Chick Corea • The Leprechaun

 

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The Atlantic Family • Live At Montreux

 

Review by Scott Yanow
This double LP was recorded at a series of concerts sponsored by Atlantic Records at the 1976 Montreux Jazz Festival. The mixture of jazz and R&B musicians is quite odd and sometimes stimualting. In addition to members of The Average White Band and soul singers Ben E. King and Luther Vandross, such players as tenor-saxophonist Michael Brecker, trumpeter Randy Brecker, altoist Sonny Fortune, flutist Herbie Mann, tenor-saxophonist David "Fathead" Newman and even trumpeter Don Ellis have their solos. It's an odd but ultimately successful jam session, long out-of-print. 
https://www.allmusic.com/album/the-atlantic-family-live-at-montreux-mw0000965877

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Rezension von Scott Yanow
Diese Doppel-LP wurde bei einer Reihe von Konzerten aufgenommen, die von Atlantic Records anlässlich des Montreux Jazz Festivals 1976 gesponsert wurden. Die Mischung aus Jazz- und R&B-Musikern ist recht ungewöhnlich und manchmal anregend. Neben Mitgliedern der Average White Band und den Soulsängern Ben E. King und Luther Vandross haben auch Tenorsaxophonist Michael Brecker, Trompeter Randy Brecker, Altist Sonny Fortune, Flötist Herbie Mann, Tenorsaxophonist David „Fathead“ Newman und sogar Trompeter Don Ellis ihre Soli. Es ist eine seltsame, aber letztlich erfolgreiche Jam-Session, die lange vergriffen war. 
https://www.allmusic.com/album/the-atlantic-family-live-at-montreux-mw0000965877

Chick Corea • Tone's For Joan's Bones

 

Review
by Jim Todd
Tones for Joan's Bones, Chick Corea's first session as a leader, is a blazing, advanced hard bop set from late 1966, with writing that reveals an affinity with McCoy Tyner's seminal hard bop structures from this period. Tenor player Joe Farrell and trumpeter Woody Shaw are ideal for this music. They deliver virtuoso performances that are both visceral and cerebral. Steve Swallow, while later focusing exclusively on electric bass, often with a melodic, impressionistic approach, is pure thunder here. In a blindfold test his acoustic bass could be mistaken for Buster Williams'. Drummer Joe Chambers is all relentless, propulsive energy, but subtle too. Corea is a torrent of harmonic and melodic imagination, couched in unerring rhythm. Anybody with an interest in this vital and exciting period will find this session indispensable.   
https://www.allmusic.com/album/tones-for-joans-bones-mw0000667435

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Reseña
por Jim Todd
Tones for Joan's Bones, la primera sesión de Chick Corea como líder, es un ardiente y avanzado set de hard bop de finales de 1966, con de finales de 1966, con una escritura que revela una afinidad con las estructuras seminales de hard bop de McCoy Tyner de este período. El tenorista Joe Farrell y el trompetista Woody Shaw son ideales para esta música. Ofrecen interpretaciones virtuosas que son a la vez viscerales y cerebrales. Steve Swallow, aunque más tarde se centró exclusivamente en el bajo eléctrico, a menudo con un melódico e impresionista, aquí es puro trueno. En una prueba su bajo acústico podría confundirse con el de Buster Williams. El batería Joe Chambers es todo energía implacable y propulsiva, pero también sutil. Corea es un torrente de imaginación armónica y melódica, envuelto en un ritmo infalible. Cualquiera que se interese por este periodo vital y apasionante encontrará indispensable.   
https://www.allmusic.com/album/tones-for-joans-bones-mw0000667435

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VA • Birth Of The Cool Funk - Vintage Jams And Serious Grooves [3 Vols.]

 

 

 

 

 

Harold Vick • Watch What Happens

 

About Harold Vick:
"When Harold Vick was a young boy his ambitions went in two directions. Either he would become a professional basketball player or a professional musician. As he grew up he attained six feet four inches, the height that helps an aspiring basketball player, and he also had talent, evidenced by his winning an award in the sport while at college. As a child in Rocky Mount, North Carolina (he was born there on April 3, 1936), Vick heard the music of Louis Armstrong and Bing Crosby on his grandmother's Gramophone. When Vick was fifteen he received a tenor saxophone for Christmas, and in seven months he was playing weekend jobs. After high school he entered Howard University in Washington, D.C. where he studied psychology and sociology. Although he knew, after two years, that music was to be his life, he decided to finish his liberal arts education before devoting himself fully to his chosen profession.

Until his graduation in 1958, Harold helped support himself by working in the house band at the Howard Theater under former Ellington saxophonist Rick Henderson. There he was able to play with pros and absorb the kind of varied experience that is invaluable to the young musician. After graduation Vick began working with a series of bands that used to be called rhythm and blues. First he was with Red Prysock, then Paul Williams, Ruth Brown and Lloyd Price. In 1960 he left Price, came to New York, and gigged with Howard McGhee and Philly Joe Jones. Then he became part of organist Jack McDuff's group for several years. Recently he has appeared with the quartet of pianist Walter Bishop, Jr., and in a big band led by pianist Duke Pearson.

Through the years, some of Vick's preferred saxophonists have been Lester Young, Sonny Stitt, Sonny Rollins, Dexter Gordon, Gene Ammons and John Coltrane. He credits Miles Davis' former tenorman George Coleman with helping his approach. From this list you can get an idea of Harold's playing attitude. It is modern, but within a tradition that stands for melodic improvisation and that forward thrust known as swing. It has a relaxed, unhurried, unharried quality that is decidedly very easy listening." - Ira Gitler
https://www.freshsoundrecords.com/harold-vick-albums/3634-watch-what-happens-featuring-herbie-hancock.html

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Sobre Harold Vick:
"Cuando Harold Vick era joven, sus ambiciones iban en dos direcciones. O se convertía en jugador profesional de baloncesto o en músico profesional. A medida que crecía llegó a medir 1,90 m, la estatura que ayuda a un aspirante a jugador de baloncesto, y también tenía talento, como demuestra el hecho de que ganara un premio en este deporte mientras estaba en la universidad. De niño en Rocky Mount, Carolina del Norte (nació allí el 3 de abril de 1936), Vick escuchaba la música de Louis Armstrong y Bing Crosby en el gramófono de su abuela. Cuando Vick tenía quince años recibió un saxofón tenor por Navidad, y en siete meses ya tocaba los fines de semana. Después del instituto, ingresó en la Universidad Howard de Washington D.C., donde estudió psicología y sociología. Aunque a los dos años ya sabía que la música iba a ser su vida, decidió terminar sus estudios de artes liberales antes de dedicarse plenamente a la profesión que había elegido.

Hasta su graduación en 1958, Harold se ayudó a sí mismo trabajando en la banda del Howard Theater con el antiguo saxofonista de Ellington Rick Henderson. Allí pudo tocar con profesionales y absorber el tipo de experiencia variada que tiene un valor incalculable para el joven músico. Tras su graduación, Vick empezó a trabajar con una serie de bandas que solían llamarse de rhythm and blues. Primero estuvo con Red Prysock, luego con Paul Williams, Ruth Brown y Lloyd Price. En 1960 dejó a Price, vino a Nueva York y actuó con Howard McGhee y Philly Joe Jones. Después formó parte del grupo del organista Jack McDuff durante varios años. Recientemente ha actuado con el cuarteto del pianista Walter Bishop, Jr. y en una big band dirigida por el pianista Duke Pearson.

A lo largo de los años, algunos de los saxofonistas preferidos de Vick han sido Lester Young, Sonny Stitt, Sonny Rollins, Dexter Gordon, Gene Ammons y John Coltrane. Reconoce que George Coleman, antiguo tenor de Miles Davis, le ayudó en su enfoque. Esta lista permite hacerse una idea de la actitud de Harold a la hora de tocar. Es moderna, pero dentro de una tradición que defiende la improvisación melódica y ese empuje hacia delante conocido como swing. Tiene una cualidad relajada, sin prisas, sin prisas, que es decididamente muy fácil de escuchar". - Ira Gitler
https://www.freshsoundrecords.com/harold-vick-albums/3634-watch-what-happens-featuring-herbie-hancock.html

Billy Cobham • Spectrum

 

Review
by Scott Yanow

Drummer Billy Cobham was fresh from his success with the Mahavishnu Orchestra when he recorded his debut album, which is still his best. Most of the selections showcase Cobham in a quartet with keyboardist Jan Hammer, guitarist Tommy Bolin, and electric bassist Lee Sklar. Two other numbers include Joe Farrell on flute and soprano and trumpeter Jimmy Owens with guitarist John Tropea, Hammer, bassist Ron Carter, and Ray Barretto on congas. The generally high-quality compositions (which include "Red Baron") make this fusion set a standout, a strong mixture of rock-ish rhythms and jazz improvising.

https://www.allmusic.com/album/spectrum-mw0000312224

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Reseña
por Scott Yanow

El batería Billy Cobham acababa de triunfar con la Mahavishnu Orchestra cuando grabó su álbum de debut, que sigue siendo el mejor de su carrera. La mayoría de las selecciones muestran a Cobham en un cuarteto con el teclista Jan Hammer, el guitarrista Tommy Bolin y el bajista eléctrico Lee Sklar. Otros dos números incluyen a Joe Farrell a la flauta y al soprano y al trompetista Jimmy Owens con el guitarrista John Tropea, Hammer, el bajista Ron Carter y Ray Barretto a las congas. Las composiciones, en general de gran calidad (entre las que se incluye "Red Baron"), hacen que este conjunto de fusión destaque, una fuerte mezcla de ritmos rockeros e improvisación jazzística.
https://www.allmusic.com/album/spectrum-mw0000312224

www.billycobham.com ...

Jaki Byard ft. Joe Farrell • The Last From Lennie's

 

Review
by Ronnie D. Lankford, Jr.  
There's a good and bad side of releasing old material that's been buried in a record label's vault or someone's attic. If the material's solid, say a live date from an artist's prime, then it's a Godsend. If the material is weak, or repeats earlier releases in a weaker form, it does a disservice to the artist. Luckily for fans of pianist Jaki Byard, the quartet recordings on Last From Lennie's are bursting with creative energy. Taped on April 14, 1965, Byard is joined by saxophonist Joe Farrell, bassist George Tucker, and drummer Alan Dawson for an adventurous live set. With a couple exceptions -- "After You've Gone/Strolling Along," and the obscure "King David" -- everything here clocks in at over nine minutes, leaving plenty of space for the band to explore the far edges of each piece. There are eight- and nine-minute versions of "Dolphy," a kinetic, off-kilter ode that recalls, though never imitates, Charles Mingus, with whom both Byard and Dolphy had played. Farrell's solo work takes some uncharted turns here, with the rest of the band pushing him on as Byard shouts out directions. Finally, one wouldn't want to miss the nine-minute medley of "Tea for Two," "Lover," "Strolling Along," "Cherokee," and "Shiny Stockings," all played at a marvelously mad pace. The interplay between all partners also brings forth great things from Tucker and Dawson, topping off an intense, fiery set. Like all good vault releases, Last From Lennie's reminds listeners of just how good Byard and his bandmates were.
https://www.allmusic.com/album/the-last-from-lennies-mw0000321793

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Revista
por Ronnie D. Lankford, Jr.  
Publicar material antiguo que ha estado enterrado en la cámara acorazada de un sello discográfico o en el desván de alguien tiene su lado bueno y su lado malo. Si el material es sólido, por ejemplo una fecha en directo del mejor momento de un artista, es una bendición. Si el material es débil, o repite lanzamientos anteriores en una forma más débil, hace un flaco favor al artista. Por suerte para los fans del pianista Jaki Byard, las grabaciones del cuarteto en Last From Lennie's rebosan energía creativa. Grabado el 14 de abril de 1965, Byard está acompañado por el saxofonista Joe Farrell, el bajista George Tucker y el batería Alan Dawson en un set en directo lleno de aventuras. Con un par de excepciones - "After You've Gone/Strolling Along" y la oscura "King David"-, todas las piezas duran más de nueve minutos, lo que deja mucho espacio para que la banda explore los límites de cada pieza. Hay versiones de ocho y nueve minutos de "Dolphy", una oda cinética y fuera de ritmo que recuerda, aunque nunca imita, a Charles Mingus, con quien tanto Byard como Dolphy habían tocado. El trabajo en solitario de Farrell toma aquí algunos giros desconocidos, con el resto de la banda empujándole mientras Byard grita indicaciones. Por último, uno no querría perderse el popurrí de nueve minutos de "Tea for Two", "Lover", "Strolling Along", "Cherokee" y "Shiny Stockings", todas tocadas a un ritmo maravillosamente loco. La interacción entre todos los miembros del grupo también aporta grandes cosas de Tucker y Dawson, coronando un conjunto intenso y ardiente. Como todos los buenos lanzamientos de bóveda, Last From Lennie's recuerda a los oyentes lo buenos que eran Byard y sus compañeros de banda.
https://www.allmusic.com/album/the-last-from-lennies-mw0000321793

Jaki Byard • Live!

 

Review
by Scott Yanow
Except for a ballad medley, this CD reissues all of the music from two earlier LPs featuring pianist Jaki Byard, Joe Farrell (who plays tenor, soprano, flute, and even some drums), bassist George Tucker, and drummer Alan Dawson (doubling on vibes). The set, recorded live at Lennie's-on-the-Turnpike in Massachusetts, is a superior outing for all of the players. Farrell shows just how strong a player he was while Byard's versatility (and full knowledge of all jazz piano styles) keeps the proceedings continually unpredictable. Recommended.
https://www.allmusic.com/album/live%21-mw0000092178

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Reseña
por Scott Yanow
Excepto un popurrí de baladas, este CD reedita toda la música de dos LPs anteriores con el pianista Jaki Byard, Joe Farrell (que toca el tenor, soprano, flauta, e incluso algo de batería), el bajista George Tucker, y el batería Alan Dawson (doblando en vibráfono). El conjunto, grabado en directo en Lennie's-on-the-Turnpike en Massachusetts, es una salida superior para todos los músicos. Farrell demuestra lo fuerte que era como pianista, mientras que la versatilidad de Byard (y su pleno conocimiento de todos los estilos de piano de jazz) hace que las actuaciones sean continuamente impredecibles. Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/live%21-mw0000092178

Thad Jones & Mel Lewis • Live At The Village Vanguard

 

Vanguard Review by Scott Yanow
The second recording by the Thad Jones/Mel Lewis Jazz Orchestra is the equal of the first. Most memorable here are "Little Pixie," Fats Waller's "Willow Tree," and particularly, the spirited "Don't Git Sassy." With arrangements by Thad Jones, Bob Brookmeyer and Garnett Brown, and an all-star cast that includes trumpeters Snooky Young, Marvin Stamm and Richard Gene Williams, valve trombonist Bob Brookmeyer, the reeds of Jerome Richardson, Jerry Dodgion, Joe Farrell, Eddie Daniels and Pepper Adams (all of whom solo), pianist Roland Hanna and bassist Richard Davis, among others, this was one of the great big bands. Fortunately, the exciting music on this out of print LP has been reissued on CD as part of a very complete Mosaic box set.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-village-vanguard-mw0000701902

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Crítica de Vanguard por Scott Yanow
La segunda grabación de la Thad Jones/Mel Lewis Jazz Orchestra está a la altura de la primera. Los temas más memorables son «Little Pixie», «Willow Tree» de Fats Waller y, sobre todo, la enérgica «Don't Git Sassy». Con arreglos de Thad Jones, Bob Brookmeyer y Garnett Brown, y un elenco de estrellas que incluye a los trompetistas Snooky Young, Marvin Stamm y Richard Gene Williams, el trombonista de válvula Bob Brookmeyer, las cañas de Jerome Richardson, Jerry Dodgion, Joe Farrell, Eddie Daniels y Pepper Adams (todos ellos en solitario), el pianista Roland Hanna y el bajista Richard Davis, entre otros, ésta fue una de las grandes big bands. Afortunadamente, la apasionante música de este LP descatalogado se ha reeditado en CD como parte de una caja muy completa de Mosaic.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-village-vanguard-mw0000701902

Thad Jones-Mel Lewis Orchestra • Newport Jazz Festival 1966

 

 

Liner Notes
Thad Jones -- cornet, flugelhorn, principal composer; Danny Stiles -- trumpet; Bill Berry -- trumpet; Richard Williams -- trumpet; Jimmy Nottingham -- trumpet; Bob Brookmeyer -- trombone; Jack Rains -- trombone; Tom McIntosh -- trombone; Cliff Heather -- trombone; Pepper Adams -- baritone sax; Jerome Richardson -- reeds; Jerry Dodgion -- alto sax; Joe Farrell -- tenor sax; Eddie Daniels -- tenor sax; Hank Jones -- piano; Richard Davis -- bass; Sam Herman -- percussion; Mel Lewis -- drums; Special Guest:; Joe Williams - vocals

It was near the end of 1965 that trumpeter-composer-arranger Thad Jones, a member of the musical Jones family out of Detroit and a longtime member and key component of the Count Basie Orchestra, teamed up with former Stan Kenton big band drummer Mel Lewis to form a powerhouse aggregation that took big band jazz into a modern era. Their Thad Jones-Mel Lewis Orchestra began a regular engagement at the Village Vanguard in February 1966 (documented on the live album Opening Night). With such formidable soloists as valve trombonist Bob Brookmeyer, tenor saxophonist Joe Farrell, trumpeter Richard Williams, baritone sax ace Pepper Adams and Thad's older brother Hank Jones on piano, the Thad-Mel big band juggernaut made a huge impact in its first Newport Jazz Festival appearance later that summer.

Hank Jones kicks off this Newport set in tasty fashion with an extended piano intro on the band's opener, "The Second Race," accompanied only by bassist Richard Davis and drummer Lewis. Joining this jauntily swinging piano trio on muted trumpet is Richard Williams, and the quartet hits a nice groove before the full ensemble comes in at the three-minute mark. Jones' dynamic arrangement for the horns proceeds for another minute before Farrell launches into an inspired, fire-breathing tenor solo at the four-minute mark. The full compliment of horns enters the fray to bring this Newport opener to an exciting, flag-waving conclusion in the best Basie fashion. Next up is a fresh take on the gorgeous standard "Willow Weep for Me," featuring some adventurous arranging by Bob Brookmeyer, who also contributes a remarkably facile trombone solo. Trumpeter Williams turns in a stirring solo on this well known number given a new suit of clothes by Brookmeyer's clever reharmonizations and swirling, contrapuntal voicings in the horn section.

The frontline of Farrell, alto saxophonist Jerry Dodgion, tenor saxophonist Eddie Daniels and baritone saxophonist Pepper Adams is featured on some tightly woven harmony and unison lines, a la Woody Herman's Four Brothers from his Thundering Herd, on Jones' invigorating big band swinger "Little Pixie," which is fueled by Lewis' energetic drumming. Older brother Hank contributes another tasty piano solo before giving way for the individual horn soloists. Farrell and Adams, in particular, burn white-hot here in stretching out on this exhilarating uptempo romp. Trumpeter Williams follows the succession of sax solos with a bristling solo of his own. Following a brief bit of humorous between-songs instrumental banter between unidentified saxophonist and trumpeter, the band launches into "Big Dipper," another Jones original premiered on Opening Night. Trumpeter Williams is prominently featured on this bluesy midtempo swinger.

At this point in the show, the great jazz singer and former Basie-ite Joe Williams joins the Thad Jones-Mel Lewis Orchestra as a special guest. Together they run through a moving rendition of Duke Ellington's spiritual, "Come Sunday," along with the upbeat, solidly swinging "Jump for Joy," which Williams had premiered at the 1963 Newport Jazz Festival (documented on his RCA albumAt Newport '63 and the rollicking Basie chestnut "Sent for you Yesterday," giving this July 2nd Newport audience a preview of the Solid State album Presenting Joe Williams and Thad Jones/Mel Lewis Orchestra, which was recorded in September and released later that year. Jones and Lewis co-led the big band through 1978, when Jones suddenly relocated to Copenhagen and formed his own band, Eclipse. It continued as the Mel Lewis Jazz Orchestra up until the drummer's death in 1990 and since then the Thad Jones book has been performed every Monday night at the Village Vanguard by the resident Vanguard Jazz Orchestra, continuing a five decade tradition which began with that initial appearance back in 1966, just a few months before this Newport Jazz Festival performance. -- Bill Milkowski
https://www.wolfgangs.com/music/thad-jones-mel-lewis-orchestra/audio/20020009-51074.html?tid=40313

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Notas:
Thad Jones -- corneta, fliscorno, compositor principal; Danny Stiles -- trompeta; Bill Berry -- trompeta; Richard Williams -- trompeta; Jimmy Nottingham -- trompeta; Bob Brookmeyer -- trombón; Jack Rains -- trombón; Tom McIntosh -- trombón; Cliff Heather -- trombón; Pepper Adams -- saxo barítono; Jerome Richardson -- cañas; Jerry Dodgion -- saxo alto; Joe Farrell -- saxo tenor; Eddie Daniels -- saxo tenor; Hank Jones -- piano; Richard Davis -- bajo; Sam Herman -- percusión; Mel Lewis -- batería; Invitado especial: ; Joe Williams - voz

Fue a finales de 1965 cuando el trompetista-compositor-arreglista Thad Jones, miembro de la musical familia Jones de Detroit y miembro durante mucho tiempo y componente clave de la Count Basie Orchestra, se unió al antiguo batería de la big band Stan Kenton, Mel Lewis, para formar una poderosa agrupación que llevó a la big band jazz a una era moderna. Su Thad Jones-Mel Lewis Orchestra comenzó a tocar regularmente en el Village Vanguard en febrero de 1966 (documentado en el álbum en directo Opening Night). Con solistas tan formidables como el trombonista de válvulas Bob Brookmeyer, el saxofonista tenor Joe Farrell, el trompetista Richard Williams, el as del saxo barítono Pepper Adams y el hermano mayor de Thad, Hank Jones, al piano, la big band de Thad-Mel causó un gran impacto en su primera aparición en el Festival de Jazz de Newport ese mismo verano.

Hank Jones da el pistoletazo de salida a este set de Newport de forma sabrosa con una extensa introducción al piano en el primer tema de la banda, "The Second Race", acompañado únicamente por el bajista Richard Davis y el batería Lewis. Richard Williams se une a este trío de piano de swing alegre con una trompeta apagada, y el cuarteto alcanza un ritmo agradable antes de que el conjunto completo entre en la marca de los tres minutos. El dinámico arreglo de Jones para las trompas continúa durante un minuto más antes de que Farrell se lance a un inspirado solo de tenor en el minuto cuatro. El complemento completo de vientos entra en escena para llevar este comienzo de Newport a una conclusión emocionante, ondeando la bandera al mejor estilo Basie. Lo siguiente es una nueva versión del precioso estándar "Willow Weep for Me", con unos arreglos aventureros de Bob Brookmeyer, que también contribuye con un solo de trombón extraordinariamente fácil. El trompetista Williams hace un conmovedor solo en este conocido tema, al que Brookmeyer ha dado un nuevo traje con sus inteligentes rearmonizaciones y sus arremolinadas voces contrapuntísticas en la sección de vientos.

La primera línea de Farrell, el saxofonista alto Jerry Dodgion, el saxofonista tenor Eddie Daniels y el saxofonista barítono Pepper Adams aparece en algunas líneas de armonía y unísono estrechamente entretejidas, a la Woody Herman's Four Brothers de su Thundering Herd, en la vigorizante big band swinger de Jones "Little Pixie", que es alimentada por la enérgica batería de Lewis. El hermano mayor Hank contribuye con otro sabroso solo de piano antes de dar paso a los solistas de trompa. Farrell y Adams, en particular, están que arden en este estimulante retozo a ritmo acelerado. El trompetista Williams sigue la sucesión de solos de saxo con su propio solo. Tras una breve broma instrumental entre canciones entre un saxofonista y un trompetista no identificados, la banda se lanza con "Big Dipper", otro original de Jones estrenado en la noche inaugural. El trompetista Williams ocupa un lugar destacado en este blues a medio tiempo.

En este punto del espectáculo, el gran cantante de jazz y antiguo seguidor de Basie Joe Williams se une a la Orquesta Thad Jones-Mel Lewis como invitado especial. Juntos interpretan una conmovedora versión del espiritual de Duke Ellington, "Come Sunday", junto con la alegre y sólida "Jump for Joy", que Williams había estrenado en el Festival de Jazz de Newport de 1963 (documentada en su álbum de RCAAt Newport '63) y la alegre castaña de Basie "Sent for you Yesterday", ofreciendo al público de Newport del 2 de julio un anticipo del álbum de Solid State Presenting Joe Williams and Thad Jones/Mel Lewis Orchestra, que se grabó en septiembre y salió a la venta ese mismo año. Jones y Lewis codirigieron la big band hasta 1978, cuando Jones se trasladó repentinamente a Copenhague y formó su propia banda, Eclipse. Continuó como Mel Lewis Jazz Orchestra hasta la muerte del batería en 1990 y desde entonces el libro de Thad Jones ha sido interpretado cada lunes por la noche en el Village Vanguard por la Vanguard Jazz Orchestra residente, continuando una tradición de cinco décadas que comenzó con aquella aparición inicial allá por 1966, sólo unos meses antes de esta actuación en el Festival de Jazz de Newport. -- Bill Milkowski
https://www.wolfgangs.com/music/thad-jones-mel-lewis-orchestra/audio/20020009-51074.html?tid=40313

Joe Farrell Quartet • Joe Farrell Quartet

 

Review
by Scott Yanow
Joe Farrell, known in the '60s as a solid hard bop tenor saxophonist, branched out in the '70s. On this near-classic album, Farrell switches between tenor, soprano, flute, and even oboe while being joined by a rather notable backup crew: keyboardist Chick Corea, guitarist John McLaughlin, bassist Dave Holland, and drummer Jack DeJohnette. In addition to a famous version of McLaughlin's "Follow Your Heart," the material includes originals by Farrell and Corea, and the leader makes a strong impression on each of his horns.
https://www.allmusic.com/album/joe-farrell-quartet-mw0000187989

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Reseña
por Scott Yanow
Joe Farrell, conocido en los 60 como un sólido saxofonista tenor de hard bop, se diversificó en los 70. En este álbum casi clásico, Farrell cambia entre tenor, soprano, flauta e incluso oboe mientras se le une un equipo de apoyo bastante notable: el teclista Chick Corea, el guitarrista John McLaughlin, el bajista Dave Holland y el baterista Jack DeJohnette. Además de una famosa versión de "Follow Your Heart" de McLaughlin, el material incluye originales de Farrell y Corea, y el líder se luce con cada una de sus trompas.
https://www.allmusic.com/album/joe-farrell-quartet-mw0000187989

Andrew Hill • Passing Ships

 

 

Review by Thom Jurek
Now this is more like it. In its Connoisseur Series, Blue Note is making available a completely unreleased Andrew Hill date from 1969. Passing Ships wasn't even included in the Mosaic box because the master tape wasn't found until 2001. The band Hill employed on this session was a nonet, featuring Woody Shaw and Dizzy Reece on trumpets, Joe Farrell on reeds, woodwinds, and English horn, Howard Johnson on tuba and bass clarinet, Ron Carter on bass, Lenny White (on only his second recording date) playing drums, trombonist Julian Priester, and French horn player Bob Northern. The music here is ambitious. Hill's scoring for one reed, two trumpets, and low brass is remarkable for the time. In fact, it isn't until his big-band album of 2002 that he ever ventured into these waters again. The title cut, with its bass clarinet and English horn counterpoint, is almost classical in structure but nearly Malian in melody. While the cut's dynamics are restrained, its color palette -- especially with the lilting muted trumpets playing a mysterious harmonic line -- is flush and royal. "Plantation Bag" is a showcase for Farrell's tough, grooved-out soloing as he blows blue and free in response to Hill's funky, large-spread chord voicings. The trumpets layer one another in the middle of the tune, alternately soloing and punching comp lines through the middle. The Asian melodic figures at the heart of "Noon Tide" add exoticism to one of the most adventurous tunes ever written by Hill. Rhythmically it turns on pulse rhythms that shift and slide methodically as Priester takes the tune's first solo, playing against Hill's left-hand stridency. Of the remaining three selections, "Cascade," with its staggered harmonic architecture that goes against all common wisdom for big-band harmony, is remarkable for its precision and rhythmic invention. Why this isn't going to be out there for the general public for all time is beyond reason. Why punish the artist that way? Conventional wisdom would suggest that something that has been unearthed for the first time in 34 years deserves to be a part of the general catalog. Get it quick.

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Reseña de Thom Jurek
Esto es más bien esto. En su Connoisseur Series, Blue Note pone a disposición una fecha completamente inédita de Andrew Hill de 1969. Passing Ships ni siquiera se incluyó en la caja Mosaic porque la cinta maestra no se encontró hasta 2001. La banda que empleó Hill en esta sesión era un noneto, con Woody Shaw y Dizzy Reece en las trompetas, Joe Farrell en las cañas, las maderas y el corno inglés, Howard Johnson en la tuba y el clarinete bajo, Ron Carter en el bajo, Lenny White (en sólo su segunda fecha de grabación) tocando la batería, el trombonista Julian Priester y el trompa Bob Northern. La música aquí es ambiciosa. La partitura de Hill para una caña, dos trompetas y metales bajos es notable para la época. De hecho, no fue hasta su álbum para big-band de 2002 que volvió a aventurarse en estas aguas. El corte que da título al disco, con su contrapunto de clarinete bajo y corno inglés, es casi clásico en su estructura pero casi maliense en su melodía. Si bien la dinámica del corte es contenida, su paleta de colores -especialmente con las trompetas silenciadas que tocan una misteriosa línea armónica- es floreciente y real. "Plantation Bag" es un escaparate para los duros solos de Farrell, que sopla azul y libre en respuesta a los acordes funky de Hill. Las trompetas se superponen en el centro de la melodía, alternando solos y líneas de compás en el centro. Las figuras melódicas asiáticas en el corazón de "Noon Tide" añaden exotismo a una de las melodías más aventureras jamás escritas por Hill. Rítmicamente, gira sobre ritmos de pulso que cambian y se deslizan metódicamente mientras Priester toma el primer solo de la melodía, jugando contra la estridencia de la mano izquierda de Hill. De las tres selecciones restantes, "Cascade", con su arquitectura armónica escalonada que va en contra de toda la sabiduría común para la armonía de las grandes bandas, es notable por su precisión e invención rítmica. Por qué esto no va a estar ahí fuera para el público en general para siempre está más allá de la razón. ¿Por qué castigar así al artista? La sabiduría convencional sugeriría que algo que ha sido desenterrado por primera vez en 34 años merece formar parte del catálogo general. Consíguelo rápido.
https://www.allmusic.com/album/passing-ships-mw0000325505


Colaborador / Contributor:  Pierre

Joe Farrell • Farrell's Inferno

 

Biography
by Thom Jurek
Joe Farrell was an American jazz multi-instrumentalist and elite-caliber bandleader and sideman. Though he played virtually all reeds and winds, his primary tools were saxophones, flute, and oboe. Though his recording career began in 1960, he is best known as a founding member of Chick Corea's original Return to Forever in 1970, and for the seven dates he led for CTI, including 1970's Joe Farrell Quartet, 1973's Moon Germs, and 1975's Canned Funk. Farrell appeared on dozens of pop, R&B, and rock records from artists including Laura Nyro and James Brown. He also worked extensively with Elvin Jones from 1968 to 1975, while playing countless sessions and touring with others, and leading his own groups. After CTI, Farrell issued two albums for Warner Bros.: the Latin jazz outing La Catedral y El Toro and 1978's exercise in disco and smooth jazz Night Dancing. Farrell returned to straight-ahead jazz with 1979's Skate Board Park for Xanadu. 1981's Sonic Text was praised for its forceful post-bop. His final album was 1985's Three-Way Mirror, co-led with former RTF bandmates Airto Moreira and Flora Purim. Farrell died in 1986 at age 48. His work has been studied by three succeeding generations of jazz musicians, and his CTI and Warner recordings have been reissued numerous times and abundantly sampled by DJs, hip-hop, and electronic producers.

Farrell was born Joseph Carl Firrantello in 1937, in Chicago Heights, Illinois. As a child he began musical studies on flute; at 11, he began playing clarinet; and at 13, saxophone. He participated in academic orchestras and bands throughout elementary and high school. Farrell attended the University of Illinois, where he began his jazz education in earnest. He worked local bandstands in the evenings and even shared them with his heroes Johnny Griffin and Ira Sullivan.

After graduating in 1959, he emigrated to New York City and pursued life as a freelance musician, but found work almost immediately with the Maynard Ferguson Big Band. Farrell made his recording debut with the bandleader on 1960's Newport Suite. He continued to work in the studio and on the road with Ferguson through 1965. During that tenure, Farrell also worked with Charles Mingus, Slide Hampton, Willie Bobo, Dizzy Reece, Rufus Jones, and the Sal Salvador Big Band. In 1965, Farrell joined Jaki Byard's quartet for a pair of albums and several tours, and won a slot in the Thad Jones-Mel Lewis Big Band roster. During this latter tenure, Farrell found the time to work with a wide array of jazz musicians across the hard bop and soul-jazz spectrums. The dozens of record dates he played between 1966 and 1970 included outings led by Harold Vick, Bobby Timmons, Grady Tate, Mongo Santamaria, Jimmy Smith, Herbie Hancock, and, most importantly, Elvin Jones, whose road and studio bands Farrell joined as a regular member. During this period, the saxophonist also met and worked with Brazilian jazz pioneer Hermeto Paschoal (who introduced him to future collaborators Airto Moreira and Flora Purim), Andrew Hill (Dance with Death) and Chick Corea -- Farrell played on 1968's Tones for Joan's Bones.

1970 proved a fateful year for Farrell and, a decade after his arrival in New York, cemented his place as a top-tier sideman. He played on recordings by Jones, Antonio Carlos Jobim, Johnny Hodges, Mose Allison, and Laura Nyro. That year, Farrell signed to Creed Taylor's emerging CTI label and cut The Joe Farrell Quartet (aka Song of the Wind). His sidemen on the date included Corea, John McLaughlin, Jack DeJohnette, and Dave Holland. The set enjoyed overwhelmingly positive reviews and established Farrell as a headliner on the New York and Los Angeles club scenes.

Though Farrell remained a working member of Jones' quartet, he was also playing a multitude of sessions. In 1971 alone, he played on albums by the Rascals, the Band, Roberta Flack, and Gap Mangione. He played a key role on Airto's legendary Free album, and cut his own sophomore leader set for CTI entitled Outback, with Jones, Corea, Airto, and bassist Buster Williams. The following year, Farrell joined Airto, Flora, and bassist Stanley Clarke in Corea's fledgling Return to Forever, whose self-titled debut appeared on ECM to abundant critical acclaim, robust sales, and the jazz chart. It is Farrell's flute on the pianist's "Spain" that buoyed the tune's reputation; the song is now universally considered a jazz standard.

Hey Now Hey: The Other Side of the Sky
1973 proved one of Farrell's busiest and most successful years. He worked on dozens of recordings including Aretha Franklin's Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) and Hall & Oates' Abandoned Luncheonette (that's his sax on immortal single "She's Gone"). He also played on Billy Cobham's fusion classic Spectrum, Don Sebesky's Giant Box, Santana's jazz-fusion outing Welcome, and Return to Forever's commercial breakthrough album Light as a Feather with guitarist Bill Connors appending the lineup. Farrell also issued his third acclaimed leader outing, Moon Germs, backed by Clarke, Hancock, and DeJohnette. In 1974, in addition to playing dozens of studio sessions and touring, Farrell released two hit albums for CTI: Upon This Rock and Penny Arcade. That year, his horns and winds graced albums by Hancock, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jack McDuff, and Jones, to name scant few.


Farrell cut the charting Canned Funk for CTI in 1975. In addition to continuing his work with Jones, he played more sessions for Flack and Franklin, and worked with Corea's live quartet and with Buddy Rich. Farrell also appeared on two truly classic albums that year: Mike Longo's jazz-funk tome 900 Shades of the Blues and Parliament's game-changing Mothership Connection -- the horn section also included Maceo Parker, Fred Wesley, and the Brecker Brothers. In 1976, Farrell drew on his considerable reputation as a sideman. He was hired to work with guitarist Grant Green, to cut sessions with Nyro and the Bee Gees, and he co-led Benson & Farrell with guitarist George Benson for CTI. The saxophonist resumed working in studio and on the road with Ferguson and cut his album Primal Scream. Farrell also played on albums by Corea (The Leprechaun), McDuff (Sophisticated Funk), and Fania All-Stars (Rhythm Machine).

In 1977, Farrell moved to Los Angeles, and signed with Warner Bros. His debut La Catedral y El Toro, was produced, arranged, and conducted by William Eaton. The large group offering featured all-star horn and string sections in a band that included the Brecker Brothers, Eric Gale, Ralph MacDonald, Steve Gadd, Ronnie Cuber, Anthony Jackson, and Richard Tee. Framed in Latin time signatures and modal forms adorned with lush charts, it is unlike any other date in Farrell's catalog, and considered by some as a modern companion to Miles Davis' and Gil Evans' Sketches of Spain. That same year, the saxophonist worked with Return to Forever on several live and studio outings (including Musicmagic), as well as Lalo Schifrin and the CTI All-Stars. In 1978, Farrell did an about-face and released the disco-smooth jazz fusion outing, Night Dancing. Derided by jazz critics for its deliberately commercial overtones, the set was nonetheless embraced by DJs across the globe --and later sampled abundantly by hip-hop and electronic producers. It currently enjoys a storied place in Farrell's catalog.

While continuing his working relationship with Ferguson, Farrell remained entrenched with Corea's stable of musicians. In addition to RTF tours, he contributed to the pianist/keyboardist's The Mad Hatter, Friends, and Secret Agent in 1978 alone. Farrell also played on Art Garfunkel's Watermark and Carly Simon's Boys in the Trees that year. In 1979, he joined the Mingus Dynasty Big Band and, in addition to recording their debut Chair in the Sky, he toured with the group across the globe. Farrell also released his own Skate Board Park for Xanadu. Though not commercially successful, it was celebrated by critics as a return to form. That year, Farrell also played on albums by Neil Larsen, Freddie Hubbard, Turrentine, and Jeff Lorber Fusion.

In 1980, Farrell and some CTI stalwarts formed the revolving studio supergroup Fuse One. Their self-titled debut was produced by Taylor, and also included Ronnie Foster, Ndugu Chancler, Clarke, Jeremy Wall, McLaughlin, Larry Coryell, Paulinho Da Costa, Lenny White, and Jorge Dalto. The set charted not only in the Top Ten for Jazz, but in the Top 200 as well. He also worked with the Harris Simon Group, Don Sebesky, and McDuff. Farrell issued a pair of outings under his own name that year: the post-bop Farrell's Inferno on Jazz Ala Carte and a live fusion outing with Paul Horn entitled Jazz Gala 1980 Vol. 3.

In 1981, Farrell re-appeared with Mingus Dynasty on Live at Montreux and played on Ray Barretto's Latin jazz classic La Cuna. He also released his own Sonic Text, a post-bop outing for Les Koenig's Contemporary label, leading an all-star lineup that included Hubbard, Peter Erskine, George Cables, and Tony Dumas. The following year, the latter two and drummer John Dentz appeared on Farrell's Someday, and introduced him to their regular boss, saxophonist/clarinetist Art Pepper. Pepper enlisted Farrell's tenor for a reading of the standard "Someday My Prince Will Come" on an album called Darn That Dream. In 1983, Farrell worked the clubs in a quartet he formed with drummer Louis Hayes and appeared on albums by Patti Austin and George Benson. Fuse One issued Silk, its charting sophomore release that year.

The Joe Farrell-Louis Hayes Quartet released their debut album Vim 'n' Vigor for Timeless in 1984. He also played saxophone on the iconic international club smash by James Brown "King Heroin," and resumed his working relationship with Airto for the percussionist's album Latino / Aqui Se Puede. In 1985, Farrell was diagnosed with bone cancer but refused to slow down. The year saw a reunion between Farrell, Airto, and Flora Purim. They cut the album Humble People, and a few months later released the Three-Way Mirror on Reference Recordings; the latter was co-billed to all three artists. It was Farrell's final album. On June 1, 1986, at the age of 48, Farrell passed away in Los Angeles. He is revered by jazz fans as a consummate saxophonist, flutist, and technician, and by fans of funk, hip-hop, and EDM as a pioneer who sought to erase boundaries between jazz, pop, and the dancefloor.
https://www.allmusic.com/artist/joe-farrell-mn0000125160/biography

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Biografía
por Thom Jurek
Joe Farrell fue un multiinstrumentista de jazz estadounidense y director de banda de élite y sideman. Aunque tocaba prácticamente todas las cañas y vientos, sus instrumentos principales eran los saxos, la flauta y el oboe. Aunque su carrera discográfica comenzó en 1960, es más conocido como miembro fundador del grupo original de Chick Corea, Return to Forever, en 1970, y por las siete citas que dirigió para CTI, entre ellas Joe Farrell Quartet, de 1970, Moon Germs, de 1973, y Canned Funk, de 1975. Farrell apareció en docenas de discos de pop, R&B y rock de artistas como Laura Nyro y James Brown. También trabajó mucho con Elvin Jones de 1968 a 1975, mientras tocaba en innumerables sesiones y giras con otros, y lideraba sus propios grupos. Después de CTI, Farrell publicó dos álbumes para Warner Bros.: La Catedral y El Toro, de jazz latino, y Night Dancing, de 1978, un ejercicio de música disco y smooth jazz. Farrell volvió al jazz directo con Skate Board Park for Xanadu, de 1979. Sonic Text, de 1981, fue alabado por su contundente post-bop. Su último álbum fue Three-Way Mirror, de 1985, codirigido con sus antiguos compañeros de la RTF, Airto Moreira y Flora Purim. Farrell murió en 1986 a los 48 años. Su obra ha sido estudiada por tres generaciones sucesivas de músicos de jazz, y sus grabaciones de CTI y Warner se han reeditado en numerosas ocasiones y han sido abundantemente sampleadas por DJs, productores de hip-hop y electrónica.

Farrell nació como Joseph Carl Firrantello en 1937, en Chicago Heights, Illinois. De niño comenzó sus estudios musicales con la flauta; a los 11 años, empezó a tocar el clarinete; y a los 13, el saxofón. Participó en orquestas y bandas académicas durante toda la escuela primaria y secundaria. Farrell asistió a la Universidad de Illinois, donde empezó a formarse en el mundo del jazz. Trabajó en los quioscos locales por las noches e incluso los compartió con sus héroes Johnny Griffin e Ira Sullivan.

Tras graduarse en 1959, emigró a la ciudad de Nueva York y se dedicó a la vida como músico independiente, pero encontró trabajo casi inmediatamente con la Maynard Ferguson Big Band. Farrell hizo su debut discográfico con el líder de la banda en el disco Newport Suite de 1960. Siguió trabajando en el estudio y en la carretera con Ferguson hasta 1965. Durante ese tiempo, Farrell también trabajó con Charles Mingus, Slide Hampton, Willie Bobo, Dizzy Reece, Rufus Jones y la Sal Salvador Big Band. En 1965, Farrell se unió al cuarteto de Jaki Byard para un par de álbumes y varias giras, y ganó un puesto en la lista de la Thad Jones-Mel Lewis Big Band. Durante este último período, Farrell encontró tiempo para trabajar con una amplia gama de músicos de jazz en el espectro del hard bop y el soul-jazz. Las docenas de fechas de grabación que tocó entre 1966 y 1970 incluyeron salidas dirigidas por Harold Vick, Bobby Timmons, Grady Tate, Mongo Santamaria, Jimmy Smith, Herbie Hancock y, sobre todo, Elvin Jones, a cuyas bandas de carretera y de estudio Farrell se unió como miembro regular. Durante este periodo, el saxofonista también conoció y trabajó con el pionero del jazz brasileño Hermeto Paschoal (que le presentó a sus futuros colaboradores Airto Moreira y Flora Purim), Andrew Hill (Dance with Death) y Chick Corea -Farrell tocó en Tones for Joan's Bones de 1968-.

1970 resultó ser un año decisivo para Farrell y, una década después de su llegada a Nueva York, consolidó su posición como músico de acompañamiento de primer nivel. Participó en grabaciones de Jones, Antonio Carlos Jobim, Johnny Hodges, Mose Allison y Laura Nyro. Ese año, Farrell firmó con el emergente sello CTI de Creed Taylor y grabó The Joe Farrell Quartet (también conocido como Song of the Wind). Entre sus acompañantes estaban Corea, John McLaughlin, Jack DeJohnette y Dave Holland. El disco recibió críticas muy positivas y convirtió a Farrell en uno de los principales artistas de los clubes de Nueva York y Los Ángeles.

Aunque Farrell seguía siendo un miembro activo del cuarteto de Jones, también tocaba en multitud de sesiones. Sólo en 1971, tocó en álbumes de The Rascals, The Band, Roberta Flack y Gap Mangione. Desempeñó un papel clave en el legendario álbum Free de Airto, y grabó su propio conjunto líder de segundo año para CTI titulado Outback, con Jones, Corea, Airto y el bajista Buster Williams. Al año siguiente, Farrell se unió a Airto, Flora y el bajista Stanley Clarke en el incipiente Return to Forever de Corea, cuyo debut autotitulado apareció en ECM con gran éxito de crítica y ventas y en la lista de éxitos del jazz. La flauta de Farrell en "Spain", del pianista, fue lo que impulsó la reputación de la melodía; la canción se considera ahora universalmente un estándar de jazz.

Hey Now Hey: El otro lado del cielo
1973 fue uno de los años más activos y exitosos de Farrell. Trabajó en docenas de grabaciones, incluyendo Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) de Aretha Franklin y Abandoned Luncheonette de Hall & Oates (este es su saxo en el inmortal single "She's Gone"). También tocó en el clásico de fusión de Billy Cobham, Spectrum, en Giant Box de Don Sebesky, en el disco de jazz-fusión de Santana, Welcome, y en el álbum comercial de Return to Forever, Light as a Feather, con el guitarrista Bill Connors en la formación. Farrell también publicó su tercer y aclamado álbum como líder, Moon Germs, respaldado por Clarke, Hancock y DeJohnette. En 1974, además de realizar docenas de sesiones de estudio y giras, Farrell publicó dos álbumes de éxito para CTI: Upon This Rock y Penny Arcade. Ese año, sus vientos y trompetas adornaron los álbumes de Hancock, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jack McDuff y Jones, por nombrar algunos.


Farrell grabó el álbum Canned Funk para CTI en 1975. Además de continuar su trabajo con Jones, tocó más sesiones para Flack y Franklin, y trabajó con el cuarteto en vivo de Corea y con Buddy Rich. Farrell también apareció en dos álbumes verdaderamente clásicos ese año: 900 Shades of the Blues, de Mike Longo, y Mothership Connection, de Parliament, que cambió el panorama, y en el que la sección de vientos también incluía a Maceo Parker, Fred Wesley y los Brecker Brothers. En 1976, Farrell aprovechó su considerable reputación como músico de acompañamiento. Fue contratado para trabajar con el guitarrista Grant Green, para grabar sesiones con Nyro y los Bee Gees, y codirigió Benson & Farrell con el guitarrista George Benson para CTI. El saxofonista volvió a trabajar en estudio y en la carretera con Ferguson y grabó su álbum Primal Scream. Farrell también tocó en álbumes de Corea (The Leprechaun), McDuff (Sophisticated Funk) y Fania All-Stars (Rhythm Machine).

En 1977, Farrell se trasladó a Los Ángeles y firmó con Warner Bros. Su debut, La Catedral y El Toro, fue producido, arreglado y dirigido por William Eaton. La gran oferta de grupo contó con secciones de vientos y cuerdas de estrellas en una banda que incluía a los hermanos Brecker, Eric Gale, Ralph MacDonald, Steve Gadd, Ronnie Cuber, Anthony Jackson y Richard Tee. Enmarcado en compases latinos y formas modales adornadas con exuberantes gráficos, es diferente a cualquier otra fecha del catálogo de Farrell, y considerado por algunos como un compañero moderno de Sketches of Spain de Miles Davis y Gil Evans. Ese mismo año, el saxofonista trabajó con Return to Forever en varias salidas en vivo y en estudio (incluyendo Musicmagic), así como con Lalo Schifrin y los CTI All-Stars. En 1978, Farrell dio un giro de 180 grados y lanzó el disco de jazz fusión Night Dancing. Aunque los críticos de jazz se burlaron de él por sus matices deliberadamente comerciales, el disco fue acogido por los DJ de todo el mundo y, posteriormente, fue objeto de numerosas muestras por parte de productores de hip-hop y electrónica. Actualmente ocupa un lugar destacado en el catálogo de Farrell.

Al tiempo que continuaba su relación de trabajo con Ferguson, Farrell seguía vinculado al grupo de músicos de Corea. Además de las giras de RTF, colaboró en The Mad Hatter, Friends y Secret Agent del pianista y teclista sólo en 1978. Farrell también tocó en Watermark, de Art Garfunkel, y en Boys in the Trees, de Carly Simon, ese mismo año. En 1979, se unió a la Mingus Dynasty Big Band y, además de grabar su debut Chair in the Sky, realizó una gira con el grupo por todo el mundo. Farrell también lanzó su propio Skate Board Park para Xanadú. Aunque no tuvo éxito comercial, fue celebrado por la crítica como una vuelta a la forma. Ese año, Farrell también tocó en discos de Neil Larsen, Freddie Hubbard, Turrentine y Jeff Lorber Fusion.

En 1980, Farrell y algunos incondicionales de CTI formaron el supergrupo de estudio giratorio Fuse One. Su debut autotitulado fue producido por Taylor, y también incluyó a Ronnie Foster, Ndugu Chancler, Clarke, Jeremy Wall, McLaughlin, Larry Coryell, Paulinho Da Costa, Lenny White y Jorge Dalto. El conjunto se situó no sólo en el Top Ten de Jazz, sino también en el Top 200. También trabajó con el Harris Simon Group, Don Sebesky y McDuff. Ese año, Farrell publicó un par de discos con su propio nombre: el post-bop Farrell's Inferno en Jazz Ala Carte y un disco de fusión en directo con Paul Horn titulado Jazz Gala 1980 Vol. 3.

En 1981, Farrell reapareció con Mingus Dynasty en Live at Montreux y tocó en el clásico de jazz latino La Cuna de Ray Barretto. También publicó su propio Sonic Text, un disco post-bop para el sello Contemporary de Les Koenig, liderando una formación de estrellas que incluía a Hubbard, Peter Erskine, George Cables y Tony Dumas. Al año siguiente, estos dos últimos y el batería John Dentz aparecieron en Someday de Farrell, y le presentaron a su jefe habitual, el saxofonista y clarinetista Art Pepper. Pepper contó con el tenor de Farrell para una lectura del estándar "Someday My Prince Will Come" en un álbum llamado Darn That Dream. En 1983, Farrell trabajó en los clubes en un cuarteto que formó con el baterista Louis Hayes y apareció en álbumes de Patti Austin y George Benson. Fuse One publicó Silk, su segundo álbum de ese año.

El Joe Farrell-Louis Hayes Quartet publicó su primer álbum Vim 'n' Vigor para Timeless en 1984. También tocó el saxofón en el icónico éxito de club internacional de James Brown "King Heroin", y reanudó su relación de trabajo con Airto para el álbum del percusionista Latino / Aqui Se Puede. En 1985, a Farrell se le diagnosticó un cáncer de huesos, pero se negó a bajar el ritmo. Ese año se produjo un reencuentro entre Farrell, Airto y Flora Purim. Editaron el álbum Humble People, y unos meses más tarde publicaron Three-Way Mirror en Reference Recordings; este último fue cofirmado por los tres artistas. Fue el último álbum de Farrell. El 1 de junio de 1986, a la edad de 48 años, Farrell falleció en Los Ángeles. Es venerado por los aficionados al jazz como un consumado saxofonista, flautista y técnico, y por los fans del funk, el hip-hop y la EDM como un pionero que trató de borrar las fronteras entre el jazz, el pop y la pista de baile.
https://www.allmusic.com/artist/joe-farrell-mn0000125160/biography

Chick Corea, Joe Farrell, Frank Foster, Elvin Jones, Gene Perla • John Coltrane Memorial Concert

 

 

Mongo Santamaria • Workin On A Groovy Thing

The Mongo Santamaria/Columbia formula of Top 40 tunes retrofitted with an Afro-Cuban boogaloo beat gets another hyperactive workout here. The title tune, "Spinning Wheel," "Proud Mary," "My Cherie Amour" and "Get Back" are among the choices here, with Sonny Fortune occasionally scorching the earth on alto sax (and probably on flute), Joe Farrell turning up on tenor, and ever-versatile Bernard "Pretty" Purdie stoking the fires alongside Mongo.

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La fórmula de Mongo Santamaria/Columbia de las 40 mejores melodías adaptada con un ritmo de boogaloo afrocubano tiene otro entrenamiento hiperactivo aquí. La canción principal, "Spinning Wheel", "Proud Mary", "My Cherie Amour" y "Get Back" son algunas de las opciones, con Sonny Fortune ocasionalmente quemando la tierra en saxo alto (y probablemente en flauta), Joe Farrell en tenor, y el siempre versátil Bernard "Pretty" Purdie avivando los fuegos junto a Mongo. 

 

 

 

 

 

Oliver Nelson • Black, Brown and Beautiful

 

Review by Douglas Payne
Black, Brown and Beautiful features several Oliver Nelson performances and much of Johnny Hodge's last album, Three Shades of Blue (arranged by Oliver Nelson). Only the Hodges material is of interest. But it is glorious music, with Nelson scoring several outstanding Ellington themes and, unfortunately, some silly Leon Thomas material for Hodges' well-known and ever-emotional alto. Hodges' last recording.
https://www.allmusic.com/album/black-brown-and-beautiful-mw0000200133

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Reseña de Douglas Payne
Black, Brown and Beautiful presenta varias interpretaciones de Oliver Nelson y gran parte del último álbum de Johnny Hodge, Three Shades of Blue (arreglado por Oliver Nelson). Sólo el material de Hodges es de interés. Pero es música gloriosa, con Nelson marcando varios temas sobresalientes de Ellington y, por desgracia, algún material tonto de Leon Thomas para la conocida y siempre emotiva contralto de Hodges. La última grabación de Hodges.
https://www.allmusic.com/album/black-brown-and-beautiful-mw0000200133


Una preciosa sesión de grabación en la que Oliver Nelson en los arreglos dirige magistralmente a tres músicos extraordinarios: el saxo alto, Johnny Hodges; el pianista Earl Hines y el cantante Leon Thomas. «Black, Brown & Beautiful» es uno de los grandes discos de Oliver Nelson. Muy recomendado.
https://apoloybaco.com/jazz/oliver-nelson-black-brown-a-beautiful/

Thad Jones & Mel Lewis • Consummation

 

Review by Scott Yanow
Of the many albums recorded by the Thad Jones/Mel Lewis Orchestra, this was the greatest. Reissued on CD as part of a large Mosaic box set, this set introduced Jones' best-known composition, "A Child Is Born," and also has a colorful rendition of his sly "Tiptoe," and finds the big band ripping the roof off during the lengthy and very exciting "Fingers." The all-star cast (which includes flugelhornist Jones, drummer Lewis, trumpeter Marvin Stamm, trombonist Jimmy Knepper, tenor great Billy Harper, the reeds of Jerome Richardson, Jerry Dodgion and Eddie Daniels, keyboardist Roland Hanna, and bassist Richard Davis, among others) is well served by Thad Jones' inventive and swinging arrangements. A classic.
https://www.allmusic.com/album/consummation-mw0000221310

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Crítica de Scott Yanow
De los muchos álbumes grabados por la Thad Jones/Mel Lewis Orchestra, éste fue el mejor. Reeditado en CD como parte de una gran caja de Mosaic, este disco presenta la composición más conocida de Jones, "A Child Is Born", y también tiene una colorida interpretación de su astuta "Tiptoe", y encuentra a la big band arrancando el techo durante la larga y muy emocionante "Fingers". El elenco de estrellas (que incluye al fliscornista Jones, al batería Lewis, al trompetista Marvin Stamm, al trombonista Jimmy Knepper, al gran tenor Billy Harper, a las cañas de Jerome Richardson, Jerry Dodgion y Eddie Daniels, al teclista Roland Hanna, y al bajista Richard Davis, entre otros) está bien servido por los inventivos y oscilantes arreglos de Thad Jones. Todo un clásico.
https://www.allmusic.com/album/consummation-mw0000221310

VA • Jazz Districtː Best Of CTI

 

 

Joe Farrell, Gabor Szabo, Randy Weston, Hubert Laws, Freddie Hubbard, Don Sebesky, Chet Baker, Johnny 'Hammond' Smith, Kenny Burrell, Airto Moreira, Paul Desmond, Lalo Schifrin, George Benson …

 

Joe Farrell • Outback

 

Review by Thom Jurek
Outback is the second and finest of Joe Farrell's dates for Creed Taylor's CTI label. Recorded in a quartet setting in 1970, with Elvin Jones, Chick Corea, and Brazilian percussionist Airto Moreira, Farrell pushes the envelope not only of his own previous jazz conceptualism, but CTI's envelope, as well. Outback is not a commercially oriented funk or fusion date, but an adventurous, spacy, tightrope-walking exercise between open-ended composition and improvisation. That said, there is plenty of soul in the playing. Four compositions, all arranged by Farrell, make up the album. The mysterious title track by John Scott opens the set. Staged in a series of minor-key signatures, Farrell primarily uses winds -- flutes and piccolos -- to weave a spellbinding series of ascending melodies over the extended, contrasting chord voicings by Corea. Jones skitters on his cymbals while playing the snare and tom-toms far more softly than his signature style usually attests. Airto rubs and shimmers on hand drums, going through the beat, climbing on top of it, and playing accents in tandem with Farrell in the solo sections. "Sound Down" is a bit more uptempo and features Farrell playing wonderfully on the soprano. Buster Williams lays down a short staccato bassline that keeps Jones' bass drum pumping. As Farrell moves from theme/variation/melody to improvisation, he brings in Corea, who vamps off the melody before offering a series of ostinati responses. Corea's "Bleeding Orchid" is a ballad played with augmented modes and continually shifting intervals, mapped beautifully by Williams' adherence to the changes, with a series of contrasting pizzicato fills. Farrell's trills and arpeggiatic exercises combine both jazz classicism and Middle Eastern folk music. On Farrell's "November 68th," he invokes John Coltrane's version of "My Favorite Things" as he digs deep into the tenor's middle register for a song-like voicing, played with a gorgeously bluesy sophistication. The other players rally around him and push his sonic flight to near manic intensity. Outback is a stunner, as inspired as anything -- and perhaps more so -- that Farrell ever recorded.
https://www.allmusic.com/album/outback-mw0000700690


Biography by Thom Jurek
Joe Farrell was an American jazz multi-instrumentalist and elite-caliber bandleader and sideman. Though he played virtually all reeds and winds, his primary tools were saxophones, flute, and oboe. Though his recording career began in 1960, he is best known as a founding member of Chick Corea's original Return to Forever in 1970, and for the seven dates he led for CTI, including 1970's Joe Farrell Quartet, 1973's Moon Germs, and 1975's Canned Funk. Farrell appeared on dozens of pop, R&B, and rock records from artists including Laura Nyro and James Brown. He also worked extensively with Elvin Jones from 1968 to 1975, while playing countless sessions and touring with others, and leading his own groups. After CTI, Farrell issued two albums for Warner Bros.: the Latin jazz outing La Catedral y El Toro and 1978's exercise in disco and smooth jazz Night Dancing. Farrell returned to straight-ahead jazz with 1979's Skate Board Park for Xanadu. 1981's Sonic Text was praised for its forceful post-bop. His final album was 1985's Three-Way Mirror, co-led with former RTF bandmates Airto Moreira and Flora Purim. Farrell died in 1986 at age 48. His work has been studied by three succeeding generations of jazz musicians, and his CTI and Warner recordings have been reissued numerous times and abundantly sampled by DJs, hip-hop, and electronic producers.

Farrell was born Joseph Carl Firrantello in 1937, in Chicago Heights, Illinois. As a child he began musical studies on flute; at 11, he began playing clarinet; and at 13, saxophone. He participated in academic orchestras and bands throughout elementary and high school. Farrell attended the University of Illinois, where he began his jazz education in earnest. He worked local bandstands in the evenings and even shared them with his heroes Johnny Griffin and Ira Sullivan.

After graduating in 1959, he emigrated to New York City and pursued life as a freelance musician, but found work almost immediately with the Maynard Ferguson Big Band. Farrell made his recording debut with the bandleader on 1960's Newport Suite. He continued to work in the studio and on the road with Ferguson through 1965. During that tenure, Farrell also worked with Charles Mingus, Slide Hampton, Willie Bobo, Dizzy Reece, Rufus Jones, and the Sal Salvador Big Band. In 1965, Farrell joined Jaki Byard's quartet for a pair of albums and several tours, and won a slot in the Thad Jones-Mel Lewis Big Band roster. During this latter tenure, Farrell found the time to work with a wide array of jazz musicians across the hard bop and soul-jazz spectrums. The dozens of record dates he played between 1966 and 1970 included outings led by Harold Vick, Bobby Timmons, Grady Tate, Mongo Santamaria, Jimmy Smith, Herbie Hancock, and, most importantly, Elvin Jones, whose road and studio bands Farrell joined as a regular member. During this period, the saxophonist also met and worked with Brazilian jazz pioneer Hermeto Paschoal (who introduced him to future collaborators Airto Moreira and Flora Purim), Andrew Hill (Dance with Death) and Chick Corea -- Farrell played on 1968's Tones for Joan's Bones.

1970 proved a fateful year for Farrell and, a decade after his arrival in New York, cemented his place as a top-tier sideman. He played on recordings by Jones, Antonio Carlos Jobim, Johnny Hodges, Mose Allison, and Laura Nyro. That year, Farrell signed to Creed Taylor's emerging CTI label and cut The Joe Farrell Quartet (aka Song of the Wind). His sidemen on the date included Corea, John McLaughlin, Jack DeJohnette, and Dave Holland. The set enjoyed overwhelmingly positive reviews and established Farrell as a headliner on the New York and Los Angeles club scenes.

Though Farrell remained a working member of Jones' quartet, he was also playing a multitude of sessions. In 1971 alone, he played on albums by the Rascals, the Band, Roberta Flack, and Gap Mangione. He played a key role on Airto's legendary Free album, and cut his own sophomore leader set for CTI entitled Outback, with Jones, Corea, Airto, and bassist Buster Williams. The following year, Farrell joined Airto, Flora, and bassist Stanley Clarke in Corea's fledgling Return to Forever, whose self-titled debut appeared on ECM to abundant critical acclaim, robust sales, and the jazz chart. It is Farrell's flute on the pianist's "Spain" that buoyed the tune's reputation; the song is now universally considered a jazz standard.

1973 proved one of Farrell's busiest and most successful years. He worked on dozens of recordings including Aretha Franklin's Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) and Hall & Oates' Abandoned Luncheonette (that's his sax on immortal single "She's Gone"). He also played on Billy Cobham's fusion classic Spectrum, Don Sebesky's Giant Box, Santana's jazz-fusion outing Welcome, and Return to Forever's commercial breakthrough album Light as a Feather with guitarist Bill Connors appending the lineup. Farrell also issued his third acclaimed leader outing, Moon Germs, backed by Clarke, Hancock, and DeJohnette. In 1974, in addition to playing dozens of studio sessions and touring, Farrell released two hit albums for CTI: Upon This Rock and Penny Arcade. That year, his horns and winds graced albums by Hancock, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jack McDuff, and Jones, to name scant few.

Farrell cut the charting Canned Funk for CTI in 1975. In addition to continuing his work with Jones, he played more sessions for Flack and Franklin, and worked with Corea's live quartet and with Buddy Rich. Farrell also appeared on two truly classic albums that year: Mike Longo's jazz-funk tome 900 Shades of the Blues and Parliament's game-changing Mothership Connection -- the horn section also included Maceo Parker, Fred Wesley, and the Brecker Brothers. In 1976, Farrell drew on his considerable reputation as a sideman. He was hired to work with guitarist Grant Green, to cut sessions with Nyro and the Bee Gees, and he co-led Benson & Farrell with guitarist George Benson for CTI. The saxophonist resumed working in studio and on the road with Ferguson and cut his album Primal Scream. Farrell also played on albums by Corea (The Leprechaun), McDuff (Sophisticated Funk), and Fania All-Stars (Rhythm Machine).

In 1977, Farrell moved to Los Angeles, and signed with Warner Bros. His debut La Catedral y El Toro, was produced, arranged, and conducted by William Eaton. The large group offering featured all-star horn and string sections in a band that included the Brecker Brothers, Eric Gale, Ralph MacDonald, Steve Gadd, Ronnie Cuber, Anthony Jackson, and Richard Tee. Framed in Latin time signatures and modal forms adorned with lush charts, it is unlike any other date in Farrell's catalog, and considered by some as a modern companion to Miles Davis' and Gil Evans' Sketches of Spain. That same year, the saxophonist worked with Return to Forever on several live and studio outings (including Musicmagic), as well as Lalo Schifrin and the CTI All-Stars. In 1978, Farrell did an about-face and released the disco-smooth jazz fusion outing, Night Dancing. Derided by jazz critics for its deliberately commercial overtones, the set was nonetheless embraced by DJs across the globe --and later sampled abundantly by hip-hop and electronic producers. It currently enjoys a storied place in Farrell's catalog.

While continuing his working relationship with Ferguson, Farrell remained entrenched with Corea's stable of musicians. In addition to RTF tours, he contributed to the pianist/keyboardist's The Mad Hatter, Friends, and Secret Agent in 1978 alone. Farrell also played on Art Garfunkel's Watermark and Carly Simon's Boys in the Trees that year. In 1979, he joined the Mingus Dynasty Big Band and, in addition to recording their debut Chair in the Sky, he toured with the group across the globe. Farrell also released his own Skate Board Park for Xanadu. Though not commercially successful, it was celebrated by critics as a return to form. That year, Farrell also played on albums by Neil Larsen, Freddie Hubbard, Turrentine, and Jeff Lorber Fusion.

In 1980, Farrell and some CTI stalwarts formed the revolving studio supergroup Fuse One. Their self-titled debut was produced by Taylor, and also included Ronnie Foster, Ndugu Chancler, Clarke, Jeremy Wall, McLaughlin, Larry Coryell, Paulinho Da Costa, Lenny White, and Jorge Dalto. The set charted not only in the Top Ten for Jazz, but in the Top 200 as well. He also worked with the Harris Simon Group, Don Sebesky, and McDuff. Farrell issued a pair of outings under his own name that year: the post-bop Farrell's Inferno on Jazz Ala Carte and a live fusion outing with Paul Horn entitled Jazz Gala 1980 Vol. 3.

In 1981, Farrell re-appeared with Mingus Dynasty on Live at Montreux and played on Ray Barretto's Latin jazz classic La Cuna. He also released his own Sonic Text, a post-bop outing for Les Koenig's Contemporary label, leading an all-star lineup that included Hubbard, Peter Erskine, George Cables, and Tony Dumas. The following year, the latter two and drummer John Dentz appeared on Farrell's Someday, and introduced him to their regular boss, saxophonist/clarinetist Art Pepper. Pepper enlisted Farrell's tenor for a reading of the standard "Someday My Prince Will Come" on an album called Darn That Dream. In 1983, Farrell worked the clubs in a quartet he formed with drummer Louis Hayes and appeared on albums by Patti Austin and George Benson. Fuse One issued Silk, its charting sophomore release that year.

The Joe Farrell-Louis Hayes Quartet released their debut album Vim 'n' Vigor for Timeless in 1984. He also played saxophone on the iconic international club smash by James Brown "King Heroin," and resumed his working relationship with Airto for the percussionist's album Latino / Aqui Se Puede. In 1985, Farrell was diagnosed with bone cancer but refused to slow down. The year saw a reunion between Farrell, Airto, and Flora Purim. They cut the album Humble People, and a few months later released the Three-Way Mirror on Reference Recordings; the latter was co-billed to all three artists. It was Farrell's final album. On June 1, 1986, at the age of 48, Farrell passed away in the Duarte. He is revered by jazz fans as a consummate saxophonist, flutist, and technician, and by fans of funk, hip-hop, and EDM as a pioneer who sought to erase boundaries between jazz, pop, and the dancefloor.
https://www.allmusic.com/artist/joe-farrell-mn0000125160#biography

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Reseña de Thom Jurek
Outback es la segunda y mejor de las citas de Joe Farrell para el sello CTI de Creed Taylor. Grabado en un ambiente de cuarteto en 1970, con Elvin Jones, Chick Corea y el percusionista brasileño Airto Moreira, Farrell empuja el sobre no solo de su propio conceptualismo jazzístico anterior, sino también del sobre de CTI. Outback no es una cita de funk o fusión orientada comercialmente, sino un ejercicio aventurero, espacioso y de cuerda floja entre la composición abierta y la improvisación. Dicho esto, hay mucha alma en la interpretación. Cuatro composiciones, todas arregladas por Farrell, componen el álbum. La misteriosa canción principal de John Scott abre el set. Escenificado en una serie de firmas de tonalidades menores, Farrell usa principalmente vientos, flautas y piccolos, para tejer una fascinante serie de melodías ascendentes sobre las voces de acordes extendidas y contrastantes de Corea. Jones toca sus platillos mientras toca la caja y los tom-toms mucho más suavemente de lo que suele atestiguar su estilo característico. Airto se frota y brilla en la batería manual, repasa el ritmo, se sube encima y toca los acentos en conjunto con Farrell en las secciones solistas. "Sound Down" es un poco más uptempo y presenta a Farrell tocando maravillosamente con la soprano. Buster Williams establece una línea de bajo corta en staccato que mantiene bombeando el bombo de Jones. A medida que Farrell pasa del tema / variación / melodía a la improvisación, trae a Corea, quien elimina la melodía antes de ofrecer una serie de respuestas ostinati. "Bleeding Orchid" de Corea es una balada interpretada con modos aumentados e intervalos que cambian continuamente, mapeada maravillosamente por la adherencia de Williams a los cambios, con una serie de rellenos de pizzicato contrastantes. Los trinos y ejercicios arpegiáticos de Farrell combinan tanto el clasicismo del jazz como la música folclórica del Medio Oriente. En "November 68th" de Farrell, invoca la versión de John Coltrane de" My Favorite Things " mientras profundiza en el registro medio del tenor para una voz similar a una canción, interpretada con una sofisticación magníficamente blues. Los otros jugadores se reúnen a su alrededor y empujan su vuelo sónico a una intensidad casi maníaca. Outback es una maravilla, tan inspirada como cualquier cosa, y quizás más, que Farrell haya grabado.
https://www.allmusic.com/album/outback-mw0000700690


Biografía de Thom Jurek
Joe Farrell fue un multiinstrumentista de jazz estadounidense y líder de banda y acompañante de élite. Aunque tocaba prácticamente todas las cañas y vientos, sus herramientas principales eran el saxofón, la flauta y el oboe. Aunque su carrera discográfica comenzó en 1960, es mejor conocido como miembro fundador del regreso original de Chick Corea a Forever en 1970, y por las siete fechas que dirigió para CTI, incluido Joe Farrell Quartet de 1970, Moon Germs de 1973 y Canned Funk de 1975. Farrell apareció en docenas de discos de pop, R & B y rock de artistas como Laura Nyro y James Brown. También trabajó extensamente con Elvin Jones de 1968 a 1975, mientras tocaba en innumerables sesiones y hacía giras con otros, y dirigía sus propios grupos. Después de CTI, Farrell lanzó dos álbumes para Warner Bros.: la salida de jazz latino La Catedral y El Toro y exercise in disco y smooth jazz Night Dancing de 1978. Farrell regresó al jazz directo con Skate Board Park de 1979 para Xanadu. Sonic Text de 1981 fue elogiado por su contundente post-bop. Su último álbum fue Three-Way Mirror de 1985, codirigido con sus excompañeros de RTF Airto Moreira y Flora Purim. Farrell murió en 1986 a los 48 años. Su trabajo ha sido estudiado por tres generaciones sucesivas de músicos de jazz, y sus grabaciones de CTI y Warner han sido reeditadas en numerosas ocasiones y muestreadas abundantemente por DJs, hip-hop y productores electrónicos.

Farrell nació Joseph Carl Firrantello en 1937, en Chicago Heights, Illinois. De niño inició estudios musicales de flauta; a los 11 años, comenzó a tocar el clarinete; y a los 13, el saxofón. Participó en orquestas académicas y bandas a lo largo de la escuela primaria y secundaria. Farrell asistió a la Universidad de Illinois, donde comenzó su educación jazzística en serio. Trabajaba en los quioscos de bandas locales por las noches e incluso los compartía con sus héroes Johnny Griffin e Ira Sullivan.

Después de graduarse en 1959, emigró a la ciudad de Nueva York y siguió una vida como músico independiente, pero encontró trabajo casi de inmediato con la Big Band de Maynard Ferguson. Farrell hizo su debut discográfico con el líder de la banda en Newport Suite de 1960. Continuó trabajando en el estudio y en la carretera con Ferguson hasta 1965. Durante ese mandato, Farrell también trabajó con Charles Mingus, Slide Hampton, Willie Bobo, Dizzy Reece, Rufus Jones y la Big Band de Sal Salvador. En 1965, Farrell se unió al cuarteto de Jaki Byard para un par de álbumes y varias giras, y ganó un puesto en la lista de Big Band de Thad Jones-Mel Lewis. Durante este último mandato, Farrell encontró el tiempo para trabajar con una amplia gama de músicos de jazz en todo el espectro del hard bop y el soul-jazz. Las docenas de fechas discográficas que tocó entre 1966 y 1970 incluyeron salidas dirigidas por Harold Vick, Bobby Timmons, Grady Tate, Mongo Santamaría, Jimmy Smith, Herbie Hancock y, lo más importante, Elvin Jones, a cuyas bandas de gira y de estudio Farrell se unió como miembro habitual. Durante este período, el saxofonista también conoció y trabajó con el pionero del jazz brasileño Hermeto Paschoal (quien le presentó a futuros colaboradores Airto Moreira y Flora Purim), Andrew Hill (Dance with Death) y Chick Corea Far Farrell tocó en Tones de 1968 para Juan's Bones.

1970 resultó ser un año fatídico para Farrell y, una década después de su llegada a Nueva York, consolidó su lugar como acompañante de primer nivel. Tocó en grabaciones de Jones, Antonio Carlos Jobim, Johnny Hodges, Mose Allison y Laura Nyro. Ese año, Farrell firmó con el sello emergente CTI de Creed Taylor y editó el Cuarteto Joe Farrell (también conocido como Song of the Wind). Sus acompañantes en la cita incluyeron a Corea, John McLaughlin, Jack DeJohnette y Dave Holland. El set disfrutó de críticas abrumadoramente positivas y estableció a Farrell como cabeza de cartel en las escenas de clubes de Nueva York y Los Ángeles.

Aunque Farrell seguía siendo un miembro activo del cuarteto de Jones, también tocaba en multitud de sesiones. Solo en 1971, tocó en álbumes de The Rascals, the Band, Roberta Flack y Gap Mangione. Jugó un papel clave en el legendario álbum gratuito de Airto, y grabó su propio conjunto de líderes de segundo año para CTI titulado Outback, con Jones, Corea, Airto y el bajista Buster Williams. Al año siguiente, Farrell se unió a Airto, Flora y al bajista Stanley Clarke en el incipiente Return to Forever de Corea, cuyo debut homónimo apareció en ECM con abundantes elogios de la crítica, sólidas ventas y la lista de jazz. Es la flauta de Farrell en "Spain" del pianista lo que impulsó la reputación de la melodía; la canción ahora se considera universalmente un estándar de jazz.

1973 resultó ser uno de los años más ocupados y exitosos de Farrell. Trabajó en docenas de grabaciones, incluida Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) de Aretha Franklin y Abandoned Luncheonette de Hall & Oates (ese es su saxo en el sencillo inmortal "She's Gone"). También tocó en el clásico de fusión Spectrum de Billy Cobham, Giant Box de Don Sebesky, Welcome de Santana y el álbum comercial innovador de Return to Forever, Light as a Feather, con el guitarrista Bill Connors como anexo a la alineación. Farrell también emitió su tercera salida de líder aclamado, Moon Germs, respaldado por Clarke, Hancock y DeJohnette. En 1974, además de tocar en docenas de sesiones de estudio y de gira, Farrell lanzó dos álbumes de éxito para CTI: Upon This Rock y Penny Arcade. Ese año, sus cuernos y vientos adornaron álbumes de Hancock, Blue Mitchell, Stanley Turrentine, Jack McDuff y Jones, por nombrar pocos.

Farrell cortó el Funk Enlatado de gráficos para CTI en 1975. Además de continuar su trabajo con Jones, tocó en más sesiones para Flack y Franklin, y trabajó con el cuarteto en vivo de Corea y con Buddy Rich. Farrell también apareció en dos álbumes verdaderamente clásicos ese año: el tomo de jazz-funk de Mike Longo 900 Shades of the Blues y Parliament's Mothership Connection, que cambió el juego the la sección de vientos también incluyó a Maceo Parker, Fred Wesley y los Brecker Brothers. En 1976, Farrell aprovechó su considerable reputación como acompañante. Fue contratado para trabajar con el guitarrista Grant Green, para grabar sesiones con Nyro y los Bee Gees, y codirigió Benson & Farrell con el guitarrista George Benson para CTI. El saxofonista volvió a trabajar en el estudio y en la carretera con Ferguson y grabó su álbum Primal Scream. Farrell también tocó en álbumes de Corea (The Leprechaun), McDuff (Sophisticated Funk) y Fania All-Stars (Rhythm Machine).

En 1977, Farrell se mudó a Los Ángeles y firmó con Warner Bros. Su debut La Catedral y El Toro, fue producido, arreglado y dirigido por William Eaton. La gran oferta grupal contó con secciones de trompas y cuerdas de estrellas en una banda que incluía a los Brecker Brothers, Eric Gale, Ralph MacDonald, Steve Gadd, Ronnie Cuber, Anthony Jackson y Richard Tee. Enmarcada en compases latinos y formas modales adornadas con exuberantes gráficos, es diferente a cualquier otra fecha en el catálogo de Farrell, y algunos la consideran una compañera moderna de los Bocetos de España de Miles Davis y Gil Evans. Ese mismo año, el saxofonista trabajó con Return to Forever en varias salidas en vivo y en estudio (incluida Musicmagic), así como con Lalo Schifrin y the CTI All-Stars. En 1978, Farrell dio un giro radical y lanzó la salida disco-smooth jazz fusion, Night Dancing. Ridiculizado por los críticos de jazz por sus connotaciones deliberadamente comerciales, el set fue acogido, sin embargo, por DJs de todo el mundo, y luego muestreado abundantemente por productores de hip-hop y electrónica. Actualmente disfruta de un lugar histórico en el catálogo de Farrell.

Mientras continuaba su relación laboral con Ferguson, Farrell permaneció arraigado en el establo de músicos de Corea. Además de las giras de RTF, contribuyó solo en 1978 al pianista/tecladista The Mad Hatter, Friends y Secret Agent. Farrell también tocó en Watermark de Art Garfunkel y Boys in the Trees de Carly Simon ese año. En 1979, se unió a la Mingus Dynasty Big Band y, además de grabar su debut Chair in the Sky, realizó una gira con el grupo por todo el mundo. Farrell también lanzó su propio Parque de tablas de Skate para Xanadu. Aunque no tuvo éxito comercial, fue celebrado por la crítica como un regreso a la forma. Ese año, Farrell también tocó en álbumes de Neil Larsen, Freddie Hubbard, Turrentine y Jeff Lorber Fusion.

En 1980, Farrell y algunos incondicionales de CTI formaron el supergrupo de estudio giratorio Fuse One. Su debut homónimo fue producido por Taylor, y también incluyó a Ronnie Foster, Ndugu Chancler, Clarke, Jeremy Wall, McLaughlin, Larry Coryell, Paulinho Da Costa, Lenny White y Jorge Dalto. El conjunto se ubicó no solo entre los Diez primeros del Jazz, sino también entre los 200 primeros. También trabajó con Harris Simon Group, Don Sebesky y McDuff. Farrell emitió un par de salidas bajo su propio nombre ese año: Farrell's Inferno on Jazz Ala Carte post-bop y una salida de fusión en vivo con Paul Horn titulada Jazz Gala 1980 Vol. 3.

En 1981, Farrell reapareció con Mingus Dynasty en Live at Montreux y tocó en el clásico de jazz latino La Cuna de Ray Barretto. También lanzó su propio Sonic Text, una salida post-bop para el sello contemporáneo de Les Koenig, liderando una alineación de estrellas que incluía a Hubbard, Peter Erskine, George Cables y Tony Dumas. Al año siguiente, los dos últimos y el baterista John Dentz aparecieron en Farrell's Someday, y le presentaron a su jefe habitual, el saxofonista/clarinetista Art Pepper. Pepper reclutó al tenor de Farrell para una lectura del estándar "Someday My Prince Will Come" en un álbum llamado Darn That Dream. En 1983, Farrell trabajó en clubes en un cuarteto que formó con el baterista Louis Hayes y apareció en álbumes de Patti Austin y George Benson. Fuse One emitió Silk, su segundo lanzamiento en las listas de éxitos ese año.

El Cuarteto Joe Farrell-Louis Hayes lanzó su álbum debut Vim ' n ' Vigor para Timeless en 1984. También tocó el saxofón en el icónico éxito internacional de James Brown "King Heroin", y reanudó su relación laboral con Airto para el álbum Latino / Aquí Se Puede del percusionista. En 1985, Farrell fue diagnosticado con cáncer de huesos, pero se negó a disminuir la velocidad. El año vio una reunión entre Farrell, Airto y Flora Purim. Editaron el álbum Humble People, y unos meses más tarde lanzaron el Three-Way Mirror en Reference Recordings; este último fue co-facturado a los tres artistas. Fue el último álbum de Farrell. El 1 de junio de 1986, a la edad de 48 años, Farrell falleció en el Duarte. Es venerado por los fanáticos del jazz como un saxofonista, flautista y técnico consumado, y por los fanáticos del funk, hip-hop y EDM como un pionero que buscó borrar los límites entre el jazz, el pop y la pista de baile.
https://www.allmusic.com/artist/joe-farrell-mn0000125160#biography