Wynton Kelly • Comin' In The Back Door

Biography by Scott Yanow

A superb accompanist loved by Miles Davis and Cannonball Adderley, Wynton Kelly was also a distinctive soloist who decades later would be a strong influence on Benny Green. He grew up in Brooklyn and early on played in R&B bands led by Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer, and Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, who recorded 14 titles for Blue Note in a trio (1951), worked with Dinah Washington, Dizzy Gillespie, and Lester Young during 1951-1952. After serving in the military, he made a strong impression with Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), and the Dizzy Gillespie big band (1957), but he would be most famous for his stint with Miles Davis (1959-1963), recording such albums with Miles as Kind of Blue, At the Blackhawk, and Someday My Prince Will Come. When he left Davis, Kelly took the rest of the rhythm section (bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb) with him to form his trio. The group actually sounded at its best backing Wes Montgomery. Before his early death, Kelly recorded as a leader for Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve, and Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

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Biografía de Scott Yanow

Un magnífico acompañante amado por Miles Davis y Cannonball Adderley, Wynton Kelly fue también un solista distintivo que décadas más tarde sería una fuerte influencia para Benny Green. Creció en Brooklyn y al principio tocó en bandas de R&B lideradas por Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, que grabó 14 títulos para Blue Note en un trío (1951), trabajó con Dinah Washington, Dizzy Gillespie y Lester Young durante 1951-1952. Después de servir en el ejército, causó una fuerte impresión con Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957) y la big band Dizzy Gillespie (1957), pero sería más famoso por su paso por Miles Davis (1959-1963), grabando discos con Miles como Kind of Blue, At the Blackhawk y Someday My Prince Will Come. Cuando dejó Davis, Kelly se llevó el resto de la sección rítmica (el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb) con él para formar su trío. En realidad, el grupo sonó de maravilla respaldando a Wes Montgomery. Antes de su temprana muerte, Kelly grabó como líder para Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve y Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

Antonio Carlos Jobim • Finest Hours

Review by Heather Phares
Verve continues their Finest Hour series with Antonio Carlos Jobim's Finest Hour, a 17-song collection highlighting the bossa nova pioneer's singing and songwriting. "Insensatez," "Corcovado," "The Girl From Ipanema," "Desafinado," and other definitive tracks make this set entertaining, if not comprehensive.

 

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Reseña de Heather Phares
Verve continúa su serie Finest Hour con Antonio Carlos Jobim's Finest Hour, una colección de 17 canciones que destacan el canto y la composición del pionero de la bossa nova. "Insensatez", "Corcovado", "The Girl From Ipanema", "Desafinado" y otros temas definitivos hacen que esta colección sea entretenida, aunque no completa.

Claus Ogerman & His Orchestra • Watusi Trumpets

Review by Tony Wilds

Of Ogerman's four mod albums for Victor, Watusi Trumpets is the best, probably because it stays truest to the mod style. The other key factor is Dick Hyman's prominent (but uncredited) work on Lowrey organ. "The Joker" begins with exotic percussion, builds with a haunting flute, and then becomes a showcase for Hyman's Lowrey. Featuring the old standard "Poinciana," the rock classic "Land of a Thousand Dances," not to mention three tunes with "watusi" in the title, this mod album is as essential as any.

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Reseña de Tony Wilds

De los cuatro álbumes mod de Ogerman para Victor, Watusi Trumpets es el mejor, probablemente porque es el más fiel al estilo mod. El otro factor clave es el prominente (pero no acreditado) trabajo de Dick Hyman en el órgano Lowrey. "El Guasón" comienza con una percusión exótica, se construye con una flauta embrujadora, y luego se convierte en un escaparate para el Lowrey de Hyman. Con el viejo estándar "Poinciana", el clásico del rock "Land of a Thousand Dances", sin mencionar tres temas con "watusi" en el título, este álbum mod es tan esencial como cualquier otro.

Willis Jackson • Gator Tails

An exciting tenor saxophonist whose honking and squeals (although influenced by Illinois Jacquet) were quite distinctive, Willis Jackson was also a strong improviser who sounded perfectly at home with organ groups. He played locally in Florida early on, until joining Cootie Williams (on and off during 1948-1955). His two-sided honking feature "Gator Tail" with "Cootie" (which earned Williams a lifelong nickname) was a hit in 1948, and he started recording as a leader in 1950. Jackson was married to singer Ruth Brown for eight years, and often appeared on her recordings during this era. His extensive series of Prestige recordings (1959-1964) made him a big attraction on the organ circuit. Although generally overlooked by critics, Willis Jackson continued working steadily in the 1970s and '80s. In 1977, he recorded one of the finest albums of his career for Muse, Bar Wars. ~ Scott Yanow, All Music Guide

Donald Byrd • Up With

 

Review
by Scott Yanow
Trumpeter Donald Byrd took a brief vacation from Blue Note to record this one album for Verve. The music is mostly pretty forgettable despite such top sidemen as tenors Stanley Turrentine and Jimmy Heath, pianist Herbie Hancock, and guitarist Kenny Burrell. Byrd mostly sticks to current pop tunes, and most of the songs utilize a rather average vocal group listed as "The Donald Byrd Singers." The arrangements by Claus Ogerman, Byrd, and Hancock are unimaginative and these renditions of "House of the Rising Sun," "My Babe," and a few of Hancock's originals are quite forgettable. A lesser effort.
https://www.allmusic.com/album/up-with-donald-byrd-mw0000744281

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Reseña
por Scott Yanow
El trompetista Donald Byrd se tomó unas breves vacaciones de Blue Note para grabar este álbum para Verve. La música es en su mayor parte bastante olvidable a pesar de contar con músicos de primera fila como los tenores Stanley Turrentine y Jimmy Heath, el pianista Herbie Hancock y el guitarrista Kenny Burrell. Byrd se ciñe sobre todo a temas pop actuales, y la mayoría de las canciones utilizan un grupo vocal bastante mediocre que figura como "The Donald Byrd Singers". Los arreglos de Claus Ogerman, Byrd y Hancock son poco imaginativos y estas interpretaciones de "House of the Rising Sun", "My Babe" y algunos originales de Hancock son bastante olvidables. Un esfuerzo menor.
https://www.allmusic.com/album/up-with-donald-byrd-mw0000744281

Astrud Gilberto • The Shadow Of Your Smile

 

Review
by John Bush  
For her second Verve LP, Astrud Gilberto expanded her range from a raft of Gilberto/Jobim standards to embrace the large and obviously daunting catalogue of classic American pop. With arrangements by Don Sebesky and Claus Ogerman (as well as two by country-mate João Donato), The Shadow of Your Smile can't help but shine a bright spotlight on Gilberto's weak voice, especially when she's singing material previously enlightened by singers with the weight of Frank Sinatra or Sarah Vaughan. Even the intimate, understated arrangements on songs like "Day by Day," the title track, and "Fly Me to the Moon" overshadow the chanteuse's limited range. Brazilian material like the five songs by Luiz Bonfá make for better listening, though the preponderance of flutes, strings, and muted trumpet in the arrangements is very mid-'60s, for better and worse. (And the notes' description of "O Ganso" as an "exercise in vocalise based on bah and dah sounds" is being more than generous.) Certainly, no American vocalist could hope to equal the tortured syntax and somehow endearing performances on these songs; still, Verve did much better by Gilberto later on when they gave her good-time Brazilian songs to sing and didn't attempt to force comparison with standard jazz/pop vocalists.
https://www.allmusic.com/album/the-shadow-of-your-smile-mw0000658856

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Reseña
por John Bush  
Para su segundo LP con Verve, Astrud Gilberto amplió su repertorio de estándares Gilberto/Jobim para abarcar el extenso y obviamente desalentador catálogo del pop clásico americano. Con arreglos de Don Sebesky y Claus Ogerman (así como dos de su compatriota João Donato), The Shadow of Your Smile no puede evitar hacer brillar la débil voz de Gilberto, especialmente cuando canta material previamente iluminado por cantantes con el peso de Frank Sinatra o Sarah Vaughan. Incluso los arreglos íntimos y discretos de canciones como "Day by Day", la canción que da título al disco, y "Fly Me to the Moon" eclipsan el limitado registro de la cantante. El material brasileño, como las cinco canciones de Luiz Bonfá, se escucha mejor, aunque la preponderancia de flautas, cuerdas y trompetas apagadas en los arreglos es muy de mediados de los 60, para bien y para mal. (Y la descripción que se hace en las notas de "O Ganso" como un "ejercicio de vocalización basado en sonidos bah y dah" es más que generosa). Ciertamente, ningún vocalista americano podría aspirar a igualar la torturada sintaxis y de alguna manera entrañables interpretaciones de estas canciones; aún así, Verve hizo mucho mejor por Gilberto más tarde cuando le dieron canciones brasileñas de buen tiempo para cantar y no intentaron forzar la comparación con vocalistas estándar de jazz/pop.
https://www.allmusic.com/album/the-shadow-of-your-smile-mw0000658856


www.astrudgilberto.com ...

Wes Montgomery • Willow Weep For Me

 

Claus Ogerman • Soul Searchin'

It's really only a short time since Soul emerged from an "in" kind of music and exploded as the "Third World Force" (musically speaking, of course) from America. Ray Charles wrote and recorded What'd I Say. Then it all happened.

I regard Soul as the "Third Force of Music" W ("Pop" rates Number 1, "Jazz" Number 2) from America because there is hardly a jukebox or radio or dance hall in Paris or London, Tokyo or Timbuktu, that programs without it. Soul is vibrant and fresh, emotional and sophisticated. It is stirring; soul-stirring.

For five years now I have had a close identification with a great many of the Soul artists. I arranged and conducted for Dinah Washington, Ben E. King, The Drifters, Solomon Burke, Jimmy Smith and so many others. My rapport with them sparked the idea to record this album of famous and authentically arranged instrumentals.

Here is Soul Searchin', my musical tribute to Soul. As I hear it, it is a brew of rhythm and blues and jazz-oriented emotion. It blends the exceptional excitement of heat with heart. It swaggers and boils. It sustains moments of meaning. It feels good.

When I listen to Ray Charles I get the message. It is loud and clear in his writing, his singing and his performance on piano and occasionally on alto saxophone. What'd I Say, naturally, is included in this album.

There are other well-known Soul songs dedicated to the artists who made them famous. We include Green Onions which was first recorded by Booker T. and the M.G.'s; Comin Home Baby, which Mel Torme did originally (I arranged and conducted his record); Fever, launched by Little Willie John; House of the Rising Sun from The Animals; Shindig from The Shadows; The Sidewinder, which gained note from the Lee Morgan record; Vinny Bell started The End of the Line; Memphis is a tribute from Chuck Berry and Watermelon Man found its beginning with Mongo Santa-Maria. Soul Searchin' and Tell It As It Is are original compositions.

This, then, is Soul Searchin', an instrumental album dedicated to Soul and the sense of good feeling it has spread around the world. This Soul music reaches the hearts of young dancers. It's stimulating, pulsating, with a rhythm common to "Soul Searchers" everywhere. The young enthusiasts who have made Soul music their own may dance in the spirit of Soul to our instrumental variations of their Soul favorites.

It's really only a short time since Soul has locked the world in a passionate embrace. I share the great enthusiasm for it. Soul Searchin' is my dedication to it.

CLAUS OGERMAN - © 1965, Radio Corporation of America

Review by Tony Wilds

Of Claus Ogerman's four mod albums for Victor, Soul Searchin' is a favorite for many because the theme, and certainly the tunes, are hip. As Ogerman's liner notes explain, he ranks soul third in significance after pop and jazz. In any case, Ogerman does a competent job covering all these songs; the title track (an Ogerman original) can be called funky, even. A large factor is Dick Hyman's Lowrey organ; his facility with both jazz and soul is in full evidence here. "The End of the Line" was a hit for Vinnie Bell, but the greater significance is that it was written by Pat Williams and Phil Ramone. The Ogerman albums on Victor share a great deal with the mod albums on Verve by Williams, Kai Winding, and others. Veering away from pop and toward soul-jazz, Soul Searchin' has a peppy jazz-boogaloo beat that feels neither constrained nor ponderous. The surprise is that it works.

En realidad, hace poco tiempo que Soul surgió de un tipo de música "in" y explotó como la "Fuerza del Tercer Mundo" (musicalmente hablando, por supuesto) de América. Ray Charles escribió y grabó What'd I Say. Entonces todo sucedió.

Considero a Soul como la "Tercera Fuerza de la Música" W ("Pop" valora el número 1, "Jazz" el número 2) de América porque apenas hay una rocola o radio o salón de baile en París o Londres, Tokio o Tombuctú, que se programe sin ella. El alma es vibrante y fresca, emocional y sofisticada. Es conmovedor, conmovedor del alma.

Desde hace cinco años me identifico con muchos de los artistas de Soul. Arreglé y dirigí para Dinah Washington, Ben E. King, The Drifters, Solomon Burke, Jimmy Smith y muchos otros. Mi relación con ellos me dio la idea de grabar este álbum de famosos y auténticos arreglos instrumentales.

Aquí está Soul Searchin', mi tributo musical a Soul. Según lo oigo, es una mezcla de rhythm and blues y emociones orientadas al jazz. Mezcla la excepcional emoción del calor con el corazón. Se pavonea y hierve. Sostiene momentos de significado. Se siente bien.

Cuando escucho a Ray Charles recibo el mensaje. Es alto y claro en su escritura, su canto y su actuación en el piano y ocasionalmente en el saxofón alto. Lo que dije, naturalmente, está incluido en este álbum.

Hay otras canciones conocidas de Soul dedicadas a los artistas que los hicieron famosos. Incluimos Green Onions, que fue grabada por primera vez por Booker T. y los M.G.'s; Comin Home Baby, que Mel Torme hizo originalmente (yo arreglé y dirigí su disco); Fever, lanzada por Little Willie John; House of the Rising Sun de The Animals; Shindig de The Shadows; The Sidewinder, que ganó nota en el disco de Lee Morgan; Vinny Bell comenzó The End of the Line; Memphis es un tributo de Chuck Berry y Watermelon Man encontró su inicio con Mongo Santa-Maria. Soul Searchin' y Tell It As It Is son composiciones originales.

Esto, entonces, es Soul Searchin', un álbum instrumental dedicado a Soul y a la sensación de buen sentimiento que se ha extendido por todo el mundo. Esta música de Soul llega a los corazones de los jóvenes bailarines. Es estimulante, pulsante, con un ritmo común a "Soul Searchers" en todas partes. Los jóvenes entusiastas que han hecho suya la música Soul pueden bailar en el espíritu de Soul con nuestras variaciones instrumentales de sus favoritos de Soul.

Es realmente sólo un corto tiempo desde que Soul ha encerrado al mundo en un apasionado abrazo. Comparto el gran entusiasmo por ello. Soul Searchin' es mi dedicación a ella.

CLAUS OGERMAN - © 1965, Radio Corporation of America

Reseña de Tony Wilds

De los cuatro álbumes de Claus Ogerman para Victor, Soul Searchin' es uno de los favoritos de muchos porque el tema, y ciertamente las canciones, están de moda. Como explican las notas de Ogerman, el soul ocupa el tercer lugar en importancia después del pop y el jazz. En cualquier caso, Ogerman hace un trabajo competente cubriendo todas estas canciones; el tema del título (un original de Ogerman) puede llamarse funky, incluso. Un factor importante es el órgano Lowrey de Dick Hyman; su facilidad para el jazz y el soul es evidente aquí. "The End of the Line" fue un éxito para Vinnie Bell, pero lo más importante es que fue escrito por Pat Williams y Phil Ramone. Los álbumes Ogerman de Victor comparten mucho con los álbumes mod de Verve de Williams, Kai Winding y otros. Alejándose del pop y acercándose al soul-jazz, Soul Searchin' tiene un alegre ritmo de jazz-boogaloo que no se siente ni limitado ni pesado. La sorpresa es que funciona.

Bizarre Discotheque: Klaus Ogerman • Sounds For Sick ʔ People

 

Biography by Dave Lynch
Born in Ratibor, Germany on April 29, 1930, this prolific arranger and orchestrator moved from Europe to the United States in 1959 and began an association with the Verve label, where his arrangements were featured on albums by Frank Sinatra and Antonio Carlos Jobim (1967's Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim -- the first of two collaborative albums by the pair), Astrud Gilberto, Bill Evans, Wes Montgomery, Stan Getz, Cal Tjader, and other leading artists. Having worked with producer Creed Taylor on numerous Verve albums during the '60s, Ogerman continued his partnership with Taylor following the establishment of the A&M-affiliated CTI label, arranging albums including Jobim's classic Wave, released in 1967 as only the second album under the CTI imprint.
Over the following decades and into the 21st century, Ogerman served as arranger, orchestrator, and/or conductor on albums by the likes of George Benson, Michael Brecker, Danilo Perez, and Diana Krall, winning a Grammy for arranging the title track of Krall's 2009 bossa-themed Quiet Nights. (A repeated Grammy nominee, Ogerman had previously won the award for arranging guitarist Benson's "Soulful Strut" from 1979's Livin' Inside Your Love.) Ogerman was also noted for his arrangements backing pop artists, his original scores for primarily German films of the '50s and '60s, and his work as a classical composer -- or, in the case of 1982's Cityscape co-billed to saxophonist Brecker, as composer, arranger, and conductor of a successful classical-jazz hybrid concerto. Claus Ogerman died on March 8, 2016 in Germany at the age of 85.
https://www.allmusic.com/artist/claus-ogerman-mn0000123345#biography

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Biography by Dave Lynch
Born in Ratibor, Germany on April 29, 1930, this prolific arranger and orchestrator moved from Europe to the United States in 1959 and began an association with the Verve label, where his arrangements were featured on albums by Frank Sinatra and Antonio Carlos Jobim (1967's Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim -- the first of two collaborative albums by the pair), Astrud Gilberto, Bill Evans, Wes Montgomery, Stan Getz, Cal Tjader, and other leading artists. Having worked with producer Creed Taylor on numerous Verve albums during the '60s, Ogerman continued his partnership with Taylor following the establishment of the A&M-affiliated CTI label, arranging albums including Jobim's classic Wave, released in 1967 as only the second album under the CTI imprint.
Over the following decades and into the 21st century, Ogerman served as arranger, orchestrator, and/or conductor on albums by the likes of George Benson, Michael Brecker, Danilo Perez, and Diana Krall, winning a Grammy for arranging the title track of Krall's 2009 bossa-themed Quiet Nights. (A repeated Grammy nominee, Ogerman had previously won the award for arranging guitarist Benson's "Soulful Strut" from 1979's Livin' Inside Your Love.) Ogerman was also noted for his arrangements backing pop artists, his original scores for primarily German films of the '50s and '60s, and his work as a classical composer -- or, in the case of 1982's Cityscape co-billed to saxophonist Brecker, as composer, arranger, and conductor of a successful classical-jazz hybrid concerto. Claus Ogerman died on March 8, 2016 in Germany at the age of 85.
https://www.allmusic.com/artist/claus-ogerman-mn0000123345#biography

 

Stan Getz • Voices

 

Review by Stephen Cook
Getz worked yet another angle during the '60s with this appealing jazz combo and choral mix. He had already followed up a slew of straight jazz dates with some initial forays into the world of strings and, of course, his massively successful explorations of bossa nova. Now, Getz plies his melancholy yet breezy horn through a seraphic and somewhat haunting backdrop of subtle bossa rhythms, strings, and a wordless choir. While it doesn't eclipse his innovative work with arranger Eddie Sauter (the strings date Focus and soundtrack Mickey One), Voices still features a wealth of top arrangements, a fine backing group, and plenty of Getz's hypnotic brand of saxophone alchemy. Sporting charts by Claus Ogerman and the talents of such jazz luminaries as Herbie Hancock, Jim Hall, Ron Carter, and Grady Tate, Voices may not qualify as an essential Getz disc, but it is one that will be enjoyed immensely by fans.
https://www.allmusic.com/album/voices-mw0000460119

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Reseña de Stephen Cook
Getz trabajó desde otro ángulo durante los años 60 con esta atractiva mezcla de combo de jazz y coral. Ya había seguido una serie de citas de jazz directo con algunas incursiones iniciales en el mundo de las cuerdas y, por supuesto, sus exitosas exploraciones de la bossa nova. Ahora, Getz hace sonar su melancólica pero ligera trompa sobre un fondo seráfico y algo inquietante de sutiles ritmos de bossa, cuerdas y un coro sin palabras. Aunque no eclipsa su innovador trabajo con el arreglista Eddie Sauter (las cuerdas datan de Focus y la banda sonora de Mickey One), Voices sigue presentando una gran cantidad de arreglos de primera, un buen grupo de acompañamiento y mucha de la hipnótica alquimia del saxofón de Getz. Con arreglos de Claus Ogerman y el talento de luminarias del jazz como Herbie Hancock, Jim Hall, Ron Carter y Grady Tate, Voices puede que no sea un disco esencial de Getz, pero sus fans lo disfrutarán enormemente.
https://www.allmusic.com/album/voices-mw0000460119

Antonio Carlos Jobim • Wave

 

 

Kai Winding • Soul Surfin'

Kai Winding was one of the best be-bop trombonists of the 1940s and 50s, playing with top notch bands like Benny Goodman and Stan Kenton, and cutting some highly acclaimed trombone duets with J.J. Johnson. Flash forward to the late 50s and bop wasn’t paying the bills anymore so Kai started turning more to pop offerings to make ends meet. In 1963 Kai released “Soul Surfin”, a fairly successful pop/rock-n-roll record that spawned a major hit with “More” from the movie “Mondo Cane”. You could call this a ‘rock’ record, but its orchestrated rock, more in line with pop big bands like Quincy Jones and Henry Mancicni, not the harder street sounds of Link Wray or Dick Dale. Needless to say, to modern ears this is not so much a rock record as it fits much more with what has been dubbed exotica or lounge music. It’s the sound of the swingin 60s in a suburbia styleee. The album title implies that Kai is mixing surf music and soul jazz on here, and that’s partially true, but that blend is somewhat filtered through an orchestrated easy listening format. Some of the tunes rock, but its not a teenager’s rock, instead, its rock for the double martini business lunch crowd and Las Vegas lounge sharks.

Kai is not the only big jazz star on here, the great Kenny Burrell is also on hand supplying all the requisite surf guitar licks and doing his best to channel Duane Eddy, and maybe its no big surprise that Kenny is great at this sort of thing. One of the biggest pluses on here is the production, the early 60s was the glory days of “hi-fidelity”, and this album still sounds great. Just the right amount of reverb makes everything sound massive, especially the trombone section. The best cuts on here include the one’s where they get creative with the orchestrations, sometimes adding a Ondoline to the mix. The Ondoline, much like the Ondes Martenot, is a French pre-synthesizer keyboard that sounds a bit like a theremin. Exotica collectors will want to check out, “China Nights”, “Surf Bird”, “Spinner” and “Hearse Ride”, all of which include creative orchestrations. The downside of this album are some songs that have been recorded way too many times, including; “Pipeline”, “Sukiyaki” and “More”. As is typical with these albums, the one ‘almost jazz’ cut comes at the end when they play a somewhat surf version of Herbie Mann’s “Comin Home Baby”, with short solos for both Kai and Kenny. Jazz fans and admirers of Winding’s bop skills will want to stay clear of this record, but the fans of the space-age bachelor pad vibe will find a lot to like on “Soul Surfin”.

http://www.jazzmusicarchives.com/review/soul-surfin-aka-more-theme-from-mondo-cane/251947

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Kai Winding fue uno de los mejores trombonistas de be-bop de los años 40 y 50, tocando con bandas de primera como Benny Goodman y Stan Kenton, y haciendo algunos dúos de trombón muy aclamados con J.J. Johnson. Se adelantó a finales de los 50 y bop ya no pagaba más las cuentas, así que Kai empezó a recurrir más a las ofertas pop para llegar a fin de mes. En 1963 Kai lanzó "Soul Surfin", un disco de pop/rock-n-roll bastante exitoso que dio lugar a un gran éxito con "More" de la película "Mondo Cane". Se podría decir que es un disco de'rock', pero su rock orquestado, más en línea con grandes bandas de pop como Quincy Jones y Henry Mancicni, no con los sonidos callejeros más duros de Link Wray o Dick Dale. Ni que decir tiene que para los oídos modernos esto no es tanto un disco de rock como encaja mucho más con lo que se ha llamado música exótica o lounge. Es el sonido del swingin de los 60 en un estilo suburbano. El título del álbum implica que Kai está mezclando música surf y soul jazz aquí, y eso es parcialmente cierto, pero esa mezcla está algo filtrada a través de un formato orquestado de fácil escucha. Algunas de las melodías son rock, pero no es el rock de un adolescente, en cambio, es rock para la multitud de martinis de negocios y los tiburones de Las Vegas lounge.

Kai no es la única gran estrella del jazz aquí, el gran Kenny Burrell también está a mano suministrando todas las guitarras de surf necesarias y haciendo todo lo posible para canalizar a Duane Eddy, y tal vez no sea una gran sorpresa que Kenny sea bueno en este tipo de cosas. Una de las mayores ventajas es la producción, a principios de los años 60 fueron los días de gloria de la "alta fidelidad", y este álbum sigue sonando genial. La cantidad justa de reverberación hace que todo suene masivo, especialmente la sección de trombón. Los mejores cortes aquí incluyen el de las orquestaciones, a veces añadiendo una Ondolina a la mezcla. El Ondoline, al igual que el Ondes Martenot, es un teclado pre-sintetizador francés que suena un poco como un theremin. Los coleccionistas de Exótica querrán ver "China Nights", "Surf Bird", "Spinner" y "Hearse Ride", todos los cuales incluyen orquestaciones creativas. La desventaja de este álbum son algunas canciones que han sido grabadas demasiadas veces, incluyendo: "Pipeline", "Sukiyaki" y "More". Como es típico en estos álbumes, el corte'casi jazz' llega al final cuando tocan una versión algo surf de "Comin Home Baby" de Herbie Mann, con solos cortos tanto para Kai como para Kenny. Los fanáticos del jazz y los admiradores de las habilidades bop de Winding querrán mantenerse alejados de este disco, pero los fanáticos de la onda de soltero de la era espacial encontrarán mucho que les guste en "Soul Surfin".

http://www.jazzmusicarchives.com/review/soul-surfin-aka-more-theme-from-mondo-cane/251947

Antonio Carlos Jobim • The Composer Plays

Artist Biography

It has been said that Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim was the George Gershwin of Brazil—and there is a solid ring of truth in that, for both contributed large bodies of songs to the jazz repertoire, both expanded their reach into the concert hall, and both tend to symbolize their countries in the eyes of the rest of the world. With their gracefully urbane, sensuously aching melodies and harmonies, Jobim's songs gave jazz musicians in the 1960s a quiet, strikingly original alternative to their traditional Tin Pan Alley source.

Jobim's roots were always planted firmly in jazz; the records of Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel and other West Coast jazz musicians made an enormous impact upon him in the 1950s. But he also claimed that the French impressionist composer Claude Debussy had a decisive influence upon his harmonies, and the Brazilian samba gave his music a uniquely exotic rhythmic underpinning. As a pianist, he usually kept things simple and melodically to the point with a touch that reminds some of Claude Thornhill, but some of his records show that he could also stretch out when given room. His guitar was limited mostly to gentle strumming of the syncopated rhythms, and he sang in a modest, slightly hoarse yet often hauntingly emotional manner.

Born in the Tijuca neighborhood of Rio, Jobim originally was headed for a career as an architect. Yet by the time he turned 20, the lure of music was too powerful, and so he started playing piano in nightclubs and working in recording studios. He made his first record in 1954 backing singer Bill Farr as the leader of “Tom and His Band” (Tom was Jobim's lifelong nickname), and he first found fame in 1956 when he teamed up with poet Vinicius de Morales to provide part of the score for a play called Orfeo do Carnaval (later made into the famous film Black Orpheus). In 1958, the then-unknown Brazilian singer Joao Gilberto recorded some of Jobim's songs, which had the effect of launching the phenomenon known as bossa nova. Jobim's breakthrough outside Brazil occurred in 1962 when Stan Getz and Charlie Byrd scored a surprise hit with his tune “Desafinado”—and later that year, he and several other Brazilian musicians were invited to participate in a Carnegie Hall showcase. Fueled by Jobim's songs, the bossa nova became an international fad, and jazz musicians jumped on the bandwagon recording album after album of bossa novas until the trend ran out of commercial steam in the late '60s.

Jobim himself preferred the recording studios to touring, making several lovely albums of his music as a pianist, guitarist and singer for Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI and MCA in the '60s and '70s, and Verve again in the last decade of his life. Early on, he started collaborating with arranger/conductor Claus Ogerman, whose subtle, caressing, occasionally moody charts gave his records a haunting ambiance. When Brazilian music was in its American eclipse after the '60s, a victim of overexposure and the burgeoning rock revolution, Jobim retreated more into the background, concentrating much energy upon film and TV scores in Brazil. But by 1985, as the idea of world music and a second Brazilian wave gathered steam, Jobim started touring again with a group containing his second wife Ana Lontra, his son Paulo, daughter Elizabeth and various musician friends. At the time of his final concerts in Brazil in September 1993 and at Carnegie Hall in April 1994 (both available on Verve), Jobim at last was receiving the universal recognition he deserved, and a plethora of tribute albums and concerts followed in the wake of his sudden death in New York City of heart failure. Jobim's reputation as one of the great songwriters of the century is now secure, nowhere more so than on the jazz scene where every other set seems to contain at least one bossa nova.

Composer Antonio Carlos Jobim AKA Tom Jobim was born on January 25, 1927 in Tijuca, Rio de Janeiro, Brazil. He showed a natural curiosity towards music early on and at age 13 discovered an old piano in his parents’ school and started experimenting with sounds and notes. Although he took some private piano lessons he was for the most part self-taught. At age 20 he gave up on his original plans to become an architect and devoted himself completely to music. He started his career in 1952 playing piano in small cafes around the city. His early musical influences included the legendary composer Pixinguinha, Claude Debussy and jazz. In 1954 he cut his first record with his band called “Tom and His Band” backing the singer Bill Farr. The same year he apprenticed to arranger Radames Gnatali from whom he learned the rudiments of arranging and shifted careers and for a while and became an arranger for local singers. In 1956 he collaborated with poet and diplomat Vinicius de Moraes on an operetta entitled Orfeo do Carnaval that opened to great acclaim at the Metropolitan Opera House in Rio. The French director Marcel Camus transferred it to the big screen under the title Black Orpheus. The film was honored by the Cannes Film Festival with a Palme D’Or in 1959. His first hit was Felicidade from this operetta. The song gained immense popularity when Billy Eckstine added English lyrics to it in the late 1950s. Moraes and Jobim also teamed up on other hits including Girl from Ipanema and Agua de Beber among others. In 1958 Brazilian guitarist and vocalist Joao Gilberto released a record of Jobim songs that marked the beginning of the bossa nova phenomenon. 1962 marked an important change in Jobim’s career when he broke out into the world scene after Stan Getz popularized his tune “Desafinado”. He and his colleagues were invited to perform at Carnegie Hall and the popularity of the bossa nova took off. From 1962 till the end of the 60s various jazz musicians recorded multitude of bossa nova albums. Jobim himself, in addition to becoming one of the most recorded composers, cut several albums for a variety of labels often in collaboration with Claus Ogerman. The 1970s and 80s marked a time of low popularity for jazz and for Brazilian music due to the rock explosion. Jobim returned to Brazil and worked on TV and film scores. By 1985 though bossa nova and Brazilian music experienced a renaissance and Jobim started touring again performing up to few months before his death in New York City of heart failure on December 8 1994.

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Biografía del artista

Se ha dicho que Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim era el George Gershwin de Brasil, y hay un sólido anillo de verdad en que, dado que ambos contribuyeron con grandes cantidades de canciones al repertorio de jazz, ambos ampliaron su alcance a la sala de conciertos y ambos tienden a simbolizar a sus países a los ojos del resto del mundo. Con sus melodías y armonías grácilmente urbanas y sensualmente dolorosas, las canciones de Jobim dieron a los músicos de jazz de los años sesenta una alternativa silenciosa y sorprendentemente original a su fuente tradicional de Tin Pan Alley.

Las raíces de Jobim siempre estuvieron firmemente arraigadas en el jazz; los discos de Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel y otros músicos de jazz de la costa oeste le causaron un enorme impacto en la década de 1950. Pero también afirmó que el compositor impresionista francés Claude Debussy tuvo una influencia decisiva en sus armonías, y que la samba brasileña le dio a su música una base rítmica excepcionalmente exótica. Como pianista, solía mantener las cosas simples y melódicas hasta el punto con un toque que recuerda a Claude Thornhill, pero algunos de sus discos muestran que también podía estirarse cuando se le daba espacio. Su guitarra se limitaba sobre todo a un suave rasgueo de los ritmos sincopados, y cantaba de una manera modesta, ligeramente ronca, pero a menudo de una manera inquietantemente emocional.

Nacido en el barrio de Tijuca, en Río de Janeiro, Jobim comenzó su carrera como arquitecto. Sin embargo, cuando cumplió 20 años, la atracción de la música era demasiado poderosa, así que empezó a tocar el piano en clubes nocturnos y a trabajar en estudios de grabación. Hizo su primer disco en 1954 con el cantante Bill Farr como líder de "Tom and His Band" (Tom era el apodo de toda la vida de Jobim), y encontró fama en 1956 cuando se asoció con el poeta Vinicius de Morales para formar parte de la partitura de una obra de teatro llamada Orfeo do Carnaval (que más tarde se convertiría en la famosa película Black Orpheus). En 1958, el entonces desconocido cantante brasileño Joao Gilberto grabó algunas de las canciones de Jobim, lo que tuvo el efecto de lanzar el fenómeno conocido como bossa nova. El gran avance de Jobim fuera de Brasil ocurrió en 1962 cuando Stan Getz y Charlie Byrd lograron un éxito sorprendente con su canción "Desafinado", y más tarde ese mismo año, él y varios otros músicos brasileños fueron invitados a participar en un concierto en el Carnegie Hall. Impulsado por las canciones de Jobim, la bossa nova se convirtió en una moda internacional, y los músicos de jazz se subieron al carro de la grabación álbum tras álbum de bossa novas hasta que la tendencia se agotó a finales de los años sesenta.

Jobim mismo prefirió los estudios de grabación a las giras, haciendo varios álbumes de su música como pianista, guitarrista y cantante para Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI y MCA en los'60s y'70s, y Verve nuevamente en la última década de su vida. Desde el principio, comenzó a colaborar con el arreglista y director de orquesta Claus Ogerman, cuyos sutiles, acariciantes y ocasionalmente malhumorados gráficos le dieron a sus discos un ambiente inolvidable. Cuando la música brasileña estaba en su eclipse americano después de los años 60, víctima de la sobreexposición y de la floreciente revolución del rock, Jobim se retiró más a un segundo plano, concentrando mucha energía en las partituras de cine y televisión en Brasil. Pero en 1985, cuando la idea de la música del mundo y una segunda ola brasileña se intensificó, Jobim comenzó a viajar de nuevo con un grupo que incluía a su segunda esposa Ana Lontra, su hijo Paulo, su hija Elizabeth y varios amigos músicos. En el momento de sus últimos conciertos en Brasil en septiembre de 1993 y en el Carnegie Hall en abril de 1994 (ambos disponibles en Verve), Jobim recibía por fin el reconocimiento universal que se merecía, y una plétora de álbumes homenaje y conciertos le siguieron tras su repentina muerte en la ciudad de Nueva York a causa de una insuficiencia cardíaca. La reputación de Jobim como uno de los grandes compositores del siglo ya está asegurada, sobre todo en la escena del jazz, donde cada uno de los otros conjuntos parece contener al menos una bossa nova.

El compositor Antonio Carlos Jobim alias Tom Jobim nació el 25 de enero de 1927 en Tijuca, Río de Janeiro, Brasil. Mostró una curiosidad natural por la música desde muy joven y a los 13 años descubrió un viejo piano en la escuela de sus padres y comenzó a experimentar con sonidos y notas. Aunque tomó algunas clases privadas de piano, era en su mayor parte autodidacta. A los 20 años abandonó sus planes originales de convertirse en arquitecto y se dedicó por completo a la música. Comenzó su carrera en 1952 tocando el piano en pequeños cafés de la ciudad. Sus primeras influencias musicales incluyeron al legendario compositor Pixinguinha, Claude Debussy y el jazz. En 1954 grabó su primer disco con su banda "Tom and His Band" con el apoyo del cantante Bill Farr. Ese mismo año fue aprendiz del arreglista Radames Gnatali, de quien aprendió los rudimentos del arreglo y cambió de carrera y durante un tiempo se convirtió en arreglista de cantantes locales. En 1956 colaboró con el poeta y diplomático Vinicius de Moraes en una opereta titulada Orfeo do Carnaval que fue muy aclamada en el Metropolitan Opera House de Río. El director francés Marcel Camus lo transfirió a la gran pantalla bajo el título Black Orpheus. La película fue galardonada por el Festival de Cannes con una Palma de Oro en 1959. Su primer éxito fue Felicidade de esta opereta. La canción ganó inmensa popularidad cuando Billy Eckstine le agregó letras en inglés a finales de la década de 1950. Moraes y Jobim también se unieron en otros éxitos como Girl from Ipanema y Agua de Beber entre otros. En 1958 el guitarrista y vocalista brasileño Joao Gilberto lanzó un disco de canciones de Jobim que marcó el inicio del fenómeno de la bossa nova. 1962 marcó un cambio importante en la carrera de Jobim cuando irrumpió en la escena mundial después de que Stan Getz popularizara su melodía "Desafinado". Él y sus colegas fueron invitados a actuar en el Carnegie Hall y la popularidad de la bossa nova despegó. Desde 1962 hasta finales de los años 60 varios músicos de jazz grabaron multitud de discos de bossa nova. El propio Jobim, además de convertirse en uno de los compositores más grabados, grabó varios álbumes para diversos sellos, a menudo en colaboración con Claus Ogerman. Los años 70 y 80 marcaron una época de baja popularidad para el jazz y la música brasileña debido a la explosión del rock. Jobim regresó a Brasil y trabajó en partituras de televisión y cine. En 1985, aunque la bossa nova y la música brasileña experimentaron un renacimiento y Jobim comenzó a tocar de nuevo hasta unos meses antes de su muerte en la ciudad de Nueva York por un fallo cardíaco el 8 de diciembre de 1994.

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Oscar Peterson • Motions & Emotions

One of the most admired pianists in jazz, Oscar Peterson has rightfully claimed the same sort of status as earlier greats such as James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson, Fats Waller, Thelonious Monk, Bud Powell, and Bill Evans. Possibly the most successful artist produced by Canada, he appeared on well over 200 albums spanning six decades and won numerous awards, including eight Grammys. During his career he performed and recorded with, among others, Louis Armstrong, Count Basie, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Duke Ellington, and Charlie Parker. He was beyond doubt an authentic jazz piano virtuoso, with a remarkable and prolific legacy of recordings and performances.

Oscar Emmanuel Peterson, CC, CQ, O.Ont was born on August 15, 1925 in Montreal, Quebec.He began learning trumpet and piano from his father at the age of five, but by the age of seven, after a bout of tuberculosis, he concentrated on the piano. Some of the artists who influenced Peterson during the early years were Teddy Wilson, Nat “King” Cole, James P. Johnson and the legendary Art Tatum, to whom many have tried to compare Peterson in later years. In fact, one of his first exposures to the musical talents of Tatum came early in his teen years when his father played a Tatum record to him and Peterson was so intimidated by what he heard that he did not touch the piano for over a week.

Peterson has also credited his sister Daisy, a noted piano teacher in Montreal who also taught several other noted Canadian jazz musicians, with being an important teacher and influence on his career.

He soon developed a reputation as a technically brilliant and melodically inventive jazz pianist, and became a regular on Canadian radio. His United States introduction was at Carnegie Hall, New York City in 1949 by Norman Granz; owing to union restrictions his appearance could not be billed.

An important step in his career was joining impresario Norman Granz's labels (especially Verve records) and Granz's Jazz at the Philharmonic package. Granz discovered Peterson in a peculiar manner: as the impresario was being taken to the Montreal airport by cab, the radio was playing a live broadcast of Peterson at a local night club. He was so smitten by what he heard that he ordered the driver to take him to the club so he could meet the pianist. So was born a lasting relationship, and Granz remained Peterson's manager for most of the latter's career. Through Granz's Jazz at the Philarmonic he was able to play with the major jazz artists of the time: some of his musical associates have included Ray Brown, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Clark Terry, Joe Pass, Count Basie, and Stan Getz.

Some cognoscenti assert that Peterson's best recordings were made for the MPS label in the late '60s and early '70s. For some years subsequently he recorded for Granz's Pablo Records after the label was founded in 1973 and in more recent years for the Telarc label.

In 1993, Peterson suffered a serious stroke that weakened his left side and sidelined him for two years. However he has overcome this setback and is today still working on a limited basis. In 1997 he received a Grammy for Lifetime Achievement and an International Jazz Hall of Fame Award, proof that Oscar Peterson is still regarded as one of the greatest jazz musicians ever to play.

In 2003, Peterson recorded a DVD A Night in Vienna for the Verve label, which clearly shows that Peterson's age limits his technical powers. Even so, his playing has lost but little of its charm, and he still tours the US and Europe, though maximally one month a year, with a couple of days rest between concerts to recover his strength. His accompaniment consists of Ulf Wakenius (guitar), David Young (bass) and Alvin Queen (drums), all leaders of their own groups.

His work has earned him seven Grammy awards over the years and he was elected to the Canadian Music Hall of Fame in 1978. He also belongs to the Juno Awards Hall of Fame and the Canadian Jazz and Blues Hall of Fame.

He was made an Officer of the Order of Canada in 1972, and promoted to Companion, its highest rank, in 1984. He is also a member of the Order of Ontario, a Chevalier of the National Order of Quebec, and an officer of the French Ordre des Arts et des Lettres.

He has received the Roy Thomson Award, a Toronto Arts Award for lifetime achievement, the Governor General's Performing Arts Award, the Glenn Gould Prize, the award of the International Society for Performing Artists, the Loyola Medal of Concordia University, the Praemium Imperiale World Art Award, the UNESCO Music Prize, and the Toronto Musicians' Association Musician of the Year award.

In 1999, Concordia University in Montreal renamed their Loyola-campus concert hall Oscar Peterson Concert Hall in his honor.

From 1991 to 1994 he was chancellor of York University in Toronto.

In 2004 the City of Toronto named the courtyard of the Toronto-Dominion Centre Oscar Peterson Square.

On August 15, 2005 Peterson celebrated his 80th birthday at the HMV flagship store in Toronto. A crowd of about 200 gathered to celebrate with him there. Diana Krall sang happy birthday to him and also performed a vocal version of one of Peterson's songs When Summer Comes. The lyrics for this version were written by Elvis Costello, Krall's husband. Canada Post unveiled a commemorative postage stamp in his honor. This marked the first time that a Canadian postage stamp was created celebrating an individual who was still alive other than members of the British Royal Family. The event was covered by a live radio broadcast by Toronto jazz station, jazz.fm.

Oscar Peterson, who sat atop the world of jazz piano for decades with his driving two-handed swing, technical wizardry and rapid-fire solos, died on Dec. 23, 2007, he was 82.
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Uno de los pianistas más admirados del jazz, Oscar Peterson ha reivindicado con razón el mismo tipo de estatus que los grandes de antes como James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson, Fats Waller, Thelonious Monk, Bud Powell y Bill Evans. Posiblemente el artista más exitoso producido por Canadá, apareció en más de 200 álbumes a lo largo de seis décadas y ganó numerosos premios, incluyendo ocho Grammys. Durante su carrera actuó y grabó, entre otros, con Louis Armstrong, Count Basie, Ella Fitzgerald, Dizzy Gillespie, Duke Ellington y Charlie Parker. Fue sin duda un auténtico virtuoso del piano de jazz, con un notable y prolífico legado de grabaciones e interpretaciones.

Oscar Emmanuel Peterson, CC, CQ, O.Ont nació el 15 de agosto de 1925 en Montreal, Québec. Comenzó a aprender trompeta y piano de su padre a la edad de cinco años, pero a los siete años, después de un ataque de tuberculosis, se concentró en el piano. Algunos de los artistas que influyeron en Peterson durante los primeros años fueron Teddy Wilson, Nat "King" Cole, James P. Johnson y el legendario Art Tatum, con el que muchos han tratado de comparar a Peterson en años posteriores. De hecho, una de sus primeras exposiciones a los talentos musicales de Tatum se produjo a principios de su adolescencia cuando su padre le tocó un disco de Tatum y Peterson se sintió tan intimidado por lo que escuchó que no tocó el piano durante más de una semana.

Peterson también ha acreditado a su hermana Daisy, una destacada profesora de piano en Montreal que también enseñó a varios otros destacados músicos de jazz canadienses, por ser una profesora importante e influir en su carrera.

Pronto se ganó la reputación de ser un pianista de jazz técnicamente brillante y melódicamente inventivo, y se convirtió en un habitual de la radio canadiense. Su presentación en los Estados Unidos tuvo lugar en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York en 1949 por Norman Granz; debido a las restricciones del sindicato no se pudo facturar su aparición.

Un paso importante en su carrera fue unirse a los sellos discográficos del empresario Norman Granz (especialmente Verve records) y al paquete de Jazz en la Filarmónica de Granz. Granz descubrió a Peterson de una manera peculiar: mientras el empresario era llevado al aeropuerto de Montreal en taxi, la radio estaba emitiendo en directo una emisión de Peterson en un club nocturno local. Estaba tan impresionado por lo que escuchó que ordenó al conductor que lo llevara al club para que pudiera conocer al pianista. Así nació una relación duradera, y Granz siguió siendo el manager de Peterson durante la mayor parte de su carrera. A través del Jazz de Granz en la Filarmónica pudo tocar con los principales artistas de jazz de la época: algunos de sus socios musicales han sido Ray Brown, Ben Webster, Milt Jackson, Herb Ellis, Barney Kessel, Ed Thigpen, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Louis Armstrong, Stéphane Grappelli, Ella Fitzgerald, Clark Terry, Joe Pass, Count Basie y Stan Getz.

Algunos conocedores afirman que las mejores grabaciones de Peterson fueron hechas para el sello MPS a finales de los 60 y principios de los 70. Durante algunos años grabó para Granz's Pablo Records después de que el sello se fundara en 1973 y en años más recientes para el sello Telarc.

En 1993, Peterson sufrió una grave apoplejía que debilitó su lado izquierdo y lo dejó de lado durante dos años. Sin embargo, ha superado este contratiempo y hoy en día sigue trabajando de forma limitada. En 1997 recibió un Grammy por logros de toda una vida y un premio del Salón Internacional de la Fama del Jazz, prueba de que Oscar Peterson sigue siendo considerado como uno de los más grandes músicos de jazz de todos los tiempos.

En 2003, Peterson grabó un DVD "A Night in Vienna" para el sello Verve, que muestra claramente que la edad de Peterson limita sus poderes técnicos. Aún así, su forma de tocar ha perdido poco de su encanto, y todavía hace giras por los EE.UU. y Europa, aunque como máximo un mes al año, con un par de días de descanso entre los conciertos para recuperar sus fuerzas. Su acompañamiento consiste en Ulf Wakenius (guitarra), David Young (bajo) y Alvin Queen (batería), todos líderes de sus propios grupos.

Su trabajo le ha valido siete premios Grammy a lo largo de los años y fue elegido para el Salón de la Fama de la Música Canadiense en 1978. También pertenece al Salón de la Fama de los Premios Juno y al Salón de la Fama del Jazz y el Blues de Canadá.

Fue nombrado Oficial de la Orden del Canadá en 1972 y ascendido a Compañero, su rango más alto, en 1984. También es miembro de la Orden de Ontario, Caballero de la Orden Nacional de Quebec y oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia.

Ha recibido el Premio Roy Thomson, un premio de artes de Toronto por su trayectoria, el premio de artes escénicas del Gobernador General, el premio Glenn Gould, el premio de la Sociedad Internacional de Artistas Escénicos, la Medalla Loyola de la Universidad de Concordia, el premio Praemium Imperiale de arte mundial, el premio de música de la UNESCO y el premio de la Asociación de Músicos de Toronto al músico del año.

En 1999, la Universidad de Concordia de Montreal cambió el nombre de su sala de conciertos del campus de Loyola por el de Sala de Conciertos Oscar Peterson en su honor.

De 1991 a 1994 fue rector de la Universidad de York en Toronto.

En 2004 la ciudad de Toronto nombró el patio del Centro del Dominio de Toronto Oscar Peterson Square.

El 15 de agosto de 2005 Peterson celebró su 80º cumpleaños en la tienda insignia del HMV en Toronto. Una multitud de alrededor de 200 personas se reunió para celebrar con él allí. Diana Krall le cantó el feliz cumpleaños y también interpretó una versión vocal de una de las canciones de Peterson When Summer Comes. La letra de esta versión fue escrita por Elvis Costello, el marido de Krall. Canada Post reveló un sello postal conmemorativo en su honor. Esta fue la primera vez que se creó un sello de correos canadiense que celebraba a un individuo que aún vivía, aparte de los miembros de la Familia Real Británica. El evento fue cubierto por una transmisión de radio en vivo por la estación de jazz de Toronto, jazz.fm.

Oscar Peterson, que estuvo sentado en la cima del mundo del piano de jazz durante décadas con su swing a dos manos, su magia técnica y sus solos de fuego rápido, murió el 23 de diciembre de 2007, a los 82 años.
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oscarpeterson.com ...

Jimmy Smith • Any Number Can Win

Originally released on Verve (8552). Includes liner notes by Al Clarke. Digitally remastered using 22-bit technology by Suha Gur (Polygram Studios). With a fat, dynamics-busting horns and woodwinds section utterly transforming the standard sound of Jimmy Smith's trio, ANY NUMBER CAN WIN may bear more of a resemblance to Henry Mancini than to the rootsy grooves one has come to expect from Smith. Which is not to say that the disc doesn't swing; quite the opposite. Smith's Hammond organ sound is oozy enough to liquefy bones, and his powerful, syncopation-addicted right hand intensifies the effect. Guest musicians turn in fine performances, including guitarist Kenny Burrell and the 20 or so members that make up the larger ensemble. The mood of ANY NUMBER CAN WIN alternates from the finger-popping big band interlude of "You Came A Long Way From St. Louis," to slinky boogie-inducers like "The Ape Woman" and the title track (theme song from an MGM movie), ballads like "Georgia On My Mind" and cool electric blues like "The Sermon" and the cover of Ray Charles "What'd I Say?" While perhaps a bit too uber-groovy for jazz purists, those who are looking for instrumental a-go-gos in true swinging 60's style won't be disappointed in this release. One of Verve's most popular discs, recently re-issued on Verve By Request. This is part of Verve's By Request series. Recorded at Van Gelder Studios, Englewood Cliffs, New Jersey in July 1963.

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Originalmente lanzado en Verve (8552). Incluye notas de línea de Al Clarke. Remasterizado digitalmente con tecnología de 22 bits por Suha Gur (Polygram Studios). Con una sección de trompetas y vientos de madera que transforma completamente el sonido estándar del trío de Jimmy Smith, CUALQUIER NÚMERO PUEDE GANAR puede parecerse más a Henry Mancini que a los surcos de raíz que uno espera de Smith. Lo que no quiere decir que el disco no se balancee, sino todo lo contrario. El sonido del órgano Hammond de Smith es lo suficientemente fuerte como para licuar los huesos, y su poderosa mano derecha, adicta a la síncopa, intensifica el efecto. Los músicos invitados hacen buenas actuaciones, incluyendo al guitarrista Kenny Burrell y a los 20 miembros que forman el grupo más grande. El ambiente de ANY NUMBER CAN WIN alterna desde el interludio de big band de "You Came A Long Way From St. Louis", a los músicos de boogie como "The Ape Woman" y la canción principal (tema de una película de MGM), baladas como "Georgia On My Mind" y blues eléctrico como "The Sermon" y la versión de Ray Charles "What'd I Say?". Aunque quizás sea un poco demasiado "super-groovy" para los puristas del jazz, los que buscan a-go-gos instrumentales en el verdadero estilo de los 60's no se sentirán decepcionados con este lanzamiento. Uno de los discos más populares de Verve, recientemente reeditado en Verve By Request. Es parte de la serie "Verve By Request". Grabado en los estudios Van Gelder, Englewood Cliffs, New Jersey en julio de 1963.

 

VA • Comin' Home Baby covers

"Comin' Home Baby" is a song originally written as an instrumental by Ben Tucker and first recorded by the Dave Bailey Quintet in 1961. It was then recorded by Herbie Mann, and lyrics were written by Bob Dorough. The vocal version became a US Top 40 hit for American jazz singer Mel Tormé in 1962, and the song has since been covered numerous times.

 

Este es un compilado no comercial, por tanto carece de carátula, info y demás menesteres que hacen al marketing.

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"Comin 'Home Baby" es una canción escrita originalmente como un instrumental de Ben Tucker y la primera registrada por el de Dave Bailey Quintet en 1961 fue luego registrada por Herbie Mann, y las letras fueron escritas por Bob Dorough. La versión vocal se convirtió en un Top 40 de Estados Unidos en la versión de Mel Tormé en 1962, siendo desde entonces versionada incontables veces tanto instrumental como cantada.

 

This is a non-commercial compiled therefore lacks cover, info and other necessities that make marketing.

 

Claus Ogerman, Dave Bailey Quintet, Herbie Mann, Quincy Jones, Sergio Mendes, Sylvie Vartan, Harry Stoneham, Mel Torme ...

Wes Montgomery • Tequila

On two of the songs included on Tequila, "Tequila" and "The Thumb," Wes Montgomery had an opportunity to jam a bit while backed just by bassist Ron Carter, drummer Grady Tate and the congas of Ray Barretto. The other six selections utilize a string section arranged by Claus Ogerman but, even with a throwaway version of "What the World Needs Now Is Love," there are memorable renditions of "Bumpin' on Sunset" and "Insensatez" that uplift this album quite a bit beyond the guitarist's later A&M recordings.

Artist Biography

Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.

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En dos de las canciones incluidas en Tequila, "Tequila" y "The Thumb", Wes Montgomery tuvo la oportunidad de improvisar un poco con el apoyo del bajista Ron Carter, el baterista Grady Tate y las congas de Ray Barretto. Las otras seis selecciones utilizan una sección de cuerdas arreglada por Claus Ogerman pero, incluso con una versión desechable de "What the World Needs Now Is Love", hay memorables versiones de "Bumpin' on Sunset" e "Insensatez" que elevan este álbum bastante más allá de las posteriores grabaciones A&M del guitarrista.

Biografía del artista

Nacido en Indianápolis, Indiana (Estados Unidos) (donde también murió de un ataque cardíaco en 1968), Montgomery provenía de una familia musical, en la que sus hermanos, Monk (contrabajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender melodías complejas y riffs de oído. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Además del uso de las octavas (tocar la misma nota en dos cuerdas con una octava de separación) por el que es ampliamente conocido, Montgomery también fue un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de su solista de una sola nota, octava y bloque de acordes. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery pulsó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando golpes bajos para las notas simples y una combinación de golpes ascendentes y descendentes para los acordes y las octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía un grano en el pulgar, lo que le daba ese punto de sonido. Obtenía un sonido para las partes suaves, y luego ese punto usando el maíz. Es por eso que nadie nunca igualará a Wes. Y su pulgar tenía doble articulación. Podía doblarlo completamente hacia atrás para tocar su muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente."

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson hizo para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador de tubo, a menudo un Fender. En sus últimos años tocaba una Standel.

Montgomery hizo una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en las grabaciones de este período. Posteriormente, Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluía a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, que hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones realizadas por Montgomery y sus hermanos de 1957 a 1959 fueron publicadas en el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959 Montgomery firmó con el sello Riverside Records, y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la compañía quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son consideradas por los aficionados e historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum presentaba una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, normalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz uptempo hard swing y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve dio lugar a una serie de álbumes en los que se presentó con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a moverse en el territorio de la música pop. Una excepción notable es Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos memorables apariciones en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes siguió tocando una excelente guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En él, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para hacer riffs creando un concepto integral de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las pistas de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, parecía haber abandonado por completo el jazz sencillo de su carrera anterior para dedicarse al mercado del pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su período A&M (1967-68) presentan interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos fans y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock 'n' Roll, Soul y Rhythm and Blues. Muchos compositores y compositores le han escrito homenajes musicales, incluyendo Stevie Wonder y Eric Johnson.

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