Melvin Jackson • Funky Skull

Review by Thom Jurek

Bassist Melvin Jackson has exactly one album in his catalog as a leader (he spent most of his time playing with Eddie Harris). But man, that's all he needed. Pumping his upright through a Maestro G-2 filter box, a Boomerang, an Echoplex, and an Am peg amp, he made that thing sound like something from outer space while keeping it firmly in the groove of the corner bar on Front Street. Gimmicky? That's what they once said about Roland Kirk playing multiple horns at once, too. As for the naysayers who think of this as a novelty, consider the heavies in his band: Roscoe Mitchell, Leo Smith, Lester Bowie, Phil Upchurch, Pete Cosey, Morris Jennings, Jodie Christian, Billy Hart, Byron Bowie, Steve Galloway, and a whole lot of others. All of these cats were heavyweights in their own right. What does Funky Skull sound like? Psychedelic, funky soul-jazz and a whole lot more. Jackson bowed his bass a well as plucked it depending on what the tune needed. Produced in Chicago by Robin McBride and originally released on the Limelight label, it marked an era of exploration and Jackson was on the ground floor of the space station. There was only one requirement: the groove had to be in the pocket and the beat had to be on the one. There are nine tunes here; Jackson wrote or co-wrote four, including the two-part title cut. He took pages from both Harris' serious soul-jazz book and James Brown's funky one. There are vocals on these tracks, but they amount to little more than accents on the repetitive rhythmic lines being laid down. It's all backbone-slipping, hard, electric jazz funk from the pre-fusion era. "Funky Skull, Pts 1 & 2" and Eddie Harris' "Cold Duck Time, Pts. 1 & 2" were actually spun on jukeboxes throughout the Midwest and in New York in beer gardens, at lunch counters, in bowling alleys, etc. In other words, these jams got heard and grooved to by ordinary folks, not just jazz heads. The nickels got pumped for a reason. Some cuts here, such as "Dance of the Dervish," have pretty sophisticated arrangements and fell more firmly in the jazz camp, but were outside it, too -- especially the Echoplexed bass solo. Elsewhere, "Everybody Loves My Baby," which is a workout for hand percussion, hi hat, and bowed electronically affected bass, was out there on the launching pad in terms of classification. It gets brought back in from the cold by Jackson's "Say What," with the horns playing as a section with striated harmony and a subtle B-3 played by some uncredited genius who kept the funk lines clipped and tight; it was Jackson's cue for wrapping himself all over the groove while never leaving the pocket entirely. The bleating saxophone solo tells you that something else is being aspired to and delivered: it pushes the melody line way out the window, but the rhythm section never loses it for a second. "Funky Doo," written by Jackson and producer Robin McBride, rocks it up while being a dance tune for a sweaty after-hours party. The set ends with "Silver Cycles," written by Jackson and Harris. Clocking in at over nine minutes, it begins with a small piano vamp and Jackson playing glissando bowed bass before flutes, a trap kit, and other horns wind their way in. Jackson's bass gets double-tracked, finding the expansive groove being laid down and extrapolated into harmonic wonderland. Textures by the horn section, and the lower edges of the bass and piano registers are expounded upon, with the horn playing in high, tinny fashion, creating a huge space in the middle for anything to happen. But it stays on the subtle side with all sorts of interaction going on between the instruments crisscrossing channels and parts before fading into the night. Funky Skull is a one of a kind listening experience. It's fun, wildly inventive, freewheeling and complex all at the same time. This is one of those records that one has to hear to believe, and once heard, has to have as a permanent part in your collection.

https://www.allmusic.com/album/funky-skull-mw0000576299

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Reseña de Thom Jurek

El bajista Melvin Jackson tiene exactamente un álbum en su catálogo como líder (pasó la mayor parte de su tiempo tocando con Eddie Harris). Pero tío, eso es todo lo que necesitaba. Bombeando su vertical a través de una caja de filtros Maestro G-2, un Boomerang, un Echoplex, y un amplificador Am peg, hizo que esa cosa sonara como algo del espacio exterior mientras lo mantenía firmemente en la ranura del bar de la esquina en Front Street. ¿Gimmicky? Eso es lo que dijeron una vez sobre Roland Kirk tocando múltiples trompetas a la vez, también. En cuanto a los detractores que piensan que esto es una novedad, consideren a los pesados de su banda: Roscoe Mitchell, Leo Smith, Lester Bowie, Phil Upchurch, Pete Cosey, Morris Jennings, Jodie Christian, Billy Hart, Byron Bowie, Steve Galloway, y muchos otros. Todos estos gatos eran pesos pesados por derecho propio. ¿Cómo suena Funky Skull? Psicodélico, funky soul-jazz y mucho más. Jackson inclinaba su bajo y lo tocaba dependiendo de lo que la melodía necesitaba. Producida en Chicago por Robin McBride y editada originalmente por el sello Limelight, marcó una era de exploración y Jackson estaba en la planta baja de la estación espacial. Sólo había un requisito: el surco tenía que estar en el bolsillo y el ritmo tenía que estar en el uno. Hay nueve melodías aquí; Jackson escribió o co-escribió cuatro, incluyendo el corte del título en dos partes. Tomó páginas del libro de soul-jazz de Harris y del funky de James Brown. Hay voces en estos temas, pero son poco más que acentos en las líneas rítmicas repetitivas que se establecen. Es todo un funk de jazz duro y eléctrico de la época anterior a la fusión. "Funky Skull, Pts 1 & 2" y "Cold Duck Time, Pts." de Eddie Harris. 1 & 2" de Eddie Harris fueron grabadas en rocolas en todo el Medio Oeste y en Nueva York en cervecerías, en los mostradores de almuerzo, en los bolos, etc. En otras palabras, estas canciones fueron escuchadas y tocadas por la gente común, no sólo por los fanáticos del jazz. Las monedas de cinco centavos se inflaron por una razón. Algunos cortes aquí, como "Dance of the Dervish", tienen arreglos bastante sofisticados y cayeron más firmemente en el campo del jazz, pero también estuvieron fuera de él - especialmente el solo de bajo de Echoplexed. En otro lugar, "Everybody Loves My Baby", que es un ejercicio de percusión de mano, hi hat, y el bajo afectado electrónicamente, estaba ahí en la plataforma de lanzamiento en términos de clasificación. Se recupera del frío gracias a "Say What" de Jackson, con las trompetas tocando como una sección con armonía estriada y un sutil B-3 interpretado por algún genio sin acreditar que mantuvo las líneas de funk cortadas y ajustadas; fue la señal de Jackson para envolverse por todo el surco sin salir nunca del bolsillo por completo. El solo de saxofón balante te dice que se está aspirando a algo más y que se está entregando: empuja la línea de la melodía muy lejos de la ventana, pero la sección rítmica nunca la pierde ni un segundo. "Funky Doo", escrita por Jackson y el productor Robin McBride, la sacude mientras es una melodía de baile para una sudorosa fiesta después de hora. El set termina con "Silver Cycles", escrita por Jackson y Harris. Con más de nueve minutos de duración, comienza con un pequeño piano vampiro y Jackson tocando el bajo con glissando antes de que las flautas, un kit de trampa y otros cuernos se abran camino. El bajo de Jackson se duplica, encontrando el ritmo expansivo que se establece y se extrapola al país de las maravillas armónico. Se exponen las texturas de la sección de trompas y los bordes inferiores de los registros de bajo y piano, con la trompa tocando en alto, creando un gran espacio en el medio para que pase algo. Pero se mantiene en el lado sutil con todo tipo de interacción entre los instrumentos que cruzan canales y partes antes de desvanecerse en la noche. Funky Skull es una experiencia auditiva única. Es divertida, salvajemente inventiva, libre y compleja, todo al mismo tiempo. Este es uno de esos discos que uno tiene que escuchar para creer, y una vez escuchado, tiene que tener como una parte permanente en su colección.

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Eddie Harris • Plug Me In & High Voltage

 

 

Eddie Harris was born and grew up in Chicago, Illinois, United States. His father was from Cuba and his mother from Mississippi. He studied music under Walter Dyett at DuSable High School, as had many other successful Chicago musicians (such as Nat King Cole, Clifford Jordan, Johnny Griffin, Gene Ammons, Julian Priester, and others). He later studied music at Roosevelt University, by which time he was proficient on piano, vibraphone, and tenor saxophone. While in college, he performed professionally with Gene Ammons.
After college, Harris was drafted into the United States Army and while serving in Europe, he was accepted into the 7th Army Band, which also included Don Ellis, Leo Wright, and Cedar Walton.
Leaving military service, Harris worked in New York City before returning to Chicago, where he signed a contract with Vee Jay Records. His first album for Vee Jay, Exodus to Jazz, included his own jazz arrangement of Ernest Gold's theme from the movie Exodus. A shortened version of this track, which featured his masterful playing in the upper register of the tenor saxophone, was heavily played on radio and became the first jazz record ever to be certified gold.
The single, "Exodus", climbed into the US Billboard Hot 100 and reached No. 16 in the U.S. R&B chart. He moved to Columbia Records in 1964 and then to Atlantic Records the following year where he re-established himself. In 1965, Atlantic released The In Sound, a bop album that won back many of his detractors.
Over the next few years, he began to perform on electric piano and the electric Varitone saxophone, and to perform a mixture of jazz and funk that sold well in both the jazz and rhythm and blues markets. In 1967, his album The Electrifying Eddie Harris reached second place on the R&B chart. The album's lead track, "Listen Here", was issued as a single, climbing to n° 11 R&B and No. 45 on the Hot 100. Harris released several different versions of his composition over the years, including both studio and live concert recordings. The first appeared on an early Atlantic album, Mean Greens, featuring him on electric piano. He was to re-work the track two years later, stretching it out to over seven minutes in length, for his iconic sax solo version. The whole track appeared on both sides of the Atlantic hit single, edited into two parts. For the 11th Annual Grammy Awards in 1968, Eddie was nominated for the Best Instrumental Jazz Performance for Small Group or Soloist with Small Group for the Album – The Electrifying Eddie Harris.
In 1969, he performed with pianist and vocalist Les McCann at the Montreux Jazz Festival. Although the musicians had been unable to rehearse, their session was so impressive that a recording of it was released by Atlantic as Swiss Movement. This became one of the best-selling jazz albums ever and was nominated during the 13th Annual Grammy Awards (1970) for the Best Jazz Performance – Small Group or Soloist with Small Group.
Harris also came up with the idea of the reed trumpet, playing one for the first time at the 1970 Newport Jazz Festival. He moved from Chicago to Los Angeles in the 1970s. From 1970 to 1975, he experimented with new instruments of his own invention (the reed trumpet was a trumpet with a saxophone mouthpiece, the saxobone was a saxophone with a trombone mouthpiece, and the guitorgan was a combination of guitar and organ), with singing the blues, with jazz-rock (he recorded an album with Steve Winwood, Jeff Beck, Albert Lee, Ric Grech, Zoot Money, Ian Paice and other rockers). He also started singing comic R&B/blues songs, such as "That is Why You're Overweight" and "Eddie Who ?".
In 1975, however, he alienated some of his audience with his album The Reason Why I'm Talking S--t, which consisted mainly of comedy. After recording for Atlantic for over 12 years, Harris left the record company after completing his final album for the label in 1977. He then signed with RCA Records and recorded two albums.
Harris died of congestive heart failure in Los Angeles on November 5, 1996, at the age of 62.
https://en.wikipedia.org/wiki/Eddie_Harris

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Eddie Harris nació y creció en Chicago, Illinois, Estados Unidos. Su padre era de Cuba y su madre de Mississippi. Estudió música con Walter Dyett en la DuSable High School, al igual que muchos otros músicos de éxito de Chicago (como Nat King Cole, Clifford Jordan, Johnny Griffin, Gene Ammons, Julian Priester y otros). Más tarde estudió música en la Universidad Roosevelt, donde ya dominaba el piano, el vibráfono y el saxofón tenor. Mientras estaba en la universidad, actuó profesionalmente con Gene Ammons.
Después de la universidad, Harris fue reclutado por el Ejército de los Estados Unidos y, mientras servía en Europa, fue aceptado en la 7ª Banda del Ejército, en la que también estaban Don Ellis, Leo Wright y Cedar Walton.
Al dejar el servicio militar, Harris trabajó en Nueva York antes de regresar a Chicago, donde firmó un contrato con Vee Jay Records. Su primer álbum para Vee Jay, Exodus to Jazz, incluía su propio arreglo de jazz del tema de Ernest Gold de la película Exodus. Una versión abreviada de este tema, que presentaba su magistral interpretación en el registro superior del saxofón tenor, fue muy reproducida en la radio y se convirtió en el primer disco de jazz que obtuvo la certificación de oro.
El sencillo, "Exodus", entró en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y alcanzó el número 16 en la lista de R&B de ese país. Se trasladó a Columbia Records en 1964 y, al año siguiente, a Atlantic Records, donde se restableció. En 1965, Atlantic lanzó The In Sound, un álbum de bop que le hizo recuperar a muchos de sus detractores.
En los años siguientes, comenzó a tocar el piano eléctrico y el saxofón eléctrico Varitone, y a interpretar una mezcla de jazz y funk que se vendía bien tanto en el mercado del jazz como en el del rhythm and blues. En 1967, su álbum The Electrifying Eddie Harris alcanzó el segundo puesto en la lista de R&B. El tema principal del álbum, "Listen Here", se publicó como sencillo, llegando al nº 11 del R&B y al nº 45 del Hot 100. Harris publicó varias versiones diferentes de su composición a lo largo de los años, tanto en estudio como en grabaciones de conciertos en directo. La primera apareció en un primer álbum de Atlantic, Mean Greens, en el que aparecía con un piano eléctrico. Dos años más tarde, volvió a trabajar en el tema, alargándolo a más de siete minutos de duración, para su icónica versión en solitario de saxo. El tema completo apareció en ambas caras del exitoso single de Atlantic, editado en dos partes. En la 11ª edición de los premios Grammy de 1968, Eddie fue nominado a la mejor interpretación instrumental de jazz para un grupo pequeño o solista con un grupo pequeño por el álbum The Electrifying Eddie Harris.
En 1969, actuó con el pianista y vocalista Les McCann en el Festival de Jazz de Montreux. Aunque los músicos no pudieron ensayar, su sesión fue tan impresionante que Atlantic publicó una grabación con el título Swiss Movement. Se convirtió en uno de los álbumes de jazz más vendidos de la historia y fue nominado durante la 13ª edición de los premios Grammy (1970) a la mejor interpretación de jazz - grupo pequeño o solista con grupo pequeño.
Harris también tuvo la idea de la trompeta de caña, tocando una por primera vez en el Festival de Jazz de Newport de 1970. En la década de 1970 se trasladó de Chicago a Los Ángeles. De 1970 a 1975, experimentó con nuevos instrumentos de su invención (la trompeta de caña era una trompeta con boquilla de saxofón, el saxobono era un saxofón con boquilla de trombón, y el guitorgan era una combinación de guitarra y órgano), con el canto del blues, con el jazz-rock (grabó un álbum con Steve Winwood, Jeff Beck, Albert Lee, Ric Grech, Zoot Money, Ian Paice y otros rockeros). También empezó a cantar canciones cómicas de R&B/blues, como "That is Why You're Overweight" y "Eddie Who ?".
Sin embargo, en 1975 se alejó de parte de su público con su álbum The Reason Why I'm Talking S--t, que consistía principalmente en comedia. Después de grabar para Atlantic durante más de 12 años, Harris dejó la compañía discográfica tras completar su último álbum para el sello en 1977. Entonces firmó con RCA Records y grabó dos álbumes.
Harris murió de insuficiencia cardíaca congestiva en Los Ángeles el 5 de noviembre de 1996, a la edad de 62 años.

https://en.wikipedia.org/wiki/Eddie_Harris

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