Monty Alexander • Calypso Blues The Music of Nat King Cole

Review by Michael G. Nastos

Monty Alexander follows up his tribute to Tony Bennett with an homage to another classic jazz singer, Nat King Cole. Also recorded in New York City at St. Peter's Episcopal Church with the same trio of Chicagoans Lorin Cohen on bass and drummer George Fludas, the veteran pianist seems more in his element with this artist's repertoire that sharply defined his personal sound and thinking about populist jazz. Though all of the tunes selected are not so closely linked to Cole's hit parade songbook, the way Alexander plays them with subtlety and depth certainly reflects what made Cole the king in the late '50s and early '60s. Though a competent singer, Alexander does not attempt vocalizing them, and that's all right. What he does is lovingly construct these melodies and extrapolate on them later -- the best way of honoring these great American popular songs. Though "Straighten Up and Fly Right" is not credited as it is in Ira Gitler's liner notes, it's a distinct part of and extant in the theme of the bluesy, two-fisted, and breezy "Can't See for Looking." "Ramblin' Rose" is not at all typical in a bouncy, cowpoke swing, and "Send for Me" has Alexander staggering the chord phrases as if he's juggling them, with double stops and bouncy stride or boogie-woogie inferences. Most typically Nat is the straight-ahead take of "Almost Like Being in Love," the short and sweet "Fascination," and the steamrolling "Sweet Georgia Brown," a tune Cole loved to tear it up on, showcasing Alexander at his best. The most unusual selections go into ethnic overtones, as "Hajji Baba" is Arabic in nature with its mystical exoticism and the storybook, childlike version of "Never Let Me Go" refers to Alexander's Caribbean roots, mixing a bossa nova and reggae feel into a light, cool whip. The CD is bookended with versions of the title track, where Alexander wields the melodica playfully, again in spicier Latin frames. With the immaculate sound and performance by this fine trio -- not to mention that they didn't exactly play Cole's songbook rote or by the numbers -- it's hard to fault the effort, heart, and soul behind this concept album that should delight many jazz listeners.

https://www.allmusic.com/album/calypso-blues-the-songs-of-nat-king-cole-mw0000811429

Artist Biography by Matt Collar

Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.

In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.

In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.

The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.

In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.

https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography

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Reseña de Michael G. Nastos

Monty Alexander sigue su homenaje a Tony Bennett con un homenaje a otro cantante de jazz clásico, Nat King Cole. También grabado en la ciudad de Nueva York en la Iglesia Episcopal de San Pedro con el mismo trío de los Chicagoitas Lorin Cohen en el bajo y el baterista George Fludas, el veterano pianista parece más en su elemento con el repertorio de este artista que definió claramente su sonido personal y su pensamiento sobre el jazz populista. Aunque todas las melodías seleccionadas no están tan estrechamente relacionadas con el exitoso cancionero de Cole, la forma en que Alexander las toca con sutileza y profundidad refleja ciertamente lo que hizo de Cole el rey a finales de los años 50 y principios de los 60. Aunque es un cantante competente, Alexander no intenta vocalizarlos, y eso está bien. Lo que hace es construir amorosamente estas melodías y luego extrapolarlas, la mejor manera de honrar estas grandes canciones populares estadounidenses. Aunque "Straighten Up and Fly Right" no está acreditado como lo está en las notas de Ira Gitler, es una parte distinta y existente en el tema del blues, los dos puños y la brisa "Can't See for Looking". "Ramblin' Rose" no es para nada típico en un swing de vaquero y vaquero, y "Send for Me" tiene a Alexander tambaleando las frases de acordes como si las estuviera haciendo malabares, con dobles paradas y zancadas de rebote o inferencias de boogie-boogie. Lo más típico de Nat es la toma directa de "Casi como estar enamorado", la corta y dulce "Fascinación", y la arrolladora "Sweet Georgia Brown", una melodía que a Cole le encantaba desgarrar, mostrando a Alexander en su mejor momento. Las selecciones más inusuales tienen matices étnicos, ya que "Hajji Baba" es de naturaleza árabe con su exotismo místico y el libro de cuentos, una versión infantil de "Never Let Me Go" (Nunca me dejes ir) se refiere a las raíces caribeñas de Alexander, mezclando una bossa nova y una sensación de reggae en un látigo ligero y fresco. El CD está terminado con las versiones del tema del título, donde Alexander maneja la melódica de manera juguetona, de nuevo en marcos latinos más picantes. Con el inmaculado sonido y la interpretación de este buen trío -por no mencionar que no tocaron exactamente la rutina del libro de canciones de Cole o los números- es difícil culpar al esfuerzo, corazón y alma detrás de este álbum conceptual que debería deleitar a muchos oyentes de jazz.

https://www.allmusic.com/album/calypso-blues-the-songs-of-nat-king-cole-mw0000811429

Biografía del artista por Matt Collar

El pianista jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico, con un estilo urbano y swinging inspirado en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston, Jamaica, en 1944, Alexander comenzó a tocar el piano alrededor de los cuatro años y tomó clases de piano clásico a partir de los seis años. En su adolescencia, sin embargo, había descubierto el jazz y ya estaba actuando en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera lo encontró cubriendo éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le trajo la mayor inspiración.

En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció al restaurador y socio de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los años siguientes, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacerse amigo de un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios discos muy bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en la película del vibrafonista Milt Jackson "That's the Way It Is".

En los años 70, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y editó un flujo constante de álbumes, incluyendo Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este período formó relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en Live! Montreux Alexander, y continuarán trabajando juntos en diversas configuraciones durante las próximas décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, e hizo apariciones en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, y otros.

Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que continuó combinando su amor por el jazz y la música caribeña con la publicación de álbumes como The Duke Ellington Songbook (1983), The River (1985) y Li'l Darlin' (1986). También se reunió con Clayton y Hamilton en la Reunión en Europa de 1983 y se asoció con el bajista Ray Brown en varias fechas, incluyendo Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, incluyendo Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con un aire de reggae. Completó la década con los Ecos de Jilly de 1997 inspirados en Frank Sinatra y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.

En el año 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el gobierno jamaicano con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante en la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego se emparejó de nuevo con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y la Straight Ahead de 2003. Dos sesiones de homenaje siguieron con The Good Life de 2008: Monty Alexander toca las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues 2009: Las canciones de Nat King Cole. Alexander luego destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center. 

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https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography

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Shirley Scott • Soul Sister

 

 Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacido en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Charlie Apicella & Iron City • Sparks

  

New York, New York -- After the success of the 2009 release Put The Flavor On It you would think guitarist and band leader Charlie Apicella would be hard pressed to duplicate such an outstanding recording. With Sparks due to drop in March, listeners and critics alike will be heaping the praise upon the Iron City ensemble as if they were the second coming of the great funky organ bands such as Booker T. and the MGs This is a high standard to adhere to although Apicella and his mates seem to have no difficulty in aspiring to these great heights once thought improbable to attain after the classic period of the 70s became history.

Their second release is sure to start the Sparks flying in the jazz, R & B and blues corners throughout the world. The eclectic instrumental takes on classic tracks such as “Sookie Sookie" and “Billie Jean" will be raising eyebrows and soon find their way into many different radio friendly crossover broadcasters in brick and mortar settings and internet portals. The original compositions “Sparks", “A Decade in the Making" and “Sweet and Sounded" are proof positive of the band's wherewithal and respect for their forefathers while paying close attention to the foundation of the music and offering something new and fresh to satisfy the critics and pull in new listeners.

“I feel Charlie's compositions capture the flavor of our music in the 1970s where you put the groove first." -John Blake Jr. Violinist and recording artist with McCoy Tyner and Grover Washington Jr.
SOURCE: JIM EIGO
January 6, 2010
https://news.allaboutjazz.com/charlie-apicella-and-iron-city-release-new-album-sparks-in-march-2010

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Nueva York, Nueva York - Después del éxito del lanzamiento de 2009 de Put The Flavor On It se podría pensar que el guitarrista y líder de la banda Charlie Apicella tendría dificultades para duplicar una grabación tan sobresaliente. Con Sparks, que saldrá a la venta en marzo, los oyentes y los críticos se desharán en elogios hacia el conjunto de Iron City como si se tratara de la segunda venida de las grandes bandas de órgano funky, como Booker T. and the MGs. Es un listón muy alto al que hay que atenerse, aunque Apicella y sus compañeros parecen no tener ninguna dificultad para aspirar a esas grandes alturas que una vez se consideraron improbables de alcanzar después de que el período clásico de los años 70 pasara a la historia.

Su segundo lanzamiento seguro que hará saltar las chispas en los rincones del jazz, el R&B y el blues de todo el mundo. Las eclécticas tomas instrumentales de temas clásicos como "Sookie Sookie" y "Billie Jean" levantarán las cejas y pronto encontrarán su camino en muchas emisoras de radio amigables en entornos de ladrillo y mortero y portales de Internet. Las composiciones originales "Sparks", "A Decade in the Making" y "Sweet and Sounded" son una prueba positiva de la capacidad y el respeto de la banda por sus antepasados, al tiempo que prestan atención a los fundamentos de la música y ofrecen algo nuevo y fresco para satisfacer a los críticos y atraer a nuevos oyentes.

"Siento que las composiciones de Charlie capturan el sabor de nuestra música en los años 70, donde se pone el groove en primer lugar". -John Blake Jr. Violinista y artista de grabación con McCoy Tyner y Grover Washington Jr.
FUENTE: JIM EIGO
6 de enero de 2010
https://news.allaboutjazz.com/charlie-apicella-and-iron-city-release-new-album-sparks-in-march-2010


www.ironcity.nyc ...


Colaborador / Contributor:  Michel

The Lyman Woodard Trio • Live At the 1996 Ford Montreux Detroit Jazz Festival

 

Lyman Woodard was born March 3rd, 1942 in Owosso, Michigan and started his formal musical training at age four on the piano. In 1962, he attended the Oscar Peterson School of Contemporary Music in Toronto, Canada. After hearing a performance of the great Jimmy Smith in 1963, he was convinced that this was his future and he made the switch from piano to the Hammond B3 organ.

Lyman formed the first Lyman Woodard Trio in 1965 along with fellow musicians Melvin Davis on drums & vocals and Dennis Coffey on guitar.

Since the early 60s, the Detroit music scene has been largely defined by the music of Motown Records. The Motown “music machine” spawned many great R&B talents and from 1970 though 1973, Lyman got the opportunity to be a part of this heritage by landing the position of musical director for Martha and the Vandellas.

By 1974, he was anxious to have his own band again and reformed the Lyman Woodard Trio with fellow musicians Leonard King on drums and Ron English on guitar, thus beginning his long standing association with the percussionist who appears with Lyman on his latest release.

Later that year he expanded his band by adding alto saxophonist Norma Jean Bell and percussionist Lorenzo Brown, and changed the name to the Lyman Woodard Organization.

For the next 11 years, the “Organization” played the clubs and venues of the midwest, changing members occasionally and opening shows for artists such as: Billy Paul, MFSB, Bob James, the Jazz Crusaders, Gil Scott Heron, Herbie Hancock, Tito Puente & his Latin Jazz Ensemble and James “Blood” Ulmer. The Lyman Woodard Organization disbanded in the late 1980s.

Most recently, Lyman has again reformed his “Trio”, consisting of long time friend Leonard King on drums & vocals and guitarist, Robert Tye. The trio has been a popular act at the 1994-98 Montreux Detroit Jazz Festivals, and has opened there for artists Bill Doggett and one of Lyman's early influences, Jimmy Smith. The Lyman Woodard/Jimmy Smith booking was part of a show billed as “The Battle of the B3s” which also included organists Charles Earland, Jack McDuff and Joey DeFrancesco.

The '96 Montreux festival performance has become Lyman's latest release on Corridor Records, “Live at the 1996 Montreux Detroit Jazz Festival”. The trio have since performed at the Frog Island Jazz and Blues Festival and opened for Booker T. & the MGs.

In 1998, Lyman again performed with long-time friend, electric violinist Regina Carter, who incidentally played on Lyman's 1985 album “Dedicacion”.

In addition to leading his own groups over the years, Lyman has performed with many distinguished artists including: Johnny Adams, Earl King, Eddy Bo, Thunder Bird Davis, Eddie Kendricks & David Ruffin, Mary Wells, Martha & the Vandellas, The Originals, Grady Tate, Luis Gasga, Marcus Belgrave, Betty Joplin, Chuck Jackson, Jos�Feliciano, Roy Brookes, The Eighth Day, James Jameson, The Undisputed Truth and Eddie Jefferson.

https://musicians.allaboutjazz.com/lymanwoodard

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Lyman Woodard nació el 3 de marzo de 1942 en Owosso, Michigan, y comenzó su formación musical formal a los cuatro años de edad en el piano. En 1962, asistió a la Escuela de Música Contemporánea Oscar Peterson en Toronto, Canadá. Después de escuchar la interpretación del gran Jimmy Smith en 1963, se convenció de que ese era su futuro e hizo el cambio del piano al órgano Hammond B3.

Lyman formó el primer Lyman Woodard Trío en 1965 junto con sus compañeros Melvin Davis en la batería y la voz y Dennis Coffey en la guitarra.

Desde principios de los 60, la escena musical de Detroit se ha definido en gran medida por la música de Motown Records. La "máquina musical" de la Motown generó muchos grandes talentos del R&B y desde 1970 hasta 1973, Lyman tuvo la oportunidad de formar parte de esta herencia al conseguir el puesto de director musical de Martha and the Vandellas.

En 1974, estaba ansioso por volver a tener su propia banda y reformó el Lyman Woodard Trio con sus compañeros Leonard King en la batería y Ron English en la guitarra, comenzando así su larga asociación con el percusionista que aparece con Lyman en su último lanzamiento.

Más tarde ese año amplió su banda añadiendo al saxofonista alto Norma Jean Bell y al percusionista Lorenzo Brown, y cambió el nombre a la Organización Lyman Woodard.

Durante los siguientes 11 años, la "Organización" tocó en los clubes y locales del medio oeste, cambiando de miembros ocasionalmente y abriendo espectáculos para artistas como: Billy Paul, MFSB, Bob James, los Cruzados del Jazz, Gil Scott Heron, Herbie Hancock, Tito Puente y su Conjunto de Jazz Latino y James "Blood" Ulmer. La Organización Lyman Woodard se disolvió a finales de los años 80.

Recientemente, Lyman ha reformado su "Trío", formado por su amigo de toda la vida Leonard King en batería y voz y el guitarrista Robert Tye. El trío ha sido un acto popular en los Festivales de Jazz de Montreux Detroit de 1994-98, y ha abierto allí para los artistas Bill Doggett y una de las primeras influencias de Lyman, Jimmy Smith. La contratación de Lyman Woodard/Jimmy Smith formó parte de un espectáculo titulado "La Batalla de los B3", en el que también participaron los organistas Charles Earland, Jack McDuff y Joey DeFrancesco.

La actuación en el festival de Montreux del 96 se ha convertido en el último lanzamiento de Lyman en Corridor Records, "Live at the 1996 Montreux Detroit Jazz Festival". Desde entonces, el trío ha actuado en el Festival de Jazz y Blues de Frog Island y ha abierto para Booker T. & the MGs.

En 1998, Lyman volvió a actuar con su vieja amiga, la violinista eléctrica Regina Carter, que por cierto tocó en el álbum de Lyman de 1985 "Dedicación".

Además de liderar sus propios grupos a lo largo de los años, Lyman ha actuado con muchos artistas distinguidos, incluyendo: Johnny Adams, Earl King, Eddy Bo, Thunder Bird Davis, Eddie Kendricks & David Ruffin, Mary Wells, Martha & the Vandellas, The Originals, Grady Tate, Luis Gasga, Marcus Belgrave, Betty Joplin, Chuck Jackson, Josï¿?14, Roy Brookes, The Eighth Day, James Jameson, The Undisputed Truth y Eddie Jefferson.

https://musicians.allaboutjazz.com/lymanwoodard

Johan Bylling Lang Organ Quintet • Doin' My Thing

 

Danish saxophonist and flautist


johanbyllinglang.dk ...

Bernard Pretty Purdie • Move on!

 

 

No one receives top billing in this tight-knit trio, which embodies organist Ron Oswanski, bassist Christian Fabian and drummer Bernard "Pretty" Purdie. And that is as it should be, as each of them is indispensable to its success. That success is further predicated on how well the three amigos enhance an agenda that is heavily laden with funk and soul including five greasy compositions by Fabian and others by Duke Ellington, Miles Davis and even Julia Ward Howe (a gritty "Battle Hymn of the Republic").

Once Oswanski, Fabian and Purdie decided that funk was the order of the day, they set about making the music as bright and pleasing as possible, and in that respect they have pretty much succeeded. Oswanski's Hammond B3 is expressive and agile, Fabian's electric bass steady and emphatic, Purdie's drumming sharp and supportive, the teamwork as solid as could be envisioned from three past masters who have traveled this road many times before.

The compass is set on Fabian's "The Red Plaza" and "BPP Blues," which present the trio in a groovy milieu that serves as a harbinger of backbeats to come. After the engaging "Can't You See (You're Doin' Me Wrong)," Fabian returns with two more bass-heavy shufflers, "84-85" and "Got Groove (Part 2)," leading to the album's lone "change of pace," Ellington's "Love You Madly," on which the tempo slows and the funk eases for the first (and only) time. The sinewy "Move On!" (introduced by Purdie's persuasive snares) is next, followed by "Battle Hymn" and Davis' casual "So What," whose spare melody lends itself well to Fabian's sonorous bass.

Move On! was recorded for Consolidated Artists Productions and is dedicated "in loving memory" to the label's founder, pianist / composer Mike Longo, who died in March 2020 from the coronavirus. Make no mistake, this is music whose course is clear and whose rendition is exemplary. Having said that, prospective listeners should be aware that its base is funk, its essence soul, and appraise it from that vantage point. The stars are given primarily for the performance, which is superb.
By JACK BOWERS
July 15, 2020
https://www.allaboutjazz.com/move-on-purdie-fabian-oswanski-cap

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Nadie recibe la máxima atención en este trío tan unido, que encarna el organista Ron Oswanski, el bajista Christian Fabian y el batería Bernard "Pretty" Purdie. Y así debe ser, ya que cada uno de ellos es indispensable para su éxito. Ese éxito se basa además en lo bien que los tres amigos realzan un programa muy cargado de funk y soul que incluye cinco composiciones grasientas de Fabian y otras de Duke Ellington, Miles Davis e incluso Julia Ward Howe (un arenoso "Battle Hymn of the Republic").

Una vez que Oswanski, Fabian y Purdie decidieron que el funk estaba a la orden del día, se propusieron hacer la música lo más brillante y agradable posible, y en ese sentido han tenido bastante éxito. El Hammond B3 de Oswanski es expresivo y ágil, el bajo eléctrico de Fabian firme y enfático, la batería de Purdie afilada y de apoyo, el trabajo en equipo tan sólido como podría imaginarse de tres maestros del pasado que han recorrido este camino muchas veces antes.

La brújula está fijada en "The Red Plaza" y "BPP Blues" de Fabian, que presentan al trío en un ambiente groovy que sirve como presagio de los ritmos de fondo que vendrán. Después de la atractiva "Can't You See (You're Doin' Me Wrong)", Fabian vuelve con otros dos temas de bajo, "84-85" y "Got Groove (Part 2)", que conducen al único "cambio de ritmo" del álbum, "Love You Madly" de Ellington, en el que el ritmo se ralentiza y el funk disminuye por primera (y única) vez. El vigoroso "Move On!" (introducida por los persuasivos redoblantes de Purdie) es la siguiente, seguida de "Battle Hymn" y la desenfadada "So What" de Davis, cuya melodía sobria se presta bien al sonoro bajo de Fabian.

Move On! se grabó para Consolidated Artists Productions y está dedicado "en cariñosa memoria" al fundador del sello, el pianista/compositor Mike Longo, que murió en marzo de 2020 a causa del coronavirus. No se equivoquen, esta es una música cuyo curso es claro y cuya interpretación es ejemplar. Dicho esto, los posibles oyentes deben ser conscientes de que su base es el funk, su esencia el soul, y valorarla desde ese punto de vista. Las estrellas se otorgan principalmente por la interpretación, que es magnífica.
Por JACK BOWERS
15 de julio de 2020
https://www.allaboutjazz.com/move-on-purdie-fabian-oswanski-cap

www.bernardprettypurdie.com ...

Tracklist:
1 The Red Plaza 4:53
2 B P P Blues 5:31
3 Can't You See (You're Doin'me Wrong) 3:36
4 84-85 5:29
5 Got Groove? ((Pt.2)) 7:01
6 Love You Madly 5:26
7 Move on! 5:48
8 The Battle Hymn of the Republic 5:44
9 So What 6:12


Credits:
Ron Oswanski: organ, Hammond B3;
Christian Fabian: bass, electric;
Bernard Purdie: drums

2020
https://www.amazon.com/Christian-Fabian-Oswanski-Bernard-Pretty/dp/B087Z6DZNF

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Eddie ''Lockjaw Davis'' - Buddy Tate - Coleman Hawkins - Arnett Cobb • Very Saxy

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis and his quartet (which includes organist Shirley Scott, bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill) welcome three immortal tenors (Coleman Hawkins, Arnett Cobb and Buddy Tate) to what became a historic and hard-swinging jam session. On three blues, an original based on the chord changes of "Sweet Georgia Brown" and "Lester Leaps In," the four tenors battle it out and the results are quite exciting. The spirited music on this memorable LP will hopefully be reissued on CD eventually, for the performances live up to their great potential.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

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Reseña de Scott Yanow
El saxofonista tenor Eddie "Lockjaw" Davis y su cuarteto (que incluye a la organista Shirley Scott, el bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill) dan la bienvenida a tres tenores inmortales (Coleman Hawkins, Arnett Cobb y Buddy Tate) en lo que se convirtió en una jam session histórica y llena de fuerza. En tres blues, uno original basado en los cambios de acordes de "Sweet Georgia Brown" y "Lester Leaps In", los cuatro tenores se enfrentan y los resultados son bastante emocionantes. Es de esperar que la animada música de este memorable LP se reedite en CD, ya que las interpretaciones están a la altura de su gran potencial.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

Brian Charette • Jackpot

 

Review from All About Jazz (by Pierre Giroux):
In the tradition of some great Hammond organ players of the past, such as Jack McDuff, Melvin Rhyne, Don Patterson, Larry Young and Jimmy Smith, one leading practitioner on this instrument, Brian Charette, wanted to write some swinging and soulful bebop tunes which would honor the memory of these past greats. The musicians Charette chose to travel on this journey were steeped in this genre, tenor saxophonist Cory Weeds, funky guitarist Ed Cherry and the swinging drummer Bill Stewart. To ensure that the charts were treated with the appropriate degree of seriousness, the band came together on November 4, 2021 at the Rudy Van Gelder Recording Studio, Englewood Cliffs, NJ with Maureen Sikler in charge of the engineering. The title track is Jackpot and the music is full measure as the title implies. Throughout the session the group manages to squeeze every drop of funky bop from all the charts.
https://www.allaboutjazz.com/jackpot-brian-charette-cellar-live

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Reseña de All About Jazz (por Pierre Giroux):
En la tradición de algunos grandes organistas Hammond del pasado, como Jack McDuff, Melvin Rhyne, Don Patterson, Larry Young y Jimmy Smith, un practicante líder de este instrumento, Brian Charette, quiso escribir algunos temas de bebop swingueantes y conmovedores que honraran la memoria de estos grandes del pasado. Los músicos que Charette eligió para viajar en este viaje estaban empapados en este género, el saxofonista tenor Cory Weeds, el guitarrista funky Ed Cherry y el swingueante baterista Bill Stewart. Para asegurar que las partituras fueran tratadas con el apropiado grado de seriedad, la banda se reunió el 4 de noviembre de 2021 en el Rudy Van Gelder Recording Studio, Englewood Cliffs, NJ con Maureen Sikler a cargo de la ingeniería. El tema titular es Jackpot y la música es de medida completa como el título implica. A lo largo de la sesión el grupo logra exprimir cada gota de bop funky de todas las partituras.
https://www.allaboutjazz.com/jackpot-brian-charette-cellar-live

Euge Organ Trio • ...Rides Again!

The Euge Organ Trio is a groove oriented, soul-jazz group hailing out of Portland, Oregon. Consisting of organist Dave Fleschner (Curtis Salgado / The Blues Cabaret), drummer Tom “Euge” Goicoechea (Professor Gall / The Quadraphones) and guitarist Teddy Presberg (pigWar / DoveDriver), the three are sure to keep audiences both moving to the groove and eagerly anticipating whatever might come next out of their free-spirited improvisational approach.
Rooted in thetradition of classic organ trios such as Jimmy Smith and JackMcDuff, the group is also influenced by contemporary groupslike Medeski, Martin and Wood, The City Champs, and Soulive. One can also hear the hip-hop influences of J-Dilla and genre pushing stylings of Robert Glasper in their compositions as well. Playing mostly original music, and influenced by soul-jazz both classic and new, The Euge Organ trio will keep you positively on the edge of your seat in excitement while paradoxically dancing to their immersive sound!
On “...Rides Again!,” their debut album, the three combined each of their own individual song writing talents to form a cohesive and unique style of original compositions. Featuring nearly equal contributions from the members, the songs give a nod to their influences while simultaneously forging a new sonic footprint in the organ trio realm. Give The Euge Organ Trio and “...Rides Again” a listen and you won’t be disappointed!
https://www.amazon.com/Rides-Again-Euge-Organ-Trio/dp/B077TLY4Y3/

 

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The Euge Organ Trio es un grupo de soul-jazz orientado al groove y procedente de Portland, Oregón. Formado por el organista Dave Fleschner (Curtis Salgado / The Blues Cabaret), el baterista Tom "Euge" Goicoechea (Professor Gall / The Quadraphones) y el guitarrista Teddy Presberg (pigWar / DoveDriver), los tres están seguros de mantener al público moviéndose al ritmo del groove y anticipando con entusiasmo lo que pueda venir después de su enfoque de improvisación de espíritu libre.
Enraizado en la tradición de los tríos de órgano clásicos como Jimmy Smith y JackMcDuff, el grupo también está influenciado por grupos contemporáneos como Medeski, Martin and Wood, The City Champs y Soulive. En sus composiciones también se perciben las influencias del hip-hop de J-Dilla y los estilos de Robert Glasper, que empujan el género. Tocando sobre todo música original, e influenciados por el soul-jazz tanto clásico como nuevo, el trío The Euge Organ te mantendrá positivamente en el borde de tu asiento con emoción mientras paradójicamente bailas con su sonido envolvente.
En "...Rides Again!", su álbum de debut, los tres combinaron cada uno de sus talentos individuales para escribir canciones y formar un estilo cohesivo y único de composiciones originales. Con contribuciones casi iguales de los miembros, las canciones hacen un guiño a sus influencias y al mismo tiempo forjan una nueva huella sonora en el ámbito del trío de órganos. Escucha The Euge Organ Trio y "...Rides Again" y no te decepcionará.
https://www.amazon.com/Rides-Again-Euge-Organ-Trio/dp/B077TLY4Y3/

Machito & His Afro-Cuban Salseros • Mucho Macho

 

Review by Scott Yanow
The most famous (and common) Machito performances feature his infectious Cuban band welcoming guests from the bebop world. This CD is different, for it has 24 selections from the 1948-1949 period by Machito & His Afro-Cuban Salseros without the assistance of famous names. Utilizing three trumpets (including Mario Bauza), four saxophones, piano, bass, four percussionists, and the vocals of the leader and Gracilea, the high-powered and always danceable band is heard throughout the CD in prime form. Whether playing originals, updated folk songs, or jazz standards, Machito's mighty crew was the pacesetter in Latin jazz of the era. This important release gives listeners a strong example of how the Afro-Cuban jazz band probably sounded live in concert.
https://www.allmusic.com/album/mucho-macho-machito-his-afro-cuban-salseros-mw0000675551



Artist Biography by Richard S. Ginell
Machito played a huge role in the history of Latin jazz, for his bands of the 1940s were probably the first to achieve a fusion of powerful Afro-Cuban rhythms and jazz improvisation. At its roaring best, the band had a hard-charging sound, loaded with jostling, hyperactive bongos and congas and razor-edged riffing brass. Machito was the front man, singing, conducting, shaking maracas, while his brother-in-law Mario Bauza was the innovator behind the scenes, getting Machito to hire jazz-oriented arrangers. The son of a cigar manufacturer, Machito became a professional musician in Cuba in his teens before he emigrated to America in 1937 as a vocalist with La Estrella Habanera. He worked with several Latin artists and orchestras in the late '30s, recording with the then-dominant Latin bandleader Xavier Cugat. After an earlier aborted attempt to launch a band with Bauza, Machito founded the Afro-Cubans in 1940, taking on Bauza the following year as music director where he remained for 35 years. After making some early 78s for Decca, the Afro-Cubans really began to catch on after the end of World War II, appearing with -- and no doubt influencing -- Stan Kenton's orchestra (Machito played maracas on Kenton's recordings of "The Peanut Vendor" and "Cuban Carnival") and recording some exciting sides for Mercury and Clef. Upon Bauza's urging, Machito's band featured a galaxy of American jazz soloists on its recordings from 1948 to 1960, including Charlie Parker (heard memorably on "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller and Johnny Griffin. Playing regularly at New York's Palladium, Machito's band reached its peak of popularity during the mambo craze of the 1950s, survived the upheavals of the '60s and despite the loss of Bauza in 1976, continued to work frequently in the '60s, '70s, and early '80s when the term "salsa" came into use. The band recorded for Pablo (in tandem with Gillespie) and Timeless in its later years, and was playing Ronnie Scott's club in London in 1984 when Machito suffered a fatal stroke. A documentary film by Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, was released in 1987.

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Reseña de Scott Yanow
Las actuaciones más famosas (y comunes) de Machito presentan a su contagiosa banda cubana dando la bienvenida a los invitados del mundo del bebop. Este CD es diferente, ya que tiene 24 selecciones del período 1948-1949 de Machito & His Afro-Cuban Salseros sin la ayuda de nombres famosos. Utilizando tres trompetas (incluyendo a Mario Bauza), cuatro saxofones, piano, bajo, cuatro percusionistas, y las voces del líder y de Gracilea, la potente y siempre bailable banda se escucha a lo largo del CD en forma primitiva. Ya sea tocando originales, canciones folclóricas actualizadas o estándares de jazz, el poderoso grupo de Machito fue el líder del jazz latino de la época. Este importante lanzamiento da a los oyentes un fuerte ejemplo de cómo la banda de jazz afrocubana probablemente sonaba en vivo en concierto.
https://www.allmusic.com/album/mucho-macho-machito-his-afro-cuban-salseros-mw0000675551



Biografía del artista por Richard S. Ginell
Machito jugó un papel muy importante en la historia del jazz latino, ya que sus bandas de la década de 1940 fueron probablemente los primeros en lograr una fusión de poderosos ritmos afrocubanos e improvisación de jazz. En su mejor momento, la banda tenía un sonido de carga dura, cargado con bongos y congas hiperactivos y empujones y riffs de bronce. Machito era el líder, cantaba, dirigía y agitaba a las maracas, mientras que su cuñado, Mario Bauza, era el innovador detrás de escena, logrando que Machito contratara a arreglistas orientados al jazz. Hijo de un fabricante de cigarros, Machito se convirtió en un músico profesional en Cuba en su adolescencia antes de emigrar a Estados Unidos en 1937 como vocalista de La Estrella Habanera. Trabajó con varios artistas y orquestas latinas a finales de los años 30, grabando con el entonces líder de la banda latino Xavier Cugat. Luego de un intento abortado de lanzar una banda con Bauza, Machito fundó los afro-cubanos en 1940, y se convirtió en Bauza al año siguiente como director musical, donde permaneció durante 35 años. Después de llegar a los 78 años de edad para Decca, los afro-cubanos realmente comenzaron a mejorar después de la Segunda Guerra Mundial, apareciendo con, y sin duda influyendo, en la orquesta de Stan Kenton (Machito tocó maracas en las grabaciones de Kenton de "The Peanut Vendor" "y" Carnaval cubano ") y grabando algunos lados emocionantes para Mercury y Clef. A instancias de Bauza, la banda de Machito presentó una galaxia de solistas de jazz estadounidense en sus grabaciones de 1948 a 1960, incluyendo a Charlie Parker (escuchado memorablemente en "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, Howard McGhee, Buddy Rich, Harry "Sweets" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Curtis Fuller y Johnny Griffin. Tocando regularmente en el Palladium de Nueva York, la banda de Machito alcanzó su mayor popularidad durante la moda del mambo de la década de 1950, sobrevivió a los trastornos de los años 60 y, a pesar de la pérdida de Bauza en 1976, continuó trabajando con frecuencia en los años 60 y 70. y principios de los 80 cuando el término "salsa" entró en uso. La banda grabó para Pablo (junto con Gillespie) y Timeless en sus últimos años, y estaba tocando en el club de Ronnie Scott en Londres en 1984, cuando Machito sufrió un ataque al corazón fatal. Una película documental de Carlo Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, fue estrenada en 1987.

Duke Pearson • The Right Touch

 

Review by Scott Yanow
Duke Pearson rises to the challenge of writing for an all-star octet (with trumpeter Freddie Hubbard, trombonist Garnett Brown, altoist James Spaulding, Jerry Dodgion on alto and flute, Stanley Turrentine on tenor, bassist Gene Taylor, drummer Grady Tate, and the leader/pianist), contributing colorful frameworks and consistently challenging compositions. The set is full of diverse melodies (the CD reissue has a previously unissued take of "Los Malos Hombres") played by a variety of distinctive soloists; many of these songs deserve to be revived. This is one of the finest recordings of Duke Pearson's career.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524

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Crítica de Scott Yanow
Duke Pearson se enfrenta al reto de escribir para un octeto de estrellas (con el trompetista Freddie Hubbard, el trombonista Garnett Brown, el contralto James Spaulding, Jerry Dodgion en el contralto y la flauta, Stanley Turrentine en el tenor, el bajista Gene Taylor, el baterista Grady Tate, y el líder/pianista), aportando coloridos marcos y composiciones consistentemente desafiantes. El conjunto está lleno de melodías diversas (la reedición en CD contiene una toma inédita de "Los Malos Hombres") interpretadas por una variedad de solistas distintivos; muchas de estas canciones merecen ser revividas. Se trata de una de las mejores grabaciones de la carrera de Duke Pearson.
https://www.allmusic.com/album/the-right-touch-mw0000110524

Ramsey Lewis • Solar Wind

 

 

https://www.ramseylewis.com/    

 

 

 

Les McCann • Plays The Truth

Leslie Coleman "Les" McCann (born September 23, 1935, in Lexington, Kentucky) is an American soul jazz pianist and vocalist whose biggest successes came as a crossover artist into R&B and soul.

An early musical success for McCann was his winning of a Navy talent contest for singing; this led to an appearance on The Ed Sullivan Show. McCann's main career began in the early 1960s when he recorded as a pianist with his trio for Pacific Jazz Records.

In 1969, Atlantic Records released Swiss Movement, a recording of McCann with frequent collaborator, saxophonist Eddie Harris, and guest trumpeter Benny Bailey at that year's Montreux Jazz Festival. The album contained the song "Compared to What", and both the album and the single were huge Billboard pop chart successes. "Compared to What" featured political criticism of the Vietnam War. The song was not written by McCann; fellow Atlantic composer/singer Eugene McDaniels wrote it years earlier. "Compared to What" was initially recorded and released as a ballad by Les McCann in 1967 on his Les McCann Play The Hits, issued on the Limelight label. Roberta Flack's version appeared as the opening track on her debut recording, First Take (1969).

After the success of Swiss Movement, McCann – primarily a piano player – began to emphasize his rough-hewn vocals more. He became an innovator in the soul jazz style, merging jazz with funk, soul and world rhythms; much of his early 1970s music prefigures the Stevie Wonder albums of that decade. He was among the first jazz musicians to include electric piano, clavinet, and synthesizer in his music.

In 1971, he and Harris were part of a group of soul, R&B, and rock performers – including Wilson Pickett, the Staple Singers, Santana and Ike & Tina Turner – who flew to Accra, Ghana for a historic 14-hour concert before more than 100,000 Ghanaians. The March 6 concert was recorded for the documentary film Soul To Soul. In 2004 the movie was released on DVD with an accompanying soundtrack album.

Les McCann discovered Roberta Flack and arranged an audition which resulted in a recording contract for her with Atlantic Records.

A mild stroke in the mid-1990s sidelined McCann for a while, but in 2002 he released a new album, Pump it Up. McCann has also exhibited as a painter and photographer.

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Leslie Coleman "Les" McCann (nacida el 23 de septiembre de 1935 en Lexington, Kentucky) es una pianista y vocalista estadounidense de soul jazz cuyos mayores éxitos se produjeron como artista crossover en el R&B y el soul.

Uno de los primeros éxitos musicales de McCann fue que ganó un concurso de talentos de la Marina para cantar, lo que le llevó a aparecer en The Ed Sullivan Show. La principal carrera de McCann comenzó a principios del decenio de 1960 cuando grabó como pianista con su trío para Pacific Jazz Records.

En 1969, Atlantic Records publicó Swiss Movement, una grabación de McCann con su frecuente colaborador, el saxofonista Eddie Harris, y el trompetista invitado Benny Bailey en el Festival de Jazz de Montreux de ese año. El álbum contenía la canción "Compared to What", y tanto el álbum como el sencillo fueron grandes éxitos en las listas de éxitos pop de Billboard. "Compared to What" presentaba críticas políticas a la guerra de Vietnam. La canción no fue escrita por McCann; su compañero compositor y cantante Eugene McDaniels la escribió años antes. "Comparado con qué" fue inicialmente grabado y lanzado como una balada por Les McCann en 1967 en su obra Les McCann Play The Hits, publicada por el sello Limelight. La versión de Roberta Flack apareció como la pista de apertura en su grabación debut, First Take (1969).

Tras el éxito del Movimiento Suizo, McCann -principalmente un pianista- comenzó a hacer más hincapié en su voz áspera. Se convirtió en un innovador del estilo de jazz soul, fusionando el jazz con el funk, el soul y los ritmos del mundo; gran parte de su música de principios del decenio de 1970 prefigura los álbumes de Stevie Wonder de esa década. Fue uno de los primeros músicos de jazz en incluir el piano eléctrico, el clavinet y el sintetizador en su música.

En 1971, él y Harris formaron parte de un grupo de intérpretes de soul, R&B y rock -incluyendo a Wilson Pickett, los Staple Singers, Santana e Ike & Tina Turner- que volaron a Accra, Ghana, para un histórico concierto de 14 horas ante más de 100.000 ghaneses. El concierto del 6 de marzo se grabó para la película documental Soul To Soul. En 2004 la película se estrenó en DVD con un álbum de banda sonora de acompañamiento.

Les McCann descubrió a Roberta Flack y organizó una audición que dio lugar a un contrato de grabación para ella con Atlantic Records.

Un leve derrame cerebral a mediados de los 90 dejó a McCann fuera de juego por un tiempo, pero en 2002 lanzó un nuevo álbum, Pump it Up. McCann también ha expuesto como pintor y fotógrafo.

Soulive • Soulive

 

Soulive is an album by Soulive that was released on April 8, 2003. It was produced by Jeff Krasno.

Following the release of the studio album Next, the band decided to record their 2002 winter tour, and this album is a compilation of live recordings recorded from October 12 to December 7, 2002. Known largely for its energetic live shows, the group showcases its various live performances with a wide array of material. The result is a musical tapestry that highlights the band's unprecedented improvisational skills and extended jam sequences. Widely commended tracks include a cover of the Stevie Ray Vaughan song Lenny and the live favorite El Ron.

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Soulive es un álbum de Soulive que se lanzó el 8 de abril de 2003. Fue producido por Jeff Krasno.

Tras el lanzamiento del álbum de estudio Next, la banda decidió grabar su gira de invierno de 2002, y este álbum es una recopilación de grabaciones en vivo grabadas del 12 de octubre al 7 de diciembre de 2002. Conocido en gran parte por sus enérgicos shows en vivo, el grupo muestra sus Varias actuaciones en vivo con una amplia gama de material. El resultado es un tapiz musical que destaca las habilidades de improvisación sin precedentes de la banda y las secuencias de jam extendidas. Las pistas ampliamente recomendadas incluyen una versión de la canción de Stevie Ray Vaughan, Lenny y el favorito en vivo, El Ron.

www.soulive.com ...

Gloria Coleman • Sweet Missy

 

Review

One of the last surviving jazz organists of the 1960s, Gloria Coleman actually started her career as a bassist and occasional pianist. In 1960 she switched her focus to organ, working with Sonny Stitt. Although she has not recorded that extensively in her career, she is a powerful player and has not lost anything through the decades. Sweet Missy, her first recording in a while, has her leading a trio with either Eric Johnson or Calvin Keys on guitar and George Coleman, Jr.or Deszon Claiborne on drums. Five selections have her husband, the great tenor saxophonist George Coleman, making the group a quartet and Dr. Lonnie Smith (heard on piano rather than his customary organ) sits in on "Put 'Em in a Box, Tie 'Em with a Ribbon." However the main star throughout is Gloria Coleman. She sings on a few of the numbers in an expressive and conversational style that recalls the late Etta Jones. Her organ playing swings soulfully and, whether it is her original "Martin's Rhumba," Shirley Scott's "Blues Everywhere," or two versions of Charlie Parker's "Confirmation," Gloria Coleman is in prime form throughout this happy set.

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/sweet-missy-mw0000819054

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Reseña

Una de las últimas organistas de jazz sobrevivientes de los años 60, Gloria Coleman comenzó su carrera como bajista y pianista ocasional. En 1960 cambió su enfoque al órgano, trabajando con Sonny Stitt. Aunque no ha grabado tanto en su carrera, es una intérprete poderosa y no ha perdido nada a lo largo de las décadas. Sweet Missy, su primera grabación en un tiempo, la tiene liderando un trío con Eric Johnson o Calvin Keys en la guitarra y George Coleman, Jr. o Deszon Claiborne en la batería. Cinco selecciones tienen a su marido, el gran saxofonista tenor George Coleman, haciendo del grupo un cuarteto y el Dr. Lonnie Smith (que se escucha en el piano en lugar de su órgano habitual) se sienta en "Put 'Em in a Box, Tie 'Em with a Ribbon". Sin embargo, la principal estrella de todo el grupo es Gloria Coleman. Ella canta en algunos de los números en un estilo expresivo y conversacional que recuerda a la difunta Etta Jones. Su órgano se mueve con fuerza y, ya sea su "Martin's Rhumba" original, "Blues Everywhere" de Shirley Scott, o dos versiones de "Confirmation" de Charlie Parker, Gloria Coleman está en plena forma en este feliz conjunto.

por Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/sweet-missy-mw0000819054

VA • Fania Goes Psychedelic

 

Craft Recordings’ Craft Latino imprint has released Fania Goes Psychedelic, a 15-song compilation featuring Latin soul and experimental gems from the legendary Fania catalogue, now available on major streaming and digital platforms.

Just as the Summer of Love and psychedelic rock was sweeping suburban America, another movement was happening in New York as Latino youth were rebelling against cultural norms and “experimenting with soul, R&B, Afro-Cuban dance rhythms, and English lyrics to make a sound all their own – a craze which became known as boogaloo,” shares Craft.

Founded in New York during 1964 by musician Jonny Pacheco and lawyer Jerry Masucci, the Fania music label “documented the New York salsa explosion of the 70s and established itself as the Latin equivalent of Motown”.

To commemorate this fruitful era and often overlooked period in music history, Craft Latino’s eclectic compilation pays tribute to artists like Ray Barretto, Pete Rodriguez, The Lebron Brothers and Eddie Palmieri, who made their mark on the 60s counterculture movement.

Fania Goes Psychedelic is a crate-digger and 60s music fan’s dream. Spanning all of the greatest Latin soul cuts of the era, the compilation also explores the influence of drug culture and psychedelia on Latino culture in America, from conguero and bandleader Ray Barretto’s instrumental ‘Acid’ to The Lebrón Brothers Orchestra’s catchy ode to cannabis, ‘Let’s Get Stoned’, off their 1968 LP, The Brooklyn Bums.

The Puerto Rican-born brothers brought their own flair to Latin music, fusing together the Motown soul of the era with Latin rhythms. As one of the flagship artists on another boogaloo label Cotique (that Fania acquired in 1971), The Lebrón Brothers were one of the finest Latin soul artists of the day. One of the brothers, Jose Lebron, is also responsible for giving salsa music its name, after his song ‘Salsa Y Control’.

Another former Cotique artist – singer, trombonist and pianist Johnny Colón – is also featured in the compilation with his single, ‘Boogaloo Blues’, off his 1966 debut LP of the same name that helped to popularize the genre.

One of the major highlights off Fania Goes Psychedelic is ‘Revolt/La Libertad Logico’ by the Grammy award-winning bandleader and pianist Eddie Palmieri, who was an artist under the storied label, Tico Records (acquired by Fania in 1974).

Other standouts include ‘Oh, That’s Nice’ by The King of Boogaloo”, Pete Rodriguez, ‘Problemas (Problems)’ off Joey Pastrana and his Orchestra’s 1968 LP, Hot Pastrana and Jimmy Sabater’s funky, Latin-tinged cover of Kool and The Gang’s ‘Kool It (Here Comes the Fuzz)’.

“These seminal works by young Latino artists were inspired by the socio-economic and political landscape around them in New York City and specifically in the ‘barrios’ during this historical time,” says Bruce McIntosh, VP of Latin Catalog for Craft Latino.

“These songs help document a moment in time that now, 50 years later, is as relevant and refreshing as ever. I’m proud that Craft Latino can be the steward of these recordings, which are such an important part of American musical history.”}

Published on August 27, 2019

By Laura Stavropoulos

https://www.udiscovermusic.com/news/craft-latino-releases-fania-goes-psychedelic/

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El sello Craft Latino de Craft Recordings ha lanzado Fania Goes Psychedelic, una compilación de 15 canciones que presenta el soul latino y las gemas experimentales del legendario catálogo de Fania, ahora disponible en las principales plataformas de streaming y digitales.

Al igual que el Verano del Amor y el rock psicodélico estaban arrasando en los suburbios de América, otro movimiento estaba sucediendo en Nueva York mientras la juventud latina se rebelaba contra las normas culturales y "experimentaba con el soul, el R&B, los ritmos de baile afrocubanos y las letras en inglés para hacer un sonido propio, una locura que se conoció como boogaloo", comparte Craft.

Fundada en Nueva York en 1964 por el músico Jonny Pacheco y el abogado Jerry Masucci, el sello musical Fania "documentó la explosión de la salsa en Nueva York en los años 70 y se estableció como el equivalente latino de Motown".

Para conmemorar esta fructífera era y a menudo pasado por alto período en la historia de la música, la ecléctica compilación de Craft Latino rinde homenaje a artistas como Ray Barretto, Pete Rodríguez, The Lebron Brothers y Eddie Palmieri, que dejaron su huella en el movimiento de la contracultura de los 60.

Fania Goes Psychedelic es el sueño de un fanático de la música de los 60. Abarcando todos los grandes cortes de soul latino de la época, la compilación también explora la influencia de la cultura de las drogas y la psicodelia en la cultura latina de América, desde el instrumental 'Acid' del conguero y director de banda Ray Barretto hasta la pegajosa oda al cannabis de la Orquesta de los Hermanos Lebrón, 'Let's Get Stoned', de su LP de 1968, The Brooklyn Bums.

Los hermanos, nacidos en Puerto Rico, aportaron su propio estilo a la música latina, fusionando el alma Motown de la época con los ritmos latinos. Como uno de los artistas insignia de otro sello de boogaloo, Cotique (que Fania adquirió en 1971), los Hermanos Lebrón fueron uno de los mejores artistas de soul latino de la época. Uno de los hermanos, José Lebrón, también es responsable de dar nombre a la música de salsa, después de su canción "Salsa Y Control".

Otro ex artista de Cotique -el cantante, trombonista y pianista Johnny Colón- también aparece en la compilación con su single, 'Boogaloo Blues', de su LP debut de 1966 del mismo nombre que ayudó a popularizar el género.

Uno de los aspectos más destacados de Fania Goes Psychedelic es 'Revolt/La Libertad Logico' del pianista y director de banda ganador de un Grammy Eddie Palmieri, quien fue artista bajo el sello histórico Tico Records (adquirido por Fania en 1974).

Otros temas destacados son 'Oh, That's Nice' de The King of Boogaloo", Pete Rodríguez, 'Problemas' del LP de Joey Pastrana y su Orquesta de 1968, Hot Pastrana y la versión funky y con tintes latinos de Jimmy Sabater de Kool and The Gang 'Kool It (Here Comes the Fuzz)'.

"Estas obras fundamentales de jóvenes artistas latinos se inspiraron en el panorama socioeconómico y político que les rodeaba en la ciudad de Nueva York y, en particular, en los barrios de esta época histórica", dice Bruce McIntosh, Vicepresidente del Catálogo Latino de Artesanía Latina.

"Estas canciones ayudan a documentar un momento en el tiempo que ahora, 50 años después, es tan relevante y refrescante como siempre. Estoy orgulloso de que Craft Latino pueda ser el administrador de estas grabaciones, que son una parte tan importante de la historia musical americana."}

Publicado el 27 de agosto de 2019

Por Laura Stavropoulos

https://www.udiscovermusic.com/news/craft-latino-releases-fania-goes-psychedelic/

 

 

 

Sonny Phillips • Sure 'Nuff

 

 

Biography by Steve Huey
Organist Sonny Phillips was born in Mobile, Alabama in 1936 to a musical family, but did not begin his jazz education until the age of 23, when he began studying with Ahmad Jamal. The music of Jimmy Smith inspired him to switch to the organ, and soon he was performing with soul-jazz greats such as Lou Donaldson, Eddie Harris, Houston Person, and Gene Ammons. Phillips debuted as a leader on the 1969 Prestige set Sure 'Nuff, which was followed by the 1970 dates Black Magic and Black on Black. He returned to recording as a leader for the Muse label in 1976 with My Black Flower, but the next year's I Concentrate on You proved to be his final recording as a leader. After an illness in 1980, Phillips moved to Los Angeles, where he occasionally taught, performed, and recorded as a sideman during the years to follow.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-phillips-mn0000046110/biography

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Biografía de Steve Huey
El organista Sonny Phillips nació en Mobile, Alabama, en 1936, en el seno de una familia de músicos, pero no comenzó su formación jazzística hasta los 23 años, cuando empezó a estudiar con Ahmad Jamal. La música de Jimmy Smith le inspiró a pasarse al órgano, y pronto actuó con grandes del soul-jazz como Lou Donaldson, Eddie Harris, Houston Person y Gene Ammons. Phillips debutó como líder en el disco de Prestige Sure 'Nuff de 1969, al que siguieron los discos de 1970 Black Magic y Black on Black. Volvió a grabar como líder para el sello Muse en 1976 con My Black Flower, pero al año siguiente I Concentrate on You resultó ser su última grabación como líder. Después de una enfermedad en 1980, Phillips se trasladó a Los Ángeles, donde ocasionalmente dio clases, actuó y grabó como músico secundario durante los años siguientes.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-phillips-mn0000046110/biography

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

The Roy Meriwether Trio • Soul Invader

 

Roy Meriwether is a jazz pianist born February 24, 1943 in Dayton, Ohio. He first played in his father's church, accompanying the family choir. In the 1960s, he directed a trio and signed with Columbia in 1965. He continued to perform as a trio while also participating in recordings with saxophonist Joe Lewis (1987) and flutist Chip Shelton (2000).
Highly influenced by Gospel, loving to play the blues, Roy Meriwether has a style close to those of Gene Harris and Ramsey Lewis.

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Roy Meriwether es un pianista de jazz nacido el 24 de febrero de 1943 en Dayton, Ohio. Primero tocó en la iglesia de su padre, acompañando al coro familiar. En la década de 1960, dirigió un trío y firmó con Columbia en 1965. Continuó actuando como trío mientras participaba en grabaciones con el saxofonista Joe Lewis (1987) y el flautista Chip Shelton (2000).
Muy influenciado por el Gospel, amante del blues, Roy Meriwether tiene un estilo cercano a los de Gene Harris y Ramsey Lewis.

Sonny Stitt • The Sensual Sound

www.sonnystitt.com ...

Quartette Trés Bien • Boss trés bien

 

The Quartette Trés Bien was an American jazz combo based in St. Louis led by pianist Jeter Thompson. The group started to play around 1960 and began recording in the mid '60s. Jeter Thompson played with Jimmy Forrest, Oliver Nelson and Emmett Carter in his early years. The bassist of the group is Richard Simmons, the drummer Albert St. James who accompanied also Charlie Parker, Tab Smith and Jimmy Forrest. Percussionist Percy James added a latin flavor to the quartette who played more than ten years, before splitting. Jeter Thompson is still active leading for a few years the Trio Tres Bien with brothers Harold Thompson (bass) and Howard Thompson (drums). Discography: Boss tres bien' Decca Kilimanjaro' Decca Spring into spring' (1964) Decca Sky high' (1965) Decca Stepping out !' Decca Bully !' (1965) Atlantic In motion' (1966) Decca Where it's at' (1966) Decca Here it is !' (1966) Decca Four of a kind' (1967) Decca Our thing' (1967) Decca Coming together' (2004) as The Trio Tres Bien.

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TraducciónAutomática:

El Quartette Trés Bien era un combo de jazz estadounidense basado en St. Louis dirigido por el pianista Jeter Thompson. El grupo comenzó a tocar alrededor de 1960 y comenzó a grabar a mediados de los sesenta. Jeter Thompson jugó con Jimmy Forrest, Oliver Nelson y Emmett Carter en sus primeros años. El bajista del grupo es Richard Simmons, el baterista Albert St. James que también acompañó a Charlie Parker, Tab Smith y Jimmy Forrest. El percusionista Percy James agregó un sabor latino al cuarteto que tocó durante más de diez años, antes de dividirse. Jeter Thompson sigue activo durante algunos años en el Trio Tres Bien con los hermanos Harold Thompson (bajo) y Howard Thompson (batería). Discografía: Boss tres bien 'Decca Kilimanjaro' Decca Spring into spring '(1964) Decca Sky high' (1965) Decca Stepping out! ' Decca Bully! ' (1965) Atlantic In motion '(1966) Decca Where is at' (1966) Decca ¡Aquí está! ' (1966) Decca Four of a kind '(1967) Decca Our thing' (1967) Decca Coming together '(2004) como The Trio Tres Bien.