Bill Evans • At The Montreux Jazz Festival [1968]

Tony Scott • 52nd St. Scene & Free Blown Jazz

 

Conversations in Jazz: The Ralph J. Gleason Interviews

 

During his nearly forty years as a music journalist, Ralph J. Gleason recorded many in-depth interviews with some of the greatest jazz musicians of all time. These informal sessions, conducted mostly in Gleason’s Berkeley, California, home, have never been transcribed and published in full until now.
 
This remarkable volume, a must-read for any jazz fan, serious musician, or musicologist, reveals fascinating, little-known details about these gifted artists, their lives, their personas, and, of course, their music. Bill Evans discusses his battle with severe depression, while John Coltrane talks about McCoy Tyner's integral role in shaping the sound of the Coltrane quartet, praising the pianist enthusiastically. Included also are interviews with Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Quincy Jones, Jon Hendricks, and the immortal Duke Ellington, plus seven more of the most notable names in twentieth-century jazz.

 

Ralph J. Gleason (Author),  

Toby Gleason (Editor),  

Ted Gioia (Foreword)   

 

Oliver Nelson • The Blues And The Abstract Truth

 

Review by Michael G. Nastos

As Oliver Nelson is known primarily as a big band leader and arranger, he is lesser known as a saxophonist and organizer of small ensembles. Blues and the Abstract Truth is his triumph as a musician for the aspects of not only defining the sound of an era with his all-time classic "Stolen Moments," but on this recording, assembling one of the most potent modern jazz sextets ever. Lead trumpeter Freddie Hubbard is at his peak of performance, while alto saxophonists Nelson and Eric Dolphy (Nelson doubling on tenor) team to form an unlikely union that was simmered to perfection. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), and Roy Haynes (drums) can do no wrong as a rhythm section. "Stolen Moments" really needs no comments, as its undisputable beauty shines through in a three-part horn harmony fronting Hubbard's lead melody. It's a thing of beauty that is more timeless as the years pass. The "Blues" aspect is best heard on "Yearnin'," a stylish, swinging, and swaying downhearted piece that is a bluesy as Evans would ever be. Both "Blues" and "Abstract Truth" combine for the darker "Teenie's Blues," a feature for Nelson and Dolphy's alto saxes, Dolphy assertive in stepping forth with his distinctive, angular, dramatic, fractured, brittle voice that marks him a maverick. Then there's "Hoedown," which has always been the black sheep of this collection with its country flavor and stereo separated upper and lower horn in snappy call-and-response barking. As surging and searing hard boppers respectively, "Cascades" and "Butch & Butch" again remind you of the era of the early '60s when this music was king, and why Hubbard was so revered as a young master of the idiom. A must buy for all jazz fans, and a Top Ten or Top Fifty favorite for many.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biography by Scott Yanow

The Blues and the Abstract Truth

Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

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Reseña de Michael G. Nastos

Como Oliver Nelson es conocido principalmente como líder de grandes bandas y arreglista, es menos conocido como saxofonista y organizador de pequeños conjuntos. Blues and the Abstract Truth es su triunfo como músico por los aspectos de definir el sonido de una época no sólo con su clásico de todos los tiempos "Stolen Moments", sino en esta grabación, reuniendo a uno de los sextetos de jazz moderno más potentes de la historia. El trompetista principal Freddie Hubbard está en su mejor momento, mientras que los saxofonistas de alto nivel Nelson y Eric Dolphy (Nelson doblando al tenor) forman un equipo para formar una unión improbable que se cocinó a fuego lento a la perfección. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bajo) y Roy Haynes (batería) no pueden hacer nada malo como sección rítmica. "Stolen Moments" realmente no necesita comentarios, ya que su indiscutible belleza brilla en una armonía de tres partes de la trompa que encabeza la melodía principal de Hubbard. Es una cosa de belleza que es más atemporal con el paso de los años. El aspecto "Blues" se oye mejor en "Yearnin'", una pieza de estilo, swinging y swaying downhearted que es un blues como lo sería Evans. Tanto "Blues" como "Abstract Truth" se combinan para el más oscuro "Teenie's Blues", un largometraje para los saxos contralto de Nelson y Dolphy, Dolphy asertivo al dar un paso al frente con su voz distintiva, angular, dramática, fracturada y quebradiza que le marca como un inconformista. Luego está "Hoedown", que siempre ha sido la oveja negra de esta colección con su sabor campestre y su cuerno superior e inferior separado estéreo en un ladrido rápido de llamada y respuesta. Cascades" y "Butch & Butch" le recuerdan una vez más la época de principios de los años 60, cuando esta música era el rey, y por qué Hubbard era tan venerado como un joven maestro del idioma. Una compra imprescindible para todos los fans del jazz, y un Top Ten o Top Fifty favorito para muchos.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biografía de Scott Yanow

El blues y la verdad abstracta

Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

Bill Evans featuring Toots Thielemans • Affinity

 

Bill Evans Trio • Time Remembered

 

Review by Scott Yanow
Pianist Bill Evans' final project for the Riverside label resulted in eight songs released as Bill Evans Trio at Shelly's Manne-Hole. This set doubles the program by adding eight previously unreleased selections. Evans, who is in fine form playing in a trio with bassist Chuck Israels and drummer Larry Bunker, often sounded more relaxed in concert than in studios and he stretches himself on the material (mostly standards), making one wonder why all of the music was not orignally released. This is one of the finest recordings by this particular trio. Worth searching for. 
https://www.allmusic.com/album/time-remembered-mw0000267569

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Reseña de Scott Yanow
El proyecto final del pianista Bill Evans para el sello Riverside resultó en ocho canciones lanzadas como Bill Evans Trio en Shelly's Manne-Hole. Este conjunto duplica el programa al agregar ocho selecciones inéditas. Evans, que está en buena forma tocando en un trío con el bajista Chuck Israels y el baterista Larry Bunker, a menudo sonaba más relajado en concierto que en los estudios y se estira con el material (en su mayoría estándares), lo que hace que uno se pregunte por qué toda la música no fue lanzada originalmente. Esta es una de las mejores grabaciones de este trío en particular. Vale la pena buscarlo. 
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Benny Golson, Bill Evans, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Ron Carter • Just Jazz!

 

George Russell • The Complete Bluebird Recordings

Biography
by Richard S. Ginell
While George Russell was very active as a free-thinking composer, arranger, and bandleader, his biggest effect upon jazz was in the quieter role of theorist. His great contribution, apparently the first by a jazz musician to general music theory, was a book with the intimidating title The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization, where he concocted a concept of playing jazz based on scales rather than chord changes. Published in 1953, Russell's theories directly paved the way for the modal revolutions of Miles Davis and John Coltrane -- and Russell even took credit for the theory behind Michael Jackson's huge hit "Wanna Be Startin' Somethin'," which uses the Lydian scale (no, he didn't ask for royalties). Russell's stylistic reach in his own compositions eventually became omnivorous, embracing bop, gospel, blues, rock, funk, contemporary classical elements, electronic music, and African rhythms in his ambitious extended works -- most apparent in his large-scale 1983 suite for an enlarged big band, The African Game. Like his colleague Gil Evans, Russell never stopped growing, but his work is not nearly as well-known as that of Evans, being more difficult to grasp and, in any case, not as well documented by U.S. record labels.

Russell's first instrument was the drums, which he played in the Boy Scout Drum and Bugle Corps and at local clubs when he was in high school. At 19, he was hospitalized with tuberculosis, but he used the enforced inactivity to learn the craft of arranging from a fellow patient. Once back on his feet, he played with Benny Carter, but after being replaced on drums by Max Roach, Russell began to zero in on composing and arranging. He moved to New York to join the crowd of young firebrands who gathered in Gil Evans' "salon," and he was actually invited to play drums in Charlie Parker's band. But once again, he fell ill, finding himself in a Bronx hospital for 16 months (1945-1946), where he began to formulate the ideas for the Lydian Concept. Upon his recovery, Russell leaped into the embryonic fusion of bebop and Afro-Cuban rhythms by writing "Cubana Be" and "Cubana Bop," which the Dizzy Gillespie big band recorded in 1947. He contributed arrangements to Claude Thornhill and Artie Shaw in the late '40s and wrote the first (and not the last) speculative scenario of a meeting between Charlie Parker and Igor Stravinsky, "A Bird in Igor's Yard," recorded by Buddy De Franco.

While working on his Lydian theories, Russell dropped out of active music-making for a while, working at a sales counter in Macy's when his book was published. But when he resumed composing in 1956, he had established himself as an influential force in jazz. Russell's connection with Gunther Schuller resulted in the commission of "All About Rosie" for the 1957 Brandeis University jazz festival, and he also taught at the Lenox School of Jazz that Schuller co-founded. He formed a rehearsal sextet in the mid-'50s that became known as the George Russell Smalltet, with Art Farmer, Bill Evans, Hal McKusick, Barry Galbraith, and various drummers and bassists. Their 1956 recording Jazz Workshop (RCA Victor) became a landmark of its time, and Russell continued to record intriguing LPs for Decca in the late '50s and Riverside in the early '60s. Another key album from this period, Ezz-Thetics, featured two important progressive players, Eric Dolphy and Don Ellis.

Finding the American jazz scene too confining for his music, Russell left for Europe in 1963, living in Sweden for five years. From his new base, he toured Scandinavia with a new sextet of European players and received numerous commissions -- including a ballet based on Othello, a mass, and the orchestral suite Electronic Sonata for Souls Loved by Nature: 1980. Upon his return to the U.S. in 1969, he joined the faculty of the New England Conservatory of Music, where Schuller had started a jazz department, and this gave him a secure base from which to tour occasionally with his own groups. Russell stopped composing from 1972 to 1978 in order to finish a second volume on the Lydian Chromatic Concept. He led a 19-piece big band at the Village Vanguard for six weeks in 1978, played the Newport Jazz Festival when it was based in New York City, and made tours of Italy, the U.S. West Coast, and England in the '80s.

Russell's most imposing latter-day commissions included "An American Trilogy" and the monumental three-hour work "Time Line" for symphony orchestra, jazz ensembles, rock groups, choir, and dancers. In addition to The African Game and So What on Blue Note, Russell made recordings for Soul Note in the '70s and '80s and Label Bleu in the '90s, while continuing to teach at the New England Conservatory and leading his Living Time Orchestra big band into the 21st century. In 2005 George Russell & the Living Time Orchestra's The 80th Birthday Concert, released on the Concept label, celebrated the legendary octogenarian's contributions to the art of jazz with performances of some of his most groundbreaking extended compositions and arrangements. George Russell died in Boston on July 27, 2009 of complications from Alzheimer's disease; he was 86 years old.
https://www.allmusic.com/artist/george-russell-mn0000646353/biography

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Biografía
por Richard S. Ginell
Aunque George Russell fue un compositor, arreglista y director de orquesta muy activo y librepensador, su mayor influencia en el jazz se produjo en su papel más discreto de teórico. Su gran contribución, al parecer la primera de un músico de jazz a la teoría musical general, fue un libro de título intimidatorio, The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (El concepto cromático lidio de la organización tonal), en el que ideó un concepto de tocar jazz basado en escalas y no en cambios de acordes. Publicadas en 1953, las teorías de Russell allanaron directamente el camino a las revoluciones modales de Miles Davis y John Coltrane, e incluso se atribuyó el mérito de la teoría del gran éxito de Michael Jackson "Wanna Be Startin' Somethin'", que utiliza la escala lidia (no, no pidió derechos de autor). Con el tiempo, el alcance estilístico de las composiciones de Russell se hizo omnívoro, abarcando el bop, el gospel, el blues, el rock, el funk, elementos clásicos contemporáneos, la música electrónica y los ritmos africanos en sus ambiciosas obras ampliadas, más evidentes en su suite a gran escala de 1983 para big band ampliada, The African Game. Al igual que su colega Gil Evans, Russell nunca dejó de crecer, pero su obra no es tan conocida como la de Evans, por ser más difícil de comprender y, en cualquier caso, no estar tan bien documentada por los sellos discográficos estadounidenses.

El primer instrumento de Russell fue la batería, que tocaba en el Boy Scout Drum and Bugle Corps y en clubes locales cuando estaba en el instituto. A los 19 años fue hospitalizado por tuberculosis, pero aprovechó la inactividad forzosa para aprender el oficio de arreglista de un compañero. Una vez recuperado, tocó con Benny Carter, pero tras ser sustituido en la batería por Max Roach, Russell empezó a centrarse en la composición y los arreglos. Se trasladó a Nueva York para unirse a la multitud de jóvenes fogosos que se reunían en el "salón" de Gil Evans, y de hecho fue invitado a tocar la batería en la banda de Charlie Parker. Pero, una vez más, cayó enfermo y estuvo ingresado en un hospital del Bronx durante 16 meses (1945-1946), donde empezó a formular las ideas del Lydian Concept. Tras su recuperación, Russell se lanzó a la embrionaria fusión del bebop y los ritmos afrocubanos escribiendo "Cubana Be" y "Cubana Bop", que la big band de Dizzy Gillespie grabó en 1947. Contribuyó con arreglos a Claude Thornhill y Artie Shaw a finales de los años 40 y escribió el primer (y no el último) escenario especulativo de un encuentro entre Charlie Parker e Igor Stravinsky, "A Bird in Igor's Yard", grabado por Buddy De Franco.

Mientras trabajaba en sus teorías lidias, Russell abandonó la música activa durante un tiempo, trabajando en un mostrador de ventas en Macy's cuando se publicó su libro. Pero cuando volvió a componer en 1956, se había establecido como una fuerza influyente en el jazz. La conexión de Russell con Gunther Schuller se tradujo en el encargo de "All About Rosie" para el festival de jazz de la Universidad Brandeis de 1957, y también dio clases en la Lenox School of Jazz que cofundó Schuller. A mediados de los 50 formó un sexteto de ensayo que se conoció como George Russell Smalltet, con Art Farmer, Bill Evans, Hal McKusick, Barry Galbraith y varios bateristas y bajistas. Su grabación de 1956 Jazz Workshop (RCA Victor) se convirtió en un hito de su época, y Russell continuó grabando interesantes LPs para Decca a finales de los 50 y para Riverside a principios de los 60. Otro álbum clave de este periodo, Ezz-Thetics, incluía a dos importantes músicos progresivos, Eric Dolphy y Don Ellis.

Al considerar que la escena jazzística estadounidense era demasiado restrictiva para su música, Russell se marchó a Europa en 1963 y vivió cinco años en Suecia. Desde allí realizó giras por Escandinavia con un nuevo sexteto de músicos europeos y recibió numerosos encargos, entre ellos un ballet basado en Otelo, una misa y la suite orquestal Sonata electrónica para almas amadas por la naturaleza: 1980. A su regreso a Estados Unidos en 1969, se incorporó al cuerpo docente del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, donde Schuller había creado un departamento de jazz, lo que le proporcionó una base segura desde la que realizar ocasionalmente giras con sus propios grupos. Russell dejó de componer de 1972 a 1978 para terminar un segundo volumen sobre el concepto cromático lidio. Dirigió una big band de 19 músicos en el Village Vanguard durante seis semanas en 1978, actuó en el Festival de Jazz de Newport cuando éste tenía su sede en Nueva York, y realizó giras por Italia, la costa oeste de Estados Unidos e Inglaterra en los años 80.

Entre los últimos encargos más imponentes de Russell figuran "An American Trilogy" y la monumental obra de tres horas "Time Line" para orquesta sinfónica, conjuntos de jazz, grupos de rock, coro y bailarines. Además de The African Game y So What en Blue Note, Russell grabó para Soul Note en los años 70 y 80 y para Label Bleu en los 90, al tiempo que seguía enseñando en el Conservatorio de Nueva Inglaterra y dirigía su big band Living Time Orchestra en el siglo XXI. En 2005 George Russell & the Living Time Orchestra's The 80th Birthday Concert, publicado por el sello Concept, celebraba las contribuciones del legendario octogenario a la música y a la cultura.

Tony Scott • Sung Heroes

 

Review by Scott Yanow
This melancholy date (released for the first time in 1986) was clarinetist Tony Scott's last before heading for Europe. He was mourning the deaths of many of his heroes, and among his pieces are "Misery (To Lady Day)," "Remembrance of Art Tatum" and "Requiem for 'Hot Lips' Page." On three selections, Scott is backed by the classic Bill Evans Trio (with bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian). In addition, Scott plays baritone and guitar on one tune apiece and duets with guitarist Juan Sastre on the final number. However, even with the strong playing, the downbeat nature of the material makes this album of only historical interest. 
https://www.allmusic.com/album/sung-heroes-mw0000207080

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Reseña de Scott Yanow
Esta melancólica grabación (publicada por primera vez en 1986) fue la última del clarinetista Tony Scott antes de partir hacia Europa. Estaba de luto por la muerte de muchos de sus héroes, y entre sus piezas se encuentran «Misery (To Lady Day)», «Remembrance of Art Tatum» y «Requiem for “Hot Lips” Page». En tres selecciones, Scott cuenta con el respaldo del clásico trío de Bill Evans (con el bajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian). Además, Scott toca el barítono y la guitarra en una canción cada uno y hace un dúo con el guitarrista Juan Sastre en el último tema. Sin embargo, a pesar de la fuerza de la interpretación, el carácter melancólico del material hace que este álbum solo tenga interés histórico. 
https://www.allmusic.com/album/sung-heroes-mw0000207080

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)

 

Herbie Mann & The Bill Evans Trio • Nirvana

It is surprising that this obscure session featuring Herbie Mann with the Bill Evans Trio (making its first recordings following the sudden death of bassist Scott LaFaro just a short time after the trio's landmark gig at the Village Vanguard) only reappeared on LP during the initial wave of CD reissues during the 1980s, but it is available once again nearly 40 years after it was completed. Mann, who has changed his style numerous times throughout his long career, is heard exclusively in a straight-ahead and bop context on this pair of studio dates. Evans, who studied flute through his college years, rarely recorded with a flutist (Jeremy Steig joined him on a later record for Verve), though he was fond of the instrument; the capable Chuck Israels on bass and drummer Paul Motian round out the trio. The low-key "Willow Weep for Me" and impressionist composer Erik Satie's Gymnopedie bring out the lyricism of Mann's playing, though the trio's backing is very understated. Things open up a bit with a sparkling take of Cole Porter's "I Love You." Mann's two originals, "Nirvana" and "Cashmere," aren't quite as memorable; substituting one of Evans' compositions for either of them might have provided some additional spark.
by Ken Dryden

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Es sorprendente que esta oscura sesión en la que participa Herbie Mann con el Bill Evans Trio (haciendo sus primeras grabaciones tras la repentina muerte del bajista Scott LaFaro, poco después de la histórica actuación del trío en el Village Vanguard) sólo reapareció en LP durante la primera ola de reediciones de CD durante los años 80, pero está disponible de nuevo casi 40 años después de su finalización. Mann, que ha cambiado de estilo en numerosas ocasiones a lo largo de su larga carrera, se escucha exclusivamente en un contexto straight-ahead y bop en este par de fechas de estudio. Evans, que estudió flauta durante sus años de universidad, rara vez grabó con un flautista (Jeremy Steig se le unió en un disco posterior para Verve), aunque le gustaba el instrumento; el capaz Chuck Israels en el bajo y el baterista Paul Motian completan el trío. El bajo "Willow Weep for Me" y la Gymnopedie del compositor impresionista Erik Satie resaltan el lirismo de la interpretación de Mann, aunque el respaldo del trío es muy discreto. Las cosas se abren un poco con una brillante toma de "I Love You" de Cole Porter. Los dos originales de Mann, "Nirvana" y "Cachemira", no son tan memorables; sustituir una de las composiciones de Evans por cualquiera de ellas podría haber proporcionado alguna chispa adicional.

por Ken Dryden

Bill Evans • Birdland 1960

Bill Evans, Philly Joe Jones • Green Dolphin Street

billevansofficial.com ...

 

Paul Bley • A Free Spirit

 

Biography by arwulf arwulf
Pianist Paul Bley took the styles and techniques associated with Oscar Peterson, Wynton Kelly, and Bill Evans to new levels of creative experimentation, becoming an indispensable force in modern music by combining the best elements in bop and early modern jazz with extended free improvisation and procedural dynamics often found in 20th-century chamber music. This approach places him in league with such diverse artists as Red Garland, Mal Waldron, Jaki Byard, Andrew Hill, Sun Ra, and Marilyn Crispell. Even a cursory overview of Bley's life and work can be pleasantly overwhelming, for he is among the most heavily recorded of all jazz pianists and his story is inextricably intertwined with the evolution of modern jazz during the second half of the 20th century. His three dates with Jimmy Giuffre's trio, most notably 1961's Free Fall, were landmark studies in vanguard modalism. With Barrage from 1965 and Mr. Joy from 1968, the pianist became familiar to many American jazz fans. In the early '70s, Bley issued the piano solo offering Open, To Love -- it remains his most prophetic and lyrical solo offering, laying out the juxtapositions for pointillism and space that would mark his career. He also resumed working with Giuffre during the late part of the decade and into the early '80s. Bley was prolific in the 1990s as a leader and as a collaborator. He took part in several historic dates, including Annette with Franz Koglmann and Gary Peacock, Memoirs with Charlie Haden and Motian, a pair of ECM trio dates with Barre Phillips and Evan Parker (Time Will Tell and Sankt Gerold Variations), and Not Two, Not One with Peacock and Motian. Bley began the 21st century as active as he had left the 20th, working as a collaborator with Kenny Millions, Mario Pavone, and a young Jakob Bro. The final two recordings credited to Bley as a leader were solo offerings: the studio album About Time, in 2007, and Play Blue (Oslo Concert), recorded in 2008 but unissued until 2014.

Hyman Paul Bley was born in Montreal, Canada, on November 10, 1932. A violin prodigy at five, he began playing piano at eight and studied at the McGill Conservatorium, earning his diploma at age 11. Before long, Hy "Buzzy" Bley was sitting in with jazz bands and had formed his own group. Already a skilled pianist, he landed a steady gig at the Alberta Lounge soon after Oscar Peterson left to begin working for Norman Granz in 1949. The following year, Bley continued his musical education at the Juilliard School in New York while gigging in the clubs with trumpeter Roy Eldridge, trombonist Bill Harris, and saxophonists Ben Webster, Sonny Rollins, and Charlie Parker. While enrolled at Juilliard, he played in a group with trumpeter Donald Byrd, saxophonist Jackie McLean, bassist Doug Watkins, and drummer Art Taylor. He also hung out at Lennie Tristano's residential studio, absorbing ideas. During the 1980s, Bley was restless: he recorded for acclaimed dates for Soul Note, SteepleChase (including a duo-led set with Chet Baker entitled Diane), ECM, and Owl.

The 1990s marked Bley's most prolific period as a recording artist. He toured constantly, recorded often, and took part in several historic recordings including Annette, with Franz Koglmann and Peacock, and Time Will Tell, with Barre Phillips and Evan Parker. The latter grouping toured extensively and in 2000 issued Sankt Gerold Variations on ECM. While he didn't issue nearly as much (comparatively, at least) under his own name for the remainder of his life, Bley was an active collaborator and sideman, working with everyone from Mario Pavone and Andreas Willers to Benjamin Koppel and Jakob Bro, while his discography as both leader and sideman saw many titles reissued.

Paul Bley's earliest known recordings survive as soundtracks from Canadian television; the first was in 1950 with tenor saxophonist Brew Moore and the second in February 1953 with Charlie Parker, special invited guest of the Montreal Jazz Workshop, an artist-run organization Bley helped to establish. His first studio recording date took place in November 1953 with bassist Charles Mingus and drummer Art Blakey. The young pianist's constant interaction with archetypal and influential musicians was phenomenal; he also sat in with trumpeter Chet Baker and saxophonist Lester Young. In 1954 he led three different recording sessions with bassists Peter Ind and Percy Heath, and drummer Alan Levitt. At this stage of his career, Paul Bley was an inspired, extremely adept bop pianist whose first decisively innovative period was just about to commence.

The plot thickened when Bley moved to California in 1957 and began holding down a steady engagement at the Hillcrest Club in Los Angeles, where he was recorded in 1958 with saxophonist Ornette Coleman, trumpeter Don Cherry, bassist Charlie Haden, and drummer Billy Higgins. He also performed with Canadian trumpeter Herb Spanier and recorded an album with vibraphonist Dave Pike, featuring liner notes and one composition by Karen Borg, a brilliant musician who married the pianist in 1957 and changed her name to Carla Bley. In 1959, the Bleys moved to New York City, where they continued to interact with musicians who were operating on the cutting edge of modern jazz, including multi-instrumentalist Roland Kirk, saxophonist and composer Oliver Nelson; composer and bandleader George Russell; composer, bassist, and bandleader Charles Mingus; trumpeter and bandleader Don Ellis; bassists Gary Peacock and Steve Swallow; drummer Pete La Roca; and multi-reedman Jimmy Giuffre. In 1961, Paul Bley made his first visit to Europe.

In 1963, Bley toured Japan with Sonny Rollins and participated in the tenor saxophonist's historic jousting session with Coleman Hawkins. The following year, Paul and Carla Bley accepted trumpeter Bill Dixon's invitation to join the Jazz Composer's Guild. This brought them into direct contact with Austrian-American composer and trumpeter Michael Mantler; trombonists Bennie Green and Roswell Rudd; saxophonists Archie Shepp and John Tchicai; and pianist Cecil Taylor. Bley, who also worked with saxophonist Albert Ayler, taped a session with tenor saxophonist John Gilmore, bassist Gary Peacock, and drummer Paul Motian, and then began recording for the independent ESP-Disk label.

Barrage featured a quintet with bassist Eddie Gomez, drummer Milford Graves, and two musicians who, like Gilmore, were closely affiliated with Sun Ra: trumpeter Dewey Johnson and altoist Marshall Allen. All of the pieces were composed by Carla Bley. Recorded in 1965 and released as Closer, the first of many albums involving drummer Barry Altschul featured works by Carla Bley, Ornette Coleman, and Gary Peacock's wife, Annette Peacock. Several trio projects materialized in Scandinavia during the years 1965-1966; from this point on, Bley would spend increasing amounts of time performing and recording in Europe.

Soon after he was divorced from Carla Bley in 1967, Paul Bley married composer and vocalist Annette Peacock. As was the case with Carla, the influence of this woman upon Paul Bley was profound and lasting, as he combined his own continuously evolving improvisational methodology with her intriguing tonal formations. She sometimes sang with Bley's groups as he began to experiment with electronic instrumentation including ARP and Moog synthesizers. Recorded in December 1970 and January 1971, an album called the Paul Bley Synthesizer Show spotlighted the futuristic instrument backed by multiple players including drummers Bobby Moses and Han Bennink. In 1972, the Bley/Annette Peacock partnership was dissolved.

Two years later, Bley and his new companion, video artist Carol Goss, founded the Improvising Artists record label. Soon they set precedents for the gradually emerging format of music videos. During two back-to-back sessions in 1974, Bley introduced to the scene a pair of promising young musicians: guitarist Pat Metheny and bassist Jaco Pastorius. Bley and Goss were married in 1980 and soon moved the Improvising Artists operation out of New York City to Cherry Valley in central New York State. The '80s saw Bley reaffirming his links with the Canadian music scene while engaging in recording projects with saxophonist John Surman; guitarists John Abercrombie, John Scofield, and Bill Frisell; bassists Jesper Lundgaard, Red Mitchell, Ron McClure, and Bob Cranshaw; and drummers George Cross McDonald, Aage Tanggaard, Keith Copeland, and Billy Hart.

Throughout the '90s, Paul Bley's creative activities became ever more diverse and international in scope. This healthy tendency was epitomized by a hat ART album bearing the title 12 (+6) In a Row, recorded in Boswil, Switzerland, during May 1990 with flügelhornist Franz Koglmann and clarinetist/saxophonist Hans Koch. Other collaborations from this period involved vibraphonist Gary Burton, bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, and vocalist Tiziana Ghiglioni. In 1993, Bley, now a faculty member of the New England Conservatory of Music, released an album of piano solos with overdubbed synthesizers called Synth Thesis. His seemingly inexhaustible appetite for creative interaction with modern improvisers led him to record with trumpeter Kenny Wheeler; saxophonists Lee Konitz, Evan Parker, and Ralph Simon; guitarist Sonny Greenwich; bassists Jay Anderson, Dave Young, and Barre Phillips; drummers Stich Wynston, Adam Nussbaum, and Bruce Ditmas; pianists Satoko Fuji, Stéphan Oliva, and Hans Ludemann; and violinist Jean-Luc Ponty, as well as poet and vocalist Paul Haines. In 1997, Bley was heard with an ensemble led by bassist and composer Maarten Altena.

During the first decade of the 21st century, Bley recorded with saxophonists Keshavan Maslak, François Carrier, and Yuri Honing; guitarist Andreas Willers; bassist Mario Pavone; and vocalist Jeannette Lambert. He also released several solo albums, including 2004's Nothing to Declare, 2008's About Time, and 2014's Play Blue: Oslo Concert, which documented his 2008 performance at the Oslo Jazz Festival. Bley was also named a member of the Order of Canada in 2008, in honor of his contributions to jazz.

Bley died of natural causes on January 3, 2016, at his Florida home. He was 83 years old. In 2019, ECM issued the archival When Will the Blues Leave, a trio concert with Peacock and Motian captured in Switzerland in 1999. https://www.allmusic.com/artist/paul-bley-mn0000745617#biography

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Biografía de arwulf arwulf
El pianista Paul Bley llevó los estilos y técnicas asociados con Oscar Peterson, Wynton Kelly y Bill Evans a nuevos niveles de experimentación creativa, convirtiéndose en una fuerza indispensable en la música moderna al combinar los mejores elementos del bop y el jazz moderno temprano con una improvisación libre extendida y dinámicas de procedimiento que a menudo se encuentran en la música de cámara del siglo XX. Este enfoque lo coloca en alianza con artistas tan diversos como Red Garland, Mal Waldron, Jaki Byard, Andrew Hill, Sun Ra y Marilyn Crispell. Incluso una visión superficial de la vida y obra de Bley puede resultar agradablemente abrumadora, ya que se encuentra entre los pianistas de jazz más grabados y su historia está inextricablemente entrelazada con la evolución del jazz moderno durante la segunda mitad del siglo XX. Sus tres citas con el trío de Jimmy Giuffre, sobre todo Free Fall de 1961, fueron estudios emblemáticos en el modalismo de vanguardia. Con Barrage de 1965 y Mr. Joy de 1968, el pianista se hizo familiar para muchos fanáticos del jazz estadounidense. A principios de los 70, Bley lanzó la oferta de piano solo Open, To Love remains sigue siendo su oferta solista más profética y lírica, presentando las yuxtaposiciones de puntillismo y espacio que marcarían su carrera. También reanudó su trabajo con Giuffre a fines de la década y principios de los 80. Bley fue prolífico en la década de 1990 como líder y colaborador. Participó en varias fechas históricas, incluidas Annette con Franz Koglmann y Gary Peacock, Memoirs con Charlie Haden y Motian, un par de fechas del trío ECM con Barre Phillips y Evan Parker (Time Will Tell y Variaciones de Sankt Gerold), y Not Two, Not One con Peacock y Motian. Bley comenzó el siglo XXI tan activo como había dejado el XX, trabajando como colaborador de Kenny Millions, Mario Pavone y un joven Jakob Bro. Las dos últimas grabaciones acreditadas a Bley como líder fueron ofertas en solitario: el álbum de estudio About Time, en 2007, y Play Blue (Concierto de Oslo), grabado en 2008 pero sin publicar hasta 2014.

Hyman Paul Bley nació en Montreal, Canadá, el 10 de noviembre de 1932. Prodigio del violín a los cinco años, comenzó a tocar el piano a los ocho y estudió en el Conservatorio McGill, obteniendo su diploma a los 11 años. En poco tiempo, Hy "Buzzy" Bley estaba sentado con bandas de jazz y había formado su propio grupo. Ya era un pianista habilidoso, consiguió un concierto estable en el Alberta Lounge poco después de que Oscar Peterson se fuera para comenzar a trabajar para Norman Granz en 1949. Al año siguiente, Bley continuó su educación musical en la Juilliard School de Nueva York mientras tocaba en clubes con el trompetista Roy Eldridge, el trombonista Bill Harris y los saxofonistas Ben Webster, Sonny Rollins y Charlie Parker. Mientras estaba inscrito en Juilliard, tocó en un grupo con el trompetista Donald Byrd, la saxofonista Jackie McLean, el bajista Doug Watkins y el baterista Art Taylor. También pasaba el rato en el estudio residencial de Lennie Tristano, absorbiendo ideas. Durante la década de 1980, Bley estaba inquieto: grabó para aclamadas fechas de Soul Note, SteepleChase (incluido un set dirigido por un dúo con Chet Baker titulado Diane), ECM y Owl.

La década de 1990 marcó el período más prolífico de Bley como artista discográfico. Realizó giras constantemente, grabó a menudo y participó en varias grabaciones históricas, incluidas Annette, con Franz Koglmann y Peacock, y Time Will Tell, con Barre Phillips y Evan Parker. Esta última agrupación realizó una extensa gira y en 2000 publicó Variaciones de Sankt Gerold sobre ECM. Si bien no emitió casi tanto (comparativamente, al menos) bajo su propio nombre durante el resto de su vida, Bley fue un colaborador activo y acompañante, trabajando con todos, desde Mario Pavone y Andreas Willers hasta Benjamin Koppel y Jakob Bro, mientras que su discografía como líder y acompañante vio reeditados muchos títulos.

Las primeras grabaciones conocidas de Paul Bley sobreviven como bandas sonoras de la televisión canadiense; la primera fue en 1950 con el saxofonista tenor Brew Moore y la segunda en febrero de 1953 con Charlie Parker, invitado especial del Montreal Jazz Workshop, una organización dirigida por artistas que Bley ayudó a establecer. Su primera fecha de grabación en estudio tuvo lugar en noviembre de 1953 con el bajista Charles Mingus y el baterista Art Blakey. La interacción constante del joven pianista con músicos arquetípicos e influyentes fue fenomenal; también se sentó con el trompetista Chet Baker y el saxofonista Lester Young. En 1954 dirigió tres sesiones de grabación diferentes con los bajistas Peter Ind y Percy Heath, y el baterista Alan Levitt. En esta etapa de su carrera, Paul Bley era un pianista inspirado y extremadamente hábil de la bop cuyo primer período decisivamente innovador estaba a punto de comenzar.

La trama se complicó cuando Bley se mudó a California en 1957 y comenzó a mantener un compromiso estable en el Hillcrest Club de Los Ángeles, donde grabó en 1958 con el saxofonista Ornette Coleman, el trompetista Don Cherry, el bajista Charlie Haden y el baterista Billy Higgins. También actuó con el trompetista canadiense Herb Spanier y grabó un álbum con el vibrafonista Dave Pike, con notas y una composición de Karen Borg, una brillante músico que se casó con la pianista en 1957 y cambió su nombre a Carla Bley. En 1959, los Bley se mudaron a la ciudad de Nueva York, donde continuaron interactuando con músicos que operaban a la vanguardia del jazz moderno, incluido el multiinstrumentista Roland Kirk, el saxofonista y compositor Oliver Nelson; el compositor y director de orquesta George Russell; el compositor, bajista y director de orquesta Charles Mingus; el trompetista y director de orquesta Don Ellis; los bajistas Gary Peacock y Steve Swallow; el baterista Pete La Roca; y Jimmy Giuffre. En 1961, Paul Bley hizo su primera visita a Europa.

En 1963, Bley realizó una gira por Japón con Sonny Rollins y participó en la histórica sesión de justas del saxofonista tenor con Coleman Hawkins. Al año siguiente, Paul y Carla Bley aceptaron la invitación del trompetista Bill Dixon para unirse al Gremio de Compositores de Jazz. Esto los puso en contacto directo con el compositor y trompetista austríaco-estadounidense Michael Mantler; los trombonistas Bennie Green y Roswell Rudd; los saxofonistas Archie Shepp y John Tchicai; y el pianista Cecil Taylor. Bley, quien también trabajó con el saxofonista Albert Ayler, grabó una sesión con el saxofonista tenor John Gilmore, el bajista Gary Peacock y el baterista Paul Motian, y luego comenzó a grabar para el sello independiente ESP-Disk.

Barrage presentó un quinteto con el bajista Eddie Gomez, el baterista Milford Graves y dos músicos que, como Gilmore, estaban estrechamente afiliados a Sun Ra: el trompetista Dewey Johnson y el altoista Marshall Allen. Todas las piezas fueron compuestas por Carla Bley. Grabado en 1965 y lanzado como Closer, el primero de muchos álbumes con el baterista Barry Altschul presentó obras de Carla Bley, Ornette Coleman y la esposa de Gary Peacock, Annette Peacock. Varios proyectos trío se materializaron en Escandinavia durante los años 1965-1966; a partir de este momento, Bley pasaría cada vez más tiempo actuando y grabando en Europa.

Poco después de divorciarse de Carla Bley en 1967, Paul Bley se casó con la compositora y vocalista Annette Peacock. Como fue el caso de Carla, la influencia de esta mujer sobre Paul Bley fue profunda y duradera, ya que combinó su propia metodología de improvisación en continua evolución con sus intrigantes formaciones tonales. A veces cantaba con los grupos de Bley cuando él comenzó a experimentar con instrumentación electrónica, incluidos los sintetizadores ARP y Moog. Grabado en diciembre de 1970 y enero de 1971, un álbum llamado The Paul Bley Synthesizer Show destacó el instrumento futurista respaldado por varios músicos, incluidos los bateristas Bobby Moses y Han Bennink. En 1972, se disolvió la sociedad Bley/Annette Peacock.

Dos años más tarde, Bley y su nueva compañera, la videoartista Carol Goss, fundaron el sello discográfico Improvising Artists. Pronto sentaron precedentes para el formato gradualmente emergente de videos musicales. Durante dos sesiones consecutivas en 1974, Bley presentó a la escena a un par de jóvenes músicos prometedores: el guitarrista Pat Metheny y el bajista Jaco Pastorius. Bley y Goss se casaron en 1980 y pronto trasladaron la operación de Improvising Artists fuera de la ciudad de Nueva York a Cherry Valley, en el centro del estado de Nueva York. Los años 80 vieron a Bley reafirmar sus vínculos con la escena musical canadiense mientras participaba en proyectos de grabación con el saxofonista John Surman; los guitarristas John Abercrombie, John Scofield y Bill Frisell; los bajistas Jesper Lundgaard, Red Mitchell, Ron McClure y Bob Cranshaw; y los bateristas George Cross McDonald, Aage Tanggaard, Keith Copeland y Billy Hart.

A lo largo de los años 90, las actividades creativas de Paul Bley se volvieron cada vez más diversas y de alcance internacional. Esta saludable tendencia fue personificada por un álbum de hat ART con el título 12 (+6) Seguidos, grabado en Boswil, Suiza, durante mayo de 1990 con el flügelhornista Franz Koglmann y el clarinetista/saxofonista Hans Koch. Otras colaboraciones de este período incluyeron al vibrafonista Gary Burton, el bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen y la vocalista Tiziana Ghiglioni. En 1993, Bley, ahora miembro de la facultad del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, lanzó un álbum de solos de piano con sintetizadores sobregrabados llamado Synth Thesis. Su apetito aparentemente inagotable por la interacción creativa con improvisadores modernos lo llevó a grabar con el trompetista Kenny Wheeler; los saxofonistas Lee Konitz, Evan Parker y Ralph Simon; el guitarrista Sonny Greenwich; los bajistas Jay Anderson, Dave Young y Barre Phillips; los bateristas Stich Wynston, Adam Nussbaum y Bruce Ditmas; los pianistas Satoko Fuji, Stéphan Oliva y Hans Ludemann; y el violinista Jean-Luc Ponty, así como el poeta y vocalista Paul Haines. En 1997, Bley se escuchó con un conjunto dirigido por el bajista y compositor Maarten Altena.

Durante la primera década del siglo XXI, Play grabó con los saxofonistas Keshavan Maslak, François Carrier y Yuri Honing; el guitarrista Andreas Willers; el bajista Mario Pavone; y la vocalista Jeannette Lambert. También lanzó varios álbumes en solitario, incluidos Nothing to Declare del 2004, About Time del 2008 y Play Blue: Oslo Concert del 2014, que documentó su actuación en el Festival de Jazz de Oslo en el 2008. Bley también fue nombrado miembro de la Orden de Canadá en 2008, en honor a sus contribuciones al jazz.

Bley murió de causas naturales el 3 de enero de 2016 en su casa de Florida. Tenía 83 años. En 2019, ECM publicó el archivo When Will the Blues Leave, un concierto en trío con Peacock y Motian capturado en Suiza en 1999. https://www.allmusic.com/artist/paul-bley-mn0000745617#biography

Bill Evans ‎• New Jazz Conceptions

El álbum con el que el excepcional pianista, Bill Evans, debutó como lider para gloria del jazz. Un magnifico regstro que ya entonces llamó poderosamente la atención y que presagiaba hasta donde podría llegar este músico. En "New Jazz Conceptions" está la semilla germinal del piano en trio que Bill Evans desarrolló con genial maestria en los siguientes años.

http://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=362:bill-evans-new-jazz-conceptions&catid=9&Itemid=301

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Review by Scott Yanow

Bill Evans' debut as a leader found the 27-year-old pianist already sounding much different than the usual Bud Powell-influenced keyboardists of the time. Even in 1956 (more than a year before he joined the Miles Davis Sextet), Evans had his own chord voicings and a lyrical yet swinging style. Three selections here are taken solo (including the original version of his classic "Waltz for Debby"), while the other eight are performed in a trio with bassist Teddy Kotick and drummer Paul Motian (including his future theme "Five," "Speak Low" and "No Cover, No Minimum"). A strong start to a significant career.

https://www.allmusic.com/album/new-jazz-conceptions-mw0002376242

Bill Evans • California Here I Come

Review by Scott Yanow

Philly Joe Jones was a member of the Bill Evans Trio for a short time in 1967 but none of his recordings with the pianist were released at the time. This two-LP set from 1982 features the pair (along with bassist Eddie Gomez who had recently started his own longtime association with Evans) in superb form. Jones consistently lit a fire under the pianist and, even though Bill Evans was never just an introspective ballad pianist (which became his stereotype), he does play with some unaccustomed ferocity on several of these selections. The 71 minutes of music feature strong versions of three of Evans' originals (including "Turn Out the Stars") plus a dozen standards, highlighted by "You're Gonna Hear From Me," "Gone With the Wind" and the unlikely "California Here I Come." Well worth searching for.

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Revisión por Scott Yanow

Philly Joe Jones fue miembro del Bill Evans Trio por un corto tiempo en 1967, pero ninguna de sus grabaciones con el pianista fueron lanzadas en ese momento. Este set de dos LP de 1982 presenta a la pareja (junto con el bajista Eddie Gomez, quien recientemente había comenzado su propia asociación de toda la vida con Evans) en excelente forma. Jones enciende constantemente un fuego bajo el pianista y, aunque Bill Evans nunca fue solo un pianista de baladas introspectivo (que se convirtió en su estereotipo), juega con una ferocidad desacostumbrada en varias de estas selecciones. Los 71 minutos de música presentan versiones fuertes de tres de los originales de Evans (incluido "Turn Out the Stars") más una docena de estándares, destacados por "You're Gonna Hear From Me", "Lo que el viento se llevó" y lo improbable ". California Aquí Vengo ". Vale la pena.

Bill Evans • Loose Blues

Review by Scott Yanow

This long-lost session, not released initially until 1982, features pianist Bill Evans, tenor saxophonist Zoot Sims, guitarist Jim Hall, bassist Ron Carter, and drummer Philly Joe Jones interpreting seven of the pianist's recent originals. Due to some difficulties during the recording process (none of the sidemen were familiar with the often complex numbers), the results were originally shelved and lost for a couple of decades. This CD reissue shows that the music was actually much better than originally thought. While "Time Remembered," "Funkallero," and "My Bells" would become Evans standards, it is quite interesting to hear such forgotten obscurities as "Loose Bloose" (heard in two versions), "There Came You," "Fun Ride," and "Fudgesickle Built for Four"; a couple of the songs could stand to be revived. It is a pity that Evans and Sims (a logical combination) never did record together again.

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Traducción Automática:
Revisión por Scott Yanow

Esta sesión perdida, que no se lanzó inicialmente hasta 1982, cuenta con el pianista Bill Evans, el saxofonista Zoot Sims, el guitarrista Jim Hall, el bajista Ron Carter y el baterista Philly Joe Jones interpretando siete de los originales originales del pianista. Debido a algunas dificultades durante el proceso de grabación (ninguno de los sidemen estaba familiarizado con los números a menudo complejos), los resultados originalmente se archivaron y se perdieron durante un par de décadas. Esta reedición de CD muestra que la música era en realidad mucho mejor de lo que se pensaba originalmente. Mientras que "Time Remembered", "Funkallero" y "My Bells" se convertirían en estándares de Evans, es muy interesante escuchar obscuridades olvidadas como "Loose Bloose" (escuchado en dos versiones), "There Came You", "Fun Ride , "y" Fudgesickle Built for Four "; Un par de canciones podrían ser revividas. Es una pena que Evans y Sims (una combinación lógica) nunca volvieran a grabar juntos.

Don Elliott And His Choir • The Mello Sound

 

Don Elliott Helfman (October 21, 1926 – July 5, 1984) was an American jazz trumpeter, vibraphonist, vocalist, and mellophone player. His album Calypso Jazz is considered by some jazz enthusiasts to be one of the definitive calypso jazz albums. Elliott recorded over 60 albums and 5,000 advertising jingles throughout his career.

Elliott played mellophone in his high school band and played trumpet for an army band. After study at the University of Miami he added vibraphone to the list. He recorded with Terry Gibbs and Buddy Rich before forming his own band. From 1953 to 1960 he won the Down Beat Readers' Poll several times for "miscellaneous instrument-mellophone."

Known as the "Human Instrument", Elliott performed jazz as a vocalist, trombonist, flugelhornist, and percussionist. He pioneered the art of multitrack recording, composed prize-winning advertising jingles, prepared film scores, and built a thriving production company. He scored several Broadway productions, including James Thurber's The Beast in Me and A Thurber Carnival. He also provided one of the voices for the novelty jazz duo the Nutty Squirrels.

Elliott was also a longtime associate of Quincy Jones, contributing vocals to Jones's scores for the films The Pawnbroker (1962), Walk, Don't Run (1966), In the Heat of the Night (1967), (1971), The Hot Rock (1972) and The Getaway (1972). Elliot also composed the score to The Happy Hooker starring Lynn Redgrave.

Elliott owned and operated one of the first multitrack recording studios in New York City and in Weston, Connecticut, where he died of cancer in 1984.

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Don Elliott Helfman (21 de octubre de 1926 - 5 de julio de 1984) fue un trompetista de jazz estadounidense, vibrafonista, vocalista y mellophone. Su álbum Calypso Jazz es considerado por algunos entusiastas del jazz como uno de los álbumes definitivos de calypso jazz. Elliott grabó más de 60 álbumes y 5,000 jingles publicitarios a lo largo de su carrera.

Elliott tocó mellophone en la banda de su escuela secundaria y tocó la trompeta para una banda del ejército. Después de estudiar en la Universidad de Miami, agregó vibráfono a la lista. Grabó con Terry Gibbs y Buddy Rich antes de formar su propia banda. De 1953 a 1960, ganó varias veces la encuesta de lectores de Down Beat por "varios instrumentos-melón".

Conocido como el "Instrumento humano", Elliott interpretó el jazz como vocalista, trombonista, astuto y percusionista. Fue pionero en el arte de la grabación multipista, compuso jingles publicitarios ganadores de premios, preparó partituras para películas y creó una próspera compañía de producción. Obtuvo varias producciones de Broadway, incluyendo The Beast in Me y A Thurber Carnival de James Thurber. También proporcionó una de las voces para el dúo de jazz de la novedad Las ardillas ardillas.

Elliott también fue un colaborador de Quincy Jones durante mucho tiempo, y contribuyó a las voces de Jones en las películas The Pawnbroker (1962), Walk, Don't Run (1966), In the Heat of the Night (1967), (1971), The Hot Rock (1972) y The Getaway (1972). Elliot también compuso la partitura de The Happy Hooker, protagonizada por Lynn Redgrave.

Elliott era propietario y operaba uno de los primeros estudios de grabación multipista en la ciudad de Nueva York y en Weston, Connecticut, donde murió de cáncer en 1984.

VA • Autour De Minuit - After Midnight

 

Bill Evans, Shirley Horn, Billie Holiday, Wes Montgomery, Chet Baker, Mel Torme ...

Bill Evans • Sunday At The Village Vanguard + Bonus

CD remasterizado, con una toma alternativa más de "All of You" (11 tracks).

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CD remasterizado, con una toma alternativa más de "All of You" (11 tracks).