Jack McDuff • The Pink Panther

 

Lee Morgan • Best of

  

Review by Richard S. Ginell
Curious listeners who encounter Lee Morgan for the first time through this single-disc anthology will come away mightily impressed, even inspired, but they will be hearing only the first part of the story. The album picks up on his teenage whiz kid days circa 1957, then jumps ahead to his renaissance in 1963-1965 as the high priest of hard bop boogaloo. Besides showcasing Morgan's brash, crackling, infinitely expressive trumpet playing, the album does a good job of emphasizing his abundant, still-underrated gifts as a composer -- with "The Sidewinder," of course, but also the strikingly lovely bossa nova "Ceora" and the near standard "Speedball." With its three bonus tracks, "I Remember Clifford," "Cornbread," and especially "Mr. Kenyatta," the CD version adds compelling corroborating evidence of Morgan's originality. The major hang-up, alas, is that the album cuts off the time line at 1965, thus leaving out Morgan's gradual move away from boilerplate hard bop toward modal, progressive explorations that reached an exciting peak on 1970's Live at the Lighthouse. The selections included here will no doubt satisfy those who would want to keep this tremendous talent locked into a single airtight box -- and frankly, it would be difficult to dispute any of the choices on their own terms. But the rest of Morgan's tragically aborted evolution deserves representation on a set like this.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

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Reseña de Richard S. Ginell
Los oyentes curiosos que se encuentren con Lee Morgan por primera vez a través de esta antología de un solo disco saldrán muy impresionados, incluso inspirados, pero sólo escucharán la primera parte de la historia. El álbum se remonta a sus días de adolescente alrededor de 1957, y luego salta a su renacimiento en 1963-1965 como sumo sacerdote del hard bop boogaloo. Además de mostrar el descarado, crepitante e infinitamente expresivo toque de trompeta de Morgan, el álbum hace un buen trabajo al enfatizar sus abundantes y aún subestimadas dotes como compositor - con "The Sidewinder", por supuesto, pero también la sorprendentemente encantadora bossa nova "Ceora" y el casi estándar "Speedball". Con sus tres temas extra, "I Remember Clifford", "Cornbread" y, sobre todo, "Mr. Kenyatta", la versión en CD añade pruebas convincentes que corroboran la originalidad de Morgan. El mayor problema, por desgracia, es que el álbum corta la línea de tiempo en 1965, dejando de lado el gradual alejamiento de Morgan del hard bop caldera hacia exploraciones modales y progresivas que alcanzaron un emocionante pico en el Live at the Lighthouse de 1970. Las selecciones incluidas aquí sin duda satisfarán a aquellos que quieran mantener este tremendo talento encerrado en una sola caja hermética - y francamente, sería difícil discutir cualquiera de las opciones en sus propios términos. Pero el resto de la evolución trágicamente abortada de Morgan merece ser representada en un conjunto como éste.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

www.bluenote.com/lee-morgan ...

Jimmy Forrest • Black Forrest

 

 

Biography by Scott Yanow
A fine all-round tenor player, Jimmy Forrest is best-known for recording "Night Train," a song that he "borrowed" from the last part of Duke Ellington's "Happy Go Lucky Local." While in high school in St. Louis, Forrest worked with pianist Eddie Johnson, the legendary Fate Marable, and the Jeter-Pillars Orchestra. In 1938, he went on the road with Don Albert and then was with Jay McShann's Orchestra (1940-1942). In New York, Forrest played with Andy Kirk (1942-1948) and Duke Ellington (1949) before returning to St. Louis. After recording "Night Train," Forrest became a popular attraction and recorded a series of jazz-oriented R&B singles. Among his most important later associations were with Harry "Sweets" Edison (1958-1963), Count Basie's Orchestra (1972-1977), and Al Grey, with whom he co-led a quintet until his death. Forrest recorded for United (reissued by Delmark), Prestige/New Jazz (1960-1962), and Palo Alto (1978).
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-forrest-mn0000354769/biography

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Biografía de Scott Yanow
Jimmy Forrest, un excelente tenor polifacético, es más conocido por haber grabado "Night Train", una canción que "tomó prestada" de la última parte de "Happy Go Lucky Local" de Duke Ellington. Mientras estudiaba en el instituto de St. Louis, Forrest trabajó con el pianista Eddie Johnson, el legendario Fate Marable y la Orquesta Jeter-Pillars. En 1938, salió de gira con Don Albert y luego estuvo con la Orquesta de Jay McShann (1940-1942). En Nueva York, Forrest tocó con Andy Kirk (1942-1948) y Duke Ellington (1949) antes de regresar a San Luis. Tras grabar "Night Train", Forrest se convirtió en una atracción popular y grabó una serie de singles de R&B orientados al jazz. Entre sus asociaciones posteriores más importantes se encuentran las de Harry "Sweets" Edison (1958-1963), la Orquesta de Count Basie (1972-1977) y Al Grey, con quien codirigió un quinteto hasta su muerte. Forrest grabó para United (reeditado por Delmark), Prestige/New Jazz (1960-1962) y Palo Alto (1978).
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-forrest-mn0000354769/biography

Rusty Bryant • Returns

Review by S

Rusty Bryant, a veteran R&B tenor player, was somewhat forgotten at the time of his debut Prestige album, but due to the commercial success of this recording, Bryant would record seven more sessions for Prestige during the next five years. Actually, this date is a bit surprising, with Bryant sticking exclusively to alto and sometimes using an electrified model similar to what Lou Donaldson was playing at the time. The music (mostly blues-oriented originals) is enjoyable, with plenty of boogaloos and soulful vamps. In addition to Bryant, the main soloists are guitarist Grant Green, in excellent form, and organist Sonny Phillips.

Artist Biography by Steve Huey

The muscular, groove-oriented tenor of Rusty Bryant was heard to best effect on his funky soul-jazz albums for Prestige in the late '60s and early '70s, though he'd actually been leading bands since the '50s. Born Royal G. Bryant in Huntington, WV, on November 25, 1929, he grew up in Columbus, OH, where he became an important part of the local jazz scene, playing a robust, wailing tenor sax inspired by the likes of Gene Ammons and Sonny Stitt. He first worked as a sideman with Tiny Grimes and Stomp Gordon, and began leading his own bands in 1951. In the mid-'50s, Bryant signed with the Dot label and landed a major R&B hit with "All Night Long," a double-time cover of "Night Train." Bryant toured the country, but his association with Dot only lasted for a few sessions (including some where he attempted to introduce vocalist Nancy Wilson), and he soon returned to Columbus, where he was content to play on a strictly local basis. After around a decade, he returned to recording in 1968 on Groove Holmes' classic That Healin' Feelin', and began leading his own sessions again for Prestige, beginning with 1969's Rusty Bryant Returns, an anomaly where he played a Lou Donaldson-inspired, sometimes-electrified alto. His next few albums -- including Night Train Now!, Soul Liberation, Fire Eater, and Wildfire -- successfully updated his sound for the times, and became cult classics among acid jazz aficionados for their strong, funky grooves. Bryant returned for a couple of albums in the early '80s before settling back into his hometown once again. He passed away on March 25, 1991.

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Revisado por S

Rusty Bryant, un veterano tenor de R&B, fue olvidado en el momento de su álbum debut Prestige, pero debido al éxito comercial de esta grabación, Bryant grabaría siete sesiones más para Prestige durante los próximos cinco años. En realidad, esta fecha es un poco sorprendente, con Bryant pegándose exclusivamente a la contralto y a veces usando un modelo electrificado similar al que Lou Donaldson estaba tocando en ese momento. La música (en su mayoría originales orientados al blues) es agradable, con un montón de boogaloos y vampiros llenos de alma. Además de Bryant, los principales solistas son el guitarrista Grant Green, en excelente forma, y el organista Sonny Phillips.

Biografía del artista por Steve Huey

El tenor musculoso y orientado al groove de Rusty Bryant fue escuchado con el mejor efecto en sus álbumes de soul-jazz funky para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70, aunque en realidad había estado dirigiendo bandas desde los'50. Nacido como Royal G. Bryant en Huntington, WV, el 25 de noviembre de 1929, creció en Columbus, OH, donde se convirtió en una parte importante de la escena del jazz local, tocando un saxo tenor robusto y llorón inspirado por gente como Gene Ammons y Sonny Stitt. Primero trabajó como sideman con Tiny Grimes y Stomp Gordon, y comenzó a dirigir sus propias bandas en 1951. A mediados de los 50, Bryant firmó con el sello Dot y consiguió un gran éxito de R&B con "All Night Long", una versión doble de "Night Train". Bryant recorrió el país, pero su relación con Dot sólo duró unas pocas sesiones (incluyendo algunas en las que intentó presentar a la vocalista Nancy Wilson), y pronto regresó a Columbus, donde se conformó con tocar a nivel estrictamente local. Después de alrededor de una década, volvió a grabar en 1968 en el clásico de Groove Holmes That Healin' Feelin', y comenzó a dirigir sus propias sesiones de nuevo para Prestige, comenzando con Rusty Bryant Returns de 1969, una anomalía en la que tocó una contralto inspirada en Lou Donaldson, a veces electrificada. Sus próximos álbumes - incluyendo Night Train Now, Soul Liberation, Fire Eater y Wildfire - actualizaron con éxito su sonido para la época, y se convirtieron en clásicos de culto entre los aficionados al acid jazz por sus ritmos fuertes y funky. Bryant regresó por un par de álbumes a principios de los'80 antes de volver a su ciudad natal una vez más. Falleció el 25 de marzo de 1991.

VA • 100 Hard Bop Classics

Art Blakey, Stan Getz, Clifford Brown, Tina Brooks, Joe Henderson, Donald Byrd, Grant Green, J.J. Johnson, Horace Silver, Thelonious Monk, Dr. Lonnie Smith, Freddie Hubbard, Sarah Vaughan, Dexter Gordon, Lee Morgan, Clifford Brown, Jackie McLean, Sonny Clark, Cannonball Adderley, Stanley Turrentine, Kenny Dorham, Sonny Rollins, Hank Mobley, Paul Chambers, Dizzy Reece ...

 

 

Donald Byrd • I'm Tryin' to Get Home

 

 

Review
by Scott Yanow
A follow-up to trumpeter Donald Byrd's hit A New Perspective, this LP also features an eight-voice choir conducted by Coleridge Perkinson and arrangements by Duke Pearson and the leader. The vocalists have a larger role than in the earlier date and Byrd's quintet (with tenor saxophonist Stanley Turrentine and pianist Herbie Hancock) is augmented by organist Freddie Roach, guitarist Grant Green and a dozen brass players. But despite some strong moments, the date (which resulted in no real hits) does not quite reach the heights of A New Perspective although it has plenty of interesting moments.
https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876

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Reseña
por Scott Yanow
Continuación del exitoso A New Perspective del trompetista Donald Byrd, este LP cuenta también con un coro a ocho voces dirigido por Coleridge Perkinson y arreglos de Duke Pearson y el líder. Los vocalistas tienen un papel más importante que en la primera fecha y el quinteto de Byrd (con el saxofonista tenor Stanley Turrentine y el pianista Herbie Hancock) se ve aumentado por el organista Freddie Roach, el guitarrista Grant Green y una docena de músicos de metal. Pero a pesar de algunos momentos fuertes, la fecha (que no dio lugar a ningún éxito real) no alcanza las alturas de A New Perspective, aunque tiene muchos momentos interesantes.
https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876

VA • Jazz Carnival [Blue Note Latin Jazz Grooves]

  

 

Art Pepper,Don Wilkerson,Grant Green,Hank Mobley,Freddie Roach,John Patton,Donald Byrd,Stanley Turrentine,Freddie Hubbard, Andrew Hill 

 

 

VA • 30 Soulful Moments in Jazz

  

Grant Green • Iron City

By DOUGLAS PAYNE

Published: April 1, 1998

For guitarist Grant Green (1931-79), the years between 1965 and 1969 were lost in a battle with drugs. His graceful, easily identifiable single note phrases had caught many listeners' attention with a wide variety of excellent Blue Note dates between 1960 and 1965. Seemingly able to master any style, he never once diminished the force or appeal of his own personality. Leaving Blue Note, he recorded two albums for Verve in 1965 (one remains unreleased), then wasn't heard from again until 1969. But somewhere in 1967, he teamed with former Lou Donaldson rhythm-mates John Patton (organ) and Ben Dixon (drums) and recorded, Iron City, his best ever organ-trio record.

Presumably recorded for then-thriving Prestige Records, Iron City was first issued in 1972 on Cobblestone Records and again in 1978 on Muse. Now that 32Jazz has introduced it on CD, a new generation of jazz listeners can hear how forceful the guitarist could be in the right funk. Freed from the constraints of well-rehearsed Blue Note staidness, Green and company let loose here in a rip-roaring, mostly up-tempo program of solid winners.

Green's own "Iron City" is one of his catchiest funk pieces and Patton and Dixon are down, deep in the groove. This trio even swings Luis Bonfa's sticky-sweet, overplayed "Samba de Orfeu" so hard its titled "Samba de Orpheus." "Old Man Moses," (which Green first covered in 1962 on the excellent Feelin' the Spirit ), is the disc's centerpiece. Stating the theme, the trio works itself into "A Love Supreme" groove and responds with praiseworthy playing that shows how well good heads can work the feet.

Patton is especially muscular and memorable here and, overall, pulls off one the best performances of his career (acid-jazzers could find plenty of meaty samples here too). "High Heeled Sneakers" and "Work Song" are the standard soul-jazz warhorses - but each gets thorough, no-holds-barred workouts from Green and crew. The moody blue of "Motherless Child" (another return to Feelin' the Spirit ) is also sensitively - and intuitively - handled by the trio, but in a way that does not compromise toward sentimentality.

The disc's sound is pristine and really brings out Patton's pedalwork and Dixon's subtle technique more than the old records did. Iron City is, if not Green's best organ-trio record, surely his last "great" recorded performance. After returning to active recording in 1969, he resorted to mostly mindless vamps, rehashed pet licks and, too often, the company of associates and material well beneath his talent. Iron City suggests that only the best was to still to come.

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Por DOUGLAS PAYNE

Publicado: 1 de abril de 1998

Para el guitarrista Grant Green (1931-79), los años entre 1965 y 1969 se perdieron en una batalla contra las drogas. Sus elegantes y fácilmente identificables frases de una sola nota habían llamado la atención de muchos oyentes con una amplia variedad de excelentes fechas de Blue Note entre 1960 y 1965. Aparentemente capaz de dominar cualquier estilo, nunca disminuyó la fuerza o el atractivo de su propia personalidad. Dejando Blue Note, grabó dos álbumes para Verve en 1965 (uno permanece inédito), y luego no se supo de él hasta 1969. Pero en algún momento de 1967, se unió a sus antiguos compañeros de ritmo de Lou Donaldson John Patton (órgano) y Ben Dixon (batería) y grabó Iron City, su mejor disco de órgano y trío.

Presumiblemente grabada para los entonces prósperos Prestige Records, Iron City se publicó por primera vez en 1972 en Cobblestone Records y de nuevo en 1978 en Muse. Ahora que 32Jazz lo ha presentado en CD, una nueva generación de oyentes de jazz puede escuchar lo enérgico que puede ser el guitarrista en el funk adecuado. Liberados de las limitaciones de la bien ensayada seriedad de Blue Note, Green y compañía se dejaron llevar por un programa de ganadores sólidos, en su mayoría a ritmo acelerado.

La propia "Ciudad de Hierro" de Green es una de sus piezas de funk más pegadizas y Patton y Dixon están en el fondo de la onda. Este trío incluso sacude el pegajoso y dulce "Samba de Orfeu" de Luis Bonfa con tanta fuerza que se titula "Samba de Orpheus". "Old Man Moses," (que Green cubrió por primera vez en 1962 en el excelente Feelin' the Spirit), es la pieza central del disco. En cuanto al tema, el trío se trabaja a sí mismo en el ritmo de "A Love Supreme" y responde con una interpretación loable que demuestra lo bien que las buenas cabezas pueden hacer funcionar los pies.

Patton es especialmente musculoso y memorable aquí y, en general, consigue una de las mejores actuaciones de su carrera (los acid jazzers también pueden encontrar muchas muestras de carne aquí). Las "Zapatillas de tacón alto" y la "Canción de trabajo" son los caballos de guerra estándar de soul-jazz - pero cada uno recibe entrenamiento completo y sin restricciones de Green y la tripulación. El azul malhumorado de "Motherless Child" (otro regreso a Feelin' the Spirit) también es manejado sensible e intuitivamente por el trío, pero de una manera que no compromete el sentimentalismo.

El sonido del disco es prístino y realmente resalta el pedaleo de Patton y la técnica sutil de Dixon más de lo que lo hacían los viejos discos. Iron City es, si no el mejor disco de órgano y trío de Green, seguramente su última "gran" actuación registrada. Después de regresar a la grabación activa en 1969, recurrió en su mayoría a vampiros descerebrados, volvió a lamer mascotas y, con demasiada frecuencia, a la compañía de asociados y material muy por debajo de su talento. Iron City sugiere que sólo lo mejor estaba por venir.

Big John Patton • Oh Baby

Review:

Patton's fourth album for Blue Note. Big John Patton with Grant Green on guitar and Harold Vick on tenor sax. With tunes like "Fat Judy" and "Good Juice," there is no worry about there being a groove. The addition of a trumpet (Blue Mitchell) means you have a horn section, and this tends to be a little much now and again. Although a little on the light side, thanks to Patton and Green, the groove does go down.

by Michael Erlewine

https://www.allmusic.com/album/oh-baby%21-mw0000766666

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Reseña:

El cuarto álbum de Patton para Blue Note. Big John Patton con Grant Green en la guitarra y Harold Vick en el saxo tenor. Con temas como "Fat Judy" y "Good Juice", no hay que preocuparse de que haya un ritmo. La adición de una trompeta (Blue Mitchell) significa que tienes una sección de trompetas, y esto tiende a ser un poco demasiado de vez en cuando. Aunque un poco en el lado de la luz, gracias a Patton y Green, el surco se reduce.

por Michael Erlewine

https://www.allmusic.com/album/oh-baby%21-mw0000766666

Don Wilkerson • Shoutin'

 Artist Biography

The archetypal big-toned Texas tenor of Don Wilkerson was unfortunately not documented on record as much as the quality of his music deserved; he was an excellent, earthy soul-jazz saxophonist capable of playing blues, ballads, bop, swing, and gospel-tinged R&B. Wilkerson was born in Moreauville, LA, in 1932, and first learned the alto sax; by his teens, he had moved to Houston and was accomplished enough on tenor to play with R&B outfits headed by Amos Milburn and Charles Brown. Wilkerson played on some of Ray Charles' earliest recording sessions in the mid-'50s, taking memorable solos on classics like "I Got a Woman," "This Little Girl of Mine," and "Hallelujah I Love Her So." He also led a band in Miami for a short time, and participated in numerous jam sessions with Cannonball Adderley. Adderley produced Wilkerson's first recording session, a 1960 date for Riverside titled The Texas Twister. After another short stint with Charles, he signed with Blue Note and recorded three stellar, soulful albums over 1962-1963: Elder Don, Preach, Brother!, and Shoutin', all of which featured Grant Green on guitar. Unfortunately, none was very successful, and Wilkerson didn't record any further as a leader. He remained in Houston for most of his life and passed away on July 18, 1986.

Steve Huey

https://www.allmusic.com/artist/don-wilkerson-mn0000161996/biography

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 Biografía del artista

El arquetípico tenor tejano de Don Wilkerson no estaba, por desgracia, tan documentado en los archivos como merecía la calidad de su música; era un excelente saxofonista de soul-jazz terrenal capaz de tocar blues, baladas, bop, swing y R&B con matices de gospel. Wilkerson nació en Moreauville, Los Ángeles, en 1932, y aprendió primero el saxo alto; en su adolescencia, se había mudado a Houston y tenía suficiente experiencia en el tenor como para tocar con equipos de R&B dirigidos por Amos Milburn y Charles Brown. Wilkerson tocó en algunas de las primeras sesiones de grabación de Ray Charles a mediados de los 50, haciendo memorables solos en clásicos como "I Got a Woman", "This Little Girl of Mine" y "Hallelujah I Love Her So". También dirigió una banda en Miami por un corto tiempo, y participó en numerosas jam sessions con Cannonball Adderley. Adderley produjo la primera sesión de grabación de Wilkerson, una fecha de 1960 para Riverside titulada "The Texas Twister". Después de otra corta temporada con Charles, firmó con Blue Note y grabó tres álbumes estelares y conmovedores durante 1962-1963: Elder Don, Preach, Brother!, y Shoutin', todos ellos con Grant Green a la guitarra. Por desgracia, ninguno tuvo mucho éxito, y Wilkerson no grabó más como líder. Permaneció en Houston la mayor parte de su vida y falleció el 18 de julio de 1986.

Steve Huey

https://www.allmusic.com/artist/don-wilkerson-mn0000161996/biography

VA • Back Down To The Tropics

Hank Mobley, Duke Pearson, Horace Silver, Grant Green, Donald Byrd, Lou Donaldson, John Patton, Stanley Turrentine, Art Blakey, Kenny Burrell, Dexter Gordon, Ike Quebec, Don Wilkerson,

http://www.bluenote.com/

 

VA • Jazz Groove

 

Dr. Lonnie Smith, Bobbi Humphrey, Donald Byrd, Jimmy McGriff, Grant Green, Brother Jack McDuff, Jimmy Smith, Return To Forever, Gary Bartz, Pat Martino, Kenny Burrell, Roy Ayers, Lou Donaldson, Don Byron …

 

Houston Person • Legends of Acid Jazz

 

Review by Chris Slawecki  
Houston Person was among the guttiest of the gutbucket saxophonists of the soul-jazz golden age -- for proof, look no further than Legends of Acid Jazz: Houston Person, which compiles two of the saxman's most popular releases, Person to Person! and Houston Express (both originally released in 1970). Express featured the "funkmaster general" of the tenor saxophone with a tight, pocket-sized ensemble (including guitarist Grant Green and drummer Idris Muhammad), while, on Person!, his supporting ensemble expanded to include trumpet players Cecil Bridgewater and Thad Jones, guitarist Billy Butler and another kindred spirit and prince of funk on his instrument, Motown bassist Gerry Jemmott.

Legends of Acid Jazz: Houston Person provides a high-voltage cover version extravaganza, including "(For God's Sake) Give More Power to the People" (the Chi-Lites), "Close to You" (the Carpenters), "Yester-Me, Yester-You, Yester-Day" (Stevie Wonder), "Young, Gifted and Black" (Aretha Franklin), "Just My Imagination" (the Temptations), and "Lift Every Voice and Sing," which Person describes in his liner notes as the "black national anthem." Person and friends turn every one of these, and others such as his own "Up at Joe's, Down at Jim's" and his trademark "The Houston Express" into stinging, swinging, original-sounding opuses of funk.
https://www.allmusic.com/album/legends-of-acid-jazz-mw0000615833

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Reseña de Chris Slawecki  
Houston Person fue uno de los saxofonistas más agresivos de la época dorada del soul-jazz. Para comprobarlo, no hay más que ver Legends of Acid Jazz: Houston Person, que recopila dos de los lanzamientos más populares del saxofonista, Person to Person! y Houston Express (ambos publicados originalmente en 1970). Express presentaba al "funkmaster general" del saxofón tenor con un conjunto ajustado y de bolsillo (que incluía al guitarrista Grant Green y al batería Idris Muhammad), mientras que, en Person!, su conjunto de apoyo se ampliaba para incluir a los trompetistas Cecil Bridgewater y Thad Jones, al guitarrista Billy Butler y a otro espíritu afín y príncipe del funk en su instrumento, el bajista de la Motown Gerry Jemmott.

Leyendas del Acid Jazz: Houston Person ofrece una extravagancia de versiones de alto voltaje, incluyendo "(For God's Sake) Give More Power to the People" (los Chi-Lites), "Close to You" (los Carpenters), "Yester-Me, Yester-You, Yester-Day" (Stevie Wonder), "Young, Gifted and Black" (Aretha Franklin), "Just My Imagination" (los Temptations), y "Lift Every Voice and Sing", que Person describe en sus notas como el "himno nacional negro". "Person y sus amigos convierten cada una de estas canciones, y otras como la suya propia "Up at Joe's, Down at Jim's" y su característica "The Houston Express", en punzantes y originales opus de funk.
https://www.allmusic.com/album/legends-of-acid-jazz-mw0000615833

 

VA • The Hard Bop Years - Rudy Van Gelder Masters

 

Compilation of RVG's masters, 99 tracks.

Art Blakey, Grant Green, Wayne Shorter, Bobby Hutcherson, Kenny Burrell, Cannonball Adderley, Ike Quebec, Jimmy Smith, Joe Henderson, Horace Silver, Sonny Rollins, Clifford Jordan, Blue Mitchell, Thelonious Monk, J.J. Johnson, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Jackie McLean, Lou Donaldson, Dexter Gordon, Stanley Turrentine ...

VA ‎• Blue Funk

Brother Jack McDuff, Blue Mitchell, Lou Donaldson, John Patton, Grant Green, Candido, Richard ''Groove'' Holmes, Ronnie Foster, Reuben Wilson, Bobby Hutcherson.

 

 

Johnny Hodges & Wild Bill Davis • Joe's Blues

 

Editorial Reviews

Second installment in this four volume series from the celebrated jazzmen with deep Blues roots, a prolific musical team with exquisite chemistry. Volume Two includes the two complete albums Joe's Blues and Wings & Things, in which guitarist Grant Green plays with the two masters. Lonehill.

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Reseñas editoriales

Segunda entrega de esta serie de cuatro volúmenes de los célebres jazzmen con profundas raíces Blues, un prolífico equipo musical con exquisita química. El volumen dos incluye los dos álbumes completos Joe's Blues y Wings & Things, en los que el guitarrista Grant Green toca con los dos maestros. Lonehill

 

Larry Young • Into Somethin'

While most practitioners of the instrument have followed closely on the heels of Jimmy Smith, on Into Somethin', Larry Young demonstrates his unique horn-like approach to melody. With the help of Sam Rivers (saxophone), Grant Green (guitar), and Elvin Jones (drums), Young puts forth a swinging collection of tunes that isn't particularly drenched in the traditional gospel/soul sound usually produced by an organ ensemble. Instead, this is a crisp, exciting session that, along with Unity, would eventually help make Young one of the legends of the B-3. The effortless waltzing bounce of "Tyrone" opens the set as Rivers and Young glide through the melody while Jones swings intensely in the background. The heavy Latin groove of "Plaza de Toros" sets up some stunning rhythmic interactions between Grant, Young, and Jones. The intricate "Paris Eyes" and the bluesy "Backup" are both excellent swinging numbers that further display Young's non-traditional approach to the instrument and his masterful soloing prowess. Finally, the classic "Ritha" is an exhilarating composition that displays the full wealth of Young's legendary abilities.

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Mientras que la mayoría de los practicantes del instrumento han seguido de cerca los pasos de Jimmy Smith, en Into Somethin', Larry Young demuestra su enfoque único de la melodía, similar al de las trompetas. Con la ayuda de Sam Rivers (saxofón), Grant Green (guitarra), y Elvin Jones (batería), Young presenta una colección de melodías que no está particularmente empapada en el tradicional sonido de gospel/soul que normalmente produce un conjunto de órgano. En su lugar, esta es una sesión nítida y emocionante que, junto con Unity, ayudaría eventualmente a convertir a Young en una de las leyendas del B-3. El rebote de vals sin esfuerzo de "Tyrone" abre el set mientras Rivers y Young se deslizan por la melodía mientras Jones se balancea intensamente en el fondo. El pesado ritmo latino de "Plaza de Toros" establece algunas sorprendentes interacciones rítmicas entre Grant, Young y Jones. Los intrincados "Paris Eyes" y el bluesero "Backup" son ambos excelentes números de swing que muestran aún más el enfoque no tradicional de Young hacia el instrumento y su magistral destreza como solista. Por último, el clásico "Ritha" es una estimulante composición que muestra toda la riqueza de las legendarias habilidades de Young.

 

VA • The Greatest Soul Jazz

 

Ray Charles, Cannonball Adderley, Sonny Stitt, Gene Ammons, Roy Ayers, Donald Byrd, Stanley Turrentine, Horace Silver, Grant Green, Hank Mobley, George Benson, Jimmy Smith, Kenny Burrell, Jimmy McGriff, Ray Bryant, Lee Morgan.

VA • Blue Note Plays Bossa Nova