Herbie Harper • Herbie Harper Sextet!

 

Review by Scott Yanow
Trombonist Herbie Harper's fifth and final session as a leader in the 1950s is an excellent outing that also features the little-known tenorman Jay Core, guitarist Howard Roberts, pianist Marty Paich, bassist Red Mitchell and either Frank Capp or Mel Lewis on drums. Core and Capp contributed an original apiece and the sextet also plays five superior standards along with a surprising rendition of "Little Orphan Annie." This set for the defunct Mode label (reissued by V.S.O.P.) has plenty of high-quality West Coast jazz. 
https://www.allmusic.com/album/herbie-harper-sextet-mw0000073222

///////

Reseña de Scott Yanow
La quinta y última sesión del trombonista Herbie Harper como líder en la década de 1950 es una excelente grabación que también cuenta con la participación del poco conocido saxofonista tenor Jay Core, el guitarrista Howard Roberts, el pianista Marty Paich, el bajista Red Mitchell y Frank Capp o Mel Lewis en la batería. Core y Capp aportaron una composición original cada uno, y el sexteto interpreta además cinco estándares de gran calidad, junto con una sorprendente versión de "Little Orphan Annie". Este álbum, publicado por el desaparecido sello Mode (y reeditado por V.S.O.P.), ofrece una gran cantidad de jazz de alta calidad de la Costa Oeste.
https://www.allmusic.com/album/herbie-harper-sextet-mw0000073222

Ahmad Jamal • Digital Works

 

Hal McKusick • East Coast Jazz, Vol. 8

 

 

Biography
by Scott Yanow
A fine cool-toned altoist and an occasional clarinetist, Hal McKusick worked with the big bands of Les Brown, Woody Herman (1943), Boyd Raeburn (1944-1945), Alvino Rey (1946), Buddy Rich, and Claude Thornhill (1948-1949). In the 1950s, in addition to his work with Terry Gibbs and Elliot Lawrence, he was a busy and versatile studio musician. During 1955-1958, McKusick recorded nine albums of material as a leader for Jubilee, Bethlehem, Victor, Coral, New Jazz, Prestige, and Decca. Those small-group recordings, although basically cool bop, sometimes used very advanced arrangements, including charts by George Handy, Manny Albam, Gil Evans, Al Cohn, Jimmy Giuffre, and particularly George Russell. Hal McKusick died in April 2012 at the age of 87.
https://www.allmusic.com/artist/hal-mckusick-mn0000660389/biography

///////

Biografía
por Scott Yanow
Hal McKusick, un fino contralto de tono frío y clarinetista ocasional, trabajó con las big bands de Les Brown, Woody Herman (1943), Boyd Raeburn (1944-1945), Alvino Rey (1946), Buddy Rich y Claude Thornhill (1948-1949). En la década de 1950, además de trabajar con Terry Gibbs y Elliot Lawrence, fue un músico de estudio muy ocupado y versátil. Entre 1955 y 1958, McKusick grabó nueve álbumes como líder para Jubilee, Bethlehem, Victor, Coral, New Jazz, Prestige y Decca. Esas grabaciones de grupos pequeños, aunque básicamente cool bop, a veces utilizaban arreglos muy avanzados, incluyendo charts de George Handy, Manny Albam, Gil Evans, Al Cohn, Jimmy Giuffre, y particularmente George Russell. Hal McKusick falleció en abril de 2012 a la edad de 87 años.
https://www.allmusic.com/artist/hal-mckusick-mn0000660389/biography

Jan Johansson • Jazz På Svenska

 

Jan Johansson (Söderhamn; 16 de septiembre de 1931 - Estocolmo; 9 de noviembre de 1968) fue un pianista sueco de jazz. Fue poco conocido fuera de Escandinavia y sus registros no están ampliamente disponibles, aunque Jazz på svenska (Jazz en sueco) ha vendido más de un cuarto de millón de copias, y es el Lanzamiento de jazz más vendido jamás en Suecia.

Johansson era natural de Söderhamn, en el Hälsingland provincia de Suecia. Estudió piano clásico cuando era niño y también llegaría a dominar la guitarra, el órgano y el acordeón, antes de comenzar su cambio hacia el bebop cuando era un adolescente. Se encontró con el saxofonista Stan Getz, mientras estaba en la universidad. Abandonó sus estudios para tocar jazz a tiempo completo, y trabajó con muchos músicos de jazz estadounidenses, convirtiéndose en el primer europeo en ser invitado a unirse a la banda Jazz at the Philharmonic.

Entre 1961 y 1968, produjeron una serie de álbumes clásicos, lo que ayudaría a definir su estilo de re-imaginando melodías populares tradicionales de Europa a través del jazz y la vanguardia . Estos Jazz incluido på svenska y Jazz på Ryska (Jazz en ruso) que se encuentran disponibles en una forma ampliada en CD. Jazz på ungerska (Jazz en húngaro), junto con el violinista danés Svend Asmussen es el tercer álbum de la serie. Jazz en sueco comprende variaciones de dieciséis canciones populares suecas con el contrabajista Georg Riedel. Durante este período, Johansson también hizo varias grabaciones con Radiojazzgruppen.

El álbum Musik genom fyra Sekler (La música de los últimos cuatro siglos) se basa en melodías tradicionales suecas , pero esta vez utiliza grandes grupos de músicos. También hubo 300.000 y dos conjuntos trío, 8 y Bitar Innertrio, que han sido reeditada como un solo CD .

Con su carrera, incluyendo cine y música TV, Johansson es también conocido por ser el autor de "Here Comes Pippi Calzaslargas " (" Har kommer Pippi Långstrump ") , el tema de la serie de televisión sueca, Pippi Calzaslargas . Con letra de la creadora de la serie Astrid Lindgren y cantada por la joven protagonista de la serie Inger Nilsson, sería una de las últimas obras de Johansson .

En noviembre de 1968 Jan Johansson murió en un accidente de coche de camino a un concierto en una iglesia de Jönköping, Suecia. Sus hijos, Anders Johansson y Jens Johansson heptágono Registros guardan las grabaciones de su padre disponibles.

https://es.wikipedia.org/wiki/Jan_Johansson

 ///////

 Jan Johansson (16 September 1931 – 9 November 1968) was a Swedish jazz pianist. His album Jazz på svenska (Jazz in Swedish) is the best selling jazz release ever in Sweden; it has sold over a quarter of a million copies and has been streamed more than 50 million times on Spotify. He was the father of former HammerFall drummer Anders Johansson and Stratovarius keyboardist Jens Johansson, who run Heptagon Records which keeps their father's recordings available.

Johansson was a native of Söderhamn, in the Hälsingland province of Sweden. Studying classical piano as a child, he would also go on to master the guitar, organ and accordion, before turning on to swing and bebop as a teenager. He met saxophonist Stan Getz while at university. He abandoned his studies to play jazz full-time, and worked with many American jazz musicians, becoming the first European to be invited to join the Jazz at the Philharmonic package.

The years 1961 to 1968, produced a string of classic albums, which would help define his style of re-imagining traditional European folk tunes via jazz and the avant garde. These included Jazz på svenska (Jazz in Swedish) and Jazz på ryska (Jazz in Russian) which are both available in an expanded form on CD. Jazz på ungerska (Jazz in Hungarian) together with Danish Jazz violinist Svend Asmussen is the third album in that series. Jazz på svenska comprises variations on sixteen Swedish folk songs with Georg Riedel playing double bass. During this period, Johansson also made several recordings with Radiojazzgruppen.

The Grammy award winning albums Musik genom fyra sekler (Music from the past four centuries) builds on traditional Swedish melodies, but this time uses larger groups of musicians. There were also 300.000 and two trio sets, 8 Bitar and Innertrio, which have been reissued as a single CD.

With his career including film & TV music, Johansson is also best known as the composer of "Here Comes Pippi Longstocking" ("Här kommer Pippi Långstrump"), the theme song of the famous Swedish TV series, Pippi Longstocking. With lyrics by character/series creator Astrid Lindgren and sung by the series' young star Inger Nilsson, it would also be one of Johansson's last works.

In November 1968, Johansson died in a car crash on his way to a concert in a church in Jönköping, Sweden.

https://en.wikipedia.org/wiki/Jan_Johansson_(jazz_musician)

www.janjohansson.org ...

Dorothy Donegan • It Happened One Night

 

 

Biography:

More than fifteen years have passed since the flamboyant jazz pianist Dorothy Donegan died. Sadly, few jazz fans, either then or now, are aware of what enormous orchestral capacity she had at the keyboard .

Dorothy was born in Chicago in 1924. Heeding her mother’s encouragement, she studied classical music at the Chicago Conservatory and the Chicago Music College. At eighteen, she became the first African-American to be asked to perform at Orchestra Hall in Chicago. The event created enough interest to lead to some work in a film (Sensations of 1945) .

At the age of fourteen and studying classical piano she was also beginning her own jazz career, playing for a dollar a night at the city’s South Side bars  During a performance at the Hi-Jinx Club one evening, she met up with Art Tatum, who was so impressed with her abilities he became one of her champions. Despite her accomplishments in playing blues and boogie-woogie piano and making a recording for the Bluebird label, her love was for classical music and she hoped to be a classical concert pianist.

Dorothy never forgot her love of classical music so she continued her classical studies at the University of Southern California and taking Master Classes at the University of Maryland when performing in the Washington DC area. Her perseverance in both genre made her an exceptional pianist with a rich harmonic sense.

Dorothy’s career spanned over sixty years of performing throughout the U.S. and abroad. The late 1950’s was the period during which she developed her performance style (2). The end result was a flamboyant style that tended to get in the way of her extraordinary piano playing, John. S. Wilson’s coverage of one of her performances sometime later, compared her technical virtuosity to that of Art Tatum.

Finding she was more comfortable in a live setting rather than the studio her career was centered on nightclub engagements. As a result she didn’t make many recordings. Scott Albin suggests there is a compilation CD, “Dorothy Romps: A Piano Retrospective (1953-1979) that provides a sample of her many abilities (See Dorothy Donegan’s store on Amazon.com (http://www.amazon.com/Dorothy-Donegan/e/B000AQ153K/ref=ac_dtp_sa_link ) .

To quote Scott Albin: “She was best appreciated live, in lengthy well-attended engagements at night clubs like the Embers in New York and the London House in Chicago, where she offered kaleidoscopic sets that mixed her singing, dancing, and off-color jokes with piano excursions technically comparable to those of an Art Tatum or a world-class pianist.” Despite all this talent, in jazz circles she is scarcely thought of as a jazz pianist but thought of as a lounge entertainer. This is partly because much of her appeal was based on her visual antics .

In the 1990s her talents were once again recognized through her show stopping appearances on Hank O’Neal’s Floating Jazz cruises. Dorothy also lectured and received an honorary doctoral degree from Roosevelt University in 1994. She performed at the White House in 1993 and played her last concert at the Fujitsu Concord Jazz Festival in 1997 .

Many fellow musicians found her intimidating, which accounts for her solo performances with just bass and drums (3). To quote Dorothy: “I’ve snowed them (male jazz pianists) all except one (the late Art Tatum). Most of them play like women,” .

Dorothy Donegan was married three times and died on May 19, 1998.
https://musicians.allaboutjazz.com/dorothydonegan

///////

Biografía:
Han pasado más de quince años desde que murió la extravagante pianista de jazz Dorothy Donegan. Lamentablemente, pocos fanáticos del jazz, ya sea entonces o ahora, son conscientes de la enorme capacidad orquestal que tenía en el teclado .

Dorothy nació en Chicago en 1924. Alentada por su madre, estudió música clásica en el Conservatorio de Chicago y en el Chicago Music College. A los dieciocho años, se convirtió en la primera afroamericana a la que se le pidió que actuara en el Orchestra Hall de Chicago. El evento creó suficiente interés como para dar lugar a un trabajo en una película (Sensaciones de 1945) .

A la edad de catorce años y estudiando piano clásico también estaba empezando su propia carrera de jazz, tocando por un dólar la noche en los bares del South Side de la ciudad. Durante una actuación en el Hi-Jinx Club una noche, conoció a Art Tatum, que quedó tan impresionado con sus habilidades que se convirtió en uno de sus campeones. A pesar de sus logros tocando el piano de blues y boogie-woogie y haciendo una grabación para el sello Bluebird, su amor por la música clásica y esperaba ser una concertista de música clásica.

Dorothy nunca olvidó su amor por la música clásica, por lo que continuó sus estudios clásicos en la Universidad del Sur de California y tomó clases magistrales en la Universidad de Maryland cuando actuó en el área de Washington DC. Su perseverancia en ambos géneros la convirtió en una pianista excepcional con un rico sentido armónico.

La carrera de Dorothy abarcó más de sesenta años de actuación en los EE.UU. y en el extranjero. A finales de los años 50 fue el período durante el cual desarrolló su estilo de interpretación (2). El resultado final fue un estilo extravagante que tendía a interponerse en el camino de su extraordinaria interpretación en el piano, John. La cobertura de S. Wilson de una de sus actuaciones algún tiempo después, comparó su virtuosismo técnico con el de Art Tatum.

Al encontrar que se sentía más cómoda en un escenario en vivo que en el estudio, su carrera se centró en los compromisos en clubes nocturnos. Como resultado, no hizo muchas grabaciones. Scott Albin sugiere que hay un CD de compilación, "Dorothy Romps": A Piano Retrospective (1953-1979) que proporciona una muestra de sus muchas habilidades (Ver la tienda de Dorothy Donegan en Amazon.com (http://www.amazon.com/Dorothy-Donegan/e/B000AQ153K/ref=ac_dtp_sa_link ) .

Citando a Scott Albin: "Se la apreciaba más en directo, en largos y bien frecuentados compromisos en clubes nocturnos como el Embers en Nueva York y la Casa de Londres en Chicago, donde ofrecía sets caleidoscópicos que mezclaban sus cantos, bailes y bromas a todo color con excursiones de piano técnicamente comparables a las de un Art Tatum o un pianista de clase mundial". A pesar de todo este talento, en los círculos de jazz no se la considera una pianista de jazz sino una artista de salón. Esto se debe en parte a que gran parte de su atractivo se basa en sus payasadas visuales.

En la década de 1990 su talento fue reconocido una vez más a través de sus apariciones en los cruceros de Jazz Flotante de Hank O'Neal. Dorothy también dio conferencias y recibió un doctorado honorario de la Universidad de Roosevelt en 1994. Tocó en la Casa Blanca en 1993 y su último concierto en el Festival de Jazz de Fujitsu Concord en 1997.

Muchos colegas músicos la encontraban intimidante, lo que explica sus actuaciones en solitario sólo con el bajo y la batería (3). Citando a Dorothy: "Los he engañado (a los pianistas masculinos de jazz) a todos excepto a uno (el difunto Art Tatum). La mayoría de ellos tocan como mujeres".

Dorothy Donegan se casó tres veces y murió el 19 de mayo de 1998.
https://musicians.allaboutjazz.com/dorothydonegan

 

Warne Marsh Trio • The Unissued Copenhagen Studio Recordings

 

Review by Scott Yanow
A masterful improviser who stayed creative within the boundaries of advanced chordal improvisation, tenor saxophonist Warne Marsh is heard in excellent form throughout this 1997 CD. Heading a pianoless trio that also includes bassist Niels-Henning Orsted Pederson and drummer Alan Levitt, Marsh digs into a dozen of his favorite standards (which for once are not disguised with "original" new melodies) including "Confirmation," "I Can't Give You Anything but Love," "All the Things You Are," "When You're Smiling" and "Takin' a Chance on Love." This is a rather sparse setting and, despite occasional bass solos, the focus throughout is primarily on Marsh. Fortunately he was in fine form that day and the results are a fine effort. 
https://www.allmusic.com/album/unissued-copenhagen-studio-recordings-mw0000596795

///////

Reseña de Scott Yanow
Warne Marsh, un improvisador magistral que se mantuvo creativo dentro de los límites de la improvisación armónica avanzada, se muestra en excelente forma a lo largo de este CD de 1997. Al frente de un trío sin piano que también incluye al bajista Niels-Henning Orsted Pederson y al baterista Alan Levitt, Marsh se adentra en una docena de sus estándares favoritos (que por una vez no están disfrazados con nuevas melodías «originales»), entre los que se incluyen «Confirmation», «I Can't Give You Anything but Love», «All the Things You Are», «When You're Smiling» y «Takin' a Chance on Love». Se trata de una formación bastante escasa y, a pesar de los ocasionales solos de bajo, la atención se centra principalmente en Marsh. Afortunadamente, ese día estaba en plena forma y el resultado es un trabajo excelente. 
https://www.allmusic.com/album/unissued-copenhagen-studio-recordings-mw0000596795

The Origins of Cool in Postwar America

 

Cool. It was a new word and a new way to be, and in a single generation, it became the supreme compliment of American culture. The Origins of Cool in Postwar America uncovers the hidden history of this concept and its new set of codes that came to define a global attitude and style. As Joel Dinerstein reveals in this dynamic book, cool began as a stylish defiance of racism, a challenge to suppressed sexuality, a philosophy of individual rebellion, and a youthful search for social change.

Through eye-opening portraits of iconic figures, Dinerstein illuminates the cultural connections and artistic innovations among Lester Young, Humphrey Bogart, Robert Mitchum, Billie Holiday, Frank Sinatra, Jack Kerouac, Albert Camus, Marlon Brando, and James Dean, among others. We eavesdrop on conversations among Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir, and Miles Davis, and on a forgotten debate between Lorraine Hansberry and Norman Mailer over the "white Negro" and black cool. We come to understand how the cool worlds of Beat writers and Method actors emerged from the intersections of film noir, jazz, and existentialism. Out of this mix, Dinerstein sketches nuanced definitions of cool that unite concepts from African-American and Euro-American culture: the stylish stoicism of the ethical rebel loner; the relaxed intensity of the improvising jazz musician; the effortless, physical grace of the Method actor. To be cool is not to be hip and to be hot is definitely not to be cool.

This is the first work to trace the history of cool during the Cold War by exploring the intersections of film noir, jazz, existential literature, Method acting, blues, and rock and roll. Dinerstein reveals that they came together to create something completely new—and that something is cool.

 

Dorothy Donegan • Strength - Energy - Imagination

 

Biography:
More than fifteen years have passed since the flamboyant jazz pianist Dorothy Donegan died. Sadly, few jazz fans, either then or now, are aware of what enormous orchestral capacity she had at the keyboard .

Dorothy was born in Chicago in 1924. Heeding her mother’s encouragement, she studied classical music at the Chicago Conservatory and the Chicago Music College. At eighteen, she became the first African-American to be asked to perform at Orchestra Hall in Chicago. The event created enough interest to lead to some work in a film (Sensations of 1945) .

At the age of fourteen and studying classical piano she was also beginning her own jazz career, playing for a dollar a night at the city’s South Side bars  During a performance at the Hi-Jinx Club one evening, she met up with Art Tatum, who was so impressed with her abilities he became one of her champions. Despite her accomplishments in playing blues and boogie-woogie piano and making a recording for the Bluebird label, her love was for classical music and she hoped to be a classical concert pianist.

Dorothy never forgot her love of classical music so she continued her classical studies at the University of Southern California and taking Master Classes at the University of Maryland when performing in the Washington DC area. Her perseverance in both genre made her an exceptional pianist with a rich harmonic sense.

Dorothy’s career spanned over sixty years of performing throughout the U.S. and abroad. The late 1950’s was the period during which she developed her performance style (2). The end result was a flamboyant style that tended to get in the way of her extraordinary piano playing, John. S. Wilson’s coverage of one of her performances sometime later, compared her technical virtuosity to that of Art Tatum.

Finding she was more comfortable in a live setting rather than the studio her career was centered on nightclub engagements. As a result she didn’t make many recordings. Scott Albin suggests there is a compilation CD, “Dorothy Romps: A Piano Retrospective (1953-1979) that provides a sample of her many abilities (See Dorothy Donegan’s store on Amazon.com (http://www.amazon.com/Dorothy-Donegan/e/B000AQ153K/ref=ac_dtp_sa_link ) .

To quote Scott Albin: “She was best appreciated live, in lengthy well-attended engagements at night clubs like the Embers in New York and the London House in Chicago, where she offered kaleidoscopic sets that mixed her singing, dancing, and off-color jokes with piano excursions technically comparable to those of an Art Tatum or a world-class pianist.” Despite all this talent, in jazz circles she is scarcely thought of as a jazz pianist but thought of as a lounge entertainer. This is partly because much of her appeal was based on her visual antics .

In the 1990s her talents were once again recognized through her show stopping appearances on Hank O’Neal’s Floating Jazz cruises. Dorothy also lectured and received an honorary doctoral degree from Roosevelt University in 1994. She performed at the White House in 1993 and played her last concert at the Fujitsu Concord Jazz Festival in 1997 .

Many fellow musicians found her intimidating, which accounts for her solo performances with just bass and drums (3). To quote Dorothy: “I’ve snowed them (male jazz pianists) all except one (the late Art Tatum). Most of them play like women,” .

Dorothy Donegan was married three times and died on May 19, 1998.
https://musicians.allaboutjazz.com/dorothydonegan

///////

Biografía:
Han pasado más de quince años desde que murió la extravagante pianista de jazz Dorothy Donegan. Lamentablemente, pocos fanáticos del jazz, ya sea entonces o ahora, son conscientes de la enorme capacidad orquestal que tenía en el teclado .

Dorothy nació en Chicago en 1924. Alentada por su madre, estudió música clásica en el Conservatorio de Chicago y en el Chicago Music College. A los dieciocho años, se convirtió en la primera afroamericana a la que se le pidió que actuara en el Orchestra Hall de Chicago. El evento creó suficiente interés como para dar lugar a un trabajo en una película (Sensaciones de 1945) .

A la edad de catorce años y estudiando piano clásico también estaba empezando su propia carrera de jazz, tocando por un dólar la noche en los bares del South Side de la ciudad. Durante una actuación en el Hi-Jinx Club una noche, conoció a Art Tatum, que quedó tan impresionado con sus habilidades que se convirtió en uno de sus campeones. A pesar de sus logros tocando el piano de blues y boogie-woogie y haciendo una grabación para el sello Bluebird, su amor por la música clásica y esperaba ser una concertista de música clásica.

Dorothy nunca olvidó su amor por la música clásica, por lo que continuó sus estudios clásicos en la Universidad del Sur de California y tomó clases magistrales en la Universidad de Maryland cuando actuó en el área de Washington DC. Su perseverancia en ambos géneros la convirtió en una pianista excepcional con un rico sentido armónico.

La carrera de Dorothy abarcó más de sesenta años de actuación en los EE.UU. y en el extranjero. A finales de los años 50 fue el período durante el cual desarrolló su estilo de interpretación (2). El resultado final fue un estilo extravagante que tendía a interponerse en el camino de su extraordinaria interpretación en el piano, John. La cobertura de S. Wilson de una de sus actuaciones algún tiempo después, comparó su virtuosismo técnico con el de Art Tatum.

Al encontrar que se sentía más cómoda en un escenario en vivo que en el estudio, su carrera se centró en los compromisos en clubes nocturnos. Como resultado, no hizo muchas grabaciones. Scott Albin sugiere que hay un CD de compilación, "Dorothy Romps": A Piano Retrospective (1953-1979) que proporciona una muestra de sus muchas habilidades (Ver la tienda de Dorothy Donegan en Amazon.com (http://www.amazon.com/Dorothy-Donegan/e/B000AQ153K/ref=ac_dtp_sa_link ) .

Citando a Scott Albin: "Se la apreciaba más en directo, en largos y bien frecuentados compromisos en clubes nocturnos como el Embers en Nueva York y la Casa de Londres en Chicago, donde ofrecía sets caleidoscópicos que mezclaban sus cantos, bailes y bromas a todo color con excursiones de piano técnicamente comparables a las de un Art Tatum o un pianista de clase mundial". A pesar de todo este talento, en los círculos de jazz no se la considera una pianista de jazz sino una artista de salón. Esto se debe en parte a que gran parte de su atractivo se basa en sus payasadas visuales.

En la década de 1990 su talento fue reconocido una vez más a través de sus apariciones en los cruceros de Jazz Flotante de Hank O'Neal. Dorothy también dio conferencias y recibió un doctorado honorario de la Universidad de Roosevelt en 1994. Tocó en la Casa Blanca en 1993 y su último concierto en el Festival de Jazz de Fujitsu Concord en 1997.

Muchos colegas músicos la encontraban intimidante, lo que explica sus actuaciones en solitario sólo con el bajo y la batería (3). Citando a Dorothy: "Los he engañado (a los pianistas masculinos de jazz) a todos excepto a uno (el difunto Art Tatum). La mayoría de ellos tocan como mujeres".

Dorothy Donegan se casó tres veces y murió el 19 de mayo de 1998.
https://musicians.allaboutjazz.com/dorothydonegan

Flip Phillips • Four Classic Albums

 

Flip Phillips albums plus including original LP liner notes on a finely re-mastered and low priced double CD.
Here we feature four albums plus from clarinettist turned tenor saxophonist Flip Phillips, a stalwart of first the Woody Herman Herd and later as one of the mainstays of the Jazz At The Philharmonic line up with Norman Granz.
“The Flip Phillips - Buddy Rich Trio”; “Flip”; “Flip Wails” and “Swinging With Flip”
We catch Flip in many different line ups across our four selections………… As a Trio with Buddy Rich and Hank Jones on piano from 1952 (also in attendance Ray Brown on bass on half the selections). With orchestra on “Swinging With Flip” where he is joined by Charlie Shavers, Oscar Peterson, Ray Brown, Barney Kessel and Buddy Rich………………not a bad line up!! Another classic line up with orchestra joins Flip for “Flip Wails”………..and wail he certainly does alongside Bill Harris, Billy Bauer, Harry Edison, Hank Jones, Ray Brown and Buddy Rich! Finally “Flip” where our hero is joined again by the orchestra with Howard McGhee and Benny Green.

///////

Álbumes de Flip Phillips más las notas originales del LP en un doble CD finamente remasterizado y a bajo precio.
Aquí presentamos cuatro álbumes más del clarinetista convertido en saxofonista tenor Flip Phillips, un incondicional de la manada de Woody Herman primero y más tarde como uno de los pilares de la línea de Jazz At The Philharmonic con Norman Granz.
"The Flip Phillips - Buddy Rich Trio"; "Flip"; "Flip Wails" y "Swinging With Flip"
Vemos a Flip en muchas formaciones diferentes a lo largo de nuestras cuatro selecciones............ Como trío con Buddy Rich y Hank Jones al piano desde 1952 (también asiste Ray Brown al bajo en la mitad de las selecciones). Con orquesta en "Swinging With Flip", donde le acompañan Charlie Shavers, Oscar Peterson, Ray Brown, Barney Kessel y Buddy Rich................... Otra formación clásica con orquesta se une a Flip para "Flip Wails" ........... y ciertamente grita junto a Bill Harris, Billy Bauer, Harry Edison, Hank Jones, Ray Brown y Buddy Rich. Por último, "Flip", en la que nuestro héroe vuelve a estar acompañado por la orquesta con Howard McGhee y Benny Green.

The Joe Wilder Quartet • Jazz From ''Peter Gunn''

 

Review
by Scott Yanow
Trumpeter Joe Wilder only recorded three albums as a leader prior to the 1990s, all from the 1956-59 period. Although this particular LP, which consists of ten Henry Mancini themes used in the television series Peter Gunn, may not seem to have much potential, the music is on a higher level than one might expect. The lyrical trumpeter, who always had a beautiful tone, performs with a top-notch trio (pianist Hank Jones, bassist Milt Hinton and drummer John Cresci) and comes up with plenty of refreshing melodic ideas. Basically anything recorded by Joe Wilder is tasteful, swinging and well worth hearing, including this rare album.
https://archive.org/details/lp_jazz-from-peter-gunn_the-joe-wilder-quartet


Biography
by Richard S. Ginell
A versatile trumpeter sporting a beautiful tone quality, Joe Wilder's playing was full of character and the invaluable ability to tell a story with his horn -- a trait he said was fueled by one of his "original inspirations," Benny Carter.

Wilder was raised in Philadelphia, where his father led a band, making his debut on a local radio show spotlighting talented Black children. His first professional job was with Les Hite in 1941, where he met Dizzy Gillespie in the trumpet section. He joined Lionel Hampton the following year and became co-bandmaster for a Marine band during World War II. Rejoining Hampton after the war, Wilder moved on to the Jimmie Lunceford, Lucky Millander, Sam Donahue, and Herbie Fields bands while also playing in the pit orchestras for Broadway musicals (including three years with Guys and Dolls). He played with Count Basie for the first six months of 1954 and was a member of the music staff of ABC-TV from 1957 to 1973, taking time out to tour Russia with Benny Goodman and substitute with the New York Philharmonic. Upon leaving ABC in 1973, Wilder worked as a freelance studio musician.

As a leader, Wilder recorded an album for Savoy in 1956 and two for Columbia in 1959; he also appeared in memorably sly form on Benny Carter's A Gentleman and His Music (Concord) in 1985 and resurfaced in the 1990s with a pair of albums on the Evening Star label. Joe Wilder died in New York City in May 2014 at the age of 92.
https://www.allmusic.com/artist/joe-wilder-mn0000212957/biography

///////

Reseña
por Scott Yanow
El trompetista Joe Wilder sólo grabó tres álbumes como líder antes de la década de 1990, todos ellos del período 1956-59. Aunque este LP en particular, que consta de diez temas de Henry Mancini utilizados en la serie de televisión Peter Gunn, puede parecer que no tiene mucho potencial, la música está a un nivel superior al que cabría esperar. El lírico trompetista, que siempre tuvo un hermoso tono, actúa con un trío de primera categoría (el pianista Hank Jones, el bajista Milt Hinton y el baterista John Cresci) y aporta un montón de ideas melódicas refrescantes. Básicamente, cualquier cosa grabada por Joe Wilder es de buen gusto, con swing y vale la pena escucharla, incluido este raro álbum.
https://archive.org/details/lp_jazz-from-peter-gunn_the-joe-wilder-quartet


Biografía
por Richard S. Ginell
Trompetista versátil con una hermosa calidad de tono, Joe Wilder tocaba con mucho carácter y con la inestimable capacidad de contar una historia con su trompa, un rasgo que, según él, fue alimentado por una de sus "inspiraciones originales", Benny Carter.

Wilder se crió en Filadelfia, donde su padre dirigía una banda, y debutó en un programa de radio local que destacaba a niños negros con talento. Su primer trabajo profesional fue con Les Hite en 1941, donde conoció a Dizzy Gillespie en la sección de trompetas. Se unió a Lionel Hampton al año siguiente y se convirtió en codirector de una banda de marines durante la Segunda Guerra Mundial. Tras volver a unirse a Hampton después de la guerra, Wilder pasó a formar parte de las bandas de Jimmie Lunceford, Lucky Millander, Sam Donahue y Herbie Fields, al tiempo que tocaba en las orquestas del foso de los musicales de Broadway (incluyendo tres años con Guys and Dolls). Tocó con Count Basie durante los primeros seis meses de 1954 y fue miembro del equipo musical de ABC-TV desde 1957 hasta 1973, tomándose un tiempo para hacer una gira por Rusia con Benny Goodman y para ser sustituto de la Filarmónica de Nueva York. Al dejar la ABC en 1973, Wilder trabajó como músico de estudio independiente.

Como líder, Wilder grabó un álbum para Savoy en 1956 y dos para Columbia en 1959; también apareció de forma memorable en A Gentleman and His Music (Concord) de Benny Carter en 1985 y reapareció en la década de 1990 con un par de álbumes en el sello Evening Star. Joe Wilder murió en Nueva York en mayo de 2014 a la edad de 92 años.
https://www.allmusic.com/artist/joe-wilder-mn0000212957/biography

Jimmy Smith & Wes Montgomery • Further adventures of Jimmy and Wes

Review by Richard S. Ginell
Further Adventures of Jimmy and Wes picks up where Dynamic Duo left off, digging a little further into the one-time-only Wes Montgomery/Jimmy Smith sessions and coming up with more fine music -- mellower in general than Dynamic Duo but first-class nonetheless. Unlike most of the studio sessions from this time, Montgomery gets plenty of room for his single-string work as well as his famous octaves, and both techniques find him in full, mature bloom, needing fewer notes in which to say more (Smith, of course, is precisely the opposite). All but one of the tracks on the original LP find Smith and Montgomery interacting only with themselves, the drums of Grady Tate, and the congas of Ray Barretto; Roger Miller's "King of the Road" (not often covered by jazzers) and Montgomery's "O.G.D." (later known as "Road Song") come off best. Oliver Nelson's big band makes a sole appearance with a swaggering chart of "Milestones." Though Dynamic Duo is probably the priority purchase by a hairsbreadth margin, you'll need to have both that album and Further Adventures eventually.
https://www.allmusic.com/album/the-further-adventures-of-jimmy-and-wes-mw0000102203

///////

Reseña de Richard S. Ginell
Further Adventures of Jimmy and Wes continúa donde lo dejó Dynamic Duo, profundizando un poco más en las sesiones de Wes Montgomery/Jimmy Smith, que sólo se hacían una vez, y proponiendo más música fina, más suave en general que Dynamic Duo, pero de primera clase. A diferencia de la mayoría de las sesiones de estudio de esta época, Montgomery tiene mucho espacio para su trabajo de una sola cuerda, así como sus famosas octavas, y ambas técnicas lo encuentran en pleno florecimiento maduro, necesitando menos notas en las que decir más (Smith, por supuesto, es precisamente lo contrario). En todos los temas del LP original, excepto en uno, Smith y Montgomery sólo interactúan consigo mismos, con la batería de Grady Tate y las congas de Ray Barretto; con el "King of the Road" de Roger Miller (que no suelen cubrir los jazzistas) y con el "O.G.D." de Montgomery. (más tarde conocida como "Road Song") son las que mejor funcionan. La big band de Oliver Nelson hace una única aparición con una fanfarrona lista de "Milestones". Aunque Dynamic Duo es probablemente la compra prioritaria por un margen de pelo, necesitarás tener tanto ese álbum como Further Adventures eventualmente.
https://www.allmusic.com/album/the-further-adventures-of-jimmy-and-wes-mw0000102203

Eddie Costa • Complete Trio

 

Biography by Ken Dryden

Eddie Costa emerged from an unlikely background into a heralded -- if too brief -- career in jazz. Born in a rural coal mining town, Costa studied piano with his brother Bill and developed a taste for the swing greats; later, exposure to Bud Powell turned him to bop. Self-taught on vibes, Costa became known as an excellent sight reader, which produced a lot of studio work. On piano, his trademark sound was the emphasis of the middle and lower registers while nearly ignoring the top two octaves. In addition to recording as a sideman with Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, the Bob Brookmeyer-Clark Terry Quintet, and Bill Evans, Costa led his own trio and quintet dates. Sadly, most of Costa's recorded output remains unavailable on CD, with the notable exception of the VSOP reissue of his Quintet LP. Costa died when his car careened off of a busy New York parkway in 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography

///////

Biografía de Ken Dryden
Eddie Costa emergió de un trasfondo improbable hacia una anunciada, aunque demasiado breve, carrera en el jazz. Nacido en un pueblo rural minero de carbón, Costa estudió piano con su hermano Bill y desarrolló un gusto por los grandes del swing; más tarde, la exposición a Bud Powell lo convirtió en bop. Autodidacta en vibes, Costa se hizo conocido como un excelente lector visual, lo que produjo una gran cantidad de trabajo de estudio. En el piano, su sonido característico era el énfasis en los registros medio e inferior, mientras que casi ignoraba las dos octavas superiores. Además de grabar como acompañante con Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, el quinteto Bob Brookmeyer-Clark Terry y Bill Evans, Costa dirigió sus propias fechas de trío y quinteto. Lamentablemente, la mayor parte de la producción grabada de Costa sigue sin estar disponible en CD, con la notable excepción de la reedición en VSOP de su LP de Quinteto. Costa murió cuando su automóvil se salió de una concurrida avenida de Nueva York en 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography

Buddy DeFranco • Wholly Cats

VA • Walk On The Wild Side, The Jazz Side Of Mod

 

 

King Curtis, Bill Doggett, Herbie Mann, Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Herbie Hancock, Brother Jack McDuff, Quincy Jones, Wayne Shorter, Booker T. & The MG's, Mel Torme,

Raphael Wressnig • True Blue

Raphael Wressnig, based in Austria but frequently on the road, is not your ordinary B-3 organ player. He’s actually one of a kind: a young master of the imposing, large instrument who is expansive in his breadth of expertise. He’s technically fluent in the blues, in jazz, in soul, and in funk, and he concocts exciting mixed-genre music from his fervid imagination. Versatile Wressnig doesn’t flaunt his virtuosic talent for the sake of spectacle but rather backs up his every movement on the keyboards, the drawbar and the bass pedal boards with a fierce emotional commitment. Influenced by royal predecessors like Jimmy Smith, Shirley Scott, Booker T. Jones and Joe Zawinul, Wressnig has taken his music throughout Europe and all over the world, from North Africa and Asia to the Middle East to the United States, Brazil, Chile, Mexico, and the Caribbean. This self-effacing musician, a native of Graz in southeast Austria, has recorded at least 16 feature albums and appeared as a guest on about 30 others. In 2013, 2015 & 2016, he was honored with a nomination for best organ player of the year in Downbeat Magazine.

///////

Raphael Wressnig, con sede en Austria, pero con frecuencia en la carretera, no es un organista ordinario del B-3. En realidad es único en su tipo: un joven maestro del imponente instrumento de gran tamaño que es expansivo en su amplia experiencia. Es técnicamente fluido en el blues, en el jazz, en el soul y en el funk, y elabora música excitante de género mixto a partir de su férvida imaginación. El versátil Wressnig no alardea de su talento virtuoso por el bien del espectáculo, sino que respalda cada uno de sus movimientos en los teclados, en la barra de tiro y en los pedales de los bajos con un feroz compromiso emocional. Influenciado por sus predecesores reales como Jimmy Smith, Shirley Scott, Booker T. Jones y Joe Zawinul, Wressnig ha llevado su música por toda Europa y por todo el mundo, desde el norte de África y Asia hasta Oriente Medio, Estados Unidos, Brasil, Chile, México y el Caribe. Este músico, oriundo de Graz, en el sudeste de Austria, ha grabado al menos 16 álbumes de largometrajes y ha aparecido como invitado en unos 30 álbumes más. En 2013, 2015 y 2016, fue honrado con una nominación al mejor organista del año en la revista Downbeat.

www.raphaelwressnig.com ...

Shorty Rogers • Martians Come Back

 

Biography by Scott Yanow
A fine middle-register trumpeter whose style seemed to practically define "cool jazz," Shorty Rogers was actually more significant for his arranging, both in jazz and in the movie studios. After gaining early experience with Will Bradley and Red Norvo and serving in the military, Rogers rose to fame as a member of Woody Herman's First and Second Herds (1945-1946 and 1947-1949), and somehow he managed to bring some swing to the Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), clearly enjoying writing for the stratospheric flights of Maynard Ferguson. After that association ran its course, Rogers settled in Los Angeles where he led his Giants (which ranged from a quintet to a nonet and a big band) on a series of rewarding West Coast jazz-styled recordings and wrote for the studios, helping greatly to bring jazz into the movies; his scores for The Wild One and The Man With the Golden Arm are particularly memorable. After 1962, Rogers stuck almost exclusively to writing for television and films, but in 1982 he began a comeback in jazz. Rogers reorganized and headed the Lighthouse All-Stars and, although his own playing was not quite as strong as previously, he remained a welcome presence both in clubs and recordings.
https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646#biography

more: https://londonjazzcollector.wordpress.com/2015/11/03/shorty-rogers-martians-come-back-1955-atlantic/

///////

Biografía de Scott Yanow
Excelente trompetista de registro medio cuyo estilo parecía definir prácticamente el «cool jazz», Shorty Rogers fue en realidad más importante por sus arreglos, tanto en el jazz como en los estudios de cine. Tras adquirir una temprana experiencia con Will Bradley y Red Norvo y servir en el ejército, Rogers saltó a la fama como miembro de la Primera y Segunda Manadas de Woody Herman (1945-1946 y 1947-1949), y de alguna manera consiguió aportar algo de swing a la Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), disfrutando claramente escribiendo para los vuelos estratosféricos de Maynard Ferguson. Después de que esa asociación siguiera su curso, Rogers se instaló en Los Ángeles, donde dirigió a sus Giants (que iban desde un quinteto a un noneto y una big band) en una serie de grabaciones gratificantes con estilo de jazz de la Costa Oeste y escribió para los estudios, ayudando en gran medida a llevar el jazz al cine; sus partituras para The Wild One y The Man With the Golden Arm son particularmente memorables. Después de 1962, Rogers se dedicó casi exclusivamente a escribir para la televisión y el cine, pero en 1982 inició un regreso al jazz. Rogers reorganizó y dirigió el Lighthouse All-Stars y, aunque su forma de tocar ya no era tan fuerte como antes, siguió siendo una presencia bienvenida tanto en los clubes como en las grabaciones.
https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646#biography


 

Darren Heinrich Trio • Playbar!

Modern Jazz Organ music with influence from Dr Lonnie Smith, Larry Goldings, Lou Donaldson, Wes Montgomery and Peter Berstein

Darren Heinrich is a versatile Sydney-based pianist & organist, who holds a 1st class Honours degree in Jazz from the Sydney Conservatorium of Music, where he studied with Judy Bailey and Kevin Hunt. His influences incorporate the entire spectrum of the Jazz idiom, from its earliest ragtime roots to modern jazz. He regularly gigs with his own trio and freelances with a wide variety of acts both locally and abroad. During the last five years his focus has been jazz organ music, travelling to the US to study with Hammond masters Dr. Lonnie Smith and Tony Monaco, and writing a thesis comparing the styles of Jimmy Smith and Larry Young.
The Darren Heinrich Trio is a classic Hammond Organ combo – Organ/Guitar/Drums. The music’s emphasis is groove, with equal parts tradition and innovation. Original music by Darren forms a significant part of the band’s repertoire in addition to standards and blues.
http://playbar.com.au/project/the-darren-heinrich-trio/

 

///////

 

Música moderna de órgano de jazz con influencia de Dr. Lonnie Smith, Larry Goldings, Lou Donaldson, Wes Montgomery y Peter Berstein

Darren Heinrich es un pianista y organista polifacético afincado en Sydney, que posee una licenciatura de primera clase en Jazz por el Conservatorio de Música de Sydney, donde estudió con Judy Bailey y Kevin Hunt. Sus influencias abarcan todo el espectro del lenguaje del jazz, desde sus primeras raíces en el ragtime hasta el jazz moderno. Actúa con regularidad con su propio trío y colabora con una amplia variedad de actuaciones tanto a nivel local como en el extranjero. Durante los últimos cinco años se ha centrado en la música de órgano de jazz, viajando a Estados Unidos para estudiar con los maestros del Hammond, el Dr. Lonnie Smith y Tony Monaco, y escribiendo una tesis que compara los estilos de Jimmy Smith y Larry Young.
El Darren Heinrich Trio es un combo clásico de órgano Hammond - Órgano/Guitarra/Batería. El énfasis de la música es el groove, con partes iguales de tradición e innovación. La música original de Darren constituye una parte importante del repertorio del grupo, además de los estándares y el blues.
http://playbar.com.au/project/the-darren-heinrich-trio/

www.dazzjazz.com ...

 

Jack McDuff • Jack-Pot

Artist Biography by Ron Wynn

A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74.

///////

Biografía del artista por Ron Wynn

"Brother" Jack McDuff es un maravilloso líder de orquesta y organista, además de un hábil arreglista, y tiene uno de los estilos más divertidos y conmovedores de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como la roca y sus solos llenos de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas e interesantes progresiones y frases. McDuff comenzó como un bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió en privado en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo órgano y piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut en la grabación como líder de Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes sobresalientes: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda el próximo año, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas se dispararon cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los años 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general fueron buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego, en los 80, volvió al ritmo de la sesión de Muse Cap'n Jack. Si bien su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff lanzó varios discos en la etiqueta Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años.

Paul Desmond • Summertime

 

Review by Richard S. Ginell
In the midst of lolling away his time in semi-retirement after the Dave Brubeck Quartet broke up in 1967, Paul Desmond allowed himself to be lured back into the recording studio by producer Creed Taylor, who knew exactly what to do with his idle, but by no means spent, alto player. The result is a beautifully produced, eclectic album of music that revives Desmond's "bossa antigua" idea and sends it in different directions, directly toward Brazil and various Caribbean regions, as well as back to the jazzy States. "Samba With Some Barbecue" is a marvelous bossa nova treatment of Louis Armstrong's New Orleans rouser "Struttin' With Some Barbecue," whose opening bars bear an uncanny resemblance to those of "Samba de Orpheus" (which the erudite Desmond was no doubt aware of). No matter how many times you've heard "Autumn Leaves," Desmond's bossa nova treatment will give you a fresh jolt as he offhandedly tosses off the most exquisitely swinging ruminations; too bad it fades after only three minutes. In a pliable mood, Desmond even consents to record a then-new Beatles tune, "Ob-La-Di, Ob-La-Da," samba-style, quoting "Hey Jude" along the way (it's very possible that he was attracted by the main character of the lyric, a fellow named Desmond), and he makes potent music out of movie tunes like "Emily" and even the snazzy "Lady in Cement." Don Sebesky brings in some intelligently crafted arrangements for big band augmented by French horns, Herbie Hancock turns in some often brilliant solo work in several featured spots, Ron Carter is on bass, and Leo Morris and Airto Moreira alternate on drums. Never before had Desmond's alto been recorded so ravishingly -- Rudy Van Gelder's engineering gives it a new golden-mellow glow -- and the original LP had a great, sarcastic cover: gleaming icicles.

 

///////

 

Reseña de Richard S. Ginell
En medio de su tiempo de semi-retiro tras la disolución del Dave Brubeck Quartet en 1967, Paul Desmond se dejó atraer de nuevo al estudio de grabación por el productor Creed Taylor, que sabía exactamente qué hacer con su ocioso, pero en absoluto gastado, contralto. El resultado es un álbum ecléctico y bellamente producido que revive la idea de la "bossa antigua" de Desmond y la envía en diferentes direcciones, directamente hacia Brasil y varias regiones del Caribe, así como de vuelta a los Estados Unidos del jazz. "Samba With Some Barbecue" es una maravillosa versión bossa nova de la canción de Louis Armstrong "Struttin' With Some Barbecue", cuyos primeros compases guardan un asombroso parecido con los de la "Samba de Orpheus" (que el erudito Desmond sin duda conocía). No importa cuántas veces hayas escuchado "Autumn Leaves", el tratamiento de la bossa nova de Desmond te dará una nueva sacudida cuando lance las cavilaciones más exquisitamente oscilantes; lástima que se desvanezca después de sólo tres minutos. En un estado de ánimo flexible, Desmond incluso consiente en grabar un tema de los Beatles, "Ob-La-Di, Ob-La-Da", al estilo de la samba, citando de paso "Hey Jude" (es muy posible que se sintiera atraído por el personaje principal de la letra, un tipo llamado Desmond), y hace música potente de melodías de películas como "Emily" e incluso la elegante "Lady in Cement". Don Sebesky aporta algunos arreglos inteligentemente elaborados para la big band, aumentados por las trompas francesas, Herbie Hancock realiza un trabajo en solitario a menudo brillante en varios puntos destacados, Ron Carter está en el bajo, y Leo Morris y Airto Moreira se alternan en la batería. Nunca antes se había grabado el contralto de Desmond de forma tan maravillosa -la ingeniería de Rudy Van Gelder le da un nuevo brillo dorado- y el LP original tenía una portada genial y sarcástica: carámbanos brillantes.

Modern Jazz Quartet • For Ellington

Review by Scott Yanow

This is a tribute album that works quite well. The Modern Jazz Quartet is heard at their best on such Duke Ellington tunes as "Rockin' in Rhythm," "Jack the Bear" and "Ko-Ko." Also quite noteworthy are their two newer pieces, John Lewis's "For Ellington" and Milt Jackson's "Maestro E.K.E." which perfectly capture the spirit of Ellington's music. The ballads sometimes get a little sleepy but on a whole this is a very enjoyable release.

///////

Reseña de Scott Yanow

Este es un álbum tributo que funciona bastante bien. El Cuarteto de Jazz Moderno se escucha en su mejor momento en temas de Duke Ellington como "Rockin' in Rhythm", "Jack the Bear" y "Ko-Ko". También son dignas de mención sus dos piezas más recientes, "For Ellington" de John Lewis y "Maestro E.K.E." de Milt Jackson, que captan perfectamente el espíritu de la música de Ellington. Las baladas a veces se adormecen un poco, pero en general es un lanzamiento muy agradable.