Si Zentner & His Dance Band • High Noon Cha Cha Cha

 

Biography by Greg Prato
While big bands seemed to be fading fast during the late '50s and early '60s, bandleader Si Zentner was one of the few to front a successful big band -- enjoying both critical and commercial acclaim. Born Simon H. Zentner on June 13, 1917 in New York City, the future bandleader picked up a violin at the age of four before switching over to trombone, and earned a music college scholarship. Originally studying to be a classical musician, Zentner became interested in more commercial styles of music after lending his skills to a recording session with composer/bandleader Andre Kostelanetz. Throughout the '40s, Zentner learned the tricks of the trade by playing in bands led by such notables as Les Brown, Harry James, and Jimmy Dorsey.

Zentner then relocated to Los Angeles, where he worked regularly as a studio musician -- and from 1949 through 1955, was on the MGM staff (working on such hit movies as Singing in the Rain and A Star Is Born). But Zentner's desire to front his own big band peaked at this time. Signing a recording contract with Liberty Records in 1959, Zentner assembled a large swing outfit, and toured steadily (he once claimed that his band played 178 consecutive one-night stands). While several popular releases came out around this time (1959's Thinking Man's Band, 1960s Suddenly It's Swing, 1963's Waltz in Jazz Time), Zentner's band won a staggering 13 straight Downbeat polls for 'Best Big Band,' as Zentner himself was recognized as 'Best Trombonist' in Playboy's Jazz Reader's Poll. Zentner's band scored their biggest hit in 1961, with a Bob Florence-arranged twist version of Hoagy Carmichael's "Up a Lazy River," which managed to cross over into the Top 40 of the pop charts.

Eventually however, the public's interest in big bands had dwindled to the point that even Zentner's fine band found it increasingly hard to attract a substantial audience on tour. Zentner landed back on his feet in 1965, when he moved to Las Vegas and opened the Tropicana Hotel's lounge, the Blue Room, accompanying Mel Tormé. Three years later, Zentner was named musical director for one of Las Vegas' longest-running floor shows, Folies Bergere. But once more, Zentner couldn't turn his back completely on taking a big band on the road, as he assembled another touring group. The '90s saw such new releases as Road Band, Country Blues, and Blue Eyes Plays Ol' Blue Eyes, but later in the decade, Zentner was diagnosed with leukemia. Admirably, Zentner kept performing up until six months prior to his passing, on January 31, 2000 in Las Vegas.
https://www.allmusic.com/artist/si-zentner-mn0000754514#biography

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Biografía de Greg Prato
Mientras las big bands parecían desaparecer rápidamente a finales de los 50 y principios de los 60, el director de orquesta Si Zentner fue uno de los pocos que dirigió con éxito una big band, con éxito tanto comercial como de crítica. Nacido como Simon H. Zentner el 13 de junio de 1917 en Nueva York, el futuro director de orquesta empezó a tocar el violín a los cuatro años y luego el trombón. Tras estudiar música clásica, Zentner se interesó por estilos musicales más comerciales después de colaborar en una sesión de grabación con el compositor y director de orquesta Andre Kostelanetz. A lo largo de los años 40, Zentner aprendió los trucos del oficio tocando en bandas dirigidas por músicos tan notables como Les Brown, Harry James y Jimmy Dorsey.

Zentner se trasladó a Los Ángeles, donde trabajó regularmente como músico de estudio y, de 1949 a 1955, formó parte de la plantilla de MGM (trabajando en películas de éxito como Cantando bajo la lluvia y Ha nacido una estrella). Pero el deseo de Zentner de liderar su propia big band alcanzó su punto álgido en esa época. Firmó un contrato de grabación con Liberty Records en 1959, Zentner reunió un gran grupo de swing y realizó constantes giras (en una ocasión afirmó que su banda había tocado en 178 conciertos consecutivos de una noche). En esta época salieron varios discos populares (1959's Thinking Man's Band, 1960s Suddenly It's Swing, 1963's Waltz in Jazz Time), la banda de Zentner ganó 13 encuestas consecutivas de Downbeat a la "Mejor Big Band", y el propio Zentner fue reconocido como "Mejor trombonista" en la encuesta Playboy's Jazz Reader's Poll. La banda de Zentner consiguió su mayor éxito en 1961, con una versión retorcida arreglada por Bob Florence de "Up a Lazy River" de Hoagy Carmichael, que consiguió entrar en el Top 40 de las listas de pop.

Con el tiempo, sin embargo, el interés del público por las grandes bandas había disminuido hasta el punto de que incluso a la excelente banda de Zentner le resultaba cada vez más difícil atraer a un público considerable durante las giras. Zentner se recuperó en 1965, cuando se trasladó a Las Vegas y abrió el salón del hotel Tropicana, el Blue Room, acompañando a Mel Tormé. Tres años más tarde, Zentner fue nombrado director musical de uno de los espectáculos de sala más longevos de Las Vegas, Folies Bergere. Pero una vez más, Zentner no podía dar la espalda por completo a la idea de llevar una big band de gira, ya que montó otro grupo de gira. En los años 90 se publicaron nuevos discos como Road Band, Country Blues y Blue Eyes Plays Ol' Blue Eyes, pero a finales de la década, a Zentner le diagnosticaron leucemia. Admirablemente, Zentner siguió actuando hasta seis meses antes de su fallecimiento, el 31 de enero de 2000 en Las Vegas.
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Sue Raney • All By Myself

Review by J. Scott McClintock

In 1963, Capitol Records producer Lee Gillette was looking for a way to amp up the singing career of young crooner Sue Raney. Impossibly young when she entered the music business, Raney nevertheless had the talent, looks, and delivery of a star -- she just needed to shake that "little girl" aspect and tap into a more "adult" vein. Gillette tried to secure Stan Kenton as her backing arranger (for the album that would become All by Myself), but when that fell through, Capitol house arranger Ralph Carmichael was brought on board, and he channeled that stabbing, boisterous Kenton vibe to a T. In fact, the arrangements proved so volatile that Raney wondered how she was going to compete. Well, she mostly succeeded. Some tracks (like the explosive opener, "Some of These Days") find Raney struggling to overcome the blasting brass, which all but bury her vocal line. She was not as forceful as Anita O'Day, nor did she have the shrewd phrasing talents of, say, June Christy, but Raney did have a sweet, sweet voice -- maybe not powerful enough to blast through the more bombastic numbers, but on slow burners (like the über-sensual "Don't Let the Sun Catch You Crying" or the appropriately melancholy "Here's That Rainy Day") her breathy delivery is stunning. The album's title track is without a doubt the most successful venture here. By peeling away the flash and getting down to an intimate purr, "All By Myself"'s comely arrangement allows Raney to whisper in your ear, which is ultimately the best way she comes across on record.

https://www.allmusic.com/album/all-by-myself-mw0000549583

Biography by Scott Yanow

Blessed with a beautiful voice from an early age, Sue Raney has performed music ranging from swinging jazz and ballads to cabaret, middle-of-the-road pop and jingles. Her mother was a singer and a great great aunt had been in German opera. Raney started singing when she was four and a year later she first performed in public, at a party in Wichita, Kansas. Because a voice teacher could not be found for her daughter (because of her extreme youth), Raney's mother took voice lessons herself and then passed down what she learned to Sue. A professional before she was a teenager, Raney worked steadily in New Mexico when her family relocated and took several trips out to Los Angeles during a couple of summer vacations. She joined the Jack Carson radio show in 1954 in L.A. when she was barely 14. Raney then appeared on Ray Anthony's television program and became his band's main vocalist. At 18 she started working as a single. She had already recorded for Phillips and then signed with Capitol, recording several middle-of-the-road jazz-influenced pop dates for the company. In the 1960's Raney often appeared on television variety shows, she led her own group and became very active in the studios where her impressive voice helped sell products. By the early 1980's, she was also working as a voice teacher. In the 1990's Sue Raney has sung with the L.A. Voices and Supersax, the Bill Watrous big band and as a single in addition to staying active as a jazz educator and in the studios. Her main jazz recordings were a trio of albums for Discovery in the 1980's; a VSOP/Studio West CD features the singer on various live performances from the 1960's.

https://www.allmusic.com/artist/sue-raney-mn0000491082/biography

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Reseña de J. Scott McClintock

En 1963, el productor de Capitol Records Lee Gillette estaba buscando una manera de ampliar la carrera cantante de la joven cantante Sue Raney. Imposiblemente joven cuando entró en el negocio de la música, Raney, sin embargo, tenía el talento, la apariencia y la entrega de una estrella - sólo necesitaba sacudir ese aspecto de "niña pequeña" y entrar en una vena más "adulta". Gillette trató de asegurar a Stan Kenton como su arreglista de apoyo (para el álbum que se convertiría en All by Myself), pero cuando eso falló, el arreglista de Capitol Ralph Carmichael fue traído a bordo, y canalizó esa vibración apuñaladora y bulliciosa de Kenton a un tono de T. De hecho, los arreglos probaron ser tan volátiles que Raney se preguntó cómo iba a competir. Bueno, ella tuvo éxito en la mayoría de los casos. Algunas canciones (como el explosivo abridor, "Some of these days") encuentran a Raney luchando por superar los metales explosivos, que casi enterraron su línea vocal. Ella no era tan enérgica como Anita O'Day, ni tenía los talentos de fraseado sagaz de, digamos, June Christy, pero Raney tenía una voz dulce, dulce -- tal vez no lo suficientemente poderosa como para hacer sonar los números más pomposos, pero con quemadores lentos (como el über-sensual "Don't Let the Sun Catch You Crying" o el apropiadamente melancólico "Here's That Rainy Day" (Aquí está ese día lluvioso)"), su parto es asombroso. La canción que da título al álbum es sin duda la aventura más exitosa aquí. Al eliminar el flash y llegar a un ronroneo íntimo, "All By Myself" permite a Raney susurrar al oído, que es, en última instancia, la mejor manera de que ella se encuentre en el registro.

https://www.allmusic.com/album/all-by-myself-mw0000549583

Biografía de Scott Yanow

Bendecida con una hermosa voz desde muy temprana edad, Sue Raney ha interpretado música que va desde jazz y baladas hasta cabaret, pop y jingles. Su madre era cantante y una tía abuela había estado en la ópera alemana. Raney comenzó a cantar cuando tenía cuatro años y un año después se presentó por primera vez en público, en una fiesta en Wichita, Kansas. Debido a que no se pudo encontrar un maestro de voz para su hija (debido a su extrema juventud), la madre de Raney tomó clases de canto ella misma y luego le pasó lo que aprendió a Sue. Una profesional antes de ser adolescente, Raney trabajó constantemente en Nuevo México cuando su familia se mudó e hizo varios viajes a Los Ángeles durante un par de vacaciones de verano. Se unió al programa de radio Jack Carson en 1954 en L.A. cuando apenas tenía 14 años. Raney apareció en el programa de televisión de Ray Anthony y se convirtió en el vocalista principal de su banda. A los 18 años empezó a trabajar como soltera. Ella ya había grabado para Phillips y luego firmó con Capitol, grabando varias fechas pop influenciadas por el jazz en el medio de la compañía. En los años 60 Raney apareció a menudo en programas de variedades de televisión, dirigió su propio grupo y se hizo muy activa en los estudios donde su impresionante voz ayudó a vender productos. A principios de los años 80, también trabajaba como profesora de canto. En los 90's Sue Raney ha cantado con L.A. Voices y Supersax, la big band de Bill Watrous y como single además de mantenerse activa como educadora de jazz y en los estudios. Sus principales grabaciones de jazz fueron un trío de álbumes para Discovery en los años 80; un CD de VSOP/Studio West presenta a la cantante en varias actuaciones en vivo de los años 60.

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Les Brown & His Band Of Renown • All-Weather Music

 

Biography by Scott Yanow
The leader of a first-class jazz-oriented dance band for over 60 years, Les Brown's music was never innovative but was generally quite pleasing. Brown was born in Reinerton, PA, into the family of a baker. He got started in music early, taking up the saxophone at age seven with the strong encouragement of his father, who played the trombone. He knew how to sight-read before he was ten, and was playing alongside his father by that time at local dances. Brown left high school after one year, choosing instead to attend the Ithaca Conservatory of Music, where he studied theory, harmony, and composition. He passed through the New York Military Academy before landing at Duke University, where he joined the Duke Blue Devils, the university's official dance band, in 1935. Their sound was modeled after the Casa Loma Orchestra, which was then one of the most popular dance bands in the country, especially among college audiences.

Brown made his first recordings as a member of the Blue Devils in 1936 for Decca, but by the following year they'd split up, as the members who were still undergraduates returned to school. Brown went to New York and spent a year working for Jimmy Dorsey, Isham Jones, and Larry Clinton as an arranger. His chance at forming a new band came in 1938 when an executive at RCA arranged a booking for him at the Hotel Edison in Manhattan, if he could put a group together. Brown secured a loan from his father to get the band off the ground and he soon had a 12-piece outfit playing at the hotel. A series of regular live radio broadcasts of the band soon had their reputation spreading far beyond the ranks of the hotel's dance patrons, and RCA Victor quickly signed them to its Bluebird imprint.

The group was doing well as the 1930s closed out, drawing a healthy dance audience and a substantial listenership. Their records weren't the most ambitious in the world -- mostly covers of standards and other bands' hits, interspersed with an occasional Les Brown original -- but they sold well enough to keep the recording industry interested in them. In the late '30s, most of their sound was built on ensemble playing, and they displayed a rich, full tone that came off well, both in person and over the air as well as on record. Brown insisted on a polished, precise sound and audiences seemed to devour it. But starting in 1940, he began altering their sound by allowing room for his soloists to go to work doing that they did best, and audiences liked it even better. Then he hired his first vocalist, a teenager named Doris Day, who sang with a depth and level of sophistication far beyond her 17 years, and their popularity soared. Day's first stay with the group wasn't long -- less than a year -- before she left to get married. Her replacement, Betty Bonney, was aboard when the band cut a song devoted to the then-current phenomenon of Joe DiMaggio's hitting streak -- "Joltin' Joe DiMaggio" became their first chart hit. When the smoke cleared, the band found itself ranked among the top ten most popular performing outfits in the country.

It was a radio show, Spotlight Band, that inadvertently played a big role in their subsequent history. The Les Brown band appeared regularly on the program, which went to service audiences around the country (and made them permanent favorites of millions of men in uniform). But it was a chance moment in 1942, when an announcer referred to them as "Les Brown & His Band of Renown," that proved a key to their future. The reference sounded great, and it stuck, and it became the band's permanent name. They came to occupy a peculiar niche in the musical world as it existed in those years -- although it wasn't really a jazz band, Brown's group employed enough elements of jazz, and enough high-quality soloists (and Brown seldom featured himself in the latter capacity, though he was a good player), that they were treated with a great deal of respect by jazz players and in the jazz journals of the period.

The next pivotal moment came in 1943 when Brown persuaded Doris Day, now divorced and raising a son (actually, future producer Terry Melcher), to return to the band. The result, in 1944, was one of the most enduring hits of World War II, "Sentimental Journey." It not only became one of the defining hits of the big-band era, but also Brown's signature tune (and, to a lesser degree, Day's signature tune) for the next 50 years, and even in the 21st century is totally identified with both of them. The song was written by Ben Homer, a composer and arranger who was also responsible for the various dance adaptations of classical works that Brown's band recorded. Brown spent most of the 1940s signed to Columbia Records, which was also the home of Doris Day as a solo act. Brown's career momentum was slowed only when the Second World War drew to a close, and he decided to spend more time with his wife and family, which meant giving up touring -- he'd had some excellent soloists in his band, including Abe Most and Ted Nash, but they soon began drifting away to other work once Brown settled down in Los Angeles.

In early 1947, Brown took on an extended engagement at the Hollywood Bowl, which resulted in his reactivating the band in a new incarnation, made up of freelancers -- he also discovered that there were enough truly high-caliber examples of the latter that the music didn't suffer at all. As a result of that engagement, he also picked up what proved to be the longest running gig of his career when he started working with Bob Hope. The association with Hope -- which resulted in Brown touring for many years in tandem with the legendary comedian's performances on behalf of American servicemen -- made it possible for the orchestra to stay together for many decades. The Dave Pell Octet, which was quite popular in the mid-'50s, was comprised of some of Brown's sidemen. In the late '50s, Brown became one of the founding members of the Recording Academy. Brown was signed to Capitol Records during this same period and enjoyed a fresh string of hit singles and successful LPs through the end of the decade -- such was his reputation that he was easily able to recruit top players (such a reedman Billy Usselton) for those later bands, and those Capitol recordings have found an enduring audience much as his earlier Columbia sides did. Additionally, his work with Hope helped to keep his name alive for several generations of television viewers, among others, well into the 1980s. Brown also occasionally toured throughout the last decades of his life, even performing within a year of his death on January 4, 2001, at the age of 88. His son, Les Brown, Jr., a musician who was primarily known as an actor, took over the Band of Renown during the 21st century and has kept it going since.
https://www.allmusic.com/artist/les-brown-mn0000511773/biography

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Biografía de Scott Yanow
Líder de una banda de baile de primera clase orientada al jazz durante más de 60 años, la música de Les Brown nunca fue innovadora, pero en general fue bastante agradable. Brown nació en Reinerton, PA, en la familia de un panadero. Se inició en la música muy pronto, tomando el saxofón a los siete años con el fuerte estímulo de su padre, que tocaba el trombón. Sabía leer a vista antes de los diez años, y en ese momento tocaba junto a su padre en los bailes locales. Brown dejó la escuela secundaria después de un año, eligiendo en su lugar asistir al Conservatorio de Música de Ítaca, donde estudió teoría, armonía y composición. Pasó por la Academia Militar de Nueva York antes de aterrizar en la Universidad de Duke, donde se unió a los Duke Blue Devils, la banda de baile oficial de la universidad, en 1935. Su sonido se inspiró en la Orquesta de Casa Loma, que era entonces una de las bandas de baile más populares del país, especialmente entre el público universitario.

Brown hizo sus primeras grabaciones como miembro de los Blue Devils en 1936 para Decca, pero al año siguiente se separaron, ya que los miembros que aún eran estudiantes universitarios volvieron a la escuela. Brown se fue a Nueva York y pasó un año trabajando para Jimmy Dorsey, Isham Jones y Larry Clinton como arreglista. Su oportunidad de formar una nueva banda llegó en 1938 cuando un ejecutivo de la RCA le hizo una reserva en el Hotel Edison de Manhattan, si podía formar un grupo. Brown obtuvo un préstamo de su padre para poner en marcha la banda y pronto tuvo un grupo de 12 músicos tocando en el hotel. Una serie de emisiones de radio en directo de la banda pronto tuvo su reputación más allá de las filas de los clientes del hotel, y RCA Victor rápidamente los contrató para su sello Bluebird.

El grupo iba bien cuando se cerró la década de 1930, atrayendo a una saludable audiencia de baile y a una considerable cantidad de oyentes. Sus discos no eran los más ambiciosos del mundo - la mayoría versiones de estándares y éxitos de otras bandas, intercalados con un ocasional original de Les Brown - pero se vendieron lo suficientemente bien como para mantener a la industria discográfica interesada en ellos. A finales de los años 30, la mayoría de su sonido se construyó en conjunto, y mostraron un rico y completo tono que salió bien, tanto en persona y en el aire como en el disco. Brown insistía en un sonido pulido y preciso y el público parecía devorarlo. Pero a partir de 1940, empezó a alterar su sonido dejando espacio para que sus solistas trabajaran haciendo lo que mejor sabían hacer, y al público le gustaba aún más. Entonces contrató a su primera vocalista, una adolescente llamada Doris Day, que cantó con una profundidad y nivel de sofisticación muy superior a sus 17 años, y su popularidad se disparó. La primera estancia de Day en el grupo no fue larga, menos de un año, antes de que se fuera a casar. Su sustituta, Betty Bonney, estaba a bordo cuando la banda grabó una canción dedicada al fenómeno entonces vigente de la racha de éxitos de Joe DiMaggio: "Joltin' Joe DiMaggio" se convirtió en su primer éxito en las listas de éxitos. Cuando el humo se disipó, la banda se encontró entre los diez grupos más populares del país.

Fue un programa de radio, "Spotlight Band", que inadvertidamente jugó un gran papel en su historia posterior. La banda de Les Brown apareció regularmente en el programa, que fue al servicio de las audiencias de todo el país (y los convirtió en favoritos permanentes de millones de hombres en uniforme). Pero fue un momento fortuito en 1942, cuando un locutor se refirió a ellos como "Les Brown & His Band of Renown", que resultó ser una clave para su futuro. La referencia sonaba muy bien, y se mantuvo, y se convirtió en el nombre permanente de la banda. Llegaron a ocupar un nicho peculiar en el mundo musical tal como existía en aquellos años - aunque no era realmente una banda de jazz, el grupo de Brown empleaba suficientes elementos de jazz, y suficientes solistas de alta calidad (y Brown rara vez se presentaba en esta última capacidad, aunque era un buen músico), que fueron tratados con mucho respeto por los músicos de jazz y en los diarios de jazz de la época.

El siguiente momento crucial llegó en 1943 cuando Brown persuadió a Doris Day, ahora divorciada y criando a un hijo (en realidad, el futuro productor Terry Melcher), para que volviera a la banda. El resultado, en 1944, fue uno de los éxitos más duraderos de la Segunda Guerra Mundial, "Viaje Sentimental". No sólo se convirtió en uno de los éxitos definitorios de la era de las grandes bandas, sino también en la melodía característica de Brown (y, en menor grado, la melodía característica de Day) durante los siguientes 50 años, e incluso en el siglo XXI se identifica totalmente con ambas. La canción fue escrita por Ben Homer, un compositor y arreglista que también fue responsable de las diversas adaptaciones para danza de obras clásicas que la banda de Brown grabó. Brown pasó la mayor parte de la década de 1940 firmando con Columbia Records, que también fue el hogar de Doris Day como solista. El impulso de la carrera de Brown se frenó sólo cuando la Segunda Guerra Mundial llegó a su fin, y decidió pasar más tiempo con su esposa y su familia, lo que significó renunciar a las giras - había tenido algunos excelentes solistas en su banda, incluyendo a Abe Most y Ted Nash, pero pronto comenzaron a alejarse hacia otros trabajos una vez que Brown se estableció en Los Ángeles.

A principios de 1947, Brown asumió un compromiso prolongado en el Hollywood Bowl, lo que resultó en la reactivación de la banda en una nueva encarnación, formada por independientes - también descubrió que había suficientes ejemplos verdaderamente de alto calibre de estos últimos para que la música no sufriera en absoluto. Como resultado de ese compromiso, también tomó lo que resultó ser el concierto más largo de su carrera cuando comenzó a trabajar con Bob Hope. La asociación con Hope - que resultó en una gira de Brown durante muchos años en conjunto con las actuaciones del legendario comediante en nombre de los militares estadounidenses - hizo posible que la orquesta permaneciera unida durante muchas décadas. El Octeto de Dave Pell, que fue muy popular a mediados de los 50, estaba compuesto por algunos de los músicos de Brown. A finales de los 50, Brown se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Academia de la Grabación. Brown firmó con Capitol Records durante este mismo período y disfrutó de una nueva serie de exitosos singles y exitosos LPs hasta el final de la década - tal fue su reputación que fue capaz de reclutar fácilmente a los mejores músicos (como el cantante de caña Billy Usselton) para esas bandas posteriores, y esas grabaciones de Capitol han encontrado un público duradero, como lo hicieron sus primeros equipos de Columbia. Además, su trabajo con Hope ayudó a mantener su nombre vivo para varias generaciones de televidentes, entre otros, hasta bien entrados los años 80. Brown también realizó ocasionalmente giras en las últimas décadas de su vida, incluso actuando en el año siguiente a su muerte, el 4 de enero de 2001, a la edad de 88 años. Su hijo, Les Brown, Jr., un músico conocido principalmente como actor, se hizo cargo de la banda de renombre durante el siglo XXI y la ha mantenido en funcionamiento desde entonces.

https://www.allmusic.com/artist/les-brown-mn0000511773/biography

 

 

 

 

 

Flying Horse Big Band • The Bat Swings!

 

Although The Bat Swings! could well be taken for a baseball analogy, the focus of this third CD by the University of Central Florida's high-powered Flying Horse Big Band is on music associated with the campy Batman TV series from the late 1960s that starred Adam West as the masked superhero and Burt Ward as his sidekick, Robin. The album embodies themes by the celebrated composers Nelson Riddle, Neal Hefti and Paul Francis Webster with arrangements by Michael Philip Mossman, Harry Allen and FHBB director Jeff Rupert (two each), Mark Taylor and UCF faculty member Per Danielsson. Mossman also arranged the five concise (four-second or less) "Bat-Spins" that separate a number of tracks.

In spite of the inescapable variations in technique and tempo, the one constant is swing as the arrangers splice together essential themes and incidental music from the series to sparkle in a big-band format and the ensemble digs in hard to make it happen. The session is all Batman all the way save for Rupert's walking arrangement of the "Spider-Man Theme" and the gospel-leaning finale, "Amazing Grace," dedicated to frequent UCF guest artist and acclaimed multi-instrumentalist Ira Sullivan. Speaking of guest artists, the band welcomes four of them but only one, organist Richard Drexler, solos (on "Spider-Man" and "Amazing Grace"). The others are trumpeter Justin Diaz, percussionist Jeff Moore and vibraphonist / percussionist Marty Morell.

The album opens with Mossman's sassy "Batmobile to Airport" and continues apace with "Batman Riddles the Riddler" and the easygoing "Batman Blues" before digressing to "Spider-Man." The colorful, time-shifting "Kitka" salutes Batman's nemesis / love interest Catwoman, the mid-tempo "Holy-Hole-in-the-Doughnut" Robin's off-the-wall declamations such as "holy flypaper" and "leaping lumbago." Mossman appends an Afro-Cuban luster to "Murcielago en la Cueva" (A Bat in the Cave) before "Amazing Grace" and guitarist Ryan Waszmer ring down the curtain. There are other enticing solos along the way by Waszmer, alto saxophonist Dylan Young, tenors Andy Garcia and Dylan Hannon, trombonist Christian Herrera, trumpeter Aidan Lakshman, pianist Mudel Honore and especially baritone Saul Dautsch ("Airport," "Batman Blues").

While it may not quite keep pace with the swagger or bombast of its iconic namesake, The Bat Swings! does what it set out to do, which is to swing with the sort of POW! that Batman (and Robin) would have applauded.
Jack Bowers BY JACK BOWERS
July 17, 2018
https://www.allaboutjazz.com/the-bat-swings-jeff-rupert-flying-horse-records-review-by-jack-bowers

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Aunque The Bat Swings! bien podría tomarse por una analogía con el béisbol, el enfoque de este tercer CD de la potente Flying Horse Big Band de la Universidad de Florida se centra en la música asociada a la campechana serie de televisión de Batman de finales de los años 60, protagonizada por Adam West como el superhéroe enmascarado y Burt Ward como su compañero, Robin. El álbum incorpora temas de los célebres compositores Nelson Riddle, Neal Hefti y Paul Francis Webster con arreglos de Michael Philip Mossman, Harry Allen y el director de la FHBB Jeff Rupert (dos cada uno), Mark Taylor y el miembro de la facultad de la UCF Per Danielsson. Mossman también arregló los cinco concisos (cuatro segundos o menos) "Bat-Spins" que separan varias pistas.

A pesar de las ineludibles variaciones en la técnica y el tempo, la única constante es el swing, ya que los arreglistas empalman los temas esenciales y la música incidental de la serie para que brillen en un formato de big-band y el conjunto se esfuerza por conseguirlo. La sesión es todo Batman hasta el final, salvo el arreglo de Rupert del "Tema de Spiderman" y el final con tintes gospel, "Amazing Grace", dedicado al frecuente artista invitado de la UCF y aclamado multiinstrumentista Ira Sullivan. Hablando de artistas invitados, la banda da la bienvenida a cuatro de ellos, pero sólo uno, el organista Richard Drexler, hace un solo (en "Spider-Man" y "Amazing Grace"). Los otros son el trompetista Justin Díaz, el percusionista Jeff Moore y el vibrafonista/percusionista Marty Morell.

El álbum se abre con la atrevida "Batmobile to Airport" de Mossman y continúa con "Batman Riddles the Riddler" y la desenfadada "Batman Blues" antes de hacer una digresión con "Spider-Man". El colorido y cambiante "Kitka" saluda a la némesis/interés amoroso de Batman, Catwoman, el medio tempo "Holy-Hole-in-the-Doughnut" las declamaciones fuera de lo común de Robin como "holy flypaper" y "leaping lumbago". Mossman añade un lustre afrocubano a "Murciélago en la Cueva" antes de que "Amazing Grace" y el guitarrista Ryan Waszmer bajen el telón. Hay otros solos atractivos en el camino por Waszmer, el saxofonista alto Dylan Young, los tenores Andy García y Dylan Hannon, el trombonista Christian Herrera, el trompetista Aidan Lakshman, el pianista Mudel Honore y especialmente el barítono Saul Dautsch ("Airport", "Batman Blues").

Aunque no se mantiene al ritmo de la fanfarronería o el bombardeo de su icónico homónimo, The Bat Swings! hace lo que se propone, que es balancearse con el tipo de POW! que Batman (y Robin) habrían aplaudido.
Jack Bowers POR JACK BOWERS
17 de julio de 2018
https://www.allaboutjazz.com/the-bat-swings-jeff-rupert-flying-horse-records-review-by-jack-bowers

flyinghorserecords.com/thebatswings ...

Jerzy Milian • When Where Why

A living legend of the Polish jazz and the country's leading vibraphonist, Jerzy Milian has recorded and performed alongside such stars as Krzysztof Komeda, Jan Ptaszyn Wróblewski, Zbigniew Namysłowski, and Tomasz Stańko. His 1969 debut LP, “Bazaar”, remains a much sought-for item. For nearly a quarter of a century Jerzy Milian has been in charge of the Polish Radio and Television Orchestra of Popular Music whose recordings have been regularly featured by the BBC. Today, Milian's original LPs command high prices, while the man himself is generally considered the icon of the Polish jazz. He is by all means the godfather of the groove.

15 rare and unpublished tracks from one of Poland’s seminal jazz musicians. Upbeat grooves, dreamy bossa novas plus some fine easy listening tunes. Fiery trumpets, sweet saxophones and witty vibraphone solos – all this and more encompassed in fifteen short musical forms recorded with Günther Gollasch’s big band throughout the 1970s.

The signature sound of Jerzy Milian’s vibraphone (heard most notably in the recordings of Krzysztof Komeda and Jan Ptaszyn Wróblewski) has managed to grasp the attention of jazz devotees all over the globe for nearly half a century. Yet Milian is also an esteemed composer and an arranger of skill and imagination whose talent and ingenuity were recognised by many, including the Jazzanova collective. While the artist’s solo discography was rather scant, all of his releases are much sought for (and even more paid for!). The „Jerzy Milian Tapes” series features a profusion of lost and unreleased recordings, all retaining a strong flavour of many different shades of jazz. And yes, it was all written by the man alone!

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Una leyenda viva del jazz polaco y el principal vibrafonista del país, Jerzy Milian ha grabado y actuado junto a estrellas como Krzysztof Komeda, Jan Ptaszyn Wróblewski, Zbigniew Namysłowski, y Tomasz Stańko. Su LP de debut de 1969, "Bazaar", sigue siendo un artículo muy solicitado. Durante casi un cuarto de siglo Jerzy Milian ha estado a cargo de la Orquesta de Música Popular de la Radio y la Televisión Polaca, cuyas grabaciones han sido presentadas regularmente por la BBC. Hoy en día, los LP originales de Milian alcanzan precios elevados, mientras que el hombre mismo es considerado generalmente como el icono del jazz polaco. Él es por todos los medios el padrino del groove.

15 temas raros e inéditos de uno de los músicos de jazz más importantes de Polonia. Grooves alegres, bossa novas de ensueño y algunas melodías finas de fácil escucha. Trompetas ardientes, dulces saxofones y ingeniosos solos de vibráfono: todo esto y más está incluido en quince formas musicales cortas grabadas con la big band de Günther Gollasch a lo largo de los años setenta.

El sonido característico del vibráfono de Jerzy Milian (que se escucha más notablemente en las grabaciones de Krzysztof Komeda y Jan Ptaszyn Wróblewski) ha logrado captar la atención de los devotos del jazz en todo el mundo durante casi medio siglo. Sin embargo, Milian es también un estimado compositor y arreglista de habilidad e imaginación, cuyo talento e ingenio fueron reconocidos por muchos, incluido el colectivo Jazzanova. Aunque la discografía en solitario del artista fue bastante escasa, todos sus lanzamientos son muy solicitados (¡e incluso más pagados!). La serie "Jerzy Milian Tapes" presenta una profusión de grabaciones perdidas e inéditas, todas ellas conservando un fuerte sabor de muchos matices diferentes de jazz. Y sí, ¡todo fue escrito por el hombre solo!

Ralph Marterie & His Marlboro Men • Marvelous Marterie

 

Ralph Marterie (24 December 1914 – 10 October 1978) was a big-band leader born in Acerra (near Naples), Italy.

Marterie first played professionally at age 14 in Chicago. In the 1940s, he played trumpet for various bands. His first job as a bandleader was courtesy of the US Navy during World War 2. He was then hired by the ABC Radio network, and the reputation built from these broadcasts led to a recording contract with Mercury Records. His highest success in the U.S. charts was a cover of "Skokiaan" in 1954. In 1953 he recorded a version of Bill Haley's "Crazy, Man, Crazy", which is generally regarded as the first rock and roll song. His version of "Crazy, Man, Crazy" reached #13 on the Billboard jockey chart and #11 on Cashbox in June, 1953. His recordings of "Pretend" and "Caravan" also made the Top 10. "Caravan" sold over one million copies, and was awarded a gold disc. In 1957, he hit #25 on the Billboard Hot 100 with "Tricky", and in 1957 he hit #10 with "Shish-Kebab". His compositions included "Dancing Trumpet", "Dry Marterie", and "Carla".

Joel Whitburn's pop chart research books say that Marterie's version of "The Song Of Love" peaked at #84 for the week ending December 26, 1955. However, Billboard did not put out an issue that week and Marterie never recorded this tune; the listing is in fact a copyright trap, to prevent others from stealing Whitburn's work.

He died on October 10, 1978, in Dayton, Ohio.

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Ralph Marterie (24 de diciembre de 1914 - 10 de octubre de 1978) fue un líder de la gran banda nacido en Acerra (cerca de Nápoles), Italia.

Marterie jugó por primera vez profesionalmente a los 14 años en Chicago. En los años 40, tocó la trompeta en varias bandas. Su primer trabajo como líder de banda fue cortesía de la Marina de los EE.UU. durante la Segunda Guerra Mundial. Luego fue contratado por la cadena de radio ABC, y la reputación construida a partir de estas emisiones llevó a un contrato de grabación con Mercury Records. Su mayor éxito en las listas de éxitos de EE.UU. fue una portada de "Skokiaan" en 1954. En 1953 grabó una versión de "Crazy, Man, Crazy" de Bill Haley, que se considera generalmente como la primera canción de rock and roll. Su versión de "Crazy, Man, Crazy" alcanzó el número 13 en la lista de éxitos de Billboard y el número 11 en Cashbox en junio de 1953. Sus grabaciones de "Pretend" y "Caravan" también estuvieron en el Top 10. "Caravana" vendió más de un millón de copias, y fue premiado con un disco de oro. En 1957, llegó al #25 en el Billboard Hot 100 con "Tricky", y en 1957 llegó al #10 con "Shish-Kebab". Sus composiciones incluían "Dancing Trumpet", "Dry Marterie", y "Carla".

Los libros de investigación de las listas de popularidad de Joel Whitburn dicen que la versión de Marterie de "The Song Of Love" alcanzó el #84 durante la semana que terminó el 26 de diciembre de 1955. Sin embargo, Billboard no publicó un número esa semana y Marterie nunca grabó esta melodía; la lista es, de hecho, una trampa de los derechos de autor, para evitar que otros roben el trabajo de Whitburn.

Murió el 10 de octubre de 1978, en Dayton, Ohio.

 

Jerzy Milian & Gustav Brom Orchestra • Blues for Praha

 

A living legend of the Polish jazz and the country's leading vibraphonist, Jerzy Milian has recorded and performed alongside such stars as Krzysztof Komeda, Jan Ptaszyn Wróblewski, Zbigniew Namysłowski, and Tomasz Stańko. His 1969 debut LP, “Bazaar”, remains a much sought-for item. For nearly a quarter of a century Jerzy Milian has been in charge of the Polish Radio and Television Orchestra of Popular Music whose recordings have been regularly featured by the BBC. Today, Milian's original LPs command high prices, while the man himself is generally considered the icon of the Polish jazz. He is by all means the godfather of the groove.

   

Considered by many to be the living legend of the Polish jazz, Jerzy Milian remains one of Europe's leading vibraphonists. In the autumn of 1965 he found himself doing a brief yet fruitful stint with the Czechoslovak big band directed by Gustav Brom. It wasn't until almost half a century later, however, that the recordings documenting this unique collaboration finally surfaced on a CD. Blues for Praha is out now.

Back in the 1960s Gustav Brom's orchestra was classified by “Down Beat" as of one the world's best big bands. Jerzy Milian had already been an experienced musician and performer by then, having played with Krzysztof Komeda and Jan Ptaszyn Wróblewski. In October 1965 he seized the Czechslovak audience during his memorable performance at the Prague Jazz Festival, bringing down the Lucerna Music Hall and becoming the event's biggest revelation almost instantly. Although the live recordings have not survived, their studio equivalents, laid down at the Czech radio and encompassing the material from the entire show, are now released on the Blues for Praha CD. The ensemble's live potential can be heard on three additional live tracks recorded in February 1966 at Brno's Jazz Club.

Remastered from the original tapes, the album comes with a lavish booklet featuring a comprehensive essay (also in English), the artist's reminiscences and a bunch of previously unseen photos by Marek Karewicz.

Blues for Praha continues the bestselling “Jerzy Milian Tapes" series of recordings launched in 2012 with the “When Where Why" album. At least eight more volumes are to follow.

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Una leyenda viva del jazz polaco y el principal vibrafonista del país, Jerzy Milian ha grabado y actuado junto a estrellas como Krzysztof Komeda, Jan Ptaszyn Wróblewski, Zbigniew Namysłowski, y Tomasz Stańko. Su LP de debut de 1969, "Bazaar", sigue siendo un artículo muy solicitado. Durante casi un cuarto de siglo Jerzy Milian ha estado a cargo de la Orquesta de Música Popular de la Radio y la Televisión Polaca, cuyas grabaciones han sido presentadas regularmente por la BBC. Hoy en día, los LP originales de Milian alcanzan precios elevados, mientras que el hombre mismo es considerado generalmente como el icono del jazz polaco. Él es por todos los medios el padrino del groove.

Considerado por muchos como la leyenda viva del jazz polaco, Jerzy Milian sigue siendo uno de los principales vibrafonistas de Europa. En el otoño de 1965 se encontró haciendo una breve pero fructífera estancia en la big band checoslovaca dirigida por Gustav Brom. Sin embargo, no fue hasta casi medio siglo más tarde que las grabaciones que documentan esta colaboración única salieron finalmente a la luz en un CD. Blues for Praha ya está en circulación.

En la década de 1960 la orquesta de Gustav Brom fue clasificada por "Down Beat" como una de las mejores big bands del mundo. Jerzy Milian ya era un músico e intérprete experimentado para entonces, habiendo tocado con Krzysztof Komeda y Jan Ptaszyn Wróblewski. En octubre de 1965 se apoderó del público checo durante su memorable actuación en el Festival de Jazz de Praga, derribando el Lucerna Music Hall y convirtiéndose casi instantáneamente en la mayor revelación del evento. Aunque las grabaciones en vivo no han sobrevivido, sus equivalentes de estudio, establecidas en la radio checa y que abarcan el material de todo el espectáculo, se publican ahora en el CD Blues for Praha. El potencial del conjunto en vivo se puede escuchar en tres temas adicionales grabados en febrero de 1966 en el Club de Jazz de Brno.

Remasterizado a partir de las cintas originales, el álbum viene con un lujoso folleto que incluye un amplio ensayo (también en inglés), las reminiscencias del artista y un montón de fotos inéditas de Marek Karewicz.

Blues for Praha continúa con la serie de grabaciones de mayor venta "Jerzy Milian Tapes" lanzada en 2012 con el álbum "When Where Why". Por lo menos ocho volúmenes más van a seguir.   

Woody Herman • The New Swingin' Herman Herd

After early experience in Chicago with the bands led by Tom Gerun and Harry Sosnik, Woody Herman toured with Gus Arnheim. In 1934, he joined Isham Jones, and when Jones's group disbanded in 1936 Herman used its leading sidemen as the nucleus for his own orchestra. This band went through a number of changes of personnel, such as the inclusion in 1943 of Chubby Jackson and in 1944 of Neal Hefti, Ralph Burns, Flip Phillips, and Bill Harris (by the mid-1940s, under the name Herman's Herd, it was internationally famous for the force and originality of its music. Herman reformed the band in 1947, and the distinctive feature of the Second Herd was the group of saxophonists (three tenor and one baritone) who came to be known as the Four Brothers; among the musicians who played in the section were Serge Chaloff, Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn, and Gene Ammons.

After the demise of the Second Herd in 1949, Herman continued to lead bands; these were perhaps less creative, but their consistently high level of musicianship assured his continuing reputation. The Anglo-American Herd, which he organized in 1959, was significant in the history of English Jazz; another of the more distinctive later bands, the Swinging Herd, was formed in 1962 and featured such excellent soloists as Bill Chase, Phil Wilson, and Sal Nistico. Herman broadened his scope in the late 1960s, when he took up soprano saxophone and included young jazz-rock players in his groups. He toured widely in the 1970s, and in the early 1980s held a residency in a club in New Orleans. Thereafter he worked principally on the West Coast, before taking up another residency in the St. Regis Hotel, New York, in 1985. He celebrated his 50th anniversary as bandleader with the formation of a new orchestra in 1986.

Although Herman's instrumental expertise was considerable, his essential importance was as an organizer. His rare ability to assemble and sustain bands notable for the quality of their musicians grew especially clear in the late years of World War II, when his group consisted of brilliant improvisers whose ensemble playing was exuberant and incisive; Igor Stravinsky was so impressed by its sound that in 1945 he composed his Ebony Concerto for the band. The harmonic procedures of bop influenced Herman's next orchestra even more deeply, confirming his freedom from the contemporary sectarianism in jazz. The ebullient Lemon Drop (1948) with its succession of exciting improvisations illustrates Herman's shrewd open-mindedness as a bandleader as do more overtly ambitious recordings like the two-part Lady McGowan's Dream (1946) and the four-part Summer Sequence (1946-7), both composed by Burns.

https://musicians.allaboutjazz.com/woodyherman

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Tras una temprana experiencia en Chicago con las bandas lideradas por Tom Gerun y Harry Sosnik, Woody Herman hizo una gira con Gus Arnheim. En 1934, se unió a Isham Jones, y cuando el grupo de Jones se disolvió en 1936, Herman utilizó a sus compañeros principales como núcleo de su propia orquesta. Esta banda pasó por varios cambios de personal, como la inclusión en 1943 de Chubby Jackson y en 1944 de Neal Hefti, Ralph Burns, Flip Phillips y Bill Harris (a mediados de la década de 1940, bajo el nombre de Herman's Herd, fue internacionalmente famosa por la fuerza y la originalidad de su música. Herman reformó la banda en 1947, y el rasgo distintivo de la Segunda Manada fue el grupo de saxofonistas (tres tenores y un barítono) que llegaron a ser conocidos como los Cuatro Hermanos; entre los músicos que tocaron en la sección estaban Serge Chaloff, Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn y Gene Ammons.

Tras la desaparición de la Segunda Manada en 1949, Herman continuó dirigiendo bandas; éstas eran quizás menos creativas, pero su constante alto nivel de musicalidad aseguraba su continua reputación. La Anglo-American Herd, que organizó en 1959, fue importante en la historia del jazz inglés; otra de las bandas posteriores más distintivas, la Swinging Herd, se formó en 1962 y contó con excelentes solistas como Bill Chase, Phil Wilson y Sal Nistico. Herman amplió su ámbito de actuación a finales del decenio de 1960, cuando se dedicó al saxofón soprano e incluyó a jóvenes músicos de jazz-rock en sus grupos. Hizo muchas giras en los 70 y a principios de los 80 hizo una residencia en un club de Nueva Orleans. A partir de entonces trabajó principalmente en la Costa Oeste, antes de hacer otra residencia en el Hotel St. Regis, Nueva York, en 1985. Celebró su 50 aniversario como director de banda con la formación de una nueva orquesta en 1986.

Aunque la experiencia instrumental de Herman era considerable, su importancia esencial era como organizador. Su rara habilidad para reunir y sostener bandas notables por la calidad de sus músicos se hizo especialmente evidente en los últimos años de la Segunda Guerra Mundial, cuando su grupo estaba formado por brillantes improvisadores cuya interpretación en conjunto era exuberante e incisiva; Igor Stravinsky quedó tan impresionado por su sonido que en 1945 compuso su Concierto de Ébano para la banda. Los procedimientos armónicos del bop influyeron aún más profundamente en la siguiente orquesta de Herman, confirmando su libertad del sectarismo contemporáneo en el jazz. La exuberante Lemon Drop (1948), con su sucesión de emocionantes improvisaciones, ilustra la sagaz apertura de miras de Herman como director de banda, al igual que otras grabaciones más abiertamente ambiciosas como el Sueño de Lady McGowan (1946), en dos partes, y la Secuencia de verano (1946-7), en cuatro partes, ambas compuestas por Burns.

https://musicians.allaboutjazz.com/woodyherman

Oliver Nelson-Nobuo Hara & His Sharps & Flats • 3-2-1-0

 

 

 

Biography by Scott Yanow

The Blues and the Abstract Truth

Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

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Biografía de Scott Yanow

El blues y la verdad abstracta

Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

Les & Larry Elgart • Best Of Big Bands

The Stan Tracey Big Band • Alice In Jazz Land

Stanley William Tracey, CBE (Londres, 30 de diciembre de 1926 – 6 de diciembre de 2013),1 fue un pianista y compositor de jazz británico influenciado por Duke Ellington y Thelonious Monk.

Biografía

La Segunda Guerra Mundial representó para Tracey la ruptura de su educación formal, convirtiéndose a los 16 años en músico profesional como miembro de la Entertainments National Service Association tocando el acordeón en giras de conciertos. A los 19 años se unió al Gang Show de Ralph Reader mientras servía en la RAF, donde conoce al cómico Tony Hancock.

A principios de la década de 1950 formó parte de conjuntos musicales a bordo de cruceros como el Queen Mary y el Cardonia y efectuó giras de conciertos por el Reino Unido junto a Cab Calloway. En esa época tocaba el vibráfono, instrumento que luego abandonó. Realizó conciertos junto a músicos como Tony Crombie (batería), Vic Ash (clarinete), Kenny Graham (saxofonista y arreglador) y Dizzy Reece (trompeta).

En febrero de 1957 realiza una gira por Estados Unidos con el conjunto de Ronnie Scott, y en setiembre se une a la orquesta de Ted Heath por dos años, época que incluyó giras con la cantante Carmen McRae como arreglador y pianista. Aunque a Tracey le disgustaba el estilo de Heath, el trabajo le permitió un ingreso económico regular. Al año siguiente grabó su primer álbum, Showcase, para el sello británico de Heath, Decca Records, y en 1959 Little Klunk.

En Ronnie's y el disco Under Milk Wood

Desde marzo de 19602 hasta cerca de 19673 Tracey fue el pianista del club de jazz de Ronnie Scott en el Soho de Londres, donde tuvo la oportunidad de acompañar a la mayoría de los principales solistas de Estados Unidos que visitaban el club. Algunas grabaciones de estas interpretaciones aparecieron en discos larga duración, y otras se han editado en años recientes con sello de Jazz House o Harkit, con producción del periodista Les Tomkins, sin calidad de sonido profesional.

En este contexto se ganó varios admiradores de alto perfil como Sonny Rollins quien dijo en uno de sus conciertos: ¿Hay alguna persona aquí que sabe cuan bueno es?" Es Tracey en el piano a quien los espectadores escuchan detrás de Rollins en la banda sonora de la versión de Michael Caine para Alfie.

La experiencia de trabajar en el club de Scott arruinó sin embargo la salud de Tracey: las largas horas de actuación lo llevaron a ingerir estimulantes, y los bajos salarios hacían que debiera tomar el bus para regresar a su casa a las 3 de la mañana.

Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el proyecto Jazz Departures de Michael Horovitz, cuya meta era mezclar lecturas poéticas con jazz, interactuando espontáneamente con las palabras.4 El grupo grabó un álbum en 1964, que fue no sólo el primero de estilo clásico de Tracey, sino el primero que grabó con el saxofonista Bobby Wellins, con quien se ha asociado hasta nuestros días. Ambos contribuyeron con composiciones originales. La pieza de «Culloden Moor» de Wellins precedesora de la banda de sonido de la película Battle of Culloden de Peter Watkins es especialmente memorable.

El álbum de 1965 titulado Jazz Suite inspired by Dylan Thomas’ «Under Milk Wood» es una de las grabaciones de jazz más celebradas en el Reino Unido. Tracy se inspiró para componer la Suite escuchando la transmisión original de la BBC de 1953 en un LP que había comprado su esposa Jackie. La pieza «Starless and Bible Black», una cita del monólogo de apertura es probablemente la mejor muestra del lirismo de Wellins y el brillo de Tracey como compositor. Tanto ha sido el aprecio por esta obra que Tracey debió grabarla en reiteradas oportunidads, algo inusual para un músico de jazz británico. A Under Milk Wood le siguió Alice in Jazzland, un álbum para big band el año siguiente. Posteriormente en la misma década Tracey hizo los arreglos para una obra de Acker Bilk, Blue Acker y su primer álbum dedicado a obras de Duke Ellington, conmemornado el 70º aniversario del nacimiento del artista.

Experimentación y consolidación

A principios del decenio de 1970 se inició una época sombría para Tracey. Llegó a trabajar como cartero para poder obtener los beneficios de una pensión, pero poco después su carrera comenzó a recuperarse.

Comenzó a trabajar con músicos de la última generación, del jazz libre o la vanguardia, incluyendo a Mike Osborne, Keith Tippett y John Surman. Continuó en este estilo con Evan Parker y el festival de Jazz de Appleby por varios años, pero siempre como un tema marginal para él, que llegó a decir «toco más jazz libre en la corriente de moda, que lo que hago de moda en el jazz libre».5

A mediados de la década de 1970 fundó su propio sello, Steam, y a través de él reeditó Under Milk Wood, porque el sello principal que poseía los derechos de autor había cerrado. En la década siguiente usó la empresa para editar grabaciones de cierta cantidad de encargos de Suites, incluyendo The Salisbury Suite (1978), The Crompton Suite (1981) and The Poets Suite (1984).

Dirigió su propio octeto entre 1976 y 1985, y formó un sexteto en 1979, llamado Hexad, realizando giras hasta el Medio Oriente e India. En esa época mantuvo una larga relación artística con el saxofonista Art Themen y su propio hijo, el percusionista Clark Tracey.

https://es.wikipedia.org/wiki/Stan_Tracey

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Stanley William Tracey CBE (30 December 1926 – 6 December 2013) was a British jazz pianist and composer, whose most important influences were Duke Ellington and Thelonious Monk. Tracey's best known recording is the 1965 album Jazz Suite Inspired by Dylan Thomas's "Under Milk Wood", which is based on the BBC radio drama Under Milk Wood, by Dylan Thomas.

Early career

The Second World War meant that Tracey had a disrupted formal education, and he became a professional musician at the age of sixteen as a member of an ENSA touring group playing the accordion, his first instrument. He joined Ralph Reader's Gang Shows at the age of nineteen, while in the RAF and formed a brief acquaintance with the comedian Tony Hancock. Later, in the early 1950s, he worked in groups on the transatlantic liners Queen Mary and Caronia and toured the UK in 1951 with Cab Calloway. By the mid-1950s, he had also taken up the vibraphone, but later ceased playing it. At this time he worked widely with leading British modernists, including drummer Tony Crombie, clarinettist Vic Ash, the saxophonist-arranger Kenny Graham and trumpeter Dizzy Reece.

In February 1957, he toured the United States with Ronnie Scott's group, and became the pianist with Ted Heath's Orchestra in September for two years (1958–59), including a US tour with singer Carmen McRae. Although Tracey disliked Heath's music, he gained a regular income and was well featured as a soloist on both piano and vibes, and contributed compositions and arrangements that stayed in the Heath book for many years. The following year he recorded his first album as leader, Showcase, for English Decca (also Heath's label) and Little Klunk in 1959; he had first recorded in 1952 with the trumpeter Kenny Baker. At Decca Records, Tracey met his future wife, Jackie Buckland (3 April 1929 – 13 August 2009); the couple had two children Clark and Sarah.

At Ronnie's and the Under Milk Wood LP

From March 1960 until about 1967 (some sources give 1968), Tracey was the house pianist at Ronnie Scott's Jazz Club in Soho, London, and he had the opportunity to accompany many of the leading musicians from the US who visited the club. Recordings of some of these performances appeared on LP and others have appeared in recent years on the Jazz House and Harkit labels, recorded by the journalist Les Tomkins, but with non-professional sound quality. In this context he gained some high-profile admirers; Sonny Rollins asserted at one concert: "Does anyone here know how good he is?". It is Tracey on piano that film viewers hear behind Rollins on the soundtrack of the Michael Caine version of Alfie (1966).

However, the experience of working in Scott's club affected Tracey's health; the long hours led to him taking various illicit stimulants, and the low wages also meant that he had to take the workman's bus back home to Streatham at 3 am.

At the same time he became active in Michael Horovitz's New Departures project, mixing poetry performances with jazz, where the musicians interacted spontaneously with the words. The New Departures group recorded an album in 1964 with saxophonist Bobby Wellins, a partnership that continued for several decades. Both men contributed original compositions to the album.

Tracey's 1965 album (its full title is Jazz Suite Inspired by Dylan Thomas's "Under Milk Wood") is one of the most celebrated jazz recordings made in the United Kingdom. Tracey was inspired to compose the suite by hearing the original 1953 BBC broadcast on an LP his wife Jackie had acquired. The track "Starless and Bible Black", a quote from the opening monologue, is probably the best demonstration of Wellins' lyricism and the highlight of Tracey's whole career. Such is the affection with which these pieces are held that Tracey has re-recorded them on several occasions, something that is unusual for British jazz musicians to do. Under Milk Wood was followed by Alice in Jazzland, an album for big band, the next year featuring many of his former Ted Heath colleagues. Later in the decade, Tracey made the arrangements for an Acker Bilk record, Blue Acker, and his first album dedicated to Duke Ellington compositions (both recorded in 1968), in this case to commemorate Ellington's 70th birthday the following year.

Experimentation and consolidation

The early 1970s were a bleak time for Tracey. Around 1970, he almost chose to retrain as a postman under pressure from the Unemployment Benefits' office – "I would have quite a good pension by now" he quips – but his wife, formerly involved in public relations, took a more direct role in the development of Tracey's career.

He began to work with musicians of a later generation, who worked in a free or avant-garde style, including Mike Osborne, Keith Tippett and John Surman. Tracey continued to work in this idiom with Evan Parker at the UK's Appleby Jazz Festival for several years, but this was always more of a sideline for Tracey, who said that he "took more out of free music into the mainstream than I did from mainstream into free". Neil Ferber founder and organiser of the Appleby Jazz Festival built the festival around Stan Tracey and the musicians who worked with him, booking Stan to appear at every festival for the 18 years that it existed.

In the mid-1970s he formed his own record label, Steam, and through it reissued Under Milk Wood (the major label that held the rights to it had allowed it to fall out of print). Over the next decade he also used the outlet to issue recordings of a number of commissioned suites. These included The Salisbury Suite (1978), The Crompton Suite (1981) and The Poets Suite (1984).

He led his own octet from 1976 to 1985 and formed a sextet in 1979 (later called Hexad), touring widely in the Middle East and India. In this context he had a longstanding performance partnership from 1978 with saxophonist (and physician) Art Themen, and his own son, the percussionist Clark Tracey. He was able to share the billing with arranger Gil Evans in a 1978 concert at the Royal Festival Hall, such was Tracey's pre-eminence in the UK. In private, he played Ellington recordings for Evans that the latter had not previously heard. Tracey continued to record with American musicians on occasion as well, with dates taking place with Sal Nistico in 1985 and Monk associate, Charlie Rouse in 1987.

The Steam label ceased trading in the early 1990s, reportedly because of difficulties caused by the retail trade's need for its inventory to carry a barcode. However, in 1992 Tracey benefited from Blue Note's brief interest in UK musicians, leading to the Portraits Plus album and the commercial issue of the BBC's recording of the concert commemorating the 50th anniversary of Tracey's first professional gig, as well as Under Milk Wood′s debut on CD.

In 1995 his new quartet featuring Gerard Presencer recorded the For Heaven's Sake album and also performed gigs together. In 2003 Tracey was the subject of a BBC Television documentary Godfather of British Jazz, a rare accolade nowadays for any jazz musician, let alone one from Britain. Tracey's catalogue from the LP era is being reissued on ReSteamed Records.

Already an Officer of the Order of the British Empire (OBE), he was appointed Commander of the Order of the British Empire (CBE) in the 2008 New Year Honours.

Tracey died of cancer on 6 December 2013; he was survived by his son, Clark Tracey; his daughter died in 2012.

https://en.wikipedia.org/wiki/Stan_Tracey

Colaborador / Contribuitor:  boppinbob 

 

 

Woody Herman • Verve Jazz Masters 54

Biography
After early experience in Chicago with the bands led by Tom Gerun and Harry Sosnik, Woody Herman toured with Gus Arnheim. In 1934, he joined Isham Jones, and when Jones's group disbanded in 1936 Herman used its leading sidemen as the nucleus for his own orchestra. This band went through a number of changes of personnel, such as the inclusion in 1943 of Chubby Jackson and in 1944 of Neal Hefti, Ralph Burns, Flip Phillips, and Bill Harris (by the mid-1940s, under the name Herman's Herd, it was internationally famous for the force and originality of its music. Herman reformed the band in 1947, and the distinctive feature of the Second Herd was the group of saxophonists (three tenor and one baritone) who came to be known as the Four Brothers; among the musicians who played in the section were Serge Chaloff, Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn, and Gene Ammons.

After the demise of the Second Herd in 1949, Herman continued to lead bands; these were perhaps less creative, but their consistently high level of musicianship assured his continuing reputation. The Anglo-American Herd, which he organized in 1959, was significant in the history of English Jazz; another of the more distinctive later bands, the Swinging Herd, was formed in 1962 and featured such excellent soloists as Bill Chase, Phil Wilson, and Sal Nistico. Herman broadened his scope in the late 1960s, when he took up soprano saxophone and included young jazz-rock players in his groups. He toured widely in the 1970s, and in the early 1980s held a residency in a club in New Orleans. Thereafter he worked principally on the West Coast, before taking up another residency in the St. Regis Hotel, New York, in 1985. He celebrated his 50th anniversary as bandleader with the formation of a new orchestra in 1986.

Although Herman's instrumental expertise was considerable, his essential importance was as an organizer. His rare ability to assemble and sustain bands notable for the quality of their musicians grew especially clear in the late years of World War II, when his group consisted of brilliant improvisers whose ensemble playing was exuberant and incisive; Igor Stravinsky was so impressed by its sound that in 1945 he composed his Ebony Concerto for the band. The harmonic procedures of bop influenced Herman's next orchestra even more deeply, confirming his freedom from the contemporary sectarianism in jazz. The ebullient Lemon Drop (1948) with its succession of exciting improvisations illustrates Herman's shrewd open-mindedness as a bandleader as do more overtly ambitious recordings like the two-part Lady McGowan's Dream (1946) and the four-part Summer Sequence (1946-7), both composed by Burns.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/woody-herman/

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Biografía
Después de una experiencia temprana en Chicago con las bandas dirigidas por Tom Gerun y Harry Sosnik, Woody Herman realizó una gira con Gus Arnheim. En 1934, se unió a Isham Jones, y cuando el grupo de Jones se disolvió en 1936, Herman usó a sus acompañantes principales como núcleo de su propia orquesta. Esta banda pasó por una serie de cambios de personal, como la inclusión en 1943 de Chubby Jackson y en 1944 de Neal Hefti, Ralph Burns, Flip Phillips y Bill Harris (a mediados de la década de 1940, bajo el nombre de Herman's Herd, era internacionalmente famosa por la fuerza y originalidad de su música. Herman reformó la banda en 1947, y el rasgo distintivo de la Segunda Manada fue el grupo de saxofonistas (tres tenores y un barítono) que llegaron a ser conocidos como los Cuatro Hermanos; entre los músicos que tocaron en la sección estaban Serge Chaloff, Stan Getz, Zoot Sims, Al Cohn y Gene Ammons.

Después de la desaparición de The Second Herd en 1949, Herman continuó liderando bandas; estas quizás eran menos creativas, pero su alto nivel constante de musicalidad aseguró su reputación continua. The Anglo-American Herd, que organizó en 1959, fue importante en la historia del Jazz inglés; otra de las bandas posteriores más distintivas, the Swinging Herd, se formó en 1962 y contó con excelentes solistas como Bill Chase, Phil Wilson y Sal Nistico. Herman amplió su alcance a fines de la década de 1960, cuando tomó el saxofón soprano e incluyó a jóvenes músicos de jazz-rock en sus grupos. Realizó numerosas giras en la década de 1970 y, a principios de la de 1980, realizó una residencia en un club de Nueva Orleans. A partir de entonces, trabajó principalmente en la Costa Oeste, antes de tomar otra residencia en el Hotel St.Regis, Nueva York, en 1985. Celebró su 50 aniversario como director de orquesta con la formación de una nueva orquesta en 1986.

Aunque la experiencia instrumental de Herman era considerable, su importancia esencial era como organizador. Su rara habilidad para reunir y sostener bandas notables por la calidad de sus músicos se hizo especialmente evidente a fines de la Segunda Guerra Mundial, cuando su grupo estaba formado por brillantes improvisadores cuyo conjunto tocaba de manera exuberante e incisiva; Igor Stravinsky quedó tan impresionado por su sonido que en 1945 compuso su Concierto de Ébano para la banda. Los procedimientos armónicos de bop influyeron aún más profundamente en la próxima orquesta de Herman, confirmando su libertad del sectarismo contemporáneo en el jazz. La exuberante Lemon Drop (1948) con su sucesión de emocionantes improvisaciones ilustra la astuta mentalidad abierta de Herman como líder de banda, al igual que grabaciones más abiertamente ambiciosas como Lady Mcgowan's Dream (1946) en dos partes y Summer Sequence (1946-7) en cuatro partes, ambas compuestas por Burns.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/woody-herman/

Elmer Bernstein • Johnny Staccato

 

Original score for the NBC-TV series "Johnny Staccato," starring John Cassavetes.


 

Kenyon Hopkins • The Reporter [TV series]

 

Clark Terry • Clark After Dark

 

Duke Ellington • Anatomy of a Murder

 

Review from JAZZIZ Magazine (by Larry Nai):
The Ellington orchestra sounded exquisite in the early summer sessions that produced this soundtrack. With a burnished sonic brilliance reminiscent of the glorious 1940 Blanton/Webster edition of the band, and soloists like Johnny Hodges and Paul Gonsalves, Ellington's tightly woven soundtrack took on a life independent of its original context. In doing so, it became one of Duke's most satisfying albums.
https://www.amazon.com/Anatomy-Murder-Soundtrack-Motion-Picture/dp/B00000IMYH

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Reseña de JAZZIZ Magazine (por Larry Nai):
La orquesta de Ellington sonó exquisita en las sesiones de principios de verano que produjeron esta banda sonora. Con un brillo sónico bruñido que recuerda a la gloriosa edición Blanton/Webster de 1940 de la banda, y solistas como Johnny Hodges y Paul Gonsalves, la banda sonora tejida apretadamente por Ellington cobró vida independiente de su contexto original. Al hacerlo, se convirtió en uno de los álbumes más satisfactorios de Duke.
https://www.amazon.com/Anatomy-Murder-Soundtrack-Motion-Picture/dp/B00000IMYH

Larry Elgart & His Orchestra • Sophisticated Sixties

 

Leroy Holmes And His Orchestra • Music From The Modern Screen

 

Quincy Jones • This Is How I Feel About Jazz

 

www.quincyjones.com ...