VA • Ultra-Lounge-Tiki Sampler

 

 

Robert Drasnin • Voodoo!

 

Review by Rovi Staff
Most music fans don't know of Robert Drasnin, but if they're also fans of classic television, they've heard his music: Drasnin scored the music for Mission: Impossible, The Twilight Zone, and The Man from UNCLE, among others. He got his start in the music business playing saxophone and flute with Tommy Dorsey, Les Brown, and Red Norvo, and later studied composition with film score giant Miklós Rózsa and classical composer Lukas Foss. In the '50s, the exotica of Martin Denny was all the rage, being a hybrid of the tropical/Hawaiian/Southeast Asian music, Tito Puente-style Latin music, and lounge jazz; subsequently, a tiny record company prevailed upon Drasnin to come up with a suitable counterpart. He succeeded, and virtually surpassed the man he was supposed to be copying. The band, consisting of Drasnin on piccolo, two flutists, a pianist, a harpist, a bassist, and six percussionists, with Salli Terri providing wordless vocals, is delicate and inspired, and Drasnin's compositions show wit, warmth, and a remarkable sense of spaciousness. This isn't just some corny or kitschy item of nostalgia for the ain't-we-hip set -- it's intelligent mood music, cinematic music without a film, and jazz-tinged easy listening that doesn't condescend to the listener.

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Reseña del personal de Rovi
La mayoría de los aficionados a la música no conocen a Robert Drasnin, pero si también son fans de la televisión clásica, habrán escuchado su música: Drasnin compuso la música de Mission: Imposible, La Dimensión Desconocida y El hombre de UNCLE, entre otras. Se inició en el mundo de la música tocando el saxofón y la flauta con Tommy Dorsey, Les Brown y Red Norvo, y posteriormente estudió composición con el gigante de las partituras cinematográficas Miklós Rózsa y el compositor clásico Lukas Foss. En los años 50, estaba de moda la música exótica de Martin Denny, un híbrido de música tropical/hawaiana/sudoriental, música latina al estilo de Tito Puente y jazz de salón. Lo consiguió, y prácticamente superó al hombre al que se suponía que estaba copiando. La banda, formada por Drasnin al flautín, dos flautistas, un pianista, un arpista, un bajista y seis percusionistas, con Salli Terri como vocalista sin palabras, es delicada e inspirada, y las composiciones de Drasnin muestran ingenio, calidez y una notable sensación de amplitud. No se trata de un artículo cursi o kitsch de nostalgia para los que no están a la moda, sino de música de ambiente inteligente, música cinematográfica sin película y una escucha fácil con tintes de jazz que no es condescendiente con el oyente.

Richard Hayman & His Orchestra • Music For People Who Can't Sleep

Richard Hayman (March 27, 1920 – February 5, 2014) was an American musician who was the chief music arranger of the Boston Pops Orchestra for over 50 years, and served as a pops conductor for orchestras including the Detroit Symphony Orchestra, the St. Louis Symphony and the Grand Rapids Symphony in Grand Rapids, Michigan.

He toured and recorded as a harmonica player and made dozens of recordings for Mercury Records as "Richard Hayman and His Orchestra." His biggest hit was a single, "Ruby," from the 1952 film Ruby Gentry, starring Jennifer Jones and Charlton Heston. Hayman's arrangement featured himself as harmonica soloist. Over a lengthy career, he created musical arrangements for more than 50 artists and entertainers including Barbra Streisand, Bob Hope, Liza Minnelli and Olivia Newton-John.

A native of Cambridge, Mass., Hayman's career in music began in his teen years as a player and arranger for the Borrah Minnevitch Harmonica Rascals. In the 1940s, he became an arranger for Metro-Goldwyn-Mayer studios doing arrangements (often uncredited) for such MGM films as Girl Crazy, Meet Me in St. Louis and Thousands Cheer. From 1945-1950, he was musical director for the Vaughn Monroe Orchestra.

In the 1950s and 1960s, Hayman recorded a series of albums for Mercury Records. His 1957 outing "Havana In Hi-Fi" was first in the label's pop music stereo LP series (SR 60000).

Hayman is most famous for having been the principal arranger at the Boston Pops Orchestra for over 30 years where his award-winning arrangements are still used today. He occasionally guest-conducted there, and when Arthur Fiedler had a time conflict with his job as pops conductor for the Detroit Symphony Orchestra, he recommended Hayman for the post.

Hayman was also closely affiliated with the St. Louis Symphony Orchestra for over 30 years. Known for his sequined jackets, harmonica solos, and corny jokes, he became its Principal Pops Conductor in 1976, leading both the Pops at Powell and Queeny Park concerts. Queeny Pops, with concertgoers seated at tables in the acoustically atrocious but centrally located (in the suburbs of west St. Louis County) Greensfelder Field House, was a hit for many years, and made it possible for the SLSO to offer its musicians a full 52-week annual contract.

That ended when a financial crunch in 2001, coinciding with a realization that the SLSO's pops concerts had not changed with the times, led to the cancellation of the Queeny Pops series and a marked reduction in overall pops concerts by the orchestra.

In 1985, he was appointed Principal Pops Conductor of the Grand Rapids Symphony, serving more than 21 seasons until his retirement in 2006 after which he was named Pops Conductor Laureate. Hayman founded and conducted the Florida Sunshine Pops orchestra in Boca Raton and continued to make guest conducting appearances in the United States and Europe.

His biggest hit was the 1953 single "Ruby". Hayman took the theme for the motion picture Ruby Gentry, and through his specially stylized arrangement, utilizing a harmonica as the solo instrument with a large, quasi-symphonic orchestra, the song zoomed to the top of the hit parade all over the world and brought about a renewed interest in the harmonica. It should also be mentioned that the flip side of the 45rpm and 78rpm single hit "Ruby" was the hit "Dansero"[a] which also became an international favorite hit. Perhaps for this reason the single sold thousands or perhaps millions of copies for several years in the early to mid-1950s worldwide.

He continued to chart into the early 1960s with titles like "Night Train".

Hayman's last event with the St. Louis Symphony Orchestra, where he held the title of Pops Conductor Emeritus, took place on June 27, 2010, to honor his 90th birthday. The St. Louis Metro Singers, who performed with him at many Pops concerts, were also on stage at the event.

Hayman is also noted for albums now regarded as Exotica.

Hayman died at a hospice in New York on February 5, 2014. He was 93.

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Richard Hayman (27 de marzo de 1920 - 5 de febrero de 2014) fue un músico estadounidense que fue el principal arreglista de la Boston Pops Orchestra durante más de 50 años, y sirvió como director de pops para orquestas como la Orquesta Sinfónica de Detroit, la Sinfónica de St. Louis y la Sinfónica de Grand Rapids en Grand Rapids, Michigan.

Hizo giras y grabaciones como armonicista y realizó docenas de grabaciones para Mercury Records como "Richard Hayman and His Orchestra". Su mayor éxito fue un sencillo, "Ruby", de la película de 1952 Ruby Gentry, protagonizada por Jennifer Jones y Charlton Heston. El arreglo de Hayman se presentaba a sí mismo como solista de armónica. A lo largo de una larga carrera, creó arreglos musicales para más de 50 artistas y animadores, entre los que se encontraban Barbra Streisand, Bob Hope, Liza Minnelli y Olivia Newton-John.

Nacido en Cambridge, Massachusetts, la carrera de Hayman en la música comenzó en su adolescencia como intérprete y arreglista de los Borrah Minnevitch Harmonica Rascals. En los años 40, se convirtió en arreglista de los estudios Metro-Goldwyn-Mayer haciendo arreglos (a menudo sin acreditación) para películas de MGM como Girl Crazy, Meet Me in St. Louis y Thousands Cheer. De 1945 a 1950, fue director musical de la Orquesta de Vaughn Monroe.

En los años 50 y 60, Hayman grabó una serie de álbumes para Mercury Records. Su salida en 1957 "Havana In Hi-Fi" fue la primera de la serie de LPs de música pop estéreo del sello (SR 60000).

Hayman es más famoso por haber sido el principal arreglista de la Boston Pops Orchestra durante más de 30 años, donde sus galardonados arreglos se siguen utilizando hoy en día. Ocasionalmente era director invitado allí, y cuando Arthur Fiedler tuvo un conflicto de tiempo con su trabajo como director de pops de la Orquesta Sinfónica de Detroit, recomendó a Hayman para el puesto.

Hayman también estuvo afiliado a la Orquesta Sinfónica de San Luis por más de 30 años. Conocido por sus chaquetas de lentejuelas, sus solos de armónica y sus chistes trillados, se convirtió en su Director Principal de Pops en 1976, dirigiendo a los Pops en los conciertos de Powell y Queeny Park. Queeny Pops, con asistentes a los conciertos sentados en mesas en la acústicamente atroz pero céntrica (en los suburbios del oeste del condado de San Luis) Greensfelder Field House, fue un éxito durante muchos años, e hizo posible que la SLSO ofreciera a sus músicos un contrato anual completo de 52 semanas.

Eso terminó cuando una crisis financiera en 2001, coincidiendo con la constatación de que los conciertos de pop de la SLSO no habían cambiado con los tiempos, llevó a la cancelación de la serie Queeny Pops y a una marcada reducción de los conciertos de pop en general por parte de la orquesta.

En 1985, fue nombrado Director Principal de Pops de la Sinfónica de Grand Rapids, sirviendo más de 21 temporadas hasta su retiro en 2006, después de lo cual fue nombrado Director de Pops Laureado. Hayman fundó y dirigió la orquesta Florida Sunshine Pops en Boca Ratón y continuó haciendo apariciones como director invitado en los Estados Unidos y Europa.

Su mayor éxito fue el sencillo de 1953 "Ruby". Hayman tomó el tema de la película Ruby Gentry, y a través de su arreglo especialmente estilizado, utilizando una armónica como instrumento solista con una gran orquesta cuasi-sinfónica, la canción llegó a lo más alto del hit parade en todo el mundo y provocó un renovado interés por la armónica. También hay que mencionar que la otra cara del éxito del single de 45rpm y 78rpm "Ruby" fue el éxito "Dansero"[a] que también se convirtió en un éxito favorito internacional. Tal vez por esta razón el single vendió miles o tal vez millones de copias durante varios años a principios y mediados de los años 50 en todo el mundo.

Continuó en la lista de éxitos a principios de los 60 con títulos como "Tren Nocturno".

El último evento de Hayman con la Orquesta Sinfónica de St. Louis, donde obtuvo el título de Director Emérito de Pops, tuvo lugar el 27 de junio de 2010, para honrar su 90 cumpleaños. Los St. Louis Metro Singers, que actuaron con él en muchos conciertos de Pops, también estuvieron en el escenario en el evento.

Hayman también es conocido por sus álbumes ahora considerados como Exotica.

Hayman murió en un hospicio en Nueva York el 5 de febrero de 2014. Tenía 93 años.

Esquivel • The Genius Of Esquivel

 

 Biography by Richie Unterberger

In the mid-'90s, Juan Garcia Esquivel enjoyed one of the most unexpected resurgences of popularity -- and hipness -- in the annals of 20th-century pop. The composer and arranger skirted the lines between lounge music, eccentric experimentalism, and stereo sound pioneer in the late '50s and early '60s on a series of albums aimed at the easy listening market. Both cheesy and goofily unpredictable, these records were forgotten by all but thrift-store habitues for decades. With the space age pop/exotica revival of the mid-'90s, however, Esquivel was not just being rediscovered, but was being championed as a cutting-edge innovator by certain segments of the hipper-than-thou alternative crowd.

Esquivel (in the manner of Dion or Melanie, he billed himself with a single name) actually enjoyed a long and varied career, of which his space age pop recordings were only a portion. Born in a small Mexican village, the pianist became a popular performer on a Mexican radio station, and studied briefly at Juilliard in New York. The radio (and later television and film) work actually gave him valuable experience in the art of quickly devising varied background music and orchestral arrangements, which he'd put to good use when he began recording for RCA in the late '50s.

This was the era in which stereo albums were first starting to be marketed. Esquivel -- along with several other of "space age pop"'s leading lights -- took advantage of this development to use his albums as laboratories of sorts to explore the spectrum of recorded sound, as reflected in LP titles like Other Worlds, Other Sounds and Four Corners of the World. He employed then-exotic instruments such as the theremin, the ondioline, early Fender Rhodes keyboards, Chinese bells, bass accordion, and a Boom-Bam (a 24-bongo kit tuned to F) to get what he wanted.

What kept Esquivel from serious critical appreciation at the time are, perhaps, the same factors that exerted a strange fascination upon listeners of the 1990s. In its form and content, Esquivel's material was lightweight martini-mixing fare, more geared toward suburban easy listening than challenging innovation. He threw in just enough sly, oddball quirks, however, to make one wonder whether he was in fact deftly satirizing the form, or at least using it as a forum to slip in some unbridled zaniness. Chipper white bread background chorus singers will slip into strange nonsense syllables like "boink, boink." Weird instrumental flourishes add unpredictable tension to bathetic easy listening instrumentals, sometimes almost jarring the listener from the state of bland relaxation for which the records were purportedly designed. The strains of cha chas and mambos (then in vogue among much of mainstream America) run through much of his work, though in a much more lounge-ish vein than what you would find in sweaty Havana ballrooms. Tempos and arrangements change with unnerving frequency and charge forward with unsettling manic energy, though never so often that the music sounds more experimental than pop.

So when post-moderns tired of punk, grunge, and industrial music, and needed some suitably different (but still ironic) music to chill out to in their dank clubs and cafes, they turned to forgotten artists such as Esquivel. The man himself had passed his heyday as a recording artist after the early '60s. He remained active for years with his live act (Frank Sinatra was a fan of Esquivel's Las Vegas sets) and television and film scores. By the 1990s, he was confined to a wheelchair in his brother's home in Mexico, the victim of numerous back injuries. He wasn't so ill that he couldn't be interviewed, however. His lengthy profile in the second volume of the Incredibly Strange Music book kicked off the Esquivel revival in earnest. 1995 suddenly saw Esquivel reissues flooding the market (at least three appeared that year, with many more following). Respected alternative figureheads like John Zorn and R.E.M. sang his praises. Esquivel was no longer gathering mold in the attic -- he was the epitome of hip.

As is the case with other space age pop heroes such as Martin Denny, some listeners were dumbfounded, or even angered, by the modern appeal enjoyed by Esquivel. His work will never be treated with respect by the "serious" music community; his music is too consciously geared toward light entertainment for that. And just as one wonders whether Esquivel was mixing irony and entertainment in his recordings, one wonders whether some modern Esquivel fans were championing his cause out of a desire to be more jaded-than-thou. Did they groove to his sounds precisely because Esquivel's records sound so ridiculously outdated, or simply because they want to become hip by attaching themselves to the most unfashionable music possible? Easy answers are not forthcoming, but Esquivel wasn't complaining. In fact, he became something of the spokesperson emeritus for the whole space age pop craze, conducting regular interviews for national publications from his Mexico bed, and hoping to eventually recover some of his mobility. However, in late 2001, Esquivel suffered two strokes in three months. The first left him partially paralyzed and unable to speak, and the second one led to his death. He passed away on January 3, 2002, four days after the second stroke in his home in Jiutepec, Morelos, Mexico.

https://www.allmusic.com/artist/esquivel-mn0000198923/biography

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Biografía de Richie Unterberger.

A mediados de la década de los 90, Juan García Esquivel disfrutó de uno de los resurgimientos más inesperados de la popularidad, y de la moda, en los anales del pop del siglo XX. El compositor y arreglista bordearon las líneas entre la música lounge, el excéntrico experimentalismo y el pionero en el sonido estéreo a finales de los años 50 y principios de los 60 en una serie de álbumes destinados al mercado de la escucha fácil. Falsos y ridículamente impredecibles, estos registros fueron olvidados por casi todos los hábitats de tiendas de ahorro durante décadas. Sin embargo, con el resurgimiento del pop / exotismo de la era espacial a mediados de los años 90, Esquivel no solo estaba siendo redescubierto, sino que estaba siendo promovido como un innovador de vanguardia por parte de ciertos segmentos de la multitud alternativa más moderna que tú.

Esquivel (a la manera de Dion o Melanie, se facturó con un solo nombre) en realidad disfrutó de una carrera larga y variada, de la que sus grabaciones pop de la era espacial eran solo una parte. Nacido en un pequeño pueblo mexicano, el pianista se convirtió en un artista popular en una estación de radio mexicana y estudió brevemente en Juilliard en Nueva York. El trabajo en la radio (y luego en la televisión y el cine) en realidad le dio una valiosa experiencia en el arte de idear rápidamente música de fondo variada y arreglos orquestales, que le sirvió cuando comenzó a grabar para RCA a fines de los años cincuenta.

Esta fue la época en la que se empezaron a comercializar los álbumes estéreo. Esquivel, junto con varias otras de las principales luces de la "era espacial", aprovechó este desarrollo para utilizar sus álbumes como laboratorios de todo tipo para explorar el espectro del sonido grabado, como se refleja en los títulos de LP como Other Worlds, Other. Sonidos y cuatro esquinas del mundo. Empleó instrumentos exóticos como el theremin, el ondioline, los primeros teclados de Fender Rhodes, las campanas chinas, el acordeón bajo y un Boom-Bam (un kit de 24 bongo sintonizado a F) para obtener lo que quería.

Lo que evitó que Esquivel tuviera una seria apreciación crítica en ese momento son, quizás, los mismos factores que ejercían una extraña fascinación entre los oyentes de los años noventa. En su forma y contenido, el material de Esquivel era una mezcla ligera de martini, más orientada a la escucha suburbana que a la innovación desafiante. Sin embargo, lanzó lo suficiente como para caprichos extravagantes y extravagantes, para que uno se preguntara si de hecho estaba satirizando hábilmente la forma, o al menos usándola como un foro para deslizarse en una locura desenfrenada. Los cantantes de coro de fondo de la astilladora de pan blanco se deslizarán en extrañas sílabas sin sentido como "boink, boink". Los extraños extravagantes instrumentales agregan una tensión impredecible a los audífonos de fácil escucha batidos, que a veces casi sacan al oyente del estado de relajación insípida para el cual los discos fueron supuestamente diseñados. La variedad de cha chas y mambos (entonces en boga entre gran parte de la mayoría de los Estados Unidos) recorre gran parte de su trabajo, aunque en una forma mucho más relajada que la que encontraría en los salones de baile sudorosos de La Habana. Los tempos y los arreglos cambian con una frecuencia desconcertante y se cargan hacia adelante con una energía maníaca perturbadora, aunque nunca tan a menudo que la música suena más experimental que el pop.

Así que cuando los posmodernos se cansaron del punk, el grunge y la música industrial, y necesitaron música adecuadamente diferente (pero aún irónica) para relajarse en sus húmedos clubes y cafés, recurrieron a artistas olvidados como Esquivel. El propio hombre había pasado su apogeo como artista de grabación después de principios de los sesenta. Permaneció activo durante años con su actuación en vivo (Frank Sinatra era fanático de los sets de Esquivel en Las Vegas) y de televisión y películas. En la década de 1990, fue confinado a una silla de ruedas en la casa de su hermano en México, víctima de numerosas lesiones en la espalda. Sin embargo, no estaba tan enfermo como para no ser entrevistado. Su perfil extenso en el segundo volumen del libro de música increíblemente extraño inició el renacimiento de Esquivel en serio. 1995 vio repentinamente las reediciones de Esquivel inundando el mercado (al menos tres aparecieron ese año, y muchos más lo siguieron). Figuras alternativas respetadas como John Zorn y R.E.M. cantaba sus alabanzas. Esquivel ya no estaba acumulando moho en el ático, era el epítome de la cadera.

Como es el caso de otros héroes del pop de la era espacial como Martin Denny, algunos oyentes quedaron estupefactos, o incluso enojados, por el atractivo moderno de Esquivel. Su trabajo nunca será tratado con respeto por la comunidad musical "seria"; Su música está demasiado conscientemente orientada hacia el entretenimiento ligero para eso. Y justo cuando uno se pregunta si Esquivel estaba mezclando ironía y entretenimiento en sus grabaciones, uno se pregunta si algunos fanáticos de Esquivel modernos defendieron su causa por el deseo de estar más cansados ​​que tú. ¿Se adaptaron a sus sonidos precisamente porque los discos de Esquivel suenan tan ridículamente anticuados, o simplemente porque quieren estar a la vanguardia al unirse a la música más desfavorable posible? No hay respuestas fáciles, pero Esquivel no se quejaba. De hecho, se convirtió en algo del portavoz emérito de toda la locura del pop de la era espacial, realizando entrevistas periódicas para publicaciones nacionales desde su cama de México y con la esperanza de recuperar algo de su movilidad. Sin embargo, a fines de 2001, Esquivel sufrió dos golpes en tres meses. El primero lo dejó parcialmente paralizado e incapaz de hablar, y el segundo lo llevó a la muerte. Falleció el 3 de enero de 2002, cuatro días después del segundo derrame cerebral en su casa en Jiutepec, Morelos, México.

https://www.allmusic.com/artist/esquivel-mn0000198923/biography

Tracklist:
A1 - St. Louis Blues - 2:29
A2 - Agua De Beber - 2:55
A3 - Question Mark (Que Vas A Hacer) - 2:05
A4 - Perdon (Perdoname Mi Vida) - 2:47
A5 - Temptation - 5:32
B1 - Amor Amor - 2:08
B2 - Flower Girl From Bordeaux - 2:08
B3 - La Bikina - 1:53
B4 - Surfboard - 2:55
B5 - Malaguena Salerosa (Sweetheart From Malaga) - 3:18
B6 - Besame Mucho - 4:21


Credits:
    Cover, Photography – Roger Lopez
    Engineer – John Norman
    Liner Notes – Bill Stewart
    Piano, Voice, Arranged By, Conductor – Esquivel
    Producer – Mariano Rivera Conde, Neely Plumb

Notes:
Recorded at RCA Victor's Music Center of the World, Hollywood, California, February 21, 1966.

Label: RCA Victor ‎– LPM-3697
Released: Jan 1967
Genre: Jazz, Latin
Style: Easy Listening, Latin Jazz, Space-Age

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Les Baxter • Sacred Idol

Artist Biography

Les Baxter is a pianist who composed and arranged for the top swing bands of the '40s and '50s, but he is better known as the founder of exotica, a variation of easy listening that glorified the sounds and styles of Polynesia, Africa, and South America, even as it retained the traditional string-and-horn arrangements of instrumental pop. Exotica became a massively popular trend in the '50s, with thousands of record buyers listening to Baxter, Martin Denny, and their imitators. Baxter also pioneered the use of the electronic instrument the theremin, which has a haunting, howling sound.

Baxter studied piano at the Detroit Conservatory and Pepperdine College in Los Angeles. After he completed school, he abandoned the piano and became a vocalist. When he was 23, he joined Mel Tormé's Mel-Tones. The group sang on Artie Shaw records, including the hit "What Is This Thing Called Love."

In 1950, he became an arranger and conductor for Capitol Records, working on hits by Nat King Cole, including "Mona Lisa." Around the same time, Baxter began recording his own albums. In 1948, he released a triple-78 album called Music out of the Moon, which ushered in space-age pop with its use of the theremin. Four years later, he began recording exotica albums with Le Sacre du Sauvage.

On his early-'50s singles Baxter was relatively straightforward, performing versions of standards like the number one hits "Unchained Melody" and "The Poor People of Paris," but on his albums he experimented with all sorts of world musics, adapting them for his orchestra. As he was recording his exotica albums, Baxter was also the musical director for the radio show Halls of Ivy, plus Abbott & Costello radio shows; he also composed over 100 film scores, concentrating on horror movies and teenage musicals and comedies, though he also did dramas like Giant.

Baxter's heyday was in the '50s and '60s. Although he continued to compose and record in the '70s, his output was sporadic. Nevertheless, a cult following formed around his exotica recordings that persisted into the '90s.

Stephen Thomas Erlewine

https://www.allmusic.com/artist/les-baxter-mn0000249175/biography

 

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Biografía del artista

Les Baxter es un pianista que compuso y arregló para las principales bandas de swing de los años 40 y 50, pero es más conocido como el fundador de la exótica, una variación de easy listening que glorificó los sonidos y estilos de la Polinesia, África y América del Sur, aunque mantuvo los arreglos tradicionales de cuerdas y bronces del pop instrumental. La exótica se convirtió en una tendencia muy popular en los años 50, con miles de compradores de discos escuchando a Baxter, Martin Denny y sus imitadores. Baxter también fue pionero en el uso del instrumento electrónico el theremín, que tiene un sonido inquietante y aullador.

Baxter estudió piano en el Conservatorio de Detroit y en el Pepperdine College en Los Ángeles. Después de terminar la escuela, abandonó el piano y se convirtió en vocalista. A los 23 años, se unió a los Mel-Tones de Mel Tormé. El grupo cantó en los discos de Artie Shaw, incluyendo el éxito "What Is This Thing Called Love".

En 1950, se convirtió en arreglista y director de Capitol Records, trabajando en éxitos de Nat King Cole, incluyendo "Mona Lisa". Alrededor de la misma época, Baxter comenzó a grabar sus propios discos. En 1948, lanzó un álbum triple-78 llamado "Music out of the Moon", que marcó el comienzo del pop de la era espacial con el uso del theremín. Cuatro años más tarde, comenzó a grabar álbumes exóticos con Le Sacre du Sauvage.

A principios de los años 50, Baxter era relativamente sencillo, haciendo versiones de estándares como los éxitos número uno "Unchained Melody" y "The Poor People of Paris", pero en sus álbumes experimentó con todo tipo de músicas del mundo, adaptándolas para su orquesta. Mientras grababa sus álbumes exóticos, Baxter fue también director musical del programa de radio Halls of Ivy, además de los programas de radio de Abbott & Costello; también compuso más de 100 partituras de películas, concentrándose en películas de terror y en musicales y comedias para adolescentes, aunque también hizo dramas como Gigante.

El apogeo de Baxter fue en los años 50 y 60. Aunque continuó componiendo y grabando en los 70, su producción fue esporádica. Sin embargo, se formó un culto alrededor de sus grabaciones exóticas que persistió en los 90.

Stephen Thomas Erlewine

https://www.allmusic.com/artist/les-baxter-mn0000249175/biography

 

 

 

Les Baxter • African Jazz

 

Review

African Jazz (1958) and  Jungle Jazz (1959), were cornerstones of the genre that came to be known as exotica. Many of the elements that define the style are on these two instrumental albums, including a sense of cinematic jazz swing; Latin and ersatz tribal rhythms aplenty; easy listening orchestration; echoes of the music of non-North American/European continents in some of the melodies and, for a late-'50s pop recording, exotic instruments employed; a shifting collision and blurring of multiple genres; and a sense of frivolous, irreverent fun. There are even, at points, high trilling vocals and (on "Cairo Bazaar") almost pre-surf rock electric guitar.

It's true that Les Baxter's musical references to Africa, Brazil, Cuba, Bali, and jungles and islands the world over might have had more to do with mid-20th century travelog stereotypes of those cultures than the reality of what you'd hear in those places (though he was hardly alone in that regard). Nonetheless, they are key texts in the movement, as they might be called if there's ever a university course on exotica. And while general popular music scholars would probably not cite them among the prolific, multifaceted Baxter's top achievements, these are probably the recordings that had more impact within a single genre than any others with which he was involved.

Richie Unterberger

https://www.allmusic.com/album/african-jazz-jungle-jazz-mw0002010450

Artist Biography

Les Baxter is a pianist who composed and arranged for the top swing bands of the '40s and '50s, but he is better known as the founder of exotica, a variation of easy listening that glorified the sounds and styles of Polynesia, Africa, and South America, even as it retained the traditional string-and-horn arrangements of instrumental pop. Exotica became a massively popular trend in the '50s, with thousands of record buyers listening to Baxter, Martin Denny, and their imitators. Baxter also pioneered the use of the electronic instrument the theremin, which has a haunting, howling sound.

Baxter studied piano at the Detroit Conservatory and Pepperdine College in Los Angeles. After he completed school, he abandoned the piano and became a vocalist. When he was 23, he joined Mel Tormé's Mel-Tones. The group sang on Artie Shaw records, including the hit "What Is This Thing Called Love."

In 1950, he became an arranger and conductor for Capitol Records, working on hits by Nat King Cole, including "Mona Lisa." Around the same time, Baxter began recording his own albums. In 1948, he released a triple-78 album called Music out of the Moon, which ushered in space-age pop with its use of the theremin. Four years later, he began recording exotica albums with Le Sacre du Sauvage.

On his early-'50s singles Baxter was relatively straightforward, performing versions of standards like the number one hits "Unchained Melody" and "The Poor People of Paris," but on his albums he experimented with all sorts of world musics, adapting them for his orchestra. As he was recording his exotica albums, Baxter was also the musical director for the radio show Halls of Ivy, plus Abbott & Costello radio shows; he also composed over 100 film scores, concentrating on horror movies and teenage musicals and comedies, though he also did dramas like Giant.

Baxter's heyday was in the '50s and '60s. Although he continued to compose and record in the '70s, his output was sporadic. Nevertheless, a cult following formed around his exotica recordings that persisted into the '90s.

Stephen Thomas Erlewine

https://www.allmusic.com/artist/les-baxter-mn0000249175/biography

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Revisar

African Jazz (1958) y el Jungle Jazz (1959), fueron las piedras angulares del género que llegó a conocerse como exótico. Muchos de los elementos que definen el estilo se encuentran en estos dos álbumes instrumentales, incluyendo un sentido de swing de jazz cinematográfico; abundancia de ritmos latinos y tribales; orquestación de fácil escucha; ecos de la música de los continentes no norteamericano/europeo en algunas de las melodías y, para una grabación pop de finales de los 50, empleo de instrumentos exóticos; una colisión cambiante y una desdibujada de múltiples géneros; y un sentido de diversión frívola e irreverente. Incluso hay, en algunos puntos, voces de alto trino y (en "Cairo Bazaar") casi una guitarra eléctrica de rock pre-surf.

 Es cierto que las referencias musicales de Les Baxter a África, el Brasil, Cuba, Bali y las selvas e islas de todo el mundo podrían haber tenido más que ver con los estereotipos de viaje de mediados del siglo XX de esas culturas que con la realidad de lo que se oiría en esos lugares (aunque no era el único en ese sentido). Sin embargo, son textos clave en el movimiento, como podría llamarse si alguna vez hay un curso universitario sobre exótica. Y aunque los estudiosos de la música popular en general probablemente no los citarían entre los logros más importantes de Baxter, que son prolíficos y multifacéticos, estas son probablemente las grabaciones que tuvieron más impacto dentro de un solo género que cualquier otro con el que estuvo involucrado.

Richie Unterberger

https://www.allmusic.com/album/african-jazz-jungle-jazz-mw0002010450

Biografía del artista

Les Baxter es un pianista que compuso y arregló para las principales bandas de swing de los años 40 y 50, pero es más conocido como el fundador de la exótica, una variación de easy listening que glorificó los sonidos y estilos de la Polinesia, África y América del Sur, aunque mantuvo los arreglos tradicionales de cuerdas y bronces del pop instrumental. La exótica se convirtió en una tendencia muy popular en los años 50, con miles de compradores de discos escuchando a Baxter, Martin Denny y sus imitadores. Baxter también fue pionero en el uso del instrumento electrónico el theremín, que tiene un sonido inquietante y aullador.

Baxter estudió piano en el Conservatorio de Detroit y en el Pepperdine College en Los Ángeles. Después de terminar la escuela, abandonó el piano y se convirtió en vocalista. A los 23 años, se unió a los Mel-Tones de Mel Tormé. El grupo cantó en los discos de Artie Shaw, incluyendo el éxito "What Is This Thing Called Love".

En 1950, se convirtió en arreglista y director de Capitol Records, trabajando en éxitos de Nat King Cole, incluyendo "Mona Lisa". Alrededor de la misma época, Baxter comenzó a grabar sus propios discos. En 1948, lanzó un álbum triple-78 llamado "Music out of the Moon", que marcó el comienzo del pop de la era espacial con el uso del theremín. Cuatro años más tarde, comenzó a grabar álbumes exóticos con Le Sacre du Sauvage.

A principios de los años 50, Baxter era relativamente sencillo, haciendo versiones de estándares como los éxitos número uno "Unchained Melody" y "The Poor People of Paris", pero en sus álbumes experimentó con todo tipo de músicas del mundo, adaptándolas para su orquesta. Mientras grababa sus álbumes exóticos, Baxter fue también director musical del programa de radio Halls of Ivy, además de los programas de radio de Abbott & Costello; también compuso más de 100 partituras de películas, concentrándose en películas de terror y en musicales y comedias para adolescentes, aunque también hizo dramas como Gigante.

El apogeo de Baxter fue en los años 50 y 60. Aunque continuó componiendo y grabando en los 70, su producción fue esporádica. Sin embargo, se formó un culto alrededor de sus grabaciones exóticas que persistió en los 90.

Stephen Thomas Erlewine

https://www.allmusic.com/artist/les-baxter-mn0000249175/biography

Dick Schory's New Percussion Ensemble • Music For Bang, Baaroom And Harp

 

by Lauren Vogel Weiss

Dick Schory, If Dick Schory is more than a percussionist. He is also acomposer, arranger, conductor, music publisher, record and television producer,audio pioneer, and music industry veteran responsible for instrument design and marketing. But perhaps one of the most telling facts about his impressive musical career is that nine members of the PAS Hall of Fame performed with Schory’s famous Percussion Pops Orchestra. What made this musician so specialto attract such stellar sidemen and soloists?

Richard L. “Dick” Schory was born in Chicago, Illinois on December 13, 1931 to a musical family. His father, Howard, had been a noted bandleader and percussionist in Columbus, Ohio, and his mother, Dorothea, was a Community Concert Representative for Columbia Artists Management in its Community Concert division. Following a concert by the Chicago Salvation Army Headquarters Staff Band at DeWitt Clinton Grade School, young Dick was hooked. He came home from school and told his family that he wanted to be a musician.

In 1942, the family moved to Ames, Iowa, and Schory began to take music lessons—on trumpet! But by the time he got to high school, he was playing percussion. “I played in the marching, concert, and pep bands as well as the symphony orchestra,” recalls Schory. “I started the first Ames High School jazz band, and the 16 members would rehearse in our living room every Wednesday night. We played all the school dances and special jazz concerts.

“In those days,” Schory continued, “there were no percussion teachers in Iowa. My dad taught me a lot of the fundamentals.” During his summer breaks from high school, Schory would play in the Ames Municipal Band and the summer band at Iowa State University, where he met Frank Piersol, Director of Bands at ISU. “He was my first influential teacher as well as a real mentor to me,” adds Schory. “He was such a great musician with a lot of ‘heart’.”

Schory graduated from high school in 1950 and enrolled in Iowa State University. “Even though they weren’t offering a degree in music at that time, I thought I’d get my freshman year out of the way,” he remembers.

In January 1951, after his first quarter at ISU, Schory enlisted in the U.S. Air Force and was assigned to the Strategic Air Command (SAC) headquarters in Omaha, Nebraska, where he remained until the end of his enlistment. “I probably learned more about music in the four years I was with the Air Force than I did at either Iowa State or Northwestern,” Schory says with a laugh. “We had a marching band, a jazz band, two jazz combos, a glee club, and a concert band. We were always rehearsing or performing.

“One of the things we did was a weekly television show on WOW-TV Channel 6—the same station Johnny Carson came from,” he continues. “One week was the concert band and the glee club and the next week was the jazz band, so we had to write a lot of original charts and arrangements. Of course, that’s the best kind of experience you can get—to be able to hear your music played immediately upon writing it.”

Another benefit of being in the Air Force was that during performing tours throughout the SAC Command and the Midwest, Schory often wound up in Chicago, giving him the opportunity to study with Edward Metzinger, Principal Timpanist with the Chicago Symphony. He also studied composition via a correspondence course from the University of California–Berkeley.

When Schory’s tour of duty was up, he returned to Iowa State University. In the fall of 1954 he transferred to Northwestern University in Evanston, Illinois, where he received a full scholarship and assistantship. Schory played in the NU marching band, chamber and symphony orchestras, concert band, wind ensemble, and jazz band. He continued to study with Metzinger while also teaching a class and private lessons to the music education majors. Some of his fellow percussionists included Tom Davis, who would go on to teach at the University of Iowa; Bob Wessberg, a top Chicago studio musician who also played with Frank Sinatra; and Jerry Olson, who later became head of instrumental music for the Chicago Public Schools.

Schory founded and conducted the percussion ensemble at Northwestern. “It was one of the first college percussion ensembles in the United States,” he states with pride. “Since there were only a few pieces published for percussion, we wrote about 95 percent of what we played ourselves. It was very different than what Paul Price was doing at the University of Illinois because we featured the extensive use of mallet instruments.

“It was during this time that I wrote ‘Introduction and Allegro’ and ‘Baja’,” Schory continues. “Tom Davis also wrote some pieces, which I published later.” These early ensembles formed the initial catalog for Creative Music, the publishing company that Schory founded in 1956 and continues to this day.

“The Northwestern Percussion Ensemble evolved into the Percussion Pops Orchestra,” he remembers. “We did our first album two days after graduation in June 1957. That recording, Re-Percussion, was the first album pressed in stereophonic sound in the industry. We had 12 percussion, two guitars, string bass, a harp, and a keyboard player. It featured several of the original compositions and arrangements that we had created for the NU Percussion Ensemble.”

Following the success of that album, RCA Victor invited Schory to join its label, and in June 1958, he recorded Music for Bang, Baaroom, and Harp. Recorded on the stage of Chicago’s Orchestra Hall, there cording was an excellent example of stereophonic sound, which helped to keep it on Billboard’s album chart for two years, including six months in the Top10. Later the album was re-released as a digital CD and has been added to Classical CD Review’s Sonic Hall of Fame as an outstanding example of the art of stereo recording.

During this time, Schory was also playing and recording with the Chicago Symphony Orchestra. The percussion section in the late 1950s consisted of Metzinger on timpani along with Gordon Peters, Al Payson, and Sam Denov. “I was the on-call fifth player when we recorded all the Mahler and Strauss under Fritz Reiner,” says Schory.

Thanks to the popularity of Music for Bang, Baaroom, and Harp, Dick Schory and his Percussion Pops recorded Music to Break Any Mood in 1959 and Wild Percussion and Horns A’ Plenty in 1960, both for the RCA Victor label. The latter brought him his first Grammy nomination for Arranger of the Year.

The 22-piece ensemble, which consisted of a big band plus several percussionists, began to perform more and more live concerts. “We toured every year for 15 years,” recalls Schory. “We’d go out for a few weeks in the fall and again in the spring, plus some summer tours. We played a lot of community concerts as well as college events.”

Michael Balter, President of Mike Balter Mallets and lifelong Chicago-area resident, remembers his first Percussion Pops Orchestra concert. “Dick Schory wanted the audience to have a ‘live’ stereophonic experience. Whichever percussion instruments were on the left side of the stage were mirrored on the right side, with the band on risers in the middle behind the percussionists.”

LUDWIG

During one of his visits to Chicago while still in the AirForce Band, Schory met William F. Ludwig, Sr. and impressed him by playing drum rudiments. “I had just passed the NARD test,” laughs Schory. “Once ‘Senior’ heard me play, he asked me to give up my Slingerland drums and become a clinician for the WFL Drum Company; this was before he [William Ludwig, Sr.] bought back the Ludwig name in 1955. While I was based in Omaha, I started doing WFL clinics throughout Nebraska, Iowa, Kansas, and South Dakota.”

When Schory moved to Evanston to attend Northwestern, he also began to work part time for Ludwig, doing everything from helping with inventory to writing copy for catalogs. By the time he graduated from college, he had been offered a full-time position at Ludwig.

“At that time I was performing in the studios as well as with the Chicago Symphony,” he explains. “Plus I was already recording my own albums. My agreement with Ludwig was that I could continue those activities. So I’d arrive at the factory on Damen Avenue at 7:00 in the morning, then at 8:45 catch the ‘L’ downtown and do a CSO rehearsal at Orchestra Hall. Then I’d get back on the ‘L’, finish up at Ludwig until about 6:30, and then go down and play the concert.”

“[Dick] pointed us into the direction of total percussion by including the Musser line in our catalogs,” William F. Ludwig II stated in his autobiography, The Making of a Drum Company. “He saw the potential of percussion ensembles in building a market for total percussion. He hired friends in the percussion world to compose percussion ensemble pieces at the high school level and published them himself, selling them to the company as needed. The purpose was to create a market for marimbas, xylophones, bells, chimes, and all else in the percussion world previously sold in very limited quantities. Dick Schory saw the potential of percussion expansion and aggressively pursued it.”

Schory remembers how the term “total percussion” came about. “We did an ad for the center spread in the Ludwig Drummer magazine. It also ran in the Instrumentalist, School Musician, and Music Educators Journal. It showed timpani along with a vibe, marimba, xylophone, orchestra bells, and so forth. I titled the spread ‘Ludwig Total Percussion’.”

Balter remembers that ad as if it was printed yesterday. “The picture was taken in a symphony hall. There was a drumset on a riser, plus a Musser marimba and vibe, timpani, eight concert toms, a concert bass drum—everything. In other words, total percussion! Anything that you would ever use, it was there. The ad was referred to as ‘the centerfold.’ This was in the 1960s—the heyday of the Playboy Club. In those days, if you spoke about a ‘centerfold,’ everyone thought you were referring to some girl in Playboy magazine. But if you asked a drummer, ‘Have you seen the centerfold?’ he knew you were talking about the Ludwig catalog.”

In addition to his jobs as Educational Director and Vice-President of Marketing for Ludwig, Schory was also involved in product development. One of his most important innovations is the beginning percussion kit. “I created the Ludwig Drum Kit. And when Jim Sewrey joined my educational staff, the Junior Percussion Kit,” he recalls. “The Drum Kit included a snare drum, a practice pad, a pair of sticks, a music stand, and a method book, packaged in a red plush-lined case. The Junior Percussion Kit added a set of bells. Ludwig had bought Musser by that time, and if we were going to develop mallet players, we needed to get them started early on and had to teach them to read music.

“At first [Ludwig] Senior didn’t agree and said no one was going to buy kits,” Schory continues. “So I went to Marion Karnes at Karnes Music in Evanston. He was a school dealer that I knew from my Northwestern days. He bought 75 on first showing, and when I went back to check on them he ordered 75 more! So that was the start of the drum kit business.” Schory also worked with William F. Ludwig, Sr. on the development of the Symphonic model timpani as well as the first phase of new instruments for marching bands and drum corps, including high-tension snare drums and multiple bass and tenor drums.

During his 15 years at Ludwig, Schory traveled around the U.S. and Canada as a clinician, lecturer, and guest conductor. Not only did he conduct concert bands, orchestras, jazz bands, and percussion ensembles, he also taught workshops and created the first Ludwig Percussion Symposium, held in July 1968 at Northwestern University. Schory also resurrected the Ludwig Drummer magazine—with a worldwide circulation of 150,000—which became an important educational source for professional performers, band and orchestra directors, and percussion students alike.

Schory combined two of his passions by booking his Percussion Pops Orchestra to perform seven annual NAMM convention concerts at Orchestra Hall in Chicago. “I would bring in guest soloists with the PPO that included the Dave Brubeck Quartet, Ray Brown [bass], and Doc Severinsen [trumpet],” Schory recalls. During one of those NAMM concerts, William F.Ludwig, Sr. and William F. Ludwig II—two members of the PAS Hall of Fame—performed a snare drum duet. “I wrote an arrangement based on ‘Three Camps’ and ‘Downfall of Paris’ and put the band behind it.”

The seven other PAS Hall of Famers to play with the Percussion Pops Orchestra over the years were snare drummer Frank Arsenault (who had served as the PPO road manger on several tours as well as the soloist in “Assault by Arsenault”), jazz drummer Joe Morello (who toured and was featured on four PPO albums), percussionists Bobby Christian (who toured and played on all 12 albums), George Gaber, Al Payson, and Gordon Peters, and vibist Gary Burton (who toured and was featured on five albums). “Gary was just 17 when he started playing with the PPO,” Schory remembers. “And he’s still the Paganini of the vibraphone to me.”

In 1971, Schory left Ludwig but continued with his recording career, both in front of and behind the microphone. Two years earlier, he had left RCA Victor and started his own record label, Ovation. His 1970 recording, Dick Schory...Carnegie Hall, received a Grammy nomination for Best Live Recording of the Year. He had also been nominated as Arranger of the Year in 1960, 1961, 1962, and 1963.

“The Ovation label was formed based on my development of quadraphonic sound with Jim Cunningham, an engineer in Chicago,” Schory states. “At RCA, I had developed two stereo projects: Stereo Action and then Dynagroove. Both series enjoyed good consumer sales.”

Schory produced over 300 Ovation albums featuring such artists as Joe Morello, jazz flutist Paul Horn, the Count Basie Orchestra, and even a series of hit country music singles and albums by The Kendalls. He also established the Black Jazz record label with jazz pianist Gene Russell and produced 30 more albums.

More recent projects include Media Ventures International, which is involved in television production, including the series Egoli for a cable company in South Africa. Schory is also keeping his music writing chops sharp. His latest composition is “Cubana,” written for a 20-member percussion ensemble featuring piano. Dan Moore and the University of Iowa Percussion Ensemble will premiere “Cubana” during PASIC 2011.

What advice would Schory give a young percussionist? “I’d have to say that in order to make it in today’s economy and musical environment, if you’re not a set drummer or a total percussionist, don’t even think about it.” The concept of total percussion that he coined almost half acentury ago is more important than ever.

“Dick Schory wanted to explore the world of percussion sounds,” summarizes Mike Balter, “and prove that a percussion ensemble could play music, not just rhythm. Before I went to the first Ludwig symposium, I was just a drummer. Hearing Dick Schory and the Percussion Pops opened up the world of percussion to me, and it was a life-changing experience."

 https://www.pas.org/about/hall-of-fame/dick-schory

As Tom Gaines said in his liner notes for Dick Schory...Carnegie Hall, Schory was “like a juggler with 15 projects in the air.” Percussionists todayare lucky to enjoy the results of all his “juggling”!

https://www.pas.org/about/hall-of-fame/dick-schory

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por Lauren Vogel Weiss

Dick Schory, Si Dick Schory es más que un percusionista. También es compositor, arreglista, director de orquesta, editor de música, productor de discos y televisión, pionero del audio y veterano de la industria de la música, responsable del diseño y comercialización de instrumentos. Pero quizás uno de los hechos más reveladores de su impresionante carrera musical es que nueve miembros del PAS Hall of Fame tocaron con la famosa Percussion Pops Orchestra de Schory. ¿Qué hizo a este músico tan especial para atraer a sidemen y solistas tan estelares?

Richard L. "Dick" Schory nació en Chicago, Illinois el 13 de diciembre de 1931 en el seno de una familia de músicos. Su padre, Howard, había sido un destacado director de orquesta y percusionista en Columbus, Ohio, y su madre, Dorothea, era una Representante de Conciertos Comunitarios para la Administración de Artistas de Columbia en su división de Conciertos Comunitarios. Después de un concierto de la banda del Ejército de Salvación de Chicago en la escuela primaria DeWitt Clinton, el joven Dick quedó enganchado. Volvió de la escuela y le dijo a su familia que quería ser músico.

En 1942, la familia se mudó a Ames, Iowa, y Schory comenzó a tomar clases de música, ¡con trompeta! Pero cuando llegó a la secundaria, ya tocaba la percusión. "Tocaba en las bandas de marcha, conciertos y animaciones, así como en la orquesta sinfónica", recuerda Schory. "Comencé la primera banda de jazz de Ames High School, y los 16 miembros ensayaban en nuestra sala de estar todos los miércoles por la noche. Tocamos todos los bailes de la escuela y conciertos especiales de jazz.

"En aquellos días", continuó Schory, "no había maestros de percusión en Iowa. Mi padre me enseñó muchos de los fundamentos". Durante sus vacaciones de verano de la escuela secundaria, Schory tocaba en la Banda Municipal de Ames y en la banda de verano de la Universidad Estatal de Iowa, donde conoció a Frank Piersol, Director de Bandas de la ISU. "Fue mi primer maestro influyente y un verdadero mentor para mí", añade Schory. "Era un gran músico con mucho corazón".

Schory se graduó de la escuela secundaria en 1950 y se matriculó en la Universidad Estatal de Iowa. "A pesar de que no estaban ofreciendo un título en música en ese momento, pensé que me quitaría el primer año del camino", recuerda.

En enero de 1951, después de su primer trimestre en la ISU, Schory se alistó en la Fuerza Aérea de Estados Unidos y fue asignado al cuartel general del Comando Aéreo Estratégico (SAC) en Omaha, Nebraska, donde permaneció hasta el final de su alistamiento. "Probablemente aprendí más sobre música en los cuatro años que estuve en la Fuerza Aérea que en el estado de Iowa o en Northwestern", dice Schory riendo. "Teníamos una banda de marcha, una banda de jazz, dos combos de jazz, un coro y una banda de conciertos. Siempre estábamos ensayando o actuando.

"Una de las cosas que hicimos fue un programa semanal de televisión en WOW-TV Canal 6, la misma estación de la que vino Johnny Carson", continúa. "Una semana fue la banda de concierto y el coro, y la semana siguiente fue la banda de jazz, así que tuvimos que escribir muchas cartas y arreglos originales. Por supuesto, ese es el mejor tipo de experiencia que puedes tener, para poder escuchar tu música inmediatamente después de escribirla".

Otro beneficio de estar en la Fuerza Aérea fue que durante sus giras por el Comando SAC y el Medio Oeste, Schory a menudo terminaba en Chicago, dándole la oportunidad de estudiar con Edward Metzinger, Timbalista Principal de la Sinfónica de Chicago. También estudió composición a través de un curso por correspondencia de la Universidad de California-Berkeley.

Cuando terminó el período de servicio de Schory, regresó a la Universidad Estatal de Iowa. En el otoño de 1954 fue transferido a la Universidad Northwestern en Evanston, Illinois, donde recibió una beca completa y un puesto de asistente. Schory tocó en la banda de marcha NU, orquestas de cámara y sinfónicas, banda de concierto, conjunto de viento y banda de jazz. Siguió estudiando con Metzinger mientras daba clases y clases particulares a las especialidades de educación musical. Algunos de sus compañeros percusionistas incluían a Tom Davis, que seguiría enseñando en la Universidad de Iowa; Bob Wessberg, un músico de estudio de primera línea de Chicago que también tocaba con Frank Sinatra; y Jerry Olson, que más tarde se convirtió en director de música instrumental de las Escuelas Públicas de Chicago.

Schory fundó y dirigió el conjunto de percusión en Northwestern. "Fue uno de los primeros conjuntos de percusión universitarios en Estados Unidos", afirma con orgullo. "Como sólo había unas pocas piezas publicadas para percusión, escribimos sobre el 95 por ciento de lo que tocamos nosotros mismos. Fue muy diferente a lo que Paul Price estaba haciendo en la Universidad de Illinois porque presentamos el uso extensivo de instrumentos de mazo.

"Fue durante este tiempo que escribí'Introducción y Allegro' y'Baja'", continúa Schory. "Tom Davis también escribió algunas piezas, que publiqué más tarde." Estos primeros conjuntos formaron el catálogo inicial de Creative Music, la editorial que Schory fundó en 1956 y que continúa en la actualidad.

"El Northwestern Percussion Ensemble se convirtió en la Percussion Pops Orchestra", recuerda. "Hicimos nuestro primer álbum dos días después de graduarnos en junio de 1957. Esa grabación, Re-Percussion, fue el primer álbum pulsado en sonido estereofónico en la industria. Teníamos 12 percusiones, dos guitarras, un bajo de cuerda, un arpa y un teclista. Presentaba varias de las composiciones y arreglos originales que habíamos creado para el conjunto de percusión NU".

Tras el éxito de ese álbum, RCA Victor invitó a Schory a unirse a su sello, y en junio de 1958, grabó Music for Bang, Baaroom, and Harp. Grabado en el escenario de la Orchestra Hall de Chicago, su grabación fue un excelente ejemplo de sonido estereofónico, lo que ayudó a mantenerlo en la lista de álbumes de Billboard durante dos años, incluyendo seis meses en el Top10. Más tarde el álbum fue reeditado como un CD digital y ha sido añadido al Sonic Hall of Fame de Classical CD Review como un ejemplo sobresaliente del arte de la grabación en estéreo.

Durante este tiempo, Schory también tocaba y grababa con la Orquesta Sinfónica de Chicago. La sección de percusión a finales de la década de 1950 consistía en Metzinger en timbales junto con Gordon Peters, Al Payson y Sam Denov. "Yo era el quinto jugador de guardia cuando grabamos todos los Mahler y Strauss bajo Fritz Reiner", dice Schory.

Gracias a la popularidad de la música para Bang, Baaroom y Harp, Dick Schory y sus Percussion Pops grabaron Music to Break Any Mood en 1959 y Wild Percussion and Horns A' Plenty en 1960, ambos para el sello RCA Victor. Este último le trajo su primera nominación a los Grammy como Arreglador del Año.

El conjunto de 22 piezas, que consistía en una gran banda y varios percusionistas, comenzó a dar cada vez más conciertos en vivo. "Hicimos giras todos los años durante 15 años", recuerda Schory. "Salíamos unas semanas en otoño y otra vez en primavera, además de algunas excursiones de verano. Tocamos en muchos conciertos comunitarios y en eventos universitarios".

Michael Balter, Presidente de Mike Balter Mallets y residente de toda la vida en el área de Chicago, recuerda su primer concierto de la Percussion Pops Orchestra. "Dick Schory quería que el público tuviera una experiencia estereofónica en directo. Los instrumentos de percusión que estaban en el lado izquierdo del escenario se reflejaban en el lado derecho, con la banda en las bandas en el centro detrás de los percusionistas".

LUDWIG

Durante una de sus visitas a Chicago mientras aún estaba en la banda de la Fuerza Aérea, Schory conoció a William F. Ludwig, Sr. y lo impresionó tocando rudimentos de batería. "Acababa de pasar la prueba NARD", ríe Schory. "Una vez que'Senior' me oyó tocar, me pidió que dejara mi batería Slingerland y me convirtiera en médico de la WFL Drum Company; esto fue antes de que él[William Ludwig, Sr.] comprara de nuevo el nombre Ludwig en 1955. Mientras estaba en Omaha, empecé a hacer clínicas de la WFL en Nebraska, Iowa, Kansas y Dakota del Sur".

Cuando Schory se mudó a Evanston para asistir a Northwestern, también comenzó a trabajar a tiempo parcial para Ludwig, haciendo de todo, desde ayudar con el inventario hasta escribir textos para catálogos. Cuando se graduó de la universidad, le habían ofrecido un puesto de trabajo a tiempo completo en Ludwig.

"En ese momento actuaba en los estudios, así como con la Sinfónica de Chicago", explica. "Además, ya estaba grabando mis propios discos. Mi acuerdo con Ludwig fue que podía continuar con esas actividades. Así que llegaba a la fábrica de Damen Avenue a las 7:00 de la mañana, luego a las 8:45 tomaba la "L" en el centro de la ciudad y hacía un ensayo de CSO en Orchestra Hall. Luego volvía a la'L', terminaba en Ludwig hasta las 6:30, y luego bajaba a tocar el concierto".

"Dick] nos señaló en la dirección de la percusión total al incluir la línea Musser en nuestros catálogos", dijo William F. Ludwig II en su autobiografía, The Making of a Drum Company. "Vio el potencial de los conjuntos de percusión en la construcción de un mercado para la percusión total. Contrató a amigos del mundo de la percusión para componer piezas de conjuntos de percusión a nivel de bachillerato y las publicó él mismo, vendiéndolas a la compañía cuando fue necesario. El propósito era crear un mercado para marimbas, xilófonos, campanas, campanas y todo lo demás en el mundo de la percusión que antes se vendía en cantidades muy limitadas. Dick Schory vio el potencial de la expansión de la percusión y la persiguió agresivamente".

Schory recuerda cómo surgió el término "percusión total". "Hicimos un anuncio para el artículo central de la revista Ludwig Drummer. También se publicó en la revista Instrumentalist, School Musician y Music Educators Journal. Mostraba timbales junto con una vibración, marimba, xilófono, campanas de orquesta, etc. Yo titulé el artículo'Ludwig Total Percussion'."

Balter recuerda ese anuncio como si hubiera sido impreso ayer. "La foto fue tomada en una sala sinfónica. Había una batería en un elevador, más una marimba y vibración Musser, timbales, ocho tomos de concierto, un bombo de concierto, todo. En otras palabras, ¡percusión total! Cualquier cosa que usaras, estaba ahí. El anuncio se llamaba "el desplegable central". Esto fue en los años 60, el apogeo del Playboy Club. En aquellos días, si hablabas de un "centerfold", todos pensaban que te referías a una chica de la revista Playboy. Pero si le preguntas a un baterista, ``¿Has visto el desplegable?' supo que hablabas del catálogo de Ludwig."

Además de su trabajo como Director de Educación y Vicepresidente de Marketing para Ludwig, Schory también estuvo involucrado en el desarrollo de productos. Una de sus innovaciones más importantes es el kit de percusión para principiantes. "Yo creé el Ludwig Drum Kit. Y cuando Jim Sewrey se unió a mi equipo educativo, el Junior Percussion Kit", recuerda. "El Drum Kit incluía un tambor, una almohadilla de práctica, un par de palos, un atril y un libro de métodos, empaquetados en un estuche rojo forrado con una cinta adhesiva. El kit de percusión Junior agregó un juego de campanas. Ludwig había comprado Musser para entonces, y si íbamos a desarrollar músicos de mazo, necesitábamos que se iniciaran desde el principio y que aprendieran a leer música.

"Al principio[Ludwig] Senior no estaba de acuerdo y dijo que nadie iba a comprar kits", continúa Schory. "Así que fui a ver a Marion Karnes en Karnes Music en Evanston. Era un traficante de escuela que conocía desde mis días en Northwestern. Compró 75 en la primera exhibición, y cuando volví a verlos, ¡pidió 75 más! Así que ese fue el comienzo del negocio de las baterías". Schory también trabajó con William F. Ludwig, Sr. en el desarrollo de los timbales de modelos sinfónicos, así como en la primera fase de nuevos instrumentos para bandas de marcha y cuerpos de tambores, incluyendo tambores de alta tensión y múltiples tambores de bajo y tenor.

Durante sus 15 años en Ludwig, Schory viajó por los Estados Unidos y Canadá como médico, conferencista y director invitado. No sólo dirigió bandas de concierto, orquestas, bandas de jazz y conjuntos de percusión, sino que también impartió talleres y creó el primer Simposio de Percusión Ludwig, celebrado en julio de 1968 en la Northwestern University. Schory también resucitó la revista Ludwig Drummer -con una circulación mundial de 150.000 ejemplares- que se convirtió en una importante fuente educativa para intérpretes profesionales, directores de bandas y orquestas, y estudiantes de percusión por igual.

Schory combinó dos de sus pasiones al contratar a su Percussion Pops Orchestra para realizar siete conciertos anuales de la convención NAMM en el Orchestra Hall de Chicago. "Traía solistas invitados con el PPO que incluía al Dave Brubeck Quartet, Ray Brown[bajo] y Doc Severinsen[trompeta]", recuerda Schory. Durante uno de esos conciertos de la NAMM, William F. Ludwig, Sr. y William F. Ludwig II -dos miembros de la Sala de la Fama del PAS- tocaron un dúo de tambores. "Escribí un arreglo basado en'Three Camps' y'Downfall of Paris' y puse a la banda detrás."

Los otros siete PAS Hall of Famers que tocaron con la Percussion Pops Orchestra a lo largo de los años fueron el baterista Frank Arsenault (que había servido como el PPO road manger en varias giras, así como el solista en "Assault by Arsenault"), El baterista de jazz Joe Morello (quien estuvo de gira y fue presentado en cuatro álbumes PPO), los percusionistas Bobby Christian (quien estuvo de gira y tocó en los 12 álbumes), George Gaber, Al Payson, y Gordon Peters, y el vibrafonista Gary Burton (quien estuvo de gira y fue presentado en cinco álbumes). "Gary tenía sólo 17 años cuando empezó a jugar con el PPO", recuerda Schory. "Y sigue siendo el Paganini del vibráfono para mí."

En 1971, Schory dejó a Ludwig pero continuó con su carrera discográfica, tanto delante como detrás del micrófono. Dos años antes, había dejado RCA Victor y había comenzado su propio sello discográfico, Ovation. Su grabación de 1970, Dick Schory....Carnegie Hall, recibió una nominación al Grammy como Mejor Grabación en Vivo del Año. También fue nombrado Arreglador del Año en 1960, 1961, 1962 y 1963.

"El sello Ovation se formó en base a mi desarrollo del sonido cuadrafónico con Jim Cunningham, un ingeniero de Chicago", afirma Schory. "En la RCA, había desarrollado dos proyectos estéreo: Stereo Action y luego Dynagroove. Ambas series disfrutaron de buenas ventas al consumidor".

Schory produjo más de 300 álbumes de Ovation con artistas como Joe Morello, el flautista de jazz Paul Horn, la Count Basie Orchestra, e incluso una serie de éxitos de música country y álbumes de The Kendalls. También estableció el sello discográfico Black Jazz con el pianista de jazz Gene Russell y produjo 30 álbumes más.

Entre los proyectos más recientes figuran Media Ventures International, que se dedica a la producción de televisión, incluida la serie Egoli para una empresa de cable en Sudáfrica. Schory también mantiene su música escribiendo chuletas afiladas. Su última composición es "Cubana", escrita para un conjunto de percusión de 20 miembros con piano. Dan Moore y el conjunto de percusión de la Universidad de Iowa estrenarán "Cubana" durante PASIC 2011.

¿Qué consejo le daría Schory a un joven percusionista? "Tendría que decir que para triunfar en la economía y el ambiente musical de hoy, si no eres un baterista o un percusionista total, ni siquiera lo pienses." El concepto de percusión total que acuñó hace casi medio siglo es más importante que nunca.

"Dick Schory quería explorar el mundo de los sonidos de percusión", resume Mike Balter, "y demostrar que un conjunto de percusión puede tocar música, no sólo ritmo. Antes de ir al primer simposio de Ludwig, era sólo un baterista. Escuchar a Dick Schory y a Percussion Pops me abrió el mundo de la percusión, y fue una experiencia que me cambió la vida".

 https://www.pas.org/about/hall-of-fame/dick-schory

Como dijo Tom Gaines en sus notas para Dick Schory... Carnegie Hall, Schory era "como un malabarista con 15 proyectos en el aire". Los percusionistas de hoy en día tienen la suerte de disfrutar de los resultados de todos sus "malabares"!

https://www.pas.org/about/hall-of-fame/dick-schory

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Giorgio Cuscito • Exotica

 

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Dick Hyman • Moog - The Electric Eclectics Of Dick Hyman

 

In the late '60s, pianist Dick Hyman, famous for "Moritat, Theme from Threepenny Opera," aexperimented with various keyboard instruments, including Baldwin and Lowrey organs. This release was his first with what was then a completely newfangled machine, the Moog synthesizer. Hyman took the Moog by the horns and milked it for all it was worth on nine originals, including the monster hit single "The Minotaur" (which inspired Emerson, Lake and Palmer's "Lucky Man").

The first few tracks are in a pop-song mold, but they are pop songs composed as only a jazz musician with two decades of experience under his belt could. Hyman then hits the listener with a few spacier, improvised numbers that come off as very accessible avant-garde music. Following the "The Minotaur" are two improvised pieces. Moog: The Electric Eclectics of Dick Hyman ends with "Evening Thoughts," an impressionistic track reminiscent of "Ebb Tide" by Earl Grant, on which the sounds of the seashore are conjured up on various keyboard instruments. Hyman writes about his intentions for each track in the liner notes.

Aside from some other Moog tracks sprinkled throughout DCC Compact Classics' Music for a Bachelor's Den series, it's surprising that it's taken this long in the lounge reissue bonanza for the Moog to finally appear (not counting The Moog Cookbook, a fab spinning of modern rock nuggets into string cheese.) Moog features three bonus tracks from Hyman's next album Age of Electronicus; his recasting of James Brown's "Give It Up or Turn It Loose" is well worth the price of admission.

Though this album could easily be tossed into the novelty or "period piece" category, it was not originally intended as that. Hyman recorded a showcase what this new instrument could do, and in the process made an enjoyable album.

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A finales de los años 60, el pianista Dick Hyman, famoso por "Moritat, Tema de la Ópera de Tres Centavos", experimentó con varios instrumentos de teclado, incluyendo los órganos de Baldwin y Lowrey. Este lanzamiento fue el primero que hizo con lo que entonces era una máquina completamente nueva, el sintetizador Moog. Hyman tomó el Moog por los cuernos y lo ordeñó por todo lo que valía en nueve originales, incluyendo el exitoso single "The Minotaur" (que inspiró a Emerson, Lake y Palmer en "Lucky Man").

Los primeros temas están en un molde de canción pop, pero son canciones pop compuestas como sólo un músico de jazz con dos décadas de experiencia en su haber podría hacerlo. Hyman entonces golpea al oyente con unos pocos números improvisados más espaciados que resultan ser una música de vanguardia muy accesible. A continuación de "El Minotauro" hay dos piezas improvisadas. Moog: La Ecléctica Eléctrica de Dick Hyman termina con "Evening Thoughts", un tema impresionista que recuerda a "Ebb Tide" de Earl Grant, en el que se conjugan los sonidos de la orilla del mar en varios instrumentos de teclado. Hyman escribe sobre sus intenciones para cada pista en las notas del liner.

Aparte de algunos otros temas de Moog salpicados por la serie Music for a Bachelor's Den de DCC Compact Classics, es sorprendente que haya tardado tanto en la bonanza de reedición de la sala de estar para que finalmente aparezca el Moog (sin contar The Moog Cookbook, un fabuloso giro de las pepitas de rock moderno en queso de cuerda). El Moog incluye tres bonus tracks del próximo álbum de Hyman, Age of Electronicus; su refundición de "Give It Up or Turn It Loose" de James Brown bien vale el precio de la entrada.

Aunque este álbum podría fácilmente ser lanzado en la categoría de novedad o "pieza de época", no fue originalmente pensado como eso. Hyman grabó una muestra de lo que este nuevo instrumento podía hacer, y en el proceso hizo un álbum agradable.

Ferrante And Teicher • Blast Off!

 

 Artist Biography

Piano duo Ferrante & Teicher were one of the best-selling easy listening acts of the '60s, offering light arrangements of easily recognizable classical pieces, movie soundtrack themes, show tunes, and similarly compatible fare. Arthur Ferrante (born September 7, 1921, New York City) and Louis Teicher (born August 24, 1924, Wilkes-Barre, PA.) met while attending the prestigious Juilliard School of Music; both were child prodigies, and they struck up a fast friendship, performing together as a duo even while they were still in school. After graduating as piano majors, they both joined the Juilliard faculty, while developing a distinctive style of their own during their free time. In 1947, they became a full-time concert act, at first playing nightclubs, then quickly moving up to classical music with orchestral backing. A switch to popular songs and standards by the likes of Kern, Porter, Gershwin, and Rodgers made them mainstays in the pops-orchestra field.

While they were enjoying success on the concert circuit, Ferrante & Teicher had been experimenting with treated pianos, influenced -- oddly enough -- by the ideas of avant-garde composer John Cage. By adding paper, sticks, rubber, wood blocks, metal bars, chains, glass, mallets, and other found objects to the string beds (among other techniques), the duo was able to produce a variety of bizarre sound effects that sometimes resembled percussion instruments, and other times produced a spacy, almost electronic sound (before such a tone even existed). In the latter half of the '50s, they recorded several albums in this vein for Westminster (most notably 1956's Soundproof and Soundblast) and ABC-Paramount (including 1958's Blast Off!). The results were highly unique and quite different from their later work, appealing more to hi-fi enthusiasts and space-age pop fans.

In 1960, Ferrante & Teicher signed with United Artists, where they quickly began to tailor their sound to a more mainstream audience. Many of their subsequent albums featured orchestras conducted by Nick Perito, and their brand of instrumental pop caught on very quickly. They landed a Top Ten pop hit later in 1960 with "Theme From 'The Apartment'," and followed it with their biggest hit, an arrangement of Ernest Gold's epic movie theme "Exodus," which climbed to number two and inspired a popular jazz version by saxophonist Eddie Harris. 1961 brought another pop Top Ten with the West Side Story song "Tonight," which was featured on their highest-charting LP, the number ten West Side Story and Other Motion Picture & Broadway Favorites. A flood of Ferrante & Teicher albums followed over the course of the '60s, with around 30 of them reaching the pop charts up through 1972. They maintained a heavy touring schedule, playing over 100 concerts a year at the height of their popularity. They also managed one final Top Ten single in 1970 with their movie-theme cover "Midnight Cowboy"; the accompanying album of the same name found them experimenting a bit with strange guitar effects.

Ferrante & Teicher's voluminous recording pace tailed off during the '70s, although they did continue to put out albums on a regular basis. In 1979, they left United Artists to form their own label, and in 1989, they left the concert circuit for good, retiring to Sarasota, FL. The lounge/exotica revival of the '90s helped renew interest in their experimental early recordings, and in 2001 led to the first-ever issue of Denizens of the Deep, a set of treated-piano instrumentals meant to evoke sea creatures that constituted their first recorded work. Dating from 1950, it had been scrapped in favor of an extensive concert tour; for the release, Ferrante & Teicher added a few simple embellishments to the archival recordings that completed their original concept for the pieces.

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 Biografía del artista

El dúo de pianos Ferrante & Teicher fue uno de los más vendidos en los años 60, ofreciendo arreglos ligeros de piezas clásicas fácilmente reconocibles, temas de bandas sonoras de películas, melodías de espectáculos y tarifas igualmente compatibles. Arthur Ferrante (nacido el 7 de septiembre de 1921, en la ciudad de Nueva York) y Louis Teicher (nacido el 24 de agosto de 1924, en Wilkes-Barre, PA.) se conocieron mientras asistían a la prestigiosa Juilliard School of Music; ambos eran niños prodigio, y entablaron una rápida amistad, actuando juntos como dúo incluso cuando todavía estaban en la escuela. Después de graduarse como pianistas, ambos se unieron a la facultad de Juilliard, mientras desarrollaban un estilo propio distintivo en su tiempo libre. En 1947, se convirtieron en un acto de concierto a tiempo completo, al principio tocando en clubes nocturnos, y luego pasando rápidamente a la música clásica con respaldo orquestal. El cambio a canciones populares y estándares de Kern, Porter, Gershwin y Rodgers los convirtió en pilares de la orquesta pop.

Mientras disfrutaban del éxito en el circuito de conciertos, Ferrante & Teicher habían estado experimentando con pianos tratados, influenciados -- curiosamente -- por las ideas del compositor de vanguardia John Cage. Añadiendo papel, palos, goma, bloques de madera, barras de metal, cadenas, vidrio, mazos y otros objetos encontrados a las camas de cuerdas (entre otras técnicas), el dúo fue capaz de producir una variedad de extraños efectos de sonido que a veces se asemejaban a los instrumentos de percusión, y otras veces producían un sonido espaciado, casi electrónico (antes de que tal tono siquiera existiera). En la segunda mitad de los años 50, grabaron varios álbumes en esta línea para Westminster (entre los que destacan Soundproof y Soundblast de 1956) y ABC-Paramount (incluyendo Blast Off! de 1958). Los resultados fueron muy singulares y bastante diferentes de sus trabajos posteriores, atrayendo más a los entusiastas de la alta fidelidad y a los fans del pop de la era espacial.

En 1960, Ferrante & Teicher firmaron con United Artists, donde rápidamente comenzaron a adaptar su sonido a un público más amplio. Muchos de sus álbumes posteriores contaron con orquestas dirigidas por Nick Perito, y su marca de pop instrumental se impuso muy rápidamente. Consiguieron un éxito pop en el Top Ten a finales de 1960 con "The Theme From 'The Apartment'", y lo siguieron con su mayor éxito, un arreglo del tema de la película épica de Ernest Gold "Exodus", que subió al número dos e inspiró una versión popular de jazz del saxofonista Eddie Harris. 1961 trajo otro Top Ten pop con el tema de West Side Story "Tonight", que fue presentado en su LP más importante, el número diez de West Side Story y Other Motion Picture & Broadway Favorites. Una avalancha de álbumes de Ferrante & Teicher siguieron en el curso de los años 60, con alrededor de 30 de ellos alcanzando las listas de pop hasta 1972. Mantuvieron una intensa agenda de giras, tocando más de 100 conciertos al año en la cima de su popularidad. También lograron un último single en el Top Ten en 1970 con su portada temática de película "Midnight Cowboy"; el álbum de acompañamiento del mismo nombre los encontró experimentando un poco con extraños efectos de guitarra.

El voluminoso ritmo de grabación de Ferrante & Teicher se redujo durante los años 70, aunque siguieron publicando discos con regularidad. En 1979, dejaron United Artists para formar su propio sello, y en 1989, dejaron el circuito de conciertos para siempre, retirándose a Sarasota, FL. El resurgimiento de la música lounge/exótica de los años 90 ayudó a renovar el interés por sus primeras grabaciones experimentales, y en el 2001 dio lugar a la primera edición de Denizens of the Deep, un conjunto de instrumentos de piano tratados para evocar criaturas marinas que constituyeron su primer trabajo discográfico. Fechada en 1950, había sido desechada en favor de una extensa gira de conciertos; para el lanzamiento, Ferrante & Teicher añadieron algunos adornos sencillos a las grabaciones de archivo que completaron su concepto original para las piezas.