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Tuesday, May 19, 2026

Lou Donaldson - Clifford Brown • New Faces – New Sounds

 



New Faces New Sounds is a 1953 date featuring saxophonist Lou Donaldson and trumpeter Clifford Brown leading a quartet. The tracks were also issued on 1956's Memorial Album after Brown's death. Backing them here are pianist Elmo Hope, bassist Percy Heath, and drummer Philly Joe Jones. This is superb, highly influential hard bop jazz.
 by Matt Collar
https://www.allmusic.com/album/new-faces-new-sounds-mw0002695874

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New Faces New Sounds es una fecha de 1953 en la que el saxofonista Lou Donaldson y el trompetista Clifford Brown dirigen un cuarteto. Las canciones también fueron publicadas en el álbum conmemorativo de 1956 después de la muerte de Brown. Los respaldan el pianista Elmo Hope, el bajista Percy Heath y el baterista Philly Joe Jones. Este es un magnífico y muy influyente hard bop jazz.
 por Matt Collar
https://www.allmusic.com/album/new-faces-new-sounds-mw0002695874


Sunday, May 17, 2026

Stan Getz • West Coast Jazz

 

 



Review by Al Campbell  
In 1955 the difference between East/West Coast jazz was a hot topic, with critics and fans capable of taking zealous musical alliances with one or the other. The title of this disc, West Coast Jazz, was conceived as a joke, considering all musicians involved were originally from the East Coast and did not play exclusively in the laid-back, commercially profitable, cool style, as pigeonholed by some. Stan Getz was in California for his part in the film the Benny Goodman Story, where he picked up a week long gig at Zardi's in Hollywood. The pickup band that greeted him featured a great rhythm section: Lou Levy (piano), Leroy Vinnegar (bass), and Shelly Manne (drums), along with Conte Candoli (trumpet). These musicians connected with Getz immediately, having crossed paths previously. Impressed with this lineup, he took them into the studio to record West Coast Jazz. Generally unlike West Coast jazz of the time, the rapid group interplay with energized bop solos, still stand out particularly on "S-H-I-N-E" and Dizzy Gillespie's "A Night in Tunisia." Coupled with the album's original six tracks, the Verve Master Edition collects several previously released outtakes from these sessions.
https://www.allmusic.com/album/west-coast-jazz-mw0000602275

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Reseña de Al Campbell  
En 1955 la diferencia entre el jazz de la Costa Este y el de la Costa Oeste era un tema candente, con críticos y aficionados capaces de aliarse musicalmente con uno u otro. El título de este disco, West Coast Jazz, fue concebido como una broma, teniendo en cuenta que todos los músicos involucrados eran originarios de la Costa Este y no tocaban exclusivamente en el estilo relajado, comercialmente rentable y cool, como lo encasillaron algunos. Stan Getz se encontraba en California para participar en la película La historia de Benny Goodman, donde consiguió un concierto de una semana en el Zardi's de Hollywood. La banda que le recibió contaba con una gran sección rítmica: Lou Levy (piano), Leroy Vinnegar (bajo) y Shelly Manne (batería), junto con Conte Candoli (trompeta). Estos músicos conectaron de inmediato con Getz, ya que se habían cruzado con él anteriormente. Impresionado con esta formación, los llevó al estudio para grabar West Coast Jazz. En general, a diferencia del jazz de la Costa Oeste de la época, la rápida interacción del grupo con los energéticos solos de bop, sigue destacando especialmente en "S-H-I-N-E" y en "A Night in Tunisia" de Dizzy Gillespie. Además de los seis temas originales del álbum, la edición maestra de Verve recoge varias grabaciones de estas sesiones publicadas anteriormente.
https://www.allmusic.com/album/west-coast-jazz-mw0000602275

 

www.stangetz.net ...


Friday, May 8, 2026

Sonny Rollins • Sonny Rollins & Co. 1964

 

 



Review by Scott Yanow
This CD from the Bluebird reissue series fills a lot of gaps in Sonny Rollins' discography. The 13 selections are taken from six different sessions from 1964. The personnel changes from date to date, with either Ron Carter or Bob Cranshaw on bass and Roy McCurdy or Mickey Roker on drums, along with pianist Herbie Hancock on five songs and guitarist Jim Hall on three others. Some of the music comprises alternate takes, and in contrast to a rambling 16-minute version of "Now's the Time," a few of the briefer songs (seven are under four minutes) shut down prematurely. However, the great tenor's improvisations are consistently fascinating, as he reconciles his avant-garde flights to the standards he is performing. "Autumn Nocturne" is a high point.
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-co-1964-mw0000124581

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Reseña de Scott Yanow
Este CD de la serie de reediciones de Bluebird llena muchos vacíos en la discografía de Sonny Rollins. Las 13 selecciones se toman de seis sesiones diferentes de 1964. El personal cambia de una fecha a otra, con Ron Carter o Bob Cranshaw en el bajo y Roy McCurdy o Mickey Roker en la batería, junto con el pianista Herbie Hancock en cinco canciones y el guitarrista Jim Hall en otras tres. Parte de la música comprende tomas alternativas, y en contraste con una versión laberíntica de 16 minutos de "Now's the Time", algunas de las canciones más breves (siete tienen menos de cuatro minutos) se apagan prematuramente. Sin embargo, las improvisaciones del gran tenor son siempre fascinantes, ya que concilia sus vuelos vanguardistas con los estándares que está interpretando. "Nocturno de otoño" es un punto culminante.
https://www.allmusic.com/album/sonny-rollins-co-1964-mw0000124581


sonnyrollins.com ...

 

Sonny Stitt • The Sensual Sound

Erskine Oglesby • Honkin' And Shoutin'



The kind of unpretentious, straightforward blowing showcased on most of these cuts has become all too rare these days. Oglesby is at his strongest when he remains faithful to his jump-blues roots. ~Living Blues


Erskine Oglesby is not a household name with the blues audience Still the man has gained a strong reputation within his hometown St. Louis, Missouri Born in St. Louis on January the 20th 1937, Erskine played with nearly everyone who had a name in his hometown He started out at the age of l4 on piano with no less a performer than Chuck Berry. Still the sax was and remained his choice instrument throughout.
When he finished his military service in the US Air Force in November 1957, Erskine got in touch with Billy Gayles' band and started out as a professional musician. Over the years he played with the likes of Albert King, Ike & Tina Turner, Little Milton, Billy Gayles, Eugene Neal and Benny Sharp, as well as with local jazz acts. He just didn't want to limit himself to blues (Because I enjoy it all!), he told the St. Louis Blues Society. In the last decade he also visited Europe as a member of the St. Louis Kings of Rhythm and on more than one occasion he played with other St. Louis acts at the renowned Bluesestafette in Utrecht
His taste for diversity also shows on Blues Dancin', his debut for Black & Tan Records. The music he has picked ranges from straight jump biues to jazzy instrumentals All of them displaying Erskine's personal sound on the sax. Surprisingly, the album is also Erskine's debut as a vocalist. It seems, Erskine Oglesby is ready to claim his place next to AC Reed and Eddie Shaw, both sax men who were able to hold their own as frontmen of their respective bands. Keep an eye out for this cool sax man out of St. Louis. When he hits your town, there's gonna be a party going on you don't wanna miss!
Note:
Oglesby died on March 7, 2004.
 
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Traducción Automática:
Erskine Oglesby no es un nombre familiar con la audiencia de blues. Aún así, el hombre ha ganado una gran reputación en su ciudad natal St. Louis, Missouri Nacido en St. Louis el 20 de enero de 1937, Erskine jugó con casi todos los que tenían un nombre en su ciudad natal Comenzó a la edad de l4 en el piano con nada menos que Chuck Berry. Aún así el saxofón fue y siguió siendo su instrumento de elección en todo momento.

Cuando terminó su servicio militar en la Fuerza Aérea de los EE. UU. En noviembre de 1957, Erskine se puso en contacto con la banda de Billy Gayles y comenzó como músico profesional. A lo largo de los años tocó con jugadores como Albert King, Ike y Tina Turner, Little Milton, Billy Gayles, Eugene Neal y Benny Sharp, así como con los actos locales de jazz. Simplemente no quería limitarse al blues (¡porque lo disfruto todo!), Le dijo a la St. Louis Blues Society. En la última década también visitó Europa como miembro de los St. Louis Kings of Rhythm y en más de una ocasión tocó con otros actos de St. Louis en la famosa Bluesestafette en Utrecht.

Su gusto por la diversidad también se muestra en Blues Dancin ', su debut para Black & Tan Records. La música que ha elegido abarca desde biues en salto recto hasta instrumentales de jazz. Todos ellos muestran el sonido personal de Erskine en el saxofón. Sorprendentemente, el álbum también es el debut de Erskine como vocalista. Al parecer, Erskine Oglesby está listo para reclamar su lugar al lado de AC Reed y Eddie Shaw, ambos saxofonistas que fueron capaces de defenderse como líderes de sus respectivas bandas. Esté atento a este saxofonista fresco de St. Louis. Cuando llegue a tu ciudad, habrá una fiesta en marcha que no querrás perder. 
Nota:
Oglesby murió el 7 de marzo de 2004.
 
 

Thursday, May 7, 2026

Charlie Parker • Jazz At The Philharmonic 1949

 



Review by AllMusic
Charlie Parker's 1949 appearance at Norman Granz's annual Jazz at the Philharmonic concert is less legendary than his 1946 debut there, but listening to this magnificently remastered 68-minute document of his set, it's nearly impossible to understand why. Surrounded by an astonishing group of sidemen, including Ella Fitzgerald, Roy Eldridge, Hank Jones, and Buddy Rich, Parker is at the top of his form throughout. Even when he's trading choruses with his foremost influence, tenor Lester Young, on Young's signature piece "Lester Leaps In," Parker's passionate, powerful alto pretty much blows Young off the stage. Elsewhere, Parker plays around with standards, transforming "Perdido," "How High the Moon?" and "Embraceable You" from well-worn set pieces to exciting and innovative bop showcases. JAZZ AT THE PHILHARMONIC 1949 is a breathtaking example of live jazz at its most transcendent.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-the-philharmonic-1949-mw0000103985

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Reseña de AllMusic
La aparición de Charlie Parker en 1949 en el concierto anual Jazz at the Philharmonic de Norman Granz es menos legendaria que su debut en 1946, pero escuchando este documento de 68 minutos magníficamente remasterizado, es casi imposible entender por qué. Rodeado de un asombroso grupo de músicos de acompañamiento, como Ella Fitzgerald, Roy Eldridge, Hank Jones y Buddy Rich, Parker está en plena forma en todo momento. Incluso cuando intercambia estribillos con su principal influencia, el tenor Lester Young, en la pieza emblemática de Young «Lester Leaps In», el apasionado y poderoso contralto de Parker hace volar a Young del escenario. Por lo demás, Parker juega con los estándares, transformando «Perdido», «How High the Moon?» y «Embraceable You» de piezas trilladas en emocionantes e innovadoras exhibiciones de bop. JAZZ AT THE PHILHARMONIC 1949 es un ejemplo sobrecogedor del jazz en directo en su forma más trascendente.
https://www.allmusic.com/album/jazz-at-the-philharmonic-1949-mw0000103985


Wednesday, May 6, 2026

Gerry Wiggins, Jackie Mills, Harold Land • Wiggin' Out




Biography Gerald Wiggins was a highly flexible pianist quite comfortable in swing or bop settings, but he was at his best when performing with his longtime trio, a group that also included bassist Andy Simpkins and drummer Paul Humphrey. Wiggins' swinging and consistently witty style, typically filled with catchy riffs, was at times reminiscent of Erroll Garner and Art Tatum, but generally quite distinctive.
"The Wig" started with piano lessons when he was four, switching from classical music to jazz as a teenager. He doubled on bass while attending New York City's High School of Music & Art and worked for a time in the early '40s as a piano accompanist for Stepin Fetchit. Wiggins played with Les Hite, and in 1943 toured with the big bands of Louis Armstrong and Benny Carter. While in the military (1944-1946), he often played in local jazz clubs in Seattle. After his discharge, he settled permanently in the Los Angeles area. A popular accompanist for singers, Wiggins worked with Lena Horne (touring with her from 1950-1951), Helen Humes, Ella Mae Morse, Eartha Kitt, Nat King Cole, Kay Starr, Lou Rawls, Ernie Andrews, Linda Hopkins, and Joe Williams, among others. Wiggins was also employed as a vocal coach at Hollywood film studios and had the opportunity to work with Marilyn Monroe.
In the Los Angeles area, Wiggins led trios from the 1950s onward, becoming a consistent fixture in local clubs. He also played piano with the Frank Capp Juggernaut and worked with fellow Concord artists like Scott Hamilton. Through the years, Wiggins led sessions for Swing and Vogue (both in 1950), Ember, Crown, Tampa, Specialty, Motif, Mode, Challenge, Hi-Fi, Contemporary (1961), Black & Blue, and, in the 1990s, Concord. His son J.J. Wiggins is a fine bassist. Gerald Wiggins died in Los Angeles in July of 2008; he was 86 years old.
by Scott Yanow

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Biografía
Gerald Wiggins era un pianista muy flexible, muy cómodo en el swing o el bop, pero estaba en su mejor momento cuando actuaba con su trío de larga duración, un grupo que también incluía al bajista Andy Simpkins y al baterista Paul Humphrey. El estilo de Wiggins, lleno de riffs pegadizos, recordaba a Erroll Garner y Art Tatum, pero en general era bastante distintivo.
"La Peluca" comenzó con lecciones de piano cuando tenía cuatro años, cambiando de la música clásica al jazz cuando era adolescente. Dobló el bajo mientras asistía a la Escuela Superior de Música y Arte de Nueva York y trabajó durante un tiempo a principios de los años 40 como pianista acompañante de Stepin Fetchit. Wiggins tocó con Les Hite, y en 1943 hizo una gira con las grandes bandas de Louis Armstrong y Benny Carter. Mientras estaba en el ejército (1944-1946), a menudo tocaba en clubes de jazz locales en Seattle. Después de su licenciamiento, se estableció permanentemente en el área de Los Ángeles. Acompañante popular de cantantes, Wiggins trabajó con Lena Horne (de gira con ella de 1950-1951), Helen Humes, Ella Mae Morse, Eartha Kitt, Nat King Cole, Kay Starr, Lou Rawls, Ernie Andrews, Linda Hopkins y Joe Williams, entre otros. Wiggins también trabajó como entrenador vocal en los estudios de cine de Hollywood y tuvo la oportunidad de trabajar con Marilyn Monroe.
En la zona de Los Ángeles, Wiggins dirigió tríos a partir de los años 50, convirtiéndose en un fijo en los clubes locales. También tocó el piano con el Frank Capp Juggernaut y trabajó con otros artistas de Concord como Scott Hamilton. A través de los años, Wiggins dirigió sesiones para Swing y Vogue (ambos en 1950), Ember, Crown, Tampa, Specialty, Motif, Mode, Challenge, Hi-Fi, Contemporary (1961), Black & Blue, y, en la década de 1990, Concord. Su hijo J.J. Wiggins es un buen bajista. Gerald Wiggins murió en Los Ángeles en julio de 2008; tenía 86 años.
por Scott Yanow


Tuesday, May 5, 2026

Lou Donaldson • Live In Bologna

 



Review by Steve Loewy
A direct (musical) descendant of Bird, alto saxophonist Lou Donaldson has often been criticized for commercial concessions or for lack of imagination. Over a span of decades, his sound remained constant, rarely wavering from his initial bop conception. This set of standards is one of Donaldson's best recordings, in part due to the relaxed setting, but also because of the outstanding piano trio accompanying the saxophonist. Pianist Herman Foster is one of the underrated improvisers of the bop genre, and he, along with bassist Jeff Fuller and drummer Victor Jones, set a sophisticated, vibrant groove that meshes well with Donaldson's brand of straight-ahead blowing. While there is little to distinguish these interpretations of "Stella by Starlight" or "Summertime," the set as a whole has a joyous and even infectious exuberance that should provide an enjoyable, if light, listening experience.
https://www.allmusic.com/album/live-in-bologna-timeless-mw0000912145

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Reseña de Steve Loewy
Un descendiente directo (musical) de Bird, el saxofonista alto Lou Donaldson ha sido a menudo criticado por sus concesiones comerciales o por su falta de imaginación. Durante décadas, su sonido permaneció constante, raramente vacilando de su concepción inicial de bop. Este conjunto de normas es una de las mejores grabaciones de Donaldson, en parte debido al ambiente relajado, pero también por el destacado trío de pianos que acompaña al saxofonista. El pianista Herman Foster es uno de los improvisadores menospreciados del género bop, y él, junto con el bajista Jeff Fuller y el baterista Victor Jones, estableció un sofisticado y vibrante ritmo que encaja bien con el estilo de Donaldson de soplado directo. Aunque hay poco que distinguir entre estas interpretaciones de "Stella by Starlight" o "Summertime", el conjunto tiene una exuberancia alegre e incluso contagiosa que debería proporcionar una experiencia auditiva agradable, aunque ligera.
https://www.allmusic.com/album/live-in-bologna-timeless-mw0000912145
 
 

Tuesday, April 28, 2026

Jerry Weldon • Head to Head

 



Tenor saxophonists Jerry Weldon and Michael Karn share many of the same influences including Dexter Gordon, Sonny Stitt, Sonny Rollins, Hank Mobley and Joe Henderson. Karn has a slightly harder tone but the two tenors are quite complementary and of equal talent. For this hard bop outing from Criss Cross, Weldon and Karn are joined by pianist Bruce Barth, bassist Peter Washington and drummer Billy Drummond. Although the co-leaders contribute two originals apiece, the newer pieces are in the same basic chordal-oriented style as the six vintage tunes (which include a long and blazing tenor tradeoff on "Ko-Ko," "Ow," the Sonny Rollins-associated "If Ever I Would Leave You" and ballad features for Karn ("Who Can I Turn To") and Weldon ("All the Way"). Fun music easily recommended to straight-ahead jazz collectors. ~ Scott Yanow

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Los saxofonistas Jerry Weldon y Michael Karn comparten muchas de las mismas influencias, incluyendo a Dexter Gordon, Sonny Stitt, Sonny Rollins, Hank Mobley y Joe Henderson. Karn tiene un tono ligeramente más duro pero los dos tenores son bastante complementarios y de igual talento. Para esta dura salida de Criss Cross, Weldon y Karn están acompañados por el pianista Bruce Barth, el bajista Peter Washington y el baterista Billy Drummond. Aunque los co-líderes aportan dos originales cada uno, las piezas más nuevas tienen el mismo estilo básico orientado a los acordes que los seis temas vintage (que incluyen un largo y ardiente intercambio de tenor en "Ko-Ko", "Ow", "If Ever I Would Leave You", asociado con Sonny Rollin, y baladas para Karn ("Who Can I Turn To") y Weldon ("All the Way"). La música divertida se recomienda fácilmente a los coleccionistas de jazz. ~ Scott Yanow


jerryweldon.net ...


Saturday, April 18, 2026

Lee Allen • Walkin' With Mr. Lee




Lee Allen (July 2, 1927 – October 18, 1994) was an American tenor saxophone player born in Pittsburg, Kansas.

A key figure in the New Orleans rock and roll scene of the 1950s, Allen recorded with many leading performers of the early rock and roll era. He was semi-retired from music by the late '60s, but in the late '70s, returned to music intermittently until the end of his life.


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Lee Allen (2 de julio de 1927 - 18 de octubre de 1994) fue un tenista saxofonista estadounidense nacido en Pittsburg, Kansas.

Una figura clave en la escena de rock and roll de Nueva Orleans de la década de 1950, Allen grabó con muchos de los principales intérpretes de la era del rock and roll. Estaba casi retirado de la música a finales de los 60, pero a finales de los 70, volvió a la música de forma intermitente hasta el final de su vida.


Saturday, April 11, 2026

Illinois Jacquet • Swing's The Thing

 



 Illinois Jacquet is considered to be one of the most influential tenor saxophonists in the history of jazz music. Born on October 31, 1922, in Broussard, Louisiana, Jean Baptiste Illinois Jacquet, at the age of 19 on the very first recording of his career, spawned an entirely new style and sound for the tenor saxophone. His classic solo on “Flying Home” recorded with the Lionel Hampton Band at Decca Records in New York City, on May 26, 1942, catapulted Jacquet to international fame and the solo became more famous than the song itself. All saxophonists learned to play Jacquet’s solo, every band recorded it, and people all over the world were humming this most famous solo in jazz history.

Two years later, on July 2, 1944, while improvising with Nat King Cole on piano and Les Paul on guitar for a benefit concert at the Philharmonic Auditorium in Los Angeles, California, Jacquet began to play a range of notes he had never played before. With an innovational use of harmonics in a creative impulse Jacquet discovered what would become a permanent expansion of the upper register on the tenor saxophone by two and one-half octaves. He then contrasted these stratospheric notes with sudden punctuations of sound from the lowest notes on the horn, and Jacquet thus gave birth to what was called the honking tenor that became the hallmark of rock and roll and greatly influenced rhythm and blues. In this less than three minute solo, later to be entitled “Philharmonic Blues, Part II”, Jacquet anticipated far into the future and encompassed the blue- print for several generations of saxophonists. This sensational explosive solo created the spark that helped to launch Jazz at the Philharmonic, the entity that took jazz out of night clubs and into concert halls around the world. In addition to knowing how to please the crowd with fiery excitement, Jacquet’s broad spectrum of musicianship allowed him also to carry his listeners into the depths of their being with his soulfully sensitive mastery of the ballad. He continued to be a star attraction with JATP until the final concert in 1957.

Illinois Jacquet grew up on stage, singing and dancing as a small child in front of his father’s territory band in Houston, Texas, the family having moved there from Louisiana before Jacquet was a year old. Formal musical training began in high school on drums and alto saxophone which he played with Milt Larkin’s legendary territory band. Graduation took him to the universities of the Lionel Hampton, Cab Calloway and Count Basie bands. After “Flying Home” with Hampton. he appeared in the film “Stormy Weather” with Calloway. For Basie, he recorded the hits “The King” and “Mutton Leg”; and with his own record-breaking small band he had hits on every major label. For both Aladdin and Apollo, who started in the recording business with Jacquet, he produced a string of hits that quickly elevated them to major record label status.

In the 60’s, Jacquet mastered the bassoon and recorded with it; he traveled and recorded as a trio with Milt Buckner and Jo Jones, and in the late 70’s he worked as a quintet with Slam Stewart on bass and Gray Sargent on guitar. An invitation to lecture to a jazz history class at Harvard University in 1982, led to Illinois Jacquet’s appointment as Kayden Artist-in-Residence in 1983 and 1984, bestowing upon him the honor of becoming the first jazz musician to serve a long-term residency at Harvard. His many subsequent master classes in the ensuing years have earned him the distinction of having visited Harvard more frequently than any other artist in any field.

His Harvard students gave Jacquet the inspiration to form his professional big band in 1983, which he maintained until his death, traveling and performing throughout the United States and Europe. He recorded grammy-award nominated “Jacquet’s Got It” with the band for Atlantic Records in 1987, and Jacquet and the band were the subject of Arthur Elgort’s award-winning documentary, “Texas Tenor, The Illinois Jacquet Story” released in 1991.

The Chestnut Room at The Tavern On The Green became the showcase for The Illinois Jacquet Big Band in the 1990’s attracting people from all over the world and from all walks of life to hear his music.

To commemorate Duke Ellington’s 100th birthday in 1999, Illinois was invited to perform as a featured soloist with the Lincoln Center Jazz Orchestra in the Great Performances documentary, “Swinging with the Duke.” In November 2000, Lincoln Center honored Jacquet by presenting him with its Award for Artistic Excellence, making him the fifth recipient of this distinguished award.

Jacquet celebrated his 80th birthday in 2002, with his Big Band’s performance at the Jazz Standard in New York City. On his 81st birthday, the spirit of Corcovado, which permeates the enchanted city of Rio de Janeiro, Brazil, stole Jacquet's heart. Captivated by the charm and beauty of the birthplace of one of his favorite composers, Antonio Carlos Jobim, and entranced by the enthusiastic adoration of his audience, Jacquet joyfully extended a scheduled one hour concert (Tim Music Festival) slot into two hours of inspired, rapturous music. Ecstatic dancers filled the aisles until the very last note.

On July 16, 2004, Jacquet gave his last live performance as he closed the Midsummer Night Swing Series at Lincoln Center for the sixteenth year. He and his big band had been the final night attraction for this annual series since its inception and this was Jacquet's favorite engagement. Every year he attracted thousands of people to swing to the sounds of his music, and every year Illinois was transported back to his beloved roots, back to a time when the dancers created the swing bands and the swing bands created the dancers.

The Juilliard School of Music awarded Illinois Jacquet an Honorary Doctorate of Music degree on May 21, 2004. As he told President Polisi, “This is the happiest day of my life.” The Illinois Jacquet Scholarship in Jazz Studies at The Juilliard School has been established to honor his memory.
https://musicians.allaboutjazz.com/illinoisjacquet

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Illinois Jacquet está considerado como uno de los saxofonistas tenor más influyentes en la historia del jazz. Nacido el 31 de octubre de 1922 en Broussard, Louisiana, Jean Baptiste Illinois Jacquet, a la edad de 19 años, en la primera grabación de su carrera, generó un estilo y un sonido completamente nuevos para el saxofón tenor. Su solo clásico en "Flying Home" grabado con la Lionel Hampton Band en Decca Records en la ciudad de Nueva York, el 26 de mayo de 1942, catapultó a Jacquet a la fama internacional y el solo se hizo más famoso que la canción misma. Todos los saxofonistas aprendieron a tocar el solo de Jacquet, cada banda lo grabó, y gente de todo el mundo tarareaba el solo más famoso de la historia del jazz.

Dos años más tarde, el 2 de julio de 1944, mientras improvisaba con Nat King Cole al piano y Les Paul a la guitarra para un concierto benéfico en el Auditorio Filarmónico de Los Ángeles, California, Jacquet comenzó a tocar una serie de notas que nunca antes había tocado. Con un uso innovador de los armónicos en un impulso creativo, Jacquet descubrió lo que se convertiría en una expansión permanente del registro superior del saxofón tenor en dos octavas y media. Luego contrastó estas notas estratosféricas con puntuaciones repentinas del sonido de las notas más bajas de la trompa, y así Jacquet dio a luz a lo que se llamó el tenor que se convirtió en el sello del rock and roll e influyó enormemente en el rhythm and roll y el blues. En este solo de menos de tres minutos, que más tarde se tituló "Philharmonic Blues, Part II", Jacquet se anticipó al futuro e incluyó el proyecto para varias generaciones de saxofonistas. Este sensacional y explosivo solo creó la chispa que ayudó a lanzar el Jazz en la Filarmónica, la entidad que sacó el jazz de los clubes nocturnos y lo llevó a las salas de conciertos de todo el mundo. Además de saber cómo complacer a la multitud con ardiente excitación, el amplio espectro musical de Jacquet le permitió también llevar a sus oyentes a las profundidades de su ser con su sensibilidad y maestría en la balada. Continuó siendo una atracción estrella de JATP hasta el concierto final en 1957.

Illinois Jacquet creció en el escenario, cantando y bailando como un niño pequeño frente a la banda del territorio de su padre en Houston, Texas, la familia se mudó allí desde Louisiana antes de que Jacquet cumpliera un año. La formación musical formal comenzó en la escuela secundaria con la batería y el saxofón alto que tocaba con la legendaria banda del territorio de Milt Larkin. La graduación lo llevó a las universidades de las bandas Lionel Hampton, Cab Calloway y Count Basie. Después de "Flying Home" con Hampton, apareció en la película "Stormy Weather" con Calloway. Para Basie, grabó los éxitos "The King" y "Mutton Leg"; y con su propia banda pequeña que rompe récords tuvo éxitos en todos los sellos importantes. Tanto para Aladino como para Apolo, que se inició en el negocio de la grabación con Jacquet, produjo una serie de éxitos que rápidamente los elevaron a la categoría de grandes sellos discográficos.

En los años 60, Jacquet domina el fagot y graba con él; viaja y graba como trío con Milt Buckner y Jo Jones, y a finales de los 70 trabaja como quinteto con Slam Stewart en el bajo y Gray Sargent en la guitarra. Una invitación a dar una conferencia en una clase de historia del jazz en la Universidad de Harvard en 1982, llevó al nombramiento de Illinois Jacquet como Artista Residente de Kayden en 1983 y 1984, otorgándole el honor de convertirse en el primer músico de jazz en hacer una residencia de larga duración en Harvard. Sus muchas clases magistrales posteriores en los años siguientes le han valido la distinción de haber visitado Harvard con más frecuencia que cualquier otro artista en cualquier campo.

Sus estudiantes de Harvard le dieron a Jacquet la inspiración para formar su big band profesional en 1983, la cual mantuvo hasta su muerte, viajando y tocando por todo Estados Unidos y Europa. Grabó nominado al premio Grammy "Jacquet's Got It" con la banda de Atlantic Records en 1987, y Jacquet y la banda fueron el tema del galardonado documental de Arthur Elgort, "Texas Tenor, The Illinois Jacquet Story", estrenado en 1991.

The Chestnut Room at The Tavern On The Green se convirtió en el escaparate de The Illinois Jacquet Big Band en la década de 1990, atrayendo a gente de todo el mundo y de todos los ámbitos de la vida para escuchar su música.

Para conmemorar el centenario del nacimiento de Duke Ellington en 1999, Illinois fue invitado a actuar como solista con la Lincoln Center Jazz Orchestra en el documental Great Performances, "Swinging with the Duke". En noviembre de 2000, el Lincoln Center honró a Jacquet entregándole el Premio a la Excelencia Artística, convirtiéndolo en el quinto receptor de este distinguido premio.

Jacquet celebró su 80 cumpleaños en 2002, con la actuación de su Big Band en el Jazz Standard de la ciudad de Nueva York. En su 81 cumpleaños, el espíritu de Corcovado, que impregna la encantadora ciudad de Río de Janeiro, Brasil, le robó el corazón a Jacquet. Cautivado por el encanto y la belleza del lugar de nacimiento de uno de sus compositores favoritos, Antonio Carlos Jobim, y fascinado por la entusiasta adoración de su público, Jacquet extendió alegremente un concierto programado de una hora (Tim Music Festival) a dos horas de música inspirada y apasionante. Los bailarines extáticos llenaron los pasillos hasta la última nota.

El 16 de julio de 2004, Jacquet dio su última presentación en vivo cuando cerró la Serie de Columpios Nocturnos de Verano en el Lincoln Center por decimosexto año. Él y su big band habían sido la última atracción nocturna de esta serie anual desde su inicio y este era el compromiso favorito de Jacquet. Cada año atrajo a miles de personas al swing con los sonidos de su música, y cada año Illinois fue transportado de vuelta a sus amadas raíces, a una época en la que los bailarines creaban las bandas de swing y las bandas de swing creaban a los bailarines.

La Juilliard School of Music otorgó a Illinois Jacquet un Doctorado Honorario en Música el 21 de mayo de 2004. Como le dijo al Presidente Polisi: "Este es el día más feliz de mi vida". La beca Illinois Jacquet Scholarship in Jazz Studies en The Juilliard School ha sido establecida para honrar su memoria.
https://musicians.allaboutjazz.com/illinoisjacquet
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


Friday, April 10, 2026

Eric Alexander Quartet • Chim Chim Cheree



Artist Biography
Boasting a warm, finely burnished tone and a robust melodic and harmonic imagination, tenor saxophonist Eric Alexander has been exploring new musical worlds from the outset. He started out on piano as a six-year-old, took up clarinet at nine, switched to alto sax when he was 12, and converted to tenor when jazz became his obsession during his one year at the University of Indiana, Bloomington (1986-87). At William Paterson College in New Jersey he advanced his studies under the tutelage of Harold Mabern, Joe Lovano, Rufus Reid, and others. "The people I listened to in college are still the cats that are influencing me today," says Alexander. "Monk, Dizzy, Sonny Stitt, Clifford Brown, Sonny Rollins, Jackie McLean, Joe Henderson--the legacy left by Bird and all the bebop pioneers, that language and that feel, that's the bread and butter of everything I do. George Coleman remains a big influence because of his very hip harmonic approach, and I'm still listening all the time to Coltrane because I feel that even in the wildest moments of his mid- to late-Sixties solos I can find these little kernels of melodic information and find ways to employ them in my own playing."
During the 1990s, after placing second behind Joshua Redman in the 1991 Thelonious Monk International Saxophone Competition, Alexander threw himself into the whirlwind life of a professional jazz musician. He played with organ trios on the South Side of Chicago, made his recording debut in 1991 with Charles Earland on Muse Records, and cut his first album as leader in 1992 (Straight Up for Delmark). More recordings followed for numerous labels, including Milestone and others, leading to 1997's Man with a Horn; the 1998 collaborative quartet session with George Mraz, John Hicks, and Idris Muhammad, Solid!; and, that same year, the first recording by One For All, Alexander's ongoing band with Jim Rotondi, Steve Davis, Joe Farnsworth, Peter Washington, and Dave Hazeltine.
Eric has appeared in many capacities on record, including leader, sideman, producer as well as composing a number of the tunes he records. By now, Alexander has lost count of how many albums feature his playing; he guesses 80 or 90. While he has garnered critical acclaim from every corner, what has mattered most has been to establish his own voice within the illustrious bop-based jazz tradition.
In 2004, Eric signed an exclusive contract with the New York-based independent jazz label, HighNote Records where he has amassed a considerable discography of critically-acclaimed recordings. Most recent among them is “Chicago Fire” HCD 7262, “The Real Thing” with Pat Martino HCD 7278 and “Second Impression” HCD 7296.  Eric’s most recent HighNote release, “Song of No Regrets,”(HCD 7311) was featured in Downbeat’s “Hot Box”.  He is currently working on a new recording project which will see commercial release in mid-2019.
Eric continues to tour the world over to capacity audiences. Using NYC as his home base he can regularly be seen in the city’s most prestigious jazz clubs.
https://www.ericalexanderjazz.com/bio

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Biografía del artista
El saxofonista tenor Eric Alexander, con un tono cálido y finamente pulido y una imaginación melódica y armónica robusta, ha estado explorando nuevos mundos musicales desde el principio. Comenzó a tocar el piano a los seis años, comenzó a tocar el clarinete a los nueve, cambió al saxo alto a los doce y se convirtió al tenor cuando el jazz se convirtió en su obsesión durante su primer año en la Universidad de Indiana, Bloomington (1986-87). En el William Paterson College de Nueva Jersey avanzó sus estudios bajo la tutela de Harold Mabern, Joe Lovano, Rufus Reid y otros. "Las personas a las que escuché en la universidad siguen siendo los gatos que me influyen hoy en día", dice Alexander. "Monk, Dizzy, Sonny Stitt, Clifford Brown, Sonny Rollins, Jackie McLean, Joe Henderson, el legado dejado por Bird y todos los pioneros del bebop, ese lenguaje y esa sensación, es el pan de cada cosa que hago. George Coleman sigue siendo una gran influencia debido a su enfoque armónico de cadera, y sigo escuchando a Coltrane todo el tiempo porque siento que incluso en los momentos más salvajes de sus solos de mediados a finales de los años sesenta puedo encontrar estos pequeños núcleos de información melódica y encontrar maneras de emplearlos en mi propia interpretación".
Durante la década de 1990, después de quedar segundo detrás de Joshua Redman en el Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk de 1991, Alexander se lanzó al torbellino de la vida de un músico profesional de jazz. Tocó con tríos de órgano en el South Side de Chicago, hizo su debut discográfico en 1991 con Charles Earland en Muse Records, y grabó su primer álbum como líder en 1992 (Straight Up for Delmark). Siguieron más grabaciones para numerosos sellos discográficos, entre ellos Milestone y otros, que condujeron a Man with a Horn de 1997; la sesión de cuarteto colaborativo de 1998 con George Mraz, John Hicks, e Idris Muhammad, Solid! y, ese mismo año, la primera grabación de One For All, la banda de Alexander con Jim Rotondi, Steve Davis, Joe Farnsworth, Peter Washington, y Dave Hazeltine.
Eric ha aparecido en muchos puestos en los discos, incluyendo el de líder, ayudante, productor y compositor, además de componer varias de las canciones que graba. A estas alturas, Alexander ya ha perdido la cuenta de cuántos álbumes incluye su música; adivina 80 o 90. Aunque ha cosechado elogios de la crítica de todos los rincones, lo que más ha importado ha sido establecer su propia voz dentro de la ilustre tradición del jazz basada en el bop.
En 2004, Eric firmó un contrato exclusivo con el sello independiente de jazz HighNote Records, con sede en Nueva York, donde ha acumulado una considerable discografía de grabaciones aclamadas por la crítica. El más reciente es "Chicago Fire" HCD 7262, "The Real Thing" con Pat Martino HCD 7278 y "Second Impression" HCD 7296.  El más reciente lanzamiento de Eric en HighNote, "Song of No Regrets" (HCD 7311) fue presentado en "Hot Box" de Downbeat.  Actualmente está trabajando en un nuevo proyecto de grabación que saldrá a la venta a mediados de 2019.
Eric sigue haciendo giras por todo el mundo con un público muy numeroso. Usando la ciudad de Nueva York como su base de operaciones, puede ser visto regularmente en los clubes de jazz más prestigiosos de la ciudad.
https://www.ericalexanderjazz.com/bio
 

Thursday, April 9, 2026

Paul Desmond • Take Ten



Review by Richard S. Ginell
Now listeners enter the heart of the Paul Desmond/Jim Hall sessions, a great quartet date with Gene Cherico manning the bass (Gene Wright deputizes on the title track) and MJQ drummer Connie Kay displaying other sides of his personality. Everyone wanted Desmond to come up with a sequel to the monster hit "Take Five"; and so he did, reworking the tune and playfully designating the meter as 10/8. Hence "Take Ten," a worthy sequel with a solo that has a Middle-Eastern feeling akin to Desmond's famous extemporaneous excursion with Brubeck in "Le Souk" back in 1954. It was here that Desmond also unveiled a spin-off of the then-red-hot bossa nova groove that he called "bossa antigua" (a sardonic play-on-words meaning "old thing", which laid the ground for Desmond's next album and a few more later in the decade. Two of the best examples are his own tunes, the samba-like "El Prince" (named after arranger Bob Prince), an infectious number with on-the-wing solo flights that you can't get out of your head, and the haunting "Embarcadero." Hall now gets plenty of room to stretch out, supported by Kay's gently dropped bombs, and he is the perfect understated swinging foil for the wistful altoist. There is not a single track here that isn't loaded with ingeniously worked out, always melodic ideas.

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Traducción Automática:
Revisión por Richard S. Ginell
Ahora los oyentes entran en el corazón de las sesiones de Paul Desmond / Jim Hall, una gran cita con Gene Cherico manejando el bajo (Gene Wright actúa en la pista del título) y la baterista de MJQ, Connie Kay, muestra otros aspectos de su personalidad. Todos querían que Desmond propusiera una secuela del monstruo "Take Five"; y así lo hizo, reelaborando la melodía y designando juguetonamente el medidor como 10/8. De ahí "Take Ten", una digna secuela con un solo que tiene un sentimiento de Medio Oriente similar a la famosa excursión extemporánea de Desmond con Brubeck en "Le Souk" en 1954. Fue aquí donde Desmond también dio a conocer un spin-off del entonces -dirigió el ritmo de bossa nova que él llamó "bossa antigua" (una sardónica palabra de juego que significa "cosa antigua", que sentó las bases para el próximo álbum de Desmond y algunos más más adelante en la década. Dos de los mejores ejemplos son sus propias melodías, el samba "El Prince" (llamado así por el arreglista Bob Prince), un número contagioso con vuelos en solitario en el ala que no puedes salir de tu cabeza, y el inquietante "Embarcadero". Hall ahora tiene un montón de espacio para estirarse, apoyado por las bombas caídas de Kay, y es el perfecto y discreto balanceo para el nostálgico altoista. No hay una sola pista aquí que no esté cargada de ideas ingeniosas, siempre melódicas. .


Friday, April 3, 2026

Yusef Lateef • Jazz For The Thinker

 



 Yusef Lateef was born William Emanuel Huddleston in Chattanooga, Tennessee on October 9th, 1920. At the age of 5 he moved with his family to Detroit. Growing up in Detroit he came in contact and forged friendships with many a giant of jazz such as Kenny Burrell, Milt Jackson, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers, and Donald Byrd. By the time he graduated from high school he was a proficient tenor saxophonist. He started soon after graduation playing professionally and touring with different swing orchestras among them those of Hot Lips Page, Roy Eldridge and Lucky Millender. In 1949 he joined Dizzy Gillespie’s orchestra (using the stage name William Evans), and stayed with them for one year. In 1950 he returned to Detroit and to enrolled in the Wayne State University’s Music Department and studying composition and flute. During his tenure at Wayne State he converted to Islam and changed his name to Yusef Lateef. He stayed in Detroit until 1960 and during this decade he led his own quintet for a while, recorded his first album as a leader for the Savoy label, Stable Mates, and furthered his musical education by studying oboe with Ronald Odemark of the Detroit Symphony Orchestra.

In 1960 he returned to New York and enrolled in the Manhattan School of Music to further his studies in flute and music education. Over the next 10 years he recorded several records as a leader and played on many more under other musicians’ leadership, toured with Charles Mingus, Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie and Babatunde Olatunji and obtained a BA in music and a MA in music education. Among the highlights of his recording career from this decade are Eastern Sounds, Live at Pep’s and The Golden Flute. One can already hear on these records the incorporation of different eastern musical influences into the more straight-ahead jazz idiom. These albums also are one of the first places one can hear Dr Lateef play different reed instruments including the bassoon, bamboo flute, shanai, shofar, argol, sarewa, and taiwan koto. During the 70s he taught courses in autophysiopsychic music (which comes from one’s spiritual, physical and emotional self) at the music theory department in the Manhattan School of Music. From 1972 till 1976, he was an associate professor of music at the Borough of Manhattan Community College.

In 1975 he was awarded a Ph.D. in Education from University of Massachusetts in Amherst, MA and he continues to be a professor there. Suite 16 or Blues Suite, Dr. Lateef’s first work for large orchestra, premiered in 1969 at the Georgia Symphony Orchestra in Augusta and it was performed in 1970 by the Detroit Symphony Orchestra at the Meadowbrook Music Festival, and recorded by the WDR Orchestra in Cologne. The NDR Radio Orchestra of Hamburg commissioned him to compose the tone poem “Lalit,” in 1974. He also recorded his Symphony No.1 with the same orchestra later that year. He has toured the world with his ensembles and other musicians performing in concert halls and music festivals.

The recorded highlight of this stage of his career is Autophysiopsychic. In the 80s Dr. Lateef spent 4 years at the Center for Nigerian Cultural Studies at Ahmadu Bello University in Zaria, Nigeria researching the Fulani flute. In 1987 he won a Grammy for Yusef Lateef’s Little Symphony.

In 1992 he established his own label YAL. In 1993 Yusef Lateef’ composed his most ambitious work to date, The African American Epic Suite, a four-movement work for quintet and orchestra dedicated to 400 years of African American history. It premiered with the WDR orchestra and later was also performed by the Atlanta Symphony Orchestra and by the Detroit Symphony Orchestra. Among his lesser known accomplishments are 3 works of fiction; A Night in the Garden of Love and two collections of short stories, Spheres and Rain Shapes.

Yusef Lateef died at his home in Shutesbury, Massachusetts in December 2013; he was 93 years old.

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Yusef Lateef nació como William Emanuel Huddleston en Chattanooga, Tennessee el 9 de octubre de 1920. A la edad de 5 años se mudó con su familia a Detroit. Al crecer en Detroit, entró en contacto y forjó amistades con muchos gigantes del jazz como Kenny Burrell, Milt Jackson, Tommy Flanagan, Barry Harris, Paul Chambers y Donald Byrd. Para cuando se graduó de la escuela secundaria era un saxofonista tenor competente. Comenzó poco después de su graduación tocando profesionalmente y de gira con diferentes orquestas de swing, entre ellas las de Hot Lips Page, Roy Eldridge y Lucky Millender. En 1949 se unió a la orquesta de Dizzy Gillespie (con el nombre artístico de William Evans), y permaneció con ellos durante un año. En 1950 regresó a Detroit y se matriculó en el Departamento de Música de la Universidad Estatal de Wayne, donde estudió composición y flauta. Durante su permanencia en el Estado de Wayne se convirtió al Islam y cambió su nombre a Yusef Lateef. Permaneció en Detroit hasta 1960 y durante esta década dirigió su propio quinteto por un tiempo, grabó su primer álbum como líder del sello Savoy, Stable Mates, y amplió su educación musical estudiando oboe con Ronald Odemark de la Orquesta Sinfónica de Detroit.

En 1960 regresó a Nueva York y se matriculó en la Escuela de Música de Manhattan para continuar sus estudios de flauta y educación musical. Durante los siguientes 10 años grabó varios discos como líder y tocó en muchos más bajo el liderazgo de otros músicos, realizó giras con Charles Mingus, Cannonball Adderley, Miles Davis, Dizzy Gillespie y Babatunde Olatunji y obtuvo un BA en música y un MA en educación musical. Entre los aspectos más destacados de su carrera discográfica de esta década se encuentran Eastern Sounds, Live at Pep's y The Golden Flute. Ya se puede escuchar en estos discos la incorporación de diferentes influencias musicales orientales en el lenguaje más directo del jazz. Estos álbumes también son uno de los primeros lugares donde se puede escuchar al Dr. Lateef tocar diferentes instrumentos de caña, incluyendo el fagot, la flauta de bambú, el shanai, el shofar, el argol, el sarewa y el taiwan koto. Durante los años 70 impartió cursos de música autofísica (que proviene del propio yo espiritual, físico y emocional) en el departamento de teoría musical de la Manhattan School of Music. De 1972 a 1976, fue profesor asociado de música en el Borough of Manhattan Community College.

En 1975 obtuvo un doctorado en Educación de la Universidad de Massachusetts en Amherst, MA y continúa siendo profesor allí. Suite 16 o Blues Suite, el primer trabajo del Dr. Lateef para grandes orquestas, se estrenó en 1969 en la Georgia Symphony Orchestra de Augusta y fue interpretada en 1970 por la Detroit Symphony Orchestra en el Meadowbrook Music Festival, y grabada por la WDR Orchestra de Colonia. La Orquesta de la Radio NDR de Hamburgo le encargó en 1974 la composición del poema tonal "Lalit". También grabó su Sinfonía No. 1 con la misma orquesta ese mismo año. Ha dado la vuelta al mundo con sus conjuntos y otros músicos actuando en salas de conciertos y festivales de música.

El punto culminante registrado de esta etapa de su carrera es Autophysiopsychic. En los años 80, el Dr. Lateef pasó 4 años en el Centro de Estudios Culturales Nigerianos de la Universidad Ahmadu Bello en Zaria, Nigeria, investigando la flauta Pël. En 1987 ganó un Grammy por la Pequeña Sinfonía de Yusef Lateef.

En 1992 fundó su propio sello YAL. En 1993 Yusef Lateef' compuso su obra más ambiciosa hasta la fecha, The African American Epic Suite, una obra de cuatro movimientos para quinteto y orquesta dedicada a 400 años de historia afroamericana. Se estrenó con la orquesta WDR y más tarde también fue interpretada por la Atlanta Symphony Orchestra y por la Detroit Symphony Orchestra. Entre sus logros menos conocidos se encuentran 3 obras de ficción; Una Noche en el Jardín del Amor y dos colecciones de cuentos, Esferas y Formas de la Lluvia.

Yusef Lateef murió en su casa de Shutesbury, Massachusetts, en diciembre de 2013; tenía 93 años.





yuseflateef.com ...


Thursday, April 2, 2026

Jazz Crusaders • Lighthouse '68

 


The Crusaders, llamados originalmente The Jazz Crusaders. es un grupo norteamericano de soul jazz, jazz fusión y funk, creado en 1961 y que han editado más de 40 álbumes.

El grupo "The Jazz Crusaders" fue formado por el trombonista Wayne Henderson, el saxofonista Wilton Felder, el teclista Joe Sample y el baterista Stix Hooper, a los que se unieron el guitarrista Roy Gaines y el contrabajista Jimmy Bond, en 1961,1 aunque ya con anterioridad habían trabajado juntos, llegando a grabar un par de singles, bajo el nombre de "The Nite Hawks". Todos ellos eran originarios de Houston (Texas), aunque residían en California, siendo muy activos en la escena de jazz de la Costa Oeste. Su primer disco se llamó The Freedom Sound y fue publicado por el sello Pacific Jazz, que sería su compañía hasta 1969. El estilo del grupo, en esta época, oscilaba alrededor del funky jazz.
Época de mayor éxito.

En 1971, al escorarse su música hacía el r&b y el pop, mofidicaron su nombre eliminando la palabra "jazz" y adoptando un estilo más cercano al funk, incorporando a la banda al guitarrista Larry Carlton y al bajista Robert Popwell. La nueva tendencia crossover de la banda, hizo que sus discos comenzaran a aparecer en las listas de ventas de Billboard, consiguiendo su mayor éxito con el álbum "Street life" (1979), que consiguió alcanzar el nº 36 en el Billboard Hot 100, y su single entró en el Top 10 de R&B. Durante su época de mayor éxito, The Crusaders trabajaron como músicos de respaldo a un gran número de artistas, como Marvin Gaye, Steely Dan, Donald Fagen o Joni Mitchell.

En 1975, Henderson dejó la banda para proseguir su carrera como músico y como productor discográfico. Más tarde, 1983, Hooper también abandonó al grupo. Estos cambios modificaron la línea musical de la banda, que acabó por desaparecer a comienzos de la década de 1990. Sin embargo, en 1995, Wayne Henderson, junto a Wilton Felder y Larry Carlton, rehizo la banda para grabar una serie de discos, bajo el nombre nuevamente de "Jazz Crusaders", aunque con poca relación musical con el grupo original. La banda vuelve a deshacerse a comienzos de la década de 2000.

En 2003, serán Joe Sample y Stix Hooper, junto con Felder, quienes revivan al grupo para grabar un disco, en el que intervienen como guitarristas Eric Clapton y Ray Parker, bajo el nombre de "The Crusaders". La banda no publica más discos, pero en 2010 se produce una reunión de Sample, Felder y Henderson (sin Hooper), para realizar una gira. Wiki

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The Crusaders were an American music group popular in the early 1970s known for their amalgamated jazz, pop, and soul sound. Since 1961, forty albums have been credited to the group (some live and compilations), 19 of which were recorded under the name "The Jazz Crusaders" (1961–1970).

In 1960, following the demise of a few short-lived Houston-based groups called The Swingsters and the Nite Hawks, Joe Sample (piano), Stix Hooper (drums), Wilton Felder (saxophone), and Wayne Henderson (trombone), relocated to Los Angeles, CA. After changing their name to "The Jazz Crusaders," the group signed with Pacific Jazz Records, where they would remain throughout the 1960s. Employing a two-manned front-line horn section (trombone and tenor saxophone), the group's sound was rooted in hard bop, with an emphasis on R&B and soul.

The group shortened their name to "The Crusaders" in 1971, and adopted a jazz-funk style.They also incorporated the electric bass and electric guitar into their music. Bass guitarist Robert "Pops" Popwell and guitarist Larry Carlton joined the band, and featured on the group's albums throughout most of the 1970s. With this new style came increased crossover appeal, and the group's recordings started to appear on the Billboard pop charts. The height of the group's commercial success came with 1979's Street Life, with Randy Crawford as featured singer, which peaked at No. 18 on the pop album charts and the title track from the album made the Top 10 on the R&B chart and No. 36 on Billboard′s Hot 100 chart.

In 1975, following the release of their 28th album (their ninth as The Crusaders), Henderson left the group to pursue a full-time career as a producer. His departure created a void, permanently changing the character of the group. Another founding member, Hooper, left the group in 1983, thus signaling the end to the group's most popular period. Three more albums were recorded in the mid-1980s; however by the 1990s, The Crusaders, for the most part, had disbanded, with a comprehensive discography behind them.

The Crusaders performing at Knebworth Park, UK, as part of the Capitol Radio Jazz Festival, 1982

In 1991, The Crusaders (with Sample and Felder the only original members present) released Healing the Wounds. The album peaked at No. 1 on the Top Contemporary Jazz chart and No. 174 on the Billboard 200. The group did not release any more albums during the decade, as Sample focused on a solo career.

Henderson, who had left the group in 1975, revived the "Jazz Crusaders" moniker (despite Sample's objections) for 1995's Happy Again. The lineup for Happy Again included founding member Wilton Felder and former Crusaders guitarist Larry Carlton. The new Jazz Crusaders released a series of recordings in the late 1990s, but the music bore little resemblance to the acoustic, hard bop style of the original group, instead emphasizing synthesizers, sampling, electronics, and drum machines in the style of smooth jazz, rap music, or contemporary R&B.

In 2003, founding members Sample, Felder and Hooper revived The Crusaders and released Rural Renewal. Ray Parker Jr. and Eric Clapton played guitar on the album. That same year, the Henderson-led Jazz Crusaders released Soul Axess.

In April 2010, Joe Sample announced a reunion tour with Wayne Henderson and Wilton Felder (but not Stix Hooper) - the first reunion of these founding members of the Jazz Crusaders since 1974. Henderson died on April 5, 2014. Joe Sample died in Houston on September 12, 2014. Felder died on September 27, 2015.  Wiki


Wednesday, April 1, 2026

Johnny Hodges & Wild Bill Davis ‎• Joe's Blues





Scott Hamilton • East Of The Sun



Biography:
Scott Hamilton was born in 1954, in Providence, Rhode Island. During his early childhood he heard a lot of jazz through his father’s extensive record collection, and became acquainted with the jazz greats. He tried out several instruments, including drums at about the age of five, piano at six and mouth-organ. He had some clarinet lessons when he was about eight years of age, but that was the only formal music tuition he has ever had. Even at that age he was attracted to the sound of Johnny Hodges, but it was not until he was about sixteen that he started playing the saxophone seriously. From his playing mainly blues on mouth organ, his little band gradually became more of a jazz band.
He moved to New York in 1976 at the age of twenty-two, and through Roy Eldridge, with whom he had played a year previously in Boston, got a six-week gig at Michael’s Pub. Roy also paved the way for him to work with Anita O’Day and Hank Jones. Although it was the tail-end of the of old New York scene, a lot of the greats were still playing and he got to work and learn from people like Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson and Jo Jones. Eldridge was Scott’s champion, but pulled no punches, and could be extremely critical, something for which Scott has always been grateful. In December of the same year John Bunch got Scott his first recording date, for Famous Door, and was also responsible for him joining Benny Goodman. He continued to work with Goodman at different times until the early 1980s.
In 1977 he formed his own quartet, which later became a quintet, with Bunch added to the group. The same year Carl Jefferson heard him, and began recording him for his Concord record label. More than forty albums later he is still recording for them, having made many under his own leadership, several with his regular British quartet of John Pearce, Dave Green and Steve Brown, including his latest, Nocturnes & Serenades. The Quartet plus two guests, Dave Cliff and Mark Nightingale recorded Our Delight! for Alan Barnes’ Woodville label. A new release, Across the Tracks on Concorde is due this May. Along the way he has made albums with Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, many with Rosemary Clooney and a number with another of his mentors, Ruby Braff, with whom he played residencies at the Pizza Express Jazz Club, London in the mid-1980s. Over the years Scott has also performed and recorded with such touring bands as the Concord Jazz All Stars, the Concord Super Band and George Wein’s Newport Jazz Festival All Stars.
For some years he was based in London, where he first played in 1978, but now travels the world from Italy. Each year, in addition to two or three residencies with the quartet at the Pizza Express Jazz Club, British jazz club dates and festival work including Brecon, where he is one of the patrons, he regularly tours Germany, the Netherlands, Scandinavia, Japan, Spain and Italy. He returns to America three or four times a year to play at festivals, including in 2007, the New York JVC festival in June and Irvine, California in September, and in February 2008 for three nights at the Lincoln Centre New York.
His playing has best been described by fellow tenor saxophonist and writer, Dave Gelly: “Following a Scott Hamilton solo is like listening to a great conversationalist in full flow. First comes the voice, the inimitable, assured sound of his tenor saxophone, then the informal style and finally the amazing fluency and eloquent command of the jazz language.” Scott was awarded the ‘Ronnie’ for International Jazz Saxophonist of the Year in the 2007 inaugural Ronnie Scott’s Jazz Awards.  It is no wonder that Scott Hamilton is in demand the world over.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/

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Biografía:
Scott Hamilton nació en 1954, en Providence, Rhode Island. Durante su infancia escuchó mucho jazz a través de la extensa colección de discos de su padre, y se familiarizó con los grandes del jazz. Probó varios instrumentos, incluyendo la batería a la edad de cinco años, el piano a los seis años y la armónica. Tomó algunas clases de clarinete cuando tenía unos ocho años, pero fue la única clase de música formal que tuvo. Incluso a esa edad se sintió atraído por el sonido de Johnny Hodges, pero no fue hasta los dieciséis años cuando empezó a tocar el saxofón en serio. De tocar principalmente blues con armónica, su pequeña banda se convirtió gradualmente en una banda de jazz.
Se mudó a Nueva York en 1976 a la edad de veintidós años, y a través de Roy Eldridge, con quien había tocado un año antes en Boston, consiguió un concierto de seis semanas en el Michael's Pub. Roy también le allanó el camino para trabajar con Anita O'Day y Hank Jones. Aunque era el final de la vieja escena neoyorquina, muchos de los grandes seguían tocando y él se puso a trabajar y a aprender de gente como Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson y Jo Jones. Eldridge era el campeón de Scott, pero no se andaba con rodeos y podía ser extremadamente crítico, algo por lo que Scott siempre ha estado agradecido. En diciembre del mismo año John Bunch le consiguió a Scott su primera fecha de grabación, para Famous Door, y también fue responsable de que se uniera a Benny Goodman. Continuó trabajando con Goodman en diferentes momentos hasta principios de los 80.
En 1977 formó su propio cuarteto, que más tarde se convirtió en quinteto, con Bunch añadido al grupo. Ese mismo año Carl Jefferson lo escuchó y comenzó a grabarlo para su sello discográfico Concord. Más de cuarenta álbumes después sigue grabando para ellos, habiendo hecho muchos bajo su propia dirección, varios con su cuarteto británico habitual de John Pearce, Dave Green y Steve Brown, incluyendo su último, Nocturnos y Serenatas. El cuarteto más dos invitados, Dave Cliff y Mark Nightingale grabaron Our Delight! para el sello Woodville de Alan Barnes. Un nuevo lanzamiento, Across the Tracks en el Concorde, está previsto para este mayo. Por el camino ha hecho álbumes con Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, muchos con Rosemary Clooney y un número con otra de sus mentoras, Ruby Braff, con quien hizo residencias en el Pizza Express Jazz Club de Londres a mediados de los 80. A lo largo de los años, Scott también ha tocado y grabado con bandas de gira como la Concord Jazz All Stars, la Concord Super Band y la Newport Jazz Festival All Stars de George Wein.
Durante algunos años estuvo basado en Londres, donde tocó por primera vez en 1978, pero ahora viaja por el mundo desde Italia. Cada año, además de dos o tres residencias con el cuarteto en el Pizza Express Jazz Club, fechas de clubes de jazz británicos y trabajos en festivales como el de Brecon, donde es uno de los patrocinadores, realiza giras regulares por Alemania, los Países Bajos, Escandinavia, Japón, España e Italia. Regresa a América tres o cuatro veces al año para tocar en festivales, entre ellos, en 2007, el festival JVC de Nueva York en junio e Irvine, California, en septiembre, y en febrero de 2008 durante tres noches en el Lincoln Centre de Nueva York.
Su forma de tocar ha sido mejor descrita por su compañero saxofonista tenor y escritor, Dave Gelly: "Seguir un solo de Scott Hamilton es como escuchar a un gran conversador a todo volumen. Primero viene la voz, el inimitable y seguro sonido de su saxo tenor, luego el estilo informal y finalmente la asombrosa fluidez y el dominio elocuente del lenguaje del jazz". Scott fue galardonado con el premio 'Ronnie' al Saxofonista Internacional de Jazz del Año en la edición inaugural de los Premios de Jazz Ronnie Scott de 2007.  No es de extrañar que Scott Hamilton sea solicitado en todo el mundo.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/


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