VA • Saga Jazzː The President's Men (Lester Young's Disciples)

 

Lester Young, Brew Moore, Gene Ammons, Stan Getz, Wardell Gray, Bob Cooper, Illinois Jacquet, Budd Johnson, Dexter Gordon, Al Cohn, Zoot Sims, Henri Renaud, Warne Marsh, Jimmy Giuffre, Paul Quinichette, Sonny Stitt, Bobby Jaspar, Bill Perkins …

John Graas • Jazz Studio 1-2 Complete Sessions

 

Biography
by Scott Yanow
Along with Julius Watkins, John Graas was one of the first jazz French horn soloists. After playing some classical music, in 1942 he became a member of the Claude Thornhill Orchestra. A period in the Army (1942-1945) and stints with the Cleveland Orchestra and Tex Beneke's big band preceded Graas' first high-profile gig, playing with Stan Kenton's Innovations Orchestra (1950-1951). After leaving Kenton, he settled in Los Angeles and worked as a studio musician in addition to being used on West Coast jazz dates by Shorty Rogers and others. Graas, an excellent composer who sought to combine together jazz and classical music (predating the third stream movement), recorded fairly regularly as a leader during 1953-1958, sessions that (with the exception of one V.S.O.P. release) have not been reissued. He died of a heart attack at the age of 45.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Junto con Julius Watkins, John Graas fue uno de los primeros solistas de trompa de jazz. Tras tocar algo de música clásica, en 1942 pasó a formar parte de la Orquesta de Claude Thornhill. Tras un periodo en el ejército (1942-1945) y una serie de colaboraciones con la Orquesta de Cleveland y la big band de Tex Beneke, Graas tuvo su primera actuación destacada en la Innovations Orchestra de Stan Kenton (1950-1951). Tras dejar a Kenton, se instaló en Los Ángeles y trabajó como músico de estudio, además de ser utilizado en fechas de jazz de la Costa Oeste por Shorty Rogers y otros. Graas, un excelente compositor que buscaba combinar el jazz y la música clásica (antes del movimiento de la tercera corriente), grabó con bastante regularidad como líder durante 1953-1958, sesiones que (con la excepción de un lanzamiento de V.S.O.P.) no han sido reeditadas. Murió de un ataque al corazón a la edad de 45 años.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography

John Graas • Jazz Studio 3-4 Complete Sessions

 

Review by Ken Dryden
This Lonehill Jazz CD compiles the contents of two Decca LPs, Jazz Studio, Vol. 3 and Jazz Studio, Vol. 4. The first sessions consist of several different small groups led by French horn player John Graas, highlighted by the three tracks featuring his good friend Gerry Mulligan on baritone sax. In fact, Mulligan's influence on Graas' writing style is apparent, creating tight ensembles that nevertheless consistently swing, with the leader's well-named "Mulliganesque," a brisk cooker, being especially noteworthy. Among the other musicians are pianist Marty Paich, bassist Red Mitchell, and trumpeter Don Fagerquist. Other tracks feature tenor saxophonist Zoot Sims, trumpeter Conte Candoli, alto saxophonist Charlie Mariano, and either Paich or André Previn, with Jimmy Giuffre on baritone sax. Graas' "Rogersesque," which salutes Shorty Rogers (another prominent influence upon the leader), showcases Mariano, Candoli, Paich, and guitarist Howard Roberts to good effect. The last 12 selections are from Jazz Studio, Vol. 4, with all of the compositions contributed by trumpeter and flügelhornist Jack Millman, though the personnel and arrangers vary widely from one song to the next. Like Graas' works, Millman's have stood the test of time, even if they never became a part of regularly played jazz repertoire. The music is still very fresh decades after it was recorded, with some of the cream of the crop of West Coast musicians present, including Gerry Wiggins, Curtis Counce, Chico Hamilton, Bob Gordon, Buddy Collette, Jack Montrose, and Russ Freeman, among others. Perhaps one of the biggest surprises of the date is the Latin-infused "Cathy Goes South," arranged by Johnny Mandel with Maynard Ferguson playing claves. 
https://www.allmusic.com/album/jazz-studio-vols-3-4-complete-sessions-mw0000191145

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Reseña de Ken Dryden
Este CD de Lonehill Jazz recopila el contenido de dos LP de Decca: Jazz Studio, Vol. 3 y Jazz Studio, Vol. 4. Las primeras sesiones consisten en varios grupos pequeños liderados por el trompista John Graas, destacando los tres temas en los que su buen amigo Gerry Mulligan toca el saxo barítono. De hecho, la influencia de Mulligan en el estilo compositivo de Graas es evidente, creando conjuntos sólidos que, sin embargo, mantienen un swing consistente, destacando especialmente el acertado "Mulliganesque" del líder, un estilo de cocción enérgico. Entre los músicos que lo acompañan se encuentran el pianista Marty Paich, el bajista Red Mitchell y el trompetista Don Fagerquist. Otros temas incluyen al saxofonista tenor Zoot Sims, al trompetista Conte Candoli, al saxofonista alto Charlie Mariano y a Paich o André Previn, con Jimmy Giuffre al saxo barítono. "Rogersesque" de Graas, que rinde homenaje a Shorty Rogers (otra influencia destacada del líder), presenta con gran éxito a Mariano, Candoli, Paich y al guitarrista Howard Roberts. Las últimas 12 selecciones pertenecen a Jazz Studio, Vol. 4, con todas las composiciones aportadas por el trompetista y fliscornista Jack Millman, aunque el personal y los arreglistas varían considerablemente de una canción a otra. Al igual que las obras de Graas, las de Millman han resistido el paso del tiempo, incluso si nunca llegaron a formar parte del repertorio de jazz habitual. La música sigue muy vigente décadas después de su grabación, con la presencia de algunos de los músicos más destacados de la Costa Oeste, como Gerry Wiggins, Curtis Counce, Chico Hamilton, Bob Gordon, Buddy Collette, Jack Montrose y Russ Freeman, entre otros. Quizás una de las mayores sorpresas de la cita sea "Cathy Goes South", con influencias latinas, arreglada por Johnny Mandel con Maynard Ferguson tocando las claves. https://www.allmusic.com/album/jazz-studio-vols-3-4-sesiones-completas-mw0000191145

Jimmy Giuffre & Jim Hall • The Way It is

 

An excellent introduction to Jimmy Giuffre's unique music.
With guitarist Jim Hall, Giuffre is heard on clarinet, tenor, and baritone. The generally introverted music is wistful, has a fair amount of variety, and is melodic while still sounding advanced.
The thought-provoking and generally relaxed works feature a wide variety of instrumentation. Giuffre plays a fairly free "Fascinatin' Rhythm" in a Benny Goodman-type trio with pianist Rowles and drummer Shelly Manne, performs with a couple of other trios, uses three woodwinds plus bassist Ralph Pena on an atmospheric "My Funny Valentine“.
A very interesting album.
Review by Scott Yanow

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Una excelente introducción a la música única de Jimmy Giuffre.
Junto al guitarrista Jim Hall, Giuffre toca el clarinete, el tenor y el barítono. La música, en general introvertida, es melancólica, tiene bastante variedad y es melódica sin dejar de sonar avanzada.
Las obras, generalmente relajadas y que invitan a la reflexión, presentan una amplia variedad de instrumentación. Giuffre interpreta un «Fascinatin' Rhythm» bastante libre en un trío tipo Benny Goodman con el pianista Rowles y el batería Shelly Manne, actúa con un par de tríos más, utiliza tres vientos de madera más el bajista Ralph Pena en un atmosférico «My Funny Valentine».
Un álbum muy interesante.
Reseña de Scott Yanow

Shorty Rogers • Martians Come Back

 

Biography by Scott Yanow
A fine middle-register trumpeter whose style seemed to practically define "cool jazz," Shorty Rogers was actually more significant for his arranging, both in jazz and in the movie studios. After gaining early experience with Will Bradley and Red Norvo and serving in the military, Rogers rose to fame as a member of Woody Herman's First and Second Herds (1945-1946 and 1947-1949), and somehow he managed to bring some swing to the Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), clearly enjoying writing for the stratospheric flights of Maynard Ferguson. After that association ran its course, Rogers settled in Los Angeles where he led his Giants (which ranged from a quintet to a nonet and a big band) on a series of rewarding West Coast jazz-styled recordings and wrote for the studios, helping greatly to bring jazz into the movies; his scores for The Wild One and The Man With the Golden Arm are particularly memorable. After 1962, Rogers stuck almost exclusively to writing for television and films, but in 1982 he began a comeback in jazz. Rogers reorganized and headed the Lighthouse All-Stars and, although his own playing was not quite as strong as previously, he remained a welcome presence both in clubs and recordings.
https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646#biography

more: https://londonjazzcollector.wordpress.com/2015/11/03/shorty-rogers-martians-come-back-1955-atlantic/

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Biografía de Scott Yanow
Excelente trompetista de registro medio cuyo estilo parecía definir prácticamente el «cool jazz», Shorty Rogers fue en realidad más importante por sus arreglos, tanto en el jazz como en los estudios de cine. Tras adquirir una temprana experiencia con Will Bradley y Red Norvo y servir en el ejército, Rogers saltó a la fama como miembro de la Primera y Segunda Manadas de Woody Herman (1945-1946 y 1947-1949), y de alguna manera consiguió aportar algo de swing a la Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), disfrutando claramente escribiendo para los vuelos estratosféricos de Maynard Ferguson. Después de que esa asociación siguiera su curso, Rogers se instaló en Los Ángeles, donde dirigió a sus Giants (que iban desde un quinteto a un noneto y una big band) en una serie de grabaciones gratificantes con estilo de jazz de la Costa Oeste y escribió para los estudios, ayudando en gran medida a llevar el jazz al cine; sus partituras para The Wild One y The Man With the Golden Arm son particularmente memorables. Después de 1962, Rogers se dedicó casi exclusivamente a escribir para la televisión y el cine, pero en 1982 inició un regreso al jazz. Rogers reorganizó y dirigió el Lighthouse All-Stars y, aunque su forma de tocar ya no era tan fuerte como antes, siguió siendo una presencia bienvenida tanto en los clubes como en las grabaciones.
https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646#biography


 

Lee Konitz • Lee Konitz Meets Jimmy Giuffre

 

Review
by Scott Yanow  
This unusual two-CD set not only reissues the original LP of the same name but three other rare Verve LP's from the 1950's. Altoist Lee Konitz (on "An Image") is showcased during a set of adventurous Bill Russo arrangements for an orchestra and strings in 1958, pops up on half of Ralph Burns' underrated 1951 classic Free Forms (the most enjoyable of the four sets) and meets up with baritonist Jimmy Giuffre, whose arrangements for five saxes (including the great tenor Warne Marsh) and a trio led by pianist Bill Evans are sometimes equally influenced by classical music and bop. The least interesting date showcases Giuffre's clarinet with a string section on his five-part "Piece For Clarinet And String Orchestra" and the 16 brief movements of "Mobiles." Overall this third-stream two-fer contains music that is easier to respect and admire than to love although Lee Konitz fans will probably want to acquire the obscure performances.
https://www.allmusic.com/album/lee-konitz-meets-jimmy-giuffre-mw0000080454

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Reseña
por Scott Yanow  
Este inusual set de dos CDs no sólo reedita el LP original del mismo nombre sino otros tres raros LPs de Verve de los años 50. El contralto Lee Konitz (en "An Image") se exhibe durante un conjunto de arreglos aventureros de Bill Russo para orquesta y cuerdas en 1958, aparece en la mitad del clásico infravalorado de Ralph Burns de 1951 Free Forms (el más agradable de los cuatro conjuntos) y se reúne con el barítono Jimmy Giuffre, cuyos arreglos para cinco saxos (incluido el gran tenor Warne Marsh) y un trío dirigido por el pianista Bill Evans están a veces influidos a partes iguales por la música clásica y el bop. La fecha menos interesante muestra el clarinete de Giuffre con una sección de cuerda en su "Piece For Clarinet And String Orchestra" de cinco partes y los 16 breves movimientos de "Mobiles". En general, esta tercera entrega contiene música que es más fácil respetar y admirar que amar, aunque los fans de Lee Konitz probablemente querrán adquirir las oscuras interpretaciones.
https://www.allmusic.com/album/lee-konitz-meets-jimmy-giuffre-mw0000080454

Jimmy Giuffre • Western Suite

 

Review
by Thom Jurek  
In late 1957, jazz saxophonist, clarinetist, composer, and iconoclast Jimmy Giuffre broke up the original Jimmy Giuffre 3 with Ralph Pena and Jim Hall. In early 1958, for a recording session, he formed a new trio without a rhythm section. For the album Trav'lin' Light, his new trio included Hall on guitar and the underrated trombone giant Bob Brookmeyer. For a year, they gigged together up and down the West Coast and played summer festivals, recorded, and even played clubs in New York. They became a trio of adventurous musicians for whom form was not an obstacle to creativity. As the year wound down, Giuffre wanted to document the trio once more, sensing its life was coming to an end. He composed the four-movement "Western Suite" with the trio's strengths in mind, as a way of documenting how they had come together as a band during that year. The piece itself stands as a crowning achievement in a career that included discovering the talents of Steve Swallow and Paul Bley and making the truly revolutionary recording Free Fall for Columbia three years later. The roots of that thinking lie in this set. Jim Hall's playing was dark, funky, ambiguous, sounding like drums and voices all at the same time -- particularly in the fourth movement. Brookmeyer became the pace setter. His lines were played as stage settings for the other two players to dialogue and narrate against. Giuffre, ever the storyteller, advanced the improvisation angle and wrote his score so that each player had to stand on his own as part of the group; there were no comfort zones. Without a rhythm section, notions of interval, extensions, interludes, and so on were out the window. He himself played some of his most retrained yet adventurous solos in the confines of this trio and within the form of this suite. It swung like West Coast jazz, but felt as ambitious as Copland's Billy the Kid. The record is filled out with two other tunes, one of Eddie Durham's, "Topsy," and the final moment of mastery this band ever recorded, the already classic "Blue Monk." The easy stroll of the front line with Brookmeyer's trombone strutting New Orleans' style is in sharp contrast to Giuffre's clarinet playing. Which carries the bluesy melody through three harmonic changes before he solos and then plays three more. Hall keeps it all on track, and somehow the piece sounds very natural this way, though unlike "Monk," there are no edges here -- everything is rounded off. This is as solid as any of the earlier or later Jimmy Giuffre 3 records, and two notches above Trav'lin' Light in that it reveals a fully developed sense of the responsibilities, possibilities, and freedoms of reinventing jazz for the trio.
https://www.allmusic.com/album/western-suite-mw0000530642

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Reseña
por Thom Jurek  
A finales de 1957, el saxofonista de jazz, clarinetista, compositor e iconoclasta Jimmy Giuffre disolvió el Jimmy Giuffre 3 original con Ralph Pena y Jim Hall. A principios de 1958, para una sesión de grabación, formó un nuevo trío sin sección rítmica. Para el álbum Trav'lin' Light, su nuevo trío incluía a Hall a la guitarra y al infravalorado gigante del trombón Bob Brookmeyer. Durante un año actuaron juntos por toda la costa oeste, tocaron en festivales de verano, grabaron e incluso tocaron en clubes de Nueva York. Se convirtieron en un trío de músicos aventureros para los que la forma no era un obstáculo para la creatividad. A finales de año, Giuffre quiso documentar al trío una vez más, sintiendo que su vida llegaba a su fin. Compuso la "Western Suite" en cuatro movimientos teniendo en cuenta los puntos fuertes del trío, como una forma de documentar cómo se habían unido como banda durante ese año. La pieza en sí se erige como un logro supremo en una carrera que incluyó el descubrimiento del talento de Steve Swallow y Paul Bley y la realización de la revolucionaria grabación Free Fall para Columbia tres años más tarde. Las raíces de ese pensamiento se encuentran en este conjunto. La interpretación de Jim Hall era oscura, funky, ambigua, sonando como batería y voces al mismo tiempo, especialmente en el cuarto movimiento. Brookmeyer marcó el ritmo. Sus líneas sirvieron de escenario para que los otros dos intérpretes dialogaran y narraran. Giuffre, siempre dispuesto a contar historias, avanzó en el terreno de la improvisación y escribió su partitura de manera que cada intérprete tuviera que valerse por sí mismo como parte del grupo; no había zonas de confort. Sin sección rítmica, las nociones de intervalo, extensiones, interludios, etc. quedaban descartadas. Él mismo tocó algunos de sus solos más refinados y aventureros en los confines de este trío y dentro de la forma de esta suite. Se movía como el jazz de la costa oeste, pero parecía tan ambicioso como Billy the Kid de Copland. El disco se completa con otros dos temas, uno de Eddie Durham, "Topsy", y el último momento de maestría que esta banda llegó a grabar, el ya clásico "Blue Monk". El fácil paseo de la primera línea con el trombón de Brookmeyer pavoneándose al estilo de Nueva Orleans contrasta con el toque del clarinete de Giuffre. Que lleva la melodía bluesy a través de tres cambios armónicos antes de que él solo y luego toca tres más. Hall mantiene todo en su sitio, y de alguna manera la pieza suena muy natural de esta manera, aunque a diferencia de "Monk", aquí no hay aristas -- todo está redondeado. Es un disco tan sólido como cualquiera de los anteriores o posteriores de Jimmy Giuffre 3, y dos peldaños por encima de Trav'lin' Light en el sentido de que revela un sentido plenamente desarrollado de las responsabilidades, posibilidades y libertades de reinventar el jazz para el trío.
https://www.allmusic.com/album/western-suite-mw0000530642

Jimmy Raney And Jim Hall • Two Of A Kind

 

Raney Legacy ...

Maynard Ferguson His Orchestra and Octet • Band Ain't Draggin'

 

Walter "Maynard" Ferguson was a Canadian-born jazz trumpet player and bandleader. He came to prominence playing in Stan Kenton's orchestra, before forming his own band in 1957. He was noted for being able to play accurately in a remarkably high register, and for his bands, which served as stepping stones for up-and-coming talent.

Early life and education
Ferguson was born in Verdun, Quebec (now part of Montreal). Encouraged by his mother and father (both musicians), Maynard was playing piano and violin by the age of four. At nine years old, he heard a cornet for the first time in his local church and asked his parents to purchase him one. At age 13, Ferguson first soloed as a child prodigy with the Canadian Broadcasting Corporation Orchestra and was heard frequently on the CBC, notably featured on a Serenade for Trumpet in Jazz written for him by Morris Davis. Ferguson won a scholarship to the French Conservatory of Music where he studied from 1943 through 1948 with Bernard Baker.

Ferguson dropped out of Montreal High School at age 15 to more actively pursue a music career, performing in dance bands led by Stan Wood, Roland David, and Johnny Holmes. While trumpet was his primary instrument, Ferguson also performed on other brass and reed instruments. Ferguson later took over the dance band formed by his brother Percy, playing dates in the Montreal area and serving as an opening act for touring bands from the United States. During this period, Ferguson came to the attention of numerous American band leaders and began receiving offers to come to the United States.

Ferguson moved to the United States in 1949 and initially played with the bands of Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey, and Charlie Barnet. The Barnet band was notable for a trumpet section that also included Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell, and Rolf Erickson. Ferguson was featured on a notoriously flamboyant Barnet recording of Jerome Kern's All The Things You Are that enraged Kern's widow and was subsequently withdrawn from sale. When Barnet temporarily retired in 1949 and disbanded his orchestra, Ferguson was free to accept an offer to join Stan Kenton's newly formed Innovations Orchestra.

Kenton and Hollywood
Stan Kenton had a longstanding offer to Ferguson but had temporarily disbanded when Ferguson moved to the United States. Kenton's bands were notable for their bombastic brass sections and Ferguson was a natural fit. In 1950, Kenton formed the Innovations Orchestra, a 40-piece jazz concert orchestra with strings, and with the folding of the Barnet band, Ferguson was available for the first rehearsal on January 1, 1950. While the Innovations Orchestra was not commercially successful, it made a number of remarkable recordings, including Maynard Ferguson, one of a series of pieces named after featured soloists.

When Kenton returned to a more practical 19-piece jazz band, Ferguson continued with him. Contrary to the natural assumption, Ferguson was not Kenton's lead trumpet player, but played the fifth chair with numerous solo features. Notable recordings from this period that feature Ferguson include Invention for Guitar and Trumpet, What's New and The Hot Canary.

In 1953, Ferguson left Kenton to become a first-call session player for Paramount Pictures. Ferguson appeared on 46 soundtracks including The Ten Commandments. Ferguson still recorded jazz during this period, but his Paramount contract prevented him from playing jazz clubs. While he enjoyed the regular paycheck, Ferguson was very unhappy with the lack of live performance opportunities and left Paramount in 1956.

The Birdland Dream Band
In 1956, Ferguson was tapped to lead the Birdland Dream Band, a 14-piece big band formed by Morris Levy as an "All-star" lineup to play at Levy's Birdland jazz club in New York City. While the name "Birdland Dream Band" was short-lived and is represented by only two albums, this band became the core of Ferguson's performing band for the next nine years. The band included, at various times, such players as Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry, and Don Menza. Arrangers included Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman, and Marty Paich.

As big bands declined in popularity and economic viability in the 1960s, Ferguson's band performed more infrequently. Ferguson began to feel musically stifled and sensed a resistance to change among American jazz audiences. According to a Down Beat interview, he was quoted as saying that if the band did not play Maria or Ole, the fans went home disappointed. Ferguson began performing with a sextet before finally officially disbanding his big band in 1967.

India and England
Following the path taken by many important jazz artists in the 1960s, Ferguson left the United States in 1968. Needing a period of spiritual exploration, Ferguson initially moved with his family to India and taught at the Krishnamurtl-based Rhishi Valley School near Madras. In 1969, he relocated to Manchester, England, manufacturing personally designed trumpets and mouthpieces and performing with a variety of ensembles in Europe.

In 1969 Ferguson signed with CBS Records in England and formed a big band with British musicians that performed in the newly popular jazz/rock fusion style. The band's repertoire included original compositions as well a pop and rock songs rearranged into a big band format with electronic amplification. This British band's output is represented by the four MF Horn albums that included very popular arrangements of the pop songs MacArthur Park and Hey Jude.

Return to the U.S.
Ferguson's new band made its North American debut in 1971. With a revived career, Ferguson relocated to New York in 1973 and gradually replaced his sidemen with American performers while reducing the band size to 12 (four trumpets, two trombones, three saxophones and three rhythm plus Maynard). The quintessential recording of this period is the album Live at Jimmys, recorded in 1973 in New York. Ferguson latched on to the burgeoning jazz education movement by recruiting talented musicians from colleges with jazz programs (notably Berklee College of Music, North Texas State University and the University of Miami) and targeting young audiences with performances and master classes in high schools. This practical and strategic move helped him develop a strong following that would sustain him for the remainder of his career.

In 1976, Ferguson began working with producer Bob James on a series of commercially successful albums that were complex studio productions featuring large groups of session musicians, including strings, vocalists and star guest soloists. The first of these albums was Primal Scream, featuring Chick Corea, Mark Colby, and Steve Gadd. The second, Conquistidor in 1977, resulted in a top-10 pop single, Gonna Fly Now (from the movie Rocky), a rare accomplishment for a jazz musician in the 1970s. Aside from an exciting Jay Chattaway arrangement and dense Bob James production, the single was also helped by the fact that it was released prior to the official soundtrack album of the hit movie. Ferguson maintained a hectic touring schedule during this period, with well-attended concerts that featured concert lighting and heavy amplification.

Ferguson continued with this musical model for the remainder of the 1970s, receiving considerable acclaim from audiences but often tepid response from jazz purists who decried his commercialism and questioned his taste. Ferguson reportedly also began to experience great frustration with Columbia over being unable to use his working band on recording projects and having difficulty including even a single jazz number on some albums. Ferguson's contract with Columbia Records expired after the 1982 release of the Hollywood album, produced by Stanley Clarke.

Ferguson recorded three big band albums with smaller labels in the mid '80s before forming a more economical fusion septet, High Voltage, in 1986. This ensemble, which featured multi-reed player Dennis DiBlasio as the only other horn player, recorded two albums and received mixed reviews. The format was ultimately unsatisfying to Ferguson, who had grown up in big bands and developed a performing style most appropriate to that structure.

Big Bop Nouveau
In 1988, Ferguson returned both to a large band format and to mainstream jazz with the formation of Big Bop Nouveau, a nine-piece band featuring three trumpets, one trombone, two reeds and a three-piece rhythm section. The band's repertoire included original jazz compositions and modern arrangements of jazz standards, with occasional pieces from his 70s book and the Birdland Dream Band. This format proved to be successful with audiences and critics and Ferguson toured nine months a year with Big Bop Nouveau for the remainder of his life. This band recorded extensively, including albums backing vocalists Dianne Shurr and Michael Feinstein.

Although in later years Ferguson did lose some of the range and phenominal accuracy of his youth, he remained an exciting performer into his late 70s. Just days after completing a weeklong run at New York's Blue Note and recording a studio album in New Jersey, Ferguson developed an abdominal infection that resulted in kidney and liver failure. Ferguson died on the evening of August 23, 2006 at the Community Memorial Hospital in Ventura, California.

Influence
Maynard Ferguson was one of a handful of virtuoso musician/bandleaders to survive the end of the big band era and the rise of rock and roll. He demonstrated a remarkable ability to adapt to the musical trends that evolved from the 1940's through the 2000's. Ferguson's albums show an evolution from big band swing, bebop, cool jazz, Latin, jazz/rock, fusion with classical and operatic influences.

While not the first trumpeter to play in the extreme upper register, Ferguson had a unique ability to play high notes with full, rich tone, power, and musicality. While regarded by some as showboating, Ferguson's phrasing and vibrato have been extremely influential on generations of trumpet players. With interviewers Ferguson shared that he was able to command the upper registers of the trumpet not so much with his 'lip', but more with the breath control he had discovered as a youngster playing the instrument while growing up in Montreal. Ferguson attributed the longevity of his demanding bravura trumpet technique through his later years to the spiritual and yoga studies he pursued while in India.

While Ferguson's range was his most obvious attribute, his personal charisma was also a significant factor in his success. Through his devotion to music education in America, Ferguson was able to impart the spirit of his jazz playing and technique to scores of amateur and professional trumpeters during the many Master Classes held throughout his long career.

Ferguson popularized and enhanced two unique instruments - a trumpet with both traditional valves (played with the left hand rather than the right) and a trombone-style slide called the 'Firebird' as well as a trombone with both a slide and valves called 'Superbone.' Ferguson regularly incorporated Indian instruments and influences in albums and concerts.

Personal Life
While Ferguson's life had its ups and downs, Ferguson was fortunate to have evaded the destructive behaviors that bedeviled so many other artists of his generation. In the mid 1970s, Ferguson resettled to Ojai, California, where he lived to the end of his life. Ferguson's first marriage was to singer / actress Kay Brown in 1951. Maynard second marriage to Flo Ferguson lasted until her death on February 27, 2005. Ferguson had four daughters: Kim, Lisa, Corby, and Wilder. Kim Ferguson is married to Maynard's former road manager, Jim Exon. Wilder Ferguson is married to pianist (and former Big Bop Nouveau member) Christian Jacob. At the time of his death, Ferguson had a granddaugher, Erica.

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Walter "Maynard" Ferguson fue un trompetista de jazz y director de orquesta nacido en Canadá. Saltó a la fama tocando en la orquesta de Stan Kenton, antes de formar su propia banda en 1957. Se destacó por ser capaz de tocar con precisión en un registro notablemente alto y por sus bandas, que sirvieron como trampolines para el talento emergente.

Vida temprana y educación
Ferguson nació en Verdún, Quebec(ahora parte de Montreal). Animado por su madre y su padre (ambos músicos), Maynard tocaba el piano y el violín a los cuatro años. A los nueve años, escuchó una corneta por primera vez en su iglesia local y les pidió a sus padres que le compraran una. A los 13 años, Ferguson tocó por primera vez en solitario como un niño prodigio con la orquesta de la Canadian Broadcasting Corporation y se le escuchó con frecuencia en la CBC, destacando en una Serenata para Trompeta en Jazz escrita para él por Morris Davis. Ferguson ganó una beca para el Conservatorio Francés de Música, donde estudió de 1943 a 1948 con Bernard Baker.

Ferguson abandonó la Escuela secundaria de Montreal a los 15 años para seguir más activamente una carrera musical, actuando en bandas de baile dirigidas por Stan Wood, Roland David y Johnny Holmes. Si bien la trompeta era su instrumento principal, Ferguson también tocaba otros instrumentos de metal y lengüeta. Ferguson luego se hizo cargo de la banda de baile formada por su hermano Percy, tocando en el área de Montreal y sirviendo como telonero de bandas de gira de los Estados Unidos. Durante este período, Ferguson llamó la atención de numerosos líderes de bandas estadounidenses y comenzó a recibir ofertas para venir a los Estados Unidos.

Ferguson se mudó a los Estados Unidos en 1949 e inicialmente tocó con las bandas de Boyd Raeburn, Jimmy Dorsey y Charlie Barnet. La Barnet Band se destacó por una sección de trompeta que también incluía a Doc Severinsen, Ray Wetzel, Johnny Howell y Rolf Erickson. Ferguson apareció en una grabación notoriamente extravagante de Barnet de All The Things You Are de Jerome Kern que enfureció a la viuda de Kern y posteriormente fue retirada de la venta. Cuando Barnet se retiró temporalmente en 1949 y disolvió su orquesta, Ferguson fue libre de aceptar una oferta para unirse a la recién formada Orquesta Innovations de Stan Kenton.

Kenton y Hollywood
Stan Kenton tenía una oferta de larga data a Ferguson, pero se había disuelto temporalmente cuando Ferguson se mudó a los Estados Unidos. Las bandas de Kenton se destacaban por sus secciones de metales grandilocuentes y Ferguson encajaba perfectamente. En 1950, Kenton formó la Innovations Orchestra, una orquesta de conciertos de jazz de 40 músicos con cuerdas, y con la disolución de Barnet band, Ferguson estuvo disponible para el primer ensayo el 1 de enero de 1950. Si bien la Innovations Orchestra no tuvo éxito comercial, realizó una serie de grabaciones notables, incluida Maynard Ferguson, una de una serie de piezas que llevan el nombre de solistas destacados.

Cuando Kenton regresó a una banda de jazz de 19 integrantes más práctica, Ferguson continuó con él. Contrariamente a la suposición natural, Ferguson no era el trompetista principal de Kenton, sino que tocaba la quinta silla con numerosas funciones solistas. Grabaciones notables de este período que presentan a Ferguson incluyen Invention for Guitar and Trumpet, What's New y The Hot Canary.

En 1953, Ferguson dejó Kenton para convertirse en un jugador de sesión de primera llamada para Paramount Pictures. Ferguson apareció en 46 bandas sonoras, incluidos Los Diez Mandamientos. Ferguson siguió grabando jazz durante este período, pero su contrato con Paramount le impidió tocar en clubes de jazz. Si bien disfrutaba del sueldo regular, Ferguson estaba muy descontento con la falta de oportunidades de presentaciones en vivo y dejó Paramount en 1956.

La Banda de los Sueños de Birdland
En 1956, Ferguson fue elegido para dirigir Birdland Dream Band, una big band de 14 integrantes formada por Morris Levy como formación "All-star" para tocar en el club de jazz Birdland de Levy en la ciudad de Nueva York. Si bien el nombre "Birdland Dream Band" duró poco y está representado por solo dos álbumes, esta banda se convirtió en el núcleo de la banda de Ferguson durante los siguientes nueve años. La banda incluyó, en varias ocasiones, a músicos como Slide Hampton, Don Ellis, Don Sebesky, Willie Maiden, John Bunch, Joe Zawinul, Joe Farrell, Jaki Byard, Lanny Morgan, Rufus Jones, Bill Berry y Don Menza. Los arreglistas incluyeron a Bob Brookmeyer, Jimmy Giuffre, Bill Holman y Marty Paich.

A medida que las grandes bandas disminuyeron en popularidad y viabilidad económica en la década de 1960, la banda de Ferguson actuó con menos frecuencia. Ferguson comenzó a sentirse sofocado musicalmente y sintió una resistencia al cambio entre el público estadounidense de jazz. Según una entrevista de Down Beat, fue citado diciendo que si la banda no tocaba con Maria u Ole, los fanáticos se iban a casa decepcionados. Ferguson comenzó a actuar con un sexteto antes de finalmente disolver oficialmente su big band en 1967.

India e Inglaterra
Siguiendo el camino tomado por muchos artistas de jazz importantes en la década de 1960, Ferguson abandonó los Estados Unidos en 1968. Necesitando un período de exploración espiritual, Ferguson inicialmente se mudó con su familia a la India y enseñó en la Escuela Rhishi Valley School, con sede en Krishnamurtl, cerca de Madrás. En 1969, se mudó a Manchester, Inglaterra, fabricando trompetas y boquillas diseñadas personalmente y actuando con una variedad de conjuntos en Europa.

En 1969 Ferguson firmó con CBS Records en Inglaterra y formó una big band con músicos británicos que actuaron en el nuevo estilo popular de fusión de jazz / rock. El repertorio de la banda incluía composiciones originales, así como canciones de pop y rock reorganizadas en un formato de big band con amplificación electrónica. La producción de esta banda británica está representada por los cuatro álbumes de MF Horn que incluyeron arreglos muy populares de las canciones pop MacArthur Park y Hey Jude.

Regreso a los EE. UU.
La nueva banda de Ferguson hizo su debut en Norteamérica en 1971. Con una carrera revivida, Ferguson se mudó a Nueva York en 1973 y gradualmente reemplazó a sus acompañantes con artistas estadounidenses mientras reducía el tamaño de la banda a 12 (cuatro trompetas, dos trombones,tres saxofones y tres ritmos más Maynard). La grabación por excelencia de este período es el álbum Live at Jimmys, grabado en 1973 en Nueva York. Ferguson se aferró al floreciente movimiento educativo del jazz reclutando músicos talentosos de universidades con programas de jazz (en particular, Berklee College of Music, North Texas State University y University of Miami) y dirigiéndose al público joven con actuaciones y clases magistrales en escuelas secundarias. Este movimiento práctico y estratégico lo ayudó a desarrollar un gran número de seguidores que lo mantendrían durante el resto de su carrera.

En 1976, Ferguson comenzó a trabajar con el productor Bob James en una serie de álbumes de éxito comercial que fueron producciones de estudio complejas con grandes grupos de músicos de sesión, incluidos cuerdas, vocalistas y solistas invitados estrella. El primero de estos álbumes fue Primal Scream, con Chick Corea, Mark Colby y Steve Gadd. El segundo, Conquistador en 1977, resultó en un sencillo pop entre los 10 primeros, Gonna Fly Now (de la película Rocky), un logro poco común para un músico de jazz en la década de 1970. Aparte de un emocionante arreglo de Jay Chattaway y una densa producción de Bob James, el sencillo también fue ayudado por el hecho de que fue lanzado antes del álbum oficial de la banda sonora de la exitosa película. Ferguson mantuvo un agitado calendario de giras durante este período, con conciertos muy concurridos que presentaban iluminación de conciertos y una gran amplificación.

Ferguson continuó con este modelo musical durante el resto de la década de 1970, recibiendo elogios considerables del público, pero a menudo una tibia respuesta de los puristas del jazz que criticaron su comercialismo y cuestionaron su gusto. Según los informes, Ferguson también comenzó a experimentar una gran frustración con Columbia por no poder usar su banda de trabajo en proyectos de grabación y tener dificultades para incluir incluso un solo número de jazz en algunos álbumes. El contrato de Ferguson con Columbia Records expiró después del lanzamiento en 1982 del álbum Hollywood, producido por Stanley Clarke.

Ferguson grabó tres álbumes de big band con sellos más pequeños a mediados de los 80 antes de formar un septeto de fusión más económico, High Voltage, en 1986. Este conjunto, que presentaba al músico de lengüetas múltiples Dennis DiBlasio como el único otro trompetista, grabó dos álbumes y recibió críticas mixtas. El formato finalmente fue insatisfactorio para Ferguson, quien había crecido en grandes bandas y había desarrollado un estilo de interpretación más apropiado para esa estructura.

Big Bop Nuevo
En 1988, Ferguson regresó tanto a un formato de banda grande como al jazz convencional con la formación de Big Bop Nouveau, una banda de nueve integrantes con tres trompetas, un trombón, dos lengüetas y una sección rítmica de tres piezas. El repertorio de la banda incluía composiciones originales de jazz y arreglos modernos de estándares de jazz, con piezas ocasionales de su libro de los 70 y Birdland Dream Band. Este formato resultó ser un éxito entre el público y la crítica y Ferguson realizó una gira nueve meses al año con Big Bop Nouveau durante el resto de su vida. Esta banda grabó extensamente, incluidos álbumes con los coristas Dianne Shurr y Michael Feinstein.

Aunque en años posteriores Ferguson perdió parte del alcance y la precisión fenomenal de su juventud, siguió siendo un intérprete emocionante hasta finales de los 70. Pocos días después de completar una carrera de una semana en Blue Note de Nueva York y grabar un álbum de estudio en Nueva Jersey, Ferguson desarrolló una infección abdominal que resultó en insuficiencia renal y hepática. Ferguson murió la noche del 23 de agosto de 2006 en el Community Memorial Hospital de Ventura, California.

Influencia
Maynard Ferguson fue uno de los pocos músicos/directores de orquesta virtuosos que sobrevivieron al final de la era de las big band y al auge del rock and roll. Demostró una notable habilidad para adaptarse a las tendencias musicales que evolucionaron desde la década de 1940 hasta la década de 2000. Los álbumes de Ferguson muestran una evolución del swing de big band, bebop, cool jazz, latín, jazz/rock, fusión con influencias clásicas y operísticas.

Aunque no fue el primer trompetista en tocar en el registro superior extremo, Ferguson tenía una habilidad única para tocar notas altas con un tono completo y rico, potencia y musicalidad. Aunque algunos lo consideran un espectáculo, el fraseo y el vibrato de Ferguson han sido extremadamente influyentes en generaciones de trompetistas. Con los entrevistadores, Ferguson compartió que podía dominar los registros superiores de la trompeta no tanto con su 'labio', sino más con el control de la respiración que había descubierto cuando era joven tocando el instrumento mientras crecía en Montreal. Ferguson atribuyó la longevidad de su exigente técnica de trompeta bravura durante sus últimos años a los estudios espirituales y de yoga que realizó mientras estaba en la India. Si bien el rango de Ferguson era su atributo más obvio, su carisma personal también fue un factor significativo en su éxito. A través de su devoción por la educación musical en Estados Unidos, Ferguson pudo impartir el espíritu de su interpretación y técnica de jazz a decenas de trompetistas aficionados y profesionales durante las numerosas Clases Magistrales impartidas a lo largo de su larga carrera. Ferguson popularizó y mejoró dos instrumentos únicos: una trompeta con válvulas tradicionales (tocadas con la mano izquierda en lugar de la derecha) y un tobogán estilo trombón llamado 'Firebird', así como un trombón con tobogán y válvulas llamado 'Superbone. Ferguson incorporó regularmente instrumentos e influencias indias en álbumes y conciertos . Vida Personal Si bien la vida de Ferguson tuvo sus altibajos, Ferguson tuvo la suerte de haber evadido los comportamientos destructivos que atormentaban a tantos otros artistas de su generación. A mediados de la década de 1970, Ferguson se reasentó en Ojai, California, donde vivió hasta el final de su vida. El primer matrimonio de Ferguson fue con la cantante y actriz Kay Brown en 1951. El segundo matrimonio de Maynard con Flo Ferguson duró hasta su muerte el 27 de febrero de 2005. Ferguson tuvo cuatro hijas: Kim, Lisa, Corby y Wilder. Kim Ferguson está casada con el ex road manager de Maynard, Jim Exon. Wilder Ferguson está casado con el pianista (y exmiembro de Big Bop Nouveau) Christian Jacob. En el momento de su muerte, Ferguson tenía una nieta, Erica.

maynardferguson.com ...

Herbie Harper • Herbie Harper

 

Biography by Scott Yanow
A fine trombonist active in the West Coast jazz scene of the 1950s, Herbie Harper spent most of his playing time after 1955 as a studio musician, although he occasionally re-emerged in the jazz world. After playing with Charlie Spivak's Orchestra (1944-1947), Harper settled in Los Angeles, where he gigged with Teddy Edwards and had short-time associations with Benny Goodman, Charlie Barnet, and Stan Kenton (1950). In addition to recording in the 1950s with June Christy, Kenton, Maynard Ferguson, Benny Carter, and Barnet, Herbie Harper led five albums of his own during 1954-1957 for Nocturne, Tampa, Bethlehem, and Mode. He mostly worked in the studios afterwards, but emerged to play with Bob Florence's big band and, in the 1980s, he recorded for SeaBreeze and with Bill Perkins for VSOP.
https://www.allmusic.com/artist/herbie-harper-mn0000572512#biography

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Biografía de Scott Yanow
Herbie Harper, un excelente trombonista activo en la escena jazzística de la Costa Oeste en la década de 1950, pasó la mayor parte de su tiempo como músico de estudio a partir de 1955, aunque reapareció ocasionalmente en el mundo del jazz. Tras tocar con la Charlie Spivak's Orchestra (1944-1947), Harper se instaló en Los Ángeles, donde actuó con Teddy Edwards y colaboró brevemente con Benny Goodman, Charlie Barnet y Stan Kenton (1950). Además de grabar en la década de 1950 con June Christy, Kenton, Maynard Ferguson, Benny Carter y Barnet, Herbie Harper dirigió cinco álbumes propios durante 1954-1957 para Nocturne, Tampa, Bethlehem y Mode. Después trabajó sobre todo en los estudios, pero emergió para tocar con la big band de Bob Florence y, en la década de 1980, grabó para SeaBreeze y con Bill Perkins para VSOP.
https://www.allmusic.com/artist/herbie-harper-mn0000572512#biography

The Jimmy Giuffre 3 • Trav'lin' Light

 

 

  

Bob Cooper • Shifting Winds

 

Review
by Scott Yanow
Always a bit underrated, Bob Cooper (best-known for his fine tenor saxophone playing) was the first significant jazz improviser on oboe and English horn. This out-of-print LP features Coop in 1955 playing all three of his axes with a couple of overlapping all-star West Coast jazz groups. The octets consist of either Stu Williamson (on trumpet and valve trombone) or John Graas on French horn, Bob Enevoldsen tripling on valve trombone, tenor and bass clarinet, Bud Shank on flute, alto and tenor, Jimmy Giuffre on clarinet, tenor and baritone, pianist Claude Williamson, either Joe Mondragon, Max Bennett or Ralph Pena on bass, and Stan Levey or Shelly Manne on drums. The music is all arranged by Cooper and ranges from inventive reworkings of standards to jazz chamber music; despite the cool tones, the results are consistently exciting. These high-quality performances will hopefully be reissued on CD, for they feature Bob Cooper in prime form. A little-known gem, with this version of "'Round Midnight" (one of the highlights) showcasing Cooper's English horn.
https://www.allmusic.com/album/shifting-winds-mw0000871603


Biography
by arwulf arwulf
Like many West Coast tenor saxophonists of his generation, Bob Cooper's style was based upon skillful emulation of Lester Young's velvety, vetiver-scented tone, harmonic ingenuity and sinuous technique. The best introduction to this artist would be Coop! The Music of Bob Cooper, released in 1958 by Contemporary Records. Initially known as an exponent of the Stan Kenton Orchestra, he branched out and spent four decades as an all-purpose session man, serving in the reed sections of multiple studio orchestras while maintaining a steady presence on the cool, bop-inflected West Coast mainstream jazz scene.

Born on December 6, 1925 in Pittsburgh, PA, Robert Cooper studied the clarinet in high school, took up the tenor saxophone in 1941, and was soon operating under the influence of Don Byas and Lucky Thompson. He became a member of the Stan Kenton Orchestra in 1945 and added the oboe to his musical equipage. In 1947 Coop was lucky enough to marry June Christy, one of Kenton's most accomplished vocalists. While with Kenton he played behind Nat King Cole and alongside Art Pepper. After cutting loose from Kenton in 1951, Cooper made himself useful as a West Coast session man, absorbing fresh new currents of bop while refining and updating his musicianship. He added the English horn and bass clarinet to his arsenal of wind instruments, as well as the flute and both baritone and soprano saxes. During this period, while making records with drummer Shelly Manne, vocalist Annie Ross and guitarist Barney Kessel, his new sax idols were Lester Young and Sonny Stitt; this placed him in league with Brew Moore, Stan Getz and Zoot Sims. By 1954 he had joined forces with Pete Rugolo and Shorty Rogers, was sitting in with mambo king Perez Prado and leading his first recording sessions on Capitol.

During the second half of the decade he gigged with Howard Rumsey's Lighthouse All Stars in Hermosa Beach, accompanied June Christy on numerous recordings and toured with her through Japan, South Africa and Europe. In 1956 he collaborated with drummer Buddy Rich, alto saxophonist Bud Shank, tenor saxophonist Bill Perkins and with progressive clarinetist Jimmy Giuffre, who also joined Coop and Shelly Manne in a group backing the R&B vocal group known as the Treniers. Cooper also recorded extensively with the Buddy Bregman and Russ Garcia Orchestras backing vocalists Ella Fitzgerald, Bing Crosby and Anita O'Day; with the Marty Paich Dek-tette behind Mel Tormé and in the Pete Rugolo Orchestra with Patti Page. In 1957 Cooper recorded with drummer Max Roach and with John Graas, who specialized in playing jazz on the French horn.

In 1958 Bob Cooper made inroads into what would later qualify as archetypal lounge music by assisting Juan Garcia Esquivel on his landmark album Other Worlds Other Sounds. He was involved in another flashy project of similar vintage, Shorty Rogers' Manteca: Afro-Cuban Influence. In 1959 Cooper assumed partial ownership of Lighthouse Records Inc. He was present when Russ Garcia's Orchestra recorded with pianist Oscar Peterson and helped with the realization of Elmer Bernstein's score for Otto Preminger's sensationalistic film The Man with the Golden Arm. Coop can be heard on the soundtracks of numerous motion pictures from this period, with titles like "A Building Is Many Buildings" and "Mad at the World." The 1960s began for Cooper with an appearance on Ray Brown's Jazz Cello album and more session work behind singers like Mel Tormé and Peggy Lee. In 1966 he introduced his "Solo for Orchestra" with an orchestra under the direction of Stan Kenton. That same year he was paid to operate an oboe in a studio orchestra backing the TV pop/rock group known as the Monkees.

Bob Cooper's adventures during the '70s were varied enough to include sessions with the Frank Capp/Nat Pierce Juggernaut band; pop singer Paul Williams; the Michel Legrand Orchestra backing jazz vocalist Sarah Vaughan; Ernestine Anderson during the beginning of her U.S. comeback; vibraphonist Terry Gibbs; blues guitarist John Mooney on his very first album; Bob Florence and the Limited Edition Orchestra; alto saxophonist Gabe Baltazar with the Stan Kenton orchestra and a Lester Young tribute project with vocalist Joe Williams, saxophonist Dave Pell and trumpeter Harry "Sweets" Edison.

During the '80s he recorded in a typically broad range of styles and settings, appearing in a group led by drummer Jeff Hamilton, with an orchestra led by Nelson Riddle backing pop singer Linda Ronstadt; with trumpeter Snooky Young, vocalist Ernie Andrews, pianist Gene Harris, the Sammy Nestico Big Band, the Charlie Shoemake Orchestra, trumpeter Paul Cacia and a massive Kenton Alumni band; tenor saxophonist Bill Holman, singing pianist Michael Feinstein, vibraphonist Jon Nagourney and a "West Coast All Star" tribute to composer Jimmy Van Heusen featuring a reunion band of sorts led by drummer Vic Lewis.

Bob Cooper inaugurated the '90s by blowing his tenor sax on Madonna's Dick Tracy-inspired album I'm Breathless, followed by a cozy date with vocalist Sue Raney, and a double barrel blowing session with Doc Severinsen's featured tenor Pete Christlieb. He was heard on the soundtrack to Neil Simon's racy romantic comedy The Marrying Man, and in studio bands backing vocalists Manhattan Transfer, Rosemary Clooney, Jackie Cain and Roy Kral. The final months of his lengthy career found him characteristically busy, recording in a group led by pianist Frank Strazzeri, assisting with Frank Sinatra's commercially successful album of overdubbed Duets and accompanying vocalist Lucie Arnaz. Bob Cooper's last live recording was made during a concert performance with trumpeter Conte Candoli; weeks later, on August 5, 1993, he began to experience chest pains while driving home from a session where he'd played in a band backing vocalist Karrin Allyson. Slowing down and stopping his car on the shoulder of the Hollywood Freeway, Bob Cooper quietly succumbed to a heart attack at the age of 67.

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Reseña
por Scott Yanow
Siempre un poco infravalorado, Bob Cooper (más conocido por su excelente saxo tenor) fue el primer improvisador de jazz importante con el oboe y el corno inglés. Este LP agotado presenta a Coop en 1955 tocando sus tres hachas con un par de grupos de jazz de la Costa Oeste. Los octetos están formados por Stu Williamson (trompeta y trombón de válvulas) o John Graas (trompa), Bob Enevoldsen (trombón de válvulas, clarinete tenor y clarinete bajo), Bud Shank (flauta, alto y tenor), Jimmy Giuffre (clarinete, tenor y barítono), el pianista Claude Williamson, Joe Mondragon, Max Bennett o Ralph Pena (bajo) y Stan Levey o Shelly Manne (batería). Toda la música está arreglada por Cooper y abarca desde inventivas reelaboraciones de estándares hasta música de cámara de jazz; a pesar de los tonos fríos, los resultados son siempre emocionantes. Es de esperar que estas interpretaciones de alta calidad se reediten en CD, ya que presentan a Bob Cooper en plena forma. Una joya poco conocida, con esta versión de "'Round Midnight" (una de las más destacadas) que muestra el corno inglés de Cooper.
https://www.allmusic.com/album/shifting-winds-mw0000871603


Biografía
por arwulf arwulf
Como muchos saxofonistas tenores de la Costa Oeste de su generación, el estilo de Bob Cooper se basaba en una hábil emulación del tono aterciopelado y con aroma a vetiver de Lester Young, en su ingenio armónico y en su técnica sinuosa. La mejor presentación de este artista sería ¡Coop! The Music of Bob Cooper, publicado en 1958 por Contemporary Records. Inicialmente conocido como exponente de la Stan Kenton Orchestra, se diversificó y pasó cuatro décadas como hombre de sesión polivalente, formando parte de las secciones de cañas de múltiples orquestas de estudio al tiempo que mantenía una presencia constante en la escena del jazz mainstream de la Costa Oeste.

Nacido el 6 de diciembre de 1925 en Pittsburgh (Pensilvania), Robert Cooper estudió clarinete en el instituto, empezó a tocar el saxofón tenor en 1941 y pronto estuvo bajo la influencia de Don Byas y Lucky Thompson. En 1945 se convirtió en miembro de la Stan Kenton Orchestra y añadió el oboe a su equipo musical. En 1947 Coop tuvo la suerte de casarse con June Christy, una de las vocalistas más consumadas de Kenton. Mientras estuvo con Kenton tocó detrás de Nat King Cole y junto a Art Pepper. Después de separarse de Kenton en 1951, Cooper se hizo útil como músico de sesión en la Costa Oeste, absorbiendo las nuevas corrientes del bop mientras refinaba y actualizaba su musicalidad. Añadió el corno inglés y el clarinete bajo a su arsenal de instrumentos de viento, así como la flauta y los saxos barítono y soprano. Durante este periodo, mientras grababa discos con el batería Shelly Manne, la vocalista Annie Ross y el guitarrista Barney Kessel, sus nuevos ídolos del saxo fueron Lester Young y Sonny Stitt; esto le situó en la liga con Brew Moore, Stan Getz y Zoot Sims. En 1954 ya había unido fuerzas con Pete Rugolo y Shorty Rogers, se sentaba con el rey del mambo Pérez Prado y dirigía sus primeras sesiones de grabación en Capitol.

Durante la segunda mitad de la década actuó con Howard Rumsey's Lighthouse All Stars en Hermosa Beach, acompañó a June Christy en numerosas grabaciones y realizó giras con ella por Japón, Sudáfrica y Europa. En 1956 colaboró con el batería Buddy Rich, el saxofonista alto Bud Shank, el saxofonista tenor Bill Perkins y con el clarinetista progresivo Jimmy Giuffre, que también se unió a Coop y Shelly Manne en un grupo de acompañamiento del grupo vocal de R&B conocido como los Treniers. Cooper también grabó extensamente con las orquestas de Buddy Bregman y Russ Garcia acompañando a los vocalistas Ella Fitzgerald, Bing Crosby y Anita O'Day; con el Marty Paich Dek-tette detrás de Mel Tormé y en la Pete Rugolo Orchestra con Patti Page. En 1957 Cooper grabó con el batería Max Roach y con John Graas, especializado en tocar jazz con la trompa francesa.

En 1958 Bob Cooper hizo incursiones en lo que más tarde se calificaría como música de salón arquetípica al ayudar a Juan García Esquivel en su álbum de referencia Other Worlds Other Sounds. Participó en otro llamativo proyecto de época similar, Manteca: Afro-Cuban Influence, de Shorty Rogers. En 1959 Cooper asumió la propiedad parcial de Lighthouse Records Inc. Estuvo presente cuando la orquesta de Russ Garcia grabó con el pianista Oscar Peterson y colaboró en la realización de la partitura de Elmer Bernstein para la sensacionalista película de Otto Preminger El hombre del brazo de oro. Se puede escuchar a Coop en las bandas sonoras de numerosas películas de este periodo, con títulos como "A Building Is Many Buildings" y "Mad at the World". La década de 1960 comenzó para Cooper con una aparición en el álbum Jazz Cello de Ray Brown y más trabajos de sesión detrás de cantantes como Mel Tormé y Peggy Lee. En 1966 presentó su "Solo for Orchestra" con una orquesta bajo la dirección de Stan Kenton. Ese mismo año le pagaron por tocar el oboe en una orquesta de estudio que acompañaba al grupo televisivo de pop/rock conocido como los Monkees.

Las aventuras de Bob Cooper durante los años 70 fueron lo suficientemente variadas como para incluir sesiones con la banda de Frank Capp/Nat Pierce Juggernaut; el cantante de pop Paul Williams; la orquesta de Michel Legrand acompañando a la vocalista de jazz Sarah Vaughan; Ernestine Anderson durante el comienzo de su regreso a los EE.UU.; el vibraphonista Paul Williams; y el músico de jazz y música de cámara de los Monkees. UU; el vibrafonista Terry Gibbs; el guitarrista de blues John Mooney en su primer álbum; Bob Florence y la Limited Edition Orchestra; el saxofonista alto Gabe Baltazar con la orquesta de Stan Kenton y un proyecto de homenaje a Lester Young con el vocalista Joe Williams, el saxofonista Dave Pell y el trompetista Harry "Sweets" Edison.

Durante los años 80 grabó en una amplia gama de estilos y escenarios, apareciendo en un grupo dirigido por el batería Jeff Hamilton, con una orquesta dirigida por Nelson Riddle acompañando a la cantante pop Linda Ronstadt; con el trompetista Snooky Young, el vocalista Ernie Andrews, el pianista Gene Harris, la Sammy Nestico Big Band, la Charlie Shoemake Orchestra, el trompetista Paul Cacia y una multitudinaria banda de Kenton Alumni; el saxofonista tenor Bill Holman, el pianista cantante Michael Feinstein, el vibrafonista Jon Nagourney y un homenaje "West Coast All Star" al compositor Jimmy Van Heusen con una especie de banda de reunión dirigida por el batería Vic Lewis.

Bob Cooper inauguró la década de los 90 soplando su saxo tenor en el álbum I'm Breathless de Madonna inspirado en Dick Tracy, al que siguieron una acogedora cita con la vocalista Sue Raney y una sesión de soplado de doble cañón con el tenor Pete Christlieb de Doc Severinsen. Se le escuchó en la banda sonora de la picante comedia romántica de Neil Simon The Marrying Man, y en bandas de estudio respaldando a los vocalistas Manhattan Transfer, Rosemary Clooney, Jackie Cain y Roy Kral. Los últimos meses de su dilatada carrera se caracterizaron por su intensa actividad, grabando en un grupo dirigido por el pianista Frank Strazzeri, colaborando en el exitoso álbum de duetos sobregrabados de Frank Sinatra y acompañando a la vocalista Lucie Arnaz. La última grabación en directo de Bob Cooper se realizó durante un concierto con el trompetista Conte Candoli; semanas más tarde, el 5 de agosto de 1993, empezó a sentir dolores en el pecho mientras conducía de vuelta a casa tras una sesión en la que había tocado en una banda de acompañamiento de la vocalista Karrin Allyson. Redujo la velocidad y detuvo el coche en el arcén de la autopista de Hollywood, Bob Cooper sucumbió tranquilamente a un ataque al corazón a la edad de 67 años.

Buddy Bregman & His Orchestra • Swinging Kicks

 Review
by Scott Yanow
Best known as an arranger for singers and for commercial sessions, Buddy Bregman led one full-fledged jazz instrumental date, Swinging Kicks. Because many of the selections are brief (seven are under two minutes) and due to the intriguing titles, this seems a bit like a soundtrack to a film that was never made. However, few of the tracks seem truncated and there are some excellent solos along the way, particularly from Ben Webster, Conte Candoli, Herb Geller, Bud Shank, and Paul Smith. The personnel changes from cut to cut, ranging from a 19-piece big band with screaming trumpet playing from Maynard Ferguson and Conrad Gozzo to various combos, a Ben Webster/André Previn duet on "Kicks Is in Love," and a rapid workout for Paul Smith on "Go Kicks." Bregman uses some of the top West Coast jazz players and various musicians who were on Verve at the time, with Stan Getz making a guest appearance on "Honey Chile." Recommended.
https://www.allmusic.com/album/swinging-kicks-mw0000602261

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Reseña
por Scott Yanow
Más conocido como arreglista para cantantes y para sesiones comerciales, Buddy Bregman dirigió una cita instrumental de jazz en toda regla, Swinging Kicks. Debido a que muchas de las selecciones son breves (siete son de menos de dos minutos) y debido a los intrigantes títulos, esto parece un poco como una banda sonora de una película que nunca se hizo. Sin embargo, pocas de las pistas parecen truncadas y hay algunos excelentes solos a lo largo del camino, particularmente de Ben Webster, Conte Candoli, Herb Geller, Bud Shank y Paul Smith. El personal cambia de un corte a otro, yendo desde una big band de 19 piezas con trompetas chillonas de Maynard Ferguson y Conrad Gozzo a varios combos, un dúo Ben Webster/André Previn en "Kicks Is in Love", y un rápido entrenamiento para Paul Smith en "Go Kicks". Bregman utiliza algunos de los mejores músicos de jazz de la Costa Oeste y varios músicos que estaban en Verve en ese momento, con Stan Getz haciendo una aparición como invitado en "Honey Chile". Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/swinging-kicks-mw0000602261

Ray Brown • Bass Hit!

 

Teddy Charles • Evolution

Review by Scott Yanow
Although somewhat overlooked in the jazz history books, vibraphonist Teddy Charles was for a period an important participant in the early Third Stream movement, using aspects of classical music to revitalize West Coast-style jazz. This CD reissue features trumpeter Shorty Rogers, tenor saxophonist Jimmy Giuffre, bassist Curtis Counce and drummer Shelly Manne on a couple of advanced originals (one apiece by Giuffre and Rogers) from 1953. After moving to New York, Charles teamed up for a short time with bassist Charles Mingus, performing six other numbers in a quartet with tenor saxophonist J.R. Monterose and drummer Gerry Segal. This session alternates cookers with sensitive ballads and is one of the better recorded showcases for Charles' vibes. Recommended.

 

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Reseña de Scott Yanow
Aunque se le ha pasado por alto en los libros de historia del jazz, el vibrafonista Teddy Charles fue durante un tiempo un importante participante en el primer movimiento de la Tercera Corriente, utilizando aspectos de la música clásica para revitalizar el jazz de la Costa Oeste. Esta reedición en CD presenta al trompetista Shorty Rogers, al saxofonista tenor Jimmy Giuffre, al bajista Curtis Counce y al baterista Shelly Manne en un par de originales avanzados (uno por Giuffre y otro por Rogers) de 1953. Después de trasladarse a Nueva York, Charles se asoció durante un breve periodo de tiempo con el bajista Charles Mingus, interpretando otros seis números en un cuarteto con el saxofonista tenor J.R. Monterose y el batería Gerry Segal. Esta sesión alterna cocineros con baladas sensibles y es uno de los mejores escaparates grabados para el vibráfono de Charles. Recomendado.

Al Cohn • East Coast - West Coast Scene

 

 

Biography

An excellent tenor saxophonist and a superior arranger/composer, Al Cohn was greatly admired by his fellow musicians. Early gigs included associations with Joe Marsala (1943), Georgie Auld, Boyd Raeburn (1946), Alvino Rey, and Buddy Rich (1947). But it was when he replaced Herbie Steward as one of the "Four Brothers" with Woody Herman's Second Herd (1948-1949) that Cohn began to make a strong impression. He was actually overshadowed by Stan Getz and Zoot Sims during this period but, unlike the other two tenors, he also contributed arrangements, including "The Goof and I." He was with Artie Shaw's short-lived bop orchestra (1949), and then spent the 1950s quite busy as a recording artist (making his first dates as a leader in 1950), arranger for both jazz and non-jazz settings, and a performer. Starting in 1956, and continuing on an irregular basis for decades, Cohn co-led a quintet with Zoot Sims. The two tenors were so complementary that it was often difficult to tell them apart. Al Cohn continued in this fashion in the 1960s (although playing less), in the 1970s he recorded many gems for Xanadu, and during his last few years, when his tone became darker and more distinctive, Cohn largely gave up writing to concentrate on playing. He made many excellent bop-based records throughout his career for such labels as Prestige, Victor, Xanadu, and Concord; his son Joe Cohn is a talented cool-toned guitarist.

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Biografía

Un excelente saxofonista tenor y un arreglista/compositor superior, Al Cohn fue muy admirado por sus compañeros músicos. Las primeras actuaciones incluyeron asociaciones con Joe Marsala (1943), Georgie Auld, Boyd Raeburn (1946), Alvino Rey y Buddy Rich (1947). Pero fue cuando reemplazó a Herbie Steward como uno de los "Cuatro Hermanos" por Woody Herman's Second Herd (1948-1949) que Cohn comenzó a causar una fuerte impresión. En realidad fue eclipsado por Stan Getz y Zoot Sims durante este período pero, a diferencia de los otros dos tenores, también contribuyó con arreglos, incluyendo "The Goof and I." Estuvo con la breve orquesta de bop de Artie Shaw (1949), y luego pasó la década de 1950 bastante ocupado como artista de grabación (haciendo sus primeras citas como líder en 1950), arreglista para escenarios de jazz y no-jazz, y como intérprete. Comenzando en 1956, y continuando de forma irregular durante décadas, Cohn co-lideró un quinteto con Zoot Sims. Los dos tenores eran tan complementarios que a menudo era difícil distinguirlos. Al Cohn continuó de esta manera en la década de 1960 (aunque tocando menos), en la década de 1970 grabó muchas joyas para Xanadu, y durante sus últimos años, cuando su tono se volvió más oscuro y distintivo, Cohn dejó de escribir para concentrarse en tocar. Hizo muchos discos excelentes basados en el bop a lo largo de su carrera para sellos como Prestige, Victor, Xanadu y Concord; su hijo Joe Cohn es un talentoso guitarrista de tonos fríos.