Larry Goldings • Sweet Science

 

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Cory Weeds • Big Weeds

A saxophonist with an expressive sound rooted in Jazz tradition, a label owner tirelessly documenting unsung Jazz heroes, one of Canada’s most important Jazz impresarios, the hardest-working man in Jazz business – Cory Weeds is all of these things, and much more.

Weeds may be best known as the founder and owner of Cory Weeds’ Cellar Jazz Club in Vancouver, which he successfully ran for more than 14 years. Weeds built the Cellar to become one of North America’s best Jazz clubs, where masters such as George Coleman, Jeff Hamilton, Louis Hayes, David “Fathead” Newman, Dr. Lonnie Smith, and the finest Jazz musicians from Vancouver and across Canada performed before it closed in February 2014.

But he wasn’t just the club owner. As a saxophonist who studied at the University of North Texas and Capilano University, Weeds spent many nights on the Cellar bandstand as a leader and sideman. He held his own when performing with icons like Joey DeFrancesco and Christian McBride. Weeds has also recorded fifteen albums as a leader, including: Live at Frankie’s (with Terell Stafford and Harold Mabern) Explosion (with Gary Smulyan, PJ Perry, Steve Davis and Joe Magnarelli), Let’s Groove (with Mike Ledonne), Dreamsville (with The Jeff Hamilton Trio), It’s Easy To Remember (with David Hazeltine, Joe Magnarelli, Paul Gill and Jason Tiemann, reached #1 on the Jazz Week Charts)  This Happy Madness, (with The Jeff Hamilton Trio, reached #1 on the Jazz Week Charts),  Condition Blue, The Music Of Jackie McLean (with Peter Bernstein, Mike LeDonne, and Joe Farnsworth)., As Of Now (with the Harold Mabern Trio), Let’s Go (with Steve Davis), the Juno-nominated Up A Step (Cory Weeds Quartet), With Benefits (with Lewis Nash and Peter Washington), Just Like That (with the Tilden Webb Trio), The Many Deeds of Cory Weeds (with Joey DeFrancesco), Everything’s Coming Up Weeds (with Jim Rotondi), and Big Weeds (with Peter Bernstein, Mike LeDonne, and Joe Farnsworth).

While the Cellar is now a happy memory, the record label Weeds established in 2001 is alive and well. Rebranded in 2018, The Cellar Music Group has put out over 160 recordings, including many that have spent extensive time on the JazzWeek charts, with many more releases planned. In addition to playing on numerous sessions, Weeds has also served as producer on more than 120 recordings. In 2017 Weeds celebrated a win at the 2017 Juno Awards when Metalwood won for Jazz Album Of The Year: Group.

On the presentation front, Weeds has booked Frankie’s Jazz Club in downtown Vancouver since 2016.  In addition to Frankie’s, Weeds presents music all over the city at various venues including The Italian Cultural Center, Hycroft at The University Women’s Club, Club 45 in North Vancouver and The Emerald.

Beyond Vancouver, Weeds has a strong affinity with New York City. He’s brought so many of the Jazz mecca’s top players to Vancouver, and has performed, toured, and recorded with many of them. Tapping into his insider knowledge of the New York scene, he has led the annual New York With Weeds tour ten times and counting. He leads about 35 Jazz lovers to Jazz clubs off the beaten track, private recording sessions and more.

Finally, Weeds has also worked as an educator, leading the BC Music Educators Association’s Honour Ensemble, giving clinics on saxophone as well as the business of music, and teaching privately. He can also be heard on the airwaves on his show Condition Blue that airs on www.jazzcast.ca and www.saveonradio.com

https://coryweeds.com/bio/

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Un saxofonista con un sonido expresivo arraigado en la tradición del Jazz, un dueño de sello discográfico que documenta incansablemente a los héroes del Jazz no reconocidos, uno de los empresarios de Jazz más importantes de Canadá, el hombre más trabajador en el negocio del Jazz - Cory Weeds es todas estas cosas, y mucho más.

Weeds puede ser mejor conocido como el fundador y propietario del Club de Jazz Cellar de Cory Weeds en Vancouver, que dirigió con éxito durante más de 14 años. Weeds construyó el Cellar para convertirse en uno de los mejores clubes de Jazz de Norteamérica, donde maestros como George Coleman, Jeff Hamilton, Louis Hayes, David "Fathead" Newman, el Dr. Lonnie Smith, y los mejores músicos de Jazz de Vancouver y de todo Canadá actuaron antes de que cerrara en febrero de 2014.

Pero no era sólo el dueño del club. Como saxofonista que estudió en la Universidad del Norte de Texas y en la Universidad de Capilano, Weeds pasó muchas noches en el quiosco de la bodega como líder y acompañante. Se mantuvo firme cuando actuó con iconos como Joey DeFrancesco y Christian McBride. Weeds también ha grabado quince álbumes como líder, incluyendo: Live at Frankie's (con Terell Stafford y Harold Mabern) Explosion (con Gary Smulyan, PJ Perry, Steve Davis y Joe Magnarelli), Let's Groove (con Mike Ledonne), Dreamsville (con The Jeff Hamilton Trio), It's Easy To Remember (con David Hazeltine, Joe Magnarelli, Paul Gill y Jason Tiemann, alcanzaron el #1 en las listas de la Semana de Jazz) Esta Locura Feliz, (con The Jeff Hamilton Trio, alcanzó el #1 en las listas de la Semana de Jazz), Condition Blue, La Música de Jackie McLean (con Peter Bernstein, Mike LeDonne, y Joe Farnsworth). (con el Harold Mabern Trio), Let's Go (con Steve Davis), el nominado por los Juno Up A Step (Cory Weeds Quartet), With Benefits (con Lewis Nash y Peter Washington), Just Like That (con el Tilden Webb Trio), The Many Deeds of Cory Weeds (con Joey DeFrancesco), Everything's Coming Up Weeds (con Jim Rotondi), y Big Weeds (con Peter Bernstein, Mike LeDonne, y Joe Farnsworth).

Mientras que la bodega es ahora un recuerdo feliz, el sello discográfico Weeds establecido en 2001 está vivo y bien. Reconocido en 2018, The Cellar Music Group ha publicado más de 160 grabaciones, incluyendo muchas que han pasado mucho tiempo en las listas de JazzWeek, con muchos más lanzamientos planeados. Además de tocar en numerosas sesiones, Weeds también ha sido productor en más de 120 grabaciones. En 2017 Weeds celebró su victoria en los Premios Juno 2017 cuando Metalwood ganó el Álbum de Jazz del año: Grupo.

En el frente de la presentación, Weeds ha reservado el Club de Jazz de Frankie en el centro de Vancouver desde 2016.  Además del Frankie's, Weeds presenta música por toda la ciudad en varios lugares, incluyendo el Centro Cultural Italiano, Hycroft en el Club de Mujeres de la Universidad, el Club 45 en North Vancouver y The Emerald.

Más allá de Vancouver, Weeds tiene una fuerte afinidad con la ciudad de Nueva York. Ha traído a muchos de los mejores músicos de la Meca del Jazz a Vancouver, y ha actuado, hecho giras y grabado con muchos de ellos. Aprovechando su conocimiento interno de la escena neoyorquina, ha dirigido la gira anual New York With Weeds diez veces y contando. Lleva a unos 35 amantes del jazz a clubes de jazz fuera de los circuitos habituales, sesiones de grabación privadas y más.

Finalmente, Weeds también ha trabajado como educador, dirigiendo el Conjunto de Honor de la Asociación de Educadores de Música de BC, dando clínicas de saxofón así como el negocio de la música, y enseñando en privado. También se le puede escuchar en las ondas de su programa Condition Blue que se emite en www.jazzcast.ca y www.saveonradio.com

https://coryweeds.com/bio/

coryweeds.com ...

Harold Mabern • Afro Blue

 

Gary Smulyan • Smul's Paradise

By DAN BILAWSKY, Published: January 22, 2012

While the tenor saxophone is no stranger to organ group gatherings, its big brother rarely comes to the party. It's hard to say whether a lack of interest amongst baritone saxophonists, insufficient opportunities for such combinations, or a paucity of players capable of pulling it off is responsible for this issue, but Gary Smulyan won't stand for it any longer.

Smulyan, best known for his work with the legendary Vanguard Jazz Orchestra, has never been one to shy away from an opportunity to explore new surroundings. While he initially put his alto away and took on the mantle of a baritone saxophonist for the opportunity to join Woody Herman's band in the late '70s, it proved to be a career-altering experience and he's been one of the busiest baritones in the business ever since. He has blended his instrumental voice into the fabric of big bands, piano-less trios and various other ensembles both big and small, but Smul's Paradise marks the first time that he fronts an organ group on record.

His capable comrades on this mission are some of his closest friends, who also happen to be the cream of the crop on the New York scene. While this marks the first time that Smulyan, guitarist Peter Bernstein, organist Mike LeDonne and drummer Kenny Washington have teamed up to form a quartet, shared experiences between some of these musicians on and off the bandstand make this a comfortable fit from the get-go. The entire album may have been recorded in one day, with no rehearsal time and minimal retakes, but the finished product never betrays these facts.

The eight tracks on the album hit on all of the stylistic touchstones to be expected in this setting. Balladry ("Aires" ), bop-ish saxophone lines ("Smul's Paradise" ), Brazilian-flavored fare ("Pistaccio" ), swaggering, hard bop-based music ("Up In Betty's Room" ) and more come into play, as Smulyan explores the possibilities that live within this format. He also toys with preexisting material, as he re-imagines Bobby Hebb's "Sunny" as a waltz and creates a hybrid of "Seven Steps To Heaven" and "My Shining Hour" on the album-ending "Heavenly Hours." Along the way, Smulyan also pays tribute to a pair of oft-overlooked organists. Don Patterson gets his due with performances of two of his songs ("Up In Betty's Room" and "Aires" ) and an original written in his honor ("Blues For D.P." ), while Rhoda Scott gets a nod with "Pistaccio."

Smul's Paradise features some first-rate music, while showing off another facet of Smulyan's musicianship and filling a musical void left open by many baritone saxophone bearers of the past and present. Smulyan and company succeed on all fronts here, making this a sequel-worthy session.

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Por DAN BILAWSKY, publicado el 22 de enero de 2012

Si bien el saxofón tenor no es ajeno a las reuniones de grupos de órganos, su hermano mayor rara vez viene a la fiesta. Es difícil decir si la falta de interés entre los saxofonistas barítonos, las oportunidades insuficientes para tales combinaciones o la escasez de jugadores capaces de lograrlo son los responsables de este problema, pero Gary Smulyan ya no lo soportará.

Smulyan, mejor conocido por su trabajo con la legendaria Orquesta de Jazz Vanguard, nunca ha tenido oportunidad de huir de la oportunidad de explorar nuevos entornos. Aunque inicialmente dejó su alto y tomó el manto de un saxofonista barítono por la oportunidad de unirse a la banda de Woody Herman a finales de los 70, resultó ser una experiencia que cambió su carrera y ha sido uno de los barítonos más ocupados en el negocio. desde entonces. Él ha mezclado su voz instrumental con el tejido de grandes bandas, tríos sin piano y varios otros conjuntos grandes y pequeños, pero Smul's Paradise marca la primera vez que lidera un grupo de órganos registrado.

Sus compañeros capaces en esta misión son algunos de sus amigos más cercanos, que también son la crema de la cosecha en la escena de Nueva York. Si bien esta es la primera vez que Smulyan, el guitarrista Peter Bernstein, el organista Mike LeDonne y el baterista Kenny Washington se unen para formar un cuarteto, las experiencias compartidas entre algunos de estos músicos dentro y fuera del quiosco de música hacen que este sea un ajuste cómodo desde el principio. . Es posible que el álbum completo se haya grabado en un solo día, sin tiempo de ensayo y con una recuperación mínima, pero el producto terminado nunca revela estos hechos.

Las ocho pistas en el álbum impactaron en todas las piedras de toque estilísticas que se esperan en esta configuración. Balladry ("Aires"), líneas de saxofón bop-ish ("Smul's Paradise"), comida con sabor brasileño ("Pistaccio"), música impresionante, basada en el bop duro ("Up In Betty's Room") y más entran en juego. como Smulyan explora las posibilidades que viven dentro de este formato. También juega con material preexistente, mientras vuelve a imaginar "Sunny" de Bobby Hebb como un vals y crea un híbrido de "Seven Steps To Heaven" y "My Shining Hour" en el final del álbum "Heavenly Hours". En el camino, Smulyan también rinde homenaje a un par de organistas que a menudo se pasan por alto. Don Patterson obtiene lo que le corresponde con la interpretación de dos de sus canciones ("Up In Betty's Room" y "Aires") y un original escrito en su honor ("Blues For D.P."), mientras que Rhoda Scott consigue un guiño con "Pistaccio".

Smul's Paradise presenta música de primer nivel, mientras que muestra otra faceta de la musicalidad de Smulyan y llena un vacío musical dejado por muchos baritones saxofonistas del pasado y el presente. Smulyan y la compañía tienen éxito en todos los frentes aquí, haciendo de esta una sesión digna de secuela.

garysmulyan.com ...

Melvin Rhyne • Boss Organ

Review by Scott Yanow

Mel Rhyne, best known for his association in the 1960s with Wes Montgomery, re-emerged with this Criss Cross CD as one of the finest jazz organists around. He is matched with guitarist Peter Bernstein, drummer Kenny Washington, and young tenor great Joshua Redman for a set of good-natured and often hard-swinging performances. In addition to superior versions of "All God's Chillun Got Rhythm" and "Jeannine," the quartet explores lesser-known songs such as Hubert Laws' "Shades of Light," Stevie Wonder's "You and I," and Mel Torme's "Born to Be Blue." The music is consistently stimulating and swinging.

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Review by Scott Yanow

Mel Rhyne, best known for his association in the 1960s with Wes Montgomery, re-emerged with this Criss Cross CD as one of the finest jazz organists around. He is matched with guitarist Peter Bernstein, drummer Kenny Washington, and young tenor great Joshua Redman for a set of good-natured and often hard-swinging performances. In addition to superior versions of "All God's Chillun Got Rhythm" and "Jeannine," the quartet explores lesser-known songs such as Hubert Laws' "Shades of Light," Stevie Wonder's "You and I," and Mel Torme's "Born to Be Blue." The music is consistently stimulating and swinging.

Melvin Rhyne • Classmasters

 

Melvin Rhyne's latest offering, his sixth for Criss Cross Jazz, finds him once again in the company of guitarist Peter Bernstein and drummer Kenny Washington with tenor saxophone sensation Eric Alexander on hand.
Serving up a savory and filling plate of grooves, Rhyne and crew move freely between the blues and bebop, with a few choice originals thrown in for good measure.

Review by Al Campbell:
Organist Melvin Rhyne's sixth Criss Cross release, Classmasters, finds him once again in the hard swinging company of guitarist Peter Bernstein, saxophonist Eric Alexander, and drummer Kenny Washington. These musicians breeze through two cuts a piece by Michel Legrand and McCoy Tyner, along with the compositions of Coltrane, Monk, Stanley Turrentine, Billie Holiday, and Cole Porter. The Rhyne original "Rhyne, Rhythm and Song" rounds out this modern blues and bebop set.

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El último trabajo de Melvin Rhyne, su sexto para Criss Cross Jazz, lo encuentra una vez más en compañía del guitarrista Peter Bernstein y el baterista Kenny Washington, con la sensación del saxofón tenor Eric Alexander.
Rhyne y su equipo se mueven libremente entre el blues y el bebop, con algunos originales seleccionados.

Reseña de Al Campbell:
El sexto lanzamiento de Criss Cross, Classmasters, del organista Melvin Rhyne, lo encuentra una vez más en la compañía del guitarrista Peter Bernstein, el saxofonista Eric Alexander y el baterista Kenny Washington. Estos músicos recorren dos cortes por pieza de Michel Legrand y McCoy Tyner, junto con las composiciones de Coltrane, Monk, Stanley Turrentine, Billie Holiday y Cole Porter. El original de Rhyne "Rhyne, Rhythm and Song" completa este conjunto de blues y bebop moderno.


Colaborador / Contributor:  Michel

Lou Donaldson • Play The Right Thing

Review by Richard S. Ginell

As specifically indicated by the album's title, the title tune's bluesy cast, and Sweet Lou Donaldson's own determined liner notes, this CD aims to strike a blow for soul-jazz, a once-popular, then-maligned idiom newly returned from exile. That it does -- with no frills, no apologies, and an idiomatic supporting cast. For Donaldson, it was a return to the style that lit up inner-city jukeboxes for him in the 1960s, and though his alto sax lacks some of the majesty that he could summon forth, his bop-flavored technique remained in fine shape in his mid-sixties. It was also a reunion with Donaldson's occasional organist Dr. Lonnie Smith, who contributes plenty of understated savvy to his solos and bass pedal underpinning. Peter Bernstein is the crisp, tasteful guitarist and Bernard Purdie remains the genre's premier timekeeper, assisted by conguero Ralph Dorsey. Together, they work over a series of standards ("Harlem Nocturne," "I Had the Craziest Dream"), some vintage bop (Charlie Parker's "Marmaduke"), and a few Donaldson compositions. "Whiskey Drinkin' Woman," a humorous slow blues featuring Donaldson's high-pitched, good-natured vocals, became a popular feature of his stage act into the next century. With all of these ingredients in place, the CD achieves a comfortable level of competence without really grabbing hold of a groove and riding it the way Donaldson could in his Blue Note days. Also, the sound is a little dry.

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Reseña de Richard S. Ginell

Como se indica específicamente por el título del álbum, el elenco de blues de la melodía del título y las decididas notas de línea de Sweet Lou Donaldson, este CD tiene como objetivo asestar un golpe al soul-jazz, un modismo que una vez fue muy popular y que en ese entonces fue maldecido y que recién regresó del exilio. Así es, sin adornos, sin disculpas y con un elenco de apoyo idiomático. Para Donaldson, fue una vuelta al estilo que iluminaba las rocolas de los barrios pobres de la ciudad en la década de 1960, y aunque su saxo alto carece de algo de la majestuosidad que podía invocar, su técnica con sabor a bop permaneció en buena forma a mediados de sus sesenta años. También fue una reunión con el organista ocasional de Donaldson, el Dr. Lonnie Smith, que contribuye con una gran cantidad de inteligencia discreta a sus solos y a la base de sus pedales de bajo. Peter Bernstein es el guitarrista de buen gusto y Bernard Purdie sigue siendo el principal cronometrador del género, asistido por el conguero Ralph Dorsey. Juntos, trabajan sobre una serie de estándares ("Harlem Nocturne", "I Had the Craziest Dream"), algo de bop vintage (Charlie Parker's "Marmaduke"), y algunas composiciones de Donaldson. "Whiskey Drinkin' Woman", un blues lento y humorístico con las voces agudas y de buen carácter de Donaldson, se convirtió en una característica popular de su actuación escénica hasta el siglo siguiente. Con todos estos ingredientes en su sitio, el CD alcanza un cómodo nivel de competencia sin tener que agarrarse realmente a un surco y montarlo de la forma en que lo hacía Donaldson en sus días de Blue Note. Además, el sonido es un poco seco.

Melvin Rhyne • The Legend

Review:
Other than an obscure date for Jazzland in 1960, this record was organist Melvin Rhyne's debut as a leader. Famous for his association with Wes Montgomery but in obscurity ever since in Milwaukee, Rhyne gradually emerged during the late '80s and was found to still be in prime form. Joined by guitarist Peter Bernstein and drummer Kenny Washington, Rhyne had the rare opportunity of being the center of attention on this set, which includes a variety of standards (such as "Groovin' High," "Old Folks" and "Stompin' at the Savoy") plus Eddie "Lockjaw" Davis' "Licks A-Plenty" and Montgomery's "The Trick Bag." The easily recommended record concludes with a lengthy "Blues for Wes," which finds trumpeter Brian Lynch and tenor saxophonist Don Braden making the group a quintet. / By Scott Yanow (AMG)

 

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Reseña:
Aparte de una oscura fecha para Jazzland en 1960, este disco fue el debut del organista Melvin Rhyne como líder. Famoso por su asociación con Wes Montgomery pero en la oscuridad desde entonces en Milwaukee, Rhyne emergió gradualmente durante los últimos años de los 80 y se encontró todavía en plena forma. Acompañado por el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Kenny Washington, Rhyne tuvo la rara oportunidad de ser el centro de atención en este set, que incluye una variedad de estándares (como "Groovin' High", "Old Folks" y "Stompin' at the Savoy") más "Licks A-Plenty" de Eddie "Lockjaw" Davis y "The Trick Bag" de Montgomery. El disco, fácilmente recomendable, concluye con un largo "Blues for Wes", en el que el trompetista Brian Lynch y el saxofonista tenor Don Braden convierten al grupo en un quinteto. / Por Scott Yanow (AMG)

Wycliffe Gordon Quintet • Dig This!

 

Review by David Dupont  
Trombonist Wycliffe Gordon was the most adventurous musician to spin off from Wynton Marsalis' orbit. Since his tenure with Marsalis, Gordon collaborated with everyone from revivalists in the Sidney Bechet Project to progressive composer Ted Nash and Randy Sandke's Inside Outside project, which brings together practitioners from the musical extremes. He's been more restricted in his own solo dates but has shown he's willing to reach beyond the confines of traditional hard bop. Dig This!! finds him employing the fashionable textures provided by the Hammond organ. True to form though, Gordon refuses to get locked into the funk clichés of the organ combo sound. Rather with its wide-open swing feel Dig This!! comes off more as a contemporary version of swing trombonist Vic Dickenson's 1952 quartet dates with Bill Doggett. Certainly "Limehouse Blues" fits the mold, albeit updated. And Gordon's unaccompanied playing on "Blues Etude #2" and elsewhere shows him a fitting successor to Dickenson's rubbery expressionism. Gordon has surrounded himself with a fine band. Organist Sam Yahel and guitarist Peter Bernstein each reveal a debt to their swing precursors while saxophonist Seamus Blake plays in a hard-driving contemporary manner. All of them swing, and regardless the context Gordon puts himself in, that's a constant.
https://www.allmusic.com/album/dig-this%21%21-mw0000562836



Biography by Rose of Sharon Witmer
Trombone player Wycliffe Gordon is best known for his work with the Lincoln Center Jazz Orchestra, under the direction of jazz maestro, Wynton Marsalis. The versatile trombonist can scat, multi-note, slide, and plunge, just like he stepped out of the 1930s. Gordon has played with many jazz luminaries, including Dizzy Gillespie, Joe Henderson, Branford Marsalis,Lionel Hampton, Tommy Flanagan, and Shirley Horn. His musical colleagues call him "Pine Cone," since he grew up in the piney woods of Georgia.

It must have been this Ellington era quality that caught the ears of jazz educator Wynton Marsalis, who heard Gordon play while the trumpeter was giving a workshop at Gordon's alma mater, Florida A&M University. Their fortuitous meeting resulted in Gordon joining the Wynton Marsalis Septet, as well as the Lincoln Center Jazz Orchestra, in 1989. As a member of the illustrious band, Gordon contributed as both musician and composer. Gordon, who like Charles Mingus says he hears music in his head all the time, has managed to write some of it down, and then hear it performed all over the world by the Lincoln Center Jazz Orchestra. Whether they know it or not, National Public Radio fans are familiar with the musician's work: In 1993, Gordon composed the NPR theme song.

Gordon, an admirer of Louis Armstrong, J.J. Johnson, and Jack Teagarden, prefers the melodic approach to playing and composition. The listener can hear that on any of his outstanding recordings. His first outing was with fellow trombonist Ron Westray on their 1996 release, Bone Structure. More good things came with Slidin' Home, recorded in 1999. Joined by Victor Goines, Eric Reed, Rodney Whitaker, Herlin Riley, Milt Grayson, Joe Temperley, and Randy Sandke, Gordon really struts his stuff on this one, showing a wide range of influences from big band to gospel.

The Search, recorded in 2000, ranges as far and wide as the title suggests, and includes Gordon holding forth on the didgeridoo. Gordon, whose father was the pianist at the church the trumpeter grew up in, devotes himself to his gospel roots on The Gospel Truth, (2000). What You Dealin' With, (2001), continues in a jazz vein with original compositions and jazz standards. Gordon's 2002 release We may be his best yet, as the trombonist collaborates with pianist Eric Reed on jazz and gospel tunes.

Besides performing and educating at his own music school in his hometown of Augusta, GA, Gordon has another important project: writing the score for the Oscar Micheaux 1925 silent film, Body and Soul. Paul Robeson starred in the movie about race, religion, and small town life in the South. Gordon drew upon his own Southern upbringing to produce music from the church, the bars, and the home, to be performed by the Lincoln Center Jazz Orchestra. Gordon has begun to evidence an interest in vocalizing, something which he says he plans to do increasingly. The results are sure to be top drawer, as the exuberant Wycliffe Gordon throws himself into things, body and soul.
https://www.allmusic.com/artist/wycliffe-gordon-mn0000960062/biography

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Reseña de David Dupont  
El trombonista Wycliffe Gordon fue el músico más aventurero que salió de la órbita de Wynton Marsalis. Desde su estancia en Marsalis, Gordon colaboró con todo el mundo, desde los reanimadores del Proyecto Sidney Bechet hasta el compositor progresivo Ted Nash y el proyecto Inside Outside de Randy Sandke, que reúne a profesionales de los extremos musicales. Ha estado más restringido en sus propias citas como solista pero ha demostrado que está dispuesto a ir más allá de los confines del hard bop tradicional. Dig This!! lo encuentra empleando las texturas de moda proporcionadas por el órgano Hammond. Sin embargo, fiel a la forma, Gordon se niega a encerrarse en los clichés funk del sonido del órgano combo. Más bien, con su amplio sentido del swing, Dig This!! se presenta más bien como una versión contemporánea del cuarteto del trombón de swing de 1952 del trombonista Vic Dickenson, que data de Bill Doggett. Ciertamente "Limehouse Blues" encaja en el molde, aunque actualizado. Y el hecho de que Gordon toque sin acompañamiento en "Blues Etude #2" y en otros lugares le muestra un sucesor adecuado para el expresionismo gomoso de Dickenson. Gordon se ha rodeado de una buena banda. El organista Sam Yahel y el guitarrista Peter Bernstein revelan una deuda con sus precursores del swing, mientras que el saxofonista Seamus Blake toca de una manera contemporánea muy dura. Todos ellos hacen swing, y sin importar el contexto en el que Gordon se ponga, es una constante.
https://www.allmusic.com/album/dig-this%21%21-mw0000562836



Biografía de Rose de Sharon Witmer
El trombonista Wycliffe Gordon es más conocido por su trabajo con la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, bajo la dirección del maestro de jazz, Wynton Marsalis. El versátil trombonista puede hacer scat, multi-notas, deslizarse y zambullirse, tal como lo hizo en los años 30. Gordon ha tocado con muchas luminarias del jazz, como Dizzy Gillespie, Joe Henderson, Branford Marsalis, Lionel Hampton, Tommy Flanagan y Shirley Horn. Sus colegas musicales lo llaman "Pine Cone", ya que creció en los bosques de pinos de Georgia.

Debe haber sido esta cualidad de la época de Ellington la que llamó la atención del educador de jazz Wynton Marsalis, que escuchó a Gordon tocar mientras el trompetista impartía un taller en el alma mater de Gordon, en la Universidad A&M de Florida. Su encuentro fortuito dio lugar a que Gordon se uniera al Septeto Wynton Marsalis, así como a la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, en 1989. Como miembro de la ilustre banda, Gordon contribuyó como músico y compositor. Gordon, que al igual que Charles Mingus dice que escucha música en su cabeza todo el tiempo, ha logrado escribir algo de ella, y luego escucharla interpretada en todo el mundo por la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Lo sepan o no, los fanáticos de la Radio Pública Nacional están familiarizados con el trabajo del músico: En 1993, Gordon compuso el tema de la NPR.

Gordon, un admirador de Louis Armstrong, J.J. Johnson y Jack Teagarden, prefiere el enfoque melódico a la interpretación y la composición. El oyente puede escuchar eso en cualquiera de sus grabaciones destacadas. Su primera salida fue con su colega trombonista Ron Westray en su lanzamiento de 1996, Bone Structure. Más cosas buenas vinieron con Slidin' Home, grabado en 1999. Junto a Victor Goines, Eric Reed, Rodney Whitaker, Herlin Riley, Milt Grayson, Joe Temperley, y Randy Sandke, Gordon realmente se pavonea en esta, mostrando un amplio rango de influencias desde la big band hasta el gospel.

La Búsqueda, grabada en el año 2000, se extiende tan lejos como el título sugiere, e incluye a Gordon sosteniendo el didgeridoo. Gordon, cuyo padre era el pianista de la iglesia en la que creció el trompetista, se dedica a sus raíces evangélicas en The Gospel Truth, (2000). What You Dealin' With, (2001), continúa en una línea de jazz con composiciones originales y estándares de jazz. El lanzamiento de Gordon en 2002, We may be his best yet, ya que el trombonista colabora con el pianista Eric Reed en temas de jazz y gospel.

Además de actuar y educar en su propia escuela de música en su ciudad natal de Augusta, GA, Gordon tiene otro proyecto importante: escribir la partitura para la película muda de 1925 de Oscar Micheaux, Body and Soul. Paul Robeson protagonizó la película sobre la raza, la religión y la vida en un pequeño pueblo del sur. Gordon se basó en su propia educación sureña para producir música de la iglesia, los bares y el hogar, para ser interpretada por la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Gordon ha comenzado a evidenciar un interés en la vocalización, algo que dice que planea hacer cada vez más. Los resultados serán sin duda de primer orden, ya que el exuberante Wycliffe Gordon se lanza a las cosas, en cuerpo y alma.
https://www.allmusic.com/artist/wycliffe-gordon-mn0000960062/biography


https://wycliffegordon.com/

Larry Goldings • Intimacy Of The Blues (With David Newman)

Review by Scott Yanow

This well-rounded set was the first one on which Larry Goldings (formerly known as a pianist) exclusively played organ. His trio with Peter Bernstein (a fine bop guitarist) and drummer Bill Stewart (best known for his association with John Scofield) is tight in the Jimmy Smith tradition, although Goldings also displays his own musical personality. Veteran tenor saxophonist David "Fathead" Newman helps out on "Skylark" and "The Intimacy of the Blues." Other highlights include Goldings' memorable original "Pegasus," "Jive Coffee" (based on "Tea for Two"), a faster than usual version of "Wouldn't It Be Loverly," and a swinging "When Johnny Comes Marching Home."

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Revisión por Scott Yanow

Este conjunto completo fue el primero en el que Larry Goldings (anteriormente conocido como pianista) tocaba exclusivamente en el órgano. Su trío con Peter Bernstein (un guitarrista de bop fino) y el baterista Bill Stewart (mejor conocido por su asociación con John Scofield) es tímido en la tradición de Jimmy Smith, aunque Goldings también muestra su propia personalidad musical. El veterano saxofonista tenor David "Fathead" Newman ayuda en "Skylark" y "The Intimacy of the Blues". Otros aspectos destacados incluyen el memorable "Pegasus", "Jive Coffee" de Goldings (basado en "Tea for Two"), una versión más rápida de lo habitual de "Wouldn't It Be Loverly", y el columpio "When Johnny Comes Marching Home". "

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Melvin Rhyne • Tomorrow Yesterday Today

A Hammond B-3 heavyweight since his days with Wes Montgomery, Melvin Rhyne returns to the fold for his first Criss Cross release since 2000's Classmasters.
His seventh effort for the label as a leader, Tomorrow Yesterday Today features guitarist Peter Bernstein and drummer Kenny Washington on a prime set of standards, with four cuts adding special guest tenorman Tad Shull.

 

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Un peso pesado Hammond B-3 desde sus días con Wes Montgomery, Melvin Rhyne regresa al redil para su primer lanzamiento de Criss Cross desde Classmasters del 2000.
Su séptimo esfuerzo para el sello como líder, Tomorrow Yesterday Today presenta al guitarrista Peter Bernstein y al baterista Kenny Washington en un conjunto de estándares de primera clase, con cuatro cortes que añaden al tenor invitado especial Tad Shull. 

 

 

Larry Goldings Trio • Moonbird

Review by Alex Henderson

Like Barbara Dennerlein, Larry Goldings was among the few organists who, in the 1980s and '90s, refused to stick to a grits-and-gravy approach to the instrument. This isn't to say that Goldings has escaped Jimmy Smith's influence altogether or that he lacks funk, blues, and soul-jazz credentials -- one of his employers, after all, was Maceo Parker, who spent many years in James Brown's band. But Goldings hasn't ignored the post-bop challenges that Larry Young presented, and Young's influence can be felt on Moonbird. Joined by drummer Bill Stewart and the Grant Green-influenced guitarist Peter Bernstein, Goldings delivers a rewarding post-bop date that will hardly be mistaken for Smith-minded soul-jazz. Goldings originals like the congenial "Christine," the intriguing "Empty Oceans," and the cerebal "Xoloft" aren't innovative -- 35 years earlier, Young was playing post-bop on the Hammond B-3. But Goldings nonetheless comes across as his own man, and his refusal to be yet another Jimmy Smith clone is commendable. The Bostonian also deserves applause for successfully transforming Randy Newman's "I Think It's Going to Rain Today" and Joni Mitchell's "Woodstock" into improvisatory jazz -- at a time when too many jazzmen were content to play the same old Cole Porter and Irving Berlin songs time and time again, Goldings had enough imagination to find the jazz potential in pop/rock songs that more myopic improvisers were ignoring. Not quite a gem but definitely solid, Moonbird is a CD that post-bop fans will enjoy.

https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403

 Artist Biography by Matt Collar

A highly regarded pianist, Larry Goldings is an in-demand sideman and bandleader known for his balance of hard-swinging, harmonically nuanced post-bop and funky organ jazz. Emerging in the early '90s, Goldings established himself as a premier soloist on the New York scene, playing often in his trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart. He has issued a stream of highly regarded albums, including 1995's Whatever It Takes, 2002's Sweet Science, and 2007's Grammy-nominated Saudades with drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield. He is a longtime touring member of James Taylor's band, and has been sought out by a wide array of performers, including Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, and others.

Born in Boston, Massachusetts in 1968, Goldings took classical piano lessons until age 12, encouraged by his father, a classical aficionado. It was while in high school at Concord Academy that he became interested in jazz. Around this time, a friend of his father's introduced him to pianist Dave McKenna, whose music had a profound influence on Goldings. From there, he embarked on a deeper study of jazz, listening to artists like Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland, and Bill Evans. He also sought out private lessons with pianists Ran Blake and Keith Jarrett.

After high school, he enrolled in the jazz program at New York's The New School, where he further honed his skills studying with Jaki Byard and Fred Hersch. It was during this period that he accompanied pianist Roland Hanna to Copenhagen for a three-day series of private concerts, where he performed with Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison, and Al Cohn. Also prior to graduating, Goldings toured with singer Jon Hendricks, an association that led to work with guitarist Jim Hall.

Graduating in 1988, he began leading his own trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart, playing regularly at Augie's Jazz Bar (later named Smoke). In 1991, he made his debut as a leader with Intimacy of the Blues, which featured his trio along with guest saxophonist David "Fathead" Newman. A second trio effort, Light Blue, appeared a year later, followed by the bossa nova-tinged organ session Caminhos Cruzados, which included several tracks with saxophonist Joshua Redman.

In 1995, Goldings signed with Warner Bros. and released two highly regarded organ-centric albums, starting with Whatever It Takes. A funky, hard-bop-leaning date, it featured his trio with Bernstein and Stewart along with guest spots from saxophonists Maceo Parker, David Sanborn, and Redman, as well as trombonist Fred Wesley. Released in 1996, Big Stuff showcased a similar sound, and found the pianist joined by Bernstein, veteran drummer Idris Muhammad, and guitarist Kurt Rosenwinkel. For his final Warner Bros. album, 1997's Awareness, Goldings shifted back to piano, working with longtime Keith Jarrett associates bassist Larry Grenadier and drummer Paul Motian.

Goldings then moved to Palmetto, issuing the trio album As One with Bernstein and Stewart. Several more albums followed for the indie label, including the Hammond organ-soaked Sweet Science and 2006's aptly named Quartet with trumpeter/cornetist John Sneider, bassist Ben Allison, and drummer Matt Wilson.

Also during this period, he joined drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield for a live 2004 concert at London's Queen Elizabeth's Hall. Released as Saudades in 2006, it earned Goldings a Grammy nomination for Best Instrumental Jazz Album of the Year. In 2010, he joined the Dutch Metropole Orkest for two albums, When Larry Met Harry with saxophonist Harry Allen and Scenes from a Dream with Peter Erskine and Chris Minh Doky.

The solo piano album In My Room followed in 2011. That same year, he rejoined Bernstein and Stewart for the concert album Live at Smalls. The trio were also together for 2014's Ramshackle Serenade. He then guested with Ron Carter, Gerry Gibbs, and Kenny Barron on We're Back. In 2017, he joined John Mayer on the singer/songwriter's "The Search for Everything" tour, and returned a year later with his own trio album, Toy Tunes, with Bernstein and Stewart.

https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography

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Reseña de Alex Henderson

Al igual que Barbara Dennerlein, Larry Goldings fue uno de los pocos organistas que, en los años ochenta y noventa, se negó a seguir un enfoque de grano y salsa para el instrumento. Esto no quiere decir que Goldings haya escapado por completo a la influencia de Jimmy Smith o que carezca de credenciales de funk, blues y soul-jazz - uno de sus empleadores, después de todo, era Maceo Parker, que pasó muchos años en la banda de James Brown. Pero Goldings no ha ignorado los desafíos post-bop que Larry Young presentó, y la influencia de Young se puede sentir en Moonbird. Acompañado por el baterista Bill Stewart y el guitarrista influenciado por Grant Green Peter Bernstein, Goldings ofrece una gratificante cita post-bop que difícilmente se confundirá con el soul-jazz de Smith. Los originales de Goldings como el simpático "Christine", el intrigante "Empty Oceans" y el cerebal "Xoloft" no son innovadores: 35 años antes, Young jugaba al post-bop en el Hammond B-3. Sin embargo, Goldings parece ser su propio hombre, y su negativa a ser otro clon de Jimmy Smith es encomiable. El bostoniano también merece un aplauso por haber transformado con éxito "I Think It's Going to Rain Today" de Randy Newman y "Woodstock" de Joni Mitchell en jazz improvisado, en un momento en el que demasiados jazzistas se contentaron con tocar las mismas viejas canciones de Cole Porter e Irving Berlin una y otra vez, Goldings tuvo suficiente imaginación para encontrar el potencial del jazz en canciones de pop/rock que los improvisadores más miopes estaban ignorando. No es una joya, pero definitivamente sólido, Moonbird es un CD que los fans del post-bop disfrutarán.

https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403

 Biografía del artista por Matt Collar

Un pianista muy respetado, Larry Goldings es un sideman y director de orquesta muy solicitado, conocido por su equilibrio entre el swing duro, el post-bop con matices armónicos y el jazz funky de órgano. Surgido a principios de los años 90, Goldings se estableció como uno de los principales solistas de la escena neoyorquina, tocando a menudo en su trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart. Ha publicado una serie de álbumes de gran prestigio, entre los que se incluyen Whatever It Takes (1995), Sweet Science (2002) y Saudades (2007), nominados al Grammy, con el baterista Jack DeJohnette y el guitarrista John Scofield. Es miembro de la banda de James Taylor desde hace mucho tiempo, y ha sido buscado por una amplia gama de intérpretes, incluyendo a Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, y otros.

Nacido en Boston, Massachusetts en 1968, Goldings tomó clases de piano clásico hasta los 12 años, alentado por su padre, un aficionado a la música clásica. Fue durante el bachillerato en la Academia Concord cuando se interesó por el jazz. Por esa época, un amigo de su padre le presentó al pianista Dave McKenna, cuya música tuvo una profunda influencia en Goldings. A partir de ahí, se embarcó en un estudio más profundo del jazz, escuchando a artistas como Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland y Bill Evans. También buscó clases particulares con los pianistas Ran Blake y Keith Jarrett.

Después de la escuela secundaria, se matriculó en el programa de jazz de The New School de Nueva York, donde perfeccionó sus habilidades estudiando con Jaki Byard y Fred Hersch. Fue durante este período que acompañó al pianista Roland Hanna a Copenhague para una serie de conciertos privados de tres días, donde actuó con Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison y Al Cohn. También antes de graduarse, Goldings hizo una gira con el cantante Jon Hendricks, una asociación que llevó a trabajar con el guitarrista Jim Hall.

Graduado en 1988, comenzó a dirigir su propio trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart, tocando regularmente en el Augie's Jazz Bar (más tarde llamado Smoke). En 1991, debutó como líder con Intimacy of the Blues, en el que participó su trío junto con el saxofonista invitado David "Fathead" Newman. Un año después apareció un segundo trío, Light Blue, seguido de la sesión de órgano de bossa nova, Caminhos Cruzados, que incluyó varios temas con el saxofonista Joshua Redman.

En 1995, Goldings firmó con Warner Bros. y lanzó dos álbumes muy respetados centrados en el órgano, comenzando con Whatever It Takes. Una cita funky y de tendencia hard-bop, que contó con su trío con Bernstein y Stewart junto a los saxofonistas Maceo Parker, David Sanborn y Redman, así como con el trombonista Fred Wesley. Lanzado en 1996, Big Stuff mostró un sonido similar, y encontró al pianista acompañado por Bernstein, el veterano baterista Idris Muhammad, y el guitarrista Kurt Rosenwinkel. Para su último álbum de Warner Bros., Awareness de 1997, Goldings regresó al piano, trabajando con el bajista Larry Grenadier y el baterista Paul Motian, asociados de Keith Jarrett desde hace mucho tiempo.

Luego, Goldings se trasladó a Palmetto, donde publicó el trío As One con Bernstein y Stewart. Varios álbumes más fueron seguidos por el sello independiente, incluyendo Sweet Science, empapado de órgano de Hammond, y el Cuarteto de 2006, acertadamente nombrado con el trompetista/cornetista John Sneider, el bajista Ben Allison, y el baterista Matt Wilson.

También durante este período, se unió al baterista Jack DeJohnette y al guitarrista John Scofield en un concierto en vivo en el Queen Elizabeth's Hall de Londres en 2004. Lanzado como Saudades en 2006, le valió a Goldings una nominación al Grammy como Mejor Álbum Instrumental de Jazz del Año. En 2010, se unió al Metropole Orkest holandés en dos álbumes, When Larry Met Harry con el saxofonista Harry Allen y Scenes from a Dream con Peter Erskine y Chris Minh Doky.

El álbum de piano en solitario In My Room le siguió en 2011. Ese mismo año, volvió a unirse a Bernstein y Stewart para el álbum de conciertos Live at Smalls. El trío también estuvieron juntos para la Serenata Destartalada de 2014. Luego invitó a Ron Carter, Gerry Gibbs y Kenny Barron en We're Back. En 2017, se unió a John Mayer en la gira del cantautor "The Search for Everything", y regresó un año después con su propio trío, Toy Tunes, con Bernstein y Stewart.

https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Lou Donaldson • Caracas

Review
Lou Donaldson didn't break any new ground in the 1990s; instead, the veteran alto saxophonist excelled by sticking with the type of soul-jazz/hard bop that brought him a lot of commercial success (by jazz standards) in the 1960s. Caracas was recorded in 1993, but it sounds like it could have been recorded 30 years earlier. Regardless, this CD is excellent. Caracas was produced by Bob Porter, who has produced numerous soul-jazz and organ combo dates -- if any producer knows soul-jazz, it's Porter. And not surprisingly, he helps brings out the best in Donaldson, who is joined by organist Dr. Lonnie Smith, drummer Kenny Washington, and the Grant Green-influenced guitarist Peter Bernstein. Donaldson, who was 66 when this CD was recorded, is in fine form on groove-oriented blues (Jimmy Forrest's "Night Train") and romantic ballads (Neal Hefti's "Lil' Darlin'"), as well as one fast bop number: Charlie Parker's "Ornithology." Although the more accessible, groove-oriented stuff is what brought Donaldson the most commercial success, his albums usually contain at least one example of high-speed, Parker-minded bebop and, on Caracas, he acknowledges his Bird roots with "Ornithology." Donaldson will be the first to tell you that he is an instrumentalist first and foremost; however, he does provide the occasional vocal. The enjoyably humorous "Just a Dream (On My Mind)" finds him putting a 1990s spin on lyrics that Chicago blues great Big Bill Broonzy wrote back in the 1930s. Is Caracas essential? Not quite, but it's still a highly rewarding album that will please die-hard soul-jazz enthusiasts.

 

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Reseña
Lou Donaldson no abrió ningún camino nuevo en la década de 1990; en cambio, el veterano saxofonista alto sobresalió al mantenerse en el tipo de soul-jazz/hard bop que le dio mucho éxito comercial (para los estándares del jazz) en la década de 1960. Caracas se grabó en 1993, pero parece que podría haberse grabado 30 años antes. En cualquier caso, este CD es excelente. Caracas fue producido por Bob Porter, quien ha producido numerosas fechas de soul-jazz y combo de órgano - si algún productor sabe de soul-jazz, es Porter. Y no es de extrañar que ayude a sacar lo mejor de Donaldson, a quien acompañan el organista Dr. Lonnie Smith, el batería Kenny Washington y el guitarrista Peter Bernstein, influenciado por Grant Green. Donaldson, que tenía 66 años cuando se grabó este CD, está en buena forma en el blues orientado al groove ("Night Train" de Jimmy Forrest) y en las baladas románticas ("Lil' Darlin'" de Neal Hefti), así como en un número de bop rápido: "Ornithology" de Charlie Parker. Aunque el material más accesible, orientado al groove, es lo que ha llevado a Donaldson al mayor éxito comercial, sus álbumes suelen contener al menos un ejemplo de bebop de alta velocidad, con mentalidad Parker y, en Caracas, reconoce sus raíces Bird con "Ornithology". Donaldson será el primero en decir que es ante todo un instrumentista; sin embargo, aporta alguna que otra voz. En la divertida "Just a Dream (On My Mind)", Donaldson da un giro hacia los años 90 a una letra que el gran blues de Chicago Big Bill Broonzy escribió en los años 30. ¿Es Caracas esencial? No del todo, pero sigue siendo un álbum muy gratificante que complacerá a los incondicionales del soul-jazz. 

loudonaldson.com ...

 

Sam Yahel • Trio

Review by Michael G. Nastos

At age 27, Yahel is clearly one of the most promising new organists on the New York City & international scene. As a possible walker in Larry Young's shoes, he displays a definite orchestral concept. Sounds seethe and swell, expanding beyond the envelope; he's got that telltale, after-midnight-blue depth of expressionism. Wild drummer Brian Blade and witty guitarist Peter Bernstein give much more than a mere modicum of fuel for Yahel's imagination -- they kick him into fourth and fifth gear during these eight tracks, three written by the organist himself. Two standards appear here. The first, "Never Will I Marry," has Yahel leading the melody while Blade fires up the cauldron with embellished rhythms that run outside of the straight beat, and Bernstein's guitar chords lead to tasty, bluesy solo lines. The second, "A Nightingale Sang in Berkeley Square," finds Yahel introducing by himself on this emotion-drenched ballad, charcoal tracing from similar regret-filled themes as "I Remember Clifford" and "Polka Dots & Moonbeams." Slight grease from Bernstein's lead guitar girds Ray Brown's bluesy, soulful sweet classic "Gravy Waltz." The Bernstein-penned "Blues for Bulgaria" has an easy, steady groove with Yahel's organ setting up the guitar's melody and Blade's drums swirling around -- this one has potential at becoming a sprightly standard. Yahel's three compositions include the waltz "The Gambit" marked with varying key changes and Bernstein nicely linking the styles of Wes Montgomery and Grant Green. "Short Returns" is a cool swinger with guitar-organ unison melody -- one of rare quantity on the CD. "And Then Some" is a very fragmented, 7/4 funk groove, -- quite contemporary and virile; it's as compelling as any cut on the disc. Though this is an entry point, it's an intriguing one for Yahel, a thinking man's organist. This album is easily recommended.

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Reseña de Michael G. Nastos

A los 27 años, Yahel es claramente uno de los nuevos organistas más prometedores de la ciudad de Nueva York y de la escena internacional. Como posible caminante en los zapatos de Larry Young, muestra un concepto orquestal definido. Los sonidos se expanden más allá de la envoltura; tiene esa reveladora profundidad de expresionismo azul de medianoche. El batería Brian Blade y el ingenioso guitarrista Peter Bernstein dan mucho más que una pizca de combustible a la imaginación de Yahel: le dan una patada en la cuarta y quinta marcha durante estos ocho temas, tres de ellos escritos por el propio organista. Aquí aparecen dos estándares. El primero, "Never Will I Marry", tiene a Yahel liderando la melodía mientras Blade enciende el caldero con ritmos embellecidos que se salen del ritmo recto, y los acordes de guitarra de Bernstein conducen a sabrosas líneas solistas de blues. El segundo, "Un ruiseñor cantado en Berkeley Square", encuentra a Yahel introduciendo por sí mismo en esta balada llena de emoción, trazos de carbón de temas similares llenos de arrepentimiento como "Recuerdo a Clifford" y "Lunares y Rayos de Luna". Un poco de grasa de las guitarras de Bernstein y el blues de Ray Brown, el dulce y conmovedor clásico "Gravy Waltz". El "Blues para Bulgaria" de Bernstein tiene un ritmo fácil y constante, con el órgano de Yahel estableciendo la melodía de la guitarra y los tambores de Blade girando alrededor - este tiene el potencial de convertirse en un estándar ágil. Las tres composiciones de Yahel incluyen el vals "The Gambit" marcado con cambios de tonalidad variables y Bernstein uniendo bien los estilos de Wes Montgomery y Grant Green. "Short Returns" es un swing cool con melodía de guitarra-órgano al unísono, una de las pocas que hay en el CD. "And Then Some" es un muy fragmentado, 7/4 funk groove, -- bastante contemporáneo y viril; es tan convincente como cualquier corte del disco. Aunque este es un punto de entrada, es intrigante para Yahel, el organista de un hombre pensante. Este disco es fácilmente recomendable.

www.samyahel.com ...

Mike LeDonne • That Feelin'

Mike LeDonne's splendid Groover Quartet has earned a cozy groove for itself, somewhere between fresh from the oven and the halcyon days of organ combos led by Jimmy Smith, Charles Earland, Jimmy McGriff, Richard "Groove" Holmes, Shirley Scott, Don Patterson and others. While embracing their essential groundwork on the one hand, LeDonne moves steadily forward with the other, lending a more contemporary voice to what has been a popular staple of the jazz repertoire for well over half a century.

Far from alone in this pursuit, LeDonne is aided and abetted by a trio of eloquent trend-setters: long-time colleagues Eric Alexander on tenor sax, guitarist Peter Bernstein and drummer Joe Farnsworth. They are enhanced along the way by another modernist, alto saxophonist Vincent Herring, who adds warmth and color to "I'd Never Change a Thing About You," bassist Ray Brown's piquant "Gravy Blues" and LeDonne's fast-paced salute to alto saxophonist Lou Donaldson, "Sweet Papa Lou." Speaking of "I'd Never Change a Thing," the first of LeDonne's three original compositions, the charming wire-to-wire gallop was written for his daughter, Mary, who has multiple disabilities and for whom LeDonne founded the non-profit Disability Pride NYC.

LeDonne and Co. (sans Alexander) are at their soulful best on the lone standard, Mack Gordon / Harry Warren's "At Last," a gorgeous ballad first heard in the 1942 film Orchestra Wives. "At Last" is followed by LeDonne's well-sculpted arrangement of the pop song "This Will Be an Everlasting Love" and the fast-moving finale, "A Lot of Livin' to Do," from the Broadway musical Bye Bye Birdie. Alexander hammers that one out of the park, a feat he duplicates on every turn at bat. The title song, another LeDonne original, is an ambling blues taken from the classic organ trio playbook with Alexander's razor-sharp tenor cutting straight to the chase.

The relaxed groove prevails on LeDonne's arrangement of "La La Means I Love You," a pop hit for the Delfonics in 1968, before giving way to the livelier cadences of trumpeter Donald Byrd's "Fly Little Bird Fly" (another tour de force for LeDonne and Alexander). Regardless of mood or tempo, LeDonne's quartet, which has been a working group for some years now, is emphatically secure and firmly in the pocket. Farnsworth's timekeeping is unerring, Bernstein excels whether comping or soloing, and as for LeDonne and Alexander, their ardor is amplified by exceptional technique. Herring's assertive cameos are icing on an already appetizing cake. ~by Jack Bowers

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El espléndido Groover Quartet de Mike LeDonne se ha ganado un groove acogedor para sí mismo, en algún lugar entre los recién salidos del horno y los días de los combos de órganos dirigidos por Jimmy Smith, Charles Earland, Jimmy McGriff, Richard "Groove" Holmes, Shirley Scott, Don Patterson y otros. Al mismo tiempo que abraza sus bases esenciales, por un lado, LeDonne avanza constantemente junto con el otro, dando una voz más contemporánea a lo que ha sido un elemento básico popular del repertorio de jazz durante más de medio siglo.

Lejos de ser el único en esta búsqueda, LeDonne cuenta con la ayuda y el apoyo de un trío de elocuentes creadores de tendencias: sus antiguos colegas Eric Alexander en el saxo tenor, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Joe Farnsworth. Son realzados a lo largo del camino por otro modernista, el saxofonista alto Vincent Herring, que añade calidez y colorido a "I'd Never Change a Thing About You" (Nunca cambiaría una cosa de ti), el bajista Ray Brown, el piquantísimo "Gravy Blues" (Blues de salsa) y el rápido saludo de LeDonne al saxofonista alto Lou Donaldson, "Sweet Papa Lou" (Dulce Papa Lou). Hablando de "I'd Never Change a Thing", la primera de las tres composiciones originales de LeDonne, el encantador galope cable a cable fue escrito para su hija, Mary, que tiene múltiples discapacidades y para quien LeDonne fundó la organización sin fines de lucro Disability Pride NYC.

LeDonne and Co. (sans Alexander) están en su mejor momento en el solitario estándar, "Al fin" de Mack Gordon / Harry Warren, una preciosa balada que se escuchó por primera vez en la película de 1942 Orchestra Wives. A "At Last" le sigue el bien esculpido arreglo de LeDonne de la canción pop "This Will Be an Everlasting Love" y el rápido final, "A lot of Livin' to do", del musical de Broadway Bye Bye Birdie. Alexander martilla a ese fuera del parque, una hazaña que duplica en cada turno de bateo. La canción principal, otro de los originales de LeDonne, es un blues ambling tomado del clásico libro de jugadas del trío de órgano con el agudo tenor de Alexander cortando directamente a la persecución.

El ritmo relajado prevalece en el arreglo de LeDonne de "La La Means I Love You", un éxito pop para los Delfonics en 1968, antes de dar paso a las animadas cadencias de "Fly Little Bird Fly" del trompetista Donald Byrd (otro tour de force para LeDonne y Alexander). Independientemente del estado de ánimo o del ritmo, el cuarteto de LeDonne, que ha sido un grupo de trabajo desde hace algunos años, está totalmente seguro y firmemente en el bolsillo. El cronometraje de Farnsworth es infalible, Bernstein sobresale tanto si es compulsivo como en solitario, y en cuanto a LeDonne y Alexander, su ardor se ve amplificado por una técnica excepcional. Los asertivos camafeos del arenque son la guinda de un pastel ya de por sí apetitoso. ~by Jack Bowers

mikeledonne.net ...

Peter Bernstein • Signs Of Life

Review by Scott Yanow
Peter Bernstein's second CD as a leader reunites him with pianist Brad Mehldau and once again features him in a quartet. However, both Bernstein and Mehldau had grown quite a bit as soloists during the previous two years (the pianist really tears into "Nobody Else but Me") and this time they are joined by the virtuosic bassist Christian McBride and drummer Gregory Hutchinson. In addition, the songs (five Bernstein originals and four standards) are stronger and challenge the soloists to play at their best. Among the highlights are "Jet Stream," "Jive Coffee" (Bernstein's sly revision of "Tea for Two"), "Will You Still Be Mine," and a tasteful "My Ideal" in addition to "Nobody Else but Me." An excellent effort.

 

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Reseña de Scott Yanow
El segundo CD de Peter Bernstein como líder lo reúne con el pianista Brad Mehldau y una vez más lo presenta en un cuarteto. Sin embargo, tanto Bernstein como Mehldau han crecido bastante como solistas durante los dos años anteriores (el pianista realmente se desgarra en "Nobody Else but Me") y esta vez se les une el virtuoso bajista Christian McBride y el baterista Gregory Hutchinson. Además, las canciones (cinco originales de Bernstein y cuatro estándares) son más fuertes y desafían a los solistas a tocar al máximo. Entre las más destacadas están "Jet Stream", "Jive Coffee" (la astuta revisión de Bernstein de "Tea for Two"), "Will You Still Be Mine", y una gustosa "My Ideal", además de "Nobody Else but Me". Un esfuerzo excelente.

www.peterbernsteinmusic.com ...

Mike LeDonne The Groover Quartet • AwwlRIGHT!

 

mikeledonne.net ...

Peter Bernstein & Guido Di Leone Quartet • Tribute To Jim Hall

 

www.peterbernsteinmusic.com ...

www.dileone ...

Sam Yahel • In The Blink Of An Eye

 

Review
by Michael G. Nastos  
For his third CD, organist Yahel brings back guitarist Peter Bernstein, drummer Brian Blade (see Trio on Criss Cross) and percussionist Kahlil Kwame Bell, who plays percussion on two tracks. There's much more going on under the surface than initially meets the ear, and that's the beauty of Yahel's concept. He's stealth and lurking in underground caves, searching for light and finding mine shafts of pure gold, with the always capable and melodic Bernstein a veritable beacon of energy and soul. Yahel wrote two of these eight selections. The title track is based on a Chopin etude, a darker waltz that quickens in the middle, and there's also "So Long," with Bell starting off on a tango rhythm and going to sultry samba a la Ivan Lins' "The Island." Yahel selects such oft-neglected standards as the changed-up swinger "I Believe In You" and the much more familiar "Spring Is Here," with Blade's jungle toms and Yahel's swelling organ informing Bernstein's patient guitar on this classic balladic melody. "Like Someone in Love" sports a swirling, circular motion before going into the melody in 5/4 time, with 5/8 inserts. The astute listener will clearly hear how clever this is. More modern standards are the Freddie Hubbard evergreen "Little Sunflower," a very laid-back, tight bossa with Bell's prismatic colorations freshening this steamy take, while McCoy Tyner's "Inception" is light, bright and quick, with Bernstein's kinetic line, Yahel's expansive chords, and both on fire for their solos. Bernstein contributed his spontaneous piece "Just a Thought," a midtempo swinger replete with traces of "We'll Be Together Again." If there is a latter-day organist upholding the spirit of Larry Young in terms of stretching the groove as well as orchestral and harmonic possibilities, it's Yahel. He's only scratching the surface as a composer, but as a performer he's right there. Recommended.
https://www.allmusic.com/album/in-the-blink-of-an-eye-mw0000256534


Biography
One of the more distinctive voices among a new breed of Hammond B-3 organ players on the jazz scene, Sam Yahel has earned the top spot in Down Beat's annual International Critics Poll as a Talent Deserving Of Recognition for the past four consecutive years.

Since moving to New York in 1990, Yahel has worked with a string of notable jazz artists including tenor saxophonists Joshua Redman and Eric Alexander, former James Brown sideman and alto sax great Maceo Parker, guitarists Peter Bernstein and Bill Frisell, trumpeters Ryan Kisor and Jim Rotondi, vocalists HYPERLINK Norah Jones (on her Grammy-winning Come Away With Me), Lizz Wright, and Madeleine Peyroux.

But it has been as a solo artist in his own right that Yahel has made his most personal statements as both composer and player.

On Truth and Beauty, his fourth outing as a leader, Yahel joins with longtime colleagues Joshua Redman and drummer Brian Blade in rekindling the potent chemistry they generated as Yaya3, a collective group that was an outgrowth of a residency they had at Small's nightclub in New York. "I'm proud of that record. I like Yaya3 (which was released by Warner Bros. in 2003). But at the same time I was always thinking about doing something purely of my own."

And while Yahel had previously released three recordings as a leader -- 1998's Searchin', 1999's Trio and 2000's In The Blink of an Eye -- his current outing is his strongest to date. "This record is not so much about the straight-ahead swinging undercurrent of the rhythm section," says Sam. "These days I feel like jazz has absorbed more world music influences. I hear Brazilian, African and Cuban music elements starting to seep into the mainstream jazz scene and I find myself drawing from those influences more. And for me, the organ is the perfect instrument to implement that kind of thing because you can really get rhythmic and percussive on it, you can evoke images and sounds just as easily as swinging. And although I'm a big fan of straight ahead swinging music and I still play it with pleasure, I think that this record is more of a foray into the other side."

With Truth and Beauty, Yahel once again stakes out his own territory on the Hammond B-3 organ while taking another important stride as a bandleader and composer.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/sam-yahel

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Para su tercer CD, el organista Yahel vuelve a contar con el guitarrista Peter Bernstein, el batería Brian Blade (véase Trio on Criss Cross) y el percusionista Kahlil Kwame Bell, que toca la percusión en dos temas. Bajo la superficie hay mucho más de lo que parece a primera vista, y ahí radica la belleza del concepto de Yahel. Es sigiloso y acecha en cuevas subterráneas, buscando la luz y encontrando pozos mineros de oro puro, con el siempre capaz y melódico Bernstein como auténtico faro de energía y alma. Yahel escribió dos de estas ocho selecciones. El tema que da título al disco se basa en un estudio de Chopin, un vals más oscuro que se acelera en la parte central, y también está "So Long", con Bell empezando a ritmo de tango y pasando a una sensual samba a lo "The Island" de Ivan Lins. Yahel selecciona estándares tan a menudo olvidados como el swinger cambiado "I Believe In You" y el mucho más familiar "Spring Is Here", con los toms selváticos de Blade y el órgano hinchado de Yahel informando a la paciente guitarra de Bernstein en esta clásica melodía de balada. Like Someone in Love" presenta un movimiento circular y arremolinado antes de entrar en la melodía en compás de 5/4, con inserciones de 5/8. El oyente perspicaz se dará cuenta claramente de que "Like Someone in Love" es una melodía de 5/8. El oyente astuto oirá claramente lo inteligente que es esto. Estándares más modernos son "Little Sunflower" de Freddie Hubbard, una bossa muy relajada y ajustada, con las coloraciones prismáticas de Bell refrescando esta vaporosa toma, mientras que "Inception" de McCoy Tyner es ligera, brillante y rápida, con la línea cinética de Bernstein, los acordes expansivos de Yahel, y ambos encendidos en sus solos. Bernstein contribuyó con su espontánea pieza "Just a Thought", un swinger a medio tempo repleto de trazos de "We'll Be Together Again". Si hay un organista actual que mantiene el espíritu de Larry Young en lo que se refiere a ampliar el ritmo y las posibilidades orquestales y armónicas, ése es Yahel. Como compositor sólo está arañando la superficie, pero como intérprete está ahí. Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/in-the-blink-of-an-eye-mw0000256534


Biografía
Sam Yahel, una de las voces más distintivas de la nueva generación de organistas Hammond B-3 de la escena del jazz, ha obtenido el primer puesto en la encuesta anual de la crítica internacional de Down Beat como Talento merecedor de reconocimiento durante los últimos cuatro años consecutivos.

Desde que se trasladó a Nueva York en 1990, Yahel ha trabajado con una serie de notables artistas de jazz, entre ellos los saxofonistas tenores Joshua Redman y Eric Alexander, el antiguo acompañante de James Brown y gran saxo alto Maceo Parker, los guitarristas Peter Bernstein y Bill Frisell, los trompetistas Ryan Kisor y Jim Rotondi, las vocalistas HYPERLINK Norah Jones (en su ganadora del Grammy Come Away With Me), Lizz Wright y Madeleine Peyroux.

Pero ha sido en solitario donde Yahel ha hecho sus declaraciones más personales como compositor e intérprete.

En Truth and Beauty, su cuarto trabajo como líder, Yahel se une a sus colegas de toda la vida Joshua Redman y el batería Brian Blade para reavivar la potente química que generaron como Yaya3, un grupo colectivo que surgió de una residencia que tuvieron en el club nocturno Small's de Nueva York. "Estoy orgulloso de ese disco. Me gusta Yaya3 (que publicó Warner Bros. en 2003). Pero al mismo tiempo siempre pensaba en hacer algo puramente mío".

Y aunque Yahel ya había publicado tres discos como líder: Searchin' (1998), Trio (1999) e In The Blink of an Eye (2000), el actual es el más potente hasta la fecha. "Este disco no tiene tanto que ver con el swing directo de la sección rítmica", dice Sam. "Hoy en día creo que el jazz ha absorbido más influencias de las músicas del mundo. Oigo que elementos de la música brasileña, africana y cubana empiezan a filtrarse en la escena del jazz convencional y me encuentro a mí mismo inspirándome más en esas influencias. Y para mí, el órgano es el instrumento perfecto para poner en práctica ese tipo de cosas, porque con él se puede ser realmente rítmico y percusivo, se pueden evocar imágenes y sonidos con la misma facilidad que con el swing. Y aunque soy un gran admirador de la música swing directa y sigo tocándola con placer, creo que este disco es más bien una incursión en el otro lado".

Con Truth and Beauty, Yahel vuelve a marcar su propio territorio con el órgano Hammond B-3 al tiempo que da otro paso importante como director de orquesta y compositor.
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