Bill Evans • Trio 64

Evans was born in Plainfield, New Jersey and attended Southeastern Louisiana University. After a period in the Army, he returned to New York in 1955 and began working and recording with Tony Scott and George Russell. His subtly swinging, lucidly constructed solos with these leaders quickly attracted attention, and provided Evans with an opportunity to begin recording under his own name; but he was modest regarding his gifts, and for a time was reluctant to push himself into the limelight. All this changed after he spent several months during 1958 in Miles Davis's band, where he played alongside John Coltrane and Cannonball Adderley, and became a central figure in Davis's shift to modal improvisation.

The period with Davis allowed Evans to organize his own trio, which featured bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian by the end of 1959. These three players developed a new and more interactive approach to trio playing, one in which all instruments carried melodic responsibilities and functioned as equal voices. LaFaro's tragic death in a July 1961 highway accident ended the existence of this seminal unit; but not before it had recorded four albums, two in the studio and two at a Village Vanguard performance shortly before the bassist's death, that influenced several generations of pianists, bassists, and drummers.

While Evans excelled in even more intimate playing situations—he made memorable duet music with guitarist Jim Hall, singer Tony Bennett, and bassist Eddie Gomez, and on more than one occasion created fascinating studio recitals of multi-tracked piano—for the remaining two decades of his life, he continued to work in the trio format he had established with LaFaro and Motian. Personnel rarely changed in the Evans trio (Gomez was a member from 1966-1977, while drummers Marty Morell and Eliot Zigmund performed in the trio alongside Evans and Gomez from 1968-1974 and 1975-1977, respectively), and the unit's repertoire slowly grew to include evocative new originals and worthy standards, as well as the tunes that led to Evans's initial fame.

Despite this consistency of format and material, Evans remained uncommonly inspired, able to reach stunning emotional depths with a quiet lucidity that was unmatched. His lyrical melodic inventions, intricate phrasing, complex voicings, and beautiful touch remain as unmistakable influences on pianists more than 40 years after his death.
https://billevansofficial.com/about/

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Evans nació en Plainfield, Nueva Jersey, y estudió en la Southeastern Louisiana University. Tras un periodo en el ejército, regresó a Nueva York en 1955 y empezó a trabajar y grabar con Tony Scott y George Russell. Sus solos sutilmente oscilantes y lúcidamente construidos con estos líderes llamaron rápidamente la atención, y proporcionaron a Evans la oportunidad de empezar a grabar con su propio nombre; pero era modesto en cuanto a sus dotes, y durante un tiempo se mostró reacio a saltar a la palestra. Todo esto cambió después de pasar varios meses de 1958 en la banda de Miles Davis, donde tocó junto a John Coltrane y Cannonball Adderley, y se convirtió en una figura central en el cambio de Davis hacia la improvisación modal.

El periodo con Davis permitió a Evans organizar su propio trío, que a finales de 1959 contaba con el bajista Scott LaFaro y el batería Paul Motian. Estos tres músicos desarrollaron un enfoque nuevo y más interactivo para tocar en trío, en el que todos los instrumentos tenían responsabilidades melódicas y funcionaban como voces iguales. La trágica muerte de LaFaro en un accidente de carretera en julio de 1961 puso fin a la existencia de esta unidad seminal; pero no antes de que hubiera grabado cuatro álbumes, dos en el estudio y dos en una actuación en el Village Vanguard poco antes de la muerte del bajista, que influyeron en varias generaciones de pianistas, bajistas y bateristas.

Aunque Evans destacó en situaciones de interpretación aún más íntimas -hizo memorables duetos con el guitarrista Jim Hall, el cantante Tony Bennett y el bajista Eddie Gómez, y en más de una ocasión creó fascinantes recitales en estudio de piano multipista-, durante las dos décadas que le quedaban de vida siguió trabajando en el formato de trío que había establecido con LaFaro y Motian. El personal del trío de Evans rara vez cambió (Gómez fue miembro de 1966 a 1977, mientras que los bateristas Marty Morell y Eliot Zigmund tocaron en el trío junto a Evans y Gómez de 1968 a 1974 y de 1975 a 1977, respectivamente), y el repertorio de la unidad creció lentamente para incluir nuevos originales evocadores y estándares dignos, así como las melodías que llevaron a la fama inicial de Evans.

A pesar de esta consistencia de formato y material, Evans seguía estando extraordinariamente inspirado, capaz de alcanzar profundidades emocionales asombrosas con una lucidez silenciosa que no tenía parangón. Sus líricas invenciones melódicas, su intrincado fraseo, sus complejos voicings y su hermoso toque siguen siendo influencias inconfundibles para los pianistas más de 40 años después de su muerte.
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Dick Garcia • A Message From Garcia

Electric guitarist Dick Garcia taught himself the instrument at the age of nine before ever taking any lessons. He played with Tony Scott's quartet in 1950, then worked until the mid-'50s with Charlie Parker, George Shearing and Joe Roland. Garcia again played and recorded with Scott in 1955, also recording with Milt Buckner, Lenny Hambro and his own bands, while also recording with Johnny Glasel and Bobby Scott. Garcia continued into the '60s touring and recording with Shearing and Kai Winding.

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Electric guitarist Dick Garcia taught himself the instrument at the age of nine before ever taking any lessons. He played with Tony Scott's quartet in 1950, then worked until the mid-'50s with Charlie Parker, George Shearing and Joe Roland. Garcia again played and recorded with Scott in 1955, also recording with Milt Buckner, Lenny Hambro and his own bands, while also recording with Johnny Glasel and Bobby Scott. Garcia continued into the '60s touring and recording with Shearing and Kai Winding.

John Lewis • Jazz Abstractions

 

Review
by Scott Yanow
Although John Lewis is listed as the leader (this album's alternate title is "John Lewis Presents Contemporary Music"), the pianist does not actually appear on this record and only contributed one piece ("Django"). On what is very much a Gunther Schuller project, Schuller composed "Abstraction" and was responsible for the adventurous three-part "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" and the four-part "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)"; Jim Hall contributed "Piece for Guitar & Strings." One of the most successful third stream efforts, this LP combines avant-garde jazz with aspects of classical music. Among the more notable stars, altoist Ornette Coleman is on "Abstraction" and "Criss Cross" (both of which have been reissued in his Rhino CD box) and multi-instrumentalist Eric Dolphy is on both of the "Variants." Other musicians in the eclectic cast include guitarist Hall, bassist Scott LaFaro, pianist Bill Evans, and several classical string players. This is very interesting music.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

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Reseña
por Scott Yanow
Aunque John Lewis figura como líder (el título alternativo de este álbum es "John Lewis Presents Contemporary Music"), el pianista no aparece realmente en este disco y sólo contribuyó con una pieza ("Django"). En lo que es en gran medida un proyecto de Gunther Schuller, Schuller compuso "Abstraction" y fue responsable de las aventureras "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" en tres partes y "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)" en cuatro partes; Jim Hall contribuyó con "Piece for Guitar & Strings". Este LP, uno de los más exitosos de la tercera corriente, combina el jazz de vanguardia con aspectos de la música clásica. Entre las estrellas más notables, el contralto Ornette Coleman está en "Abstraction" y "Criss Cross" (ambas reeditadas en su caja Rhino CD) y el multiinstrumentista Eric Dolphy está en las dos "Variants". Otros músicos del ecléctico elenco son el guitarrista Hall, el bajista Scott LaFaro, el pianista Bill Evans y varios instrumentistas clásicos de cuerda. Se trata de música muy interesante.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

Tony Scott • I'll Remember

Tony Scott, a distinguished jazz clarinetist who in the 1950s helped steer his instrument out of the swing era and into the sax-infested waters of bebop. With Buddy DeFranco, Mr. Scott was considered one of the leading bebop clarinetists. (The two men were often described as the only major clarinetists to take on bebop, a style thought to be incompatible with the instrument’s soft, sweet sound.) Mr. Scott, who also played the saxophone, performed and recorded with some of the titans of mid-20th- century jazz, among them Duke Ellington, Ben Webster, Sarah Vaughan and Billie Holiday.

If Mr. Scott was not widely known to the American public, it was partly because his eclectic style made him unclassifiable: over the years, he ranged through bebop and what today would be called New Age and world music. It was also because he was peripatetic: for decades he roamed the globe, clarinet in hand. He had lived mostly abroad since the late ’50s.

Mr. Scott was also well regarded as a composer and arranger. His composition “Blues for Charlie Parker,” which he created extemporaneously at a concert in Yugoslavia in 1957, became his most- requested number. He also arranged hits like “The Banana Boat Song (Day-O)” for Harry Belafonte.

In a profile of Mr. Scott in The New York Times in 1967, John S. Wilson described him “playing his clarinet in his own uncompromisingly distinctive manner, a manner which encompasses both a feathery, light-as-air impressionism and an intense, emotional ferocity that makes the old-time ‘hot’ men sound as though they were blowing icicles.”

By the end of the 1940s, the swing style popularized by Benny Goodman was on the wane, and the clarinet was falling out of favor as a jazz instrument. Mr. Scott persevered, touring Sweden, South Africa, Senegal, the Philippines, Malaysia, Indonesia, Japan and elsewhere. His 1964 album “Music for Zen Meditation” (Verve), a collaboration with traditional Japanese musicians, is considered an early example of New Age music.

Among his other albums are “The Touch of Tony Scott” (RCA Victor, 1956); “The Modern Art of Jazz” (Seeco, 1957); “Tony Scott in Afrika” (A World of Music, 1997); and “A Jazz Life” (Kind of Blue), scheduled for release next month.

Anthony Joseph Sciacca “ his family name is pronounced “Shaka” “ was born on June 17, 1921, in Morristown, N.J., to parents who had come from Sicily. His father was a barber and amateur guitarist; his mother played the violin. He began playing the clarinet at 12 and in 1942 earned a diploma from the Juilliard School.

During World War II, Mr. Scott was stationed with the Army on Governor’s Island in New York. This meant he could spend many happy nights in Manhattan, playing the jazz clubs that lined West 52nd Street. He was such a ubiquitous presence there, Mr. Wilson wrote in The Times, that “one night an out-of-town visitor, making his way down the street, began to worry about what the booze was doing to him because he noticed that, in club after club, the clarinetist always seemed to look the same.”

Sciacca, was a late comer to the scene of bebop and cool jazz, playing on Sarah Vaughan in Hi-Fi (may 1950) with the gotha of bebop (trumpeter Miles Davis, trombonist Benny Green, guitarist Freddie Green), and forming a Septet that recorded Scott's Fling (january 1955) with trombonist Kai Winding and bassist Milt Hinton. He experimented with several formats that shunned the ruling styles.

An Orchestra consisting of members of Count Basie's and Duke Ellington's orchestras plus a rhythm section with pianist Bill Evans, Hinton and Green, recorded The Touch (july 1956), containing Vanilla Frosting On A Beef Pie, and The Complete (february 57), containing I'll Remember April. Three permutations of trumpeter Clark Terry, baritonist Sahib Shihab, trombonist Jimmy Knepper, pianist Bill Evans, bassist Henry Grimes, drummer Paul Motian recorded the twin albums My Kind of Jazz (november 1957), The Modern Art of Jazz (november 1957), containing Blues For 3 Horns, and Free Blown Jazz (november 1957), with Portrait Of Ravi.

Scott played clarinet, sax, piano, mandolin on Sung Heroes (october 1959), also known as Dedications, whose pieces were dedicated to dead musicians, the recording that, de facto, marked the debut of the Bill Evans Trio with Paul Motian and Scott LaFaro.

In 1960 Scott left the USA and went to explore the Far East. The result was Music For Zen Meditation (february 1964), a collaboration with koto player Shinichi Yuize and shakuhachi flute player Hozan Yamamoto (notably the trio The Murmuring Sound of the Mountain Stream, the koto-clarinet duets After the Snow, the Fragrance, Prajna-Paramita-Hridaya Sutra and Sanzen), that predated both new- age music, world-music and ambient music.

Having contributed to create the hare krishna zeitgeist of the hippy era, Scott followed that exploit with Homage to Lord Krishna (november 1967) and especially Music for Yoga Meditation and Other Joys (february 1968), a duet with sitar player Collin Walcott.

Journeys to Africa yielded the solo percussion album Music for Voodoo Meditation (1971), on which Scott played only African percussions, African Bird - Come Back Mother Africa, with the 16-minute African Bird Suite (february 1981) that married Charlie Parker and African percussion, and the triple-CD Voyage Into a Black Hole (1988) for radio waves, clarinet and synthesizer.

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Tony Scott, un distinguido clarinetista de jazz que en los años 50 ayudó a sacar a su instrumento de la era del swing y lo llevó a las aguas infestadas de saxofón del bebop. Con Buddy DeFranco, el Sr. Scott fue considerado uno de los principales clarinetistas de bebop. (Los dos hombres fueron descritos a menudo como los únicos clarinetistas importantes que tomaron el bebop, un estilo que se pensaba que era incompatible con el sonido suave y dulce del instrumento). El Sr. Scott, que también tocaba el saxofón, tocó y grabó con algunos de los titanes del jazz de mediados del siglo XX, entre ellos Duke Ellington, Ben Webster, Sarah Vaughan y Billie Holiday.

Si el Sr. Scott no era muy conocido por el público estadounidense era en parte porque su estilo ecléctico lo hacía inclasificable: a lo largo de los años, se extendió por el bebop y lo que hoy se llamaría New Age y world music. También fue porque era peripatético: durante décadas vagó por el mundo, clarinete en mano. Había vivido principalmente en el extranjero desde finales de los años 50.

El Sr. Scott también era bien considerado como compositor y arreglista. Su composición "Blues para Charlie Parker", que creó extemporáneamente en un concierto en Yugoslavia en 1957, se convirtió en su número más solicitado. También arregló éxitos como "The Banana Boat Song (Day-O)" para Harry Belafonte.

En un perfil del Sr. Scott en The New York Times en 1967, John S. Wilson lo describió "tocando su clarinete de su propia e inflexible manera distintiva, una manera que abarca tanto un impresionismo plumoso y ligero como una ferocidad intensa y emocional que hace que los hombres 'calientes' de antaño suenen como si estuvieran soplando carámbanos".

A finales de los años 40, el estilo de swing popularizado por Benny Goodman estaba en declive, y el clarinete estaba perdiendo el favor como instrumento de jazz. El Sr. Scott perseveró y realizó una gira por Suecia, Sudáfrica, Senegal, Filipinas, Malasia, Indonesia, Japón y otros lugares. Su álbum de 1964 "Music for Zen Meditation" (Verve), una colaboración con músicos tradicionales japoneses, se considera un ejemplo temprano de la música de la Nueva Era.

Entre sus otros álbumes se encuentran "The Touch of Tony Scott" (RCA Victor, 1956); "The Modern Art of Jazz" (Seeco, 1957); "Tony Scott in Afrika" (A World of Music, 1997); y "A Jazz Life" (Kind of Blue), cuyo lanzamiento está previsto para el mes próximo.

Anthony Joseph Sciacca " su apellido se pronuncia "Shaka" " nació el 17 de junio de 1921, en Morristown, N.J., de padres que habían venido de Sicilia. Su padre era barbero y guitarrista aficionado; su madre tocaba el violín. Empezó a tocar el clarinete a los 12 años y en 1942 obtuvo un diploma de la Juilliard School.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el Sr. Scott estuvo destinado con el ejército en la Isla del Gobernador en Nueva York. Esto significaba que podía pasar muchas noches felices en Manhattan, tocando en los clubes de jazz que se alineaban en la calle 52 Oeste. Era una presencia tan omnipresente allí, que el Sr. Wilson escribió en el Times, que "una noche un visitante de fuera de la ciudad, que se dirigía a la calle, empezó a preocuparse por lo que le hacía la bebida porque notó que, en un club tras otro, el clarinetista siempre parecía tener el mismo aspecto".

Sciacca, llegó tarde a la escena del bebop y el cool jazz, tocando en Sarah Vaughan en Hi-Fi (mayo de 1950) con el gotha del bebop (el trompetista Miles Davis, el trombonista Benny Green, el guitarrista Freddie Green), y formando un Septeto que grabó Scott's Fling (enero de 1955) con el trombonista Kai Winding y el bajista Milt Hinton. Experimentó con varios formatos que evitaban los estilos dominantes.

Una orquesta formada por miembros de las orquestas de Count Basie y Duke Ellington más una sección rítmica con el pianista Bill Evans, Hinton y Green, grabó The Touch (julio de 1956), que contiene Vanilla Frosting On A Beef Pie, y The Complete (febrero 57), que contiene I'll Remember April. Tres permutaciones del trompetista Clark Terry, el barítono Sahib Shihab, el trombonista Jimmy Knepper, el pianista Bill Evans, el bajista Henry Grimes, el baterista Paul Motian grabaron los álbumes gemelos My Kind of Jazz (noviembre de 1957), The Modern Art of Jazz (noviembre de 1957), que contiene Blues For 3 Horns, y Free Blown Jazz (noviembre de 1957), con Portrait Of Ravi.

Scott tocó clarinete, saxo, piano y mandolina en Sung Heroes (octubre de 1959), también conocido como Dedications, cuyas piezas fueron dedicadas a músicos muertos, la grabación que, de hecho, marcó el debut del Bill Evans Trio con Paul Motian y Scott LaFaro.

En 1960 Scott dejó los EE.UU. y se fue a explorar el Lejano Oriente. El resultado fue Music For Zen Meditation (febrero de 1964), una colaboración con el intérprete de koto Shinichi Yuize y el flautista de shakuhachi Hozan Yamamoto (en particular el trío The Murmuring Sound of the Mountain Stream, los dúos de koto-clarinete After the Snow, the Fragrance, Prajna-Paramita-Hridaya Sutra y Sanzen), que precedieron a la música new age, la world-music y la música ambiental.

Habiendo contribuido a crear el zeitgeist hare krishna de la era hippie, Scott siguió esa hazaña con Homenaje al Señor Krishna (noviembre de 1967) y especialmente Música para la Meditación del Yoga y Otras Alegrías (febrero de 1968), un dúo con el intérprete de sitar Collin Walcott.

Viajes a África dio lugar al álbum de percusión en solitario Music for Voodoo Meditation (1971), en el que Scott tocó sólo percusiones africanas, African Bird - Come Back Mother Africa, con la African Bird Suite de 16 minutos (febrero de 1981) que casó a Charlie Parker con la percusión africana, y el triple CD Voyage Into a Black Hole (1988) para ondas de radio, clarinete y sintetizador.

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

Bill Evans • You Must Believe in Spring

 

Evans was born in Plainfield, New Jersey and attended Southeastern Louisiana University. After a period in the Army, he returned to New York in 1955 and began working and recording with Tony Scott and George Russell. His subtly swinging, lucidly constructed solos with these leaders quickly attracted attention, and provided Evans with an opportunity to begin recording under his own name; but he was modest regarding his gifts, and for a time was reluctant to push himself into the limelight. All this changed after he spent several months during 1958 in Miles Davis's band, where he played alongside John Coltrane and Cannonball Adderley, and became a central figure in Davis's shift to modal improvisation.

The period with Davis allowed Evans to organize his own trio, which featured bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian by the end of 1959. These three players developed a new and more interactive approach to trio playing, one in which all instruments carried melodic responsibilities and functioned as equal voices. LaFaro's tragic death in a July 1961 highway accident ended the existence of this seminal unit; but not before it had recorded four albums, two in the studio and two at a Village Vanguard performance shortly before the bassist's death, that influenced several generations of pianists, bassists, and drummers.

While Evans excelled in even more intimate playing situations—he made memorable duet music with guitarist Jim Hall, singer Tony Bennett, and bassist Eddie Gomez, and on more than one occasion created fascinating studio recitals of multi-tracked piano—for the remaining two decades of his life, he continued to work in the trio format he had established with LaFaro and Motian. Personnel rarely changed in the Evans trio (Gomez was a member from 1966-1977, while drummers Marty Morell and Eliot Zigmund performed in the trio alongside Evans and Gomez from 1968-1974 and 1975-1977, respectively), and the unit's repertoire slowly grew to include evocative new originals and worthy standards, as well as the tunes that led to Evans's initial fame.

Despite this consistency of format and material, Evans remained uncommonly inspired, able to reach stunning emotional depths with a quiet lucidity that was unmatched. His lyrical melodic inventions, intricate phrasing, complex voicings, and beautiful touch remain as unmistakable influences on pianists more than 40 years after his death.
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Evans nació en Plainfield, Nueva Jersey, y estudió en la Southeastern Louisiana University. Tras un periodo en el ejército, regresó a Nueva York en 1955 y empezó a trabajar y grabar con Tony Scott y George Russell. Sus solos sutilmente oscilantes y lúcidamente construidos con estos líderes llamaron rápidamente la atención, y proporcionaron a Evans la oportunidad de empezar a grabar con su propio nombre; pero era modesto en cuanto a sus dotes, y durante un tiempo se mostró reacio a saltar a la palestra. Todo esto cambió después de pasar varios meses de 1958 en la banda de Miles Davis, donde tocó junto a John Coltrane y Cannonball Adderley, y se convirtió en una figura central en el cambio de Davis hacia la improvisación modal.

El periodo con Davis permitió a Evans organizar su propio trío, que a finales de 1959 contaba con el bajista Scott LaFaro y el batería Paul Motian. Estos tres músicos desarrollaron un enfoque nuevo y más interactivo para tocar en trío, en el que todos los instrumentos tenían responsabilidades melódicas y funcionaban como voces iguales. La trágica muerte de LaFaro en un accidente de carretera en julio de 1961 puso fin a la existencia de esta unidad seminal; pero no antes de que hubiera grabado cuatro álbumes, dos en el estudio y dos en una actuación en el Village Vanguard poco antes de la muerte del bajista, que influyeron en varias generaciones de pianistas, bajistas y bateristas.

Aunque Evans destacó en situaciones de interpretación aún más íntimas -hizo memorables duetos con el guitarrista Jim Hall, el cantante Tony Bennett y el bajista Eddie Gómez, y en más de una ocasión creó fascinantes recitales en estudio de piano multipista-, durante las dos décadas que le quedaban de vida siguió trabajando en el formato de trío que había establecido con LaFaro y Motian. El personal del trío de Evans rara vez cambió (Gómez fue miembro de 1966 a 1977, mientras que los bateristas Marty Morell y Eliot Zigmund tocaron en el trío junto a Evans y Gómez de 1968 a 1974 y de 1975 a 1977, respectivamente), y el repertorio de la unidad creció lentamente para incluir nuevos originales evocadores y estándares dignos, así como las melodías que llevaron a la fama inicial de Evans.

A pesar de esta consistencia de formato y material, Evans seguía estando extraordinariamente inspirado, capaz de alcanzar profundidades emocionales asombrosas con una lucidez silenciosa que no tenía parangón. Sus líricas invenciones melódicas, su intrincado fraseo, sus complejos voicings y su hermoso toque siguen siendo influencias inconfundibles para los pianistas más de 40 años después de su muerte.
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VA • Atlantic Jazz Piano

 

Review by Dave Nathan
Founded in 1947, Atlantic Records has been the home of some of jazz's more important figures (as well as blues). This compilation, originally issued as a two-fer LP, catches some of the excellent performances by the label's stable of jazz pianists over a period of 35 years. The earliest track is from Erroll Garner's first and only Atlantic album, Passport to Fame, a 1950 trio session where Garner applies his captivating style to "The Way You Look Tonight." The penultimate track on the album is from modernist Don Pullen. In between, there are cuts from albums made by some of the top jazz pianists, not only from that period, but whose work has stood the test of time and is still played regularly. It also shows that owners/producers Ahmet and Nesuhi Ertegun and Herb Abramson were wise and sensible enough to find room for artists representing a wide diversity of styles, from Garner through Dave Brubeck to Pullen and Joe Zawinul. Wide stylistic berth allowances notwithstanding, for most of these artists their stint with the label was short, a stopping off place before landing contracts with a major recording studio such as Columbia. The title is also a bit misleading in the sense the label never had some of the participants under contract. The cuts by Thelonious Monk and Bill Evans were from sessions headed by Art Blakey and Herbie Mann, respectively. But no matter how they got on the album, this collection of jazz piano is unmatched for its breadth and depth.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-piano-mw0000193273

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Reseña de Dave Nathan
Fundada en 1947, Atlantic Records ha sido el hogar de algunas de las figuras más importantes del jazz (así como del blues). Esta compilación, publicada originalmente como un LP de dos unidades, recoge algunas de las excelentes actuaciones de los pianistas de jazz del sello durante un período de 35 años. El primer tema pertenece al primer y único álbum de Erroll Garner en Atlantic, Passport to Fame, una sesión de trío de 1950 en la que Garner aplica su cautivador estilo a "The Way You Look Tonight". El penúltimo tema del álbum es del modernista Don Pullen. Entre medias, hay cortes de álbumes realizados por algunos de los mejores pianistas de jazz, no sólo de la época, sino cuya obra ha resistido el paso del tiempo y se sigue tocando con regularidad. También demuestra que los propietarios/productores Ahmet y Nesuhi Ertegun y Herb Abramson fueron lo suficientemente sabios y sensatos como para dar cabida a artistas que representaban una amplia diversidad de estilos, desde Garner a Dave Brubeck, pasando por Pullen y Joe Zawinul. A pesar de los amplios márgenes estilísticos, para la mayoría de estos artistas su paso por el sello fue breve, un lugar de paso antes de conseguir contratos con un estudio de grabación importante como Columbia. El título también es un poco engañoso en el sentido de que el sello nunca tuvo contrato con algunos de los participantes. Los cortes de Thelonious Monk y Bill Evans proceden de sesiones dirigidas por Art Blakey y Herbie Mann, respectivamente. Pero independientemente de cómo llegaron al álbum, esta colección de piano de jazz es inigualable por su amplitud y profundidad.
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Bill Evansː How My Heart Sings

 

 

 

This enthralling book is the first biography in English of Bill Evans, one of the most influential of all jazz pianists. Peter Pettinger, himself a concert pianist, describes Evans’s life (the personal tragedies and commercial successes), his musicmaking (technique, compositional methods, and approach to group playing), and his legacy. The book also includes a full discography and dozens of photographs.

 

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Bob Brookmeyer & Bill Evans • The Ivory Hunters

Review by Michael G. Nastos

When Bill Evans agreed to do a two piano date with Bob Brookmeyer, eyebrows surely must have raised. Pairing a rising superstar of modern jazz with a gentleman known for playing valve trombone and arranging charts might have been deemed by some as a daunting task. Fortunately for the keyboardists, this was a good idea and a marvelous concept, where the two could use the concept of counterpoint and improvisation to an enjoyable means, much like a great chess match. For the listener, you are easily able to hear the difference between ostensible leader Evans in the right channel of the stereo separation, and the accompanist Brookmeyer in the left. The opener "Honeysuckle Rose" gives a basic idea of what to expect, as Evans leads out, Brookmeyer counters his moves, and they trade riffs in an inventive bridge. "The Way You Look Tonight" is similar as Brookmeyer is more playful in his chiming chords and second melody line. The energy level is very good here, as well as on the democratic, funky contemporary intro to the easy swing of "It Could Happen to You" and "I Got Rhythm," jam-packed with fun plus risk-taking. There's a different give and take during "The Man I Love," and they turn the lamp down low on a delicate version of "As Time Goes By" as the pianists trade leads, and bassist Percy Heath adopts a more pronounced role. It is Heath and drummer Connie Kay, on loan from the Modern Jazz Quartet, who precisely and firmly cement rhythmic elements, allowing the pianists to use space, harmony, wit and wisdom to full effect. Some have called this an effort based more on gimmick and showmanship, but if you agree to listen closely, the depth and substance of Evans and Brookmeyer reveals a lot of soul, invention, and musicians simply having a real good time. It would be nice to hear any alternate takes from this marvelous date.

https://www.allmusic.com/album/the-ivory-hunters-mw0000110601

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Reseña de Michael G. Nastos

Cuando Bill Evans aceptó tener una cita de piano con Bob Brookmeyer, seguramente se le subieron las cejas. Emparejar a una superestrella en ascenso del jazz moderno con un caballero conocido por tocar el trombón de válvula y arreglar cartas podría haber sido considerado por algunos como una tarea desalentadora. Afortunadamente para los teclistas, esta fue una buena idea y un concepto maravilloso, donde los dos pudieron usar el concepto de contrapunto e improvisación para un medio agradable, muy parecido a una gran partida de ajedrez. Para el oyente, usted puede fácilmente escuchar la diferencia entre el líder ostensible Evans en el canal derecho de la separación estéreo, y el acompañante Brookmeyer en el canal izquierdo. El abridor "Honeysuckle Rose" da una idea básica de lo que se puede esperar, mientras Evans sale, Brookmeyer contrarresta sus movimientos, y ellos intercambian riffs en un ingenioso puente. "The Way You Look Tonight" es similar ya que Brookmeyer es más juguetón en sus acordes y segunda línea melódica. El nivel de energía es muy bueno aquí, así como en la democrática y divertida introducción contemporánea al fácil swing de "It Could Happen to You" y "I Got Rhythm", repleto de diversión y riesgo. Hay un dar y recibir diferente durante "El hombre que amo", y apagan la lámpara en una delicada versión de "A medida que pasa el tiempo" mientras los pianistas lideran el negocio, y el bajista Percy Heath adopta un papel más pronunciado. Es Heath y la baterista Connie Kay, prestada por el Modern Jazz Quartet, quienes cementan de manera precisa y firme los elementos rítmicos, permitiendo a los pianistas utilizar el espacio, la armonía, el ingenio y la sabiduría para lograr el máximo efecto. Algunos han llamado a esto un esfuerzo basado más en el truco y el showmanship, pero si usted está de acuerdo en escuchar atentamente, la profundidad y la sustancia de Evans y Brookmeyer revela un montón de alma, invención, y los músicos simplemente pasar un buen rato real. Sería bueno escuchar cualquier toma alternativa de esta maravillosa fecha.

https://www.allmusic.com/album/the-ivory-hunters-mw0000110601

Benny Golson • Just Jazz! [The Complete Triple Play Stereo Sessions]

 

Review from Jazz Journal
Benny Golson's tenor playing is consistently inventive and melodic, displaying the qualities that made him one of the major voices of hard bop.
httpsjazzjournal.co.uk

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Resena de Jazz Journal
El saxo tenor de Benny Golson es constantemente inventivo y melodico, mostrando las cualidades que lo convirtieron en una de las voces principales del hard bop.
httpsjazzjournal.co.uk

Bill Evans • At The Montreux Jazz Festival [1968]

Tony Scott • 52nd St. Scene & Free Blown Jazz

 

Conversations in Jazz: The Ralph J. Gleason Interviews

 

During his nearly forty years as a music journalist, Ralph J. Gleason recorded many in-depth interviews with some of the greatest jazz musicians of all time. These informal sessions, conducted mostly in Gleason’s Berkeley, California, home, have never been transcribed and published in full until now.
 
This remarkable volume, a must-read for any jazz fan, serious musician, or musicologist, reveals fascinating, little-known details about these gifted artists, their lives, their personas, and, of course, their music. Bill Evans discusses his battle with severe depression, while John Coltrane talks about McCoy Tyner's integral role in shaping the sound of the Coltrane quartet, praising the pianist enthusiastically. Included also are interviews with Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Quincy Jones, Jon Hendricks, and the immortal Duke Ellington, plus seven more of the most notable names in twentieth-century jazz.

 

Ralph J. Gleason (Author),  

Toby Gleason (Editor),  

Ted Gioia (Foreword)   

 

Oliver Nelson • The Blues And The Abstract Truth

 

Review by Michael G. Nastos

As Oliver Nelson is known primarily as a big band leader and arranger, he is lesser known as a saxophonist and organizer of small ensembles. Blues and the Abstract Truth is his triumph as a musician for the aspects of not only defining the sound of an era with his all-time classic "Stolen Moments," but on this recording, assembling one of the most potent modern jazz sextets ever. Lead trumpeter Freddie Hubbard is at his peak of performance, while alto saxophonists Nelson and Eric Dolphy (Nelson doubling on tenor) team to form an unlikely union that was simmered to perfection. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), and Roy Haynes (drums) can do no wrong as a rhythm section. "Stolen Moments" really needs no comments, as its undisputable beauty shines through in a three-part horn harmony fronting Hubbard's lead melody. It's a thing of beauty that is more timeless as the years pass. The "Blues" aspect is best heard on "Yearnin'," a stylish, swinging, and swaying downhearted piece that is a bluesy as Evans would ever be. Both "Blues" and "Abstract Truth" combine for the darker "Teenie's Blues," a feature for Nelson and Dolphy's alto saxes, Dolphy assertive in stepping forth with his distinctive, angular, dramatic, fractured, brittle voice that marks him a maverick. Then there's "Hoedown," which has always been the black sheep of this collection with its country flavor and stereo separated upper and lower horn in snappy call-and-response barking. As surging and searing hard boppers respectively, "Cascades" and "Butch & Butch" again remind you of the era of the early '60s when this music was king, and why Hubbard was so revered as a young master of the idiom. A must buy for all jazz fans, and a Top Ten or Top Fifty favorite for many.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biography by Scott Yanow

The Blues and the Abstract Truth

Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

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Reseña de Michael G. Nastos

Como Oliver Nelson es conocido principalmente como líder de grandes bandas y arreglista, es menos conocido como saxofonista y organizador de pequeños conjuntos. Blues and the Abstract Truth es su triunfo como músico por los aspectos de definir el sonido de una época no sólo con su clásico de todos los tiempos "Stolen Moments", sino en esta grabación, reuniendo a uno de los sextetos de jazz moderno más potentes de la historia. El trompetista principal Freddie Hubbard está en su mejor momento, mientras que los saxofonistas de alto nivel Nelson y Eric Dolphy (Nelson doblando al tenor) forman un equipo para formar una unión improbable que se cocinó a fuego lento a la perfección. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bajo) y Roy Haynes (batería) no pueden hacer nada malo como sección rítmica. "Stolen Moments" realmente no necesita comentarios, ya que su indiscutible belleza brilla en una armonía de tres partes de la trompa que encabeza la melodía principal de Hubbard. Es una cosa de belleza que es más atemporal con el paso de los años. El aspecto "Blues" se oye mejor en "Yearnin'", una pieza de estilo, swinging y swaying downhearted que es un blues como lo sería Evans. Tanto "Blues" como "Abstract Truth" se combinan para el más oscuro "Teenie's Blues", un largometraje para los saxos contralto de Nelson y Dolphy, Dolphy asertivo al dar un paso al frente con su voz distintiva, angular, dramática, fracturada y quebradiza que le marca como un inconformista. Luego está "Hoedown", que siempre ha sido la oveja negra de esta colección con su sabor campestre y su cuerno superior e inferior separado estéreo en un ladrido rápido de llamada y respuesta. Cascades" y "Butch & Butch" le recuerdan una vez más la época de principios de los años 60, cuando esta música era el rey, y por qué Hubbard era tan venerado como un joven maestro del idioma. Una compra imprescindible para todos los fans del jazz, y un Top Ten o Top Fifty favorito para muchos.

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Biografía de Scott Yanow

El blues y la verdad abstracta

Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

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Bill Evans featuring Toots Thielemans • Affinity

 

Bill Evans Trio • Time Remembered

 

Review by Scott Yanow
Pianist Bill Evans' final project for the Riverside label resulted in eight songs released as Bill Evans Trio at Shelly's Manne-Hole. This set doubles the program by adding eight previously unreleased selections. Evans, who is in fine form playing in a trio with bassist Chuck Israels and drummer Larry Bunker, often sounded more relaxed in concert than in studios and he stretches himself on the material (mostly standards), making one wonder why all of the music was not orignally released. This is one of the finest recordings by this particular trio. Worth searching for. 
https://www.allmusic.com/album/time-remembered-mw0000267569

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Reseña de Scott Yanow
El proyecto final del pianista Bill Evans para el sello Riverside resultó en ocho canciones lanzadas como Bill Evans Trio en Shelly's Manne-Hole. Este conjunto duplica el programa al agregar ocho selecciones inéditas. Evans, que está en buena forma tocando en un trío con el bajista Chuck Israels y el baterista Larry Bunker, a menudo sonaba más relajado en concierto que en los estudios y se estira con el material (en su mayoría estándares), lo que hace que uno se pregunte por qué toda la música no fue lanzada originalmente. Esta es una de las mejores grabaciones de este trío en particular. Vale la pena buscarlo. 
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Benny Golson, Bill Evans, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Ron Carter • Just Jazz!

 

George Russell • The Complete Bluebird Recordings

Biography
by Richard S. Ginell
While George Russell was very active as a free-thinking composer, arranger, and bandleader, his biggest effect upon jazz was in the quieter role of theorist. His great contribution, apparently the first by a jazz musician to general music theory, was a book with the intimidating title The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization, where he concocted a concept of playing jazz based on scales rather than chord changes. Published in 1953, Russell's theories directly paved the way for the modal revolutions of Miles Davis and John Coltrane -- and Russell even took credit for the theory behind Michael Jackson's huge hit "Wanna Be Startin' Somethin'," which uses the Lydian scale (no, he didn't ask for royalties). Russell's stylistic reach in his own compositions eventually became omnivorous, embracing bop, gospel, blues, rock, funk, contemporary classical elements, electronic music, and African rhythms in his ambitious extended works -- most apparent in his large-scale 1983 suite for an enlarged big band, The African Game. Like his colleague Gil Evans, Russell never stopped growing, but his work is not nearly as well-known as that of Evans, being more difficult to grasp and, in any case, not as well documented by U.S. record labels.

Russell's first instrument was the drums, which he played in the Boy Scout Drum and Bugle Corps and at local clubs when he was in high school. At 19, he was hospitalized with tuberculosis, but he used the enforced inactivity to learn the craft of arranging from a fellow patient. Once back on his feet, he played with Benny Carter, but after being replaced on drums by Max Roach, Russell began to zero in on composing and arranging. He moved to New York to join the crowd of young firebrands who gathered in Gil Evans' "salon," and he was actually invited to play drums in Charlie Parker's band. But once again, he fell ill, finding himself in a Bronx hospital for 16 months (1945-1946), where he began to formulate the ideas for the Lydian Concept. Upon his recovery, Russell leaped into the embryonic fusion of bebop and Afro-Cuban rhythms by writing "Cubana Be" and "Cubana Bop," which the Dizzy Gillespie big band recorded in 1947. He contributed arrangements to Claude Thornhill and Artie Shaw in the late '40s and wrote the first (and not the last) speculative scenario of a meeting between Charlie Parker and Igor Stravinsky, "A Bird in Igor's Yard," recorded by Buddy De Franco.

While working on his Lydian theories, Russell dropped out of active music-making for a while, working at a sales counter in Macy's when his book was published. But when he resumed composing in 1956, he had established himself as an influential force in jazz. Russell's connection with Gunther Schuller resulted in the commission of "All About Rosie" for the 1957 Brandeis University jazz festival, and he also taught at the Lenox School of Jazz that Schuller co-founded. He formed a rehearsal sextet in the mid-'50s that became known as the George Russell Smalltet, with Art Farmer, Bill Evans, Hal McKusick, Barry Galbraith, and various drummers and bassists. Their 1956 recording Jazz Workshop (RCA Victor) became a landmark of its time, and Russell continued to record intriguing LPs for Decca in the late '50s and Riverside in the early '60s. Another key album from this period, Ezz-Thetics, featured two important progressive players, Eric Dolphy and Don Ellis.

Finding the American jazz scene too confining for his music, Russell left for Europe in 1963, living in Sweden for five years. From his new base, he toured Scandinavia with a new sextet of European players and received numerous commissions -- including a ballet based on Othello, a mass, and the orchestral suite Electronic Sonata for Souls Loved by Nature: 1980. Upon his return to the U.S. in 1969, he joined the faculty of the New England Conservatory of Music, where Schuller had started a jazz department, and this gave him a secure base from which to tour occasionally with his own groups. Russell stopped composing from 1972 to 1978 in order to finish a second volume on the Lydian Chromatic Concept. He led a 19-piece big band at the Village Vanguard for six weeks in 1978, played the Newport Jazz Festival when it was based in New York City, and made tours of Italy, the U.S. West Coast, and England in the '80s.

Russell's most imposing latter-day commissions included "An American Trilogy" and the monumental three-hour work "Time Line" for symphony orchestra, jazz ensembles, rock groups, choir, and dancers. In addition to The African Game and So What on Blue Note, Russell made recordings for Soul Note in the '70s and '80s and Label Bleu in the '90s, while continuing to teach at the New England Conservatory and leading his Living Time Orchestra big band into the 21st century. In 2005 George Russell & the Living Time Orchestra's The 80th Birthday Concert, released on the Concept label, celebrated the legendary octogenarian's contributions to the art of jazz with performances of some of his most groundbreaking extended compositions and arrangements. George Russell died in Boston on July 27, 2009 of complications from Alzheimer's disease; he was 86 years old.
https://www.allmusic.com/artist/george-russell-mn0000646353/biography

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Biografía
por Richard S. Ginell
Aunque George Russell fue un compositor, arreglista y director de orquesta muy activo y librepensador, su mayor influencia en el jazz se produjo en su papel más discreto de teórico. Su gran contribución, al parecer la primera de un músico de jazz a la teoría musical general, fue un libro de título intimidatorio, The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization (El concepto cromático lidio de la organización tonal), en el que ideó un concepto de tocar jazz basado en escalas y no en cambios de acordes. Publicadas en 1953, las teorías de Russell allanaron directamente el camino a las revoluciones modales de Miles Davis y John Coltrane, e incluso se atribuyó el mérito de la teoría del gran éxito de Michael Jackson "Wanna Be Startin' Somethin'", que utiliza la escala lidia (no, no pidió derechos de autor). Con el tiempo, el alcance estilístico de las composiciones de Russell se hizo omnívoro, abarcando el bop, el gospel, el blues, el rock, el funk, elementos clásicos contemporáneos, la música electrónica y los ritmos africanos en sus ambiciosas obras ampliadas, más evidentes en su suite a gran escala de 1983 para big band ampliada, The African Game. Al igual que su colega Gil Evans, Russell nunca dejó de crecer, pero su obra no es tan conocida como la de Evans, por ser más difícil de comprender y, en cualquier caso, no estar tan bien documentada por los sellos discográficos estadounidenses.

El primer instrumento de Russell fue la batería, que tocaba en el Boy Scout Drum and Bugle Corps y en clubes locales cuando estaba en el instituto. A los 19 años fue hospitalizado por tuberculosis, pero aprovechó la inactividad forzosa para aprender el oficio de arreglista de un compañero. Una vez recuperado, tocó con Benny Carter, pero tras ser sustituido en la batería por Max Roach, Russell empezó a centrarse en la composición y los arreglos. Se trasladó a Nueva York para unirse a la multitud de jóvenes fogosos que se reunían en el "salón" de Gil Evans, y de hecho fue invitado a tocar la batería en la banda de Charlie Parker. Pero, una vez más, cayó enfermo y estuvo ingresado en un hospital del Bronx durante 16 meses (1945-1946), donde empezó a formular las ideas del Lydian Concept. Tras su recuperación, Russell se lanzó a la embrionaria fusión del bebop y los ritmos afrocubanos escribiendo "Cubana Be" y "Cubana Bop", que la big band de Dizzy Gillespie grabó en 1947. Contribuyó con arreglos a Claude Thornhill y Artie Shaw a finales de los años 40 y escribió el primer (y no el último) escenario especulativo de un encuentro entre Charlie Parker e Igor Stravinsky, "A Bird in Igor's Yard", grabado por Buddy De Franco.

Mientras trabajaba en sus teorías lidias, Russell abandonó la música activa durante un tiempo, trabajando en un mostrador de ventas en Macy's cuando se publicó su libro. Pero cuando volvió a componer en 1956, se había establecido como una fuerza influyente en el jazz. La conexión de Russell con Gunther Schuller se tradujo en el encargo de "All About Rosie" para el festival de jazz de la Universidad Brandeis de 1957, y también dio clases en la Lenox School of Jazz que cofundó Schuller. A mediados de los 50 formó un sexteto de ensayo que se conoció como George Russell Smalltet, con Art Farmer, Bill Evans, Hal McKusick, Barry Galbraith y varios bateristas y bajistas. Su grabación de 1956 Jazz Workshop (RCA Victor) se convirtió en un hito de su época, y Russell continuó grabando interesantes LPs para Decca a finales de los 50 y para Riverside a principios de los 60. Otro álbum clave de este periodo, Ezz-Thetics, incluía a dos importantes músicos progresivos, Eric Dolphy y Don Ellis.

Al considerar que la escena jazzística estadounidense era demasiado restrictiva para su música, Russell se marchó a Europa en 1963 y vivió cinco años en Suecia. Desde allí realizó giras por Escandinavia con un nuevo sexteto de músicos europeos y recibió numerosos encargos, entre ellos un ballet basado en Otelo, una misa y la suite orquestal Sonata electrónica para almas amadas por la naturaleza: 1980. A su regreso a Estados Unidos en 1969, se incorporó al cuerpo docente del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra, donde Schuller había creado un departamento de jazz, lo que le proporcionó una base segura desde la que realizar ocasionalmente giras con sus propios grupos. Russell dejó de componer de 1972 a 1978 para terminar un segundo volumen sobre el concepto cromático lidio. Dirigió una big band de 19 músicos en el Village Vanguard durante seis semanas en 1978, actuó en el Festival de Jazz de Newport cuando éste tenía su sede en Nueva York, y realizó giras por Italia, la costa oeste de Estados Unidos e Inglaterra en los años 80.

Entre los últimos encargos más imponentes de Russell figuran "An American Trilogy" y la monumental obra de tres horas "Time Line" para orquesta sinfónica, conjuntos de jazz, grupos de rock, coro y bailarines. Además de The African Game y So What en Blue Note, Russell grabó para Soul Note en los años 70 y 80 y para Label Bleu en los 90, al tiempo que seguía enseñando en el Conservatorio de Nueva Inglaterra y dirigía su big band Living Time Orchestra en el siglo XXI. En 2005 George Russell & the Living Time Orchestra's The 80th Birthday Concert, publicado por el sello Concept, celebraba las contribuciones del legendario octogenario a la música y a la cultura.

Tony Scott • Sung Heroes

 

Review by Scott Yanow
This melancholy date (released for the first time in 1986) was clarinetist Tony Scott's last before heading for Europe. He was mourning the deaths of many of his heroes, and among his pieces are "Misery (To Lady Day)," "Remembrance of Art Tatum" and "Requiem for 'Hot Lips' Page." On three selections, Scott is backed by the classic Bill Evans Trio (with bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian). In addition, Scott plays baritone and guitar on one tune apiece and duets with guitarist Juan Sastre on the final number. However, even with the strong playing, the downbeat nature of the material makes this album of only historical interest. 
https://www.allmusic.com/album/sung-heroes-mw0000207080

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Reseña de Scott Yanow
Esta melancólica grabación (publicada por primera vez en 1986) fue la última del clarinetista Tony Scott antes de partir hacia Europa. Estaba de luto por la muerte de muchos de sus héroes, y entre sus piezas se encuentran «Misery (To Lady Day)», «Remembrance of Art Tatum» y «Requiem for “Hot Lips” Page». En tres selecciones, Scott cuenta con el respaldo del clásico trío de Bill Evans (con el bajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian). Además, Scott toca el barítono y la guitarra en una canción cada uno y hace un dúo con el guitarrista Juan Sastre en el último tema. Sin embargo, a pesar de la fuerza de la interpretación, el carácter melancólico del material hace que este álbum solo tenga interés histórico. 
https://www.allmusic.com/album/sung-heroes-mw0000207080

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)

 

Herbie Mann & The Bill Evans Trio • Nirvana

It is surprising that this obscure session featuring Herbie Mann with the Bill Evans Trio (making its first recordings following the sudden death of bassist Scott LaFaro just a short time after the trio's landmark gig at the Village Vanguard) only reappeared on LP during the initial wave of CD reissues during the 1980s, but it is available once again nearly 40 years after it was completed. Mann, who has changed his style numerous times throughout his long career, is heard exclusively in a straight-ahead and bop context on this pair of studio dates. Evans, who studied flute through his college years, rarely recorded with a flutist (Jeremy Steig joined him on a later record for Verve), though he was fond of the instrument; the capable Chuck Israels on bass and drummer Paul Motian round out the trio. The low-key "Willow Weep for Me" and impressionist composer Erik Satie's Gymnopedie bring out the lyricism of Mann's playing, though the trio's backing is very understated. Things open up a bit with a sparkling take of Cole Porter's "I Love You." Mann's two originals, "Nirvana" and "Cashmere," aren't quite as memorable; substituting one of Evans' compositions for either of them might have provided some additional spark.
by Ken Dryden

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Es sorprendente que esta oscura sesión en la que participa Herbie Mann con el Bill Evans Trio (haciendo sus primeras grabaciones tras la repentina muerte del bajista Scott LaFaro, poco después de la histórica actuación del trío en el Village Vanguard) sólo reapareció en LP durante la primera ola de reediciones de CD durante los años 80, pero está disponible de nuevo casi 40 años después de su finalización. Mann, que ha cambiado de estilo en numerosas ocasiones a lo largo de su larga carrera, se escucha exclusivamente en un contexto straight-ahead y bop en este par de fechas de estudio. Evans, que estudió flauta durante sus años de universidad, rara vez grabó con un flautista (Jeremy Steig se le unió en un disco posterior para Verve), aunque le gustaba el instrumento; el capaz Chuck Israels en el bajo y el baterista Paul Motian completan el trío. El bajo "Willow Weep for Me" y la Gymnopedie del compositor impresionista Erik Satie resaltan el lirismo de la interpretación de Mann, aunque el respaldo del trío es muy discreto. Las cosas se abren un poco con una brillante toma de "I Love You" de Cole Porter. Los dos originales de Mann, "Nirvana" y "Cachemira", no son tan memorables; sustituir una de las composiciones de Evans por cualquiera de ellas podría haber proporcionado alguna chispa adicional.

por Ken Dryden