Return To Forever Feat. Chick Corea • No Mystery

 

Review
by Michael G. Nastos  
The fourth edition of Return to Forever was a band that emphasized the screaming wah-wah guitar of Al Di Meola and every electric keyboard Chick Corea could get his hands on to play furiously fast runs. Where the initial, airy Flora Purim/Airto/Joe Farrell edition gave way to the second undocumented group featuring Earl Klugh, and the third band with electric guitarist Bill Connors, this RTF was resplendently and unapologetically indulgent, ripping through riffs and charted, rehearsed melodies, and polyrhythms like a circular saw through a thin tree branch. Their immediacy and visceral power is why rock audiences were drawn to them, impressed by their speed-demon vagaries as much as their concern for musicality. Thank goodness No Mystery had more than its share of toned-down acoustic moments, as well as the powerhouse fighter jet stance that most of their fans craved. It's not nearly as balanced as the previous album Where Have I Known You Before?, but expounds on those themes -- inspired by Neville not Harry Potter -- in a more progressive though louder manner. The bold, dancing, and funky "Dayride" in a higher octave and vocal-type keyboard range perfectly identifies the group sound in a scant three-plus minutes. The two-part, 14-minute "Celebration Suite" gives you a larger view of the classical Bartok/Chopin influence of Corea, and the dramatic medieval or regal stance they alchemized with so many keyboard sounds. It's pseudo-funky, Spanish in a 6/8 rhythm, wailing with Di Meola leaping forth in true guitar hero form, with some group-oriented perfunctory subtleties and complex lines. The title track is the jewel, an acoustic romp through fields of flowers with Lenny White on marimba buoyed by a beautiful, lilting, memorable melody and shifting loud and soft dynamics -- a classic in the repertoire and a fan favorite. The tromping beat of "Jungle Waterfall" supersedes Stanley Clarke's lithe lines, while noise keyboards dominate the silly "Sofistifunk." Corea's acoustic piano is featured on the chordal, grandiose solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal," and in duet with Clarke. the improvised "Interplay" shows a more spontaneous rather than rehearsed side of these brilliant musicians. Over time, No Mystery yields mixed results, where initially they were viscerally driven and ultimately impressive. The next phase of the group, as indicated by this recording, would take them into even more technologically dominated music.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394

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Reseña
por Michael G. Nastos  
La cuarta edición de Return to Forever fue una banda que hizo hincapié en la chillona guitarra wah-wah de Al Di Meola y en todos los teclados eléctricos que Chick Corea pudo tener en sus manos para tocar carreras furiosamente rápidas. Mientras que la edición inicial de Flora Purim/Airto/Joe Farrell dio paso al segundo grupo indocumentado con Earl Klugh, y al tercero con el guitarrista eléctrico Bill Connors, este RTF era resplandeciente y descaradamente indulgente, arrasando riffs y melodías ensayadas y polirrítmicas como una sierra circular atraviesa una rama fina de árbol. Su inmediatez y poder visceral es la razón por la que el público del rock se sentía atraído por ellos, impresionado por sus caprichos de demonios de la velocidad tanto como por su preocupación por la musicalidad. Gracias a Dios, No Mystery tiene más que su parte de momentos acústicos atenuados, así como la poderosa postura de avión de combate que la mayoría de sus fans ansiaban. No es ni mucho menos tan equilibrado como el álbum anterior Where Have I Known You Before?, pero profundiza en esos temas -inspirados en Neville y no en Harry Potter- de una manera más progresiva aunque más ruidosa. La atrevida, bailable y funky "Dayride", en una octava más alta y con un teclado de tipo vocal, identifica a la perfección el sonido del grupo en apenas tres minutos y pico. La "Celebration Suite", en dos partes y de 14 minutos de duración, ofrece una visión más amplia de la influencia clásica Bartok/Chopin de Corea, y de la dramática postura medieval o regia que alquimizaron con tantos sonidos de teclado. Es pseudo-funky, español en un ritmo de 6/8, ululante con Di Meola saltando en verdadera forma de héroe de la guitarra, con algunas sutilezas perfunctorias orientadas al grupo y líneas complejas. La canción que da título al disco es la joya, un jugueteo acústico por campos de flores con Lenny White a la marimba, animado por una melodía hermosa, cadenciosa y memorable y una dinámica que cambia de alto a bajo: un clásico del repertorio y uno de los favoritos de los fans. El ritmo trompetero de "Jungle Waterfall" sustituye a las ágiles líneas de Stanley Clarke, mientras que los teclados ruidosos dominan la tonta "Sofistifunk". El piano acústico de Corea aparece en el acorde y grandioso solo "Excerpt from the First Movement of Heavy Metal", y a dúo con Clarke, el improvisado "Interplay" muestra un lado más espontáneo que ensayado de estos brillantes músicos. Con el tiempo, No Mystery arroja resultados dispares, donde al principio eran visceralmente impulsados y, en última instancia, impresionantes. La siguiente fase del grupo, como indica esta grabación, les llevaría a una música aún más dominada por la tecnología.
https://www.allmusic.com/album/no-mystery-mw0000192394


return2forever.com ...

Al Di Meola • Elegant Gypsy

aldimeola.com ...

 

Freddie Hubbard • Polar AC

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Polar AC is a rather unusual CTI release, a collection of leftover tracks from different sessions put out by Creed Taylor after Freddie Hubbard had departed for Columbia. Despite its compilation nature, the results are quite enjoyable. Hubbard is in fine form throughout, and the supporting cast -- including George Benson, Hubert Laws, Ron Carter and Jack DeJohnette -- is top-notch. The arrangements by Don Sebesky and Bob James are typically lush, though the briefer, sparser "Son of Sky Dive" stands apart as the highlight, offering a more direct jazz setting without the orchestral overlay. An uneven but worthwhile set for CTI and Hubbard fans.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

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Resena de AllMusic (por Scott Yanow):
Polar AC es una entrega bastante inusual de CTI, una coleccion de temas sobrantes de diferentes sesiones publicada por Creed Taylor despues de que Freddie Hubbard se marchara a Columbia. A pesar de su naturaleza compilatoria, los resultados son bastante disfrutables. Hubbard esta en plena forma a lo largo del disco, y el elenco de apoyo -- incluyendo a George Benson, Hubert Laws, Ron Carter y Jack DeJohnette -- es de primer nivel. Los arreglos de Don Sebesky y Bob James son tipicamente exuberantes, aunque el mas breve y austero "Son of Sky Dive" se destaca como el punto culminante, ofreciendo un contexto jazzistico mas directo sin la cobertura orquestal. Un conjunto irregular pero que vale la pena para los fans de CTI y de Hubbard.
https://www.allmusic.com/album/polar-ac-mw0000459817

Chaka Khan-Joe Henderson-Freddie Hubbard-Chick Corea-Stanley Clarke-Lenny White • Echoes Of An Era

 

Return To Forever • No Mystery

 

 

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chickcorea.com ...

Return To Forever • Together Again Live In Japan

 

return2forever.com ...

Return To Forever • Romantic Warrior

 

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Stanley Clarke • Journey To Love

 

stanleyclarke.com ...


Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Pete Levin • Jump!

 

www.petelevin.com

Essence All Stars • Organic Grooves

Review 1
"...It's a fun jam - cool and hip....the session smolders with B-3 fuel..."
Down Beat (2/97, p.49) - 3 Stars (out of 5)

Review 2
The Essence All Stars' Organic Grooves finds the group turning out good, if unexceptional, hard bop performances of songs by Larry Young ("Luny Tune"), Tina Brooks ("True Blue"), Lenny White ("Old Wine New Bottles") and Hank Mobley ("Smokin'").
- Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide

 

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Reseña 1
"...Es una mermelada divertida - fresca y hipnótica - la sesión arde con el combustible del B-3..."
Down Beat (2/97, p.49) - 3 estrellas (de 5)

Reseña 2
The Essence All Stars' Organic Grooves encuentra al grupo haciendo buenas, aunque no excepcionales, interpretaciones hard bop de canciones de Larry Young ("Luny Tune"), Tina Brooks ("True Blue"), Lenny White ("Old Wine New Bottles") y Hank Mobley ("Smokin'").
- Stephen Thomas Erlewine, All Music Guide

VA • Miles From India, A Celebration Of The Music Of Miles Davis

 

 

Review
by Sean Westergaard  
It was such a simple concept. Producer Bob Belden (who has directed the Miles Davis reissue series) was talking with Times Square label owner Yusuf Gandhi about Miles' use of Indian instrumentation during The Complete On the Corner Sessions and wondered aloud what it would sound like if Indian musicians played Miles' music. Gandhi replied "Miles from India," and nearly a year later Belden delivered this brilliant set that not only features a number of India's finest musicians but a veritable who's who of Miles' own sidemen. In perhaps the boldest move, Belden and the musicians looked well beyond Miles' 1972-1975 sessions with Indian instruments for inspiration, performing tracks from the '50s, '60s, '70s, and '80s (the same time span covered by Miles' associates on this album). Another fun thing about these performances is that some of Miles' sidemen play on songs they didn't originally play on -- like the opener, "Spanish Key," featuring Mike Stern and Dave Liebman. But despite some additional Indian percussion and vocalizing, "Spanish Key" doesn't vary much from the original. On the other hand, "All Blues" is completely transformed, with Ravi Chary's sitar taking the place of Miles' trumpet. The Gary Bartz/Rudresh Mahanthappa sax duet on this is a real treat, as are the presence and playing of Jimmy Cobb, who also played on the original 1959 Kind of Blue session. The fast version of "Ife" marks the entrance of monster bass player Michael Henderson and the wonderfully deranged guitar of Pete Cosey, who does not record nearly enough. After the lovely but relatively brief sarod-led "In a Silent Way," it's great to hear Cosey rip it up on "It's About That Time." He's nearly matched in intensity by Bartz's sax and Kala Ramnath's violin while Henderson does his thing with that killer Dave Holland bassline. Stern gets to reprise his role on the classic "Jean Pierre," paired with some great flute from Rakesh Chaurasia.

Chick Corea appears only on "So What," but turns in a great piano solo with some tasty inside-the-piano work. Like "All Blues," "So What" becomes something else again with the addition of a trio of Indian percussionists and a change in time signature. And while the bassline of "Miles Runs the Voodoo Down" doesn't really lend itself to Henderson's signature propulsive style, the percussionists lock in with him, providing a platform for more sick playing from Cosey. "Blue in Green" has Wallace Roney's trumpet singing with Shankar Mahadevan's voice and then sarangi in another sublime transformation. Here, Mike Stern's solo is as gentle as the one on "Jean Pierre" was noisy. Henderson and drummer Vince Wilburn kick it on "Great Expectations," which segues briefly into the introspective "Orange Lady" and back. Chary and Roney both contribute excellent solos and Cosey goes nuts (why doesn't he record more?). Fortunately, he gets plenty more space on the slow version of "Ife," both soloing and comping. The rhythm section of Henderson and Badal Roy on tabla is completely hypnotic here, providing a perfect base for languid solos from Dave Liebman and Gary Bartz and some nice spacy sounds from Cosey and Adam Holzman. The album closes with the only track Miles didn't record: "Miles from India," penned by John McLaughlin for this set. Scored for voice, piano, guitar, and the electric mandolin of U. Srinivas, it's a pensive and atmospheric track that nevertheless features some passionate soloing. And that's merely touching on some of the highlights. Folks like Ron Carter, Marcus Miller, Ndugu Chancler, and Lenny White haven't even been mentioned, let alone some of the great Indian musicians also present here.

The essence of jazz is improvisation and expression, and Miles always sought out highly individual players. The beauty of Miles from India is how the players from different cultures and backgrounds meet on Miles' turf with their individual voices completely intact. Miles from India is not only an amazing celebration of the music of Miles Davis, it's also a tribute to the way Miles and Teo Macero changed the way jazz music can be made. Granted, it's the musicians involved who turn in these scorching performances, but this album was recorded in Mumbai, India, Chicago, New York, Los Angeles, and Saylorsburg, PA (!?), and would not have been possible without the studio techniques Macero pioneered with Miles. Perhaps, like Macero, Bob Belden will be remembered more for his production than his horn playing. Either way, with Miles from India, Belden has outdone himself and delivered a tribute that succeeds completely on every level. Kudos to all involved.
https://www.allmusic.com/album/miles-from-india-mw0000783402

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Revisar
por Sean Westergaard
Era un concepto tan simple. El productor Bob Belden (que dirigió la serie de reediciones de Miles Davis) estaba hablando con el propietario del sello Times Square, Yusuf Gandhi, sobre el uso de instrumentación india por parte de Miles durante The Complete On the Corner Sessions y se preguntó en voz alta cómo sonaría si músicos indios tocaran la canción de Miles. música. Gandhi respondió "Miles de la India", y casi un año después, Belden entregó este brillante set que no sólo presenta a varios de los mejores músicos de la India, sino también a un verdadero quién es quién de los acompañantes de Miles. Quizás en el movimiento más audaz, Belden y los músicos miraron mucho más allá de las sesiones de Miles de 1972-1975 con instrumentos indios en busca de inspiración, interpretando temas de los años 50, 60, 70 y 80 (el mismo lapso de tiempo cubierto por Miles). asociados en este álbum). Otra cosa divertida de estas actuaciones es que algunos de los acompañantes de Miles tocan canciones que ellos no tocaron originalmente, como el tema de apertura, "Spanish Key", con Mike Stern y Dave Liebman. Pero a pesar de algunas percusiones y vocalizaciones indias adicionales, "Spanish Key" no varía mucho del original. Por otro lado, "All Blues" se transforma completamente, con el sitar de Ravi Chary reemplazando a la trompeta de Miles. El dúo de saxos de Gary Bartz y Rudresh Mahanthappa es un verdadero placer, al igual que la presencia y la interpretación de Jimmy Cobb, quien también tocó en la sesión original de Kind of Blue de 1959. La versión rápida de "Ife" marca la entrada del monstruoso bajista Michael Henderson y la guitarra maravillosamente trastornada de Pete Cosey, que no graba lo suficiente. Después del encantador pero relativamente breve "In a Silent Way", dirigido por un sarod, es genial escuchar a Cosey romperlo en "It's About That Time". Casi lo igualan en intensidad el saxo de Bartz y el violín de Kala Ramnath, mientras que Henderson hace lo suyo con esa línea de bajo asesina de Dave Holland. Stern vuelve a interpretar su papel en el clásico "Jean Pierre", junto con una gran flauta de Rakesh Chaurasia.

Chick Corea aparece sólo en "So What", pero presenta un gran solo de piano con un sabroso trabajo dentro del piano. Al igual que "All Blues", "So What" vuelve a convertirse en algo distinto con la incorporación de un trío de percusionistas indios y un cambio en el compás. Y aunque la línea de bajo de "Miles Runs the Voodoo Down" realmente no se presta al estilo propulsor característico de Henderson, los percusionistas se unen a él, proporcionando una plataforma para que Cosey toque más enfermizo. "Blue in Green" tiene la trompeta de Wallace Roney cantando con la voz de Shankar Mahadevan y luego sarangi en otra transformación sublime. Aquí el solo de Mike Stern es tan suave como ruidoso el de "Jean Pierre". Henderson y el baterista Vince Wilburn lo lanzan en "Great Expectations", que da paso brevemente a la introspectiva "Orange Lady" y regresa. Chary y Roney contribuyen con excelentes solos y Cosey se vuelve loco (¿por qué no graba más?). Afortunadamente, obtiene mucho más espacio en la versión lenta de "Ife", tanto en solitario como en composición. La sección rítmica de Henderson y Badal Roy en tabla es completamente hipnótica aquí, proporcionando una base perfecta para los lánguidos solos de Dave Liebman y Gary Bartz y algunos sonidos agradables y espaciosos de Cosey y Adam Holzman. El álbum se cierra con la única canción que Miles no grabó: "Miles from India", escrita por John McLaughlin para este set. Compuesta para voz, piano, guitarra y mandolina eléctrica de U. Srinivas, es una pista pensativa y atmosférica que, sin embargo, presenta algunos solos apasionantes. Y esto es sólo mencionar algunos de los aspectos más destacados. Personas como Ron Carter, Marcus Miller, Ndugu Chancler y Lenny White ni siquiera han sido mencionadas, y mucho menos algunos de los grandes músicos indios que también están presentes aquí.

La esencia del jazz es la improvisación y la expresión, y Miles siempre buscó intérpretes muy individuales. La belleza de Miles from India es cómo los jugadores de diferentes culturas y orígenes se encuentran en el césped de Miles con sus voces individuales completamente intactas. Miles from India no es sólo una increíble celebración de la música de Miles Davis, sino también un tributo a la forma en que Miles y Teo Macero cambiaron la forma en que se puede hacer música jazz. Por supuesto, son los músicos involucrados quienes ofrecen estas ardientes actuaciones, pero este álbum fue grabado en Mumbai, India, Chicago, Nueva York, Los Ángeles y Saylorsburg, PA (!?), y no habría sido posible sin las técnicas de estudio. Macero fue pionero con Miles. Quizás, como Macero, Bob Belden sea recordado más por su producción que por su forma de tocar la trompeta. De cualquier manera, con Miles de la India, Belden se ha superado a sí mismo y ha entregado un tributo que triunfa completamente en todos los niveles. Felicitaciones a todos los involucrados.
https://www.allmusic.com/album/miles-from-india-mw0000783402

Woody Shaw • Blackstone Legacy

 

Review
by Michael G. Nastos  
Originally a two-fer on vinyl and now on one CD, Shaw's debut as a leader is one of the first "free bop" sessions, in many ways his answer to Bitches Brew. The trumpeter's ensemble extracts dense, energetic, meaty collective sounds based in pure improvisation with a skeleton of a rhythmic framework to expound upon. Saxophonists Gary Bartz & Bennie Maupin, electric pianist George Cables, twin bassists Ron Carter and Clint Houston, and drummer Lenny White respond to Shaw's heavy direction, making for some of the most kinetic jazz heard in that period of early fusion. Shaw's bright melodicism, hard edged swing and refusal to compromise are his greatest assets. They come shining through on tuneful classics like the unstoppable "Think On Me" and stop-start gymnastics of "Boo-Ann's Grand." It represents the progressive bop aesthetic at a fever pitch. The title track is as wild and wooly as Woody could be, while "Lost & Found" is free bop at its finest. "New World" is a free funk number, quite a trend setter for its time, while "A Deed For Dolphy" shows an abstract, no-time side rarely heard from Shaw. All tunes are quite lengthy, no shorter than nine, no longer than seventeen minutes. This allows the band to develop their ideas and interact in a manner more akin to a concert setting. Bartz (alto and soprano saxophone) and Maupin (tenor saxophone, bass clarinet and flute) consistently show why they are two of the best improvising jazzmen out there. As much as the music is the thing, it is the singular presence of Shaw that refracts many colors of light and dark, like a multi-hued beacon directing many ships to port. There is not a better example of this music from its inception, documented on tape, than this other worldly session that brought the trumpeter to the jazz world's attention. Furthermore, few have done it better since. Truly a landmark recording, and a pivot point in the history of post-modern music.
https://www.allmusic.com/album/blackstone-legacy-mw0000244299

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Reseña
por Michael G. Nastos  
Originalmente en dos vinilos y ahora en un CD, el debut de Shaw como líder es una de las primeras sesiones de "free bop", en muchos sentidos su respuesta a Bitches Brew. El conjunto del trompetista extrae sonidos colectivos densos, enérgicos y carnosos basados en la improvisación pura con un esqueleto de marco rítmico sobre el que explayarse. Los saxofonistas Gary Bartz y Bennie Maupin, el pianista eléctrico George Cables, los bajistas gemelos Ron Carter y Clint Houston, y el batería Lenny White responden a la fuerte dirección de Shaw, dando lugar a uno de los jazz más cinéticos que se escucharon en ese periodo de fusión temprana. El brillante melodicismo de Shaw, su swing duro y su negativa a transigir son sus mayores bazas. Brillan con luz propia en clásicos afinados como el imparable "Think On Me" y la gimnasia de parada y arranque de "Boo-Ann's Grand". Representa la estética del bop progresivo en su punto álgido. La canción que da título al disco es tan salvaje y lanosa como Woody podría ser, mientras que "Lost & Found" es bop libre en su máxima expresión. "New World" es un tema de free funk que marcó tendencia en su época, mientras que "A Deed For Dolphy" muestra un lado abstracto y sin tiempo que raramente se escucha de Shaw. Todos los temas son bastante largos, no menos de nueve ni más de diecisiete minutos. Esto permite a la banda desarrollar sus ideas e interactuar de una manera más parecida a la de un concierto. Bartz (saxofón alto y soprano) y Maupin (saxofón tenor, clarinete bajo y flauta) demuestran constantemente por qué son dos de los mejores improvisadores de jazz que existen. Además de la música, es la presencia singular de Shaw la que refracta muchos colores de luz y oscuridad, como un faro multicolor que dirige muchos barcos a puerto. No hay mejor ejemplo de esta música desde sus inicios, documentada en cinta, que esta sesión de otro mundo que dio a conocer al trompetista al mundo del jazz. Además, pocos lo han hecho mejor desde entonces. Una grabación que marca un hito y un punto de inflexión en la historia de la música posmoderna.
https://www.allmusic.com/album/blackstone-legacy-mw0000244299


woodyshaw.com ...

Buddy Terry • Pure Dynamite

 

An overlooked gem from the early 70s, Buddy Terry’s “Pure Dynamite” mixes post bop and fusion in a style somewhat similar to what Freddie Hubbard and Sonny Rollins were doing at the same time, but Terry also dips into some psychedelic sounds and ensemble freedom that pushes his music a little closer to Herbie Hancock’s excellent Sextet. The connection to the Sextet is furthered by the appearance of the Sextet’s Eddie Henderson and Billy Hart. Meanwhile, the new Return to Forever was also playing with post bop that bordered on the avant-garde on their first album, so its no big surprise to see RTF’s Lenny White, Airto and Stanley Clarke on here as well. The rest of this album’s all-star cast also includes Joanne Brackeen, Mtume, Woody Shaw and Kenny Barron, its hard to go wrong with a cast like that and there is certainly very little wrong with this album.

The album opens with “Quiet Afternoon”, which starts off like a mellow psychedelic fusion version of “All Blues”, before Stanley kicks the bass line into double time and the soloists unleash their fire. All through this album the soloists don’t necessarily go it alone as other players might add counter melodies or even occasional competing solos. This busy complicated texture is pushed further with occasional tape echo and a rich tapestry of percussion and sound effects. The early 70s was a very creative time in music and this album is very much a product of that culture. If you enjoy post bop that borders on fusion and the avant-garde, you will not be disappointed by this one. Buddy Terry certainly deserves way more recognition than he has received.

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Pure Dynamite" de Buddy Terry, una joya olvidada de principios de los 70, mezcla post bop y fusión en un estilo similar al que Freddie Hubbard y Sonny Rollins hacían al mismo tiempo, pero Terry también se sumerge en algunos sonidos psicodélicos y libertad de conjunto que acercan su música un poco más al excelente Sextet de Herbie Hancock. La conexión con el Sextet se ve reforzada por la aparición de Eddie Henderson y Billy Hart. Mientras tanto, el nuevo Return to Forever también jugaba con el post bop que rozaba la vanguardia en su primer álbum, por lo que no es una gran sorpresa ver a Lenny White, Airto y Stanley Clarke de RTF aquí también. El resto del elenco de estrellas de este álbum también incluye a Joanne Brackeen, Mtume, Woody Shaw y Kenny Barron, es difícil equivocarse con un elenco así y ciertamente hay muy pocas cosas malas en este álbum.

El álbum se abre con "Quiet Afternoon", que comienza como una suave versión de fusión psicodélica de "All Blues", antes de que Stanley ponga la línea de bajo en doble tiempo y los solistas desaten su fuego. A lo largo de este álbum, los solistas no van necesariamente solos, ya que otros músicos pueden añadir contra-melodías o incluso solos que compiten ocasionalmente. Esta complicada y ajetreada textura se amplía con ecos de cinta ocasionales y un rico tapiz de percusión y efectos sonoros. Los primeros años 70 fueron una época muy creativa en la música y este álbum es en gran medida un producto de esa cultura. Si te gusta el post bop que roza la fusión y la vanguardia, éste no te decepcionará. Buddy Terry merece mucho más reconocimiento del que ha recibido.

Brian Auger's Oblivion Express • A Better Land

 

 

Review
by Thom Jurek  
Whereas Brian Auger had taken the lion's share of composing responsibility on the deft, labyrinthine, jazz-rock debut album by the Oblivion Express, guitarist Jim Mullen steps up to the plate in a big way here, writing or co-writing seven of A Better Land's nine tracks, and arranging "Marai's Wedding," a traditional tune. Auger wrote just one, "Tomorrow City," and co-wrote two with Mullen. The feel and vibe of the record is almost a mirror image of its predecessor from earlier in 1971. Mullen composed on the guitar, therefore, the languid, sparer approach to harmony is everywhere apparent. But it's the songs themselves, with their lush use of acoustic guitars, country music melodies, and early rock tropes, such as on "Dawn of Another Day," the Band-inspired "Trouble," and the ethereal melody of "Women of the Seasons." There is also a pair of tracks here written with future AWB boss Alan Gorrie. The lilting jazz in the lead is countered with infectious pop hooks. On the Auger tunes, "Fill Your Head With Laughter," and "Tomorrow City," R&B is at their hearts. A Better Land is one of the more enduring pop records from the era, with its ultra-sophisticated compositioning and arrangement skills. It's as if the Oblivion Express wanted to reveal themselves as capable of anything, which, of course, they were. This is a fantastic place to start any Brian Auger collection.
https://www.allmusic.com/album/a-better-land-mw0000178896

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Reseña
por Thom Jurek  
Mientras que Brian Auger había asumido la mayor parte de la responsabilidad compositiva en el hábil y laberíntico álbum de debut de jazz-rock de Oblivion Express, el guitarrista Jim Mullen da un paso adelante a lo grande aquí, escribiendo o co-escribiendo siete de los nueve temas de A Better Land, y arreglando "Marai's Wedding", una melodía tradicional. Auger sólo escribió una, "Tomorrow City", y coescribió dos con Mullen. La sensación y el ambiente del disco es casi un reflejo de su predecesor de 1971. Mullen compuso a la guitarra, por lo que el enfoque lánguido y más parco de la armonía es evidente en todas partes. Pero son las propias canciones, con su exuberante uso de las guitarras acústicas, las melodías de la música country y los primeros tropos del rock, como en "Dawn of Another Day", la inspirada por la banda "Trouble" y la etérea melodía de "Women of the Seasons". También hay un par de temas escritos con el futuro jefe de AWB, Alan Gorrie. El jazz cadencioso de los temas principales se contrarresta con ganchos pop contagiosos. En los temas de Auger, "Fill Your Head With Laughter" y "Tomorrow City", el R&B está en su corazón. A Better Land es uno de los discos de pop más duraderos de la época, con su composición y sus arreglos ultrasofisticados. Es como si los Oblivion Express quisieran revelarse como capaces de cualquier cosa, lo que, por supuesto, hicieron. Este es un lugar fantástico para empezar cualquier colección de Brian Auger.
https://www.allmusic.com/album/a-better-land-mw0000178896


brianauger.com ...

Joe Henderson • Milestone Profile

 

Review
by Thom Jurek
Tenor giant Joe Henderson worked with Milestone Records for eight years. While he is best remembered for his Blue Note period, Henderson issued some truly great recordings for Milestone. His volume in the label's Milestone Profiles series is one of the best in the bunch. While fans can argue endlessly about what to include or leave off in a best-of series, it's difficult to argue Nick Phillips' choices. Arranged aesthetically -- more like a Henderson mix -- rather than chronologically, the music skips back and forth across his career. There are the tough, bluesy, funky numbers like his "Mamacita" with Grachan Moncur, Louis Hayes, Kenny Barron, and Ron Carter, as well as his stunning "Black Narcissus" with Herbie Hancock, Carter, and Jack DeJohnette. Hancock's electric piano is a deeply atmospheric instrument, full of shimmering light and shadow, as Henderson plays some of the sweetest, most lyrical, and most gentle tenor of his long professional career. His collaboration with Japanese jazz musicians is heard on the burning "Out 'N' In." Another stellar moment in this collection of so many of them is "Black Is the Color (Of My True Love's Mind)," where he takes the John Jacob Niles folk tune and reinvents it harmonically with guitarist George Wadenius, pianist George Cables, (electric piano), bassist Dave Holland, Airto, and DeJohnette playing not only drums but a second electric piano. A tune that walks on the edge of "out," it is nonetheless a melodic dream of improvisation and close listening. His knotty, humorous, and butt funky "Recorda Me," is re-presented here as "No Me Esqueça," with Stanley Clarke, Lenny White and Cables (again on electric piano) with Curtis Fuller and Pete Yellen. Henderson was one of those players who excelled in any setting -- electric, acoustic, bop, out, soul -- he firmly inhabited them all. This set is fine and argumentative proof not only for the saxophonist and bandleader, but also for Joe Henderson the composer.
https://www.allmusic.com/album/milestone-profiles-mw0000766585?1649875690513

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Reseña
por Thom Jurek
El gigante del tenor Joe Henderson trabajó con Milestone Records durante ocho años. Aunque es más recordado por su etapa en Blue Note, Henderson realizó algunas grabaciones realmente buenas para Milestone. Su volumen en la serie Milestone Profiles del sello es uno de los mejores del grupo. Aunque los aficionados pueden discutir infinitamente sobre lo que se debe incluir o dejar de lado en una serie de best-of, es difícil discutir las elecciones de Nick Phillips. Ordenada estéticamente -más bien como una mezcla de Henderson- en lugar de cronológicamente, la música salta de un lado a otro de su carrera. Hay números duros, blues y funky como su "Mamacita" con Grachan Moncur, Louis Hayes, Kenny Barron y Ron Carter, así como su impresionante "Black Narcissus" con Herbie Hancock, Carter y Jack DeJohnette. El piano eléctrico de Hancock es un instrumento profundamente atmosférico, lleno de luces y sombras brillantes, mientras Henderson toca algunos de los tenores más dulces, líricos y suaves de su larga carrera profesional. Su colaboración con músicos de jazz japoneses se escucha en la ardiente "Out 'N' In". Otro momento estelar en esta colección de tantos es "Black Is the Color (Of My True Love's Mind)", donde toma la melodía folk de John Jacob Niles y la reinventa armónicamente con el guitarrista George Wadenius, el pianista George Cables, (piano eléctrico), el bajista Dave Holland, Airto, y DeJohnette tocando no sólo la batería sino un segundo piano eléctrico. Una melodía que camina al borde del "out", es sin embargo un sueño melódico de improvisación y escucha cercana. Su nudoso, humorístico y a tope funky "Recorda Me", se vuelve a presentar aquí como "No Me Esqueça", con Stanley Clarke, Lenny White y Cables (de nuevo al piano eléctrico) con Curtis Fuller y Pete Yellen. Henderson era uno de esos músicos que sobresalían en cualquier entorno - eléctrico, acústico, bop, out, soul - los habitaba firmemente todos. Este conjunto es una prueba fina y argumentada no sólo para el saxofonista y director de banda, sino también para Joe Henderson el compositor.
https://www.allmusic.com/album/milestone-profiles-mw0000766585?1649875690513

Cyrus Chestnut • Natural Essence

 

Review
by Matt Collar
As with his previous effort, 2015's A Million Colors in Your Mind, pianist Cyrus Chestnut's second Highnote release, 2016's Natural Essence, finds him communing with two veteran artists for a deeply heartfelt and swinging session. Whereas last time Chestnut was joined by bassist David Williams and drummer Victor Lewis, here he has conscripted the talents of bassist Buster Williams and drummer Lenny White. Both Williams and White are industry icons with decades of playing experience and credits with such luminaries as Herbie Hancock, Freddie Hubbard, Art Blakey, Woody Shaw, Tony Williams, McCoy Tyner, and many others. While many of Chestnut's recordings lean toward the strait-laced and straight-ahead approach to modern jazz, he is by no means a reserved musical traditionalist. On the contrary, while he is adept at swinging acoustic jazz, one of his most formative experiences was as a member of vocalist Betty Carter's trio. A genre-bending maverick, Carter purportedly encouraged Chestnut to try new things and approach even the most well-known standard in an unexpected way. That expectation defying aesthetic fits nicely into Chestnut's work here with Williams and White, who come from a generation of jazz musicians who grew up playing electrified fusion, funk, and highly progressive post-bop influenced by the avant-garde. While the music here is more stripped down to the jazz essentials, they nonetheless tackle even the most well-known standard, like "It Could Happen to You," with a creative ebullience and in-the-moment spontaneity that grab your attention throughout. Also thrilling are the trio's takes on several original compositions, including Chestnut's sophisticated, minor-tinged "Faith Amongst the Unknown," White's languid, urbane ballad "Dedication," and Williams' soulful, roiling "Toku-Do."
https://www.allmusic.com/album/natural-essence-mw0002937037

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Reseña
por Matt Collar
Al igual que con su anterior trabajo, A Million Colors in Your Mind de 2015, el segundo lanzamiento de Highnote del pianista Cyrus Chestnut, Natural Essence de 2016, lo encuentra en comunión con dos artistas veteranos para una sesión profundamente sentida y llena de swing. Mientras que la última vez Chestnut estuvo acompañado por el bajista David Williams y el baterista Victor Lewis, aquí ha reclutado el talento del bajista Buster Williams y el baterista Lenny White. Tanto Williams como White son iconos de la industria con décadas de experiencia y créditos con luminarias como Herbie Hancock, Freddie Hubbard, Art Blakey, Woody Shaw, Tony Williams, McCoy Tyner y muchos otros. Aunque muchas de las grabaciones de Chestnut se inclinan hacia el enfoque directo y sin rodeos del jazz moderno, no es en absoluto un tradicionalista musical reservado. Por el contrario, aunque es experto en el jazz acústico con swing, una de sus experiencias más formativas fue como miembro del trío de la vocalista Betty Carter. Carter, una inconformista de los géneros, supuestamente animó a Chestnut a probar cosas nuevas y a abordar incluso los estándares más conocidos de forma inesperada. Esa estética que desafía las expectativas encaja perfectamente en el trabajo de Chestnut aquí con Williams y White, que provienen de una generación de músicos de jazz que crecieron tocando fusión electrificada, funk y post-bop altamente progresivo influenciado por la vanguardia. Aunque la música aquí se reduce a lo esencial del jazz, abordan incluso los estándares más conocidos, como "It Could Happen to You", con una ebullición creativa y una espontaneidad en el momento que atrae la atención. También son emocionantes las composiciones originales del trío, como la sofisticada "Faith Amongst the Unknown" de Chestnut, la lánguida balada urbana "Dedication" de White y la conmovedora "Toku-Do" de Williams.
https://www.allmusic.com/album/natural-essence-mw0002937037

www.cyruschestnut.net ...

Al Di Meola • Land Of The Midnight Sun

Review by Scott Yanow
One of the guitar heroes of fusion, Al di Meola was just 22-years-old at the time of his debut as a leader but already a veteran of Chick Corea's Return to Forever. The complex pieces (which include the three-part "Suite-Golden Dawn," an acoustic duet with Corea on "Short Tales of the Black Forest," and a brief Bach violin sonata show di Meola's range even at this early stage. With assistance from such top players as bassists Jaco Pastorius and Stanley Clarke, keyboardist Barry Miles, and drummers Lenny White and Steve Gadd, this was a very impressive beginning to di Meola's solo career.

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Traducción Automática:
Revisión por Scott Yanow:
Al di Meola, uno de los héroes de la guitarra de la fusión, tenía solo 22 años cuando debutó como líder, pero ya era un veterano de Return to Forever de Chick Corea. Las piezas complejas (que incluyen la "Suite-Golden Dawn" en tres partes, un dúo acústico con Corea en "Cuentos cortos de la Selva Negra" y una breve muestra de sonata para violín de Bach de Meola incluso en esta etapa temprana. Con ayuda De los mejores jugadores como los bajistas Jaco Pastorius y Stanley Clarke, el teclista Barry Miles y los bateristas Lenny White y Steve Gadd, este fue un comienzo muy impresionante para la carrera solista de di Meola.

aldimeola.com ...

 

Andrew Hill • Passing Ships

 

 

Review by Thom Jurek
Now this is more like it. In its Connoisseur Series, Blue Note is making available a completely unreleased Andrew Hill date from 1969. Passing Ships wasn't even included in the Mosaic box because the master tape wasn't found until 2001. The band Hill employed on this session was a nonet, featuring Woody Shaw and Dizzy Reece on trumpets, Joe Farrell on reeds, woodwinds, and English horn, Howard Johnson on tuba and bass clarinet, Ron Carter on bass, Lenny White (on only his second recording date) playing drums, trombonist Julian Priester, and French horn player Bob Northern. The music here is ambitious. Hill's scoring for one reed, two trumpets, and low brass is remarkable for the time. In fact, it isn't until his big-band album of 2002 that he ever ventured into these waters again. The title cut, with its bass clarinet and English horn counterpoint, is almost classical in structure but nearly Malian in melody. While the cut's dynamics are restrained, its color palette -- especially with the lilting muted trumpets playing a mysterious harmonic line -- is flush and royal. "Plantation Bag" is a showcase for Farrell's tough, grooved-out soloing as he blows blue and free in response to Hill's funky, large-spread chord voicings. The trumpets layer one another in the middle of the tune, alternately soloing and punching comp lines through the middle. The Asian melodic figures at the heart of "Noon Tide" add exoticism to one of the most adventurous tunes ever written by Hill. Rhythmically it turns on pulse rhythms that shift and slide methodically as Priester takes the tune's first solo, playing against Hill's left-hand stridency. Of the remaining three selections, "Cascade," with its staggered harmonic architecture that goes against all common wisdom for big-band harmony, is remarkable for its precision and rhythmic invention. Why this isn't going to be out there for the general public for all time is beyond reason. Why punish the artist that way? Conventional wisdom would suggest that something that has been unearthed for the first time in 34 years deserves to be a part of the general catalog. Get it quick.

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Reseña de Thom Jurek
Esto es más bien esto. En su Connoisseur Series, Blue Note pone a disposición una fecha completamente inédita de Andrew Hill de 1969. Passing Ships ni siquiera se incluyó en la caja Mosaic porque la cinta maestra no se encontró hasta 2001. La banda que empleó Hill en esta sesión era un noneto, con Woody Shaw y Dizzy Reece en las trompetas, Joe Farrell en las cañas, las maderas y el corno inglés, Howard Johnson en la tuba y el clarinete bajo, Ron Carter en el bajo, Lenny White (en sólo su segunda fecha de grabación) tocando la batería, el trombonista Julian Priester y el trompa Bob Northern. La música aquí es ambiciosa. La partitura de Hill para una caña, dos trompetas y metales bajos es notable para la época. De hecho, no fue hasta su álbum para big-band de 2002 que volvió a aventurarse en estas aguas. El corte que da título al disco, con su contrapunto de clarinete bajo y corno inglés, es casi clásico en su estructura pero casi maliense en su melodía. Si bien la dinámica del corte es contenida, su paleta de colores -especialmente con las trompetas silenciadas que tocan una misteriosa línea armónica- es floreciente y real. "Plantation Bag" es un escaparate para los duros solos de Farrell, que sopla azul y libre en respuesta a los acordes funky de Hill. Las trompetas se superponen en el centro de la melodía, alternando solos y líneas de compás en el centro. Las figuras melódicas asiáticas en el corazón de "Noon Tide" añaden exotismo a una de las melodías más aventureras jamás escritas por Hill. Rítmicamente, gira sobre ritmos de pulso que cambian y se deslizan metódicamente mientras Priester toma el primer solo de la melodía, jugando contra la estridencia de la mano izquierda de Hill. De las tres selecciones restantes, "Cascade", con su arquitectura armónica escalonada que va en contra de toda la sabiduría común para la armonía de las grandes bandas, es notable por su precisión e invención rítmica. Por qué esto no va a estar ahí fuera para el público en general para siempre está más allá de la razón. ¿Por qué castigar así al artista? La sabiduría convencional sugeriría que algo que ha sido desenterrado por primera vez en 34 años merece formar parte del catálogo general. Consíguelo rápido.
https://www.allmusic.com/album/passing-ships-mw0000325505


Colaborador / Contributor:  Pierre

Andrew Hill • Judgment!

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
Augmenting his rhythm section of bassist Richard Davis and drummer Elvin Jones with vibraphonist Bobby Hutcherson, pianist Andrew Hill records an excellent set of subdued but adventurous post-bop with Judgment. Without any horns, the mood of the session is calmer than Black Fire, but Hill's compositions take more risks than before. Close listening reveals how he subverts hard bop structure and brings in rhythmic and harmonic elements from modal jazz and the avant-garde. The harmonic structure on each composition is quite complex, fluctuating between dissonant chords and nimble, melodic improvisations. Naturally, Hill's playing shines in this self-created context, but Hutcherson equals the pianist with his complex, provocative solos and unexpected melodic juxtapositions. Jones shifts the rhythms with style, and his solos are exceptionally musical, as is Davis' fluid bass. The combination of the band's intricate interplay and the stimulating compositions make Judgment another important release from Hill. It may require careful listening, but the results are worth it.
https://www.allmusic.com/album/judgment%21-mw0000112981

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Aumentando su sección rítmica del bajista Richard Davis y el baterista Elvin Jones con el vibrafonista Bobby Hutcherson, el pianista Andrew Hill graba un excelente conjunto de post-bop tenue pero aventurero con Judgment. Sin vientos, el ambiente de la sesión es más tranquilo que el de Black Fire, pero las composiciones de Hill se arriesgan más que antes. Una escucha atenta revela cómo subvierte la estructura del hard bop y aporta elementos rítmicos y armónicos del jazz modal y de la vanguardia. La estructura armónica de cada composición es bastante compleja, fluctuando entre acordes disonantes y ágiles improvisaciones melódicas. Naturalmente, la interpretación de Hill brilla en este contexto de creación propia, pero Hutcherson iguala al pianista con sus complejos y provocativos solos y sus inesperadas yuxtaposiciones melódicas. Jones cambia los ritmos con estilo, y sus solos son excepcionalmente musicales, al igual que el fluido bajo de Davis. La combinación de la intrincada interacción de la banda y las estimulantes composiciones hacen de Judgment otro importante lanzamiento de Hill. Puede requerir una escucha atenta, pero los resultados merecen la pena.
https://www.allmusic.com/album/judgment%21-mw0000112981

Cyrus Chestnut • My Father's Hands

 

The Baltimore-born Cyrus Chestnut is a wonderful pianist, rather like Oscar Peterson in his heyday: one of the rare kind who isn’t forever trying to impress you. He doesn’t need to try. Now in his late 50s, he has been playing since, as a small child, he watched his father’s hands “in a passionate relationship with the piano”. His father, McDonald, who played in Baptist churches and was his first teacher, died last year. This album is dedicated to his memory.

Among Chestnut’s many attractive points is his leaning towards melody. These 10 tracks are full of tunes, some composed by him, some already well known, and some that just turn up in the course of playing. His own pieces, especially Thinking About You and Working Out Just Fine, are really attractive, catchy numbers. Of the standards here, But Beautiful, although short, is exactly what its title suggests. Yesterday, very slow with lots of space, some gentle harmonic changes and a few tinkly phrases suggesting birdsong, is quite magical. This is the pianist’s show, of course, but in Peter Washington and Lewis Nash it has one of the best bass and drums teams anywhere.
https://www.theguardian.com/music/2022/aug/13/cyrus-chestnut-my-fathers-hands-review-like-oscar-peterson-in-his-heyday


Review
by Matt Collar  
With the death of Cyrus Chestnut's 85-year-old father, McDonald Chestnut, in 2021, the pianist lost not only his most passionate supporter but the man who first taught him to play. A self-taught pianist and organist, the elder Chestnut played in church (along with his wife, a choir director). He introduced the younger Chestnut to classical piano, gospel, and traditional spirituals, setting Cyrus on the path to eventually become one of the most accomplished jazz musicians of his generation. With 2022's My Father's Hands, Chestnut pays tribute to his dad, crafting a heartfelt album that touches upon jazz and pop standards, Latin rhythms, and originals. Joining him are two of his longtime associates and esteemed contemporaries, bassist Peter Washington and drummer Lewis Nash. Together, they play with an intuitive warmth and camaraderie. As the album is an homage to his father's memory, one might expect it to be melancholy or sad. However, while there are certainly moments of tearful beauty, as on Chestnut's lyrical rendition of the ballad "But Beautiful," the record is never maudlin and finds him in a lively mood. This is especially true on the opening original "Nippon Soul Connection," a blues swinger in the '60s hard bop tradition. He also dives into Ray Bryant's Latin number "Cubano Chant" and subtly subverts expectations with his bossa nova take on the classic "There Will Never Be Another You." We also get a dusky and introspective reading of the Beatles' "Yesterday." His father's essence is perhaps best captured on "I Must Tell Jesus," a soulful hymn that Chestnut plays solo, infusing the measured gospel melody with warm chordal harmonies that shimmer with joy.
https://www.allmusic.com/album/my-fathers-hands-mw0003734248

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Cyrus Chestnut, nacido en Baltimore, es un pianista maravilloso, más bien como Oscar Peterson en su época de esplendor: uno de los pocos que no se esfuerza por impresionar. No necesita intentarlo. A sus 50 años, lleva tocando desde que, de pequeño, observaba las manos de su padre "en una relación apasionada con el piano". Su padre, McDonald, que tocaba en las iglesias baptistas y fue su primer maestro, murió el año pasado. Este álbum está dedicado a su memoria.

Entre los muchos atractivos de Chestnut está su inclinación por la melodía. Estos 10 temas están llenos de melodías, algunas compuestas por él, otras ya conocidas y otras que simplemente aparecen en el transcurso de la interpretación. Sus propias piezas, especialmente Thinking About You y Working Out Just Fine, son números realmente atractivos y pegadizos. De los estándares aquí presentes, But Beautiful, aunque corto, es exactamente lo que sugiere su título. Yesterday, muy lenta, con mucho espacio, algunos cambios armónicos suaves y algunas frases tintineantes que sugieren el canto de los pájaros, es bastante mágica. Este es el espectáculo del pianista, por supuesto, pero en Peter Washington y Lewis Nash tiene uno de los mejores equipos de bajo y batería de cualquier lugar.
https://www.theguardian.com/music/2022/aug/13/cyrus-chestnut-my-fathers-hands-review-like-oscar-peterson-in-his-heyday


Reseña
por Matt Collar  
Con la muerte del padre de Cyrus Chestnut, McDonald Chestnut, de 85 años, en 2021, el pianista perdió no sólo a su más apasionado defensor sino al hombre que le enseñó a tocar por primera vez. Pianista y organista autodidacta, el mayor de los Chestnut tocaba en la iglesia (junto con su mujer, directora del coro). Introdujo al joven Chestnut en el piano clásico, el gospel y los espirituales tradicionales, y puso a Cyrus en el camino para convertirse en uno de los músicos de jazz más consumados de su generación. Con 2022's My Father's Hands, Chestnut rinde homenaje a su padre, elaborando un álbum muy sincero que toca estándares de jazz y pop, ritmos latinos y originales. Se unen a él dos de sus asociados de siempre y estimados contemporáneos, el bajista Peter Washington y el baterista Lewis Nash. Juntos, tocan con una calidez y camaradería intuitivas. Como el álbum es un homenaje a la memoria de su padre, uno podría esperar que fuera melancólico o triste. Sin embargo, aunque hay momentos de belleza lacrimógena, como en la interpretación lírica de Chestnut de la balada "But Beautiful", el disco nunca es sensiblero y se encuentra en un estado de ánimo animado. Esto es especialmente cierto en el original de apertura "Nippon Soul Connection", un blues swinger en la tradición del hard bop de los 60. También se sumerge en el número latino de Ray Bryant "Cubano Chant" y subvierte sutilmente las expectativas con su versión bossa nova del clásico "There Will Never Be Another You". También tenemos una lectura oscura e introspectiva de "Yesterday" de los Beatles. La esencia de su padre es quizás la mejor capturada en "I Must Tell Jesus", un himno conmovedor que Chestnut interpreta en solitario, infundiendo la mesurada melodía gospel con cálidas armonías de acordes que brillan de alegría.
https://www.allmusic.com/album/my-fathers-hands-mw0003734248


www.cyruschestnut.net ...