Freddie Hubbard & Woody Shaw • The Eternal Triangle

 

 

Review by Michael G. Nastos  
No one should consider the pairing of great jazz trumpeters Freddie Hubbard and Woody Shaw akin to oil and water. Both are on fire, defer to each other's personalized sound, and swing hard with fervor, supported by an equally talented band featuring the always wondrous pianist Mulgrew Miller, bassist Ray Drummond, and drummer Carl Allen. The X factor is alto saxophonist Kenny Garrett, fresh off a stint with Miles Davis, who rounds out the overall sound and contributes a vital harmonic element to the double-edged swords Hubbard and Shaw wield. The eight tracks are balanced between originals by the co-leaders and compositions from their revered predecessors, all molded into straight-ahead, no-nonsense hard bop. Shaw's famous "Moontrane" and lesser-known "Tomorrow's Destiny" are shining examples of how to modernize tried and true bop themes, the former a memorable hard-charging number with the brass players shadowing each other in full, rich dialog, the latter cleanly moving from inventive spatial modal tones to calypso and bebop with seamless acumen. Hubbard's "Down Under" challenges the soul shuffle precept with some great harmonic content from the three horns, while the neglected "Nostrand and Fulton" moves from beats of four, five, and six with seeming magical cues that fool you until you listen a second or third time. Lee Morgan's "Calling Miss Khadija" contains much spirit in a modal 6/8 framework; Kenny Dorham's "São Paulo" uses flutter and trilled unison lines effectively with melodic long tones and tuneful notes within the spaces; and the straight Sonny Stitt bopper "The Eternal Triangle" simply steams ahead with Hubbard, Shaw, and Garrett like a passenger train. Little Benny Harris wrote the closer, "Reets and I," for Bud Powell, and on this session the band does nothing to diminish its impact. What Miller brings to this group cannot be discounted, a presence in terms of support, but also one who is clearly having a ball inventing chords and substituting his own harmonic flourishes, clearly inspired by his cohorts. This group toured sporadically, giving live audiences a stretched-out taste of what these two brilliant musicians were capable of dishing out in their later -- but still formative -- years. You'd be hard-pressed to find another pairing of great jazz trumpeters that made music as spectacular as is heard on this essential recording, perfect or fans, students, or those who simply love a hard-swinging, boldly played brass horn or two.
https://www.allmusic.com/album/the-eternal-triangle-mw0000202026

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Reseña de Michael G. Nastos  
Nadie debería considerar que la pareja de grandes trompetistas de jazz Freddie Hubbard y Woody Shaw es similar al aceite y el agua. Ambos están en llamas, ceden al sonido personalizado del otro y se balancean con fervor, apoyados por una banda igualmente talentosa con el siempre maravilloso pianista Mulgrew Miller, el bajista Ray Drummond y el baterista Carl Allen. The X factor es el saxofonista alto Kenny Garrett, recién salido de una temporada con Miles Davis, que completa el sonido general y contribuye con un elemento armónico vital a las espadas de doble filo que manejan Hubbard y Shaw. Las ocho pistas están equilibradas entre originales de los colíderes y composiciones de sus venerados predecesores, todas moldeadas en un hard bop directo y sensato. El famoso "Moontrane" de Shaw y el menos conocido "Tomorrow's Destiny" son ejemplos brillantes de cómo modernizar temas bop probados y verdaderos, el primero un número memorable y difícil de cargar con los músicos de metal que se sombrean entre sí en un diálogo completo y rico, el segundo se mueve limpiamente de tonos modales espaciales inventivos a calipso y bebop con una perspicacia perfecta. "Down Under" de Hubbard desafía el precepto del soul shuffle con un gran contenido armónico de los tres cuernos, mientras que el descuidado" Nostrand and Fulton " se mueve a partir de ritmos de cuatro, cinco y seis con señales aparentemente mágicas que te engañan hasta que escuchas una segunda o tercera vez. "Calling Miss Khadija" de Lee Morgan contiene mucho espíritu en un marco modal de 6/8; "São Paulo" de Kenny Dorham utiliza líneas al unísono onduladas y trinadas de manera efectiva con tonos largos melódicos y notas melodiosas dentro de los espacios; y el recto Sonny Stitt bopper" El Triángulo Eterno " simplemente avanza con Hubbard, Shaw y Garrett como un tren de pasajeros. El pequeño Benny Harris escribió el cierre, "Reets and I", para Bud Powell, y en esta sesión la banda no hace nada para disminuir su impacto. No se puede descartar lo que Miller aporta a este grupo, una presencia en términos de apoyo, pero también uno que claramente se está divirtiendo inventando acordes y sustituyendo sus propias florituras armónicas, claramente inspiradas en sus cohortes. Este grupo realizó giras esporádicas, dando al público en vivo una muestra de lo que estos dos brillantes músicos fueron capaces de ofrecer en sus últimos años, pero aún formativos. Sería difícil encontrar otra pareja de grandes trompetistas de jazz que hicieran música tan espectacular como la que se escucha en esta grabación esencial, perfecta para fanáticos, estudiantes o aquellos que simplemente aman una trompa de latón dura y audazmente tocada o dos.
https://www.allmusic.com/album/the-eternal-triangle-mw0000202026

 

VA • MOD - The Ultimate Mod Anthems

 

Freddie Hubbard • Ready For Freddie

 

Biography
by Scott Yanow
One of the great jazz trumpeters of all time, Freddie Hubbard formed his sound out of the Clifford Brown/Lee Morgan tradition, and by the early '70s was immediately distinctive and the pacesetter in jazz. However, a string of blatantly commercial albums later in the decade damaged his reputation and, just when Hubbard, in the early '90s (with the deaths of Dizzy Gillespie and Miles Davis), seemed perfectly suited for the role of veteran master, his chops started causing him serious troubles.

Born and raised in Indianapolis, Hubbard played early on with Wes and Monk Montgomery. He moved to New York in 1958, roomed with Eric Dolphy (with whom he recorded in 1960), and was in the groups of Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton, and J.J. Johnson, before touring Europe with Quincy Jones (1960-1961). He recorded with John Coltrane, participated in Ornette Coleman's Free Jazz (1960), was on Oliver Nelson's classic Blues and the Abstract Truth album (highlighted by "Stolen Moments"), and started recording as a leader for Blue Note that same year. Hubbard gained fame playing with Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) next to Wayne Shorter and Curtis Fuller. He recorded Ascension with Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) with Eric Dolphy, and Maiden Voyage with Herbie Hancock, and, after a period with Max Roach (1965-1966), he led his own quintet, which at the time usually featured altoist James Spaulding. A blazing trumpeter with a beautiful tone on flügelhorn, Hubbard fared well in freer settings but was always essentially a hard bop stylist.

In 1970, Freddie Hubbard recorded two of his finest albums (Red Clay and Straight Life) for CTI. The follow-up, First Light (1971), was actually his most popular date, featuring Don Sebesky arrangements. But after the glory of the CTI years (during which producer Creed Taylor did an expert job of balancing the artistic with the accessible), Hubbard made the mistake of signing with Columbia and recording one dud after another; Windjammer (1976) and Splash (a slightly later effort for Fantasy) are low points. However, in 1977, he toured with Herbie Hancock's acoustic V.S.O.P. Quintet and, in the 1980s, on recordings for Pablo, Blue Note, and Atlantic, he showed that he could reach his former heights (even if much of the jazz world had given up on him). But by the late '80s, Hubbard's "personal problems" and increasing unreliability (not showing up for gigs) started to really hurt him, and a few years later his once mighty technique started to seriously falter. In late 2008, Hubbard suffered a heart attack that left him hospitalized until his death at age 70 on December 29 of that year.Freddie Hubbard's fans can still certainly enjoy his many recordings for Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, and his first Music Masters sets.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Freddie Hubbard, uno de los grandes trompetistas de jazz de todos los tiempos, formó su sonido a partir de la tradición de Clifford Brown/Lee Morgan y, a principios de los años 70, era inmediatamente inconfundible y el referente del jazz. Sin embargo, una serie de álbumes descaradamente comerciales a finales de la década dañaron su reputación y, justo cuando Hubbard, a principios de los 90 (con la muerte de Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente apto para el papel de maestro veterano, sus chuletas empezaron a causarle serios problemas.

Nacido y criado en Indianápolis, Hubbard tocó en sus inicios con Wes y Monk Montgomery. Se trasladó a Nueva York en 1958, compartió habitación con Eric Dolphy (con quien grabó en 1960) y formó parte de los grupos de Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton y J.J. Johnson, antes de realizar una gira por Europa con Quincy Jones (1960-1961). Grabó con John Coltrane, participó en el Free Jazz de Ornette Coleman (1960), formó parte del clásico álbum de Oliver Nelson Blues and the Abstract Truth (en el que destaca "Stolen Moments") y empezó a grabar como líder para Blue Note ese mismo año. Hubbard ganó fama tocando con Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) junto a Wayne Shorter y Curtis Fuller. Grabó Ascension con Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) con Eric Dolphy y Maiden Voyage con Herbie Hancock y, tras un periodo con Max Roach (1965-1966), dirigió su propio quinteto, que en aquella época solía contar con el contralto James Spaulding. Trompetista ardiente con un bello tono de flügelhorn, Hubbard se desenvolvía bien en ambientes más libres, pero siempre fue esencialmente un estilista del hard bop.

En 1970, Freddie Hubbard grabó dos de sus mejores álbumes (Red Clay y Straight Life) para CTI. La continuación, First Light (1971), fue en realidad su fecha más popular, con arreglos de Don Sebesky. Pero después de la gloria de los años de CTI (durante los cuales el productor Creed Taylor hizo un trabajo experto para equilibrar lo artístico con lo accesible), Hubbard cometió el error de firmar con Columbia y grabar un fracaso tras otro; Windjammer (1976) y Splash (un esfuerzo ligeramente posterior para Fantasy) son puntos bajos. Sin embargo, en 1977, realizó una gira con el quinteto acústico V.S.O.P. de Herbie Hancock y, en los años 80, en grabaciones para Pablo, Blue Note y Atlantic, demostró que podía alcanzar sus cotas anteriores (aunque gran parte del mundo del jazz le había abandonado). Pero a finales de los 80, los "problemas personales" de Hubbard y su creciente falta de fiabilidad (no se presentaba a los conciertos) empezaron a perjudicarle de verdad, y unos años más tarde su otrora poderosa técnica empezó a flaquear seriamente. A finales de 2008, Hubbard sufrió un ataque al corazón que le dejó hospitalizado hasta su muerte a la edad de 70 años el 29 de diciembre de ese año.Los fans de Freddie Hubbard todavía pueden disfrutar sin duda de sus muchas grabaciones para Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, y sus primeros sets de Music Masters.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography

Freddie Hubbard • Polar AC

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Polar AC is a rather unusual CTI release, a collection of leftover tracks from different sessions put out by Creed Taylor after Freddie Hubbard had departed for Columbia. Despite its compilation nature, the results are quite enjoyable. Hubbard is in fine form throughout, and the supporting cast -- including George Benson, Hubert Laws, Ron Carter and Jack DeJohnette -- is top-notch. The arrangements by Don Sebesky and Bob James are typically lush, though the briefer, sparser "Son of Sky Dive" stands apart as the highlight, offering a more direct jazz setting without the orchestral overlay. An uneven but worthwhile set for CTI and Hubbard fans.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

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Resena de AllMusic (por Scott Yanow):
Polar AC es una entrega bastante inusual de CTI, una coleccion de temas sobrantes de diferentes sesiones publicada por Creed Taylor despues de que Freddie Hubbard se marchara a Columbia. A pesar de su naturaleza compilatoria, los resultados son bastante disfrutables. Hubbard esta en plena forma a lo largo del disco, y el elenco de apoyo -- incluyendo a George Benson, Hubert Laws, Ron Carter y Jack DeJohnette -- es de primer nivel. Los arreglos de Don Sebesky y Bob James son tipicamente exuberantes, aunque el mas breve y austero "Son of Sky Dive" se destaca como el punto culminante, ofreciendo un contexto jazzistico mas directo sin la cobertura orquestal. Un conjunto irregular pero que vale la pena para los fans de CTI y de Hubbard.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

Chaka Khan-Joe Henderson-Freddie Hubbard-Chick Corea-Stanley Clarke-Lenny White • Echoes Of An Era

 

Andrew Hill • Compulsion

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine  
Compulsion continues Andrew Hill's progression, finding the pianist writing more complex compositions and delving even further into the avant-garde. Working with a large, percussion-heavy band featuring Freddie Hubbard (trumpet, flugelhorn), John Gilmore (tenor saxophone, bass clarinet), Cecil McBee (bass), Joe Chambers (drums), Renaud Simmons (conga), Nadi Qamar (percussion), and, for one track, Richard Davis (bass), Hill has created one of his most challenging dates. The extra percussion is largely used for texture, as is the dueling bass on "Premonition," and that's one of the reasons why the record is so interesting -- it's a provocative, occasionally unsettling set of shifting tonal colors. Hill's compositions often seem more like sketches and blueprints than full-fledged songs. This, of course, is not a bad thing, since this approach allows the musicians room to improvise and discover evocative new sounds. Overall, Compulsion doesn't hold together as well as Black Fire or Point of Departure, but the session has enough fiery, challenging highlights to make it necessary for Hill fans.
https://www.discogs.com/release/1726590-Andrew-Hill-Compulsion

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine  
Compulsion continúa la progresión de Andrew Hill, encontrando al pianista escribiendo composiciones más complejas y ahondando aún más en la vanguardia. Trabajando con una gran banda, cargada de percusión, con Freddie Hubbard (trompeta, fliscorno), John Gilmore (saxo tenor, clarinete bajo), Cecil McBee (bajo), Joe Chambers (batería), Renaud Simmons (conga), Nadi Qamar (percusión), y, para una pista, Richard Davis (bajo), Hill ha creado una de sus citas más desafiantes. La percusión adicional se utiliza en gran medida para la textura, como el duelo de bajos en "Premonition", y esa es una de las razones por las que el disco es tan interesante: es un conjunto provocativo, a veces inquietante, de colores tonales cambiantes. Las composiciones de Hill a menudo parecen más esbozos y planos que canciones propiamente dichas. Esto, por supuesto, no es malo, ya que este enfoque permite a los músicos improvisar y descubrir nuevos sonidos evocadores. En general, Compulsion no se sostiene tan bien como Black Fire o Point of Departure, pero la sesión tiene suficientes momentos ardientes y desafiantes como para hacerla necesaria para los fans de Hill.
https://www.discogs.com/release/1726590-Andrew-Hill-Compulsion

Tina Brooks • True Blue

 

Curtis Fuller • Soul Trombone

 

 

Oliver Nelson • The Blues And The Abstract Truth

 

Review by Michael G. Nastos

As Oliver Nelson is known primarily as a big band leader and arranger, he is lesser known as a saxophonist and organizer of small ensembles. Blues and the Abstract Truth is his triumph as a musician for the aspects of not only defining the sound of an era with his all-time classic "Stolen Moments," but on this recording, assembling one of the most potent modern jazz sextets ever. Lead trumpeter Freddie Hubbard is at his peak of performance, while alto saxophonists Nelson and Eric Dolphy (Nelson doubling on tenor) team to form an unlikely union that was simmered to perfection. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), and Roy Haynes (drums) can do no wrong as a rhythm section. "Stolen Moments" really needs no comments, as its undisputable beauty shines through in a three-part horn harmony fronting Hubbard's lead melody. It's a thing of beauty that is more timeless as the years pass. The "Blues" aspect is best heard on "Yearnin'," a stylish, swinging, and swaying downhearted piece that is a bluesy as Evans would ever be. Both "Blues" and "Abstract Truth" combine for the darker "Teenie's Blues," a feature for Nelson and Dolphy's alto saxes, Dolphy assertive in stepping forth with his distinctive, angular, dramatic, fractured, brittle voice that marks him a maverick. Then there's "Hoedown," which has always been the black sheep of this collection with its country flavor and stereo separated upper and lower horn in snappy call-and-response barking. As surging and searing hard boppers respectively, "Cascades" and "Butch & Butch" again remind you of the era of the early '60s when this music was king, and why Hubbard was so revered as a young master of the idiom. A must buy for all jazz fans, and a Top Ten or Top Fifty favorite for many.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biography by Scott Yanow

The Blues and the Abstract Truth

Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

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Reseña de Michael G. Nastos

Como Oliver Nelson es conocido principalmente como líder de grandes bandas y arreglista, es menos conocido como saxofonista y organizador de pequeños conjuntos. Blues and the Abstract Truth es su triunfo como músico por los aspectos de definir el sonido de una época no sólo con su clásico de todos los tiempos "Stolen Moments", sino en esta grabación, reuniendo a uno de los sextetos de jazz moderno más potentes de la historia. El trompetista principal Freddie Hubbard está en su mejor momento, mientras que los saxofonistas de alto nivel Nelson y Eric Dolphy (Nelson doblando al tenor) forman un equipo para formar una unión improbable que se cocinó a fuego lento a la perfección. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bajo) y Roy Haynes (batería) no pueden hacer nada malo como sección rítmica. "Stolen Moments" realmente no necesita comentarios, ya que su indiscutible belleza brilla en una armonía de tres partes de la trompa que encabeza la melodía principal de Hubbard. Es una cosa de belleza que es más atemporal con el paso de los años. El aspecto "Blues" se oye mejor en "Yearnin'", una pieza de estilo, swinging y swaying downhearted que es un blues como lo sería Evans. Tanto "Blues" como "Abstract Truth" se combinan para el más oscuro "Teenie's Blues", un largometraje para los saxos contralto de Nelson y Dolphy, Dolphy asertivo al dar un paso al frente con su voz distintiva, angular, dramática, fracturada y quebradiza que le marca como un inconformista. Luego está "Hoedown", que siempre ha sido la oveja negra de esta colección con su sabor campestre y su cuerno superior e inferior separado estéreo en un ladrido rápido de llamada y respuesta. Cascades" y "Butch & Butch" le recuerdan una vez más la época de principios de los años 60, cuando esta música era el rey, y por qué Hubbard era tan venerado como un joven maestro del idioma. Una compra imprescindible para todos los fans del jazz, y un Top Ten o Top Fifty favorito para muchos.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biografía de Scott Yanow

El blues y la verdad abstracta

Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

Jimmy Heath • The Quota

 

Review by Stephen Cook
Jimmy Heath's considerable talents are very evident on this fine hard bop title. His supple, Dexter Gordon-inspired tenor work shines throughout the album's seven tracks, which range from the challenging yet fleet originals "Funny Time" and "The Quota" to attractive covers like "When Sunny Gets Blue" and Milt Jackson's "Bells and Horns." Heath also mixes it up stylistically with elements of both East Coast jazz (Philly native, vigorous ensemble work) and West Coast jazz (spry, vaporous arrangements), showing his flexibility amidst the music's healthy, bi-coastal rivalry of the late-'50s and early-'60s California stars Art Pepper and Chet Baker would cover several Heath numbers on their excellent 1956 collaboration Playboys. The Quota also benefits from stellar solo contributions by trumpeter Freddie Hubbard, French horn player Julius Watkins, and pianist Cedar Walton; brothers Percy and Albert Heath handle the bass and drums chores admirably, and they make a family reunion of it. The Quota's strong material, tight arrangements, and thoughtful solos help make this Heath title one of the better hard bop releases available and a must for any jazz collection. https://www.allmusic.com/album/the-quota-mw0000177220

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Reseña de Stephen Cook
El considerable talento de Jimmy Heath queda patente en este excelente álbum de hard bop. Su flexible trabajo al saxo tenor, inspirado en Dexter Gordon, brilla a lo largo de las siete pistas del álbum, que van desde los desafiantes pero ágiles temas originales «Funny Time» y «The Quota» hasta atractivas versiones como «When Sunny Gets Blue» y «Bells and Horns» de Milt Jackson. Heath también mezcla estilos con elementos tanto del jazz de la costa este (vigoroso trabajo en conjunto, típico de Filadelfia) como del jazz de la costa oeste (arreglos ágiles y vaporosos), mostrando su flexibilidad en medio de la sana rivalidad entre ambas costas a finales de los años 50 y principios de los 60. Las estrellas californianas Art Pepper y Chet Baker versionarían varios temas de Heath en su excelente colaboración de 1956, Playboys. The Quota también se beneficia de las estelares contribuciones en solitario del trompetista Freddie Hubbard, el trompista Julius Watkins y el pianista Cedar Walton; los hermanos Percy y Albert Heath se encargan admirablemente del bajo y la batería, y lo convierten en una reunión familiar. El sólido material, los arreglos precisos y los solos meditados de The Quota contribuyen a que este título de Heath sea uno de los mejores lanzamientos de hard bop disponibles y una pieza imprescindible en cualquier colección de jazz. https://www.allmusic.com/album/the-quota-mw0000177220

Freddie Hubbard • Super Blue

 

VA • Blue Note 101 Jazz Icons

 

Review by Gregory Heaney
Blue Note Records has been home to some of the greatest names in jazz, and with its Blue Note 101 series, the storied label has been looking to introduce a whole new crop of listeners to some of the legendary artists on its roster with a series of introductory compilations. On Blue Note 101: Jazz Icons, the series gets to the real meat of the jazz world with a collection featuring some of the most influential names in the genre. Featuring tracks like Thelonious Monk's manic "Four in One" and John Coltrane's smoothly propulsive "Moment's Notice," the compilation will set new listeners down the path of enlightenment toward a cooler tomorrow. 
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

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Reseña de Gregory Heaney
Blue Note Records ha sido el hogar de algunos de los grandes nombres del jazz, y con su serie Blue Note 101, el histórico sello busca presentar a una nueva generación de oyentes algunos de los artistas legendarios de su catálogo con una serie de recopilatorios introductorios. En Blue Note 101: Jazz Icons, la serie llega a la esencia del mundo del jazz con una colección que incluye a algunos de los nombres más influyentes del género. Con temas como el frenético "Four in One" de Thelonious Monk y el ágil "Moment's Notice" de John Coltrane, el recopilatorio guiará a los nuevos oyentes hacia un futuro más prometedor.
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

Benny Golson, Bill Evans, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Eric Dolphy, Ron Carter • Just Jazz!

 

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)

 

Freddie Hubbard • On Fire Live From The Blue Morocco

On Fire: Live from the Blue Morocco is a never-before-released recording of jazz trumpet icon Freddie Hubbard captured live at the Blue Morocco jazz club in The Bronx, NY in 1967 featuring Bennie Maupin, Kenny Barron, Herbie Lewis and Freddie Waits. Transferred from the original tape reels that were recorded by legendary engineer Bernard Drayton, the album download and 2-CD set includes an elaborate 32-page booklet includes liner notes by producer John Koenig; plus interviews/statements with Kenny Barron and Bennie Maupin, plus other artists who knew or were inspired by Freddie Hubbard such as Eddie Henderson, Charles Tolliver, Jeremy Pelt, Steven Bernstein and more.

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On Fire: Live from the Blue Morocco es una grabación inédita del icono del jazz Freddie Hubbard, capturada en directo en el club de jazz Blue Morocco del Bronx, Nueva York, en 1967, con Bennie Maupin, Kenny Barron, Herbie Lewis y Freddie Waits. Transferido desde las cintas originales grabadas por el legendario ingeniero Bernard Drayton, el álbum descargable y el set de 2 CD incluyen un elaborado libreto de 32 páginas con notas del productor John Koenig, además de entrevistas y declaraciones de Kenny Barron y Bennie Maupin, así como de otros artistas que conocieron o se inspiraron en Freddie Hubbard, como Eddie Henderson, Charles Tolliver, Jeremy Pelt, Steven Bernstein y muchos más.

Wayne Shorter • The Soothsayer

 

wayneshorterofficial.com ...

Bobby Hutcherson • Components

 

Review
by Steve Huey  
Perhaps the single album that best sums up Bobby Hutcherson's early musical personality, Components is appropriately split into two very distinct halves. The first features four Hutcherson originals in a melodic but still advanced hard bop style, while the latter half has four free-leaning avant-garde pieces by drummer Joe Chambers. Hutcherson allots himself more solo space than on Dialogue, but that's no knock on the excellent supporting cast, which includes Herbie Hancock on piano, James Spaulding on alto sax and flute, Freddie Hubbard on trumpet, and Ron Carter on bass. It's just more Hutcherson's date, and he helps unite the disparate halves with a cool-toned control that's apparent regardless of whether the material is way outside or more conventionally swinging. In the latter case, Hutcherson's originals are fairly diverse, encompassing rhythmically complex hard bop (the title track), pensive balladry ("Tranquillity," which features a lovely solo by Hancock), down-and-dirty swing ("West 22nd Street Theme"), and the gaily innocent "Little B's Poem," which went on to become one of Hutcherson's signature tunes and contains some lyrical flute work from Spaulding. The Chambers pieces tend to be deliberate explorations that emphasize texture and group interaction in the manner of Dialogue, except that there's even more freedom in terms of both structure and tonal center. (The exception is the brief but beautiful closing number, "Pastoral," an accurate title if ever there was one.) Components illustrated that Hutcherson was not only the most adventurous vibes player on the scene, but that he was also capable of playing more straightforward music with intelligence and feeling.
https://www.allmusic.com/album/components-mw0000624439

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Reseña
por Steve Huey  
Quizás el álbum que mejor resume la personalidad musical de Bobby Hutcherson, Components está dividido en dos partes bien diferenciadas. La primera presenta cuatro temas originales de Hutcherson en un estilo hard bop melódico pero avanzado, mientras que la segunda mitad contiene cuatro piezas vanguardistas de estilo libre del batería Joe Chambers. Hutcherson se concede más espacio como solista que en Dialogue, pero eso no es un desprecio al excelente elenco de apoyo, que incluye a Herbie Hancock al piano, James Spaulding al saxo alto y la flauta, Freddie Hubbard a la trompeta y Ron Carter al bajo. Es simplemente más la cita de Hutcherson, y él ayuda a unir las dispares mitades con un control de tono frío que es evidente independientemente de si el material es muy fuera o más convencionalmente swing. En este último caso, los originales de Hutcherson son bastante diversos, abarcando hard bop rítmicamente complejo (el tema que da título al disco), baladas pensativas ("Tranquillity", que cuenta con un precioso solo de Hancock), swing sucio ("West 22nd Street Theme"), y el alegremente inocente "Little B's Poem", que se convirtió en uno de los temas emblemáticos de Hutcherson y contiene un lírico trabajo de flauta de Spaulding. Las piezas de Chambers tienden a ser exploraciones deliberadas que enfatizan la textura y la interacción de grupo a la manera de Dialogue, excepto que hay incluso más libertad en términos tanto de estructura como de centro tonal. (La excepción es el breve pero hermoso número final, "Pastoral", un título acertado donde los haya). Components demostró que Hutcherson no sólo era el intérprete de vibráfono más aventurero de la escena, sino que también era capaz de tocar música más sencilla con inteligencia y sentimiento.
https://www.allmusic.com/album/components-mw0000624439

Freddie Hubbard • Breaking Point

 

Charlie Rouse • Bossa Nova Bacchanal

Review by Thom Jurek

This 1962 date by tenor saxophonist Charlie Rouse celebrates a grander and funkier scale of what Stan Getz and Charlie Byrd did earlier in 1962 with the bossa nova. Unlike Getz, Rouse didn't feel he needed to be a purist about it, and welcomed all sorts of Afro-Caribbean variations into his music. His choice of bandmates reflects that: a three-piece percussion section with drummer Willie Bobo, conguero Carlos "Patato" Valdes, and Garvin Masseaux on chekere (a beaded percussion instrument that is played by being shaken). Add to this bassist Larry Gales, and a pair of guitarists, Kenny Burrell, and Chauncey Westbrook, along with Rouse, and it is an unusual and exotic sextet. Burrell and Masseaux were part of Ike Quebec's band on Soul Samba, but the two recordings couldn't be more different. For his part, Rouse's embrace of bossa nova, as well as other Latin and Caribbean music, is firmly rooted in jazz -- and not American jazz trying to be Brazilian. Rhythmically, Rouse, who is a hard bopper if there ever was one, takes the rhythmic and harmonic concepts of the samba, marries them to Afro-Caribbean folk styles, and burns it all through with the gloriously unapologetic swing of jazz. The standout selections here are a pair of Luiz Bonfá tunes, "Velhos Tempos," and his classic "Samba de Orfeu." On the former, both guitarists play unamplified guitars in rhythmic counterpoint as Rouse offers first the melody, and then an improvisation in the upper register of the horn, on the latter, nix the counterpoint and listen, as both guitarists shimmer through the changes, one playing just behind the beat for a reverb effect. The percussion interplay is startling in its complexity, but seamless and warm in its balance, resulting in a fine section solo in the middle of the cut that is infectious. Ultimately, this is one of Rouse's finest moments as a leader.

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Reeseña por Thom Jurek

Esta fecha de 1962 del tenor saxofonista Charlie Rouse celebra una escala más grandiosa y funkier de lo que Stan Getz y Charlie Byrd hicieron antes en 1962 con la bossa nova. A diferencia de Getz, Rouse no sentía que necesitara ser un purista al respecto, y dio la bienvenida a todo tipo de variaciones afrocaribeñas en su música. Su elección de compañeros de banda refleja eso: una sección de percusión de tres piezas con el baterista Willie Bobo, el conguero Carlos "Patato" Valdés, y Garvin Masseaux sobre chekere (un instrumento de percusión de cuentas que se toca sacudido). Agregue a este bajista Larry Gales, y un par de guitarristas, Kenny Burrell, y Chauncey Westbrook, junto con Rouse, y es un sexteto inusual y exótico. Burrell y Masseaux formaban parte de la banda de Ike Quebec en Soul Samba, pero las dos grabaciones no podían ser más diferentes. Por su parte, el abrazo de Rouse a la bossa nova, así como a otras músicas latinas y caribeñas, está firmemente arraigado en el jazz, y no en el jazz estadounidense que intenta ser brasileño. Rítmicamente, Rouse, que es un hard bopper si alguna vez hubo uno, toma los conceptos rítmicos y armónicos de la samba, los casa con los estilos populares afro-caribeños y lo quema todo con el swing gloriosamente libre de jazz. Las selecciones más destacadas son un par de canciones de Luiz Bonfá, "Velhos Tempos" y su clásico "Samba de Orfeu". En el primero, ambos guitarristas tocan guitarras sin amplificar en contrapunto rítmico cuando Rouse ofrece primero la melodía, y luego una improvisación en el registro superior del cuerno, en este último, nix el contrapunto y escucha, mientras ambos guitarristas titilan a través de los cambios, uno jugando justo detrás del ritmo para un efecto de reverberación. La interacción de percusión es sorprendente por su complejidad, pero perfecta y cálida en su equilibrio, lo que resulta en un solo de sección fina en el medio del corte que es infeccioso. En última instancia, este es uno de los mejores momentos de Rouse como líder.

Freddie Hubbard • Live In Warsaw 1991

 

Review by Ken Dryden
Freddie Hubbard is featured during a 1991 Warsaw concert just a few weeks after the death of Miles Davis, though by this point in his career the trumpeter's chops are not consistently up to par. Joined by pianist Ronnie Mathews, tenor saxophonist Don Braden, bassist Jeff Chambers, and drummer Ralph Penland, the ambitious program kicks off with a furious-paced take of Cedar Walton's "Bolivia," though the high notes give the leader some trouble and he quickly abandons them. Likewise, Hubbard's solo introduction to "God Bless the Child" is erratic and the rather pedestrian attempt at Miles Davis' landmark composition "All Blues" is frankly dull, as it doesn't take enough chances. The final track, "Dear John," is Hubbard's reworking of the chord changes to John Coltrane's "Giant Steps," but his intonation problems make it difficult to enjoy. Although Hubbard's group provides sufficient support, the trumpeter's earlier recordings are far superior to this disappointing release, which has since been discontinued due to the demise of Who's Who in Jazz. This CD can safely be bypassed.
https://www.allmusic.com/album/at-jazz-jamboree-warszawa-91-a-tribute-to-miles-mw0000111567

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Reseña de Ken Dryden
Freddie Hubbard aparece durante un concierto en Varsovia en 1991, apenas unas semanas después de la muerte de Miles Davis, aunque a estas alturas de su carrera las dotes del trompetista no están siempre a la altura. Junto al pianista Ronnie Mathews, el saxofonista tenor Don Braden, el bajista Jeff Chambers y el baterista Ralph Penland, el ambicioso programa comienza con una versión trepidante de "Bolivia" de Cedar Walton, aunque las notas altas le dan algunos problemas al líder y rápidamente los abandonó. Del mismo modo, la introducción en solitario de Hubbard a "God Bless the Child" es errática y el intento bastante vulgar de la histórica composición de Miles Davis "All Blues" es francamente aburrido, ya que no requiere suficientes riesgos. La pista final, "Dear John", es la reelaboración de Hubbard de los cambios de acordes de "Giant Steps" de John Coltrane, pero sus problemas de entonación hacen que sea difícil disfrutarla. Aunque el grupo de Hubbard brinda suficiente apoyo, las grabaciones anteriores del trompetista son muy superiores a este decepcionante lanzamiento, que desde entonces ha sido descontinuado debido a la desaparición de Who's Who in Jazz. Este CD se puede omitir de forma segura.
https://www.allmusic.com/album/at-jazz-jamboree-warszawa-91-a-tribute-to-miles-mw0000111567