Ahmad Jamal • Macanudo

 

Eddie Costa • Guys & Dolls Like Vibes

Biography by Ken Dryden
Eddie Costa emerged from an unlikely background into a heralded -- if too brief -- career in jazz. Born in a rural coal mining town, Costa studied piano with his brother Bill and developed a taste for the swing greats; later, exposure to Bud Powell turned him to bop. Self-taught on vibes, Costa became known as an excellent sight reader, which produced a lot of studio work. On piano, his trademark sound was the emphasis of the middle and lower registers while nearly ignoring the top two octaves. In addition to recording as a sideman with Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, the Bob Brookmeyer-Clark Terry Quintet, and Bill Evans, Costa led his own trio and quintet dates. Sadly, most of Costa's recorded output remains unavailable on CD, with the notable exception of the VSOP reissue of his Quintet LP. Costa died when his car careened off of a busy New York parkway in 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography

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Biografía de Ken Dryden
Eddie Costa emergió de un trasfondo improbable hacia una anunciada, aunque demasiado breve, carrera en el jazz. Nacido en un pueblo rural minero de carbón, Costa estudió piano con su hermano Bill y desarrolló un gusto por los grandes del swing; más tarde, la exposición a Bud Powell lo convirtió en bop. Autodidacta en vibes, Costa se hizo conocido como un excelente lector visual, lo que produjo una gran cantidad de trabajo de estudio. En el piano, su sonido característico era el énfasis en los registros medio e inferior, mientras que casi ignoraba las dos octavas superiores. Además de grabar como acompañante con Tal Farlow, Woody Herman, Johnny Smith, el quinteto Bob Brookmeyer-Clark Terry y Bill Evans, Costa dirigió sus propias fechas de trío y quinteto. Lamentablemente, la mayor parte de la producción grabada de Costa sigue sin estar disponible en CD, con la notable excepción de la reedición en VSOP de su LP de Quinteto. Costa murió cuando su automóvil se salió de una concurrida avenida de Nueva York en 1962.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-costa-mn0000793779#biography

Dick Garcia • A Message From Garcia

Electric guitarist Dick Garcia taught himself the instrument at the age of nine before ever taking any lessons. He played with Tony Scott's quartet in 1950, then worked until the mid-'50s with Charlie Parker, George Shearing and Joe Roland. Garcia again played and recorded with Scott in 1955, also recording with Milt Buckner, Lenny Hambro and his own bands, while also recording with Johnny Glasel and Bobby Scott. Garcia continued into the '60s touring and recording with Shearing and Kai Winding.

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Electric guitarist Dick Garcia taught himself the instrument at the age of nine before ever taking any lessons. He played with Tony Scott's quartet in 1950, then worked until the mid-'50s with Charlie Parker, George Shearing and Joe Roland. Garcia again played and recorded with Scott in 1955, also recording with Milt Buckner, Lenny Hambro and his own bands, while also recording with Johnny Glasel and Bobby Scott. Garcia continued into the '60s touring and recording with Shearing and Kai Winding.

Wardell Gray • Central Avenue

  

Biography by Scott Yanow
Wardell Gray was one of the top tenors to emerge during the bop era (along with Dexter Gordon and Teddy Edwards). His Lester Young-influenced tone made his playing attractive to swing musicians as well as younger modernists. He grew up in Detroit, playing in local bands as a teenager. Gray was with Earl Hines during 1943-1945, recording with him (1945). That same year, he moved to Los Angeles and he became a major part of the Central Avenue scene, having nightly tenor battles with Dexter Gordon; their recording of "The Chase" was popular. Gray recorded with Charlie Parker in 1947 and yet his style appealed to Benny Goodman, with whom he played the following year. Among his own sessions, his solos on "Twisted" (1949) and "Farmer's Market" (1952) were turned into memorable vocalese by Annie Ross a few years later. Back in New York, Gray played and recorded with Tadd Dameron and the Count Basie septet and big band (1950-1951); "Little Pony," his showcase with the Basie orchestra, is a classic. Gray was featured on some Norman Granz jam sessions ("Apple Jam" has a particularly heated solo) and recorded with Louie Bellson (1952-1953). Ironically, Wardell Gray, who in the late '40s was an inspiration to some younger musicians due to his opposition to drug use, himself became involved in drugs and died mysteriously in Las Vegas on May 25, 1955, when he was just 34.
https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography

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Biografía de Scott Yanow
Wardell Gray fue uno de los mejores tenores que surgieron durante la era del bop (junto con Dexter Gordon y Teddy Edwards). Su tono, influenciado por Lester Young, hizo que su forma de tocar resultara atractiva tanto para los músicos de swing como para los jóvenes modernistas. Creció en Detroit y tocó en bandas locales durante su adolescencia. Gray estuvo con Earl Hines durante 1943-1945, grabando con él (1945). Ese mismo año se trasladó a Los Ángeles y se convirtió en una parte importante de la escena de Central Avenue, manteniendo batallas nocturnas de tenor con Dexter Gordon; su grabación de "The Chase" fue muy popular. Gray grabó con Charlie Parker en 1947 y, sin embargo, su estilo atrajo a Benny Goodman, con quien tocó al año siguiente. Entre sus propias sesiones, sus solos en "Twisted" (1949) y "Farmer's Market" (1952) fueron convertidos en vocales memorables por Annie Ross unos años más tarde. De vuelta a Nueva York, Gray tocó y grabó con Tadd Dameron y el septeto y la big band de Count Basie (1950-1951); "Little Pony", su presentación con la orquesta de Basie, es un clásico. Gray participó en algunas jam sessions de Norman Granz ("Apple Jam" tiene un solo especialmente acalorado) y grabó con Louie Bellson (1952-1953). Irónicamente, Wardell Gray, que a finales de los años 40 sirvió de inspiración a algunos músicos más jóvenes por su oposición al consumo de drogas, se metió él mismo en las drogas y murió misteriosamente en Las Vegas el 25 de mayo de 1955, cuando sólo tenía 34 años.
https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography

Webster Young • For Lady

 

Review from AllMusic (by Jim Todd):
While trumpeter Webster Young pays tribute to Billie Holiday on this, his only studio date as a leader, the set is equally a tribute to Young's musical role model, Miles Davis. Young has Miles' soft-focus tone from the early to mid-'50s and, according to Ira Gitler's liner notes, he is actually playing Miles' cornet on the date. The similarities between the two players make this 1957 session a satisfying companion to Miles' work circa 1951-1953. Young is nicely matched here with tenor saxophonist Paul Quinichette, with the two of them using a pleasantly blowsy approach to weave loose, discursive counterpoint around each other. Guitarist Joe Puma distinguishes the set with thoughtful, understated playing that calls to mind Kenny Burrell's own Prestige dates from this period. Pianist Mal Waldron, drummer Ed Thigpen, and bassist Earl May infuse the performances with a cohesive, relaxed swing. They give each other lots of space, and Waldron makes astute choices in his chord selection, phrasing, and comping strategies. The tracks comprise five pieces associated with Holiday and one Young original, written in homage to Lady Day. True to Holiday's approach, the mood is world-weary, bordering on bleak, but with breaches of light like those that would briefly suffuse Holiday's songs. "Strange Fruit" is the one track that misses the mark. Where Holiday allowed the stark irony of the lyrics to carry the song, Young's instrumental version labors the point by including an execution squad drum roll. This could have been effective had it been limited to the intro and ending, but when Thigpen's martial snare also crops up midsong it breaks the subtle, macabre atmosphere of the piece.
https://www.allmusic.com/album/for-lady-mw0000087852

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Reseña de AllMusic (por Jim Todd):
Mientras el trompetista Webster Young rinde homenaje a Billie Holiday en esta, su única fecha de estudio como líder, el set es igualmente un tributo al modelo musical de Young, Miles Davis. Young tiene el tono de enfoque suave de Miles de principios a mediados de los años 50 y, según las notas del liner de Ira Gitler, en realidad está tocando el cornete de Miles en la sesión. Las similitudes entre los dos músicos hacen de esta sesión de 1957 un compañero satisfactorio del trabajo de Miles alrededor de 1951-1953. Young está bien emparejado aquí con el saxofonista tenor Paul Quinichette, utilizando ambos un enfoque agradablemente suelto para tejer un contrapunto discursivo entre sí. El guitarrista Joe Puma distingue el set con un toque reflexivo y discreto que recuerda las propias fechas de Kenny Burrell para Prestige de este período. El pianista Mal Waldron, el baterista Ed Thigpen y el bajista Earl May infunden las interpretaciones con un swing cohesivo y relajado. Se dan mucho espacio entre sí, y Waldron hace elecciones perspicaces en su selección de acordes, fraseo y estrategias de acompañamiento. Los temas comprenden cinco piezas asociadas con Holiday y un original de Young, escrito en homenaje a Lady Day. Fiel al enfoque de Holiday, el clima es cansado del mundo, bordeando lo sombrío, pero con destellos de luz como los que brevemente impregnaban las canciones de Holiday. "Strange Fruit" es el único tema que no da en el blanco. Donde Holiday permitía que la cruda ironía de las letras sostuviera la canción, la versión instrumental de Young fuerza el punto incluyendo un redoble de tambor de pelotón de fusilamiento. Esto podría haber sido efectivo si se hubiera limitado a la intro y el final, pero cuando la caja marcial de Thigpen también aparece en medio de la canción rompe la atmósfera sutil y macabra de la pieza.
https://www.allmusic.com/album/for-lady-mw0000087852

Ken Mcintyre • Home

 

Review
by Scott Yanow
This excellent outing by multi-reedist Ken McIntyre ranges musically in his ten originals from a blues, the ballad "Charlotte," and a tribute to John Coltrane ("Sea Train") to freer pieces. McIntyre is heard on alto, flute, bassoon, oboe and bass clarinet and is joined by a stimulating rhythm section consisting of pianist Jaki Byard (who plays electric piano on the title cut), bassist Reggie Workman and drummer Andrei Strobert. The post-bop music is consistently inventive and easily recommended.
https://www.allmusic.com/album/home-mw0000856573


Biography
by Scott Yanow
A versatile player with a thoughtful style who can play quite freely, Ken McIntyre has never been a major name in jazz despite his talents. After serving in the military and graduating from the Boston Conservatory, he arrived in New York in 1960 and made a strong impression. He recorded two albums for New Jazz that year, including one on which he held his own against Eric Dolphy. McIntyre also led two now-scarce records for United Artists during 1962-1963 (including one titled Way Way Out) but became involved in education, teaching in public schools starting in 1961. He continued playing on a part-time basis (recording with Cecil Taylor in 1966). McIntyre led five albums for SteepleChase during 1974-1978, including his definitive set Hindsight (which finds him spotlighting each of his five horns in a quartet). He also recorded with Craig Harris in 1983 and put together an Eric Dolphy tribute set for Serene in 1991, but Ken McIntyre never gained the recognition he deserved. In the early '90s, he adopted the first name of Makanda and in June 2001, he released his first recording in years, entitled A New Beginning. Multi-instumentalist and music educator Dr. Makanda Ken McIntyre passed away at the age of 69 as a result of a heart attack on Wednesday, June 13, 2001, at his home in Harlem, NY .
https://www.allmusic.com/artist/ken-mcintyre-mn0000766122/biography

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Reseña
por Scott Yanow
Esta excelente salida del multireedista Ken McIntyre varía musicalmente en sus diez originales desde un blues, la balada "Charlotte", y un homenaje a John Coltrane ("Sea Train") hasta piezas más libres. McIntyre toca el contralto, la flauta, el fagot, el oboe y el clarinete bajo, y está acompañado por una estimulante sección rítmica formada por el pianista Jaki Byard (que toca el piano eléctrico en el corte que da título al disco), el bajista Reggie Workman y el batería Andrei Strobert. La música post-bop es consistentemente inventiva y fácilmente recomendable.
https://www.allmusic.com/album/home-mw0000856573


Biografía
por Scott Yanow
Un músico versátil con un estilo reflexivo que puede tocar con bastante libertad, Ken McIntyre nunca ha sido un nombre importante en el jazz a pesar de su talento. Después de servir en el ejército y graduarse en el Conservatorio de Boston, llegó a Nueva York en 1960 y causó una fuerte impresión. Ese año grabó dos álbumes para New Jazz, incluido uno en el que se enfrentó a Eric Dolphy. McIntyre también dirigió dos discos, ahora escasos, para United Artists durante 1962-1963 (incluido uno titulado Way Way Out), pero se dedicó a la educación, dando clases en escuelas públicas a partir de 1961. Siguió tocando a tiempo parcial (grabando con Cecil Taylor en 1966). McIntyre dirigió cinco álbumes para SteepleChase durante 1974-1978, incluido su conjunto definitivo Hindsight (en el que destaca cada una de sus cinco trompas en un cuarteto). También grabó con Craig Harris en 1983 y preparó un conjunto de homenaje a Eric Dolphy para Serene en 1991, pero Ken McIntyre nunca obtuvo el reconocimiento que merecía. A principios de los 90, adoptó el nombre de Makanda y en junio de 2001 publicó su primera grabación en años, titulada A New Beginning. El multiinstrumentista y educador musical Dr. Makanda Ken McIntyre falleció a la edad de 69 años como consecuencia de un ataque al corazón el miércoles 13 de junio de 2001 en su casa de Harlem, Nueva York.
https://www.allmusic.com/artist/ken-mcintyre-mn0000766122/biography

Sal Salvador • Tribute To The Greats

 

Biography by Ron Wynn:
A versatile guitarist and onetime head of the guitar department at the University of Bridgeport, Sal Salvador was a capable soloist and accompanist whose single-string style, shaped by his early interest in the music of Charlie Christian, was augmented by extensive studies of guitar technique. Salvador's years of research, playing, and analysis eventually led to his writing guitar methodology books, among them Sal Salvador's Chord Method for Guitar and Sal Salvador's Single String Studies for Guitar in the '50s and '60s. He became interested in jazz during his teens, and began playing professionally in Springfield, MA, in 1945. He worked with Terry Gibbs and Mundell Lowe in New York at the end of the '40s, then joined Stan Kenton's orchestra in 1952. Salvador worked with Kenton until the end of 1953, and appeared on the New Concepts of Artistry in Rhythm album. He led bebop bands featuring Eddie Costa and Phil Woods. Salvador was featured in the film Jazz on a Summer's Day and headed a big band in the late '50s and early '60s. He worked in a guitar duo with Alan Hanlon in the early '70s, and began recording again as a leader later in the decade. He re-formed his big band in the '80s, and was named to his position at the University of Bridgeport. Salvador led recordings for Blue Note (1953), Capitol, Bethlehem, Decca, Jazz Unlimited, Dauntless (1963), Bee Hive, GP, and Stash; he died September 22, 1999, at the age of 73.
https://www.allmusic.com/artist/sal-salvador-mn0000241002/biography

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Biografía de Ron Wynn:
Un guitarrista versátil y una vez jefe del departamento de guitarra de la Universidad de Bridgeport, Sal Salvador era un solista y acompañante capaz cuyo estilo de una sola cuerda, formado por su temprano interés en la música de Charlie Christian, fue aumentado por extensos estudios de la técnica de la guitarra. Los años de investigación, interpretación y análisis de Salvador finalmente lo llevaron a escribir libros de metodología de la guitarra, entre ellos el Método de Acordes para Guitarra de Sal Salvador y los Estudios de Cuerdas Sueltas para Guitarra de Sal Salvador en los años 50 y 60. Se interesó en el jazz durante su adolescencia, y comenzó a tocar profesionalmente en Springfield, MA, en 1945. Trabajó con Terry Gibbs y Mundell Lowe en Nueva York a finales de los años 40, y luego se unió a la orquesta de Stan Kenton en 1952. Salvador trabajó con Kenton hasta finales de 1953, y apareció en el álbum New Concepts of Artistry in Rhythm. Dirigió bandas de bebop con Eddie Costa y Phil Woods. Salvador apareció en la película Jazz on a Summer's Day y dirigió una gran banda a finales de los 50 y principios de los 60. Trabajó en un dúo de guitarras con Alan Hanlon a principios de los 70, y comenzó a grabar de nuevo como líder a finales de la década. Volvió a formar su gran banda en los 80, y fue nombrado para su puesto en la Universidad de Bridgeport. Salvador dirigió grabaciones para Blue Note (1953), Capitol, Bethlehem, Decca, Jazz Unlimited, Dauntless (1963), Bee Hive, GP y Stash; murió el 22 de septiembre de 1999, a la edad de 73 años.
https://www.allmusic.com/artist/sal-salvador-mn0000241002/biography

Zoot Sims, Al Cohn & Phil Woods • Jazz Alive! A Night At The Half Note

 

Review by Ken Dryden
Zoot Sims and Al Cohn always made great music together; this live recording documents portions of two nights' work together at the Half Note in New York City, assisted by pianist Mose Allison, bassist Nabil Totah and drummer Paul Motian. Their brisk setting of "Lover, Come Back to Me" features Cohn, Sims and Allison soloing in turn, building the fire before the eventual trading of fours between the tenor saxophonists. After a relaxed rendition of "It Had to Be You," alto saxophonist Phil Woods is added to the mix for the next two numbers, recorded the very next evening. The guest sets up the percolating mid-tempo setting of "Wee Dot," with the tenors following him. The delightful interplay within the long workout of "After You've Gone" signals the chemistry between the three friends. Bop and cool fans will want to make any effort to hear this excellent release.
https://www.allmusic.com/album/jazz-alive-a-night-at-the-half-note-mw0000038034

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Reseña de Ken Dryden
Zoot Sims y Al Cohn siempre hicieron gran música juntos; esta grabación en vivo documenta porciones de dos noches de trabajo juntos en el Half Note en la ciudad de Nueva York, asistidos por el pianista Mose Allison, el bajista Nabil Totah y el baterista Paul Motian. Su enérgico escenario de "Lover, Come Back to Me" presenta a Cohn, Sims y Allison en solitario, encendiendo el fuego antes del eventual intercambio de cuatros entre los saxofonistas tenores. Después de una interpretación relajada de "It Had to Be You", el saxofonista alto Phil Woods se añade a la mezcla de los dos números siguientes, grabados la noche siguiente. El invitado prepara el escenario de medio tiempo de "Wee Dot", con los tenores siguiéndole. La deliciosa interacción dentro del largo entrenamiento de "After You've Gone" señala la química entre los tres amigos. Los fans del Bop y del cool querrán hacer cualquier esfuerzo para escuchar este excelente lanzamiento.
https://www.allmusic.com/album/jazz-alive-a-night-at-the-half-note-mw0000038034

Warne Marsh • Jazz of Two Cities

  

With Ted Brown (ts), Ronnie Ball (p), Ben Tucker (b) & Jeff Morton, plus special guest Art Pepper (as).
29 tracks recorded on October 1956-March 1957 recorded at Radio Recorders, Hollwood, CA + unreleased session for "Stars of Jazz".

Warne Marsh (October 26, 1927 - Decemeber 17. 1987) became one of the pre-eminent saxophonists of the Tristano-inspired Cool School, along with Lee Konitz. He was often recorded in the company of other Cool School musicians, and remained one of the most faithful to the Tristano philosophy of improvisation. His distinctively sombre, grainy tone (which set Marsh apart from other Lester Young-influenced saxophonists); uncannily fluent use of the high register; and rhythmically subtle lines are immediately recognizable. He has been called by Anthony Braxton "the greatest vertical improviser" and described by the British critic Alun Morgan as "one of the greatest improvisers our music has ever known". He famously died onstage at the Los Angeles club Donte's in 1987, in the middle of playing "Out of Nowhere". Though he remains something of a cult figure among jazz fans and musicians, his influence has grown since his death; younger players such as Mark Turner have increasingly been borrowing from his music as a way of counterbalancing the pervasive influence of John Coltrane. Marsh's discography remains somewhat scattered and elusive, as much of it was done for small labels, but more and more of his work has been issued on compact disc in recent years...
https://www.jazzmessengers.com/en/1018/warne-marsh/jazz-of-two-cities


"These tracks date from the time Marsh spent back in his hometown - well, Los Angeles - from February 1956 to November 1957, leading a quintet that was something of a Tristano student reunion.

Disc one reprises the material that once appeared on the Imperial and Kapp labels, and there are some very familiar characteristics: improbably tricky themes deriving from familiar harmonic territory - Ball, Brown and Marsh all contribute - propelling the improvisation into fascinating demonstrations of agility. Marsh and Brown are never exactly competitive, but clearly stimulate each other intensely; at times they wrap around themselves almost organically, prodded on by Ball's perfectly-judged piano work.

Yet there's also a wider aspect to it; the two tenors give the front line a somewhat heavier character than you might expect from the experience of Marsh and Konitz: bassist Tucker gets to feature on his own "Ben Blew" and Jeff Morton gets to play with the sticks, which he never did with Lennie. By the time "I Never Knew" comes along, with its drum-breaks, stop-time bounces and Condon Gang coda, there's a distinct feeling that school's out.

Disc two introduces Art Pepper into the mix: nine tracks - "Aretha" through "Arrival" - feature him. Originally on a Vanguard LP, it was in fact Brown's date, came out under his name, Marsh no more than a bystander and adviver. A further move away from Tritano's influence, less convolution, though the two noted above, by Ball, and Marsh's "Long Gone", set up more thematic obstacle-courses. Pepper copes well, sometimes superbly, and also makes you realise why Konitz fitted so easily into his chair in the Kenton band.

The final 15 minutes is back into the Marsh-Brown configuration, and is taken from a TV show of the period. Bobby Troup does the talking, and shows an understanding of the music. A good, though inevitably brief, version of "Background Music", plus two minutes of improvising on "Pop Goes The Weasel". Really.

These sessions mark the start of Marsh's career as leader and organiser, and as such fill an important gap in his history."
Jack Cooke -Jazz Review

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Con Ted Brown (ts), Ronnie Ball (p), Ben Tucker (b) y Jeff Morton, más el invitado especial Art Pepper (as).
29 temas grabados en octubre de 1956-marzo de 1957 grabados en Radio Recorders, Hollwood , CA + sesión inédita para "Stars of Jazz".

Warne Marsh (26 de octubre de 1927 - 17 de diciembre de 1927). 1987) se convirtió en uno de los saxofonistas preeminentes de la Cool School inspirada en Tristano, junto con Lee Konitz. A menudo se grababa en compañía de otros músicos geniales de la Escuela, y seguía siendo uno de los más fieles a la filosofía Tristano de la improvisación. Su tono distintivamente sombrío y granulado( que distingue a Marsh de otros saxofonistas influenciados por Lester Young); uso asombrosamente fluido del registro agudo; y líneas rítmicamente sutiles son inmediatamente reconocibles. Anthony Braxton lo ha llamado "el mejor improvisador vertical" y el crítico británico Alun Morgan lo describió como "uno de los mejores improvisadores que nuestra música haya conocido". Murió en el escenario del club Donte's de Los Ángeles en 1987, en medio de tocar "Out of Nowhere". Aunque sigue siendo una figura de culto entre los fanáticos y músicos del jazz, su influencia ha crecido desde su muerte; músicos más jóvenes como Mark Turner han tomado prestado cada vez más de su música como una forma de contrarrestar la influencia generalizada de John Coltrane. La discografía de Marsh sigue siendo algo dispersa y esquiva, ya que gran parte de ella se hizo para sellos pequeños, pero cada vez más de su trabajo se ha publicado en disco compacto en los últimos años...
https://www.jazzmessengers.com/en/1018/warne-marsh/jazz-of-two-cities

Warne Marsh • Jazz Of Two Cities

  

Review
by Brandon Burke  
A classic album of Tristano-school cool jazz with subtle leanings toward the avant-garde. While this set is not without a number of typical West Coast jazz tendencies (i.e., cool reed tones, a stiff rhythm section, happy-go-lucky heads, etc.), it has an interestingly wide-open and probing vibe. This band was simply bursting with ideas. On "Ear Conditioning," for example, the tenor tandem of Marsh and Ted Brown weaves in and out of the head with the proficiency and grace displayed -- admittedly, to greater effect -- on Lennie Tristano's "Wow," a tune also featuring Marsh, only with Lee Konitz on alto instead of Brown on tenor. Like "Ear Conditioning," "Smog Eyes" and the title track both employ long and busy heads. In a manner typical of compositions by Tristano's associates, many of these themes are very complicated and take several measures to achieve resolution. That having been said, comparisons to the Tristano Capitol sessions are simply inevitable, as they laid the foundation for everything heard here. To judge the quality of one versus the other, though, is trivial. Jazz of Two Cities has many treasures all of its own. Thankfully, both historic sessions have been reissued together on the Capitol Jazz CD Intuition. Included in the collection are both the stereo and mono takes of four different pieces from the Marsh date. This is because Jazz of Two Cities was issued once in mono and later in stereo with the new title The Winds of Marsh. The two versions of the record feature altogether different takes of two numbers ("Jazz of Two Cities," "I Never Knew") and different solos on the other two ("Ear Conditioning," "Lover Man"). In other words, fidelity is not the only difference between Jazz of Two Cities and The Winds of Marsh; though in and of itself, that's probably not reason enough to spend an arm and a leg on both copies, since they're quite rare and all versions are included on the CD. This is some very fine music by a band with an exceptionally rich collective imagination. It is clear that, in the hands of this combo, every theme is treated like a question with an absolutely limitless amount of harmonic and melodic answers.
https://www.allmusic.com/album/jazz-of-two-cities-mw0000732028


Biography
by Scott Yanow
Along with Lee Konitz, Warne Marsh was the most successful "pupil" of Lennie Tristano and, unlike Konitz, Marsh spent most of his career exploring chordal improvisation the Tristano way. The cool-toned tenor played with Hoagy Carmichael's Teenagers during 1944-1945 and then after the Army, he was with Buddy Rich (1948) before working with Lennie Tristano (1949-1952). His recordings with Tristano and Konitz still sound remarkable today with unisons that make the two horns sound like one. Marsh had occasional reunions with Konitz and Tristano through the years, spent periods outside of music, and stayed true to his musical goals. He moved to Los Angeles in 1966 and worked with Supersax during 1972-1977, also filling in time teaching. Marsh, who collapsed and died on stage at the legendary Donte's club in 1987 while playing "Out of Nowhere," is now considered legendary. He recorded as a leader for Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reissued on V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross, and Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

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Reseña
por Brandon Burke  
Un álbum clásico de cool jazz de la escuela de Tristano con sutiles inclinaciones hacia la vanguardia. Si bien este conjunto no carece de las típicas tendencias del jazz de la Costa Oeste (es decir, tonos de caña fríos, una sección rítmica rígida, cabezas alegres, etc.), tiene un ambiente interesantemente abierto y de prueba. Esta banda estaba simplemente llena de ideas. En "Ear Conditioning", por ejemplo, el tándem de tenores formado por Marsh y Ted Brown entra y sale de la cabeza con la destreza y la gracia que se muestra -de hecho, con mayor efecto- en "Wow" de Lennie Tristano, un tema en el que también participa Marsh, sólo que con Lee Konitz como contralto en lugar de Brown como tenor. Al igual que "Ear Conditioning", "Smog Eyes" y el tema que da título al disco emplean cabezas largas y ocupadas. De manera típica en las composiciones de los socios de Tristano, muchos de estos temas son muy complicados y requieren varios compases para lograr su resolución. Dicho esto, las comparaciones con las sesiones de Tristano en Capitol son simplemente inevitables, ya que sentaron las bases de todo lo que se escucha aquí. Sin embargo, juzgar la calidad de una frente a la otra es trivial. Jazz of Two Cities tiene muchos tesoros propios. Afortunadamente, ambas sesiones históricas se han reeditado juntas en el CD Intuition de Capitol Jazz. En la colección se incluyen tanto las tomas en estéreo como en mono de cuatro piezas diferentes de la fecha de Marsh. Esto se debe a que Jazz of Two Cities se publicó una vez en mono y posteriormente en estéreo con el nuevo título The Winds of Marsh. Las dos versiones del disco presentan tomas totalmente diferentes de dos números ("Jazz of Two Cities", "I Never Knew") y diferentes solos en los otros dos ("Ear Conditioning", "Lover Man"). En otras palabras, la fidelidad no es la única diferencia entre Jazz of Two Cities y The Winds of Marsh; aunque en sí misma, probablemente no sea razón suficiente para gastar un brazo y una pierna en ambas copias, ya que son bastante raras y todas las versiones están incluidas en el CD. Se trata de música muy fina de una banda con una imaginación colectiva excepcionalmente rica. Está claro que, en manos de este combo, cada tema es tratado como una pregunta con una cantidad absolutamente ilimitada de respuestas armónicas y melódicas.
https://www.allmusic.com/album/jazz-of-two-cities-mw0000732028


Biografía
por Scott Yanow
Junto con Lee Konitz, Warne Marsh fue el "alumno" más exitoso de Lennie Tristano y, a diferencia de Konitz, Marsh pasó la mayor parte de su carrera explorando la improvisación de acordes a la manera de Tristano. Este tenor de tono frío tocó con los Teenagers de Hoagy Carmichael durante 1944-1945 y, después del ejército, estuvo con Buddy Rich (1948) antes de trabajar con Lennie Tristano (1949-1952). Sus grabaciones con Tristano y Konitz todavía suenan de forma notable, con unísonos que hacen que las dos trompas suenen como una sola. Marsh se reunió ocasionalmente con Konitz y Tristano a lo largo de los años, pasó periodos fuera de la música y se mantuvo fiel a sus objetivos musicales. Se trasladó a Los Ángeles en 1966 y trabajó con Supersax durante 1972-1977, ocupando también tiempo en la enseñanza. Marsh, que se desplomó y murió en el escenario del legendario club Donte's en 1987 mientras tocaba "Out of Nowhere", es considerado ahora una leyenda. Grabó como líder para Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reeditado en V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross y Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

Ad Van Den Hoed Kwartet • King's Clarinet

Dutch jazz musician and bandleader. Plays clarinet and saxophone.

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Músico holandés de jazz y director de banda. Toca el clarinete y el saxofón.
 

 

 

Dorothy Donegan • The Many Faces Of Dorothy Donegan

 

 

Biography:
More than fifteen years have passed since the flamboyant jazz pianist Dorothy Donegan died. Sadly, few jazz fans, either then or now, are aware of what enormous orchestral capacity she had at the keyboard .

Dorothy was born in Chicago in 1924. Heeding her mother’s encouragement, she studied classical music at the Chicago Conservatory and the Chicago Music College. At eighteen, she became the first African-American to be asked to perform at Orchestra Hall in Chicago. The event created enough interest to lead to some work in a film (Sensations of 1945) .

At the age of fourteen and studying classical piano she was also beginning her own jazz career, playing for a dollar a night at the city’s South Side bars  During a performance at the Hi-Jinx Club one evening, she met up with Art Tatum, who was so impressed with her abilities he became one of her champions. Despite her accomplishments in playing blues and boogie-woogie piano and making a recording for the Bluebird label, her love was for classical music and she hoped to be a classical concert pianist.

Dorothy never forgot her love of classical music so she continued her classical studies at the University of Southern California and taking Master Classes at the University of Maryland when performing in the Washington DC area. Her perseverance in both genre made her an exceptional pianist with a rich harmonic sense.

Dorothy’s career spanned over sixty years of performing throughout the U.S. and abroad. The late 1950’s was the period during which she developed her performance style (2). The end result was a flamboyant style that tended to get in the way of her extraordinary piano playing, John. S. Wilson’s coverage of one of her performances sometime later, compared her technical virtuosity to that of Art Tatum.

Finding she was more comfortable in a live setting rather than the studio her career was centered on nightclub engagements. As a result she didn’t make many recordings. Scott Albin suggests there is a compilation CD, “Dorothy Romps: A Piano Retrospective (1953-1979) that provides a sample of her many abilities (See Dorothy Donegan’s store on Amazon.com (http://www.amazon.com/Dorothy-Donegan/e/B000AQ153K/ref=ac_dtp_sa_link ) .

To quote Scott Albin: “She was best appreciated live, in lengthy well-attended engagements at night clubs like the Embers in New York and the London House in Chicago, where she offered kaleidoscopic sets that mixed her singing, dancing, and off-color jokes with piano excursions technically comparable to those of an Art Tatum or a world-class pianist.” Despite all this talent, in jazz circles she is scarcely thought of as a jazz pianist but thought of as a lounge entertainer. This is partly because much of her appeal was based on her visual antics .

In the 1990s her talents were once again recognized through her show stopping appearances on Hank O’Neal’s Floating Jazz cruises. Dorothy also lectured and received an honorary doctoral degree from Roosevelt University in 1994. She performed at the White House in 1993 and played her last concert at the Fujitsu Concord Jazz Festival in 1997 .

Many fellow musicians found her intimidating, which accounts for her solo performances with just bass and drums (3). To quote Dorothy: “I’ve snowed them (male jazz pianists) all except one (the late Art Tatum). Most of them play like women,” .

Dorothy Donegan was married three times and died on May 19, 1998.
https://musicians.allaboutjazz.com/dorothydonegan

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Biografía:
Han pasado más de quince años desde que murió la extravagante pianista de jazz Dorothy Donegan. Lamentablemente, pocos fanáticos del jazz, ya sea entonces o ahora, son conscientes de la enorme capacidad orquestal que tenía en el teclado .

Dorothy nació en Chicago en 1924. Alentada por su madre, estudió música clásica en el Conservatorio de Chicago y en el Chicago Music College. A los dieciocho años, se convirtió en la primera afroamericana a la que se le pidió que actuara en el Orchestra Hall de Chicago. El evento creó suficiente interés como para dar lugar a un trabajo en una película (Sensaciones de 1945) .

A la edad de catorce años y estudiando piano clásico también estaba empezando su propia carrera de jazz, tocando por un dólar la noche en los bares del South Side de la ciudad. Durante una actuación en el Hi-Jinx Club una noche, conoció a Art Tatum, que quedó tan impresionado con sus habilidades que se convirtió en uno de sus campeones. A pesar de sus logros tocando el piano de blues y boogie-woogie y haciendo una grabación para el sello Bluebird, su amor por la música clásica y esperaba ser una concertista de música clásica.

Dorothy nunca olvidó su amor por la música clásica, por lo que continuó sus estudios clásicos en la Universidad del Sur de California y tomó clases magistrales en la Universidad de Maryland cuando actuó en el área de Washington DC. Su perseverancia en ambos géneros la convirtió en una pianista excepcional con un rico sentido armónico.

La carrera de Dorothy abarcó más de sesenta años de actuación en los EE.UU. y en el extranjero. A finales de los años 50 fue el período durante el cual desarrolló su estilo de interpretación (2). El resultado final fue un estilo extravagante que tendía a interponerse en el camino de su extraordinaria interpretación en el piano, John. La cobertura de S. Wilson de una de sus actuaciones algún tiempo después, comparó su virtuosismo técnico con el de Art Tatum.

Al encontrar que se sentía más cómoda en un escenario en vivo que en el estudio, su carrera se centró en los compromisos en clubes nocturnos. Como resultado, no hizo muchas grabaciones. Scott Albin sugiere que hay un CD de compilación, "Dorothy Romps": A Piano Retrospective (1953-1979) que proporciona una muestra de sus muchas habilidades (Ver la tienda de Dorothy Donegan en Amazon.com (http://www.amazon.com/Dorothy-Donegan/e/B000AQ153K/ref=ac_dtp_sa_link ) .

Citando a Scott Albin: "Se la apreciaba más en directo, en largos y bien frecuentados compromisos en clubes nocturnos como el Embers en Nueva York y la Casa de Londres en Chicago, donde ofrecía sets caleidoscópicos que mezclaban sus cantos, bailes y bromas a todo color con excursiones de piano técnicamente comparables a las de un Art Tatum o un pianista de clase mundial". A pesar de todo este talento, en los círculos de jazz no se la considera una pianista de jazz sino una artista de salón. Esto se debe en parte a que gran parte de su atractivo se basa en sus payasadas visuales.

En la década de 1990 su talento fue reconocido una vez más a través de sus apariciones en los cruceros de Jazz Flotante de Hank O'Neal. Dorothy también dio conferencias y recibió un doctorado honorario de la Universidad de Roosevelt en 1994. Tocó en la Casa Blanca en 1993 y su último concierto en el Festival de Jazz de Fujitsu Concord en 1997.

Muchos colegas músicos la encontraban intimidante, lo que explica sus actuaciones en solitario sólo con el bajo y la batería (3). Citando a Dorothy: "Los he engañado (a los pianistas masculinos de jazz) a todos excepto a uno (el difunto Art Tatum). La mayoría de ellos tocan como mujeres".

Dorothy Donegan se casó tres veces y murió el 19 de mayo de 1998.
https://musicians.allaboutjazz.com/dorothydonegan


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Gary Burton & Friends • Six Pack

 

  

Features Pat Metheny, Steve Swallow, Paul Schaffer, Mulgrew Miller -- and guest work from Jack DeJohnette, John Scofield, Jim Hall, and BB King. 

 

 

Hal McKusick • Hal McKusick Quartet

Hal McKusick was a fine journeyman cool-toned bop-based altoist and clarinetist on this 1955 Bethlehem studio date (reissued on CD by Fresh Sound), McKusick is accompanied by guitarist Barry Galbraith, bassist Milt Hinton and drummer Osie Johnson on a variety of straightahead tunes including seven originals by arranger Manny Albam - The music is pleasing, light and swinging.

This is a very rare CD of Hall McKusick Quartet - It is the East Coast Jazz Series no - 8 - It was recorded in NYC on February 1955.

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Hal McKusick fue un excelente viajero, un altoista y clarinetista de bop basado en el bop en esta fecha de 1955 en los estudios de Belén (reeditado en CD por Fresh Sound), McKusick está acompañado por el guitarrista Barry Galbraith, el bajista Milt Hinton y el baterista Osie Johnson en una variedad de melodías de cabeza recta, incluyendo siete originales del arreglista Manny Albam - La música es agradable, ligera y swing.

Este es un CD muy raro del Cuarteto Hall McKusick - Es el número de la serie de jazz de la costa este - 8 - Fue grabado en Nueva York en febrero de 1955.

René Thomas • Remembering René Thomas

 

 

Artist Biography by Scott Yanow

One of the finest European jazz guitarists to emerge during the 1950s, René Thomas appeared on many sessions with Americans during the next few decades. Influenced as one might expect by Django Reinhardt, Thomas was mostly self-taught and by the 1950s he was a greatly in-demand cool-toned guitarist, playing in a style similar to Jimmy Raney's. In addition to performing with the top European jazz musicians, Thomas worked with Chet Baker (1955), lived in Montreal during 1958-1963, played with Toshiko Akiyoshi and Sonny Rollins, was back in Europe by 1963, and during the next few years worked with Kenny Clarke, Lou Bennett, and Han Bennink among many others. During the 1969-1972 period, Thomas was a member of Stan Getz's European Band (with whom he recorded Dynasty). He died of a sudden heart attack in Spain when he was 47. As a leader, Thomas recorded for Vogue (1954), Barclay, Polydor, Jazzland (1960), RCA, Royal Jazz, and the Italian Vogel label (1974).

https://www.allmusic.com/artist/ren%C3%A9-thomas-mn0000884303/biography

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Biografía del artista por Scott Yanow

Uno de los mejores guitarristas de jazz europeos que surgieron durante la década de 1950, René Thomas apareció en muchas sesiones con estadounidenses durante las próximas décadas. Influenciado como podría esperarse por Django Reinhardt, Thomas fue en su mayoría autodidacta y en la década de 1950 era un guitarrista de tono frío muy solicitado, tocando en un estilo similar al de Jimmy Raney. Además de tocar con los mejores músicos de jazz europeos, Thomas trabajó con Chet Baker (1955), vivió en Montreal durante 1958-1963, tocó con Toshiko Akiyoshi y Sonny Rollins, regresó a Europa en 1963 y durante los siguientes años trabajó con Kenny Clarke, Lou Bennett y Han Bennink entre muchos otros. Durante el período 1969-1972, Thomas fue miembro de la Banda Europea de Stan Getz (con quien grabó Dynasty). Murió de un repentino ataque al corazón en España cuando tenía 47 años. Como líder, Thomas grabó para Vogue (1954), Barclay, Polydor, Jazzland (1960), RCA, Royal Jazz y el sello italiano Vogel (1974).

https://www.allmusic.com/artist/ren%C3%A9-thomas-mn0000884303/biography

 

 

 

Biografía por apoloybaco:

El guitarrista belga, René Thomas aprendió a los ocho años a tocar la guitarra y con el paso del tiempo, conoció la música de su paisano, Django Reinhardt y quedó para siempre cautivado por el jazz. Al poco de finalizar la II Guerra Mundial, tocó en su ciudad natal, Lieja, con Hubert Simpliss, Raoul Faisan y los "Bob Shots" con el extraordinario saxofonista Bobby Jaspar. En 1954 se unió en Paris con éste ultimo y allí conoció al segundo guitarrista que influyó decisivamente en su formación jazzistica después de Django, el maestro, Jimmy Raney.

En Paris, René Thomas cultivó toda clase de acompañantes en continuas actuaciones en jam sessions en los club de la margen izquierda del Sena, y tuvo la oportunidad de compartir escenario con Chet Baker, Henry Renaud y el ya citado, Bobby Jaspar. Cuando este último emigró a los Estados Unidos, René se marchó a Canadá a vivir en la casa de su hermana y en aquel país tuvo de nuevo la oportunidad de codearse con los mejores jazzman americanos de gira por su vecino del norte; Miles Davis, Duke Jordan, Jackie McLean o Lee Konitz fueron algunos de los músicos con los que tocó en aquélla época. Tras una breve estancia en los Estados Unidos, René Thomas regresó a Europa para actuar en el festival de jazz de Comblain-La Tour en Bélgica.

Como resultado de aquel festival, Rene y sus acompañantes formaron un quinteto con René Urtreger o Amadeo Tommasi al piano, Benoit Quersino o Giovanni Tommaso al bajo, y Daniel Humair o Franco Mondini a la batería. El éxito de aquel quinteto fue tal, que se convirtieron en el primer grupo no americano en tocar en el Ronnie Scott de Londres, participando también en varios festivales europeos de prestigio. A menudo aquel quinteto se convertía en sexteto con la incorporación del trompetista, Chet Baker.

Con esa fórmula grabaron varios discos para la RCA Victor en Italia. Tras el fallecimiento de Bobby Jaspar en 1963, René Thomas acompaño a Chet Baker entre 1969 y 1972 realizando con el varias giras por México y los Estados Unidos. Tras la vuelta de Baker a su país, Thomas se unió al trío de Lou Bennett con quien participo en el Festival de Jazz de Middelheim en 1974. Fue su ultima aparición en publico ya que al año siguiente falleció, victima de un infarto, en la localidad española de Santander, adonde había acudido a tocar con Lou Bennett. René Thomas fue uno de los grandes guitarristas de jazz europeo, y su música es muy apreciada por los jóvenes músicos del momento. http://apoloybaco.com

 

 

The Scott Hamilton Quintet ‎• In Concert

 

www.scotthamiltonsax.com ...

Warne Marsh • For The Time Being

 

 

Biography
by Scott Yanow
Along with Lee Konitz, Warne Marsh was the most successful "pupil" of Lennie Tristano and, unlike Konitz, Marsh spent most of his career exploring chordal improvisation the Tristano way. The cool-toned tenor played with Hoagy Carmichael's Teenagers during 1944-1945 and then after the Army, he was with Buddy Rich (1948) before working with Lennie Tristano (1949-1952). His recordings with Tristano and Konitz still sound remarkable today with unisons that make the two horns sound like one. Marsh had occasional reunions with Konitz and Tristano through the years, spent periods outside of music, and stayed true to his musical goals. He moved to Los Angeles in 1966 and worked with Supersax during 1972-1977, also filling in time teaching. Marsh, who collapsed and died on stage at the legendary Donte's club in 1987 while playing "Out of Nowhere," is now considered legendary. He recorded as a leader for Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reissued on V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross, and Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Junto con Lee Konitz, Warne Marsh fue el "alumno" más exitoso de Lennie Tristano y, a diferencia de Konitz, Marsh pasó la mayor parte de su carrera explorando la improvisación de acordes a la manera de Tristano. Este tenor de tono frío tocó con los Teenagers de Hoagy Carmichael durante 1944-1945 y, después del ejército, estuvo con Buddy Rich (1948) antes de trabajar con Lennie Tristano (1949-1952). Sus grabaciones con Tristano y Konitz todavía suenan de forma notable, con unísonos que hacen que las dos trompas suenen como una sola. Marsh se reunió ocasionalmente con Konitz y Tristano a lo largo de los años, pasó periodos fuera de la música y se mantuvo fiel a sus objetivos musicales. Se trasladó a Los Ángeles en 1966 y trabajó con Supersax durante 1972-1977, ocupando también tiempo en la enseñanza. Marsh, que se desplomó y murió en el escenario del legendario club Donte's en 1987 mientras tocaba "Out of Nowhere", es considerado ahora una leyenda. Grabó como líder para Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reeditado en V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross y Hot Club.
https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography

 

Marty Paich • The Rock-Jazz Incident

 

Review

The title The Rock-Jazz Incident tends to suggest something strange or disastrous occurred during the recording of this album, which is hardly the case, though this set from arranger and bandleader Marty Paich ends up having only so much to do with either rock or jazz. On The Rock-Jazz Incident, Paich takes a handful of well-known pop tunes of the day (which in this case was 1966) along with a few originals and dresses them up with contemporary big-band arrangements, dominated by horns, keyboards, and a tight, well-mannered rhythm section. While Paich was a respected figure in West Coast jazz with an impressive résumé, these sessions have more of a middle-of-the-road feel, lacking the élan and sense of adventure of his best work; this often sounds more like a film or television score than anything else, through Paich and his accompanists deliver strong, muscular work on these 11 cuts and their take on numbers like "Call Me," "It's Not Unusual," "Promise Her Anything," and "Watermelon Man" is gently idiosyncratic and entertaining. The real oddity is a honking sax workout on "Yesterday" that makes Paul McCartney's tale of lost love sound like something Ace Cannon cut on his lunch hour, but most of the pop numbers survive the transition quite well, and originals like "The Proud Camel" and "Gotta Go" reveal just a bit more swing, and on these selections Paich gives his musicians a little more room to color the surroundings. Anyone expecting a meeting of the minds between rock and jazz is going to be awfully disappointed with this album, but Paich does turn in 29 minutes of intelligent, well-crafted pop music that nods to both genres without ever taking sides, and it's an amusing curiosity in his catalog.

by Mark Deming

https://www.allmusic.com/album/the-rock-jazz-incident-mw0002029546

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Reseña

El título The Rock-Jazz Incident tiende a sugerir que algo extraño o desastroso ocurrió durante la grabación de este álbum, lo cual no es el caso, aunque este conjunto del arreglista y director de la banda Marty Paich termina teniendo poco que ver con el rock o el jazz. En The Rock-Jazz Incident, Paich toma un puñado de canciones pop muy conocidas de la época (que en este caso fue 1966) junto con algunos originales y las viste con arreglos contemporáneos de big-band, dominados por trompetas, teclados y una sección rítmica ajustada y bien educada. Aunque Paich era una figura respetada en el jazz de la costa oeste con un currículum impresionante, estas sesiones tienen más bien un aire de medio camino, carente del ímpetu y el sentido de la aventura de su mejor trabajo; esto a menudo suena más como una partitura de cine o televisión que otra cosa, a través de Paich y sus acompañantes entregan un trabajo fuerte y musculoso en estos 11 cortes y su toma de números como "Call Me", "It's Not Unusual", "Promise Her Anything" y "Watermelon Man" es suavemente idiosincrásico y entretenido. La verdadera rareza es un entrenamiento de saxo en "Yesterday" que hace que el cuento de amor perdido de Paul McCartney suene como algo que Ace Cannon cortó en su hora de almuerzo, pero la mayoría de los números pop sobreviven bastante bien a la transición, y los originales como "The Proud Camel" y "Gotta Go" revelan un poco más de swing, y en estas selecciones Paich da a sus músicos un poco más de espacio para colorear el entorno. Cualquiera que espere un encuentro de las mentes entre el rock y el jazz va a estar muy decepcionado con este álbum, pero Paich sí que convierte en 29 minutos de música pop inteligente y bien hecha que asiente a ambos géneros sin tomar partido, y es una curiosidad divertida en su catálogo.

por Mark Deming
https://www.allmusic.com/album/the-rock-jazz-incident-mw0002029546

Johnny Smith • The Johnny Smith Foursome

 

Guitarist Johnny Smith's career spans the decades of the 1940's through the 1990's. From the very beginning of his musical career he influenced the playing of other guitarists. In fact, many mention Smith as a major influence on their playing. The major guitar builders as Guild, Gibson, Benedetto, and the Heritage all have their signature Johnny Smith high end models as a tribute to this master.

John Henry Smith, Jr. was born in Birmingham, Alabama in 1922 and was only five years old when he became fascinated with the guitar. His father played five-string banjo but guitar was John's first and lasting love. Initially he was frustrated by the lack of a guitar teacher or instruction manuals: determined to master the instrument, he taught himself to play. Many outstanding and individual jazz soloists have fallen back on the empirical method for the same reason as Smith and emerged with wholly distinctive sounds. In 1935 the Smith family moved to Portland, Maine: Johnny was 13 and good enough to play in local bands.

In 1942 he joined the USAAF (he was already a student pilot) and ended up in a band which needed a cornet player rather than a guitarist. In six months he had learned the cornet well enough to be given the position of first cornetist. After his discharge from the Air Force in 1946 he went back to Portland to play both guitar and trumpet on local radio as well as playing in clubs at night, but the pay was never very good. He went to New York to work as an arranger at NBC and in 1947 he became a member of the NBC orchestra. For eight years he worked with the orchestra as guitarist, trumpeter, arranger and composer.

Although he had been greatly influenced by Django Reinhardt and Charlie Christian at the outset (he learned Django's solos from record and actually met the Gypsy guitarist when he came to the United States in 1946) Johnny did not consider himself to be a jazz musician. Nevertheless, he made his first record as leader in March 1952, in the company of Stan Getz, Eddie Safranski, Sanford Gold and Don Lamond. One title from that date, “Moonlight in Vermont,” was a turning point in Smith's career despite its short duration. “Vermont” was made for the Royal Roost label (frequently abbreviated to Roost Records) and the company signed Smith to a long-term contract during which time he produced around 20 albums. Roost was later absorbed by Roulette which reissued several of Johnny's LPs. Most of the albums featured solo guitar or a trio; two backed Smith with strings playing arrangements the guitarist wrote himself. There was a great appeal to Smith's graceful, melodic treatment of superior tunes. Not only the record-buying public but hundreds of guitarists found the music entrancing. The dexterous fingering, the perfection of manner in which he ran chords and arpeggios, all contributed to the acclaim for Johnny's work.

During his tenure at Roost Records, he produced a long list of significant recordings that include the great quartet recordings: “The Johnny Smith Quartet,” and “The Sound of The Johnny Smith Guitar” among others. Also, during this period he made the “Man With The Blue Guitar.” This album, unusual for its time, has probably been transcribed more than any other Johnny Smith recording. Then there was the production “Annotations of The Muses,” on which Johnny Smith displays everything that made him a great musician and an extraordinary guitar player.

Johnny Smith retired from the jazz scene in the 1960's to Colorado where he opened a music store. He continued to play in local nightclubs and made a recording with some local musicians “Reminiscing,” that showed he had lost none of the signature Johnny Smith style or technique. His last recorded work was the Concord Records CD “Legends,” in 1994.

The Johnny Smith Guitars:

In 1955, after discussions with the Guild Guitar Company, Smith designed a guitar and sent the drawings and specifications to the company. The Guild designers modified it (to Smith's dissatisfaction), and manufactured the resulting guitar as the Guild Johnny Smith Award.

In 1961, Gibson, went to meet the retired Smith at his home in Colorado Springs. Smith designed the guitar he wanted built. The design was accepted by Gibson with a few minor cosmetic changes which were acceptable to Smith. Gibson began production of the resulting Gibson Johnny Smith model that year. Guild continued to produce their Johnny Smith guitar under the model name Guild Artist Award.

When Gibson moved its manufacturing facilities from Kalamazoo, Michigan to Nashville, Tennessee, several of their managers and artisans chose to stay behind. Many of these ex-employees formed Heritage Guitars and bought the old Kalamazoo factory from Gibson. Given a choice between Gibson and Heritage building the guitar that bore his name, Smith chose to stay with the old artisans at the old location under new ownership. The Heritage Johnny Smith model was introduced in 1989. Like Guild before them, Gibson continued to manufacture their version of the Johnny Smith design with a new name: the Gibson LeGrand.

Fender Musical Instruments Corporation, of which Guild Guitars was a subsidiary, asked Smith if he would be willing to return his endorsement to the Guild Artist Award. Familiar with Schultz's management, and knowing that the construction would be supervised by master luthier Bob Benedetto, Smith agreed. The Guild Johnny Smith Award by Benedetto was available through Guild dealers until early 2006 when Benedetto left Fender.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/johnnysmith

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La carrera del guitarrista Johnny Smith abarca las décadas de 1940 a 1990. Desde el principio de su carrera musical influyó en la interpretación de otros guitarristas. De hecho, muchos mencionan a Smith como una gran influencia en su juego. Los principales constructores de guitarras como Guild, Gibson, Benedetto y Heritage tienen sus modelos de gama alta Johnny Smith como tributo a este maestro.

John Henry Smith, Jr. nació en Birmingham, Alabama en 1922 y tenía sólo cinco años cuando se fascinó con la guitarra. Su padre tocaba el banjo de cinco cuerdas, pero la guitarra fue el primer y duradero amor de John. Al principio se sintió frustrado por la falta de un profesor de guitarra o de manuales de instrucciones: decidido a dominar el instrumento, aprendió a tocarlo él mismo. Muchos solistas de jazz sobresalientes e individuales han recurrido al método empírico por la misma razón que Smith y han surgido con sonidos totalmente distintivos. En 1935 la familia Smith se mudó a Portland, Maine: Johnny tenía 13 años y era lo suficientemente bueno para tocar en bandas locales.

En 1942 se unió a la USAAF (ya era un estudiante de pilotos) y terminó en una banda que necesitaba un corneta en lugar de un guitarrista. En seis meses había aprendido la corneta lo suficientemente bien como para que le dieran la posición de primer cornetista. Después de ser dado de baja de la Fuerza Aérea en 1946, regresó a Portland para tocar la guitarra y la trompeta en la radio local, así como en clubes nocturnos, pero la paga nunca fue muy buena. Se fue a Nueva York para trabajar como arreglista en la NBC y en 1947 se convirtió en miembro de la orquesta de la NBC. Durante ocho años trabajó con la orquesta como guitarrista, trompetista, arreglista y compositor.

Aunque había sido muy influenciado por Django Reinhardt y Charlie Christian al principio (aprendió los solos de Django a partir de un disco y conoció al guitarrista gitano cuando vino a los Estados Unidos en 1946), Johnny no se consideraba a sí mismo un músico de jazz. Sin embargo, hizo su primer disco como líder en marzo de 1952, en compañía de Stan Getz, Eddie Safranski, Sanford Gold y Don Lamond. Un título de esa fecha, "Moonlight in Vermont", fue un punto de inflexión en la carrera de Smith a pesar de su corta duración. "Vermont" se hizo para el sello Royal Roost (frecuentemente abreviado como Roost Records) y la compañía firmó un contrato a largo plazo con Smith durante el cual produjo alrededor de 20 álbumes. Roost fue absorbido más tarde por Roulette, que reeditó varios de los LPs de Johnny. La mayoría de los álbumes contenían una guitarra solista o un trío; dos respaldan a Smith con cuerdas que tocan arreglos que el guitarrista escribió él mismo. Había una gran atracción por el tratamiento elegante y melódico que Smith daba a las melodías superiores. No sólo el público comprador de discos, sino también cientos de guitarristas encontraron la música fascinante. La destreza de los dedos, la perfección de la forma en que dirigía los acordes y los arpegios, contribuyeron a la aclamación de la obra de Johnny.

Durante su mandato en Roost Records, produjo una larga lista de grabaciones significativas que incluyen las grabaciones de los grandes cuartetos: "The Johnny Smith Quartet" y "The Sound of The Johnny Smith Guitar", entre otros. Además, durante este período hizo el "Hombre con la Guitarra Azul". Este álbum, inusual para su época, probablemente ha sido transcrito más que cualquier otra grabación de Johnny Smith. A continuación, la producción "Annotations of The Muses" (Anotaciones de las musas), en la que Johnny Smith muestra todo lo que lo convirtió en un gran músico y un extraordinario guitarrista.

Johnny Smith se retiró de la escena del jazz en los años 60 a Colorado, donde abrió una tienda de música. Continuó tocando en clubes nocturnos locales e hizo una grabación con algunos músicos locales "Reminiscing", que demostró que no había perdido nada del estilo o la técnica de Johnny Smith. Su último trabajo discográfico fue el CD "Legends" de Concord Records, en 1994.

Las guitarras Johnny Smith:

En 1955, después de discusiones con la Guild Guitar Company, Smith diseñó una guitarra y envió los dibujos y especificaciones a la compañía. Los diseñadores del Guild lo modificaron (para insatisfacción de Smith), y fabricaron la guitarra resultante como el Premio Guild Johnny Smith.

En 1961, Gibson fue a ver al jubilado Smith a su casa en Colorado Springs. Smith diseñó la guitarra que quería construir. El diseño fue aceptado por Gibson con algunos cambios cosméticos menores que fueron aceptables para Smith. Gibson comenzó la producción del modelo Gibson Johnny Smith resultante ese año. Guild continuó produciendo su guitarra Johnny Smith bajo el nombre de Guild Artist Award.

Cuando Gibson trasladó sus instalaciones de fabricación de Kalamazoo, Michigan, a Nashville, Tennessee, varios de sus gerentes y artesanos decidieron quedarse atrás. Muchos de estos ex-empleados formaron Heritage Guitars y compraron la antigua fábrica de Kalamazoo a Gibson. Cuando tuvo que elegir entre Gibson y Heritage para construir la guitarra que llevaba su nombre, Smith eligió quedarse con los antiguos artesanos en la antigua ubicación bajo la nueva propiedad. El modelo Heritage Johnny Smith fue introducido en 1989. Como Guild antes que ellos, Gibson continuó fabricando su versión del diseño de Johnny Smith con un nuevo nombre: el Gibson LeGrand.

Fender Musical Instruments Corporation, de la cual Guild Guitars era una subsidiaria, le preguntó a Smith si estaría dispuesto a devolver su apoyo al Premio Guild Artist. Familiarizado con la administración de Schultz, y sabiendo que la construcción sería supervisada por el maestro luthier Bob Benedetto, Smith estuvo de acuerdo. El premio Guild Johnny Smith de Benedetto estuvo disponible a través de los distribuidores del Guild hasta principios de 2006, cuando Benedetto dejó Fender.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/johnnysmith

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