Charlie Dennard • Intuitions

Charlie Dennard is an American keyboardist, composer and arranger who is currently the musical director for Cirque du Soleil's "Totem". Over the last 20 years Charlie has performed and recorded internationally with a variety of jazz, blues and world music ensembles as well as theatrical productions. Dennard was a piano student of the legendary Ellis Marsalis at UNO.

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Charlie Dennard es un teclista, compositor y arreglista estadounidense que actualmente es el director musical de "Totem" del Cirque du Soleil. En los últimos 20 años Charlie ha actuado y grabado internacionalmente con una variedad de conjuntos de jazz, blues y música del mundo, así como con producciones teatrales. Dennard fue un estudiante de piano del legendario Ellis Marsalis en la ONU.

www.charliedennard.com ...

Charles Brown • One More For The Road

 

Review by Bill Dahl

One of the first comeback salvos that the veteran pianist fired after suffering the slings and arrows of anonymity for much too long. Typically delectable in a subtle, understated manner, Brown eases through a very attractive program.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

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Reseña de Bill Dahl

Una de las primeras salvas de regreso que el veterano pianista disparó después de sufrir las hondas y flechas del anonimato durante demasiado tiempo. Típicamente delicioso de una manera sutil y discreta, Brown se alivia a través de un programa muy atractivo.

https://www.allmusic.com/album/one-more-for-the-road-mw0000199893

Sunnyland Slim Blues Band • Decoration Day

 

Biography
by Bill Dahl
Exhibiting truly amazing longevity that was commensurate with his powerful, imposing physical build, Sunnyland Slim's status as a beloved Chicago piano patriarch endured long after most of his peers had perished. For more than 50 years, the towering Slim had rumbled the ivories around the Windy City, playing with virtually every local luminary imaginable and backing the great majority in the studio at one time or another.

He was born Albert Luandrew in Mississippi and received his early training on a pump organ. After entertaining at juke joints and movie houses in the Delta, Luandrew made Memphis his home base during the late '20s, playing along Beale Street and hanging out with the likes of Little Brother Montgomery and Ma Rainey. He adopted his colorful stage name from the title of one of his best-known songs, the mournful "Sunnyland Train." (The downbeat piece immortalized the speed and deadly power of a St. Louis-to-Memphis locomotive that mowed down numerous people unfortunate enough to cross its tracks at the wrong instant.)

Slim moved to Chicago in 1939 and set up shop as an in-demand piano man, playing for a spell with John Lee "Sonny Boy" Williamson before waxing eight sides for RCA Victor in 1947 under the somewhat misleading handle of "Doctor Clayton's Buddy." If it hadn't been for the helpful Slim, Muddy Waters may not have found his way onto Chess; it was at the pianist's 1947 session for Aristocrat that the Chess brothers made Waters' acquaintance.

Aristocrat (which issued his harrowing "Johnson Machine Gun") was but one of a myriad of labels that Slim recorded for between 1948 and 1956: Hytone, Opera, Chance, Tempo-Tone, Mercury, Apollo, JOB, Regal, Vee-Jay (unissued), Blue Lake, Club 51, and Cobra all cut dates on Slim, whose vocals thundered with the same resonant authority as his 88s. In addition, his distinctive playing enlivened hundreds of sessions by other artists during the same time frame. In 1960, Slim traveled to Englewood Cliffs, New Jersey, to cut his debut LP for Prestige's Bluesville subsidiary with King Curtis supplying diamond-hard tenor sax breaks on many cuts. The album, Slim's Shout, ranks as one of his finest, with definitive renditions of the pianist's "The Devil Is a Busy Man," "Shake It," "Brownskin Woman," and "It's You Baby."

Like a deep-rooted tree, Sunnyland Slim persevered despite the passing decades. For a time, he helmed his own label, Airway Records. As late as 1985, he made a fine set for the Red Beans logo, Chicago Jump, backed by the same crack combo that shared the stage with him every Sunday evening at a popular North side club called B.L.U.E.S. for some 12 years.

There were times when the pianist fell seriously ill, but he always defied the odds and returned to action, warbling his trademark Woody Woodpecker chortle and kicking off one more exultant slow blues as he had done for the previous half century. Finally, after a calamitous fall on the ice coming home from a gig led to numerous complications, Sunnyland Slim died of kidney failure in 1995. He's sorely missed.
https://www.allmusic.com/artist/sunnyland-slim-mn0000490769/biography

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Biografía
por Bill Dahl
Con una longevidad realmente asombrosa, acorde con su poderosa e imponente complexión física, el estatus de Sunnyland Slim como un querido patriarca del piano de Chicago perduró mucho después de que la mayoría de sus compañeros hubieran perecido. Durante más de 50 años, el imponente Slim ha hecho sonar los marfiles de la Ciudad del Viento, tocando con prácticamente todas las luminarias locales imaginables y respaldando a la gran mayoría en el estudio en un momento u otro.

Nació con el nombre de Albert Luandrew en Mississippi y se formó en un órgano de bomba. Después de actuar en bares y cines del Delta, Luandrew hizo de Memphis su base de operaciones a finales de los años 20, tocando en Beale Street y saliendo con gente como Little Brother Montgomery y Ma Rainey. Adoptó su colorido nombre artístico a partir del título de una de sus canciones más conocidas, la lúgubre "Sunnyland Train". (Esta pieza deprimente inmortalizaba la velocidad y la potencia mortal de una locomotora que iba de St. Louis a Memphis y que acribillaba a numerosas personas lo suficientemente desafortunadas como para cruzar sus vías en el instante equivocado).

Slim se trasladó a Chicago en 1939 y se convirtió en un pianista muy solicitado, tocando durante un tiempo con John Lee "Sonny Boy" Williamson antes de grabar ocho canciones para RCA Victor en 1947 bajo el nombre algo engañoso de "Doctor Clayton's Buddy". Si no hubiera sido por el servicial Slim, Muddy Waters podría no haber llegado a Chess; fue en la sesión del pianista para Aristocrat en 1947 cuando los hermanos Chess conocieron a Waters.

Aristocrat (que publicó su desgarrador "Johnson Machine Gun") no fue más que uno de los muchos sellos para los que Slim grabó entre 1948 y 1956: Hytone, Opera, Chance, Tempo-Tone, Mercury, Apollo, JOB, Regal, Vee-Jay (sin publicar), Blue Lake, Club 51 y Cobra grabaron con Slim, cuya voz retumbaba con la misma autoridad resonante que sus 88s. Además, su distintiva forma de tocar animó cientos de sesiones de otros artistas durante el mismo periodo. En 1960, Slim viajó a Englewood Cliffs, Nueva Jersey, para grabar su primer LP para la subsidiaria Bluesville de Prestige, con King Curtis aportando cortes de saxo tenor de gran dureza en muchos cortes. El álbum, Slim's Shout, está considerado como uno de sus mejores, con interpretaciones definitivas de "The Devil Is a Busy Man", "Shake It", "Brownskin Woman" y "It's You Baby" del pianista.

Como un árbol bien enraizado, Sunnyland Slim perseveró a pesar del paso de las décadas. Durante un tiempo, dirigió su propio sello, Airway Records. Ya en 1985, hizo un buen set para el logo de Red Beans, Chicago Jump, respaldado por el mismo combo de crack que compartía el escenario con él cada domingo por la noche en un popular club del lado norte llamado B.L.U.E.S. durante unos 12 años.

Hubo momentos en los que el pianista cayó gravemente enfermo, pero siempre desafiaba a las probabilidades y volvía a la acción, haciendo sonar su característico carrillón de Woody Woodpecker y arrancando un exultante slow blues más, como había hecho durante el medio siglo anterior. Finalmente, tras una calamitosa caída en el hielo al volver de un concierto que le provocó numerosas complicaciones, Sunnyland Slim murió de insuficiencia renal en 1995. Se le echa mucho de menos.
https://www.allmusic.com/artist/sunnyland-slim-mn0000490769/biography

Katie Webster • Deluxe Edition

Review by Michael B. Smith

Katie Webster plays barrelhouse boogie-woogie, New Orleans R&B, Gulf Coast swamp pop, deep bayou blues and Southern gospel-flavored soul like nobody's business; her 35 years of professional piano work has appeared on at least 500 singles, including the original version of "Sea of Love," and countless albums. Music critics and fans around the world acknowledge her as the premier female blues piano player anywhere. Alligator Records' Deluxe Edition collects 15 of her very best tracks from her three albums since 1988, and there isn't a filler track to be found. Webster never once failed to deliver on her sassy and sensuous blend of barrelhouse boogie-woogie. Some of the high points of Deluxe Edition include several duets -- "Love Deluxe" with Vasti Jackson and the classic "Who's Making Love," which finds Kim Wilson (the Fabulous Thunderbirds) and bluesman Robert Cray jamming with the Boogie Queen. Wilson also accompanies Bonnie Raitt and Webster to wail "On the Run." Other standout tracks include her remake of "Sea of Love" and the non-vegetarian "A Little Meat on the Side." "The Love You Save" and "Two Fisted Mama" are sure to go down in the music history books as prime examples of Webster's swamp boogie styles. But perhaps the best cuts of the 15 are the blues-rich vocals and sax of "Try a Little Tenderness," a sure winner, and "Never Let Me Go," a torch-bearing ballad. Alligator's Deluxe Editions are just that -- the best songs by the best artists in their catalog. And Katie Webster ranks right there at the top of that rich list.

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Reseña de Michael B. Smith

Katie Webster toca el boogie-woogie de Barrelhouse, el R&B de Nueva Orleans, el pop de los pantanos de la costa del Golfo, el blues de los pantanos y el soul con sabor a gospel del sur como nadie; sus 35 años de trabajo como pianista profesional han aparecido en al menos 500 singles, incluida la versión original de "Sea of Love", e innumerables álbumes. Los críticos y los fans de la música de todo el mundo la reconocen como la primera mujer pianista de blues en cualquier lugar. La edición de lujo de Alligator Records recoge 15 de sus mejores temas de sus tres álbumes desde 1988, y no hay ni una sola pista de relleno que se pueda encontrar. Webster nunca dejó de ofrecer su descarada y sensual mezcla de boogie-woogie de Barrelhouse. Algunos de los puntos culminantes de la Edición Deluxe incluyen varios dúos -- "Love Deluxe" con Vasti Jackson y el clásico "Who's Making Love", que encuentra a Kim Wilson (los Fabulosos Thunderbirds) y al bluesman Robert Cray improvisando con la Reina del Boogie. Wilson también acompaña a Bonnie Raitt y a Webster a llorar "On the Run". Otros temas destacados incluyen su remake de "Sea of Love" y el no vegetariano "A Little Meat on the Side". "The Love You Save" y "Two Fisted Mama" serán los primeros ejemplos de los estilos de boogie de pantano de Webster en los libros de historia de la música. Pero quizás los mejores cortes de los 15 son las voces y el saxofón de "Try a Little Tenderness", un ganador seguro, y "Never Let Me Go", una balada con antorchas. Las Ediciones de Lujo de Alligator son justamente eso: las mejores canciones de los mejores artistas de su catálogo. Y Katie Webster está en la cima de esa lista de ricos.

Nico Brina • That's My Way [30 Years - The Jubilee Sessions]

 

Perhaps, some might say it is strange to define yourself as a Boogie-Woogie-pianist already as a young boy, but that is what Nico did when he was a knee-high boy. Of course, he needed courage, an extraordinary talent and a certain kind of smartness. When Nico was 8 years old, he found his neighbor's piano and he suddenly fell in love with its magical tone. Furthermore, Nico discovered the world of Rock'n'Roll, lightning fast Boogie-Woogie-rhythms, breathtaking bass lines and shining melodies. He played with his hands and even with his feet. However, in the beginning of his career, Nico needed to be smart; as a kid, he pretended to be sick so that he could stay at home and rehearse instead. As a young musician, after his concerts he played chess against the owners of the clubs to double his salary. It was all or nothing. Later, not even angry neighbours could stop Nico Brina's career. Once, a neighbour threw a chair into Nico's window because he had enough of Nico's everlasting rehearsals. All that the police then said, was; "Don't mess around with a pianoman". Nico took this quote and wrote a song about this incident.

After some time, Nico added the Blues to his repertoire, and this was like the missing link to finally define his own unique sound. He travelled around and he played his Boogie-Woogie-driven Blues music almost anywhere in the world. He played in Europe, in the Caribbean, in Kazakhstan, in Singapore... - and he even won several awards such as the "Prix Walo" (1995), the "Guinness Book of World Records" title for the fastest Boogie-Woogie ever (1996) and he got a nomination from the "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" for his album "Flight 6024" (Category Blues 2014).

It has been 36 years since the journey started. More than 3'000 shows in 19 different countries, more than 1'00'000 km on the road, 18 albums, one LP, one DVD and four singles.

Nico still feels happiness when he plays his piano - just like a child playing its first note. There is magic, when he combines his talent, his power and his musical wit. It is this mixture that makes the entertainer become an artist. Brina is a wizard, maybe a fool, but he shows us where passion can lead us. His BBB-combination - Boogie & Blues & Brina - is like a drug, but without any side effects.
Text by Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

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Tal vez, algunos podrían decir que es extraño definirse como un Boogie-Woogie-pianista ya de joven, pero eso es lo que Nico hizo cuando era un niño de la altura de la rodilla. Por supuesto, necesitaba coraje, un talento extraordinario y una cierta clase de inteligencia. Cuando Nico tenía 8 años, encontró el piano de su vecino y de repente se enamoró de su tono mágico. Además, Nico descubrió el mundo del Rock'n'Roll, los rápidos ritmos del Boogie-Woogie, las impresionantes líneas de bajo y las brillantes melodías. Tocaba con sus manos e incluso con sus pies. Sin embargo, al principio de su carrera, Nico necesitaba ser inteligente; de niño, fingía estar enfermo para poder quedarse en casa y ensayar en su lugar. Como joven músico, después de sus conciertos jugaba al ajedrez contra los dueños de los clubes para doblar su salario. Era todo o nada. Más tarde, ni siquiera los vecinos enfadados pudieron detener la carrera de Nico Brina. Una vez, un vecino tiró una silla a la ventana de Nico porque estaba harto de los eternos ensayos de Nico. Todo lo que la policía dijo entonces, fue: "No te metas con un pianoman". Nico tomó esta cita y escribió una canción sobre este incidente.

Después de un tiempo, Nico añadió el Blues a su repertorio, y esto fue como el eslabón perdido para definir finalmente su propio y único sonido. Viajó por todo el mundo y tocó su música de Blues impulsado por el Boogie-Woogie en casi cualquier lugar del mundo. Tocó en Europa, en el Caribe, en Kazajstán, en Singapur... - e incluso ganó varios premios como el "Prix Walo" (1995), el título del "Libro Guinness de los Records Mundiales" por el Boogie-Woogie más rápido de la historia (1996) y obtuvo una nominación del "Preis der Deutschen Schallplattenkritik" por su álbum "Flight 6024" (Categoría Blues 2014).

Han pasado 36 años desde que comenzó el viaje. Más de 3'000 espectáculos en 19 países diferentes, más de 1'00'000 km en la carretera, 18 álbumes, un LP, un DVD y cuatro singles.

Nico todavía siente felicidad cuando toca el piano, como un niño tocando su primera nota. Hay magia cuando combina su talento, su poder y su ingenio musical. Es esta mezcla la que hace que el artista se convierta en un artista. Brina es un mago, tal vez un tonto, pero nos muestra a dónde nos puede llevar la pasión. Su combinación de BBB - Boogie & Blues & Brina - es como una droga, pero sin efectos secundarios.
Texto de Richard Köchli
http://www.brina.ch/start/

www.brina.ch ...

VA • Kings of Boogie Woogie

Albert Ammons, Meade Lux Lewis, Blind John Davis ...

 

 

Eddie Pianola Barnes • Honky Tonk Piano

 

Champion Jack Dupree • From New Orleans To Chicago

 

Biography
by Bill Dahl
A formidable contender in the ring before he shifted his focus to pounding the piano instead, Champion Jack Dupree often injected his lyrics with a rowdy sense of down-home humor. But there was nothing lighthearted about his rock-solid way with a boogie; when he shouted "Shake Baby Shake," the entire room had no choice but to acquiesce.

Dupree was notoriously vague about his beginnings, claiming in some interviews that his parents died in a fire set by the Ku Klux Klan, at other times saying that the blaze was accidental. Whatever the circumstances of the tragic conflagration, Dupree grew up in New Orleans' Colored Waifs' Home for Boys (Louis Armstrong also spent his formative years there). Learning his trade from barrelhouse 88s ace Willie "Drive 'em Down" Hall, Dupree left the Crescent City in 1930 for Chicago and then Detroit. By 1935, he was boxing professionally in Indianapolis, battling in an estimated 107 bouts.

In 1940, Dupree made his recording debut for Chicago A&R man extraordinaire Lester Melrose and OKeh Records. Dupree's 1940-1941 output for the Columbia subsidiary exhibited a strong New Orleans tinge despite the Chicago surroundings; his driving "Junker's Blues" was later cleaned up as Fats Domino's 1949 debut, "The Fat Man." After a stretch in the Navy during World War II (he was a Japanese P.O.W. for two years), Dupree decided tickling the 88s beat pugilism any old day. He spent most of his time in New York and quickly became a prolific recording artist, cutting for Continental, Joe Davis, Alert, Apollo, and Red Robin (where he cut a blasting "Shim Sham Shimmy" in 1953), often in the company of Brownie McGhee. Contracts meant little; Dupree masqueraded as Brother Blues on Abbey, Lightnin' Jr. on Empire, and the truly imaginative Meat Head Johnson for Gotham and Apex.

King Records corralled Dupree in 1953 and held onto him through 1955 (the year he enjoyed his only R&B chart hit, the relaxed "Walking the Blues.") Dupree's King output rates with his very best; the romping "Mail Order Woman," "Let the Doorbell Ring," and "Big Leg Emma's" contrasting with the rural "Me and My Mule" (Dupree's vocal on the latter emphasizing a harelip speech impediment for politically incorrect pseudo-comic effect).

After a year on RCA's Groove and Vik subsidiaries, Dupree made a masterpiece LP for Atlantic. 1958's Blues From the Gutter is a magnificent testament to Dupree's barrelhouse background, boasting marvelous readings of "Stack-O-Lee," "Junker's Blues," and "Frankie & Johnny" beside the risqué "Nasty Boogie." Dupree was one of the first bluesmen to leave his native country for a less racially polarized European existence in 1959. He lived in a variety of countries overseas, continuing to record prolifically for Storyville, British Decca (with John Mayall and Eric Clapton lending a hand at a 1966 date), and many other firms.

Perhaps sensing his own mortality, Dupree returned to New Orleans in 1990 for his first visit in 36 years. While there, he played the Jazz & Heritage Festival and laid down a zesty album for Bullseye Blues, Back Home in New Orleans. Two more albums of new material were captured by the company the next year prior to the pianist's death in January of 1992. Jack Dupree was a champ to the very end.
https://www.allmusic.com/artist/champion-jack-dupree-mn0000197040/biography

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Biografía
por Bill Dahl
Un contendiente formidable en el ring antes de cambiar su enfoque a golpear el piano, el campeón Jack Dupree a menudo inyectaba sus letras con un sentido ruidoso de humor hogareño. Pero no había nada alegre en su forma sólida como una roca con un boogie; cuando gritó "Shake Baby Shake", toda la sala no tuvo más remedio que asentir.

Dupree fue notoriamente vago sobre sus comienzos, afirmando en algunas entrevistas que sus padres murieron en un incendio provocado por el Ku Klux Klan, en otras ocasiones diciendo que el incendio fue accidental. Cualesquiera que fueran las circunstancias de la trágica conflagración, Dupree creció en el Hogar de Niños Abandonados de Color de Nueva Orleans (Louis Armstrong también pasó sus años de formación allí). Aprendiendo su oficio del as de Barrelhouse 88 Willie "Drive 'em Down" Hall, Dupree dejó Crescent City en 1930 para Chicago y luego Detroit. En 1935, estaba boxeando profesionalmente en Indianápolis, luchando en un estimado de 107 combates.

En 1940, Dupree hizo su debut discográfico para Chicago A&R man extraordinaire Lester Melrose y OKeh Records. La producción de Dupree de 1940-1941 para la subsidiaria de Columbia exhibió un fuerte tinte de Nueva Orleans a pesar de los alrededores de Chicago; su conducción "Junker's Blues" se limpió más tarde como el debut de Fats Domino en 1949, " The Fat Man."Después de un período en la Marina durante la Segunda Guerra Mundial (fue un oficial de Guerra japonés durante dos años), Dupree decidió hacerle cosquillas a los 88 para vencer al pugilismo como cualquier otro día. Pasó la mayor parte de su tiempo en Nueva York y rápidamente se convirtió en un prolífico artista de grabación, grabando para Continental, Joe Davis, Alert, Apollo y Red Robin (donde grabó un "Shim Sham Shimmy" en 1953), a menudo en compañía de Brownie McGhee. Los contratos significaban poco; Dupree se hizo pasar por Brother Blues en Abbey, Lightnin' Jr. en Empire y el realmente imaginativo Meat Head Johnson para Gotham y Apex.

King Records acorraló a Dupree en 1953 y se aferró a él hasta 1955 (el año en que disfrutó de su único éxito en las listas de R&B, el relajado "Walking the Blues".La producción de King de Dupree tiene su mejor desempeño; la juguetona "Mail Order Woman"," Let the Doorbell Ring "y" Big Leg Emma " contrastan con la rural "Me and My Mule" (la voz de Dupree en esta última enfatiza un impedimento del habla del labio leporino para un efecto pseudocómic políticamente incorrecto).

Después de un año en las subsidiarias Groove y Vik de RCA, Dupree hizo un LP de obra maestra para Atlantic. Blues From the Gutter de 1958 es un magnífico testimonio de los antecedentes de Dupree en Barrelhouse, con maravillosas lecturas de" Stack-O-Lee"," Junker's Blues "y" Frankie & Johnny "junto al atrevido "Nasty Boogie"."Dupree fue uno de los primeros músicos de blues en abandonar su país natal para una existencia europea menos polarizada racialmente en 1959. Vivió en una variedad de países en el extranjero, y continuó grabando prolíficamente para Storyville, British Decca (con John Mayall y Eric Clapton echando una mano en una fecha de 1966) y muchas otras firmas.

Tal vez sintiendo su propia mortalidad, Dupree regresó a Nueva Orleans en 1990 para su primera visita en 36 años. Mientras estuvo allí, tocó en el Jazz & Heritage Festival y grabó un álbum picante para Bullseye Blues, en su casa de Nueva Orleans. Dos álbumes más de material nuevo fueron capturados por la compañía el año siguiente antes de la muerte del pianista en enero de 1992. Jack Dupree fue un campeón hasta el final.
https://www.allmusic.com/artist/champion-jack-dupree-mn0000197040/biography

Big Joe Turner • Greatest Hits

 

Fats Domino • 20 Rock'n'Roll Hits

 

Memphis Slim • The King Of Jump Blues

Biography by Bill Dahl
An amazingly prolific artist who brought a brisk air of urban sophistication to his frequently stunning presentation, John "Peter" Chatman -- better known as Memphis Slim -- assuredly ranks with the greatest blues pianists of all time. He was smart enough to take Big Bill Broonzy's early advice about developing a style to call his own to heart, instead of imitating that of his idol, Roosevelt Sykes. Soon enough, other 88s pounders were copying Slim rather than the other way around; his thundering ivories attack set him apart from most of his contemporaries, while his deeply burnished voice possessed a commanding authority.

As befits his stage name, John "Peter" Chatman was born and raised in Memphis; a great place to commit to a career as a bluesman. Sometime in the late '30s, he resettled in Chicago and began recording as a leader in 1939 for OKeh, then switched over to Bluebird the next year. Around the same time, Slim joined forces with Broonzy, then the dominant force on the local blues scene. After serving as Broonzy's invaluable accompanist for a few years, Slim emerged as his own man in 1944.

After the close of World War II, Slim joined Hy-Tone Records, cutting eight tracks that were later picked up by King. Lee Egalnick's Miracle label reeled in the pianist in 1947; backed by his jumping band, the House Rockers (its members usually included saxists Alex Atkins and Ernest Cotton), Slim recorded his classic "Lend Me Your Love" and "Rockin' the House." The next year brought the landmark "Nobody Loves Me" (better known via subsequent covers by Lowell Fulson, Joe Williams, and B.B. King as "Everyday I Have the Blues") and the heartbroken "Messin' Around (With the Blues)."

The pianist kept on label-hopping, moving from Miracle to Peacock to Premium (where he waxed the first version of his uncommonly wise down-tempo blues "Mother Earth") to Chess to Mercury before staying put at Chicago's United Records from 1952 to 1954. This was a particularly fertile period for the pianist; he recruited his first permanent guitarist, the estimable Matt Murphy, who added some serious fret fire to "The Come Back," "Sassy Mae," and "Memphis Slim U.S.A."

Before the decade was through, the pianist landed at Vee-Jay Records, where he cut definitive versions of his best-known songs with Murphy and a stellar combo in gorgeously sympathetic support (Murphy was nothing short of spectacular throughout).

Slim exhibited his perpetually independent mindset by leaving the country for good in 1962. A tour of Europe in partnership with bassist Willie Dixon a couple of years earlier had so intrigued the pianist that he permanently moved to Paris, where recording and touring possibilities seemed limitless and the veteran pianist was treated with the respect too often denied even African-American blues stars at home back then. He remained there until his 1988 death, enjoying his stature as expatriate blues royalty.
https://www.allmusic.com/artist/memphis-slim-mn0000421122/biography

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Biografía de Bill Dahl
Un artista increíblemente prolífico que trajo un aire de sofisticación urbana a su presentación frecuentemente impresionante, John "Peter" Chatman -más conocido como Memphis Slim- seguramente se encuentra entre los mejores pianistas de blues de todos los tiempos. Fue lo suficientemente inteligente como para seguir los primeros consejos de Big Bill Broonzy sobre el desarrollo de un estilo para llamar a los suyos propios, en lugar de imitar al de su ídolo, Roosevelt Sykes. Muy pronto, otros de 88 libras copiaron a Slim en lugar de hacerlo al revés; su estruendoso ataque de marfiles lo separó de la mayoría de sus contemporáneos, mientras que su voz profundamente bruñida poseía una autoridad dominante.

Como corresponde a su nombre artístico, John "Peter" Chatman nació y creció en Memphis; un gran lugar para comprometerse a una carrera como bluesista. A finales de los años 30, se reubicó en Chicago y comenzó a grabar como líder en 1939 para OKeh, para luego cambiar a Bluebird al año siguiente. Más o menos al mismo tiempo, Slim unió fuerzas con Broonzy, que entonces era la fuerza dominante en la escena blues local. Después de servir como el inestimable acompañante de Broonzy durante unos años, Slim emergió como su propio hombre en 1944.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, Slim se unió a Hy-Tone Records, cortando ocho temas que luego fueron recogidos por King. El sello Milagro de Lee Egalnick se hizo con el sello del pianista en 1947; respaldado por su banda de saltos, The House Rockers (entre sus miembros se encontraban los saxos Alex Atkins y Ernest Cotton), Slim grabó sus clásicos "Lend Me Your Love" y "Rockin' the House". El año siguiente trajo el hito "Nobody Loves Me" (más conocido por las siguientes portadas de Lowell Fulson, Joe Williams y B.B. King como "Everyday I Have the Blues") y el desolado "Messin' Around (With the Blues)" (Messin' Around (With the Blues)).

El pianista se mantuvo en la etiqueta-hopping, pasando de Miracle a Peacock a Premium (donde enceró la primera versión de su inusualmente sabia blues de down-tempo "Mother Earth") a Chess to Mercury antes de quedarse en el Chicago's United Records desde 1952 hasta 1954. Este fue un período particularmente fértil para el pianista; reclutó a su primer guitarrista permanente, el estimable Matt Murphy, quien agregó un poco de grave preocupación a "The Come Back", "Sassy Mae" y "Memphis Slim U.S.A.".

Antes de que terminara la década, el pianista llegó a Vee-Jay Records, donde cortó versiones definitivas de sus canciones más conocidas con Murphy y un combo estelar con un magnífico apoyo simpático (Murphy fue nada menos que espectacular en todo momento).

Slim exhibió su mentalidad perpetuamente independiente al dejar el país para siempre en 1962. Una gira por Europa en asociación con el bajista Willie Dixon un par de años antes había intrigado tanto al pianista que se mudó permanentemente a París, donde las posibilidades de grabación y gira parecían ilimitadas y el veterano pianista fue tratado con el respeto que se le negaba con demasiada frecuencia, incluso a las estrellas del blues afroestadounidense en casa en ese entonces. Permaneció allí hasta su muerte en 1988, disfrutando de su estatura como expatriado de la realeza del blues.
https://www.allmusic.com/artist/memphis-slim-mn0000421122/biography

Jay McShann • Jumpin' The Blues

 

 Biography by Scott Yanow
The great veteran pianist Jay McShann (also known as Hootie) enjoyed a long career and it is unfair to primarily think of him as merely the leader of an orchestra that featured a young Charlie Parker. He was mostly self-taught as a pianist, worked with Don Byas as early as 1931 and played throughout the Midwest before settling in Kansas City in 1936. McShann formed his own sextet the following year and by 1939 had his own big band. In 1940 at a radio station in Wichita, KS, McShann and an octet out of his orchestra recorded eight songs that were not released commercially until the 1970s; those rank among the earliest of all Charlie Parker records (he is brilliant on "Honeysuckle Rose" and "Lady Be Good") and also feature the strong rhythm section team McShann had with bassist Gene Ramey and drummer Gus Johnson. The full orchestra recorded for Decca on two occasions during 1941-1942 but they were typecast as a blues band and did not get to record many of their more challenging charts (although very rare broadcasts have since surfaced and been released on CD by Vintage Jazz Classics). In addition to Bird (who had a few short solos), the main stars were trumpeter Bernard Anderson, the rhythm section, and singer Walter Brown. McShann and his band arrived in New York in February 1942 and made a strong impression, but World War II made it difficult for any new orchestras to catch on. There was a final session in December 1943 without Parker, but McShann was soon drafted and the band broke up. After being discharged later in 1944, McShann briefly re-formed his group but soon moved to Los Angeles, where he led combos for the next few years; his main attraction was the young singer Jimmy Witherspoon.

McShann was in obscurity for the next two decades, making few records and mostly playing in Kansas City. In 1969 he was rediscovered and McShann (who had first sung on records in 1966) was soon a popular pianist/vocalist. Sometimes featuring violinist Claude Williams, he toured constantly, recorded frequently, and appeared at many jazz festivals, being active into the mid-'90s. Jay McShann, who recorded through the years for Onyx (the 1940 radio transcriptions), Decca, Capitol, Aladdin, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime, and Music Masters among others, was a vital pianist and an effective blues vocalist who keept a classic style alive. A live album, Hootie Blues, recorded in 2001 in Toronto and released in 2006 by Stony Plain, showed that McShann could still bring it at the age of 85. He died at the age of 90 on December 7, 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

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Biografía de Scott Yanow
El gran pianista veterano Jay McShann (también conocido como Hootie) disfrutó de una larga carrera y es injusto pensar en él principalmente como un simple líder de una orquesta en la que figuraba un joven Charlie Parker. Fue en su mayoría autodidacta como pianista, trabajó con Don Byas ya en 1931 y tocó en todo el Medio Oeste antes de establecerse en Kansas City en 1936. McShann formó su propio sexteto al año siguiente y en 1939 tenía su propia big band. En 1940, en una estación de radio de Wichita, KS, McShann y un octeto de su orquesta grabaron ocho canciones que no se publicaron comercialmente hasta la década de 1970; éstas se encuentran entre los primeros discos de Charlie Parker (es brillante en "Honeysuckle Rose" y "Lady Be Good") y también cuentan con el fuerte equipo de la sección rítmica que McShann tenía con el bajista Gene Ramey y el baterista Gus Johnson. La orquesta completa grabó para Decca en dos ocasiones durante 1941-1942, pero fueron encasillados como una banda de blues y no llegaron a grabar muchas de sus listas de éxitos más desafiantes (aunque desde entonces han surgido emisiones muy raras y han sido editadas en CD por Vintage Jazz Classics). Además de Bird (que tuvo algunos solos cortos), las principales estrellas fueron el trompetista Bernard Anderson, la sección rítmica, y el cantante Walter Brown. McShann y su banda llegaron a Nueva York en febrero de 1942 y causaron una gran impresión, pero la Segunda Guerra Mundial hizo difícil que las nuevas orquestas se pusieran de moda. Hubo una sesión final en diciembre de 1943 sin Parker, pero McShann pronto fue reclutado y la banda se separó. Después de ser dado de baja a finales de 1944, McShann volvió a formar brevemente su grupo, pero pronto se trasladó a Los Ángeles, donde dirigió los combos durante los siguientes años; su principal atracción era el joven cantante Jimmy Witherspoon.

McShann estuvo en la oscuridad durante las dos décadas siguientes, haciendo pocos discos y tocando principalmente en Kansas City. En 1969 fue redescubierto y McShann (que había cantado por primera vez en discos en 1966) pronto fue un pianista/vocalista popular. A veces con el violinista Claude Williams, hacía giras constantemente, grababa con frecuencia y se presentaba en muchos festivales de jazz, estando activo hasta mediados de los 90. Jay McShann, que grabó a lo largo de los años para Onyx (las transcripciones de radio de 1940), Decca, Capitol, Aladino, Mercury, Black Lion, EmArcy, Vee Jay, Black & Blue, Master Jazz, Sackville, Sonet, Storyville, Atlantic, Swingtime y Music Masters entre otros, fue un pianista vital y un eficaz vocalista de blues que mantiene vivo un estilo clásico. Un álbum en vivo, Hootie Blues, grabado en 2001 en Toronto y publicado en 2006 por Stony Plain, demostró que McShann todavía podía llevarlo a la edad de 85 años. Murió a la edad de 90 años el 7 de diciembre de 2006.
https://www.allmusic.com/artist/jay-mcshann-mn0000225389/biography

 

Little Brother Montgomery • Tasty Blues

Review:

Here's a very attractive example of a pianist with roots dug deep in pre-war tradition updating his style just enough to sound contemporary for 1960. With a little help from bassist Julian Euell and Lafayette Thomas (better-known as Jimmy McCracklin's guitarist), Montgomery swoops through his seminal "Vicksburg Blues" and "No Special Rider" with enthusiasm and élan.

by Bill Dahl

https://www.allmusic.com/album/tasty-blues-mw0000093021

Artist Biography:

A notable influence on the likes of Sunnyland Slim and Otis Spann, pianist Little Brother Montgomery's lengthy career spanned both the earliest years of blues history and the electrified Chicago scene of the 1950s. By age 11, Montgomery had given up on attending school to instead play in Louisiana juke joints. He came to Chicago as early as 1926 and made his first 78s in 1930 for Paramount, including two enduring signature items, "Vicksburg Blues" and "No Special Rider," recorded in Grafton, WI. Bluebird recorded Montgomery more prolifically in 1935-1936 in New Orleans.

In 1942, Little Brother Montgomery settled down to a life of steady club gigs in Chicago, his repertoire alternating between blues and traditional jazz (he played Carnegie Hall with Kid Ory's Dixieland band in 1949). Otis Rush benefited from his sensitive accompaniment on several of his 1957-1958 Cobra dates, while Buddy Guy recruited him for similar duties when he nailed Montgomery's "First Time I Met the Blues" in a supercharged revival for Chess in 1960. That same year, Montgomery cut a fine album for Bluesville with guitarist Lafayette "Thing" Thomas that remains one of his most satisfying sets.

With his second wife, Janet Floberg, Montgomery formed his own little record company, FM, in 1969. The first 45 on the logo, fittingly enough, was a reprise of "Vicksburg Blues," with a vocal by Chicago chanteuse Jeanne Carroll (her daughter Karen followed in her footsteps around the Windy City).

by Bill Dahl

https://www.allmusic.com/artist/little-brother-montgomery-mn0000256709/biography

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Reseña:

Aquí hay un ejemplo muy atractivo de un pianista con raíces excavadas en la tradición de la preguerra, actualizando su estilo lo suficiente como para sonar contemporáneo para 1960. Con un poco de ayuda del bajista Julian Euell y Lafayette Thomas (más conocido como el guitarrista de Jimmy McCracklin), Montgomery se lanza a su seminal "Vicksburg Blues" y "No Special Rider" con entusiasmo y entusiasmo.

por Bill Dahl

https://www.allmusic.com/album/tasty-blues-mw0000093021

Biografía del artista:

Una notable influencia en gente como Sunnyland Slim y Otis Spann, la larga carrera del pianista Little Brother Montgomery abarcó tanto los primeros años de la historia del blues como la electrificada escena de Chicago de los años 50. A la edad de 11 años, Montgomery había dejado de asistir a la escuela para tocar en los bares de Louisiana. Llegó a Chicago ya en 1926 e hizo sus primeros 78s en 1930 para Paramount, incluyendo dos temas de firma perdurables, "Vicksburg Blues" y "No Special Rider", grabados en Grafton, WI. Bluebird grabó Montgomery más prolíficamente en 1935-1936 en Nueva Orleans.

En 1942, Little Brother Montgomery se estableció en una vida de conciertos estables en clubes de Chicago, con un repertorio que alternaba entre el blues y el jazz tradicional (tocó en el Carnegie Hall con la banda de Kid Ory en Dixieland en 1949). Otis Rush se benefició de su sensible acompañamiento en varias de sus citas con Cobra de 1957-1958, mientras que Buddy Guy lo reclutó para tareas similares cuando clavó "First Time I Met the Blues" de Montgomery en un resurgimiento sobrecargado para el ajedrez en 1960. Ese mismo año, Montgomery grabó un buen álbum para Bluesville con el guitarrista Lafayette "Thing" Thomas que sigue siendo uno de sus sets más satisfactorios.

Con su segunda esposa, Janet Floberg, Montgomery formó su propia compañía discográfica, FM, en 1969. Los primeros 45 del logo, como corresponde, eran una repetición de "Vicksburg Blues", con una voz de la cantante de Chicago Jeanne Carroll (su hija Karen siguió sus pasos por la Ciudad del Viento).

por Bill Dahl

https://www.allmusic.com/artist/little-brother-montgomery-mn0000256709/biography

Amos Milburn • Unreleased Masters

Artist Biography by Bill Dahl

Boogie piano master Amos Milburn was born in Houston, and he died there a short 52 years later. In between, he pounded out some of the most hellacious boogies of the postwar era, usually recording in Los Angeles for Aladdin Records and specializing in good-natured upbeat romps about booze and its effects (both positive and negative) that proved massive hits during the immediate pre-rock era.

The self-taught 88s ace made a name for himself as "the He-Man Martha Raye" around Houston before joining the Navy and seeing overseas battle action in World War II. When he came out of the service, Milburn played in various Lone Star niteries before meeting the woman whose efforts would catapult him to stardom.

Persistent manager Lola Anne Cullum reportedly barged into Aladdin boss Eddie Mesner's hospital room, toting a portable disc machine with Milburn's demo all cued up. The gambit worked -- Milburn signed with Aladdin in 1946. His first date included a thundering "Down the Road Apiece" that presaged the imminent rise of rock & roll. But Milburn was capable of subtler charms too, crooning mellow blues ballads in a Charles Brown-influenced style (the two would later become close friends, playing together frequently).

The first of Milburn's 19 Top Ten R&B smashes came in 1948 with his party classic "Chicken Shack Boogie," which paced the charts and anointed his band with a worthy name (the Aladdin Chickenshackers, natch). A velvet-smooth "Bewildered" displayed the cool after-hours side of Milburn's persona as it streaked up the charts later that year, but it was rollicking horn-driven material such as "Roomin' House Boogie" and "Sax Shack Boogie" that Milburn was renowned for. Milburn's rumbling 88s influenced a variety of famous artists, notably Fats Domino.

With the ascent of "Bad, Bad Whiskey" to the peak of the charts in 1950, Milburn embarked on a string of similarly boozy smashes: "Thinking and Drinking," "Let Me Go Home Whiskey," "One Scotch, One Bourbon, One Beer" (an inebriating round John Lee Hooker apparently enjoyed!), and "Good Good Whiskey" (his last hit in 1954). Alcoholism later brought the pianist down hard, giving these numbers a grimly ironic twist in retrospect. Milburn's national profile rated a series of appearances on the Willie Bryant-hosted mid-'50s TV program Showtime at the Apollo (where he gave out with a blistering "Down the Road Apiece").

Aladdin stuck with Milburn long after the hits ceased, dispatching him to New Orleans in 1956 to record with the vaunted studio crew at Cosimo's. There he recut "Chicken Shack Boogie" in a manner so torrid that it's impossible to believe it didn't hit (tenor saxist Lee Allen and drummer Charles "Hungry" Williams blast with atomic power as Milburn happily grunts along with his pounding boogie piano solo). In 1957, he left Aladdin for good.

Milburn contributed a fine offering to the R&B Yuletide canon in 1960 with his swinging "Christmas (Comes but Once a Year)" for King. Berry Gordy gave him a comeback forum in 1962, issuing an album on Motown predominated by remakes of his old hits that doesn't deserve its extreme rarity today (even Little Stevie Wonder pitched in on harp for the sessions).

Nothing could jump start the pianist's fading career by then, though. His health deteriorated to the point where a string of strokes limited his mobility and his left leg was eventually amputated. Not too long after, one of the greatest pioneers in the history of R&B was dead.

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Biografía del artista por Bill Dahl

El maestro de piano de Boogie, Amos Milburn, nació en Houston, y murió allí poco después de 52 años. En el medio, luchó contra algunos de los mocos más infelices de la era de la posguerra, generalmente grabando en Los Ángeles para Aladdin Records y especializándose en los optimistas optimistas sobre el alcohol y sus efectos (tanto positivos como negativos) que demostraron éxitos masivos durante el Época inmediata del pre-rock.

El as autodidacta de los años 88 se hizo famoso como "la Martha Raye de He-Man" en Houston antes de unirse a la Armada y ver la acción de batalla en el extranjero en la Segunda Guerra Mundial. Cuando salió del servicio, Milburn jugó en varias clases de Lone Star antes de conocer a la mujer cuyos esfuerzos lo catapultaría al estrellato.

La persistente gerente Lola Anne Cullum presuntamente irrumpió en la habitación del hospital del jefe de Aladdin, Eddie Mesner, portando una máquina de discos portátil con la demostración de Milburn. El gambito funcionó: Milburn firmó con Aladdin en 1946. Su primera cita incluyó un trueno "Down the Road Cada uno" que presagiaba el inminente aumento del rock & roll. Pero Milburn también era capaz de encantamientos más sutiles, cantando baladas de azules suaves en un estilo influenciado por Charles Brown (los dos se convertirían más tarde en amigos íntimos, tocando juntos con frecuencia).

El primero de los 19 mejores diez éxitos de R&B de Milburn se produjo en 1948 con su clásico "Chicken Shack Boogie", que marcó el ritmo de las listas y ungió a su banda con un nombre digno (los Aladdin Chickenshackers, natch). Un "Bewildered" de terciopelo liso mostró el lado fresco de la persona de Milburn después de las horas de juego, ya que se extendió en las listas de éxitos más tarde ese año, pero fue material de cuernos como "Roomin 'House Boogie" y "Sax Shack Boogie" que Milburn era famoso por. El ruido de los 88 de Milburn influyó en una variedad de artistas famosos, en particular Fats Domino.

Con el ascenso de "Bad, Bad Whiskey" a la cima de las listas en 1950, Milburn se embarcó en una serie de éxitos similares: "Pensando y bebiendo", "Let Me Go Home Whiskey", "One Scotch, One Bourbon, One Beer "(¡una borrachera que John Lee Hooker aparentemente disfrutó!), Y" Good Good Whiskey "(su último éxito en 1954). Más tarde, el alcoholismo hizo caer al pianista con fuerza, dando a estos números un retorcido giro irónico en retrospectiva. El perfil nacional de Milburn calificó una serie de apariciones en el programa de televisión Showtime at the Apollo de Willie Bryant a mediados de la década de los 50 (donde se rindió con un "Down the Road cada uno").

Aladdin se quedó con Milburn mucho después de que cesaran los éxitos, enviándolo a Nueva Orleans en 1956 para grabar con el equipo de estudio de Cosimo. Allí recortó "Chicken Shack Boogie" de una manera tan tórrida que es imposible creer que no lo hizo (el saxista tenor Lee Allen y el baterista Charles "Hungry" Williams explotan con poder atómico mientras Milburn gruñe alegremente junto con su fuerte sonido de piano ). En 1957, dejó a Aladdin para siempre.

Milburn contribuyó con una excelente oferta al canon de R&B Yuletide en 1960 con su swing "Christmas (Comes but Once a Year)" para King. Berry Gordy le dio un foro de regreso en 1962, publicando un álbum en Motown predominado por los remakes de sus viejos éxitos que no merecen su extrema rareza hoy (incluso Little Stevie Wonder se lanzó sobre el arpa para las sesiones).

Sin embargo, nada podría hacer saltar la carrera decreciente del pianista para entonces. Su salud se deterioró hasta el punto en que una serie de golpes limitó su movilidad y su pierna izquierda finalmente fue amputada. No mucho después, uno de los más grandes pioneros en la historia de R&B estaba muerto.

 

Sonny Thompson • Mellow Blues For The Late Hours

 

 

Gene Harris • Plays The Blues

 

Sunnyland Slim • She's Got A Thing Goin' On

 

Review:
by Scott Yanow
Pianist/singer Sunnyland Slim (1909-1995) was a major force in Chicago blues for over 50 years. A professional by the late '20s, he was based in Memphis for a time before moving to Chicago in 1939. A powerful pianist and an expressive singer, he recorded for many labels through the years, having his own company (Airway Records) in the 1970s. She Got a Thing Goin' On reissues the best selections from those dates. In addition to numbers that showcase Slim's vocals, he is heard backing singers Zora Young, Bonnie Lee, and Big Time Sarah, all of whom sound inspired by his presence. Teamed with top-notch musicians, the pianist plays with the energy of someone half his age. In addition, there are two selections from a 1979 date with Kansas City Red and Honeyboy Edwards that was released on this CD for the first time. Highly recommended as a fine retrospective from the later years of Sunnyland Slim.
https://www.allmusic.com/album/she-got-a-thing-goin-on-mw0000045168

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Reseña:
por Scott Yanow
El pianista y cantante Sunnyland Slim (1909-1995) fue una fuerza importante en el blues de Chicago durante más de 50 años. Profesional a finales de los años 20, se estableció en Memphis durante un tiempo antes de trasladarse a Chicago en 1939. Potente pianista y expresivo cantante, grabó para muchos sellos a lo largo de los años, teniendo su propia compañía (Airway Records) en la década de 1970. She Got a Thing Goin' On reedita las mejores selecciones de esas fechas. Además de los números que muestran la voz de Slim, se le escucha respaldando a las cantantes Zora Young, Bonnie Lee y Big Time Sarah, todas las cuales suenan inspiradas por su presencia. Junto con músicos de primera categoría, el pianista toca con la energía de alguien con la mitad de su edad. Además, hay dos selecciones de una fecha de 1979 con Kansas City Red y Honeyboy Edwards que se publicó en este CD por primera vez. Muy recomendable como una buena retrospectiva de los últimos años de Sunnyland Slim.
https://www.allmusic.com/album/she-got-a-thing-goin-on-mw0000045168

Mercy Dee Walton • Troublesome Mind

 

He is considered by many to be one of the great unsung heroes of early Texas blues. A brilliant performer in his day, he was known as a talented songsmith, and pianist, whose compositions ran the gamut from lowdown blues to jumping rhythm and blues items. Using the pseudonym of Mercy Dee his smooth vocals and style of piano playing can be heard on such numbers as, "Call The Asylum", "Pauline", "Rock & Roll Fever", "Perfect Health", and "One Room Country Shack." Walton's "One Room Country Shack" which he recorded in 1953 for the Los Angeles based Specialty Records Label became a top R&B hit. It was later covered by blues legend Mose Allison who also had success with the recording. Born in Waco, Texas, he learned to play music at a young age, and by the age of thirteen he was performing in and around his native Texas. Wanting to further his career he moved to California and played gigs and other venues around the state for sometime before he settled in Los Angeles. He officially made his recording debut on record with the release of his 1949 album, "Lonesome Cabin Blues" on the Spire Logo. Over the next few years he continued recording and released some sides on the Specialty and Imperial Labels. By 1955, he was signed by the famed Bihari Brothers and soon recorded the single, "Come Back Maybelline" (a sequel to the Chuck Berry song "Maybelline") on their Flair Label. After taking a break from music in the mid-1950s, he returned to the recording studio in 1961. He began working with record producer Chris Strachwitz on his Arhoolie Label that same year and began releasing new recordings. He also had time to work with other noted musicians such as Otis Cherry, K.C. Douglas, and Sidney Maiden, before falling ill. His last album, "Pity And A Shame" (1962), featuring the releases, "Your Friend And Woman", "The Drunkard", and "Shady Lane", among many others, was released shortly before his death. He died from a cerebral hemorrhage at the age 47.
https://es.findagrave.com/memorial/28583107/mercy-dee-walton

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Es considerado por muchos como uno de los grandes héroes no reconocidos del blues de Texas. Un brillante intérprete en su día, fue conocido como un talentoso cantautor, y pianista, cuyas composiciones abarcaban toda la gama desde el blues más bajo hasta los artículos de rhythm y jump blues. Usando el seudónimo de Mercy Dee, su suave voz y su estilo de tocar el piano se pueden escuchar en números como "Call The Asylum", "Pauline", "Rock & Roll Fever", "Perfect Health", y "One Room Country Shack". "One Room Country Shack" de Walton, que grabó en 1953 para el sello Specialty Records de Los Ángeles, se convirtió en un gran éxito del R&B. Más tarde fue cubierta por la leyenda del blues Mose Allison que también tuvo éxito con la grabación. Nacido en Waco, Texas, aprendió a tocar música a una edad temprana, y a los trece años ya actuaba en su Texas natal y sus alrededores. Con el fin de avanzar en su carrera se mudó a California y tocó en conciertos y otros lugares del estado durante algún tiempo antes de establecerse en Los Ángeles. Oficialmente hizo su debut discográfico con el lanzamiento de su álbum de 1949, "Lonesome Cabin Blues" en el Spire Logo. Durante los siguientes años continuó grabando y lanzó algunos discos en los sellos Specialty e Imperial. En 1955, fue firmado por los famosos hermanos Bihari y pronto grabó el sencillo "Come Back Maybelline" (una secuela de la canción de Chuck Berry "Maybelline") en su sello Flair. Después de tomar un descanso de la música a mediados de los 50, volvió al estudio de grabación en 1961. Comenzó a trabajar con el productor Chris Strachwitz en su sello Arhoolie ese mismo año y comenzó a publicar nuevas grabaciones. También tuvo tiempo para trabajar con otros músicos famosos como Otis Cherry, K.C. Douglas y Sidney Maiden, antes de caer enfermo. Su último álbum, "Pity And A Shame" (1962), con los lanzamientos, "Your Friend And Woman", "The Drunkard", y "Shady Lane", entre muchos otros, fue lanzado poco antes de su muerte. Murió de una hemorragia cerebral a la edad de 47 años.
https://es.findagrave.com/memorial/28583107/mercy-dee-walton

 

 

Memphis Slim • Beer Drinkin Woman

 

 

Biography by Bill Dahl
An amazingly prolific artist who brought a brisk air of urban sophistication to his frequently stunning presentation, John "Peter" Chatman -- better known as Memphis Slim -- assuredly ranks with the greatest blues pianists of all time. He was smart enough to take Big Bill Broonzy's early advice about developing a style to call his own to heart, instead of imitating that of his idol, Roosevelt Sykes. Soon enough, other 88s pounders were copying Slim rather than the other way around; his thundering ivories attack set him apart from most of his contemporaries, while his deeply burnished voice possessed a commanding authority.

As befits his stage name, John "Peter" Chatman was born and raised in Memphis; a great place to commit to a career as a bluesman. Sometime in the late '30s, he resettled in Chicago and began recording as a leader in 1939 for OKeh, then switched over to Bluebird the next year. Around the same time, Slim joined forces with Broonzy, then the dominant force on the local blues scene. After serving as Broonzy's invaluable accompanist for a few years, Slim emerged as his own man in 1944.

After the close of World War II, Slim joined Hy-Tone Records, cutting eight tracks that were later picked up by King. Lee Egalnick's Miracle label reeled in the pianist in 1947; backed by his jumping band, the House Rockers (its members usually included saxists Alex Atkins and Ernest Cotton), Slim recorded his classic "Lend Me Your Love" and "Rockin' the House." The next year brought the landmark "Nobody Loves Me" (better known via subsequent covers by Lowell Fulson, Joe Williams, and B.B. King as "Everyday I Have the Blues") and the heartbroken "Messin' Around (With the Blues)."

The pianist kept on label-hopping, moving from Miracle to Peacock to Premium (where he waxed the first version of his uncommonly wise down-tempo blues "Mother Earth") to Chess to Mercury before staying put at Chicago's United Records from 1952 to 1954. This was a particularly fertile period for the pianist; he recruited his first permanent guitarist, the estimable Matt Murphy, who added some serious fret fire to "The Come Back," "Sassy Mae," and "Memphis Slim U.S.A."

Before the decade was through, the pianist landed at Vee-Jay Records, where he cut definitive versions of his best-known songs with Murphy and a stellar combo in gorgeously sympathetic support (Murphy was nothing short of spectacular throughout).

Slim exhibited his perpetually independent mindset by leaving the country for good in 1962. A tour of Europe in partnership with bassist Willie Dixon a couple of years earlier had so intrigued the pianist that he permanently moved to Paris, where recording and touring possibilities seemed limitless and the veteran pianist was treated with the respect too often denied even African-American blues stars at home back then. He remained there until his 1988 death, enjoying his stature as expatriate blues royalty.
https://www.allmusic.com/artist/memphis-slim-mn0000421122/biography

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Biografía de Bill Dahl
Un artista increíblemente prolífico que trajo un aire de sofisticación urbana a su presentación frecuentemente impresionante, John "Peter" Chatman -más conocido como Memphis Slim- seguramente se encuentra entre los mejores pianistas de blues de todos los tiempos. Fue lo suficientemente inteligente como para seguir los primeros consejos de Big Bill Broonzy sobre el desarrollo de un estilo para llamar a los suyos propios, en lugar de imitar al de su ídolo, Roosevelt Sykes. Muy pronto, otros de 88 libras copiaron a Slim en lugar de hacerlo al revés; su estruendoso ataque de marfiles lo separó de la mayoría de sus contemporáneos, mientras que su voz profundamente bruñida poseía una autoridad dominante.

Como corresponde a su nombre artístico, John "Peter" Chatman nació y creció en Memphis; un gran lugar para comprometerse a una carrera como bluesista. A finales de los años 30, se reubicó en Chicago y comenzó a grabar como líder en 1939 para OKeh, para luego cambiar a Bluebird al año siguiente. Más o menos al mismo tiempo, Slim unió fuerzas con Broonzy, que entonces era la fuerza dominante en la escena blues local. Después de servir como el inestimable acompañante de Broonzy durante unos años, Slim emergió como su propio hombre en 1944.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, Slim se unió a Hy-Tone Records, cortando ocho temas que luego fueron recogidos por King. El sello Milagro de Lee Egalnick se hizo con el sello del pianista en 1947; respaldado por su banda de saltos, The House Rockers (entre sus miembros se encontraban los saxos Alex Atkins y Ernest Cotton), Slim grabó sus clásicos "Lend Me Your Love" y "Rockin' the House". El año siguiente trajo el hito "Nobody Loves Me" (más conocido por las siguientes portadas de Lowell Fulson, Joe Williams y B.B. King como "Everyday I Have the Blues") y el desolado "Messin' Around (With the Blues)" (Messin' Around (With the Blues)).

El pianista se mantuvo en la etiqueta-hopping, pasando de Miracle a Peacock a Premium (donde enceró la primera versión de su inusualmente sabia blues de down-tempo "Mother Earth") a Chess to Mercury antes de quedarse en el Chicago's United Records desde 1952 hasta 1954. Este fue un período particularmente fértil para el pianista; reclutó a su primer guitarrista permanente, el estimable Matt Murphy, quien agregó un poco de grave preocupación a "The Come Back", "Sassy Mae" y "Memphis Slim U.S.A.".

Antes de que terminara la década, el pianista llegó a Vee-Jay Records, donde cortó versiones definitivas de sus canciones más conocidas con Murphy y un combo estelar con un magnífico apoyo simpático (Murphy fue nada menos que espectacular en todo momento).

Slim exhibió su mentalidad perpetuamente independiente al dejar el país para siempre en 1962. Una gira por Europa en asociación con el bajista Willie Dixon un par de años antes había intrigado tanto al pianista que se mudó permanentemente a París, donde las posibilidades de grabación y gira parecían ilimitadas y el veterano pianista fue tratado con el respeto que se le negaba con demasiada frecuencia, incluso a las estrellas del blues afroestadounidense en casa en ese entonces. Permaneció allí hasta su muerte en 1988, disfrutando de su estatura como expatriado de la realeza del blues.
https://www.allmusic.com/artist/memphis-slim-mn0000421122/biography

 

 

Jean Paul Amouroux • Nothin' But Boogie Woogie

Jean-Paul Amoroux has been playing the piano professionally since 1973 after an earlier career in advertising. He possesses a sound musical background having won first prize in a major national piano competition at the age of ten. He is both an original performer of boogie woogie as well as being a serious student of its styles and history.
Composer, conductor, Jean Paul Amouroux is one of the most prominent representatives of boogie woogie in France. He is the only French pianist to have recorded with Memphis Slim, Sam Woodyard, Milt Buckner, Sammy Price and Jay McShann.
https://www.last.fm/music/Jean-Paul+Amouroux/+wiki

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Jean-Paul Amoroux toca el piano profesionalmente desde 1973, después de una carrera anterior en la publicidad. Posee una sólida formación musical, habiendo ganado el primer premio en un importante concurso nacional de piano a la edad de diez años. Es un intérprete original de boogie woogie, así como un serio estudiante de sus estilos e historia.
Compositor, director de orquesta, Jean Paul Amouroux es uno de los más destacados representantes del boogie woogie en Francia. Es el único pianista francés que ha grabado con Memphis Slim, Sam Woodyard, Milt Buckner, Sammy Price y Jay McShann.
https://www.last.fm/music/Jean-Paul+Amouroux/+wiki