Dr. Lonnie Smith • The Art Of Organizing

Biography by Alex Henderson:

Organist Lonnie Smith has often been confused with keyboardist/pianist Lonnie Liston Smith -- and, in fact, more than a few retailers have wrongly assumed that they're one and the same. In the mid-'60s, the Hammond hero earned recognition for his membership in George Benson's classic quartet before going on to play with Lou Donaldson (contributing some memorable solos to the alto saxman's hit 1967 album Alligator Bogaloo) and recording enjoyable dates of his own for Blue Note. For all their accessibility and commercial appeal, funk-influenced Smith sessions like 1968's Think and 1970's Drives showed that he could be quite imaginative. Smith, who later became Dr. Lonnie Smith (for "no particular reason," the same reason he gives for why he always wears a traditional Sikh turban), remained an inspired representative of soul-jazz, releasing his own albums like 1993's Afro Blue and continuing his long association with Donaldson.

The 21st century saw him step up the pace, releasing several albums, including a tribute to Beck, 2003's Boogaloo to Beck; an album of reworked and modernized jazz standards, 2006's Jungle Soul; and 2009's Rise Up! Smith and his trio members -- Jonathan Kreisberg, guitar; Jamire Williams, drums -- continued a relentless and tireless touring and recording schedule; he issued Spiral in 2010 on Palmetto with Matt Balitsaris producing, followed by the live album Healer in 2012. In 2016, Smith delivered Evolution, his first album for Blue Note since 1970's Drives. Produced by Don Was, it featured guest appearances from saxophonist Joe Lovano, pianist Robert Glasper, and others. Smith enlisted Was as a producer again, this time for a trio date entitled All in My Mind. Released in January of 2018, the set included two originals, a cover of Paul Simon's "50 Ways to Leave Your Lover" (featuring guest vocalist Alicia Olatuja), Wayne Shorter's "Juju," and Tadd Dameron's "On a Misty Night" in its track list.

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Biografía de Alex Henderson:

El organista Lonnie Smith a menudo ha sido confundido con el teclista / pianista Lonnie Liston Smith, y, de hecho, más de unos pocos minoristas han asumido erróneamente que son lo mismo. A mediados de los años 60, el héroe de Hammond se ganó el reconocimiento por su membresía en el cuarteto clásico de George Benson antes de ir a tocar con Lou Donaldson (contribuyendo con algunos solos memorables al exitoso álbum de 1967, Alligator Bogaloo) y grabando agradables fechas propias. para Blue Note. A pesar de su accesibilidad y atractivo comercial, las sesiones de Smith influenciadas por el funk, como Think's de 1968 y Drives de 1970, demostraron que podía ser bastante imaginativo. Smith, quien más tarde se convirtió en el Dr. Lonnie Smith (por "ninguna razón en particular", la misma razón por la que siempre usa un turbante tradicional Sikh), siguió siendo un representante inspirado del soul-jazz, lanzando sus propios álbumes como Afro Blue de 1993. y continuando su larga asociación con Donaldson.

El siglo XXI lo vio aumentar el ritmo, lanzando varios álbumes, incluido un homenaje a Beck, Boogaloo to Beck de 2003; un álbum de estándares de jazz reformados y modernizados, Jungle Soul de 2006; y Rise Up 2009! Smith y sus miembros del trío - Jonathan Kreisberg, guitarra; Jamire Williams, batería: continuó un incansable e incansable programa de giras y grabaciones; emitió Spiral en 2010 en Palmetto con la producción de Matt Balitsaris, seguido del álbum en vivo Healer en 2012. En 2016, Smith presentó Evolution, su primer álbum para Blue Note desde los Drives en 1970. Producido por Don Was, contó con la participación de invitados del saxofonista Joe Lovano, el pianista Robert Glasper y otros. Smith se alistó nuevamente como productor, esta vez para una fecha de trío titulada All in My Mind. Lanzado en enero de 2018, el set incluye dos originales, una versión de "50 Ways to Leave Your Lover" de Paul Simon (con la vocalista invitada Alicia Olatuja), "Juju" de Wayne Shorter y "On a Misty Night" de Tadd Dameron en su lista de canciones

www.drlonniesmith.com ...

Cory Weeds • Condition Blue, The Music Of Jackie McLean

 

coryweeds.com ...

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Jimmy Cobb • The Original Mob

  

Artist Biography by Matt Collar
A highly adept jazz drummer and NEA Jazz Master, Jimmy Cobb initially rose to fame in the hard bop era of the 1950s, balancing a powerful, swinging style and a deep sensitivity for group dynamics. It was a style Cobb first displayed as a sideman with Dinah Washington and Cannonball Adderley before gaining wide recognition as a member of Miles Davis' group, playing on the classic 1959 album Kind of Blue. After leaving Davis, Cobb co-led a trio in the '60s with pianist Wynton Kelly and bassist Paul Chambers, and over the years he worked with such luminaries as Sarah Vaughan, Hank Jones, Ron Carter, David "Fathead" Newman, Nancy Wilson, Dave Holland, and many others. While he did not record as a leader until late into his career, he issued a handful of vibrant small-group sessions, including 2003's Cobb's Groove, 2007's Cobb's Corner, and 2014's The Original Mob.

Born Wilbur James Cobb in 1929, he grew up in Washington, D.C., where he bought his first drum set at age 13 with money earned from his job as a busboy at a drugstore lunch counter. Largely self-taught, he did briefly take lessons with National Symphony percussionist Jack Dennett before playing professionally. Exposed to the music of Billy Eckstine, Cobb developed a love of jazz, and was soon drawing inspiration from drummers like Max Roach, Kenny Clarke, Big Sid Catlett, and others. Work followed in the D.C. area, including shows with Leo Parker, Benny Golson, Billie Holiday, Pearl Bailey, and others. At age 21, Cobb relocated to New York City, where he spent time in Earl Bostic's band before landing a spot backing vocalist Dinah Washington. Following three years with Washington, he joined saxophonist Cannonball Adderley and cornet player Nat Adderley's quintet, appearing on albums like 1957's Sophisticated Swing and 1958's Sharpshooters. There were also dates with Stan Getz, Dizzy Gillespie, and Latin percussionist and bandleader Tito Puente.

It was from his association with Adderley that Cobb joined Miles Davis' group in the late '50s. He had previously played alongside Davis in the Symphony Sid all-stars, but was officially asked to join Davis' group as a replacement for Philly Joe Jones during the sessions for Porgy and Bess. Cobb also appeared with Davis on Adderley's 1958 date Somethin' Else. It was with Davis that Cobb gained his widest fame playing alongside Adderley, John Coltrane, Bill Evans, Paul Chambers, and Wynton Kelly in 1959 on the trumpeter's landmark album Kind of Blue. Arguably the most influential and well-known jazz recording in history, Kind of Blue garnered widespread attention for Davis' use of modal jazz compositions, influenced by the work of George Russell. Several more albums followed with Davis, including the Grammy-winning Sketches of Spain, Someday My Prince Will Come, Live at Carnegie Hall, and In Person: Friday Night at the Blackhawk. While with Davis, Cobb also recorded with Freddie Hubbard, Art Pepper, Mark Murphy, and many more.

By the early '60s, Cobb had left the Davis band, working instead with fellow Davis rhythm section alum Wynton Kelly. Together, they played as a trio with bassist Paul Chambers, backing Wes Montgomery, J.J. Johnson, and Joe Henderson. As a trio, they also issued a handful of albums including 1964's It's All Right, 1965's Blues on Purpose, and 1967's Full View, ultimately parting ways after Chambers' death in 1969. In 1970, Cobb joined Sarah Vaughan's band, spending nine years with the singer. He also continued his extensive freelance career, playing with such luminaries as Sonny Stitt, Hank Jones, Ron Carter, Fathead Newman, Nancy Wilson, Dave Holland, and many others. It was not until the '90s that Cobb issued any albums under his own name, debuting alongside vocalist Ada Montellanico with 1994's Encounter. Only for the Pure of Heart followed in 1998 and featured the drummer's group with pianist Richard Wyands, guitarist Peter Bernstein, and bassist John Webber.

In 2002, Cobb paid homage to former boss Davis with Four Generations of Miles: A Live Tribute to Miles, which featured appearances by former members of the trumpeter's various ensembles including guitarist Mike Stern, bassist Ron Carter, and saxophonist George Coleman. Cobb's Groove arrived the following year, and included pianist Wyands, bassist Webber, and guest saxophonist Eric Alexander. The drummer was also the focus of his own tribute album, 2006's Marsalis Music Honors Series: Jimmy Cobb, which found Cobb playing many of his original compositions with pianist Ellis Marsalis, saxophonist Andrew Speight, and bassist Orlando Le Fleming. Also that year, he joined bassist Christian McBride for New York Time. The quartet date Cobb's Corner arrived in 2007 and featured trumpeter Roy Hargrove, who was also on board for Cobb's 2009 album Jazz in the Key of Blue, which arrived on the heels of the drummer being named an NEA Jazz Master.

Along with performing, Cobb moved into education, teaching master classes at such esteemed institutions as the Stanford University Jazz Workshop, Parsons: The New School for Jazz and Contemporary Music in New York City, the Brooklyn-Queens Conservatory of Music. Following sessions for Peter Bernstein, Federico Bonifazi, Steve Grossman, and others, he returned to his own work in 2014, issuing the Smoke Session The Original Mob with guitarist Bernstein, pianist Brad Mehldau, and bassist Webber. A second Smoke Session followed in 2019 with This I Dig of You. That same year, the drummer paired with German harmonica virtuoso Hendrik Meurkens for Cobb's Pocket. Jimmy Cobb died at his home in New York City on May 24, 2020, after a battle with lung cancer. He was 91 years old.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-cobb-mn0000350892/biography

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Biografía del artista por Matt Collar
Jimmy Cobb, baterista de jazz muy hábil y maestro de jazz del NEA, saltó a la fama inicialmente en la era del hard bop de la década de 1950, equilibrando un estilo potente y oscilante y una profunda sensibilidad para la dinámica de grupo. Fue un estilo que Cobb mostró por primera vez como músico de acompañamiento de Dinah Washington y Cannonball Adderley antes de obtener un amplio reconocimiento como miembro del grupo de Miles Davis, tocando en el clásico álbum de 1959 Kind of Blue. Tras dejar a Davis, Cobb codirigió un trío en los años 60 con el pianista Wynton Kelly y el bajista Paul Chambers, y a lo largo de los años trabajó con luminarias como Sarah Vaughan, Hank Jones, Ron Carter, David "Fathead" Newman, Nancy Wilson, Dave Holland y muchos otros. Aunque no grabó como líder hasta el final de su carrera, publicó un puñado de vibrantes sesiones de grupos pequeños, como Cobb's Groove de 2003, Cobb's Corner de 2007 y The Original Mob de 2014.

Nacido como Wilbur James Cobb en 1929, creció en Washington, D.C., donde compró su primera batería a los 13 años con el dinero que ganó en su trabajo como ayudante de camarero en una farmacia. En gran medida autodidacta, recibió brevemente clases con el percusionista de la National Symphony Jack Dennett antes de tocar profesionalmente. Expuesto a la música de Billy Eckstine, Cobb se aficionó al jazz y pronto se inspiró en bateristas como Max Roach, Kenny Clarke, Big Sid Catlett y otros. Siguió trabajando en el área de D.C., incluyendo espectáculos con Leo Parker, Benny Golson, Billie Holiday, Pearl Bailey y otros. A los 21 años, Cobb se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde pasó un tiempo en la banda de Earl Bostic antes de conseguir un puesto de acompañante de la vocalista Dinah Washington. Después de tres años con Washington, se unió al quinteto del saxofonista Cannonball Adderley y del corneta Nat Adderley, apareciendo en álbumes como Sophisticated Swing de 1957 y Sharpshooters de 1958. También tuvo citas con Stan Getz, Dizzy Gillespie y el percusionista y director de orquesta latino Tito Puente.

Fue a partir de su asociación con Adderley que Cobb se unió al grupo de Miles Davis a finales de los 50. Anteriormente había tocado junto a Davis en la Symphony Sid all-stars, pero se le pidió oficialmente que se uniera al grupo de Davis como sustituto de Philly Joe Jones durante las sesiones de Porgy and Bess. Cobb también apareció con Davis en la fecha de 1958 de Adderley Somethin' Else. Fue con Davis que Cobb ganó su mayor fama tocando junto a Adderley, John Coltrane, Bill Evans, Paul Chambers y Wynton Kelly en 1959 en el histórico álbum del trompetista Kind of Blue. Podría decirse que es la grabación de jazz más influyente y conocida de la historia, Kind of Blue obtuvo una amplia atención por el uso que Davis hacía de las composiciones de jazz modal, influenciado por la obra de George Russell. Le siguieron varios álbumes más con Davis, como el ganador del Grammy Sketches of Spain, Someday My Prince Will Come, Live at Carnegie Hall e In Person: Friday Night at the Blackhawk. Mientras estuvo con Davis, Cobb también grabó con Freddie Hubbard, Art Pepper, Mark Murphy y muchos más.

A principios de los años 60, Cobb abandonó la banda de Davis para trabajar con su compañero de sección rítmica Wynton Kelly. Juntos, tocaron como trío con el bajista Paul Chambers, respaldando a Wes Montgomery, J.J. Johnson y Joe Henderson. Como trío, también publicaron un puñado de álbumes, entre ellos It's All Right de 1964, Blues on Purpose de 1965 y Full View de 1967, y finalmente se separaron tras la muerte de Chambers en 1969. En 1970, Cobb se unió a la banda de Sarah Vaughan, pasando nueve años con la cantante. También continuó con su extensa carrera como freelance, tocando con luminarias como Sonny Stitt, Hank Jones, Ron Carter, Fathead Newman, Nancy Wilson, Dave Holland y muchos otros. No fue hasta los años 90 que Cobb publicó algún álbum con su propio nombre, debutando junto a la vocalista Ada Montellanico con Encounter, de 1994. Only for the Pure of Heart" le siguió en 1998 y presentó al grupo del baterista con el pianista Richard Wyands, el guitarrista Peter Bernstein y el bajista John Webber.

En 2002, Cobb rindió homenaje a su antiguo jefe Davis con Four Generations of Miles: A Live Tribute to Miles, en el que aparecían antiguos miembros de los distintos conjuntos del trompetista, como el guitarrista Mike Stern, el bajista Ron Carter y el saxofonista George Coleman. Cobb's Groove llegó al año siguiente, e incluyó al pianista Wyands, al bajista Webber y al saxofonista invitado Eric Alexander. El baterista también fue el centro de su propio álbum de homenaje, el Marsalis Music Honors Series de 2006: Jimmy Cobb, en el que Cobb tocó muchas de sus composiciones originales con el pianista Ellis Marsalis, el saxofonista Andrew Speight y el bajista Orlando Le Fleming. También ese año, se unió al bajista Christian McBride para New York Time. El cuarteto Cobb's Corner llegó en 2007 y contó con el trompetista Roy Hargrove, que también se unió a Cobb en el álbum de 2009 Jazz in the Key of Blue, que llegó justo después de que el baterista fuera nombrado Maestro del Jazz del NEA.

Además de actuar, Cobb se dedicó a la enseñanza, impartiendo clases magistrales en instituciones tan estimadas como el Taller de Jazz de la Universidad de Stanford, Parsons The New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York, el Conservatorio de Música de Brooklyn-Queens. Tras sesiones para Peter Bernstein, Federico Bonifazi, Steve Grossman y otros, volvió a su propio trabajo en 2014, publicando la Smoke Session The Original Mob con el guitarrista Bernstein, el pianista Brad Mehldau y el bajista Webber. Una segunda Smoke Session siguió en 2019 con This I Dig of You. Ese mismo año, el baterista se emparejó con el virtuoso de la armónica alemana Hendrik Meurkens para Cobb's Pocket. Jimmy Cobb murió en su casa de Nueva York el 24 de mayo de 2020, tras una batalla contra el cáncer de pulmón. Tenía 91 años de edad.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-cobb-mn0000350892/biography

 

 

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Ehud Asherie • Organic

 

By Perry Tannenbaum

After three releases on Posi-Tone leading small combos from the piano, 31-year-old Israeli native Ehud Asherie switches over to Hammond organ for his latest quartet outing, Organic. Fats Waller and Count Basie come readily to mind as jazz immortals who doubled on the two instruments. While their piano styles were more individualized than Asherie’s at this stage of his career, their doubling is reduced to dabbling when compared to Asherie’s imposing proficiency at the organ, which instantly catapults him to the front ranks of current B3 practitioners and invites comparisons with the greats of the past.

The first Jimmy Smith parallel comes on the opening track, Leonard Bernstein’s “Tonight,” as the leader, guitarist Peter Bernstein and alto saxophonist Dmitry Baevsky finish attacking the head and Asherie fills the bars before his solo with Smith-like heraldry. None of Asherie’s ideas sound borrowed, unless you object to the Jobim allusions that creep into the organist’s solo and arrangement. With that tip-off, it’s not surprising that a Jobim line, “Favela,” makes it onto the playlist, along with covers of Sonny Rollins’ “The Stopper” and the Johnny Green-Gus Kahn hit “Coquette.” Echoes of “Tonight” can be heard in one of the four Asherie originals, “It’s Impossible.”

Asherie starts off “Favela” so high on the keyboard that the Hammond momentarily sounds like a marimba. Baevsky throws down the gauntlet with scorching work on “The Stopper,” and Asherie responds resoundingly, with additional pyrotechnics from drummer Phil Stewart. Baevsky frequently evokes Bird, but in Asherie’s “Apostrophe,” with the composer playing the “So What” vamp behind him, echoes of Cannonball Adderley sound inevitable. Bernstein’s most gorgeous work is on the midtempo “Valse Pra Jelena,” the catchiest of Asherie’s originals, and he’s at his funkiest on the leader’s lovingly retro closer, “Blues for Fats.”

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Por Perry Tannenbaum

Después de tres lanzamientos en Posi-Tone liderando pequeños combos desde el piano, el israelí Ehud Asherie, de 31 años de edad, cambia al órgano Hammond para su última salida en cuarteto, Organic. Fats Waller y Count Basie vienen fácilmente a la mente como inmortales del jazz que doblaron en los dos instrumentos. Aunque sus estilos de piano eran más individualizados que los de Asherie en esta etapa de su carrera, su duplicación se reduce a un chapuzón cuando se compara con la imponente destreza de Asherie en el órgano, que le catapulta instantáneamente a las primeras filas de los actuales practicantes de B3 e invita a comparaciones con los grandes del pasado.

El primer paralelo de Jimmy Smith llega en la pista de apertura, "Tonight" de Leonard Bernstein, como líder, el guitarrista Peter Bernstein y el saxofonista alto Dmitry Baevsky terminan atacando la cabeza y Asherie llena los compases antes de su solo con la heráldica de Smith-. Ninguna de las ideas de Asherie suena prestada, a menos que se oponga a las alusiones de Jobim que se deslizan en el solo y el arreglo del organista. Con ese aviso, no es sorprendente que una línea de Jobim, "Favela", llegue a la lista de canciones, junto con las portadas de "The Stopper" de Sonny Rollins y el éxito de Johnny Green-Gus Kahn "Coquette". Se pueden escuchar ecos de "Tonight" en uno de los cuatro originales de Asherie, "It's Impossible".

Asherie comienza "Favela" tan alto en el teclado que el Hammond suena momentáneamente como una marimba. Baevsky lanza el guante con un trabajo ardiente en "The Stopper", y Asherie responde rotundamente, con pirotecnia adicional del baterista Phil Stewart. Baevsky evoca frecuentemente a Bird, pero en "Apostrofe" de Asherie, con el compositor tocando el vampiro "So What" detrás de él, los ecos de Cannonball Adderley suenan inevitables. La obra más hermosa de Bernstein está en el tempo medio "Valse Pra Jelena", el más pegadizo de los originales de Asherie, y está en su momento más funky en el cierre retro del líder, "Blues for Fats".

 

ehudpiano.com ...

 

Mike LeDonne • The Groover

Review by Michael G. NastosSince establishing himself as a fine modern mainstream jazz pianist, Mike LeDonne has been working more on the Hammond B-3 organ, for both a steady gig in New York City, and recordings that reflect both his love for bop and soul-jazz. The Groover alternates tracks between these two idioms, showing off his impressive chops and his interest in slowing things down to a simmering and more commercially based contemporary music. With top-notch tenor saxophonist Eric Alexander, guitarist Peter Bernstein, and drummer Joe Farnsworth, LeDonne has a dream team of experienced peers to jam with, and they swing hard when called upon. On the originals "Blues for McCoy" and "Bopsolete," LeDonne is furiously flying across his keyboard, while in the spirit of Charles Earland, he renders pop tunes like Michael Jackson's "Rock with You" and the old Supremes/Temptations hit "I'm Gonna Make You Love Me" with the same dexterity and wit. Benny Golson's "Little Mary" ups the blues quotient, while the remainder of the program balances ballads with more straight-ahead material. There's substance and depth in LeDonne's musicality while avoiding overt funk, making for a pleasing program that mainstream jazz lovers and baby boomers can embrace.

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Reseña de Michael G. Nastos
Desde que se estableció como pianista de jazz moderno, Mike LeDonne ha estado trabajando más en el órgano Hammond B-3, tanto para un concierto fijo en Nueva York, como para grabaciones que reflejan su amor por el bop y el soul-jazz. The Groover alterna temas entre estos dos modismos, mostrando sus impresionantes chuletas y su interés en ralentizar las cosas para lograr una música contemporánea más comercial y a fuego lento. Con el saxofonista tenor de primera clase Eric Alexander, el guitarrista Peter Bernstein y el batería Joe Farnsworth, LeDonne tiene un equipo de ensueño de compañeros experimentados con los que improvisar, y se balancean con fuerza cuando se les pide. En los originales "Blues for McCoy" y "Bopsolete", LeDonne vuela furiosamente por su teclado, mientras que en el espíritu de Charles Earland, interpreta temas pop como "Rock with You" de Michael Jackson y el viejo éxito de Supremes/Temptations "I'm Gonna Make You Love Me" con la misma destreza e ingenio. "Little Mary" de Benny Golson sube el cociente de blues, mientras que el resto del programa equilibra las baladas con material más directo. Hay sustancia y profundidad en la musicalidad de LeDonne mientras que evita el funk abierto, lo que hace un programa agradable que los amantes del jazz convencional y los baby boomers pueden abrazar.

Ralph Lalama • Circle Line

 

 

 

Cory Weeds • O Sole Mio!

  

Even in these trying and uncertain times, there are some professional creative artists who recognize the need to "carry on" and make the best of a bad situation. Saxophonist Cory Weeds is one of those individuals. He is releasing O Sole Mio! Music From The Motherland on his own label, CellarMusic. Weeds has merged his talents as an alto saxophonist with Mike LeDonne's Groover Quartet featuring LeDonne on Hammond B3 organ, Eric Alexander on tenor saxophone, Peter Bernstein on guitar and Joe Farnsworth on drums. Each of these participants is a highly regarded jazz virtuoso in his own right, and has bee, or is, a leader of his own group. Support for this Italian-themed session (great Italian music and/or Italian-American composers such as Henry Mancini, Chick Corea and Pat Martino came from Guilio Recchioni of the Italian Cultural Center in Vancouver B.C.

The first two tracks in this release are both burners. The title track was comes from Naples, where it was written in 1898, and was covered by operatic tenors such as Enrico Caruso and Luciano Pavarotti. The band shows how serious they are about swinging with all the members having solos that are both juicy and individual. Mancini's well known theme "Mr.Lucky" gives this smart aggregation a chance to demonstrate their unscripted interplay, which is based on their considerable talent and vast experience. Another well-known number is "Speak Softly Love," easily recognized as the background music from the movie The Godfather. Built around Farnsworth's Latin beat, Weeds' alto opens the offering by stating the theme, after which Alexander's fluid tenor saxophone weaves and darts around the melody in exquisite fashion. Guitarist Bernstein then comes in with some crisp riffs, after which LeDonne's B3 shows off a burly yet fervent tone. This is a terrific take on the number.

Chick Corea, whose heritage is from Southern Italy, wrote "Chick's Tune," which is based on the chord changes from the popular song "You Stepped Out Of A Dream." The band keeps the pace at a high energy level with Weeds' alto leading the way. There is some stellar guitar work from Bernstein and Eric Alexander then takes his tenor sax on a euphoric run. LeDonne's B3 charges out of the gate with soulful depth followed by an extensive drum kit workout from Farnsworth. The band then takes the number out with a repeat of the theme. The final track is "Capricci Di Camere" which originated as bassist Paul Chambers' composition "Whims Of Chambers," which was also the title of his 1957 album from Blue Note. Originally structured by Chambers as a walking bass line for a blues in F, the group restates this same line to open the tune and uses it as a frame from which to explore the number. Each of the players takes a piece of the action with LeDonne at his ebullient best. At this point all one can say is "arrivederci."
Pierre Giroux By PIERRE GIROUX
February 8, 2021
https://www.allaboutjazz.com/o-sole-mio-music-from-the-motherland-cory-weeds-cellarmusic

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Incluso en estos tiempos difíciles e inciertos, hay algunos artistas creativos profesionales que reconocen la necesidad de "seguir adelante" y sacar lo mejor de una mala situación. El saxofonista Cory Weeds es uno de ellos. ¡Ha publicado O Sole Mio! Music From The Motherland en su propio sello, CellarMusic. Weeds ha unido su talento como saxofonista alto con el Groover Quartet de Mike LeDonne, que cuenta con LeDonne al órgano Hammond B3, Eric Alexander al saxo tenor, Peter Bernstein a la guitarra y Joe Farnsworth a la batería. Cada uno de estos participantes es un virtuoso del jazz muy apreciado por derecho propio, y ha sido, o es, líder de su propio grupo. El apoyo a esta sesión de temática italiana (gran música italiana y/o compositores italoamericanos como Henry Mancini, Chick Corea y Pat Martino) vino de Guilio Recchioni, del Centro Cultural Italiano de Vancouver B.C.

Los dos primeros temas de esta publicación son excelentes. El tema que da título al disco procede de Nápoles, donde fue escrito en 1898, y fue versionado por tenores de ópera como Enrico Caruso y Luciano Pavarotti. La banda demuestra la seriedad con la que se toman el swing, con todos los miembros con solos tan jugosos como individuales. El conocido tema de Mancini "Mr.Lucky" da a esta inteligente agrupación la oportunidad de demostrar su interacción sin guión, que se basa en su considerable talento y amplia experiencia. Otro número muy conocido es "Speak Softly Love", fácilmente reconocible como la música de fondo de la película El Padrino. Construida en torno al ritmo latino de Farnsworth, el contralto de Weeds abre el tema, tras lo cual el fluido saxofón tenor de Alexander teje y se lanza en torno a la melodía de forma exquisita. El guitarrista Bernstein entra entonces con algunos riffs nítidos, tras lo cual el B3 de LeDonne muestra un tono fornido pero ferviente. Se trata de una versión excelente de este número.

Chick Corea, cuya herencia es del sur de Italia, escribió "Chick's Tune", que se basa en los cambios de acordes de la popular canción "You Stepped Out Of A Dream". La banda mantiene el ritmo con un alto nivel de energía con el alto de Weeds liderando el camino. Hay un trabajo estelar de guitarra de Bernstein y Eric Alexander luego lleva su saxo tenor en una carrera eufórica. El B3 de LeDonne sale con una profundidad conmovedora, seguido por un extenso trabajo de batería de Farnsworth. A continuación, la banda cierra el número con una repetición del tema. El tema final es "Capricci Di Camere" que se originó como la composición del bajista Paul Chambers "Whims Of Chambers", que también fue el título de su álbum de 1957 de Blue Note. Originalmente estructurada por Chambers como una línea de bajo andante para un blues en Fa, el grupo replantea esta misma línea para abrir la melodía y la utiliza como marco desde el que explorar el número. Cada uno de los intérpretes toma parte en la acción, con LeDonne en su mejor momento. En este punto sólo se puede decir "arrivederci".
Pierre Giroux Por PIERRE GIROUX
8 de febrero de 2021
https://www.allaboutjazz.com/o-sole-mio-music-from-the-motherland-cory-weeds-cellarmusic

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Larry Goldings • Long Story Short

 

Larry Goldings is a Grammy-nominated pianist and composer. His organ trio with Peter Bernstein and Bill Stewart has been recognized in the New York Times as "the best organ trio of the last decade." Goldings' musical inspirations draw from a lifetime of absorbing jazz, pop, funk, R&B, electronic and classical music.

As a performer and recording artist, he is known for long-term collaborations that straddle the realms of jazz and pop with such artists as Jim Hall, Maceo Parker, John Scofield, Steve Gadd, Jack DeJohnette, Pat Metheny, Michael Brecker, Sia Furler, John Mayer, and others.

Goldings has been recording and touring with singer-songwriter James Taylor since 2001, and is the featured musician on Taylor's One Man Band CD/DVD, the culmination of a two year world-wide tour with James and Larry in duet. In 2007, Scofield/Goldings/DeJohnette's Trio Beyond - Saudades (ECM) was recognized with a Best Instrumental Jazz Album Grammy nomination for their searing live recording at London's Queen Elizabeth Hall.

Goldings' music graces the soundtracks of many film and television projects. He contributed to the jazzy fabric of Clint Eastwood's Space Cowboys and enhanced John Madden's Proof and Judd Apatow's Funny People with original compositions, as well as providing ghoulish organ music for "Lurch" to play in the animated film, The Addams Family. Goldings' Nino Rota-inspired score to Jeff Garlin's Dealin' With Idiots is the backdrop to this hilarious film about the zany parents of a Little League baseball team. Listeners of NPR's This American Life can hear Goldings' music underscoring many of its dramatic stories.

Larry scored the Netflix series, Self Made: Inspired by the Life of Madam C.J. Walker, infusing the drama with shades of ragtime and early jazz, in combination with modern, back-beat oriented cues, in which early jazz meets hip-hop. The soundtrack has been released by Warner Bros. through Watertower Music.
https://www.larrygoldings.com/#about

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Larry Goldings es un pianista y compositor nominado al Grammy. Su trío de órgano con Peter Bernstein y Bill Stewart ha sido reconocido en el New York Times como "el mejor trío de órgano de la última década". Las inspiraciones musicales de Goldings proceden de toda una vida en la que ha absorbido el jazz, el pop, el funk, el R&B, la música electrónica y la clásica.

Como intérprete y artista de grabación, es conocido por sus colaboraciones a largo plazo que se extienden por los reinos del jazz y el pop con artistas como Jim Hall, Maceo Parker, John Scofield, Steve Gadd, Jack DeJohnette, Pat Metheny, Michael Brecker, Sia Furler y John Mayer, entre otros.

Goldings ha estado grabando y haciendo giras con el cantautor James Taylor desde 2001, y es el músico que aparece en el CD/DVD One Man Band de Taylor, la culminación de una gira mundial de dos años con James y Larry a dúo. En 2007, Scofield/Goldings/DeJohnette's Trio Beyond - Saudades (ECM) fue reconocido con una nominación al Grammy al Mejor Álbum de Jazz Instrumental por su abrasadora grabación en directo en el Queen Elizabeth Hall de Londres.

La música de Goldings adorna las bandas sonoras de muchos proyectos de cine y televisión. Contribuyó a la trama jazzística de Space Cowboys, de Clint Eastwood, y mejoró Proof, de John Madden, y Funny People, de Judd Apatow, con composiciones originales, además de proporcionar la macabra música de órgano que toca "Lurch" en la película de animación La familia Addams. La partitura de Goldings inspirada en Nino Rota para Dealin' With Idiots, de Jeff Garlin, es el telón de fondo de esta divertidísima película sobre los alocados padres de un equipo de béisbol de la liga infantil. Los oyentes del programa This American Life de la NPR pueden escuchar la música de Goldings como telón de fondo de muchas de sus historias dramáticas.

Larry compuso la banda sonora de la serie de Netflix "Self Made: Inspired by the Life of Madam C.J. Walker", en la que se mezclan matices de ragtime y jazz antiguo, con otros más modernos, en los que el jazz antiguo se mezcla con el hip-hop. La banda sonora ha sido editada por Warner Bros. a través de Watertower Music.
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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Larry Goldings, Peter Bernstein & Bill Stewart • Toy Tunes

 

Review
The jazz world has seen many great organ trios over the years however Larry Golding’s trio with Peter Bernstein and Bill Stewart is not only one of the most innovative but also one of the most prolific. Next week see’s the release of their 12th Album titled “Toy Tunes”, the second for their current label Pirouet Records.

Toy Tunes, is the follow up release to “Ramshackle Serenade” released in 2014 to critical acclaim, and once again see’s trio great form. The album contains a mix of original compositions mixed with treatments of a number of standards including “I’m In The Mood For Love”, Carla Bley’s “And Now the Queen” and the title track, Wayne Shorter’s “Toy Tune”.

Larry Goldings when speaking about the trio said “Our approach has never been dictated by the ‘organ trio’ format but rather by our individual personalities, our broad range of musical interests, our desire to be highly interactive, and to grow together as musicians.” This could not be further from the truth as the trio explore many styles on the album from the more straight ahead readings of “I’m In The Mood For Love” and closing track Calm to the abstract of Carla Bley’s “And Now the Queen”.

The Album opens with a Goldings original “Fagan” referencing Steely Dan’s co-leader Donald Fagan and introduces the album well. The track with is staccato motif and straight eight feel is a strong opener without giving to much away as to what is coming. Larry stated the the music of Donald Fagan “introduced me to a whole new world of harmony and song structure” and this can be heard in this track.

I especially liked the lilting 6/8 feel of Bernstein’s “Lullaby For B” that Peter wrote for his oldest son and back beat groove of Bill Stewart’s “Don’t Ever Call Me Again”. Highlight of the album in my mind is treatment of Wayne Shorter’s “Toy Tune’. While not deviating all that far from the original Shorter recording both Bernstien and Goldings lay down impressive solo’s. Goldings says that improvising on Wayne Shorter’s pieces “is akin to playing with a Rubik’s Cube” and if this is the case on this recording he certainly was able to get all the squares lined up.

The performances on the album are excellent throughout as is the recording quality. Toy Tune is not only a welcome addition to the trios discography but a welcome addition to any Hammond fan or for that matter jazz lovers in general.
Written by Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/

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Reseña
El mundo del jazz ha visto muchos grandes tríos de órgano a lo largo de los años, pero el trío de Larry Golding con Peter Bernstein y Bill Stewart no sólo es uno de los más innovadores, sino también uno de los más prolíficos. La próxima semana saldrá a la venta su duodécimo álbum, titulado "Toy Tunes", el segundo para su actual sello, Pirouet Records.

Toy Tunes es la continuación de "Ramshackle Serenade", publicado en 2014 con gran éxito de crítica, y una vez más el trío está en plena forma. El álbum contiene una mezcla de composiciones originales mezcladas con tratamientos de una serie de estándares, incluyendo "I'm In The Mood For Love", "And Now the Queen" de Carla Bley y la pista del título, "Toy Tune" de Wayne Shorter.

Larry Goldings, al hablar del trío, dijo: "Nuestro enfoque nunca ha sido dictado por el formato de "trío de órgano", sino más bien por nuestras personalidades individuales, nuestra amplia gama de intereses musicales, nuestro deseo de ser altamente interactivos y de crecer juntos como músicos." Esto no podría estar más lejos de la realidad, ya que el trío explora muchos estilos en el álbum, desde las lecturas más directas de "I'm In The Mood For Love" y el tema de cierre Calm hasta lo abstracto de "And Now the Queen" de Carla Bley.

El álbum se abre con un original de Goldings, "Fagan", que hace referencia al colíder de Steely Dan, Donald Fagan, y que introduce bien el álbum. El tema, con un motivo entrecortado y una sensación de ocho rectos, es un fuerte comienzo, sin dar demasiadas pistas sobre lo que va a ocurrir. Larry declaró que la música de Donald Fagan "me introdujo en todo un nuevo mundo de armonía y estructura de las canciones" y esto se puede escuchar en este tema.

Me gustó especialmente la sensación de 6/8 de la "Canción de cuna para B" de Bernstein, que Peter escribió para su hijo mayor, y el ritmo de fondo de "Don't Ever Call Me Again" de Bill Stewart. Lo mejor del álbum, en mi opinión, es el tratamiento de "Toy Tune" de Wayne Shorter. Aunque no se desvía mucho de la grabación original de Shorter, tanto Bernstien como Goldings hacen unos solos impresionantes. Goldings dice que improvisar sobre las piezas de Wayne Shorter "es como jugar con un cubo de Rubik" y si este es el caso en esta grabación, ciertamente fue capaz de conseguir todos los cuadrados alineados.

Las interpretaciones del álbum son excelentes, al igual que la calidad de la grabación. Toy Tune no sólo es una buena adición a la discografía de los tríos, sino que también es una buena adición para cualquier fan de Hammond o para los amantes del jazz en general.
Escrito por Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/


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Peter Bernstein • Let Loose

 

Biography:
Born September 3rd, 1967 in New York City, guitarist Peter Bernstein has been a part of the jazz scene in New York and abroad since 1989. During that time he has participated in over 60 recordings and numerous festival, concert and club performances with musicians from all generations. As a leader, Peter has made five recordings for the Criss Cross Jazz label. The latest, Heart’s Content, features the all-star rhythm section of Brad Mehldau, Larry Grenadier, and Bill Stewart.

While a student at The New School, Peter met the legendary guitarist Jim Hall, who asked him to participate in his Invitational Concert as part of the 1990 JVC Jazz Festival. The event featured such guitarists as John Scofield and Pat Metheny and was released as a CD by Music Masters. Hall once noted that Peter “...has paid attention to the past as well as the future. He is the most impressive young guitarists I’ve heard. He plays the best of them all for swing, logic, feel and taste.”

That same year, Peter was discovered by alto saxophonist Lou Donaldson and took part in the first of four recordings with him. He was a regular member of his group throughout the 1990s. “Some people just have it.” Donaldson said. “...most of the time you have to teach someone what to do, but Peter knows it all.”

Peter has also played with legendary drummer Jimmy Cobb (Cobb’s Mob), organist Larry Goldings, Dr. Lonnie Smith, Melvin Rhyne, drummer Bill Stewart, Joshua Redman, Diana Krall, Nicholas Payton, Lee Konitz, Tom Harrell, and Eric Alexander and performed in North America, Europe and Asia and making numerous television appearances.

Peter has taught at the Julliard School, Berklee College of Music, North Texas State University, the New School Jazz Program and the Jazz Conservatory in Amsterdam.

Peter has been fortunate to gain the respect of his peers and mentors. He has been recognized in both the readers’ and critics’ polls in Downbeat Magazine for the past three years. He continues to hone his style through writing and performing and has developed a distinctive and unforgettable guitar voice that is all his own.
https://musicians.allaboutjazz.com/peterbernstein

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Biografía:
Nacido el 3 de septiembre de 1967 en la ciudad de Nueva York, el guitarrista Peter Bernstein ha formado parte de la escena del jazz en Nueva York y en el extranjero desde 1989. Durante ese tiempo ha participado en más de 60 grabaciones y numerosas actuaciones en festivales, conciertos y clubes con músicos de todas las generaciones. Como líder, Peter ha realizado cinco grabaciones para el sello Criss Cross Jazz. La última, Heart's Content, presenta la sección rítmica de Brad Mehldau, Larry Grenadier y Bill Stewart.

Mientras estudiaba en The New School, Peter conoció al legendario guitarrista Jim Hall, quien le pidió que participara en su Concierto por invitación como parte del Festival de Jazz de JVC de 1990. El evento contó con la participación de guitarristas como John Scofield y Pat Metheny y fue lanzado como un CD por Music Masters. Hall señaló una vez que Peter "...ha prestado atención tanto al pasado como al futuro. Es el guitarrista joven más impresionante que he escuchado. Toca lo mejor de todos ellos para el swing, la lógica, el sentimiento y el gusto."

Ese mismo año, Peter fue descubierto por el saxofonista alto Lou Donaldson y participó en la primera de cuatro grabaciones con él. Fue un miembro regular de su grupo durante los años 90. "Algunas personas simplemente lo tienen." Donaldson dijo. "...la mayoría de las veces hay que enseñar a alguien qué hacer, pero Peter lo sabe todo."

Peter también ha tocado con el legendario baterista Jimmy Cobb (Cobb's Mob), el organista Larry Goldings, el Dr. Lonnie Smith, Melvin Rhyne, el baterista Bill Stewart, Joshua Redman, Diana Krall, Nicholas Payton, Lee Konitz, Tom Harrell y Eric Alexander y ha actuado en Norteamérica, Europa y Asia y hecho numerosas apariciones en televisión.

Peter ha enseñado en la Julliard School, el Berklee College of Music, la North Texas State University, el Programa de Jazz de la New School y el Conservatorio de Jazz de Amsterdam.

Peter ha tenido la suerte de ganarse el respeto de sus compañeros y mentores. Ha sido reconocido tanto por los lectores como por los críticos en las encuestas de la revista Downbeat durante los últimos tres años. Continúa perfeccionando su estilo a través de la escritura y la interpretación y ha desarrollado una distintiva e inolvidable voz de guitarra que es toda suya.
https://musicians.allaboutjazz.com/peterbernstein

 

Peter Bernstein ...

Melvin Rhyne • Mel's Spell

Melvin Rhyne was born in Indianapolis in 1936 and started playing the piano shortly thereafter. At 19 years old, Rhyne started playing piano with then-unknown tenor saxophonist Rahsaan Roland Kirk but quickly switched over to the instrument that would make him famous: the Hammond B3 organ. Rhyne's piano skills translated to the organ fluently and before long he was backing famous blues players like B.B. King and T-Bone Walker. In 1959 when he was asked to join fellow Indianapolis musician Wes Montgomery's newly formed trio.

Rhyne then moved to Wisconsin and largely kept to himself for the next two decades. In 1991, however, Rhyne returned to the jazz scene, playing on Herb Ellis' album Roll Call, Brian Lynch's At the Main Event, and his own comeback The Legend. Rhyne continued to be prolific in the years to come, releasing eight more solo albums on the Criss Cross jazz label.

In 2008 Rhyne teamed up with fellow Indianapolis jazz musician Rob Dixon to form the Dixon-Rhyne Project, a boundary-pushing jazz quartet that also includes Chicago guitarist Fareed Haque and drummer Kenny Phelps. The quartet released the album Reinvention in 2008 on Indianapolis jazz label Owl Studios. Rhyne's later career trio included drummer Kenny Washington and guitarist Peter Bernstein in the same organ, guitar, drum formation of the original Wes Montgomery Trio.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/melvin-rhyne/

Note: Melvin Rhyne passed away on March 5, 2013, Indianapolis, Indiana, United States.

 

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Melvin Rhyne nació en Indianápolis en 1936 y comenzó a tocar el piano poco después. A los 19 años, Rhyne comenzó a tocar el piano con el entonces desconocido saxofonista tenor Rahsaan Roland Kirk, pero rápidamente cambió al instrumento que lo haría famoso: el órgano Hammond B3. Las habilidades de Rhyne con el piano se tradujeron al órgano con fluidez y, en poco tiempo, estaba respaldando a famosos músicos de blues como BB King y T-Bone Walker. En 1959, cuando se le pidió que se uniera al trío recién formado del músico de Indianápolis Wes Montgomery.

Rhyne luego se mudó a Wisconsin y se mantuvo en gran medida solo durante las siguientes dos décadas. En 1991, sin embargo, Rhyne regresó a la escena del jazz, tocando en el álbum Roll Call de Herb Ellis, en At the Main Event de Brian Lynch y en su propio regreso The Legend. Rhyne continuó siendo prolífica en los años siguientes, lanzando ocho álbumes más en solitario con el sello Criss Cross jazz.

En 2008, Rhyne se asoció con su colega músico de jazz de Indianápolis Rob Dixon para formar The Dixon-Rhyne Project, un cuarteto de jazz que traspasa fronteras y que también incluye al guitarrista de Chicago Fareed Haque y al baterista Kenny Phelps. El cuarteto lanzó el álbum Reinvención en 2008 en el sello de jazz de Indianápolis Owl Studios. El trío posterior de Rhyne incluyó al baterista Kenny Washington y al guitarrista Peter Bernstein en la misma formación de órgano, guitarra y batería del Trío original de Wes Montgomery.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/melvin-rhyne/

Nota: Melvin Rhyne falleció el 5 de marzo de 2013, Indianápolis, Indiana, Estados Unidos.

Melvin Rhyne • Front And Center

Hammond B-3 master Melvin Rhyne's eighth Criss Cross release as a leader is another sterling chapter in his association with guitarist Peter Bernstein. Their exquisite rapport is assisted by another one of Rhyne's longtime colleagues, drummer Ray Appleton.

The trio skillfully maneuvers through a program of choice items from the American Popular Songbook, classic jazz compositions like 'All Blues' and 'Jordu', as well as Rhyne's originals.

Readily moving from blues to ballads to up-tempo burners, Rhyne and company make this an essential addition to his impressive discography.

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El octavo lanzamiento de Criss Cross del maestro Melvin Rhyne de Hammond B-3 como líder es otro capítulo excelente en su asociación con el guitarrista Peter Bernstein. Su excelente relación es asistida por otro de los colegas de Rhyne, el baterista Ray Appleton.

El trío maneja hábilmente a través de un programa de elementos selectos del American Popular Songbook, composiciones de jazz clásico como 'All Blues' y 'Jordu', así como los originales de Rhyne.

Rhyne y compañía, que se trasladaron rápidamente de blues a baladas y quemadores de ritmo acelerado, hacen de esta una adición esencial a su impresionante discografía.

Larry Goldings • Sweet Science

 

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Cory Weeds • Big Weeds

A saxophonist with an expressive sound rooted in Jazz tradition, a label owner tirelessly documenting unsung Jazz heroes, one of Canada’s most important Jazz impresarios, the hardest-working man in Jazz business – Cory Weeds is all of these things, and much more.

Weeds may be best known as the founder and owner of Cory Weeds’ Cellar Jazz Club in Vancouver, which he successfully ran for more than 14 years. Weeds built the Cellar to become one of North America’s best Jazz clubs, where masters such as George Coleman, Jeff Hamilton, Louis Hayes, David “Fathead” Newman, Dr. Lonnie Smith, and the finest Jazz musicians from Vancouver and across Canada performed before it closed in February 2014.

But he wasn’t just the club owner. As a saxophonist who studied at the University of North Texas and Capilano University, Weeds spent many nights on the Cellar bandstand as a leader and sideman. He held his own when performing with icons like Joey DeFrancesco and Christian McBride. Weeds has also recorded fifteen albums as a leader, including: Live at Frankie’s (with Terell Stafford and Harold Mabern) Explosion (with Gary Smulyan, PJ Perry, Steve Davis and Joe Magnarelli), Let’s Groove (with Mike Ledonne), Dreamsville (with The Jeff Hamilton Trio), It’s Easy To Remember (with David Hazeltine, Joe Magnarelli, Paul Gill and Jason Tiemann, reached #1 on the Jazz Week Charts)  This Happy Madness, (with The Jeff Hamilton Trio, reached #1 on the Jazz Week Charts),  Condition Blue, The Music Of Jackie McLean (with Peter Bernstein, Mike LeDonne, and Joe Farnsworth)., As Of Now (with the Harold Mabern Trio), Let’s Go (with Steve Davis), the Juno-nominated Up A Step (Cory Weeds Quartet), With Benefits (with Lewis Nash and Peter Washington), Just Like That (with the Tilden Webb Trio), The Many Deeds of Cory Weeds (with Joey DeFrancesco), Everything’s Coming Up Weeds (with Jim Rotondi), and Big Weeds (with Peter Bernstein, Mike LeDonne, and Joe Farnsworth).

While the Cellar is now a happy memory, the record label Weeds established in 2001 is alive and well. Rebranded in 2018, The Cellar Music Group has put out over 160 recordings, including many that have spent extensive time on the JazzWeek charts, with many more releases planned. In addition to playing on numerous sessions, Weeds has also served as producer on more than 120 recordings. In 2017 Weeds celebrated a win at the 2017 Juno Awards when Metalwood won for Jazz Album Of The Year: Group.

On the presentation front, Weeds has booked Frankie’s Jazz Club in downtown Vancouver since 2016.  In addition to Frankie’s, Weeds presents music all over the city at various venues including The Italian Cultural Center, Hycroft at The University Women’s Club, Club 45 in North Vancouver and The Emerald.

Beyond Vancouver, Weeds has a strong affinity with New York City. He’s brought so many of the Jazz mecca’s top players to Vancouver, and has performed, toured, and recorded with many of them. Tapping into his insider knowledge of the New York scene, he has led the annual New York With Weeds tour ten times and counting. He leads about 35 Jazz lovers to Jazz clubs off the beaten track, private recording sessions and more.

Finally, Weeds has also worked as an educator, leading the BC Music Educators Association’s Honour Ensemble, giving clinics on saxophone as well as the business of music, and teaching privately. He can also be heard on the airwaves on his show Condition Blue that airs on www.jazzcast.ca and www.saveonradio.com

https://coryweeds.com/bio/

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Un saxofonista con un sonido expresivo arraigado en la tradición del Jazz, un dueño de sello discográfico que documenta incansablemente a los héroes del Jazz no reconocidos, uno de los empresarios de Jazz más importantes de Canadá, el hombre más trabajador en el negocio del Jazz - Cory Weeds es todas estas cosas, y mucho más.

Weeds puede ser mejor conocido como el fundador y propietario del Club de Jazz Cellar de Cory Weeds en Vancouver, que dirigió con éxito durante más de 14 años. Weeds construyó el Cellar para convertirse en uno de los mejores clubes de Jazz de Norteamérica, donde maestros como George Coleman, Jeff Hamilton, Louis Hayes, David "Fathead" Newman, el Dr. Lonnie Smith, y los mejores músicos de Jazz de Vancouver y de todo Canadá actuaron antes de que cerrara en febrero de 2014.

Pero no era sólo el dueño del club. Como saxofonista que estudió en la Universidad del Norte de Texas y en la Universidad de Capilano, Weeds pasó muchas noches en el quiosco de la bodega como líder y acompañante. Se mantuvo firme cuando actuó con iconos como Joey DeFrancesco y Christian McBride. Weeds también ha grabado quince álbumes como líder, incluyendo: Live at Frankie's (con Terell Stafford y Harold Mabern) Explosion (con Gary Smulyan, PJ Perry, Steve Davis y Joe Magnarelli), Let's Groove (con Mike Ledonne), Dreamsville (con The Jeff Hamilton Trio), It's Easy To Remember (con David Hazeltine, Joe Magnarelli, Paul Gill y Jason Tiemann, alcanzaron el #1 en las listas de la Semana de Jazz) Esta Locura Feliz, (con The Jeff Hamilton Trio, alcanzó el #1 en las listas de la Semana de Jazz), Condition Blue, La Música de Jackie McLean (con Peter Bernstein, Mike LeDonne, y Joe Farnsworth). (con el Harold Mabern Trio), Let's Go (con Steve Davis), el nominado por los Juno Up A Step (Cory Weeds Quartet), With Benefits (con Lewis Nash y Peter Washington), Just Like That (con el Tilden Webb Trio), The Many Deeds of Cory Weeds (con Joey DeFrancesco), Everything's Coming Up Weeds (con Jim Rotondi), y Big Weeds (con Peter Bernstein, Mike LeDonne, y Joe Farnsworth).

Mientras que la bodega es ahora un recuerdo feliz, el sello discográfico Weeds establecido en 2001 está vivo y bien. Reconocido en 2018, The Cellar Music Group ha publicado más de 160 grabaciones, incluyendo muchas que han pasado mucho tiempo en las listas de JazzWeek, con muchos más lanzamientos planeados. Además de tocar en numerosas sesiones, Weeds también ha sido productor en más de 120 grabaciones. En 2017 Weeds celebró su victoria en los Premios Juno 2017 cuando Metalwood ganó el Álbum de Jazz del año: Grupo.

En el frente de la presentación, Weeds ha reservado el Club de Jazz de Frankie en el centro de Vancouver desde 2016.  Además del Frankie's, Weeds presenta música por toda la ciudad en varios lugares, incluyendo el Centro Cultural Italiano, Hycroft en el Club de Mujeres de la Universidad, el Club 45 en North Vancouver y The Emerald.

Más allá de Vancouver, Weeds tiene una fuerte afinidad con la ciudad de Nueva York. Ha traído a muchos de los mejores músicos de la Meca del Jazz a Vancouver, y ha actuado, hecho giras y grabado con muchos de ellos. Aprovechando su conocimiento interno de la escena neoyorquina, ha dirigido la gira anual New York With Weeds diez veces y contando. Lleva a unos 35 amantes del jazz a clubes de jazz fuera de los circuitos habituales, sesiones de grabación privadas y más.

Finalmente, Weeds también ha trabajado como educador, dirigiendo el Conjunto de Honor de la Asociación de Educadores de Música de BC, dando clínicas de saxofón así como el negocio de la música, y enseñando en privado. También se le puede escuchar en las ondas de su programa Condition Blue que se emite en www.jazzcast.ca y www.saveonradio.com

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Harold Mabern • Afro Blue

 

Gary Smulyan • Smul's Paradise

By DAN BILAWSKY, Published: January 22, 2012

While the tenor saxophone is no stranger to organ group gatherings, its big brother rarely comes to the party. It's hard to say whether a lack of interest amongst baritone saxophonists, insufficient opportunities for such combinations, or a paucity of players capable of pulling it off is responsible for this issue, but Gary Smulyan won't stand for it any longer.

Smulyan, best known for his work with the legendary Vanguard Jazz Orchestra, has never been one to shy away from an opportunity to explore new surroundings. While he initially put his alto away and took on the mantle of a baritone saxophonist for the opportunity to join Woody Herman's band in the late '70s, it proved to be a career-altering experience and he's been one of the busiest baritones in the business ever since. He has blended his instrumental voice into the fabric of big bands, piano-less trios and various other ensembles both big and small, but Smul's Paradise marks the first time that he fronts an organ group on record.

His capable comrades on this mission are some of his closest friends, who also happen to be the cream of the crop on the New York scene. While this marks the first time that Smulyan, guitarist Peter Bernstein, organist Mike LeDonne and drummer Kenny Washington have teamed up to form a quartet, shared experiences between some of these musicians on and off the bandstand make this a comfortable fit from the get-go. The entire album may have been recorded in one day, with no rehearsal time and minimal retakes, but the finished product never betrays these facts.

The eight tracks on the album hit on all of the stylistic touchstones to be expected in this setting. Balladry ("Aires" ), bop-ish saxophone lines ("Smul's Paradise" ), Brazilian-flavored fare ("Pistaccio" ), swaggering, hard bop-based music ("Up In Betty's Room" ) and more come into play, as Smulyan explores the possibilities that live within this format. He also toys with preexisting material, as he re-imagines Bobby Hebb's "Sunny" as a waltz and creates a hybrid of "Seven Steps To Heaven" and "My Shining Hour" on the album-ending "Heavenly Hours." Along the way, Smulyan also pays tribute to a pair of oft-overlooked organists. Don Patterson gets his due with performances of two of his songs ("Up In Betty's Room" and "Aires" ) and an original written in his honor ("Blues For D.P." ), while Rhoda Scott gets a nod with "Pistaccio."

Smul's Paradise features some first-rate music, while showing off another facet of Smulyan's musicianship and filling a musical void left open by many baritone saxophone bearers of the past and present. Smulyan and company succeed on all fronts here, making this a sequel-worthy session.

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Por DAN BILAWSKY, publicado el 22 de enero de 2012

Si bien el saxofón tenor no es ajeno a las reuniones de grupos de órganos, su hermano mayor rara vez viene a la fiesta. Es difícil decir si la falta de interés entre los saxofonistas barítonos, las oportunidades insuficientes para tales combinaciones o la escasez de jugadores capaces de lograrlo son los responsables de este problema, pero Gary Smulyan ya no lo soportará.

Smulyan, mejor conocido por su trabajo con la legendaria Orquesta de Jazz Vanguard, nunca ha tenido oportunidad de huir de la oportunidad de explorar nuevos entornos. Aunque inicialmente dejó su alto y tomó el manto de un saxofonista barítono por la oportunidad de unirse a la banda de Woody Herman a finales de los 70, resultó ser una experiencia que cambió su carrera y ha sido uno de los barítonos más ocupados en el negocio. desde entonces. Él ha mezclado su voz instrumental con el tejido de grandes bandas, tríos sin piano y varios otros conjuntos grandes y pequeños, pero Smul's Paradise marca la primera vez que lidera un grupo de órganos registrado.

Sus compañeros capaces en esta misión son algunos de sus amigos más cercanos, que también son la crema de la cosecha en la escena de Nueva York. Si bien esta es la primera vez que Smulyan, el guitarrista Peter Bernstein, el organista Mike LeDonne y el baterista Kenny Washington se unen para formar un cuarteto, las experiencias compartidas entre algunos de estos músicos dentro y fuera del quiosco de música hacen que este sea un ajuste cómodo desde el principio. . Es posible que el álbum completo se haya grabado en un solo día, sin tiempo de ensayo y con una recuperación mínima, pero el producto terminado nunca revela estos hechos.

Las ocho pistas en el álbum impactaron en todas las piedras de toque estilísticas que se esperan en esta configuración. Balladry ("Aires"), líneas de saxofón bop-ish ("Smul's Paradise"), comida con sabor brasileño ("Pistaccio"), música impresionante, basada en el bop duro ("Up In Betty's Room") y más entran en juego. como Smulyan explora las posibilidades que viven dentro de este formato. También juega con material preexistente, mientras vuelve a imaginar "Sunny" de Bobby Hebb como un vals y crea un híbrido de "Seven Steps To Heaven" y "My Shining Hour" en el final del álbum "Heavenly Hours". En el camino, Smulyan también rinde homenaje a un par de organistas que a menudo se pasan por alto. Don Patterson obtiene lo que le corresponde con la interpretación de dos de sus canciones ("Up In Betty's Room" y "Aires") y un original escrito en su honor ("Blues For D.P."), mientras que Rhoda Scott consigue un guiño con "Pistaccio".

Smul's Paradise presenta música de primer nivel, mientras que muestra otra faceta de la musicalidad de Smulyan y llena un vacío musical dejado por muchos baritones saxofonistas del pasado y el presente. Smulyan y la compañía tienen éxito en todos los frentes aquí, haciendo de esta una sesión digna de secuela.

garysmulyan.com ...

Melvin Rhyne • Boss Organ

Review by Scott Yanow

Mel Rhyne, best known for his association in the 1960s with Wes Montgomery, re-emerged with this Criss Cross CD as one of the finest jazz organists around. He is matched with guitarist Peter Bernstein, drummer Kenny Washington, and young tenor great Joshua Redman for a set of good-natured and often hard-swinging performances. In addition to superior versions of "All God's Chillun Got Rhythm" and "Jeannine," the quartet explores lesser-known songs such as Hubert Laws' "Shades of Light," Stevie Wonder's "You and I," and Mel Torme's "Born to Be Blue." The music is consistently stimulating and swinging.

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Review by Scott Yanow

Mel Rhyne, best known for his association in the 1960s with Wes Montgomery, re-emerged with this Criss Cross CD as one of the finest jazz organists around. He is matched with guitarist Peter Bernstein, drummer Kenny Washington, and young tenor great Joshua Redman for a set of good-natured and often hard-swinging performances. In addition to superior versions of "All God's Chillun Got Rhythm" and "Jeannine," the quartet explores lesser-known songs such as Hubert Laws' "Shades of Light," Stevie Wonder's "You and I," and Mel Torme's "Born to Be Blue." The music is consistently stimulating and swinging.

Melvin Rhyne • Classmasters

 

Melvin Rhyne's latest offering, his sixth for Criss Cross Jazz, finds him once again in the company of guitarist Peter Bernstein and drummer Kenny Washington with tenor saxophone sensation Eric Alexander on hand.
Serving up a savory and filling plate of grooves, Rhyne and crew move freely between the blues and bebop, with a few choice originals thrown in for good measure.

Review by Al Campbell:
Organist Melvin Rhyne's sixth Criss Cross release, Classmasters, finds him once again in the hard swinging company of guitarist Peter Bernstein, saxophonist Eric Alexander, and drummer Kenny Washington. These musicians breeze through two cuts a piece by Michel Legrand and McCoy Tyner, along with the compositions of Coltrane, Monk, Stanley Turrentine, Billie Holiday, and Cole Porter. The Rhyne original "Rhyne, Rhythm and Song" rounds out this modern blues and bebop set.

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El último trabajo de Melvin Rhyne, su sexto para Criss Cross Jazz, lo encuentra una vez más en compañía del guitarrista Peter Bernstein y el baterista Kenny Washington, con la sensación del saxofón tenor Eric Alexander.
Rhyne y su equipo se mueven libremente entre el blues y el bebop, con algunos originales seleccionados.

Reseña de Al Campbell:
El sexto lanzamiento de Criss Cross, Classmasters, del organista Melvin Rhyne, lo encuentra una vez más en la compañía del guitarrista Peter Bernstein, el saxofonista Eric Alexander y el baterista Kenny Washington. Estos músicos recorren dos cortes por pieza de Michel Legrand y McCoy Tyner, junto con las composiciones de Coltrane, Monk, Stanley Turrentine, Billie Holiday y Cole Porter. El original de Rhyne "Rhyne, Rhythm and Song" completa este conjunto de blues y bebop moderno.


Colaborador / Contributor:  Michel

Lou Donaldson • Play The Right Thing

Review by Richard S. Ginell

As specifically indicated by the album's title, the title tune's bluesy cast, and Sweet Lou Donaldson's own determined liner notes, this CD aims to strike a blow for soul-jazz, a once-popular, then-maligned idiom newly returned from exile. That it does -- with no frills, no apologies, and an idiomatic supporting cast. For Donaldson, it was a return to the style that lit up inner-city jukeboxes for him in the 1960s, and though his alto sax lacks some of the majesty that he could summon forth, his bop-flavored technique remained in fine shape in his mid-sixties. It was also a reunion with Donaldson's occasional organist Dr. Lonnie Smith, who contributes plenty of understated savvy to his solos and bass pedal underpinning. Peter Bernstein is the crisp, tasteful guitarist and Bernard Purdie remains the genre's premier timekeeper, assisted by conguero Ralph Dorsey. Together, they work over a series of standards ("Harlem Nocturne," "I Had the Craziest Dream"), some vintage bop (Charlie Parker's "Marmaduke"), and a few Donaldson compositions. "Whiskey Drinkin' Woman," a humorous slow blues featuring Donaldson's high-pitched, good-natured vocals, became a popular feature of his stage act into the next century. With all of these ingredients in place, the CD achieves a comfortable level of competence without really grabbing hold of a groove and riding it the way Donaldson could in his Blue Note days. Also, the sound is a little dry.

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Reseña de Richard S. Ginell

Como se indica específicamente por el título del álbum, el elenco de blues de la melodía del título y las decididas notas de línea de Sweet Lou Donaldson, este CD tiene como objetivo asestar un golpe al soul-jazz, un modismo que una vez fue muy popular y que en ese entonces fue maldecido y que recién regresó del exilio. Así es, sin adornos, sin disculpas y con un elenco de apoyo idiomático. Para Donaldson, fue una vuelta al estilo que iluminaba las rocolas de los barrios pobres de la ciudad en la década de 1960, y aunque su saxo alto carece de algo de la majestuosidad que podía invocar, su técnica con sabor a bop permaneció en buena forma a mediados de sus sesenta años. También fue una reunión con el organista ocasional de Donaldson, el Dr. Lonnie Smith, que contribuye con una gran cantidad de inteligencia discreta a sus solos y a la base de sus pedales de bajo. Peter Bernstein es el guitarrista de buen gusto y Bernard Purdie sigue siendo el principal cronometrador del género, asistido por el conguero Ralph Dorsey. Juntos, trabajan sobre una serie de estándares ("Harlem Nocturne", "I Had the Craziest Dream"), algo de bop vintage (Charlie Parker's "Marmaduke"), y algunas composiciones de Donaldson. "Whiskey Drinkin' Woman", un blues lento y humorístico con las voces agudas y de buen carácter de Donaldson, se convirtió en una característica popular de su actuación escénica hasta el siglo siguiente. Con todos estos ingredientes en su sitio, el CD alcanza un cómodo nivel de competencia sin tener que agarrarse realmente a un surco y montarlo de la forma en que lo hacía Donaldson en sus días de Blue Note. Además, el sonido es un poco seco.

Melvin Rhyne • The Legend

Review:
Other than an obscure date for Jazzland in 1960, this record was organist Melvin Rhyne's debut as a leader. Famous for his association with Wes Montgomery but in obscurity ever since in Milwaukee, Rhyne gradually emerged during the late '80s and was found to still be in prime form. Joined by guitarist Peter Bernstein and drummer Kenny Washington, Rhyne had the rare opportunity of being the center of attention on this set, which includes a variety of standards (such as "Groovin' High," "Old Folks" and "Stompin' at the Savoy") plus Eddie "Lockjaw" Davis' "Licks A-Plenty" and Montgomery's "The Trick Bag." The easily recommended record concludes with a lengthy "Blues for Wes," which finds trumpeter Brian Lynch and tenor saxophonist Don Braden making the group a quintet. / By Scott Yanow (AMG)

 

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Reseña:
Aparte de una oscura fecha para Jazzland en 1960, este disco fue el debut del organista Melvin Rhyne como líder. Famoso por su asociación con Wes Montgomery pero en la oscuridad desde entonces en Milwaukee, Rhyne emergió gradualmente durante los últimos años de los 80 y se encontró todavía en plena forma. Acompañado por el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Kenny Washington, Rhyne tuvo la rara oportunidad de ser el centro de atención en este set, que incluye una variedad de estándares (como "Groovin' High", "Old Folks" y "Stompin' at the Savoy") más "Licks A-Plenty" de Eddie "Lockjaw" Davis y "The Trick Bag" de Montgomery. El disco, fácilmente recomendable, concluye con un largo "Blues for Wes", en el que el trompetista Brian Lynch y el saxofonista tenor Don Braden convierten al grupo en un quinteto. / Por Scott Yanow (AMG)