Jack Sheldon & his Exciting All-Star Big Band • Jack's Groove

 

Biography
Along with Lester Young in the '30s, Dizzy Gillespie in the '40s, and Zoot Sims in the '50s, Jack Sheldon is one of the Original Lions of the West Coast Sound. Jack's a premier improviser, is one of only a handful of trumpet players throughout jazz history who has developed his own distinctive "signature sound". It's an inimitable sound that comes from his heart and soul, what Miles Davis called "a voice".

As an integral part of the West Coast Scene of the 1950s, he played an important role in developing that era's bebop- inspired sound. His solid connection to that vibrant period in West coast Jazz surfaces with each impeccable solo.

Sheldon's collaborative list is indeed long and impressive: Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Curtis Counce, Shelly Manne, Art Pepper, Frank Sinatra, Benny Goodman, Stan Kenton, Mel Torme, Tony Bennett, Lena Horne, Peggy Lee, Sammy Davis Jr., Rosemary Clooney, Diane Schuur and many other greats.

Nominated five times for the Playboy International Artist Of The Year Award, Jack Sheldon continues to dazzle audiences with his prodigious chops and unerring sense of swing. Sheldon has been featured on innumerable soundtracks. It was his sensuous trumpet solo that immortalized Johnny Mandel's The Shadow of Your Smile from the Taylor-Burton film The Sandpiper. Today, his lyrical trumpet continues to garner the spotlight on soundtracks like Object of Beauty, The Super, White Men Can'tJump, For The Boys, Mr. Saturday Night, and his trumpet work is heard like a character in the Francis Ford Coppla film One From The Heart.

A sublime vocalist, Jack Sheldon has been ranked as one of the top jazz singers of the day. In addition to the many recordings show casing his trumpet, he's been a featured singer on soundtracks as well.

Jack Sheldon made his acting/comedy debut on The Steve Allen Show. His comedic skill was an immediate hit and he was soon given his own TV sitcom by CBS, Run Buddy Run. Over the years Sheldon has also appeared regularly on various television series including Dragnet, and Star Trek-The Next Generation. But his most powerful and popular TV stint was his tremendously successful 18 year association with Merv Griffin as featured soloist, resident comedian and musical director on The Merv Griffin Show.

In 2008 a feature documentray film opened, Trying to Get Good: The Jazz Odyssey of Jack Sheldon, celebrated with many notable music and film personalities in interviews and rare archival films with Jack playing with Benny Goodman, Chet Baker and with his own remarkable band.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jack-sheldon

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Biografía
Junto con Lester Young en los años 30, Dizzy Gillespie en los 40 y Zoot Sims en los 50, Jack Sheldon es uno de los Leones Originales del Sonido de la Costa Oeste. Jack es un improvisador de primera categoría, uno de los pocos trompetistas de la historia del jazz que ha desarrollado su propio "sonido característico". Es un sonido inimitable que le sale del corazón y del alma, lo que Miles Davis llamaba "una voz".

Como parte integrante de la West Coast Scene de los años 50, desempeñó un papel importante en el desarrollo del sonido bebop de aquella época. Su sólida conexión con ese vibrante periodo del jazz de la costa oeste aflora con cada impecable solo.

La lista de colaboradores de Sheldon es larga e impresionante: Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Curtis Counce, Shelly Manne, Art Pepper, Frank Sinatra, Benny Goodman, Stan Kenton, Mel Torme, Tony Bennett, Lena Horne, Peggy Lee, Sammy Davis Jr, Rosemary Clooney, Diane Schuur y muchos otros grandes.

Nominado cinco veces al premio Playboy International Artist Of The Year, Jack Sheldon sigue deslumbrando al público con sus prodigiosas habilidades y su infalible sentido del swing. Sheldon ha participado en innumerables bandas sonoras. Fue su sensual solo de trompeta el que inmortalizó The Shadow of Your Smile, de Johnny Mandel, en la película de Taylor-Burton The Sandpiper. Hoy en día, su trompeta lírica sigue acaparando la atención en bandas sonoras como Object of Beauty, The Super, White Men Can'tJump, For The Boys, Mr. Saturday Night, y su trabajo de trompeta se escucha como un personaje más en la película de Francis Ford Coppla One From The Heart.

Vocalista sublime, Jack Sheldon ha sido clasificado como uno de los mejores cantantes de jazz del momento. Además de las numerosas grabaciones en las que muestra su trompeta, también ha sido cantante en bandas sonoras.

Jack Sheldon debutó como actor y cómico en The Steve Allen Show. Su habilidad para la comedia fue un éxito inmediato y pronto la CBS le dio su propia serie de televisión, Run Buddy Run. A lo largo de los años, Sheldon también ha aparecido con regularidad en varias series de televisión, como Dragnet y Star Trek-The Next Generation. Pero su etapa televisiva más poderosa y popular fue su exitosa asociación con Merv Griffin durante 18 años como solista, cómico residente y director musical en The Merv Griffin Show.

En 2008 se estrenó un largometraje documental, Trying to Get Good: The Jazz Odyssey of Jack Sheldon, en el que se entrevista a numerosas personalidades de la música y el cine y se muestran películas de archivo de Jack tocando con Benny Goodman, Chet Baker y con su propia banda.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jack-sheldon

Al Cohn • Jazz Mission To Moscow

 

Review
by Scott Yanow
In 1962 Benny Goodman had a historic visit to the Soviet Union, touring with a big band full of young all-stars. After the orchestra returned to the U.S., tenor saxophonist Al Cohn (who had not made the trip but did write some of Goodman's charts) put together an album (also released by Colpix) using many of the sidemen and paying tribute to the event. Strangely enough none of the six numbers are Cohn originals and he does not play on the record although he arranged all of the music. Of the six songs, "Mission to Moscow," "Let's Dance" and "Russian Lullaby" were part of Goodman's repertoire. Altoist Phil Woods effectively doubles on clarinet and other soloists include tenor saxophonist Zoot Sims, trumpeter Marky Markowitz and trombonist Willie Dennis. An interesting set of modern swing but this LP has been unfortunately long out-of-print.
https://www.allmusic.com/album/jazz-mission-to-moscow-mw0000891259

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Reseña
por Scott Yanow
En 1962, Benny Goodman realizó una visita histórica a la Unión Soviética, con una gran banda llena de jóvenes estrellas. Después de que la orquesta regresara a los Estados Unidos, el saxofonista tenor Al Cohn (que no había hecho el viaje, pero que escribió algunos de los temas de Goodman) grabó un álbum (también publicado por Colpix) utilizando a muchos de los músicos secundarios y rindiendo homenaje al evento. Curiosamente, ninguno de los seis números es original de Cohn y éste no toca en el disco, aunque sí arregló toda la música. De las seis canciones, "Mission to Moscow", "Let's Dance" y "Russian Lullaby" formaban parte del repertorio de Goodman. El contralto Phil Woods dobla eficazmente al clarinete y otros solistas son el saxofonista tenor Zoot Sims, el trompetista Marky Markowitz y el trombonista Willie Dennis. Un conjunto interesante de swing moderno, pero este LP está desgraciadamente agotado desde hace tiempo.
https://www.allmusic.com/album/jazz-mission-to-moscow-mw0000891259

The View from the Back of the Band: The Life and Music of Mel Lewis

 

Mel Lewis (1929–1990) was born Melvin Sokoloff to Jewish Russian immigrants in Buffalo, New York. He first picked up his father’s drumsticks at the age of two and at seventeen he was a full-time professional musician. The View from the Back of the Band is the first biography of this legendary jazz drummer. For over fifty years, Lewis provided the blueprint for how a drummer could subtly support any musical situation. While he made his name with Stan Kenton and Thad Jones, and with his band at the Village Vanguard, it was the hundreds of recordings that he made as a sideman and his ability to mentor young musicians that truly defined his career.

Away from the drums, Lewis's passionate and outspoken personality made him one of jazz music's greatest characters. It is often through Lewis's own anecdotes, as well as many from the musicians who knew him best, that this book traces the career of one of the world’s greatest drummers. Previously unpublished interviews, personal memoirs, photos, musical transcriptions, and a selected discography add to this comprehensive biography. 

Chris Smith (Author)

Dave Pell • A Pell Of A Time

 

Biography by Richard S. Ginell
Dave Pell started out touring with the Tony Pastor, Bob Astor, and Bobby Sherwood bands as a teenager, before moving to California in the mid-'40s. He found work with Bob Crosby on the latter's Ford radio show in 1946, then played with the Les Brown band from 1947 to 1955. Drawing from the ranks of the Brown band, he began leading his own groups in 1953, usually in an octet format, augmented by guests like Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich, and Art Pepper. He also played as a sideman on records by Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman, and Gene Krupa in the 1950s, while recording under his own name for Atlantic, Kapp, Coral, Capitol, and RCA Victor. His primary focus of activity in the 1950s and '60s was in the record business, working as a producer for the budget Tops label in the '50s, and Liberty (where he supervised a few hit pop/rock records for Gary Lewis & the Playboys) and briefly Uni in the '60s. He formed a group in the late '70s called Prez Conference, a variation on the theme of Supersax, as a tribute to Lester Young, recording two albums for GNP/Crescendo. In the '80s and '90s, Pell revived his octet for recordings on the Fresh Sound (1984) and Headfirst (1988) labels, and sporadic live dates in the Los Angeles area, including an appearance at the Jazz West Coast festival in 1994.
https://www.allmusic.com/artist/dave-pell-mn0000690700/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Dave Pell empezó a hacer giras con las bandas de Tony Pastor, Bob Astor y Bobby Sherwood cuando era adolescente, antes de mudarse a California a mediados de los 40. Encontró trabajo con Bob Crosby en el programa de radio de este último en 1946, y luego tocó con la banda de Les Brown de 1947 a 1955. Procedente de las filas de la banda Brown, comenzó a liderar sus propios grupos en 1953, normalmente en formato de octeto, aumentado por invitados como Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich y Art Pepper. También tocó como sideman en discos de Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman y Gene Krupa en los años 50, mientras grababa bajo su propio nombre para Atlantic, Kapp, Coral, Capitol y RCA Victor. Su principal actividad en los años 50 y 60 fue en el negocio de los discos, trabajando como productor para el sello Tops en los años 50, y Liberty (donde supervisó algunos éxitos de pop/rock para Gary Lewis & the Playboys) y brevemente Uni en los 60. Formó un grupo a finales de los 70 llamado Prez Conference, una variación del tema de Supersax, como tributo a Lester Young, grabando dos álbumes para GNP/Crescendo. En los años 80 y 90, Pell revivió su octeto para grabaciones en los sellos Fresh Sound (1984) y Headfirst (1988), y fechas esporádicas en vivo en el área de Los Ángeles, incluyendo una aparición en el festival Jazz West Coast en 1994.
https://www.allmusic.com/artist/dave-pell-mn0000690700/biography

 

Eddie Daniels • First Prize!

 

Gary McFarland & Co. Clark Terry • Tijuana Jazz

 

Bill Perkins-Richie Kamuca-Art Pepper • Just Friends

 

A mixture of sessions with Art on selected tracks, though in 1956 one was lucky to find him playing between incarcerations, and fellow West Coast tenor Richie Kamuca on others. Kamuca died young of cancer, and the rather shy Bill Perkins is better known for his appearances in the Lighthouse All Stars, of Hermosa Beach Lighthouse cafe fame. During the 1960s Perkins had a dual career as a studio musician and a recording engineer, which may explain the audio quality.
https://londonjazzcollector.wordpress.com/2012/01/07/bill-perkins-art-pepper-just-friends-1957/

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Una mezcla de sesiones con Art en algunas pistas seleccionadas, aunque en 1956 se tuvo la suerte de encontrarlo tocando entre encarcelamientos, y con su compañero tenor de la costa oeste Richie Kamuca en otras. Kamuca murió joven de cáncer, y el bastante tímido Bill Perkins es más conocido por sus apariciones en los Lighthouse All Stars, famosos por el café Hermosa Beach Lighthouse. Durante la década de 1960, Perkins tuvo una doble carrera como músico de estudio e ingeniero de grabación, lo que puede explicar la calidad del audio.
https://londonjazzcollector.wordpress.com/2012/01/07/bill-perkins-art-pepper-just-friends-1957/

Paul Desmond-Gerry Mulligan • Two of A Mind

 

Benny Carter • Sax ala Carter!

 

Cal Tjader • Hip Vibrations

Tjader's group is augmented by a brass section featuring such heavyweights as J.J. Johnson and Marvin Stamm. Herbie Hancock's on piano, Ron Carter and Richard Davis alternate on bass, Ray Barretto is on conga and Benny Golson arranged most of the tracks.

The brass gives the 'Tjader sound' an additional kick, while the typical Verve formula is retained with a mixture of jazz standards and pop hits of the day. Highlights are a feel-good version of Windy, which adapts perfectly to the latin jazz treatment, a nice arrangement with some Brazilian percussion for the Baden Powell/Vinicius de Moraes standard Canto de Ossanha and some great soloing from Hancock on the longer pieces Django and Blues March.

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El grupo de Tjader se amplía con una sección de latón que incluye a pesos pesados como J.J. Johnson y Marvin Stamm. Herbie Hancock está en el piano, Ron Carter y Richard Davis se alternan en el bajo, Ray Barretto está en la conga y Benny Golson arregló la mayoría de los temas.

Los metales le dan al 'sonido Tjader' un toque adicional, mientras que la fórmula típica de Verve se mantiene con una mezcla de estándares de jazz y éxitos pop del día. Lo más destacado es una versión para sentirse bien de Windy, que se adapta perfectamente al tratamiento del jazz latino, un bonito arreglo con algo de percusión brasileña para el Canto de Ossanha del estándar de Baden Powell/Vinicius de Moraes y algunos grandes solos de Hancock en las piezas más largas Django y Blues March.

 

 

Thad Jones-Mel Lewis Orchestra • Live In Paris [1978]

 

James Moody • Moody And The Brass Figures

 

Review
by Scott Yanow
For this Milestone LP (not yet reissued on CD), James Moody leaves his alto at home and mostly sticks to tenor (although he switches to flute on "Cherokee"). Five of the nine selections feature Moody with a five-piece brass section (three trumpets, one trombone and a tuba) and a top-notch rhythm section consisting of pianist Kenny Barron, bassist Bob Cranshaw and drummer Mel Lewis. Tom McIntosh's arrangements are functional but unexciting, with only "Au Privave" catching much fire. Best are the four other numbers which showcase the tenorman with only the rhythm section. Not content to be a mere bebop revivalist, Moody is heard throughout pushing himself, and there are some good moments from Barron too.
https://www.allmusic.com/album/moody-and-the-brass-figures-mw0000224508

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Reseña
por Scott Yanow
Para este LP histórico (aún no reeditado en CD), James Moody deja su alto en casa y se apega principalmente al tenor (aunque cambia a la flauta en "Cherokee"). Cinco de las nueve selecciones presentan a Moody con una sección de metales de cinco piezas (tres trompetas, un trombón y una tuba) y una sección rítmica de primer nivel compuesta por el pianista Kenny Barron, el bajista Bob Cranshaw y el baterista Mel Lewis. Los arreglos de Tom McIntosh son funcionales pero poco emocionantes, con solo" Au Privave " atrayendo mucho fuego. Los mejores son los otros cuatro números que muestran al tenorman con solo la sección rítmica. No contento con ser un mero revivalista de bebop, Moody se escucha a lo largo de empujarse a sí mismo, y también hay algunos buenos momentos de Barron.
https://www.allmusic.com/album/moody-and-the-brass-figures-mw0000224508

Bill Perkins • Just Friends

 

 Bill Perkins was one of the quiet lions of West Coast jazz, soft-spoken, humble and gentle in conversation, but capable of raising the roof onstage. On tenor sax, like many of his contemporaries, he channeled the spirit of Lester Young. On soprano sax his tone was more angular, hard-bitten, leaning almost towards the avant-garde. He was an electrical whiz who held patents on two synthesized wind instruments, and a kindly mentor who wouldn’t hesitate to take time after a gig to talk shop with younger players. “Perk” was one of the most unique and beloved icons of West Coast jazz, yet one who always wore the “icon” label with unease. William Reese Perkins was born in San Francisco on July 22, 1924. His first instrument was the clarinet, which he abandoned at fifteen in favor of the tenor sax. His father, a mining engineer, died while Bill was still in his teens. His mother continued to raise him in Santa Barbara, where Perkins’ interests were torn between engineering and music. He split the difference, studying electrical engineering at Cal Tech and music at Westlake College and U.C. Santa Barbara, all thanks to the G.I. Bill.

Perkins’ first regular professional gig was with Jerry Wald’s band in Los Angeles. In May 1951 he joined the Woody Herman band, which gave him his first major exposure. In fact, his initiation into the Herman Herd was like being thrown into the fire: Herman’s manager called in the middle of a performance at the Palladium and practically begged Perkins to come down and replace a tenorman who had just been fired. His interest in the “Prez tone” helped him fit in with Herman’s other Lester Young acolytes, and he made several impressive records with the Third Herd including “Ill Wind”.

In 1953 Perkins and his fellow tenorman Richie Kamuca moved from Herman’s band to the Stan Kenton aggregation. Both men made the adjustment from upbeat bop to Kenton’s more cerebral sounds with ease. “Yesterdays” became Perkins’ signature tune with the band, demanded perhaps more than any other piece in the catalog. He also began doing sideline gigs with fellow Kentonians, including Shorty Rogers’ popular Giants. Perkins also worked with pianist John Lewis, altoman Art Pepper, vibraphonist Terry Gibbs’ Dream Band, and other projects. His first sessions as a leader came in 1956 (“The Bill Perkins Octet on Stage”, on Pacific Jazz).

The 1960s saw two radical changes in Perkins’ career. First, he began working regularly as a recording engineer when jazz gigs began to get more scarce. More significant in his playing career was his embracing of the new sounds being explored by Sonny Rollins and John Coltrane. Few of Perkins’ associates on the West Coast shared his enthusiasm, but he began assimilating new elements into his own style, particularly on soprano sax. He landed occasional film work, including a job with Duke Ellington’s band on the soundtrack of Frank Sinatra’s now-overlooked “Assault on a Queen”.

In 1969 Perkins gave up the road in favor of full-time studio work, joining Doc Severinsen’s Tonight Show Band where he remained for almost a quarter-century. For most of the 1970s he worked with the Toshiko Akiyoshi-Lew Tabackin Big Band and Bill Holman’s group, and occasionally returned to Woody Herman’s side for special projects. Shorty Rogers remained a close cohort until the trumpeter’s death; the two friends continued to work together in the Lighthouse All-Stars in the 1980s and 90s. Perkins moved from the baritone sax chair to cover the All-Stars tenor parts following Bob Cooper’s sudden death in 1993.

Always content to operate under the direction of others, Perkins did not record that frequently as a leader. The 1966 date “Quietly There”, with Victor Feldman on piano, organ and vibes, retains much of its charm in hindsight. His patented sax-synthesizer can be heard on 1984’s “Journey to the East”. In 1990 he recorded “I Wished on the Moon” with the Dutch Metropole Orchestra, a disc which was soundly applauded by his ardent fans, and followed up with his own band on “Our Man Woody” the following year. The forward-looking “Frame of Mind” (1993, Interplay) was one of the finest recordings of his career, and in ’95 he paid homage to a lifelong influence on “Perk Plays Prez” (Fresh Sound).

In the early 90s Perkins began his first battle with cancer, a disease which would plague him for the rest of his life. He fought lung, hip and throat ailments for over a decade, enduring nine operations on his throat alone. All the while he continued to perform as often as possible, doing workshops and club gigs around the world. He kept up his regular appearances at Kenton and Rogers tributes until he was simply too ill to continue.

Bill Perkins finally succumbed to the effects of cancer on August 9, 2003 at his home in Sherman Oaks, California. He is survived by his second wife, one son and one daughter.
https://jazzbarisax.com/baritone-saxophonists/bop-style/bill-perkins/

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Bill Perkins fue uno de los leones tranquilos del jazz de la costa oeste, de voz suave, humilde y gentil en la conversación, pero capaz de levantar el techo en el escenario. En el saxo tenor, como muchos de sus contemporáneos, canalizó el espíritu de Lester Young. En el saxo soprano su tono era más anguloso, duro, inclinado casi hacia la vanguardia. Era un genio de la electricidad que tenía patentes de dos instrumentos de viento sintetizados, y un amable mentor que no dudaría en tomarse un tiempo después de un concierto para hablar de trabajo con jugadores más jóvenes. "Perk" fue uno de los iconos más únicos y queridos del jazz de la Costa Oeste, sin embargo, uno que siempre usó la etiqueta de "icono" con malestar. William Reese Perkins nació en San Francisco el 22 de julio de 1924. Su primer instrumento fue el clarinete, que abandonó a los quince años en favor del saxo tenor. Su padre, un ingeniero de minas, murió cuando Bill aún era adolescente. Su madre continuó criándolo en Santa Bárbara, donde los intereses de Perkins estaban divididos entre la ingeniería y la música. Dividió la diferencia, estudiando ingeniería eléctrica en Cal Tech y música en Westlake College y en la Universidad de California en Santa Bárbara, todo gracias a la Ley G.I. Bill.

El primer concierto profesional regular de Perkins fue con la banda de Jerry Wald en Los Ángeles. En mayo de 1951 se unió a la banda Woody Herman, lo que le dio su primera gran exposición. De hecho, su iniciación en el Herman Herd fue como ser arrojado al fuego: El manager de Herman llamó en medio de una actuación en el Palladium y prácticamente le rogó a Perkins que bajara y reemplazara a un tenista que acababa de ser despedido. Su interés por el "Prez tone" le ayudó a encajar con los otros acólitos de Lester Young de Herman, y grabó varios discos impresionantes con el Third Herd, entre ellos "Ill Wind".

En 1953 Perkins y su compañero de tenis Richie Kamuca pasaron de la banda de Herman a la de Stan Kenton. Ambos hombres hicieron el ajuste del bop optimista a los sonidos más cerebrales de Kenton con facilidad. "Yesterdays" se convirtió en la sintonía de Perkins con la banda, exigiendo quizás más que cualquier otra pieza del catálogo. También comenzó a hacer conciertos secundarios con sus compatriotas de Kenton, incluyendo a los populares Giants de Shorty Rogers. Perkins también trabajó con el pianista John Lewis, Altoman Art Pepper, el vibrafonista Terry Gibbs' Dream Band y otros proyectos. Sus primeras sesiones como líder llegaron en 1956 ("The Bill Perkins Octet on Stage", en Pacific Jazz).

En la década de 1960 se produjeron dos cambios radicales en la carrera de Perkins. Primero, comenzó a trabajar regularmente como ingeniero de grabación cuando las actuaciones de jazz comenzaron a escasear. Más significativo en su carrera como músico fue su aceptación de los nuevos sonidos que están siendo explorados por Sonny Rollins y John Coltrane. Pocos de los asociados de Perkins en la Costa Oeste compartían su entusiasmo, pero él comenzó a asimilar nuevos elementos en su propio estilo, particularmente en el saxo soprano. Trabajó ocasionalmente en el cine, incluyendo un trabajo con la banda de Duke Ellington en la banda sonora de "Assault on a Queen" de Frank Sinatra, que ahora se pasa por alto.

En 1969 Perkins abandonó la carretera en favor de un trabajo de estudio a tiempo completo, uniéndose a la Tonight Show Band de Doc Severinsen, donde permaneció durante casi un cuarto de siglo. Durante la mayor parte de la década de 1970 trabajó con la Toshiko Akiyoshi-Lew Tabackin Big Band y el grupo de Bill Holman, y ocasionalmente regresó al lado de Woody Herman para proyectos especiales. Shorty Rogers se mantuvo como una cohorte cercana hasta la muerte del trompetista; los dos amigos continuaron trabajando juntos en el Lighthouse All-Stars en los años 80 y 90. Perkins se movió de la silla de saxo barítono para cubrir las partes de tenor de las All-Stars después de la muerte repentina de Bob Cooper en 1993.

Siempre contento de operar bajo la dirección de otros, Perkins no registraba tan frecuentemente como líder. La fecha de 1966 "Quietly There", con Victor Feldman al piano, el órgano y las vibraciones, conserva mucho de su encanto en retrospectiva. Su sintetizador de saxo patentado se puede escuchar en "Viaje al Este" de 1984. En 1990 grabó "I Wish on the Moon" con la orquesta holandesa Metropole Orchestra, un disco que fue aplaudido por sus ardientes fans, y al año siguiente siguió con su propia banda en "Our Man Woody". El "Frame of Mind" (1993, Interplay) fue una de las mejores grabaciones de su carrera, y en `95 rindió homenaje a una influencia de toda una vida en "Perk Plays Prez" (Fresh Sound).

A principios de los años 90, Perkins comenzó su primera batalla contra el cáncer, una enfermedad que lo afectaría por el resto de su vida. Luchó contra dolencias pulmonares, de cadera y de garganta durante más de una década, sufriendo nueve operaciones sólo en su garganta. Todo el tiempo continuó actuando tan a menudo como le fue posible, haciendo talleres y conciertos en clubes de todo el mundo. Mantuvo sus apariciones regulares en los homenajes a Kenton y Rogers hasta que simplemente se enfermó demasiado para continuar.

Bill Perkins finalmente sucumbió a los efectos del cáncer el 9 de agosto de 2003 en su casa en Sherman Oaks, California. Le sobreviven su segunda esposa, un hijo y una hija.
https://jazzbarisax.com/baritone-saxophonists/bop-style/bill-perkins/

Terry Gibbs And His Exciting Big Band • Explosion!

 

 

 

Artist Biography
Terry Gibbs began his career at the age of 12 after winning the Major Bowes Amateur Hour Contest and subsequently began touring professionally. He spent many years as a drummer and percussionist playing gigs until his affinity for bebop motivated him to turn down a scholarship to Julliard as a timpanist and return to the vibes. Six decades of inspirational vibe playing and technique, Gibbs is recognized as one of the best ever to grace the genre of bop.

After World War II, Gibbs toured with Chubby Jackson, Buddy Rich and Woody Herman. He co-led a sextet with Louie Bellson and Charlie Shavers; and in 1950, he formed his own band for Mel Torme's TV show. In 1951, he joined the Benny Goodman Sextet. Subsequently, he toured with his own band where he won acclaim as “# 1 Vibraphonist in the world,” in both the down beat and Metronome polls from 1950 to 1955. Gibbs also played a role in breaking down the sex barrier in music, using pianists Terry Pollard, who he often featured in vibe duos, and Alice McLeod, who later married John Coltrane.

Settling in Los Angeles in 1957, he formed his big band known as “The Dream Band.” Comprised of Mel Lewis, Joe Maini, Frank Rosolino, Conte Candoli and Richard Kamuca, they were named “Best Band in the World” in the Downbeat '62 Critic's Poll.

Gibbs returned to New York in the early sixties only to move back to LA to take a position as Music Director for the Regis Philbin Show. This gave him the opportunity to compose the music and conduct a sextet. He later served as Music Director/Composer for the ABC TV show, Operation Entertainment and for Steve Allen, building a substantial ASCAP rating. Gibbs also taught Steve Allen to play the vibes.

Gibbs, throughout his illustrious career has enjoyed world acclaim playing with greats such as clarinetist Buddy DeFranco, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Horace Silver, Max Roach, Art Blakely, Elvin Jones and Tito Puente. Co-leading a quintet, he had an unprecedented nomination in four categories of the Playboy Jazz Poll: Best Vibraphonist, Best Quartet, Best Big Band and Best Band Leader. His association with DeFranco has spanned 18 years and is still an invigorating collaboration today.

With 65 albums to his credit, winner of 3 major jazz polls and creator of 300+ compositions (recorded by Gibbs, Nat Cole, Les Brown, Cannonball Adderly, Count Basie, George Shearing, etc.), Gibbs has left an indelible mark in the world of vibes.

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Biografía del artista
Terry Gibbs comenzó su carrera a la edad de 12 años después de ganar el Major Bowes Amateur Hour Contest y posteriormente comenzó a hacer giras profesionales. Pasó muchos años como baterista y percusionista tocando en conciertos hasta que su afinidad por el bebop lo motivó a rechazar una beca para Julliard como timbalista y regresar a las vibraciones. Seis décadas de inspiración y técnica, Gibbs es reconocido como uno de los mejores en el género del bop.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Gibbs hizo una gira con Chubby Jackson, Buddy Rich y Woody Herman. Dirigió un sexteto con Louie Bellson y Charlie Shavers; y en 1950, formó su propia banda para el programa de televisión de Mel Torme. En 1951, se unió al Sexteto de Benny Goodman. Posteriormente, realizó una gira con su propia banda en la que fue aclamado como el "Vibrafonista número 1 del mundo", tanto en el compás como en las encuestas del Metrónomo de 1950 a 1955. Gibbs también jugó un papel en romper la barrera del sexo en la música, usando a los pianistas Terry Pollard, a quienes a menudo presentaba en dúos vibrantes, y a Alice McLeod, quien más tarde se casó con John Coltrane.

Se estableció en Los Ángeles en 1957 y formó su gran banda conocida como "The Dream Band". Compuesto por Mel Lewis, Joe Maini, Frank Rosolino, Conte Candoli y Richard Kamuca, fueron nombrados "Mejor Banda del Mundo" en el Downbeat '62 Critic's Poll.

Gibbs regresó a Nueva York a principios de los años sesenta sólo para regresar a Los Ángeles y tomar un puesto como Director Musical para el Show de Regis Philbin. Esto le dio la oportunidad de componer la música y dirigir un sexteto. Más tarde se desempeñó como Director Musical/Compositor para el programa de televisión ABC, Operation Entertainment y para Steve Allen, obteniendo una calificación sustancial de ASCAP. Gibbs también enseñó a Steve Allen a tocar las vibraciones.

Gibbs, a lo largo de su ilustre carrera ha disfrutado de la aclamación mundial tocando con grandes figuras como el clarinetista Buddy DeFranco, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Horace Silver, Max Roach, Art Blakely, Elvin Jones y Tito Puente. Co-liderando un quinteto, tuvo una nominación sin precedentes en cuatro categorías de la Playboy Jazz Poll: Mejor Vibrafonista, Mejor Cuarteto, Mejor Big Band y Mejor Líder de Banda. Su asociación con DeFranco ha durado 18 años y sigue siendo una colaboración vigorizante en la actualidad.

Con 65 álbumes en su haber, ganador de 3 importantes encuestas de jazz y creador de más de 300 composiciones (grabadas por Gibbs, Nat Cole, Les Brown, Cannonball Adderly, Count Basie, George Shearing, etc.), Gibbs ha dejado una huella indeleble en el mundo de las vibraciones.

 

 

 
www.terrygibbs.net ...

 

Rhoda Scott • In New York with Thad Jones & Mel Lewis Big Band

 

The daughter of an AME minister, Scott spent much of her childhood in New Jersey, where she learned to play organ in the churches where her father served. Soon she herself was serving frequently as organist for youth and gospel choirs at her father's and other churches. Scott later studied classical piano, but she concentrated on the organ, eventually earning a Masters' degree in music theory from the Manhattan School of Music. By this time she had been asked by a choir member to fill in with a small band as a jazz pianist. Enjoying the music, she agreed to stay on with the band on condition that she be allowed to play organ instead of piano. Choosing as her instrument the Hammond Organ, she soon became a preeminent jazz musician.

Scott was first attracted to the organ in her father’s church at age seven. "It's really the most beautiful instrument in the world," she stated in a recent interview. "The first thing I did was take my shoes off and work the pedals." From then on she always played her church organ in her bare feet, and to this date she has continued the practice, earning her nicknames such as "The Barefoot Lady" and "The Barefoot Contessa." Following her lead, many other performers of popular organ music now also play barefoot. Because of her church training, however, Scott uses the pedals to play a genuine bass line, unlike many other jazz organists, which allows her to use her left hand for more elaborate chord work. The resulting music is an energetic fusion of musical styles that partakes of jazz, gospel, and classical, reflecting both Scott’s early experience and her formal training.

In 1967 Scott moved to France, where she has since spent most of her career and earned recognition far greater than that accorded to her in the United States, though she often performs in the latter country as well.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/rhoda-scott

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Hija de un pastor de la AME, Scott pasó gran parte de su infancia en Nueva Jersey, donde aprendió a tocar el órgano en las iglesias en las que trabajaba su padre. Pronto ella misma actuó con frecuencia como organista de coros juveniles y de gospel en la iglesia de su padre y en otras. Scott estudió piano clásico, pero se centró en el órgano y acabó obteniendo un máster en teoría musical en la Manhattan School of Music. Por aquel entonces, un miembro del coro le pidió que actuara como pianista de jazz en una pequeña banda. Como le gustaba la música, aceptó quedarse en la banda con la condición de que le permitieran tocar el órgano en lugar del piano. Eligió como instrumento el órgano Hammond y pronto se convirtió en una destacada músico de jazz.

La primera vez que Scott se sintió atraída por el órgano de la iglesia de su padre fue a los siete años. "Es realmente el instrumento más bello del mundo", declaró en una entrevista reciente. "Lo primero que hice fue quitarme los zapatos y tocar los pedales". Desde entonces siempre tocó el órgano de su iglesia descalza, y hasta la fecha ha continuado con esta práctica, lo que le ha valido apodos como "La dama descalza" y "La condesa descalza". Siguiendo su ejemplo, muchos otros intérpretes de música popular para órgano también tocan descalzos. Sin embargo, debido a su formación eclesiástica, Scott utiliza los pedales para tocar una auténtica línea de bajo, a diferencia de muchos otros organistas de jazz, lo que le permite utilizar la mano izquierda para un trabajo de acordes más elaborado. La música resultante es una enérgica fusión de estilos musicales que bebe del jazz, el gospel y la música clásica, reflejo tanto de la experiencia temprana de Scott como de su formación académica.

En 1967, Scott se trasladó a Francia, donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera y donde ha obtenido un reconocimiento mucho mayor que en Estados Unidos, aunque también actúa a menudo en este país.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/rhoda-scott


rhoda-scott.com ...

Jimmy Witherspoon • Blues For Easy Livers

 

Review
by Richie Unterberger
Despite the title, this actually leans considerably further to the jazz side of Witherspoon's muse than the blues one, with backing by Pepper Adams on baritone sax, Roger Kellaway on piano, Bill Watrous on trombone, Richard Davis on bass, and Mel Lewis on drums. The songs, too, are much more in the jazz/pop vein than the blues/jazz one, heavy on standards by the likes of Johnny Mercer, the Gershwins, and Ellington. Witherspoon's one of the masters of closing-time bluesy jazz, and he doesn't let anyone down on that account on this relaxed (but not sleepy) session.
https://www.allmusic.com/album/blues-for-easy-livers-mw0000184490

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Reseña
por Richie Unterberger
A pesar del título, en realidad se inclina considerablemente más hacia el lado jazzístico de la musa de Witherspoon que hacia el blues, con el apoyo de Pepper Adams al saxo barítono, Roger Kellaway al piano, Bill Watrous al trombón, Richard Davis al bajo y Mel Lewis a la batería. Las canciones también están mucho más en la onda del jazz/pop que en la del blues/jazz, con abundancia de estándares de la talla de Johnny Mercer, los Gershwin y Ellington. Witherspoon es uno de los maestros del blues jazz de última hora, y no defrauda a nadie en esta relajada (pero no somnolienta) sesión.
https://www.allmusic.com/album/blues-for-easy-livers-mw0000184490

Bob Cooper • Coop!

 

Review
by Scott Yanow
Tenor saxophonist Bob Cooper's only Contemporary album (reissued on CD in the Original Jazz Classics series) is a near-classic and one of his finest recordings. Cooper, along with trombonist Frank Rosolino, vibraphonist Victor Feldman, pianist Lou Levy, bassist Max Bennett, and drummer Mel Lewis, performs colorful versions of five standards (best are "Confirmation," "Easy Living," and "Somebody Loves Me") that show off his attractive tone and ability to swing at any tempo. Half of the release consists of his "Jazz Theme and Four Variations," a very interesting work that holds together quite well throughout 23-and-a-half minutes and five movements. Three trumpeters (including Conte Candoli) and one trombone are added to make the ensembles richer. This set is an underrated gem.
https://www.allmusic.com/album/coop%21-the-music-of-bob-cooper-mw0000202936

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Reseña
por Scott Yanow
El único álbum Contemporary del saxofonista tenor Bob Cooper (reeditado en CD en la serie Original Jazz Classics) es casi un clásico y una de sus mejores grabaciones. Cooper, junto con el trombonista Frank Rosolino, el vibrafonista Victor Feldman, el pianista Lou Levy, el bajista Max Bennett y el batería Mel Lewis, interpreta coloridas versiones de cinco estándares (los mejores son "Confirmation", "Easy Living" y "Somebody Loves Me") que muestran su atractivo tono y su habilidad para el swing a cualquier tempo. La mitad del disco consiste en su "Jazz Theme and Four Variations", una obra muy interesante que se mantiene bastante bien a lo largo de 23 minutos y medio y cinco movimientos. Se añaden tres trompetistas (incluido Conte Candoli) y un trombón para enriquecer el conjunto. Este conjunto es una joya infravalorada.
https://www.allmusic.com/album/coop%21-the-music-of-bob-cooper-mw0000202936

Red Norvo • Red Plays The Blues

 

 

Thad Jones-Mel Lewis • New Life [Dedicated To Max Gordon]

 

Review
by Scott Yanow
This LP has extensive packaging (thanks to producer John Snyder) and decent but not overly memorable music. The Thad Jones/Mel Lewis Orchestra's best recordings were for Solid State and Blue Note, although they still boasted an impressive all-star personnel during the mid-1970s. The seven selections (five arranged and composed by Jones and one apiece by Jerry Dodgion and Cecil Bridgewater) do not include any future standards. There are fine solos from the likes of flugelhornist Jones, Greg Herbert and Frank Foster on tenor, Roland Hanna and Walter Norris on piano, trumpeters Cecil Bridgewater and Waymon Reed, baritonist Pepper Adams, and others, so the music is not without its interesting moments. But in general, the solos and arrangements are more memorable than the melodies. This LP has not yet been reissued on CD.
https://www.allmusic.com/album/new-life-dedicated-to-max-gordon-mw0000203718

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Reseña
por Scott Yanow
Este LP tiene un extenso empaque (gracias al productor John Snyder) y música decente pero no demasiado memorable. Las mejores grabaciones de la Orquesta Thad Jones/Mel Lewis fueron para Solid State y Blue Note, aunque todavía contaban con un impresionante personal de estrellas a mediados de la década de 1970. Las siete selecciones (cinco arregladas y compuestas por Jones y una por Jerry Dodgion y Cecil Bridgewater) no incluyen ningún estándar futuro. Hay buenos solos de fliscornistas como Jones, Greg Herbert y Frank Foster al tenor, Roland Hanna y Walter Norris al piano, los trompetistas Cecil Bridgewater y Waymon Reed, el barítono Pepper Adams y otros, por lo que la música no está exenta de momentos interesantes. Pero en general, los solos y arreglos son más memorables que las melodías. Este LP aún no ha sido reeditado en CD.
https://www.allmusic.com/album/new-life-dedicated-to-max-gordon-mw0000203718

Jimmy Knepper • Dream Dancing

 

Biography
by Scott Yanow
A fine soloist with a distinctive sound not overly influenced by J.J. Johnson, Jimmy Knepper's improvisations are full of subtle surprises. He began on trombone when he was nine, started playing professionally when he was 15, and worked in the big bands of Freddie Slack (1947), Roy Porter (1948-1949), Charlie Spivak (1950-1951), Charlie Barnet (1951), Woody Herman, and Claude Thornhill. Knepper gained fame for his versatile and inventive playing with several of Charles Mingus' groups (1957-1962). He also worked with Stan Kenton (1959), Herbie Mann (a 1960 tour of Africa), Gil Evans, Benny Goodman (a 1962 tour of the Soviet Union), and the Thad Jones/Mel Lewis Orchestra (1968-1974), in addition to playing in the 1970s with the Lee Konitz Nonet and Mingus Dynasty. Knepper's reputation in the jazz world has remained quite strong, although he has not recorded that often as a leader, cutting sessions for Debut, Bethlehem (both in 1957), SteepleChase (1976), Inner City, Blackhawk, Hep, Soul Note, and Criss Cross. During the '80s and '90s, Knepper could most often be found touring Europe, gigging frequently and occasionally recording, an ever vibrant gun for hire. He also remained an active member of the Mingus Dynasty, anchoring the trombone section with his distinctive tone and solos much as he had during his two brief tenures with Mingus in the early-'60s and mid-'70s. Diagnosed with Parkinson's in the '00s, Knepper's pace slowed considerably and on June 14, 2003 he passed away due to complications from the disease.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-knepper-mn0000296353/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Jimmy Knepper es un buen solista con un sonido distintivo que no está demasiado influenciado por J.J. Johnson, y sus improvisaciones están llenas de sutiles sorpresas. Comenzó a tocar el trombón a los nueve años, empezó a tocar profesionalmente a los 15 y trabajó en las grandes bandas de Freddie Slack (1947), Roy Porter (1948-1949), Charlie Spivak (1950-1951), Charlie Barnet (1951), Woody Herman y Claude Thornhill. Knepper se hizo famoso por su versatilidad e inventiva al tocar con varios grupos de Charles Mingus (1957-1962). También trabajó con Stan Kenton (1959), Herbie Mann (una gira por África en 1960), Gil Evans, Benny Goodman (una gira por la Unión Soviética en 1962) y la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra (1968-1974), además de tocar en la década de 1970 con el Lee Konitz Nonet y la Mingus Dynasty. La reputación de Knepper en el mundo del jazz se ha mantenido bastante sólida, aunque no ha grabado tan a menudo como líder, realizando sesiones para Debut, Bethlehem (ambas en 1957), SteepleChase (1976), Inner City, Blackhawk, Hep, Soul Note y Criss Cross. Durante los años 80 y 90, Knepper podía encontrarse de gira por Europa, actuando con frecuencia y grabando ocasionalmente, siendo un arma de alquiler siempre vibrante. También continuó siendo un miembro activo de la Dinastía Mingus, anclando la sección de trombones con su tono distintivo y sus solos, al igual que lo hizo durante sus dos breves estancias con Mingus a principios de los 60 y mediados de los 70. Diagnosticado de Parkinson en los años 00, el ritmo de Knepper disminuyó considerablemente y el 14 de junio de 2003 falleció debido a complicaciones de la enfermedad.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-knepper-mn0000296353/biography

Colaborador / Contributor:  Ketmokin