session work in Winnipeg.

Breau left Winnipeg in 1976 and spent the last few years of his life in the United States, living in Maine, Nashville, Stockton, California, and New York City, eventually settling in Los Angeles in 1983. These years he spent performing, teaching, and writing for Guitar Player magazine. A few more solo albums were issued during his lifetime, in addition to albums recorded with fiddler Buddy Spicher and pedal steel guitarist Buddy Emmons.

Breau had problems with drugs beginning in the 1960s which he managed to control during the last years of his life. On August 12, 1984, his body was found in a swimming pool at his apartment complex in Los Angeles, California. The coroner reported that Breau had been strangled. Breau's wife, Jewel, was the chief suspect, but she was not charged. He is interred in an unmarked grave at Forest Lawn Memorial Park Cemetery.

Posthumous honors
Many live and "lost" recordings have been issued since Breau's death, and most of his previously released albums have also been reissued. Due to efforts by Randy Bachman of Guitarchives, Paul Kohler of Art of Life Records, Tim Tamashiro of CBC Radio and others, a new generation of listeners has access to his music.

A documentary titled The Genius of Lenny Breau was produced in 1999 by Breau's daughter, Emily Hughes. This Gemini Award-winning film includes interviews with Chet Atkins, Ted Greene, Pat Metheny, George Benson, Leonard Cohen, and Bachman, as well as family members. George Benson said, "He dazzled me with his extraordinary guitar playing... I wish the world had the opportunity to experience his artistry." The biography One Long Tune: The Life and Music of Lenny Breau by Ron Forbes-Roberts was published in 2006 containing interviews with nearly 200 people and a comprehensive discography.

CBC Radio presented a documentary on Lenny Breau titled On the Trail of Lenny Breau (the title is in reference to Breau's parents' song "On the Trail of the Lonesome Pine"). It was first broadcast on September 13, 2009, as part of a regular weekly program called Inside the Music. It was narrated by Breau's son, Chet. The one-hour feature was produced in Montreal by John Klepko.

Breau was inducted into the Canadian Music Hall of Fame in 1997.

Technique and guitars
Breau's fully matured technique was a combination of Chet Atkins's and Merle Travis's fingerpicking and Sabicas-influenced flamenco, highlighted by right-hand independence and flurries of artificial harmonics. His harmonic sensibilities were a combination of his country roots, classical music, modal music, Indian, and jazz, particularly the work of pianist Bill Evans. Breau often adapted Evans's compositions, such as "Funny Man", for guitar. Breau said in relation to this, "I approach the guitar like a piano. I've reached a point where I transcend the instrument. A lot of the stuff I play on the seven-string guitar is supposed to be technically impossible, but I spent over twenty years figuring it out. I play the guitar like a piano, there's always two things going on at once. I'm thinking melody, but I'm also thinking of a background. I play the accompaniment on the low strings."[citation needed]

He had two custom seven-string guitars made, one classical and one electric. At the time, no company made a string that could be tuned to the high A on his classical guitar. Breau used fishing line of the correct gauge until the La Bella company began making a string for him. The electric guitar was made by Kirk Sand, also with the first string being a high A.
https://en.wikipedia.org/wiki/Lenny_Breau

///////


Reseña
por Paul Kohler
Grabado con la ayuda del maestro de la guitarra Chet Atkins, este disco muestra a Breau como guitarrista solista. En algunos temas, Breau interpreta un solo sobre una pista de guitarra rítmica que él también toca. La versión de Breau de "Visions" de McCoy Tyner es asombrosa.
https://www.allmusic.com/album/the-legendary-lenny-breau--now%21%21-mw0000875119



Biografía:
Leonard Harold Breau (5 de agosto de 1941 - 12 de agosto de 1984) fue un guitarrista estadounidense-canadiense. Combinó muchos estilos musicales, como el jazz, el country, la música clásica y el flamenco. Inspirado por guitarristas country como Chet Atkins, Breau utilizaba técnicas de fingerstyle poco frecuentes en la guitarra de jazz. Al utilizar una guitarra de siete cuerdas y acercarse a la guitarra como a un piano, abrió posibilidades para el instrumento.

Vida temprana
Breau nació el 5 de agosto de 1941 en Auburn, Maine, y se trasladó con su familia a Moncton, Nuevo Brunswick, en 1948. Sus padres francófonos, Harold Breau y Betty Cody, eran músicos profesionales de country y western que actuaron y grabaron desde mediados de los años treinta hasta mediados de los setenta. Desde mediados hasta finales de los años 40, actuaban en verano en el sur de Nuevo Brunswick y anunciaban sus actuaciones con programas gratuitos en la emisora de radio CKCW de Moncton. Lenny empezó a tocar la guitarra a los ocho años. A los doce, formó una pequeña banda con amigos, y a los catorce ya era el guitarrista principal de la banda de sus padres, llamada "Lone Pine Junior", tocando temas instrumentales de Merle Travis y Chet Atkins y cantando ocasionalmente. Realizó sus primeras grabaciones profesionales en Westbrook, Maine, en Event Records con Al Hawkes a la edad de 15 años mientras trabajaba como músico de estudio. Muchas de estas grabaciones se publicaron póstumamente en el álbum Boy Wonder.

La familia Breau se trasladó a Winnipeg, Manitoba, en 1957 y su nueva banda actuó por la ciudad y la provincia con el nombre de CKY Caravan. Sus actuaciones se retransmitían en directo por la emisora CKY de Winnipeg los sábados por la mañana desde lugares remotos.

Carrera en el jazz
Alrededor de 1959, Breau abandonó la banda de country de sus padres después de que su padre le abofeteara por incorporar la improvisación de jazz a su forma de tocar con el grupo. Buscó músicos de jazz locales y actuó en los locales de Winnipeg Rando Manor y Stage Door. Conoció al pianista Bob Erlendson, que empezó a enseñarle los fundamentos del jazz.

En 1962, Breau actuó brevemente en el grupo de jazz Three, de Toronto, con el cantante y actor Don Francks y Eon Henstridge al bajo acústico. Three actuó en Toronto, Ottawa y Nueva York. Su música apareció en 1962 en el documental Toronto Jazz de la National Film Board. Grabaron un álbum en directo en el Village Vanguard de Nueva York y aparecieron en los programas de televisión de Jackie Gleason y Joey Bishop.

De vuelta a Winnipeg unos meses más tarde, Breau se convirtió en guitarrista de sesión, grabando para CBC Radio y CBC Television, y colaboró en Teenbeat, Music Hop de CBC-TV, y en su propio The Lenny Breau Show filmado en Winnipeg. En 1963 y 1964, Breau actuó en David Ingram's Fourth Dimension, en el 2000 de Pembina Highway, en Fort Garry, un suburbio de Winnipeg. Cada domingo por la noche era una fiesta abierta a todos. Otros habituales del club los domingos por la noche eran Neil Young y su banda The Squires, y Randy Bachman, muy influido por Breau, en particular en el estilo de guitarra jazz de su éxito de The Guess Who "Undun".

En 1967, unas grabaciones de Breau en The Lenny Breau Show llegaron a manos de Chet Atkins. La consiguiente amistad dio lugar a los dos primeros álbumes de Breau, Guitar Sounds from Lenny Breau y The Velvet Touch of Lenny Breau - Live! en RCA, acompañado por sus compatriotas de Winnipeg Ron Halldorson y Reg Kelln. Breau no volvió a grabar durante casi 10 años, aunque siguió haciendo trabajos de sesión en Winnipeg.

Breau abandonó Winnipeg en 1976 y pasó los últimos años de su vida en Estados Unidos, viviendo en Maine, Nashville, Stockton, California y Nueva York, para instalarse finalmente en Los Ángeles en 1983. Estos años los pasó actuando, enseñando y escribiendo para la revista Guitar Player. A lo largo de su vida publicó algunos álbumes en solitario, además de otros grabados con el violinista Buddy Spicher y el guitarrista de pedal Buddy Emmons.

Breau tuvo problemas con las drogas a partir de la década de 1960, que logró controlar durante los últimos años de su vida. El 12 de agosto de 1984, su cuerpo fue encontrado en una piscina de su complejo de apartamentos en Los Ángeles, California. El forense informó de que Breau había sido estrangulado. La esposa de Breau, Jewel, era la principal sospechosa, pero no fue acusada. Está enterrado en una tumba sin nombre en el cementerio Forest Lawn Memorial Park.

Honores póstumos
Desde la muerte de Breau se han publicado muchas grabaciones en directo y "perdidas", y también se han reeditado la mayoría de sus álbumes publicados anteriormente. Gracias a los esfuerzos de Randy Bachman de Guitarchives, Paul Kohler de Art of Life Records, Tim Tamashiro de CBC Radio y otros, una nueva generación de oyentes tiene acceso a su música.

La hija de Breau, Emily Hughes, produjo en 1999 un documental titulado The Genius of Lenny Breau (El genio de Lenny Breau). Esta película, ganadora de un premio Gemini, incluye entrevistas con Chet Atkins, Ted Greene, Pat Metheny, George Benson, Leonard Cohen y Bachman, así como con miembros de su familia. George Benson dijo: "Me deslumbró con su extraordinaria forma de tocar la guitarra... Ojalá el mundo tuviera la oportunidad de experimentar su arte". La biografía One Long Tune: The Life and Music of Lenny Breau, de Ron Forbes-Roberts, se publicó en 2006 con entrevistas a casi 200 personas y una completa discografía.

CBC Radio presentó un documental sobre Lenny Breau titulado On the Trail of Lenny Breau (el título hace referencia a la canción de los padres de Breau "On the Trail of the Lonesome Pine"). Se emitió por primera vez el 13 de septiembre de 2009, como parte de un programa semanal regular llamado Inside the Music. Fue narrado por el hijo de Breau, Chet. El programa, de una hora de duración, fue producido en Montreal por John Klepko.

Breau ingresó en el Salón de la Fama de la Música Canadiense en 1997.

Técnica y guitarras
La técnica plenamente madura de Breau era una combinación del fingerpicking de Chet Atkins y Merle Travis y el flamenco influenciado por Sabicas, destacado por la independencia de la mano derecha y las ráfagas de armónicos artificiales. Su sensibilidad armónica era una combinación de sus raíces country, la música clásica, la música modal, la india y el jazz, en particular la obra del pianista Bill Evans. Breau adaptaba a menudo a la guitarra composiciones de Evans, como "Funny Man". Breau dijo al respecto: "Abordo la guitarra como un piano. He llegado a un punto en el que trasciendo el instrumento. Muchas de las cosas que toco con la guitarra de siete cuerdas se supone que son técnicamente imposibles, pero he pasado más de veinte años averiguándolo. Toco la guitarra como un piano, siempre están pasando dos cosas a la vez. Pienso en la melodía, pero también en el fondo. Toco el acompañamiento en las cuerdas graves"[cita requerida].

Mandó hacer dos guitarras de siete cuerdas a medida, una clásica y otra eléctrica. En aquella época, ninguna empresa fabricaba una cuerda que pudiera afinarse en el La agudo de su guitarra clásica. Breau utilizó hilo de pescar del calibre adecuado hasta que la empresa La Bella empezó a fabricar una cuerda para él. La guitarra eléctrica fue fabricada por Kirk Sand, también con la primera cuerda en La agudo.
https://en.wikipedia.org/wiki/Lenny_Breau


Bill Black's Combo • Plays All-Timers



William Patton Black Jr. (September 17, 1926 – October 21, 1965) was an American musician and bandleader who is noted as one of the pioneers of rock and roll. He was the bassist in Elvis Presley's early trio. Black later formed Bill Black's Combo.

Black was born in Memphis, Tennessee, to a motorman for the Memphis Street Railway Co. He was the oldest of nine children. His father played popular songs on the banjo and fiddle to entertain the family. Black learned to play music at the age of 14 on an instrument made by his father—a cigar box with a board nailed to it and strings attached. At the age of sixteen, Black was performing "honky-tonk" music on acoustic guitar in local bars.

During World War II, Black was stationed with the U.S. Army at Fort Lee in Virginia. While in the Army, he met Evelyn, who played guitar as a member of a musical family. They married in 1946 and returned to Memphis. Black worked at the Firestone plant.

He began playing the upright bass fiddle, modeling his "slap bass" technique after one of his idols, Fred Maddox, of Maddox Brothers and Rose. Black also developed a "stage clown" persona in the same way that Maddox entertained audiences. Black performed as an exaggerated hillbilly with blacked-out teeth, straw hat and overalls. According to his son, Black said his goal was always to give his audience "a few moments of entertainment and maybe a little bit of humor that'll tickle 'em for a while."

In 1952, Black began playing in clubs and on radio shows with the guitarist Scotty Moore. Along with two other guitarists and a fiddler, they performed country music tunes by Hank Williams and Red Foley in Doug Poindexter's band, the Starlight Wranglers. Black and Moore also played in a band with Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette on steel guitar, and a drummer.

In 1959 Black joined a group of musicians which became Bill Black's Combo. The lineup was Black (bass), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitar), Martin Willis (saxophone), and Jerry Arnold (drums). There were several personnel changes. While Young was in the army, his position was filled by Hank Hankins, Chips Moman and Tommy Cogbill. On sax, Ace Cannon took over touring duties from Willis who remained in Memphis for the studio work and movie appearances. Carl McVoy replaced Hall in the studio, while Bobby Emmons replaced him on tour.

The band released blues instrumental "Smokie" for Hi Records in December 1959. "Smokie, Part 2" became a No. 17 U.S. pop hit, and made number one on the "black" music charts. It sold over one million copies, and was awarded a gold disc by the RIAA. A follow-up release, "White Silver Sands" (Hi 2021), was a Top 10 hit (#9) and, like its predecessor, topped the R&B charts for four weeks.

Eight of the recordings by Bill Black's Combo placed in the Top 40 between 1959 and 1962. Advertised as "Terrific for Dancing" their Saxy Jazz album spent a record whole year in the top 100.

The Combo appeared in the 1961 film Teenage Millionaire and on The Ed Sullivan Show, where they performed a medley of "Don't Be Cruel," "Cherry Pink," and "Hearts of Stone", and were voted Billboard's number one instrumental group of 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)

Albums with themes included Bill Black's Combo Plays Tunes by Chuck Berry, Bill Black's Combo Goes Big Band, Bill Black's Combo Goes West, and Bill Black's Combo Plays the Blues. The Combo's sound of danceable blues became a popular accompaniment for striptease dancers. Another characteristic of the Combo was Reggie Young thwacking on the guitar with a pencil.

In 1962, Bill Black opened a recording studio called "Lyn-Lou Studios" (a shortened nickname "Linda-Lou" he had for his daughter Nancy), and a record label named "Louis" after his son, on Chelsea Street in Memphis, Tennessee, with Larry Rogers (Studio 19, Nashville) as his engineer and producer. Johnny Black, Bill's brother and also upright bass player, who knew Elvis at Lauderdale Courts before Bill, recalls visiting Bill at the studio and reported that Bill would be totally absorbed mixing and playing back tracks.[citation needed]

Bob Tucker and Larry Rogers purchased Lyn-Lou Studios after Bill Black's death in 1965. The studio recorded many Bill Black Combo albums (with billings such as "The Best Honky Tonk Band in America" and "The band who opened for the Beatles")[citation needed] and produced number-one country hits for Charly McClain, T.G. Shepard, Billy Swan and others. The house band for these sessions was the Shylo Band, featuring guitarist/songwriter Ronnie Scaife, nephew of Cecil Scaife, famed Sun Studio engineer.

Early in 1963, Black sent from two to five different versions of the Combo to different regions of the country at the same time, while staying off the road himself, wanting to concentrate on his business, family and his health.

In 1963, Bob Tucker joined the Bill Black Combo as a road manager and guitar/bass player.

Black himself had been ill for the past year and a half and unable to travel. Nonetheless, he insisted that the band continue without him. The Bill Black Combo created musical history in 1964 when they became the opening act for the Beatles (at their request) on their historic 13-city tour of America after their appearance on The Ed Sullivan Show. Black himself was not well enough to make the tour.

After two surgeries and lengthy hospital stays, Black died of a brain tumor on October 21, 1965, at age 39. His death occurred during his third operation that doctors had hoped would eradicate the tumor permanently. Black's body was buried at Forest Hill Cemetery in Memphis, Tennessee. Presley was criticized for not attending the funeral, but he believed that his presence would turn it into a media frenzy. He decided instead to visit the family privately after the service to express his condolences. According to Louis Black, Presley said, "If there's anything that y'all need, you just let me know and it's yours."

Black's widow sold Bob Tucker and Larry Rogers the rights to use the name Bill Black's Combo. The band changed to country when it joined Columbia Records, and won Billboard's Country Instrumental Group of the Year award in 1976.

On April 4, 2009, Bill Black was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame.

///////

William Patton Black Jr. (17 de septiembre de 1926 - 21 de octubre de 1965)  fue un músico y director de orquesta estadounidense conocido como uno de los pioneros del rock and roll. Fue el bajista en el trío temprano de Elvis Presley. Black formó más tarde el combo de Bill Black.

Black nació en Memphis, Tennessee, hijo de un motero de la Memphis Street Railway Co. Era el mayor de nueve hijos. Su padre tocó canciones populares en el banjo y violín para entretener a la familia. Black aprendió a tocar música a la edad de 14 años con un instrumento hecho por su padre: una caja de cigarros con una tabla clavada y cuerdas atadas. A la edad de dieciséis años, Black tocaba música "honky-tonk" en guitarra acústica en bares locales.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Black estuvo estacionado con el Ejército de los Estados Unidos en Fort Lee en Virginia. Mientras estaba en el ejército, conoció a Evelyn, quien tocaba la guitarra como miembro de una familia musical. Se casaron en 1946 y regresaron a Memphis. Black trabajó en la planta de Firestone.

Comenzó a tocar el violín del bajo vertical, modelando su técnica de "bofetada" según uno de sus ídolos, Fred Maddox, de Maddox Brothers y Rose. Black también desarrolló un personaje de "payaso de escenario" de la misma manera que Maddox entretuvo al público. El negro se desempeñó como una exagerada colina con los dientes oscurecidos, un sombrero de paja y un mono. Según su hijo, Black dijo que su objetivo era siempre darle a su público "unos momentos de entretenimiento y quizás un poco de humor que les haga cosquillas por un tiempo".

En 1952, Black comenzó a tocar en clubes y programas de radio con el guitarrista Scotty Moore. Junto con otros dos guitarristas y un violinista, interpretaron canciones de música country de Hank Williams y Red Foley en la banda de Doug Poindexter, los Starlight Wranglers. Black y Moore también tocaron en una banda con Paul Burlison, Johnny Burnette, Dorsey Burnette en guitarra de acero y un baterista.

En 1959, Black se unió a un grupo de músicos que se convirtió en el Combo de Bill Black. La alineación fue Black (bajo), Joe Lewis Hall (piano), Reggie Young (guitarra), Martin Willis (saxofón) y Jerry Arnold (batería). Hubo varios cambios de personal. Mientras Young estaba en el ejército, su posición fue ocupada por Hank Hankins, Chips Moman y Tommy Cogbill. En el saxofón, Ace Cannon se hizo cargo de Willis, quien permaneció en Memphis para el trabajo de estudio y las apariciones en películas. Carl McVoy reemplazó a Hall en el estudio, mientras que Bobby Emmons lo reemplazó en la gira.

La banda lanzó el blues instrumental "Smokie" para Hi Records en diciembre de 1959.  "Smokie, Parte 2" se convirtió en el hit número 17 de los Estados Unidos, y se convirtió en el número uno en las listas musicales "negras".  Vendió más de un millón de copias y recibió un disco de oro de la RIAA.  Un lanzamiento de seguimiento, "White Silver Sands" (Hola 2021), fue un éxito Top 10 (# 9) y, al igual que su predecesor, encabezó las listas de R&B durante cuatro semanas.

Ocho de las grabaciones de Bill Black's Combo se ubicaron en el Top 40 entre 1959 y 1962. Anunciado como "Terrific for Dancing", su álbum Saxy Jazz pasó un año entero en el top 100.

The Combo apareció en la película Teenage Millionaire de 1961 y en The Ed Sullivan Show, donde interpretaron una mezcla de "Don't Be Cruel", "Cherry Pink" y "Hearts of Stone", y fueron elegidos como el grupo instrumental número uno de Billboard. de 1961.
Bill Black Combo Flyer (1962)

Álbumes con temas incluidos Combo Plays Tunes de Bill Black, Chuck Berry, Combo Goes Big Band de Bill Black, Combo Goes West de Bill Black y Combo Plays the Blues de Bill Black. El sonido de blues bailable de The Combo se convirtió en un acompañamiento popular para los bailarines de striptease. Otra característica del Combo era Reggie Young, que golpeaba la guitarra con un lápiz.

En 1962, Bill Black abrió un estudio de grabación llamado "Lyn-Lou Studios" (un apodo abreviado "Linda-Lou" que tenía para su hija Nancy), y un sello discográfico llamado "Louis" por su hijo, en Chelsea Street en Memphis. , Tennessee, con Larry Rogers (Studio 19, Nashville) como su ingeniero y productor. Johnny Black, el hermano de Bill y también bajista, que conoció a Elvis en Lauderdale Courts antes que Bill, recuerda haber visitado a Bill en el estudio e informó que Bill estaría totalmente absorto mezclando y reproduciendo pistas. [Cita requerida]

Bob Tucker y Larry Rogers compraron Lyn-Lou Studios después de la muerte de Bill Black en 1965. El estudio grabó muchos álbumes de Bill Black Combo (con facturas como "The Best Honky Tonk Band en América" ​​y "La banda que abrió para los Beatles") [cita requerida] y produjo el número uno de éxitos de país para Charly McClain, TG Shepard, Billy Swan y otros. La banda de la casa para estas sesiones fue Shylo Band, con el guitarrista y cantante Ronnie Scaife, sobrino de Cecil Scaife, famoso ingeniero de Sun Studio.

A principios de 1963, Black envió de dos a cinco versiones diferentes del Combo a diferentes regiones del país al mismo tiempo, mientras se mantenía alejado de la carretera, deseando concentrarse en su negocio, su familia y su salud.

En 1963, Bob Tucker se unió a Bill Black Combo como administrador de caminos y guitarra / bajo.

El mismo Black había estado enfermo durante el último año y medio y no había podido viajar. No obstante, insistió en que la banda continuara sin él. El Bill Black Combo creó la historia musical en 1964 cuando se convirtieron en el acto de apertura de los Beatles (a petición de ellos) en su histórica gira por 13 ciudades de América después de su aparición en The Ed Sullivan Show. El mismo Black no estaba lo suficientemente bien como para hacer la gira.

Después de dos cirugías y largas estadías en el hospital, Black murió de un tumor cerebral el 21 de octubre de 1965, a la edad de 39 años. Su muerte ocurrió durante su tercera operación que los médicos habían esperado para erradicar el tumor de forma permanente. El cuerpo de Black fue enterrado en el cementerio Forest Hill en Memphis, Tennessee. Presley fue criticado por no asistir al funeral, pero creía que su presencia lo convertiría en un frenesí mediático. En su lugar, decidió visitar a la familia en privado después del servicio para expresar sus condolencias. Según Louis Black, Presley dijo: "Si hay algo que necesiten, hágamelo saber y será suyo".

La viuda de Black vendió a Bob Tucker y Larry Rogers los derechos para usar el nombre Combo de Bill Black. La banda cambió a país cuando se unió a Columbia Records y ganó el premio al Grupo Instrumental del Año de Billboard en 1976.

El 4 de abril de 2009, Bill Black fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.


Tuesday, July 7, 2026

Lost Highway: Journeys and Arrivals of American Musicians

 


This masterful explorationof American roots music--country, rockabilly, and the blues--spotlights the artists who created a distinctly American sound, including Ernest Tubb, Bobby "Blue" Bland, Elvis Presley, Merle Haggard, and Sleepy LaBeef. In incisive portraits based on searching interviews with these legendary performers, Peter Guralnick captures the boundless passion that drove these men to music-making and that kept them determinedly, and sometimes almost desperately, on the road. 
 
 
 
Peter Guralnick (Author) 
 
 

Friday, July 3, 2026

Clifton Chenier • 60 Minutes With The King of Zydeco



Review
This album is Arhoolie's attempt to create a posthumous greatest hits compilation for the king of zydeco, presenting the 15 best-sellers from their catalog. As such, all of the best songs from Chenier's days are available together here, ranging from slower blues to high speed party-based zydeco. Any fan of Chenier (or zydeco in general) should look into this album for its breadth over the years. Aside from that, single albums are probably better suited for most purposes. If someone just wants one comprehensive Clifton Chenier album in their collection, however, this is the one to have.
by Adam Greenberg
https://www.allmusic.com/album/60-minutes-with-the-king-of-zydeco-mw0000193214

///////

Revisar
Este álbum es el intento de Arhoolie de crear una compilación póstuma de grandes éxitos para el rey del zydeco, presentando los 15 más vendidos de su catálogo. Así, todas las mejores canciones de los días de Chenier están disponibles juntas aquí, desde el blues más lento al zydeco de alta velocidad basado en la fiesta. Cualquier fan de Chenier (o del zydeco en general) debería mirar este álbum por su amplitud a lo largo de los años. Aparte de eso, los álbumes sencillos son probablemente más adecuados para la mayoría de los propósitos. Sin embargo, si alguien sólo quiere un álbum completo de Clifton Chenier en su colección, este es el que debe tener.
por Adam Greenberg
https://www.allmusic.com/album/60-minutes-with-the-king-of-zydeco-mw0000193214


Tuesday, June 30, 2026

The Dead South ‎• Good Company

 



 Artist Biography by Timothy Monger
Fusing a gritty punk ethos with traditional bluegrass and old-time string band music, Canadian ensemble the Dead South emerged out of Saskatchewan's prairie-bordered capital city, Regina. After debuting in 2013 with the five-song The Ocean Went Mad and We Were to Blame EP, the band recorded its first full-length, Good Company, which was picked up in 2014 by German indie Devil Duck Records, who brought the Dead South on a number of overseas tours during the next couple of years. For its follow-up, 2016's Illusion & Doubt, the band worked with Regina producer Jason Plumb and signed with Toronto label Curve Music. It was a breakthrough release for the Dead South, reaching the Top Five on Billboard's bluegrass chart and raising their profile significantly. Showing their crossover versatility, they collaborated with Canadian hip-hop artist Rich Kidd on an updated version of the 2014 song "In Hell I'll Be in Good Company," which was released in the summer of 2017.
https://www.allmusic.com/artist/the-dead-south-mn0003469519/biography

///////
  
 Biografía del artista por Timothy Monger
El conjunto canadiense The Dead South surgió de la capital de Saskatchewan, Regina, una ciudad rodeada de praderas, fusionando un espíritu punk arenoso con el bluegrass tradicional y la música de bandas de cuerdas de los viejos tiempos. Después de debutar en 2013 con The Ocean Went Mad y We Were to Blame EP, la banda grabó su primer disco completo, Good Company, que fue recogido en 2014 por el indie alemán Devil Duck Records, que llevó al Dead South en varias giras al extranjero durante los próximos dos años. Para su seguimiento, Illusion & Doubt de 2016, la banda trabajó con el productor de Regina Jason Plumb y firmó con el sello de Toronto Curve Music. Fue un gran avance para el Dead South, alcanzando los cinco primeros puestos en la lista de bluegrass de Billboard y elevando su perfil de manera significativa. Mostrando su versatilidad crossover, colaboraron con el artista de hip-hop canadiense Rich Kidd en una versión actualizada de la canción "In Hell I'll Be in Good Company" de 2014, que fue lanzada en el verano de 2017.
https://www.allmusic.com/artist/the-dead-south-mn0003469519/biography






www.thedeadsouth.com ...


Saturday, June 20, 2026

Buckwheat Zydeco • On a Night Like This



Review by Adam Greenberg
A relatively basic album of party-based zydeco from the heir apparent to the throne after the death of Clifton Chenier. The nice thing about Buckwheat Zydeco's (Stanley Dural's) albums is the broader diversity that he uses as far as the compositions are concerned. Along with his own compositions on this album are bits from Booker T ("Time Is Tight"), the Blasters ("Marie Marie"), and Bob Dylan ("On a Night Like This"). To accompany his own band, a portion of the Dirty Dozen Brass Band fills in on horns throughout the album, much to the credit of the finished sound. The album is jumping, just the way it's supposed to. This is certainly one of Buckwheat's best albums, right in with Where There's Smoke, There's Fire. Pick it up for a high energy album of Louisiana's party music.
https://www.allmusic.com/album/on-a-night-like-this-mw0000192662

///////

Reseña de Adam Greenberg
Un álbum relativamente básico de zydeco de fiesta del heredero aparente al trono después de la muerte de Clifton Chenier. Lo bueno de los álbumes de Buckwheat Zydeco (Stanley Dural) es la mayor diversidad que utiliza en cuanto a las composiciones. Junto con sus propias composiciones en este álbum hay trozos de Booker T ("Time Is Tight"), los Blasters ("Marie Marie"), y Bob Dylan ("On a Night Like This"). Para acompañar a su propia banda, una parte de la Dirty Dozen Brass Band se llena de trompetas a lo largo del álbum, en gran parte gracias al sonido final. El álbum está saltando, justo como se supone que debe hacerlo. Este es ciertamente uno de los mejores álbumes de Buckwheat, junto con "Where There's Smoke, There's Fire". Recójanlo para un álbum de alta energía de música festiva de Louisiana.
https://www.allmusic.com/album/on-a-night-like-this-mw0000192662




Tuesday, June 16, 2026

King of the Queen Cityː The Story of King Records

 



King of the Queen City is the first comprehensive history of King Records, one of the most influential independent record companies in the history of American music. Founded by businessman Sydney Nathan in the mid-1940s, this small outsider record company in Cincinnati, Ohio, attracted a diverse roster of artists, including James Brown, the Stanley Brothers, Grandpa Jones, Redd Foxx, Earl Bostic, Bill Doggett, Ike Turner, Roy Brown, Freddie King, Eddie Vinson, and Johnny "Guitar" Watson. While other record companies concentrated on one style of music, King was active in virtually all genres of vernacular American music, from blues and R & B to rockabilly, bluegrass, western swing, and country.
A progressive company in a reactionary time, King was led by an interracial creative and executive staff that redefined the face and voice of American music as well as the way it was recorded and sold. Drawing on personal interviews, research in newspapers and periodicals, and deep access to the King archives, Jon Hartley Fox weaves together the elements of King's success, focusing on the dynamic personalities of the artists, producers, and key executives such as Syd Nathan, Henry Glover, and Ralph Bass. The book also includes a foreword by legendary guitarist, singer, and songwriter Dave Alvin.
 
 
Jon Hartley Fox (Autor) 


Thursday, June 11, 2026

Roger Cooper • Going Back To Old Kentucky

 

 



Review by Stephen Thomas Erlewine
Going Back to Old Kentucky is essentially a showcase for the instrumental skills of Roger Cooper, one of the best old-timey fiddlers of the '90s. As a result, there's might be a lack of full-fledged songs here -- nearly every song is arranged as a vehicle for Cooper's fiddling -- but it stands unparalleled as a fiddle record. There is zest and vigor within in his playing, which elevates him from the category of a mere technical wonder and into a fully rounded musician.
https://www.allmusic.com/album/going-back-to-old-kentucky-mw0000080086



Artist Biography
Roger Cooper of Lewis County grew up in a family of musicians. His father’s family was filled with guitar and banjo players, and he had one uncle who played fiddle. At eight years old, Cooper began playing the guitar, and at twelve he was playing backup to local fiddlers. Throughout the years, he played with most of the fiddlers residing in Lewis County, learning as they played together. In his early teens, local fiddler Buddy Thomas convinced Cooper to quit playing the guitar and focus on the fiddle. Thomas mentored Cooper, and they remained close until Thomas’ death in 1975. His teacher and friend’s death was hard for Cooper, but “by then he had done what he set out to do which was make me a fiddler,” he explains.

In the years following, Cooper worked hard and won multiple old-time fiddle contests, including contests throughout Kentucky and The Ohio State Championships. He also placed in the top 20 at the World’s Championship at Union Grove, North Carolina. Cooper has taught three apprenticeships through the Kentucky Arts Council, and in 2017, he received a Kentucky Governor’s Award in the Arts for his fiddling.

The fellowship will allow Cooper to focus on expanding his experience as a swing and jazz fiddler which he also enjoys playing in addition to old-time. He plans on traveling to meet some of the great swing fiddlers in the region, like Kenny Sears of Nashville, Greg Dearth of Franklin, Ohio, Dave Edmundson of Cincinnati, and Tom Cunningham of Louisville. He also plans on recording a swing fiddle album with the funds.
https://www.southarts.org/grant-fellowship-recipients/roger-cooper

///////


Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Regresando al Viejo Kentucky es esencialmente un escaparate para las habilidades instrumentales de Roger Cooper, uno de los mejores violinistas de los 90. Como resultado, puede haber una falta de canciones completas aquí - casi todas las canciones están arregladas como un vehículo para el violín de Cooper - pero no tiene paralelo como un disco de violín. Hay entusiasmo y vigor en su forma de tocar, lo que lo eleva de la categoría de mera maravilla técnica a un músico completo.
https://www.allmusic.com/album/going-back-to-old-kentucky-mw0000080086



Biografía del artista
Roger Cooper del condado de Lewis creció en una familia de músicos. La familia de su padre estaba llena de guitarristas y banqueros, y tenía un tío que tocaba el violín. A los ocho años, Cooper empezó a tocar la guitarra, y a los doce tocaba como refuerzo de los violinistas locales. A lo largo de los años, tocó con la mayoría de los violinistas del condado de Lewis, aprendiendo mientras tocaban juntos. En su adolescencia, el violinista local Buddy Thomas convenció a Cooper de que dejara de tocar la guitarra y se concentrara en el violín. Thomas fue el mentor de Cooper, y se mantuvieron unidos hasta la muerte de Thomas en 1975. La muerte de su maestro y amigo fue muy dura para Cooper, pero "para entonces ya había hecho lo que se propuso hacer, que era convertirme en un violinista", explica.

En los años siguientes, Cooper trabajó duro y ganó varios concursos de violín antiguos, incluidos concursos en todo Kentucky y los Campeonatos del Estado de Ohio. También se colocó entre los 20 primeros en el Campeonato Mundial de Union Grove, Carolina del Norte. Cooper ha enseñado tres aprendizajes a través del Consejo de Artes de Kentucky, y en 2017, recibió el Premio del Gobernador de Kentucky en las Artes por su violín.

La beca permitirá a Cooper centrarse en ampliar su experiencia como violinista de swing y jazz, que también disfruta tocando además de los viejos tiempos. Tiene previsto viajar para conocer a algunos de los grandes violinistas de swing de la región, como Kenny Sears de Nashville, Greg Dearth de Franklin, Ohio, Dave Edmundson de Cincinnati y Tom Cunningham de Louisville. También planea grabar un álbum de swing fiddle con los fondos.
https://www.southarts.org/grant-fellowship-recipients/roger-cooper

 

www.southarts.org/roger-cooper ...