Charles Brown • One More For The Road

 

Review by Bill Dahl

One of the first comeback salvos that the veteran pianist fired after suffering the slings and arrows of anonymity for much too long. Typically delectable in a subtle, understated manner, Brown eases through a very attractive program.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

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Reseña de Bill Dahl

Una de las primeras salvas de regreso que el veterano pianista disparó después de sufrir las hondas y flechas del anonimato durante demasiado tiempo. Típicamente delicioso de una manera sutil y discreta, Brown se alivia a través de un programa muy atractivo.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

Nico Brina • That's My Way [30 Years - The Jubilee Sessions]

 

Perhaps, some might say it is strange to define yourself as a Boogie-Woogie-pianist already as a young boy, but that is what Nico did when he was a knee-high boy. Of course, he needed courage, an extraordinary talent and a certain kind of smartness. When Nico was 8 years old, he found his neighbor's piano and he suddenly fell in love with its magical tone. Furthermore, Nico discovered the world of Rock'n'Roll, lightning fast Boogie-Woogie-rhythms, breathtaking bass lines and shining melodies. He played with his hands and even with his feet. However, in the beginning of his career, Nico needed to be smart; as a kid, he pretended to be sick so that he could stay at home and rehearse instead. As a young musician, after his concerts he played chess against the owners of the clubs to double his salary. It was all or nothing. Later, not even angry neighbours could stop Nico Brina's career. Once, a neighbour threw a chair into Nico's window because he had enough of Nico's everlasting rehearsals. All that the police then said, was; "Don't mess around with a pianoman". Nico took this quote and wrote a song about this incident.

After some time, Nico added the Blues to his repertoire, and this was like the missing link to finally define his own unique sound. He travelled around and he played his Boogie-Woogie-driven Blues music almost anywhere in the world. He played in Europe, in the Caribbean, in Kazakhstan, in Singapore... - and he even won several awards such as the "Prix Walo" (1995), the "Guinness Book of World Records" title for the fastest Boogie-Woogie ever (1996) and he got a nomination from the "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" for his album "Flight 6024" (Category Blues 2014).

It has been 36 years since the journey started. More than 3'000 shows in 19 different countries, more than 1'00'000 km on the road, 18 albums, one LP, one DVD and four singles.

Nico still feels happiness when he plays his piano - just like a child playing its first note. There is magic, when he combines his talent, his power and his musical wit. It is this mixture that makes the entertainer become an artist. Brina is a wizard, maybe a fool, but he shows us where passion can lead us. His BBB-combination - Boogie & Blues & Brina - is like a drug, but without any side effects.
Text by Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

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Tal vez, algunos podrían decir que es extraño definirse como un Boogie-Woogie-pianista ya de joven, pero eso es lo que Nico hizo cuando era un niño de la altura de la rodilla. Por supuesto, necesitaba coraje, un talento extraordinario y una cierta clase de inteligencia. Cuando Nico tenía 8 años, encontró el piano de su vecino y de repente se enamoró de su tono mágico. Además, Nico descubrió el mundo del Rock'n'Roll, los rápidos ritmos del Boogie-Woogie, las impresionantes líneas de bajo y las brillantes melodías. Tocaba con sus manos e incluso con sus pies. Sin embargo, al principio de su carrera, Nico necesitaba ser inteligente; de niño, fingía estar enfermo para poder quedarse en casa y ensayar en su lugar. Como joven músico, después de sus conciertos jugaba al ajedrez contra los dueños de los clubes para doblar su salario. Era todo o nada. Más tarde, ni siquiera los vecinos enfadados pudieron detener la carrera de Nico Brina. Una vez, un vecino tiró una silla a la ventana de Nico porque estaba harto de los eternos ensayos de Nico. Todo lo que la policía dijo entonces, fue: "No te metas con un pianoman". Nico tomó esta cita y escribió una canción sobre este incidente.

Después de un tiempo, Nico añadió el Blues a su repertorio, y esto fue como el eslabón perdido para definir finalmente su propio y único sonido. Viajó por todo el mundo y tocó su música de Blues impulsado por el Boogie-Woogie en casi cualquier lugar del mundo. Tocó en Europa, en el Caribe, en Kazajstán, en Singapur... - e incluso ganó varios premios como el "Prix Walo" (1995), el título del "Libro Guinness de los Records Mundiales" por el Boogie-Woogie más rápido de la historia (1996) y obtuvo una nominación del "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" por su álbum "Flight 6024" (Categoría Blues 2014).

Han pasado 36 años desde que comenzó el viaje. Más de 3'000 espectáculos en 19 países diferentes, más de 1'00'000 km en la carretera, 18 álbumes, un LP, un DVD y cuatro singles.

Nico todavía siente felicidad cuando toca el piano, como un niño tocando su primera nota. Hay magia cuando combina su talento, su poder y su ingenio musical. Es esta mezcla la que hace que el artista se convierta en un artista. Brina es un mago, tal vez un tonto, pero nos muestra a dónde nos puede llevar la pasión. Su combinación de BBB - Boogie & Blues & Brina - es como una droga, pero sin efectos secundarios.
Texto de Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

www.brina.ch ...

Winifred Atwell • Hall Of Fame

 

Biography
by Sharon Mawer
Winifred Atwell was one of the stars of the early British charts when they were introduced for the first time in the 1950s, playing an upright piano in a boogie-woogie style of ragtime. She was born on February 27, 1914, in Tunapuna on the island of Trinidad. Her father owned a pharmacy, and although the young Winifred was trained in chemistry and was expected to join the family business, she was always more interested in performing for U.S. servicemen either at the air base or a local club, Piarco. Having trained from a very early age on the piano, she was proficient enough to satisfy the troops stationed in the Caribbean, when someone asked her to play in the popular style of boogie-woogie. When she returned to the club, she had written the song "Piarco Boogie," which was later to be retitled "Five Finger Boogie." Atwell moved to America in the early '40s to study the piano with Alexander Borovsky and later to London, where she studied at the Royal Academy of Music and became the first female pianist to be awarded the highest grade for musicianship. Supplementing her income while studying, she played ragtime at various London clubs and was spotted at the Casino Theatre by entrepreneur Bernard Delfont, who signed her to a recording contract with Decca Records.

In 1946 Atwell met the comedian Lew Levisohn, who was to become her husband. Levinsohn suggested that an original sound and stage presentation might be achieved if Atwell first played a classical piece on a concert grand piano and then a ragtime on a battered upright, which they purchased in a junk shop for £2.50. This would become known as Atwell's "other piano," and would travel with her around the world, even to the Sydney Opera House. Both pianos would be very slightly detuned to give a faint off-key sound, and this originality was one of the stepping stones to her successful career. She also appeared cheerful with a dazzling smile and a warm personality, and in Britain during the late '40s, dominated by rationing after World War II, it was a welcome relief to be entertained by this very special lady. One of her recordings that became extremely popular in the early '50s was actually written in the 1920s by George Botsford and titled "Black and White Rag," which received an enormous amount of radio play and would later become famous as the signature tune for the BBC snooker series Pot Black.

When Britain introduced pop charts in November 1952, Atwell was one of the first black artists to hit the Top Ten and the first instrumentalist in the chart, with the song "Britannia Rag." The hits continued throughout the 1950s, including "Coronation Rag" in the summer of 1953 to celebrate Queen Elizabeth II's coronation, and at Christmas she recorded the first of her piano medleys of music hall songs under the title "Let's Have a Party," which included "If You Knew Susie," "The More We Are Together," "Knees Up Mother Brown," "Daisy Bell," "Boomps a Daisy," and "She Was One of the Early Birds." Setting a trend that would continue on all of her medleys, side one of the single was an uptempo rag while the B-side was a slightly slower medley. Reverting to her classical training, she hit the charts in 1954 with Rachmaninov's 18th Variation on a Theme by Paganini, and at Christmas she achieved her first number one hit with another medley, "Let's Have Another Party." The mid-'50s were a period of peak popularity for her in Britain, with Atwell playing at the Royal Variety Show and even at a private party for the Queen, where a personal encore of "Roll Out the Barrel" was requested.

Her breakthrough performance in the U.S.A. was due to have been as a guest on The Ed Sullivan Show in 1956, but she was confronted with racist opposition to the idea of a black woman appearing as a guest, and the show was never even recorded. She encountered no such problems in Australia, where she visited in 1956 and became equally as popular. Back in Britain in that year she enjoyed her second number one single, a version of the French song "Poor People of Paris." After this hit, her massive popularity diminished with the two-pronged attack from the rise of rock & roll and a new young British pianist, Russ Conway, who began to have hit records with the same style of honky tonk/ragtime playing, and she found the Top Ten of the singles chart a difficult goal to reach, apart from her subsequent Christmas season medleys "Let's Have a Ding Dong," "Make It a Party," and "Piano Party." She was also exceedingly popular in Australia and was an outspoken critic of the plight of the Aborigines, and eventually she and her husband settled in Sydney. When Lew Levisohn died in 1977, she considered relocating back to Trinidad but remained in Australia. Tragedy struck in the early '80s when a fire destroyed her home in Narrabeen and she suffered a heart attack shortly afterwards. She died on February 28, 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

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Biografía

por Sharon Mawer

Winifred Atwell fue una de las estrellas de las primeras listas británicas cuando se presentaron por primera vez en la década de 1950, tocando un piano vertical en un estilo boogie-woogie de ragtime. Nació el 27 de febrero de 1914 en Tunapuna en la isla de Trinidad. Su padre era dueño de una farmacia y, aunque la joven Winifred tenía formación en química y se esperaba que se uniera al negocio familiar, ella siempre estuvo más interesada en actuar para los Estados Unidos. militares ya sea en la base aérea o en un club local, Piarco. Tras aprender a tocar el piano desde muy temprana edad, logró satisfacer a las tropas estacionadas en el Caribe cuando alguien le pidió que tocara el popular estilo boogie-woogie. Cuando regresó al club, había escrito la canción "Piarco Boogie", que luego pasaría a llamarse "Five Finger Boogie". Atwell se mudó a Estados Unidos a principios de los años 40 para estudiar piano con Alexander Borovsky y más tarde a Londres, donde estudió en la Royal Academy of Music y se convirtió en la primera pianista en recibir la calificación más alta en musicalidad. Para complementar sus ingresos mientras estudiaba, tocó ragtime en varios clubes de Londres y fue descubierta en el Casino Theatre por el empresario Bernard Delfont, quien le firmó un contrato discográfico con Decca Records.

En 1946, Atwell conoció al comediante Lew Levisohn, quien se convertiría en su marido. Levinsohn sugirió que se podría lograr un sonido y una presentación escénica originales si Atwell tocara primero una pieza clásica en un piano de cola de concierto y luego un ragtime en un vertical bateado, que compraron en una tienda de chatarra por £ 2,50. Este sería conocido como el "otro piano" de Atwell y viajaría con ella por todo el mundo, incluso hasta la Ópera de Sydney. Ambos pianos estaban ligeramente desafinados para dar un ligero sonido desafinado, y esta originalidad fue uno de los peldaños de su exitosa carrera. También parecía alegre, con una sonrisa deslumbrante y una personalidad cálida, y en Gran Bretaña a finales de los años 40, dominada por la racionalización después de la Segunda Guerra Mundial, era un alivio bienvenido ser entretenida por esta dama tan especial. Una de sus grabaciones que se hizo extremadamente popular a principios de los años 50 fue escrita en la década de 1920 por George Botsford y titulada "Black and White Rag", que recibió una enorme cantidad de reproducción en la radio y más tarde se haría famosa como la melodía característica de la Serie de billar de la BBC Pot Black.

Cuando Gran Bretaña introdujo las listas de éxitos pop en noviembre de 1952, Atwell fue uno de los primeros artistas negros en llegar al Top Ten y el primer instrumentista en la lista, con la canción "Britannia Rag". Los éxitos continuaron a lo largo de la década de 1950, incluido "Coronation Rag" en el verano de 1953 para celebrar la coronación de la reina Isabel II, y en Navidad grabó el primero de sus popurrís para piano de canciones de music hall bajo el título "Let's Have a Party", que incluyó "If You Knew Susie", "The More We Are Together", "Knees Up Mother Brown", "Daisy Bell", "Boomps a Daisy" y "She Was One of the Early Birds". Estableciendo una tendencia que continuaría en todos sus popurrís, la cara uno del sencillo era un trapo rápido mientras que la cara B era un popurrí un poco más lento. Volviendo a su formación clásica, llegó a las listas de éxitos en 1954 con la 18.ª variación de Rachmaninov sobre un tema de Paganini, y en Navidad logró su primer éxito número uno con otro popurrí, "Let's Have Another Party". A mediados de los años 50 fue un período de máxima popularidad para ella en Gran Bretaña, con Atwell tocando en el Royal Variety Show e incluso en una fiesta privada de la Reina, donde se solicitó un bis personal de "Roll Out the Barrel".

Su gran actuación en los EE.UU. Debía haber estado como invitada en The Ed Sullivan Show en 1956, pero se enfrentó a una oposición racista a la idea de que una mujer negra apareciera como invitada, y el programa ni siquiera fue grabado. No encontró tales problemas en Australia, donde visitó en 1956 y se hizo igualmente popular. De regreso a Gran Bretaña ese año, disfrutó de su segundo sencillo número uno, una versión de la canción francesa "Poor People of Paris". Después de este éxito, su popularidad masiva disminuyó con el ataque doble del ascenso del rock & roll y un nuevo joven pianista británico, Russ Conway, que comenzó a grabar discos con el mismo estilo de tocar honky tonk/ragtime, y ella Consideró que el Top Ten de la lista de sencillos era un objetivo difícil de alcanzar, aparte de sus popurrís posteriores de la temporada navideña "Let's Have a Ding Dong", "Make It a Party" y "Piano Party". También fue muy popular en Australia y criticó abiertamente la difícil situación de los aborígenes y, finalmente, ella y su marido se establecieron en Sydney. Cuando Lew Levisohn murió en 1977, consideró regresar a Trinidad, pero permaneció en Australia. La tragedia se produjo a principios de los años 80 cuando un incendio destruyó su casa en Narrabeen y poco después sufrió un ataque cardíaco. Murió el 28 de febrero de 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

Nico Brina • Who Cares, Just Boogie

 

Perhaps, some might say it is strange to define yourself as a Boogie-Woogie-pianist already as a young boy, but that is what Nico did when he was a knee-high boy. Of course, he needed courage, an extraordinary talent and a certain kind of smartness. When Nico was 8 years old, he found his neighbor's piano and he suddenly fell in love with its magical tone. Furthermore, Nico discovered the world of Rock'n'Roll, lightning fast Boogie-Woogie-rhythms, breathtaking bass lines and shining melodies. He played with his hands and even with his feet. However, in the beginning of his career, Nico needed to be smart; as a kid, he pretended to be sick so that he could stay at home and rehearse instead. As a young musician, after his concerts he played chess against the owners of the clubs to double his salary. It was all or nothing. Later, not even angry neighbours could stop Nico Brina's career. Once, a neighbour threw a chair into Nico's window because he had enough of Nico's everlasting rehearsals. All that the police then said, was; "Don't mess around with a pianoman". Nico took this quote and wrote a song about this incident.

After some time, Nico added the Blues to his repertoire, and this was like the missing link to finally define his own unique sound. He travelled around and he played his Boogie-Woogie-driven Blues music almost anywhere in the world. He played in Europe, in the Caribbean, in Kazakhstan, in Singapore... - and he even won several awards such as the "Prix Walo" (1995), the "Guinness Book of World Records" title for the fastest Boogie-Woogie ever (1996) and he got a nomination from the "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" for his album "Flight 6024" (Category Blues 2014).

It has been 36 years since the journey started. More than 3'000 shows in 19 different countries, more than 1'00'000 km on the road, 18 albums, one LP, one DVD and four singles.

Nico still feels happiness when he plays his piano - just like a child playing its first note. There is magic, when he combines his talent, his power and his musical wit. It is this mixture that makes the entertainer become an artist. Brina is a wizard, maybe a fool, but he shows us where passion can lead us. His BBB-combination - Boogie & Blues & Brina - is like a drug, but without any side effects.
Text by Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

///////

Tal vez, algunos podrían decir que es extraño definirse como un Boogie-Woogie-pianista ya de joven, pero eso es lo que Nico hizo cuando era un niño de la altura de la rodilla. Por supuesto, necesitaba coraje, un talento extraordinario y una cierta clase de inteligencia. Cuando Nico tenía 8 años, encontró el piano de su vecino y de repente se enamoró de su tono mágico. Además, Nico descubrió el mundo del Rock'n'Roll, los rápidos ritmos del Boogie-Woogie, las impresionantes líneas de bajo y las brillantes melodías. Tocaba con sus manos e incluso con sus pies. Sin embargo, al principio de su carrera, Nico necesitaba ser inteligente; de niño, fingía estar enfermo para poder quedarse en casa y ensayar en su lugar. Como joven músico, después de sus conciertos jugaba al ajedrez contra los dueños de los clubes para doblar su salario. Era todo o nada. Más tarde, ni siquiera los vecinos enfadados pudieron detener la carrera de Nico Brina. Una vez, un vecino tiró una silla a la ventana de Nico porque estaba harto de los eternos ensayos de Nico. Todo lo que la policía dijo entonces, fue: "No te metas con un pianoman". Nico tomó esta cita y escribió una canción sobre este incidente.

Después de un tiempo, Nico añadió el Blues a su repertorio, y esto fue como el eslabón perdido para definir finalmente su propio y único sonido. Viajó por todo el mundo y tocó su música de Blues impulsado por el Boogie-Woogie en casi cualquier lugar del mundo. Tocó en Europa, en el Caribe, en Kazajstán, en Singapur... - e incluso ganó varios premios como el "Prix Walo" (1995), el título del "Libro Guinness de los Records Mundiales" por el Boogie-Woogie más rápido de la historia (1996) y obtuvo una nominación del "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" por su álbum "Flight 6024" (Categoría Blues 2014).

Han pasado 36 años desde que comenzó el viaje. Más de 3'000 espectáculos en 19 países diferentes, más de 1'00'000 km en la carretera, 18 álbumes, un LP, un DVD y cuatro singles.

Nico todavía siente felicidad cuando toca el piano, como un niño tocando su primera nota. Hay magia cuando combina su talento, su poder y su ingenio musical. Es esta mezcla la que hace que el artista se convierta en un artista. Brina es un mago, tal vez un tonto, pero nos muestra a dónde nos puede llevar la pasión. Su combinación de BBB - Boogie & Blues & Brina - es como una droga, pero sin efectos secundarios.
Texto de Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

www.brina.ch ...

Winifred Atwell • Plays Gershwin

 

 

Biography
by Sharon Mawer
Winifred Atwell was one of the stars of the early British charts when they were introduced for the first time in the 1950s, playing an upright piano in a boogie-woogie style of ragtime. She was born on February 27, 1914, in Tunapuna on the island of Trinidad. Her father owned a pharmacy, and although the young Winifred was trained in chemistry and was expected to join the family business, she was always more interested in performing for U.S. servicemen either at the air base or a local club, Piarco. Having trained from a very early age on the piano, she was proficient enough to satisfy the troops stationed in the Caribbean, when someone asked her to play in the popular style of boogie-woogie. When she returned to the club, she had written the song "Piarco Boogie," which was later to be retitled "Five Finger Boogie." Atwell moved to America in the early '40s to study the piano with Alexander Borovsky and later to London, where she studied at the Royal Academy of Music and became the first female pianist to be awarded the highest grade for musicianship. Supplementing her income while studying, she played ragtime at various London clubs and was spotted at the Casino Theatre by entrepreneur Bernard Delfont, who signed her to a recording contract with Decca Records.

In 1946 Atwell met the comedian Lew Levisohn, who was to become her husband. Levinsohn suggested that an original sound and stage presentation might be achieved if Atwell first played a classical piece on a concert grand piano and then a ragtime on a battered upright, which they purchased in a junk shop for £2.50. This would become known as Atwell's "other piano," and would travel with her around the world, even to the Sydney Opera House. Both pianos would be very slightly detuned to give a faint off-key sound, and this originality was one of the stepping stones to her successful career. She also appeared cheerful with a dazzling smile and a warm personality, and in Britain during the late '40s, dominated by rationing after World War II, it was a welcome relief to be entertained by this very special lady. One of her recordings that became extremely popular in the early '50s was actually written in the 1920s by George Botsford and titled "Black and White Rag," which received an enormous amount of radio play and would later become famous as the signature tune for the BBC snooker series Pot Black.

When Britain introduced pop charts in November 1952, Atwell was one of the first black artists to hit the Top Ten and the first instrumentalist in the chart, with the song "Britannia Rag." The hits continued throughout the 1950s, including "Coronation Rag" in the summer of 1953 to celebrate Queen Elizabeth II's coronation, and at Christmas she recorded the first of her piano medleys of music hall songs under the title "Let's Have a Party," which included "If You Knew Susie," "The More We Are Together," "Knees Up Mother Brown," "Daisy Bell," "Boomps a Daisy," and "She Was One of the Early Birds." Setting a trend that would continue on all of her medleys, side one of the single was an uptempo rag while the B-side was a slightly slower medley. Reverting to her classical training, she hit the charts in 1954 with Rachmaninov's 18th Variation on a Theme by Paganini, and at Christmas she achieved her first number one hit with another medley, "Let's Have Another Party." The mid-'50s were a period of peak popularity for her in Britain, with Atwell playing at the Royal Variety Show and even at a private party for the Queen, where a personal encore of "Roll Out the Barrel" was requested.

Her breakthrough performance in the U.S.A. was due to have been as a guest on The Ed Sullivan Show in 1956, but she was confronted with racist opposition to the idea of a black woman appearing as a guest, and the show was never even recorded. She encountered no such problems in Australia, where she visited in 1956 and became equally as popular. Back in Britain in that year she enjoyed her second number one single, a version of the French song "Poor People of Paris." After this hit, her massive popularity diminished with the two-pronged attack from the rise of rock & roll and a new young British pianist, Russ Conway, who began to have hit records with the same style of honky tonk/ragtime playing, and she found the Top Ten of the singles chart a difficult goal to reach, apart from her subsequent Christmas season medleys "Let's Have a Ding Dong," "Make It a Party," and "Piano Party." She was also exceedingly popular in Australia and was an outspoken critic of the plight of the Aborigines, and eventually she and her husband settled in Sydney. When Lew Levisohn died in 1977, she considered relocating back to Trinidad but remained in Australia. Tragedy struck in the early '80s when a fire destroyed her home in Narrabeen and she suffered a heart attack shortly afterwards. She died on February 28, 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

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Biografía
por Sharon Mawer
Winifred Atwell fue una de las estrellas de las primeras listas británicas cuando se presentaron por primera vez en la década de 1950, tocando un piano vertical en un estilo boogie-woogie de ragtime. Nació el 27 de febrero de 1914 en Tunapuna en la isla de Trinidad. Su padre era dueño de una farmacia y, aunque la joven Winifred tenía formación en química y se esperaba que se uniera al negocio familiar, ella siempre estuvo más interesada en actuar para los Estados Unidos. militares ya sea en la base aérea o en un club local, Piarco. Tras aprender a tocar el piano desde muy temprana edad, logró satisfacer a las tropas estacionadas en el Caribe cuando alguien le pidió que tocara el popular estilo boogie-woogie. Cuando regresó al club, había escrito la canción "Piarco Boogie", que luego pasaría a llamarse "Five Finger Boogie". Atwell se mudó a Estados Unidos a principios de los años 40 para estudiar piano con Alexander Borovsky y más tarde a Londres, donde estudió en la Royal Academy of Music y se convirtió en la primera pianista en recibir la calificación más alta en musicalidad. Para complementar sus ingresos mientras estudiaba, tocó ragtime en varios clubes de Londres y fue descubierta en el Casino Theatre por el empresario Bernard Delfont, quien le firmó un contrato discográfico con Decca Records.

En 1946, Atwell conoció al comediante Lew Levisohn, quien se convertiría en su marido. Levinsohn sugirió que se podría lograr un sonido y una presentación escénica originales si Atwell tocara primero una pieza clásica en un piano de cola de concierto y luego un ragtime en un vertical bateado, que compraron en una tienda de chatarra por £ 2,50. Este sería conocido como el "otro piano" de Atwell y viajaría con ella por todo el mundo, incluso hasta la Ópera de Sydney. Ambos pianos estaban ligeramente desafinados para dar un ligero sonido desafinado, y esta originalidad fue uno de los peldaños de su exitosa carrera. También parecía alegre, con una sonrisa deslumbrante y una personalidad cálida, y en Gran Bretaña a finales de los años 40, dominada por la racionalización después de la Segunda Guerra Mundial, era un alivio bienvenido ser entretenida por esta dama tan especial. Una de sus grabaciones que se hizo extremadamente popular a principios de los años 50 fue escrita en la década de 1920 por George Botsford y titulada "Black and White Rag", que recibió una enorme cantidad de reproducción en la radio y más tarde se haría famosa como la melodía característica de la Serie de billar de la BBC Pot Black.

Cuando Gran Bretaña introdujo las listas de éxitos pop en noviembre de 1952, Atwell fue uno de los primeros artistas negros en llegar al Top Ten y el primer instrumentista en la lista, con la canción "Britannia Rag". Los éxitos continuaron a lo largo de la década de 1950, incluido "Coronation Rag" en el verano de 1953 para celebrar la coronación de la reina Isabel II, y en Navidad grabó el primero de sus popurrís para piano de canciones de music hall bajo el título "Let's Have a Party", que incluyó "If You Knew Susie", "The More We Are Together", "Knees Up Mother Brown", "Daisy Bell", "Boomps a Daisy" y "She Was One of the Early Birds". Estableciendo una tendencia que continuaría en todos sus popurrís, la cara uno del sencillo era un trapo rápido mientras que la cara B era un popurrí un poco más lento. Volviendo a su formación clásica, llegó a las listas de éxitos en 1954 con la 18.ª variación de Rachmaninov sobre un tema de Paganini, y en Navidad logró su primer éxito número uno con otro popurrí, "Let's Have Another Party". A mediados de los años 50 fue un período de máxima popularidad para ella en Gran Bretaña, con Atwell tocando en el Royal Variety Show e incluso en una fiesta privada de la Reina, donde se solicitó un bis personal de "Roll Out the Barrel".

Su gran actuación en los EE.UU. Debía haber estado como invitada en The Ed Sullivan Show en 1956, pero se enfrentó a una oposición racista a la idea de que una mujer negra apareciera como invitada, y el programa ni siquiera fue grabado. No encontró tales problemas en Australia, donde visitó en 1956 y se hizo igualmente popular. De regreso a Gran Bretaña ese año, disfrutó de su segundo sencillo número uno, una versión de la canción francesa "Poor People of Paris". Después de este éxito, su popularidad masiva disminuyó con el ataque doble del ascenso del rock & roll y un nuevo joven pianista británico, Russ Conway, que comenzó a grabar discos con el mismo estilo de tocar honky tonk/ragtime, y ella Consideró que el Top Ten de la lista de sencillos era un objetivo difícil de alcanzar, aparte de sus popurrís posteriores de la temporada navideña "Let's Have a Ding Dong", "Make It a Party" y "Piano Party". También fue muy popular en Australia y criticó abiertamente la difícil situación de los aborígenes y, finalmente, ella y su marido se establecieron en Sydney. Cuando Lew Levisohn murió en 1977, consideró regresar a Trinidad, pero permaneció en Australia. La tragedia se produjo a principios de los años 80 cuando un incendio destruyó su casa en Narrabeen y poco después sufrió un ataque cardíaco. Murió el 28 de febrero de 1983.
https://www.allmusic.com/artist/winifred-atwell-mn0000573685/biography

Nico Brina • Boogie Woogie Daydream

 

 

Perhaps, some might say it is strange to define yourself as a Boogie-Woogie-pianist already as a young boy, but that is what Nico did when he was a knee-high boy. Of course, he needed courage, an extraordinary talent and a certain kind of smartness. When Nico was 8 years old, he found his neighbor's piano and he suddenly fell in love with its magical tone. Furthermore, Nico discovered the world of Rock'n'Roll, lightning fast Boogie-Woogie-rhythms, breathtaking bass lines and shining melodies. He played with his hands and even with his feet. However, in the beginning of his career, Nico needed to be smart; as a kid, he pretended to be sick so that he could stay at home and rehearse instead. As a young musician, after his concerts he played chess against the owners of the clubs to double his salary. It was all or nothing. Later, not even angry neighbours could stop Nico Brina's career. Once, a neighbour threw a chair into Nico's window because he had enough of Nico's everlasting rehearsals. All that the police then said, was; "Don't mess around with a pianoman". Nico took this quote and wrote a song about this incident.

After some time, Nico added the Blues to his repertoire, and this was like the missing link to finally define his own unique sound. He travelled around and he played his Boogie-Woogie-driven Blues music almost anywhere in the world. He played in Europe, in the Caribbean, in Kazakhstan, in Singapore... - and he even won several awards such as the "Prix Walo" (1995), the "Guinness Book of World Records" title for the fastest Boogie-Woogie ever (1996) and he got a nomination from the "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" for his album "Flight 6024" (Category Blues 2014).

It has been 36 years since the journey started. More than 3'000 shows in 19 different countries, more than 1'00'000 km on the road, 18 albums, one LP, one DVD and four singles.

Nico still feels happiness when he plays his piano - just like a child playing its first note. There is magic, when he combines his talent, his power and his musical wit. It is this mixture that makes the entertainer become an artist. Brina is a wizard, maybe a fool, but he shows us where passion can lead us. His BBB-combination - Boogie & Blues & Brina - is like a drug, but without any side effects.
Text by Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

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Tal vez, algunos podrían decir que es extraño definirse como un Boogie-Woogie-pianista ya de joven, pero eso es lo que Nico hizo cuando era un niño de la altura de la rodilla. Por supuesto, necesitaba coraje, un talento extraordinario y una cierta clase de inteligencia. Cuando Nico tenía 8 años, encontró el piano de su vecino y de repente se enamoró de su tono mágico. Además, Nico descubrió el mundo del Rock'n'Roll, los rápidos ritmos del Boogie-Woogie, las impresionantes líneas de bajo y las brillantes melodías. Tocaba con sus manos e incluso con sus pies. Sin embargo, al principio de su carrera, Nico necesitaba ser inteligente; de niño, fingía estar enfermo para poder quedarse en casa y ensayar en su lugar. Como joven músico, después de sus conciertos jugaba al ajedrez contra los dueños de los clubes para doblar su salario. Era todo o nada. Más tarde, ni siquiera los vecinos enfadados pudieron detener la carrera de Nico Brina. Una vez, un vecino tiró una silla a la ventana de Nico porque estaba harto de los eternos ensayos de Nico. Todo lo que la policía dijo entonces, fue: "No te metas con un pianoman". Nico tomó esta cita y escribió una canción sobre este incidente.

Después de un tiempo, Nico añadió el Blues a su repertorio, y esto fue como el eslabón perdido para definir finalmente su propio y único sonido. Viajó por todo el mundo y tocó su música de Blues impulsado por el Boogie-Woogie en casi cualquier lugar del mundo. Tocó en Europa, en el Caribe, en Kazajstán, en Singapur... - e incluso ganó varios premios como el "Prix Walo" (1995), el título del "Libro Guinness de los Records Mundiales" por el Boogie-Woogie más rápido de la historia (1996) y obtuvo una nominación del "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" por su álbum "Flight 6024" (Categoría Blues 2014).

Han pasado 36 años desde que comenzó el viaje. Más de 3'000 espectáculos en 19 países diferentes, más de 1'00'000 km en la carretera, 18 álbumes, un LP, un DVD y cuatro singles.

Nico todavía siente felicidad cuando toca el piano, como un niño tocando su primera nota. Hay magia cuando combina su talento, su poder y su ingenio musical. Es esta mezcla la que hace que el artista se convierta en un artista. Brina es un mago, tal vez un tonto, pero nos muestra a dónde nos puede llevar la pasión. Su combinación de BBB - Boogie & Blues & Brina - es como una droga, pero sin efectos secundarios.
Texto de Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

www.brina.ch ...

Count Basie • Boogie Woogie

 

Bill Basie studied music with his mother as a child and played piano in early childhood. He picked up the basics of early ragtime from some of the great Harlem pianists and studied organ informally with Fats Waller. He made his professional debut as an accompanist for vaudeville acts and replaced Waller in an act called Katie Crippen and her Kids. He also worked with June Clark and Sonny Greer who was later to become Duke Ellington’s drummer.

It was while traveling with the Gonzel White vaudeville show that Basie became stranded in Kansas City when the outfit suddenly broke up. He played at a silent movie house for a while and then became a member of the Walter Page Blue Devils in 1928 and ’29. Included in the ranks of the Blue Devils was a blues shouter who was later to play a key role as early male vocalist with Basie’s own big band, Jimmy Rushing. It was in fact the rotund Rushing who happened to hear Basie playing in Kansas City and invited him to attend a Blue Devil's performance. Basie soon joined the band after sitting in with them that night.

After Page's Blue Devils broke up Count Basie and some of the other band members integrated into the Bennie Moten band. He remained with Moten until his death in 1935. After Moten’s death the band continued under the leadership of Bennie’s brother Buster, but Basie started a group of his own and soon found a steady gig at the Reno Club in Kansas City employing some of the best personnel from the Moten band himself.

The band gradually built up in quantity and quality of personnel and was broadcast live regularly from the club by a small Kansas City radio station. It was during one of these broadcasts that the group was heard by John Hammond, a wealthy jazz aficionado, who had himself worked as an announcer, disc jockey and producer of a live jazz show on radio. Hammond decided that the band must go to New York. Through his efforts and support (at times even financially) the band enlarged its membership further and went to New York in 1936. Hammond installed Willard Alexander as the band’s manager and in January of 1937 the Count Basie band made its first recording with the Decca record label.

By the following year the Basie big band had become internationally famous, anchored by the leader’s simple and sparse piano style and the rhythm section of Freddie Greene guitar, Walter Page bass, and Jo Jones drums. The great soloists of this band included Jimmy Rushing as vocalist, Lester Young and Herschel Evans tenor saxes, Earl Warren on alto, Buck Clayton and Harry “Sweets” Edison on trumpets, and Benny Morton and Dickie Wells on trombones, among others. Also contributing to the bands success were the arrangements by Eddie Durham and others in the band and the “head” arrangements spontaneously developed by the group.

Despite the occasional losses of key soloists, throughout the 1940’s Basie maintained a big band that possessed an infectious rhythmic beat, an enthusiastic team spirit, and a long list of inspired and talented jazz soloists. Among the long line of budding stars to pass through the Basie aggregation's ranks during these years were tenor men, Lester Young, Herschel Evans, Don Byas, Buddy Tate, Lucky Thompson, Illinois Jacquet, and Paul Gonsalves. On trumpets the list includes Buck Clayton, Harry "Sweets" Edison, Joe Newman, and Emmett Berry. In the trombone section Dickie Wells, Benny Morton, Vic Dickenson, and J.J. Johnson all had stints with Basie in the 40’s.

Except for a period in 1950 and ’51, when economic conditions forced him to tour with a septet, Basie maintained a highly swinging big band that, at one time or another, included Clark Terry, Wardell Gray, Al Grey, Frank Wess, Frank Foster, Thad Jones, Sonny Payne, Joe Wilder, Benny Powell, and Henry Coker. In 1954 Joe Williams became the band's full time male vocalist. By 1955 he had infused the Basie band with new life and further commercial success beginning with Every Day I Have The Blues. Also during this period arrangers Neal Hefti and Ernie Wilkins contributed many fine swinging arrangements to the band's book. These great men of music coupled with Basie’s undying allegiance to the beat and the 12 bar blues allowed the band to consistently turn out records of extremely high caliber well into even the 1970’s.

Count Basie's health began deteriorating in 1976 when he suffered a heart attack that put him out of commission for several months. Following another stay in the hospital in 1981 he began appearing on stage driving an electric wheel chair. Count Basie died of cancer at 79.

Along with a number of Grammy awards the Count and his big bands won the following Jazz polls: Esquire’s Silver Award in 1945; Down Beat reader’s poll in 1955, ’57-’59; Metronome Poll ’58-’60; Down Beat Critics Poll ’54-’57; Playboy All Stars’ All Stars ’59. As pianist Basie won the Metronome Poll in ’42-’43. In 1958 Count Basie was elected to the Down Beat Hall Of Fame. https://www.allaboutjazz.com/musicians/count-basie/

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Bill Basie estudió música con su madre de niño y tocó el piano en su primera infancia. Aprendió los fundamentos del ragtime de algunos de los grandes pianistas de Harlem y estudió órgano de manera informal con Fats Waller. Debutó profesionalmente como acompañante de números de vodevil y sustituyó a Waller en un número llamado Katie Crippen and her Kids. También trabajó con June Clark y Sonny Greer, que más tarde se convertiría en el batería de Duke Ellington.

Mientras viajaba con el espectáculo de vodevil de Gonzel White, Basie se quedó tirado en Kansas City cuando el grupo se disolvió repentinamente. Tocó en un cine mudo durante un tiempo y luego se convirtió en miembro de los Walter Page Blue Devils en 1928 y 1929. En las filas de los Blue Devils se encontraba un cantante de blues que más tarde desempeñaría un papel clave como vocalista masculino en la big band de Basie, Jimmy Rushing. De hecho, fue el corpulento Rushing quien oyó tocar a Basie en Kansas City y le invitó a asistir a una actuación de los Blue Devils. Basie no tardó en unirse a la banda tras sentarse con ellos aquella noche.

Tras la disolución de los Blue Devils de Page, Count Basie y algunos de los demás miembros de la banda se integraron en la banda de Bennie Moten. Permaneció con Moten hasta su muerte en 1935. Tras la muerte de Moten, la banda continuó bajo la dirección de Buster, el hermano de Bennie, pero Basie fundó su propio grupo y pronto consiguió una actuación estable en el Reno Club de Kansas City empleando a algunos de los mejores miembros de la banda de Moten.

La banda fue creciendo gradualmente en cantidad y calidad de personal y una pequeña emisora de radio de Kansas City emitía regularmente en directo desde el club. Fue durante una de estas emisiones cuando el grupo fue escuchado por John Hammond, un acaudalado aficionado al jazz, que había trabajado como locutor, disc jockey y productor de un programa de jazz en directo por radio. Hammond decidió que el grupo debía ir a Nueva York. Gracias a sus esfuerzos y a su apoyo (a veces incluso financiero), la banda aumentó el número de miembros y viajó a Nueva York en 1936. Hammond nombró a Willard Alexander mánager de la banda y en enero de 1937 la banda de Count Basie realizó su primera grabación con el sello discográfico Decca.

Al año siguiente, la big band de Basie se había hecho famosa internacionalmente, anclada en el estilo de piano sencillo y escaso del líder y la sección rítmica de Freddie Greene a la guitarra, Walter Page al bajo y Jo Jones a la batería. Entre los grandes solistas de esta banda se encontraban Jimmy Rushing como vocalista, Lester Young y Herschel Evans saxos tenores, Earl Warren en el alto, Buck Clayton y Harry «Sweets» Edison en las trompetas, y Benny Morton y Dickie Wells en los trombones, entre otros. También contribuyeron al éxito de la banda los arreglos de Eddie Durham y otros miembros de la banda y los arreglos «de cabeza» desarrollados espontáneamente por el grupo.

A pesar de las ocasionales pérdidas de solistas clave, a lo largo de la década de 1940 Basie mantuvo una big band que poseía un ritmo contagioso, un entusiasta espíritu de equipo y una larga lista de inspirados y talentosos solistas de jazz. Entre la larga lista de estrellas en ciernes que pasaron por las filas de la formación de Basie durante estos años se encontraban los tenores Lester Young, Herschel Evans, Don Byas, Buddy Tate, Lucky Thompson, Illinois Jacquet y Paul Gonsalves. En trompetas la lista incluye a Buck Clayton, Harry «Sweets» Edison, Joe Newman y Emmett Berry. En la sección de trombones, Dickie Wells, Benny Morton, Vic Dickenson y J.J. Johnson tocaron con Basie en los años cuarenta.

Excepto durante un periodo en 1950 y 51, cuando las condiciones económicas le obligaron a salir de gira con un septeto, Basie mantuvo una big band con mucho swing que, en un momento u otro, incluía a Clark Terry, Wardell Gray, Al Grey, Frank Wess, Frank Foster, Thad Jones, Sonny Payne, Joe Wilder, Benny Powell y Henry Coker. En 1954 Joe Williams se convirtió en el vocalista masculino a tiempo completo de la banda. En 1955 había infundido a la banda de Basie nueva vida y un mayor éxito comercial a partir de Every Day I Have The Blues. También durante este periodo, los arreglistas Neal Hefti y Ernie Wilkins contribuyeron con muchos arreglos de swing al repertorio de la banda. Estos grandes hombres de la música, junto con la lealtad eterna de Basie al ritmo y al blues de 12 compases, permitieron a la banda producir constantemente discos de altísimo calibre hasta bien entrada la década de 1970.

La salud de Count Basie empezó a deteriorarse en 1976, cuando sufrió un ataque al corazón que le dejó fuera de combate durante varios meses. Tras otra estancia en el hospital, en 1981 empezó a aparecer en escena conduciendo una silla de ruedas eléctrica. Count Basie murió de cáncer a los 79 años.

Además de varios premios Grammy, el Conde y sus big bands ganaron las siguientes encuestas de Jazz: Esquire's Silver Award en 1945; Down Beat reader's poll en 1955, '57-'59; Metronome Poll '58-'60; Down Beat Critics Poll '54-'57; Playboy All Stars' All Stars '59. Como pianista, Basie ganó el Metronome Poll en 42-43. En 1958 Count Basie fue elegido miembro del Down Beat Hall Of Fame. https://www.allaboutjazz.com/musicians/

 

Charles Brown • One More For The Road

 

Review by Bill Dahl

One of the first comeback salvos that the veteran pianist fired after suffering the slings and arrows of anonymity for much too long. Typically delectable in a subtle, understated manner, Brown eases through a very attractive program.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

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Reseña de Bill Dahl

Una de las primeras salvas de regreso que el veterano pianista disparó después de sufrir las hondas y flechas del anonimato durante demasiado tiempo. Típicamente delicioso de una manera sutil y discreta, Brown se alivia a través de un programa muy atractivo.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

VA • Backbeat Of Rock 'n' Roll Vol 2 of 3

 

 

 

VA • Backbeat Of Rock 'n' Roll Vol 3 of 3

 

 

 

Arthur Smith • Mr. Guitar Boogie

Arthur Smith (1 de abril de 1921 - 3 de abril de 2014) fue un músico y compositor estadounidense.

Nacido en Clinton, Carolina del Sur, Arthur Smith era un trabajador de una fábrica textil que se convirtió en un compositor de música country célebre y respetado instrumentalista, guitarrista, violinista, y el entonador del banjo que tuvo un gran éxito con el instrumental "Guitar Boogie". La canción le valió el apodo de Arthur "Guitar Boogie" Smith (para diferenciarlo del violinista de Tennessee y estrella de 1930 en Grand Ole Opry, Fiddlin' Arthur Smith) y fue grabado por muchos otros, incluyendo a Tommy Emmanuel. Renombrado "Guitar Boogie Shuffle", se convirtió en el hit de rock and roll por Frank Virtue y los Virtues. Virtue sirvió en la Marina con Smith y cuenta como su gran influencia. Otros músicos que han sido influenciados por Smith son de los estudios de Nashville como Hank "Sugarfoot" Garland, Roy Clark, Glen Campbell y los pioneros de la música surf, The Ventures.
Murió en su casa el 3 de abril de 2014 a la edad de 93 años.
https://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_%22Guitar_Boogie%22_Smith

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Arthur Smith (April 1, 1921 – April 3, 2014) was an American musician, songwriter, and producer of records, as well as a radio and TV host. Smith produced radio and TV shows; The Arthur Smith Show was the first nationally syndicated country music show on television.[1] After moving to Charlotte, North Carolina, Smith developed and ran the first commercial recording studio in the Southeast.

Born in Clinton, South Carolina, Arthur Smith was a textile mill worker who became a celebrated and respected country music instrumental composer, guitarist, fiddler, and banjo player. His major hit was the instrumental "Guitar Boogie," which he wrote and recorded in 1945. It sold over three million copies, and was awarded a gold disc by the RIAA.[2] The song earned him the moniker Arthur "Guitar Boogie" Smith (to differentiate him from Tennessee fiddler and 1930s Grand Ole Opry star Fiddlin' Arthur Smith). It was recorded by numerous other musicians, including Tommy Emmanuel, and became known around the world.

https://en.wikipedia.org/wiki/Arthur_%22Guitar_Boogie%22_Smith 

 

 

 

Eddie 'Cleanhead' Vinson • Blues, Boogie & Bebop - 'Meat's Too High'

 

Review by arwulf arwulf
A powerful vocalist and a wickedly expressive alto saxophonist, Eddie "Cleanhead" Vinson is celebrated with this JSP reissue compilation containing 15 choice cuts recorded in London, England, in May 1980 and March 1982. The earlier of the two dates yielded an album with the title Fun in London; unfortunately, an eight-minute jam called "The Theme" was excluded from this reissue. Vinson never ever fit into anybody's pigeon holes; a formidable improvising instrumentalist who excelled both as a balladeer ("Roxanne," "That's All") and as a straight-ahead hard bopper ("Travelin'," "Somebody Else Has Taken My Place," "Cleanhead's Thing," "Fun in London," "Straight Away"), Vinson's worldly command of the sax and his hormonally charged astringency as a blues shouter constitute two of the great dependable forces in all of blues and jazz. The words he puts across on "Meat's Too High" touch upon inflation, taxes, groceries, and human sexuality.
https://www.allmusic.com/album/blues-boogie-bebop-meats-too-high-mw0000056307


 Artist Biography by Bill Dahl
An advanced stylist on alto saxophone who vacillated throughout his career between jump blues and jazz, bald-pated Eddie "Cleanhead" Vinson (he lost his hair early on after a botched bout with a lye-based hair-straightener) also possessed a playfully distinctive vocal delivery that stood him in good stead with blues fans.

Vinson first picked up a horn while attending high school in Houston. During the late '30s, he was a member of an incredible horn section in Milton Larkins's orchestra, sitting next to Arnett Cobb and Illinois Jacquet. After exiting Larkins' employ in 1941, Vinson picked up a few vocal tricks while on tour with bluesman Big Bill Broonzy. Vinson joined the Cootie Williams Orchestra from 1942 to 1945. His vocals on trumpeter Williams' renditions of "Cherry Red" and "Somebody's Got to Go" were in large part responsible for their wartime hit status.

Vinson struck out on his own in 1945, forming his own large band, signing with Mercury, and enjoying a double-sided smash in 1947 with his romping R&B chart-topper "Old Maid Boogie" and the song that would prove his signature number, "Kidney Stew Blues" (both songs featured Vinson's instantly identifiable vocals). A 1949-1952 stint at King Records produced only one hit, the amusing sequel "Somebody Done Stole My Cherry Red," along with the classic blues "Person to Person" (later revived by another King artist, Little Willie John).

Kidney Stew Is Fine
Vinson's jazz leanings were probably heightened during 1952-1953, when his band included a young John Coltrane. Somewhere along about here, Vinson wrote two Miles Davis classics, "Tune Up" and "Four." Vinson steadfastly kept one foot in the blues camp and the other in jazz, waxing jumping R&B for Mercury (in 1954) and Bethlehem (1957), jazz for Riverside in 1961 (with Cannonball Adderley), and blues for Blues Time and ABC-BluesWay. A 1969 set for Black & Blue, cut in France with pianist Jay McShann and tenor saxophonist Hal Singer, beautifully recounted Vinson's blues shouting heyday (it's available on Delmark as Old Kidney Stew Is Fine). A much later set for Muse teamed him with the sympathetic little big-band approach of Rhode Island-based Roomful of Blues. Vinson toured the States and Europe frequently prior to his 1988 death of a heart attack.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-cleanhead-vinson-mn0000137137/biography

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Revisión por arwulf arwulf
Un vocalista poderoso y un saxofonista alto malvadamente expresivo, Eddie "Cabeza Limpia" Vinson es celebrado con esta compilación de reedición de JSP que contiene 15 cortes selectos grabados en Londres, Inglaterra, en mayo de 1980 y marzo de 1982. La primera de las dos fechas dio lugar a un álbum con el título Fun in London; desafortunadamente, una improvisación de ocho minutos llamada "The Theme" fue excluida de esta reedición. Vinson nunca jamás encajó en los casilleros de nadie; un formidable instrumentista improvisador que sobresalió tanto como baladista ("Roxanne", "That's All") como en el hard bopper ("Travelin'", "Somebody Else Has Taken My Place", "Cleanhead's Thing", "Fun in London", "Straight Away"), el dominio mundano del saxo por parte de Vinson y su astringencia cargada de hormonas como gritador de blues constituyen dos de las grandes fuerzas fiables en todo el blues y el jazz. Las palabras que pone en "Meat's Too High" se refieren a la inflación, los impuestos, los alimentos y la sexualidad humana.
https://www.allmusic.com/album/blues-boogie-bebop-meats-too-high-mw0000056307


 Biografía del artista por Bill Dahl
Un estilista avanzado del saxofón alto que vaciló a lo largo de su carrera entre el jump blues y el jazz, el calvo Eddie "Cleanhead" Vinson (perdió el pelo desde el principio después de una pelea chapucera con un alisador de pelo a base de lejía) también poseía una entrega vocal juguetonamente distintiva que le situaba en un buen lugar entre los aficionados al blues.

Vinson empezó a tocar la trompeta cuando asistía a la escuela secundaria en Houston. A finales de los años 30, fue miembro de una increíble sección de trompas en la orquesta de Milton Larkins, sentado junto a Arnett Cobb e Illinois Jacquet. Después de dejar el empleo de Larkins en 1941, Vinson aprendió algunos trucos vocales mientras estaba de gira con el bluesman Big Bill Broonzy. Vinson se unió a la orquesta de Cootie Williams de 1942 a 1945. Su voz en las interpretaciones del trompetista Williams de "Cherry Red" y "Somebody's Got to Go" fue en gran parte responsable de su estatus de éxito en tiempos de guerra.

Vinson se puso en marcha por su cuenta en 1945, formando su propia gran banda, firmando con Mercury, y disfrutando de un éxito de doble cara en 1947 con su retozante R&B "Old Maid Boogie" y la canción que probaría su número de firma, "Kidney Stew Blues" (ambas canciones presentaban las voces instantáneas de Vinson). Una temporada 1949-1952 en King Records produjo un solo éxito, la divertida secuela "Somebody Done Stole My Cherry Red", junto con el clásico blues "Person to Person" (más tarde revivido por otro artista de King, Little Willie John).

El guiso de riñón está bien
Las tendencias de Vinson en el jazz se acentuaron probablemente durante 1952-1953, cuando su banda incluía a un joven John Coltrane. En algún lugar de por aquí, Vinson escribió dos clásicos de Miles Davis, "Tune Up" y "Four". Vinson mantuvo firmemente un pie en el campo del blues y el otro en el del jazz, dando saltos de R&B para Mercury (en 1954) y Bethlehem (1957), jazz para Riverside en 1961 (con Cannonball Adderley), y blues para Blues Time y ABC-BluesWay. Un set de 1969 para Black & Blue, cortado en Francia con el pianista Jay McShann y el saxofonista tenor Hal Singer, relató bellamente el blues de Vinson gritando en su apogeo (está disponible en Delmark como Old Kidney Stew Is Fine). Mucho más tarde, Muse se unió a la simpática banda de Roomful of Blues de Rhode Island. Vinson recorrió Estados Unidos y Europa con frecuencia antes de su muerte en 1988 por un ataque al corazón.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-cleanhead-vinson-mn0000137137/biography

Winifred Atwell • Rag & Boogie

Tiempo de Rag y Boogie, con esta pianista sumamente exitosa y poco conocida en paises de habla hispana, con una excelente seleción de rags y boogies.
Nacida en Tunapuna en Trinidad y Tobago en 1910 ó 1914 (es incierta su fecha de nacimiento), se fue a Trinidad en la década de 1940 y viajó a los Estados Unidos para estudiar con Alexander Borovsky y, en 1946, se trasladó a Londres , donde había ganado una beca en la Royal Academy of Music . Ella se convirtió en el primer pianista femenina que se le otorgó la más alta calificación de la Academia de música.
Mientras hacía sus estudios tocaba en clubes y teatros londinenses, fue descubierta por el empresario Bernard Delfont, con quien grabó su primeros discos logrando enorme éxito, que continuó ininterrumpidamente hasta bien entrada la década del 60. Ha sido la primer persona de raza negra en tener un puesto Nº 1 en el chart.

Bio completa en inglés: http://en.wikipedia.org/wiki/Winifred_Atwell

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Automatic translation:

Una Winifred Atwell (27 February or 27 April 1910 or 1914 – 28 February 1983) was a Trinidadian pianist who enjoyed great popularity in Britain and Australia from the 1950s with a series of boogie-woogie and ragtime hits, selling over 20 million records. She was the first black person to have a number-one hit in the UK Singles Chart and is still the only female instrumentalist to do so.

Biography: https://en.wikipedia.org/wiki/Winifred_Atwell