The Three Sounds • Good Deal

Good Deal is a typically fine record from the Three Sounds, who were beginning to hit their stride when this session was recorded in May of 1959. Like most of their records, it's laidback – even when the group works a swinging tempo, there's a sense of ease that keeps the mood friendly, relaxed and mellow. Balancing standards like "Satin Doll," "Soft Winds" and "That's All" with bop ("Robbin's Nest"), calypso ("St. Thomas") and originals, the Three Sounds cover a lot of stylistic territory, putting their distinctive stamp on each song. It's very accessible, pleasant soul-jazz and mainstream hard bop, but Gene Harris' masterful technique means that Good Deal rewards close listening as well.

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Good Deal es un disco típicamente bueno de los Three Sounds, que empezaban a dar sus primeros pasos cuando se grabó esta sesión en mayo de 1959. Como la mayoría de sus discos, es relajado, incluso cuando el grupo trabaja con un tempo de balanceo, hay una sensación de facilidad que mantiene el ambiente amigable, relajado y tranquilo. Equilibrando estándares como "Satin Doll", "Soft Winds" y "That's All" con bop ("Robbin's Nest"), calypso ("St. Thomas") y originales, los Three Sounds cubren mucho territorio estilístico, poniendo su sello distintivo en cada canción. Es muy accesible, un agradable soul-jazz y un hard bop convencional, pero la magistral técnica de Gene Harris hace que Good Deal recompense también la escucha cercana.

Don Patterson & Sonny Stitt • Legends of Acid Jazz

 

Review
by Richie Unterberger
Two-fer CD reissue combines two 1968 sessions, both featuring Stitt and Patterson, that were recorded on consecutive days (September 23-24, 1968), although one was issued under Patterson's name and the other under Stitt's. The first six songs were issued as the Patterson LP Funk You!, on which Patterson leads a date that also has Sonny Stitt and Charles McPherson on saxes and Pat Martino on guitar. The other players get about as much space as Patterson, and as 1960s jazz with organ goes, this is pretty straight-ahead and boppish, rather than soul-jazz (as so much organ jazz from that decade was). For the bop factor, listen especially to the cover of Sonny Rollins' "Airegin," on which Martino in particular shines. Patterson does get in a more soulful mood on his composition "Little Angie," which has an elegiac mood somewhat similar to occasional slow instrumentals cut by Booker T. & the MG's during that period. The other eight songs were issued as the Stitt LP Soul Electricity!, an album that got its name because, for this session, Stitt plugged his alto and tenor saxophones into a Varitone attachment. What came out, though, was not fusion by any means, but a pretty straight-ahead session that found Stitt his usual competent self. The program is actually on the conservative side, leaning toward standards. Stitt's quartet is rounded out by Don Patterson on organ, Billy Butler on guitar, and Billy James on drums. This isn't the most logical package -- Stitt's half is more straight-ahead in flavor and, more importantly, neither album fits too well into the soul-jazz or acid jazz category -- but for fans of either artist, the material is worth hearing.

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Reseña
por Richie Unterberger
La reedición en CD de dos discos combina dos sesiones de 1968, ambas con Stitt y Patterson, que se grabaron en días consecutivos (23 y 24 de septiembre de 1968), aunque una se publicó con el nombre de Patterson y la otra con el de Stitt. Las primeras seis canciones se publicaron como el LP de Patterson Funk You!, en el que Patterson lidera una cita que también cuenta con Sonny Stitt y Charles McPherson en los saxos y Pat Martino en la guitarra. Los otros músicos tienen tanto espacio como Patterson, y en lo que respecta al jazz de los años 60 con órgano, esto es bastante directo y boppish, en lugar de soul-jazz (como lo fue tanto el jazz con órgano de esa década). Para el factor bop, escuchen especialmente la versión de "Airegin" de Sonny Rollins, en la que Martino brilla especialmente. Patterson se pone en un estado de ánimo más conmovedor en su composición "Little Angie", que tiene un estado de ánimo elegíaco algo similar a los instrumentales lentos ocasionales cortados por Booker T. & the MG's durante ese período. Las otras ocho canciones se publicaron en el LP de Stitt Soul Electricity!, un álbum que recibió su nombre porque, para esta sesión, Stitt conectó sus saxos alto y tenor a un accesorio Varitone. Lo que resultó, sin embargo, no fue fusión ni mucho menos, sino una sesión bastante directa en la que Stitt se mostró como siempre competente. El programa es realmente conservador y se inclina hacia los estándares. El cuarteto de Stitt se completa con Don Patterson al órgano, Billy Butler a la guitarra y Billy James a la batería. No es el paquete más lógico -la mitad de Stitt tiene un sabor más directo y, lo que es más importante, ninguno de los dos álbumes encaja demasiado bien en la categoría de soul-jazz o acid jazz-, pero para los fans de cualquiera de los dos artistas, el material merece ser escuchado.

Bernard Purdie • Jazz Groove Sessions In Tokyo

 

 

Artist Biography by Ron Wynn
An all-time great soul, R&B, funk, and pop drummer, Bernard Purdie's impeccable time and mastery of backbeats and grooves are celebrated. He moved to New York from Maryland in 1960, and recorded with James Brown, King Curtis, and many others. He was CTI's house drummer in the late '60s and early '70s, and worked with Grover Washington, Jr. and George Benson among several others. Purdie toured with Curtis and Aretha Franklin in 1970, and was Franklin's music director until 1975. During his studio days in the early '70s, Purdie recorded with Louis Armstrong and Gato Barbieri along with numerous rock, pop, and soul sessions. He recorded with Dizzy Gillespie in 1980 at the Montreux Jazz Festival and toured with him in 1983. Purdie recorded with Hank Crawford during the early '80s, and has continued working steadily into the '90s. He generated a firestorm of reaction in 1993 when he charged it was his uncredited drumming rather than Ringo Starr's on some Beatles tracks. Purdie claimed proof was forthcoming, but none was presented. He made a rare date as a leader for Flying Dutchman in 1972, Pretty Purdie, that has long since disappeared. But Purdie can be heard on countless discs by Brown, Franklin, Curtis, Gillespie, and Crawford among many others.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography

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Biografía del artista por Ron Wynn
Un gran alma de todos los tiempos, R&B, funk y batería pop, se celebra el tiempo impecable de Bernard Purdie y su dominio de los backbeats y los grooves. Se mudó a Nueva York desde Maryland en 1960, y grabó con James Brown, King Curtis y muchos otros. Fue el baterista de la CTI a finales de los 60 y principios de los 70, y trabajó con Grover Washington Jr. y George Benson entre otros. Purdie hizo una gira con Curtis y Aretha Franklin en 1970, y fue el director musical de Franklin hasta 1975. Durante sus días de estudio a principios de los 70, Purdie grabó con Louis Armstrong y Gato Barbieri junto con numerosas sesiones de rock, pop y soul. Grabó con Dizzy Gillespie en 1980 en el Festival de Jazz de Montreux y realizó una gira con él en 1983. Purdie grabó con Hank Crawford a principios de los 80, y ha seguido trabajando constantemente hasta los 90. Generó una tormenta de reacciones en 1993 cuando acusó a su batería no acreditada en lugar de la de Ringo Starr en algunos temas de los Beatles. Purdie afirmó que había pruebas, pero no se presentó ninguna. Hizo una cita poco común como líder del Flying Dutchman en 1972, Pretty Purdie, que hace tiempo que desapareció. Pero Purdie puede ser escuchado en innumerables discos de Brown, Franklin, Curtis, Gillespie y Crawford entre muchos otros.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography

 

www.bernardprettypurdie.com ...

 

Lee Morgan • The Gigolo

  

Review
by Scott Yanow
Lee Morgan was the leading trumpeter in hard bop during the 1960s and he recorded quite a few classic albums for Blue Note. This is one of them. The CD reissue (which adds an alternate take of the title cut to the original five-song program) features Morgan at his best, whether playing his memorable blues "Speed Ball," an explorative ballad version of "You Go to My Head," a lengthy "The Gigolo," or his other two originals ("Yes I Can, No You Can't" and "Trapped"). There are no weak selections on this set and the playing by the leader, Wayne Shorter on tenor, pianist Harold Mabern, bassist Bob Cranshaw, and drummer Billy Higgins is beyond any serious criticism.
https://www.allmusic.com/album/the-gigolo-mw0000203611

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Reseña
por Scott Yanow
Lee Morgan fue el trompetista más destacado del hard bop durante la década de 1960 y grabó bastantes álbumes clásicos para Blue Note. Éste es uno de ellos. La reedición en CD (que añade una toma alternativa del corte del título al programa original de cinco canciones) presenta a Morgan en su mejor momento, ya sea tocando su memorable blues "Speed Ball", una versión de balada exploratoria de "You Go to My Head", una larga "The Gigolo", o sus otros dos originales ("Yes I Can, No You Can't" y "Trapped"). No hay selecciones flojas en este conjunto y la interpretación del líder, Wayne Shorter al tenor, el pianista Harold Mabern, el bajista Bob Cranshaw y el batería Billy Higgins está más allá de cualquier crítica seria.
https://www.allmusic.com/album/the-gigolo-mw0000203611

Freddie Hubbard • Blue Spirits

 

Mitch Towne • Refuge

 

Review from All About Jazz (by Kyle Simpler):
After organ trios came to prominence during the 1950s, jazz groove has never been the same. Performers like Jack McDuff, Jimmy McGriff, and most notably Jimmy Smith introduced a new level of soul to jazz music. With Refuge, organist Mitch Towne makes a compelling debut as a leader, adding his name to a who's who of groovemakers.

Towne's work as a sideman gives him the ethos to warrant serious attention. His resume includes work with everyone from Terrace Martin and Buddy Miles to Dave Stryker and Tom Scott, and Refuge shows the breadth of those experiences. But this is no session player stepping out for a quick solo project — it is a full artistic statement, rooted in tradition but looking ahead.

Refuge offers a tightly focused and creatively executed album that places the Hammond B-3 front and center, paying homage to players who influenced him, while bringing a unique sound to the forefront. The focus here is more on innovation than nostalgia; the result is pure groove satisfaction. Working with guitarist Tetsuya Nishiyama and drummer Jeffery Johnson, Towne delivers seven tracks of modern organ trio jazz, with enough emotion, swing, and funk to keep the party going.

The musicians joining Towne are each in top form. Nishiyama's guitar lines are crisp, harmonically daring, and perfectly balanced between rhythmic comping and lyrical soloing. Johnson, a veteran drummer, swings hard without overplaying, providing just the right propulsion and tasteful playing.

From the onset, Refuge makes its mission clear: this trio is not retracing well-worn paths, but carving fresh ones through modern jazz territory. With the legacy of Jimmy Smith and Joey DeFrancesco hovering in the wings, Towne's compositions draw equally from the harmonic richness of Wayne Shorter, the rhythmic punch of hard bop, and the exploratory attitude of players like Larry Young and Big John Patton. His writing favors fresh chord changes, unexpected meters, and melodic lines that leave room for deep improvisational interplay, which is a particular strength of this group.

The opener, "Wolverine," burns with energy in a fast-paced trio cut highlighting Towne's command as a soloist and supporting player. The title track, "Refuge," slows the tempo and deepens the mood, gesturing toward Wayne Shorter in its spacious theme and underlying tension. "Ode to Kenny," inspired by Kenny Garrett, brings a blues-funk edge to the mix, while "Better Now Than Never At All" plays it more relaxed, with Nishiyama's guitar slightly reminiscent of John Scofield's approach: just slightly behind the beat, but never lazy.

Kenny Kirkland's "Steepian Faith" is the album's sole cover, and Towne treats it with reverence and urgency. The composition's angular contours and dense voicings suit his modern sensibility, making it a natural inclusion. The dreamlike "Some Work Of Noble Note May Yet Be Done," with its ethereal shimmer, may be the most surprising moment here, a reminder of the Hammond organ's versatility in the right hands.

With Refuge, Mitch Towne does not just enter the modern jazz organ conversation — he expands it. For jazz organ enthusiasts, this is just what the doctor ordered: plenty of soul and swing with a healthy dose of "vitamin" B-3.
https://www.allaboutjazz.com/refuge-mitch-towne-cross-towne-records

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Reseña de All About Jazz (por Kyle Simpler):
Desde que los tríos de órgano cobraron protagonismo en los años 50, el groove del jazz nunca volvió a ser el mismo. Intérpretes como Jack McDuff, Jimmy McGriff y, sobre todo, Jimmy Smith introdujeron un nuevo nivel de alma en la música jazz. Con Refuge, el organista Mitch Towne hace un convincente debut como líder, añadiendo su nombre a la lista de maestros del groove.

El trabajo de Towne como sideman le otorga la autoridad para merecer atención seria. Su currículum incluye colaboraciones con artistas tan diversos como Terrace Martin y Buddy Miles, Dave Stryker y Tom Scott, y Refuge muestra la amplitud de esas experiencias. Pero esto no es un músico de sesión dando un paso al frente para un proyecto solista rápido — es una declaración artística plena, arraigada en la tradición pero mirando hacia adelante.

Refuge ofrece un álbum concentrado y ejecutado con creatividad que coloca al Hammond B-3 en primer plano, rindiendo homenaje a los músicos que lo influyeron y aportando a la vez un sonido único. El enfoque aquí está más en la innovación que en la nostalgia; el resultado es pura satisfacción de groove. Trabajando con el guitarrista Tetsuya Nishiyama y el baterista Jeffery Johnson, Towne entrega siete temas de jazz moderno de trío de órgano, con suficiente emoción, swing y funk para mantener la fiesta en marcha.

Los músicos que acompañan a Towne están cada uno en plena forma. Las líneas de guitarra de Nishiyama son nítidas, armónicamente atrevidas y perfectamente equilibradas entre el acompañamiento rítmico y el solo lírico. Johnson, baterista veterano, swingea con fuerza sin exagerar, aportando la propulsión justa y un toque elegante.

Desde el inicio, Refuge deja clara su misión: este trío no está recorriendo caminos trillados, sino trazando otros nuevos a través del territorio del jazz moderno. Con el legado de Jimmy Smith y Joey DeFrancesco sobrevolando en las alas, las composiciones de Towne beben a partes iguales de la riqueza armónica de Wayne Shorter, el punch rítmico del hard bop y la actitud exploradora de músicos como Larry Young y Big John Patton. Su escritura favorece acordes frescos, compases inesperados y líneas melódicas que dejan espacio para un profundo interplay improvisatorio, que es una fortaleza particular de este grupo.

El tema de apertura, "Wolverine," arde con energía en un corte de trío a tempo rápido que destaca el dominio de Towne como solista y músico de apoyo. El tema titular, "Refuge," ralentiza el tempo y profundiza el estado de ánimo, evocando a Wayne Shorter en su tema espacioso y su tensión subyacente. "Ode to Kenny," inspirado en Kenny Garrett, aporta un toque blues-funk, mientras que "Better Now Than Never At All" es más relajado, con la guitarra de Nishiyama que recuerda ligeramente el enfoque de John Scofield: apenas por detrás del beat, pero nunca perezoso.

"Steepian Faith" de Kenny Kirkland es el único cover del álbum, y Towne lo trata con reverencia y urgencia. Los contornos angulares y las densas voicings de la composición se adaptan a su sensibilidad moderna, convirtiéndola en una inclusión natural. El onírico "Some Work Of Noble Note May Yet Be Done," con su brillo etéreo, puede ser el momento más sorprendente del disco, un recordatorio de la versatilidad del órgano Hammond en las manos adecuadas.

Con Refuge, Mitch Towne no solo entra en la conversación del jazz de órgano moderno — la expande. Para los entusiastas del jazz de órgano, esto es exactamente lo que el médico ordenó: mucha alma y swing con una buena dosis de "vitamina" B-3.
https://www.allaboutjazz.com/refuge-mitch-towne-cross-towne-records

 

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David Newman • The Many Facets Of

 

Charlie Apicella & Iron City • Payin' The Cost To Be The Boss

  

 

In many ways, guitarist Charlie Apicella has devoted himself to a kind of historical reenactment. On all of his previous albums, which have included tributes to Jack McDuff and B.B. King, Apicella faithfully has sought to channel an era of American music when hard-bop and r&b reigned and existed as a sort of lingua franca.

His latest album, Groove Machine (OA2), is no exception. There are a number of instances when Apicella nods to the past as he dutifully covers funky, down-home tracks like Lou Donaldson’s “Hot Dog” and Willis Jackson’s “Brother Elijah.” But the guitarist still manages to keep things fresh. The album, his sixth as a leader, is made up primarily of his own compositions, including the cool, swinging “Three Sided” and “Along The Southern Coast”—with a soulful cameo from violinist Amy Bateman.

“They all sound like something you would have heard in 1954,” Apicella recently said over the phone from his New York apartment.

The record showcases Apicella’s Iron City band, which includes drummer Alan Korzin, tenor saxophonist Gene Ghee, trumpeter Freddie Hendrix, conguero Mayra Casales and organist Radam Schwartz, who contributed one composition, “Calypso Blue.” “All the music grooves,” Apicella said. “There are no intros to the tunes that are washy—we get right to the point, just like Jack McDuff.”

If Apicella seems like a throwback, it’s because he is. He is in his mid-30s, but doesn’t listen to much contemporary jazz, most of which bores him—there is, he said, “an obnoxious level of improvisational hysterics.”

Instead, he prefers to take inspiration from earlier jazz guitarists like Herb Ellis, Wes Montgomery and Kenny Burrell. And on his records, he tries to align himself with musicians who have performed with mid-century titans of jazz. Schwartz, for instance, played with Eddie “Lockjaw” Davis and David “Fathead” Newman.

“He doesn’t have super-duper chops, but he plays tastefully, and you can tell that he’s studied the tradition of the guitar,” said Hendrix, who’s frequently collaborated with Apicella and further describes him as a deeply melodic guitarist along the lines of Grant Green.

Apicella picked up the guitar relatively late, buying his first instrument during his senior year of high school. He studied jazz on the side while a student at the University of Massachusetts Amherst, where Yusef Lateef was his teacher. And since coming to New York, Apicella has done his best to seek out elders, even though, as he puts it, “The way that guys used to learn isn’t really around anymore.” Still, he’s managed to study under guitarists Pat Martino and Dave Stryker, who produced two of Apicella’s records.

According to Hendrix, Apicella has “really come into his own within these past few years.” The guitarist also has established himself as an educator with his TrueFire video lessons and as an instructor at the New York Jazz Workshop.

But Apicella still seems to view himself primarily as a student of the past. Regarding future albums, he said that he’s like to record a tribute to Jimi Hendrix, as well as another paean to B.B. King—this time with a vocalist. DB
https://downbeat.com/news/detail/charlie-apicella-channeling-the-past

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En muchos sentidos, el guitarrista Charlie Apicella se ha dedicado a una especie de recreación histórica. En todos sus álbumes anteriores, que incluyen homenajes a Jack McDuff y B.B. King, Apicella ha tratado fielmente de canalizar una época de la música estadounidense en la que reinaban el hard-bop y el r&b y existían como una especie de lingua franca.

Su último álbum, Groove Machine (OA2), no es una excepción. Hay varios casos en los que Apicella hace un guiño al pasado, ya que versiona fielmente temas funky y caseros como "Hot Dog" de Lou Donaldson y "Brother Elijah" de Willis Jackson. Pero el guitarrista se las arregla para mantener las cosas frescas. El álbum, su sexto como líder, se compone principalmente de sus propias composiciones, entre las que se incluyen las frescas y oscilantes "Three Sided" y "Along The Southern Coast", con un conmovedor cameo de la violinista Amy Bateman.

"Todas suenan como algo que se hubiera escuchado en 1954", dijo recientemente Apicella por teléfono desde su apartamento de Nueva York.

El disco presenta a la banda Iron City de Apicella, que incluye al baterista Alan Korzin, al saxofonista tenor Gene Ghee, al trompetista Freddie Hendrix, a la conguero Mayra Casales y al organista Radam Schwartz, quien contribuyó con una composición, "Calypso Blue". "Toda la música tiene ritmo", dijo Apicella. "No hay intros de las melodías que sean sensibleras; vamos directamente al grano, como Jack McDuff".

Si Apicella parece un retroceso, es porque lo es. Tiene unos 30 años, pero no escucha mucho jazz contemporáneo, la mayoría del cual le aburre; hay, dice, "un nivel odioso de histeria improvisada".

En su lugar, prefiere inspirarse en guitarristas de jazz anteriores como Herb Ellis, Wes Montgomery y Kenny Burrell. Y en sus discos, intenta alinearse con músicos que han tocado con titanes del jazz de mediados de siglo. Schwartz, por ejemplo, tocó con Eddie "Lockjaw" Davis y David "Fathead" Newman.

"No tiene unas habilidades extraordinarias, pero toca con gusto y se nota que ha estudiado la tradición de la guitarra", dice Hendrix, que ha colaborado a menudo con Apicella y lo describe como un guitarrista profundamente melódico en la línea de Grant Green.

Apicella empezó a tocar la guitarra relativamente tarde, comprando su primer instrumento en el último año de instituto. Estudió jazz mientras estudiaba en la Universidad de Massachusetts Amherst, donde Yusef Lateef fue su profesor. Y desde que llegó a Nueva York, Apicella ha hecho todo lo posible por buscar a los mayores, aunque, como él dice, "la forma en que los chicos solían aprender ya no existe". Aun así, ha conseguido estudiar con los guitarristas Pat Martino y Dave Stryker, que ha producido dos de los discos de Apicella.

Según Hendrix, Apicella "se ha convertido realmente en alguien importante en estos últimos años". El guitarrista también se ha establecido como educador con sus lecciones de vídeo TrueFire y como instructor en el New York Jazz Workshop.

Pero Apicella parece seguir viéndose principalmente como un estudiante del pasado. En cuanto a futuros álbumes, dijo que le gustaría grabar un homenaje a Jimi Hendrix, así como otro canto a B.B. King, esta vez con un vocalista. DB
https://downbeat.com/news/detail/charlie-apicella-channeling-the-past

www.ironcity.nyc ...

Colaborador / Contributor:  Michel

 

Jack McDuff • Another Real Good'Un

Review by Steve Huey

Another Real Good 'Un is a latter-day Brother Jack McDuff session which finds the organist joined by tenor legend Houston Person, as well as (at various times) alto/tenor saxophonist Ron Bridgewater, trumpeter Cecil Bridgewater, drummers Buddy Williams and Cecil Brooks III, and guitarists Randy Johnston and John Hart. It's one of McDuff's better comeback albums, as he keeps the groove pumping throughout the record, swinging soulfully and interacting nicely with the other soloists. 32 Jazz reissued the session in 1999, Savoy Jazz in 2003.

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Reseña por Steve Huey

Another Real Good 'Un es una sesión de Brother Jack McDuff de los últimos días en la que se encuentra al organista acompañado por la leyenda del tenor Houston Person, así como (en varias ocasiones) el saxofonista Ron Bridgewater, el trompetista Cecil Bridgewater, los bateristas Buddy Williams y Cecil Brooks III, y los guitarristas Randy Johnston y John Hart. Es uno de los mejores álbumes de regreso de McDuff, ya que mantiene el ritmo bombeando a lo largo de todo el disco, balanceando con alma e interactuando bien con los otros solistas. 32 Jazz reeditó la sesión en 1999, Savoy Jazz en 2003.

Reuben Wilson • Organ Blues

Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine

Reuben Wilson was one of many soul-jazz organists to emerge in the late '60s, but he was one of only a handful of new organists from that era to be signed to Blue Note. By that point in the label's history, most of their artists were concentrating on accessible soul-jazz, and while he occasionally strayed outside of the conventions of the genre, Wilson more or less followed their rule. Between 1968 and 1971, he recorded five sessions for the label. None of his records received much acknowledgment at the time, but they were later rediscovered by a new generation of soul-jazz fans, becoming collector's items within acid jazz and soul-jazz revivalist circles.

Wilson began performing professionally in 1962. A native of Mounds, OK, he moved to Pasadena, CA, as a child, where he attended school with such future jazz musicians as Bobby Hutcherson and Herb Lewis. As a teenager, Wilson began to teach himself to play piano, but his attention was diverted by boxing. When he was 17, he moved to Los Angeles and married a nightclub singer, through whom he met a number of professional musicians. Associating with musicians conviced Wilson to return to music. Instead of pursuing the piano, he decided to take up the organ, and it wasn't long before he became a regular at the Caribbean club, where he played with drummer Eddie Williams, guitarist George Freeman, and, eventually, Clifford Scott. He played the L.A. circuit for several years before deciding to try his luck in Las Vegas. That venture proved unsuccessful, so he moved back to L.A., where he struck up a friendship with Richard "Groove" Holmes, an organist who would greatly influence his own style.

In December 1966, Wilson relocated to New York, where he formed the soul-jazz trio the Wildare Express with drummer Tommy Derrick. The Wildare Express lasted about six months, playing venues throughout the East Coast and Detroit, and then Wilson decided to concentrate on more complex variations of hard bop and soul-jazz. Eventually, such respected musicians as Grant Green, Roy Haynes, and Sam Rivers began playing with Wilson. Around the same time, Blue Note offered the organist a contract based on a demo he had sent the label.

On Broadway, Wilson's first album for Blue Note, was a quartet session featuring his old bandmate Derrick and was recorded in October of 1968. It was followed in March of 1969 by Love Bug, which featured contributions from trumpeter Lee Morgan and guitarist Grant Green. His third album, Blue Mode, was cut in December 1969 and offered some of his hottest playing. With his fourth album, 1970's A Groovy Situation, Wilson moved in a commercial direction, much like many of his Blue Note peers. In July of 1971, he recorded Set Us Free, his final album for the label.

Wilson's contract with Blue Note expired after Set Us Free and he moved to Groove Merchant, where he released three albums -- Cisco Kid, Bad Stuff, and The Sweet Life -- during the mid-'70s. Throughout the decade, he also played on sessions by funk, soul, and jazz artists, including a record by the Fatback Band. During the late '70s, he recorded sporadically, eventually retiring from music in the early '80s.

By the late '80s, Wilson's music had been rediscovered by a new generation, listeners who didn't dismiss his records as commercial fluff. Like several of his peers, his late-'60s and '70s records, through sampling, became cornerstones in the newly emerging acid jazz and jazz-rap genres. Soon, his out of print records became collector's items, and his sampled licks were appearing on dancefloors throughout England and parts of New York. Eventually, samples of his records were included on hit albums by A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies, and Nas. In light of all this new attention, Wilson decided to return to performing, and he toured with Guru's Jazzamatazz revue in 1995. He also began writing new material and performing in new groups, including combos he led himself. In 1996, he signed to Hip Bop and released two albums, Live at SOB's and Organ Donor. The following year, he recorded Organic Grooves with Dr. Lonnie Smith and Doug Carn.

https://www.allmusic.com/artist/reuben-wilson-mn0000468218/biography

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Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine

Reuben Wilson fue uno de los muchos organistas de soul-jazz que surgieron a finales de los años 60, pero fue uno de los pocos organistas nuevos de esa época que firmaron con Blue Note. En ese momento de la historia del sello, la mayoría de sus artistas se concentraban en el soul-jazz accesible, y mientras que ocasionalmente se alejaba de las convenciones del género, Wilson más o menos seguía su regla. Entre 1968 y 1971, grabó cinco sesiones para el sello. Ninguno de sus discos recibió mucho reconocimiento en ese momento, pero más tarde fueron redescubiertos por una nueva generación de fanáticos del soul-jazz, convirtiéndose en objetos de colección dentro de los círculos del jazz ácido y del soul-jazz revivalist.

Wilson comenzó a actuar profesionalmente en 1962. Nacido en Mounds, OK, se mudó a Pasadena, CA, cuando era niño, donde asistió a la escuela con futuros músicos de jazz como Bobby Hutcherson y Herb Lewis. De adolescente, Wilson comenzó a aprender a tocar el piano, pero su atención se desvió por el boxeo. A los 17 años, se mudó a Los Ángeles y se casó con un cantante de un club nocturno, a través del cual conoció a varios músicos profesionales. La asociación con músicos convenció a Wilson para que volviera a la música. En lugar de dedicarse al piano, decidió tomar el órgano, y no pasó mucho tiempo antes de convertirse en un habitual en el club del Caribe, donde tocó con el baterista Eddie Williams, el guitarrista George Freeman y, finalmente, Clifford Scott. Jugó en el circuito de Los Ángeles durante varios años antes de decidir probar suerte en Las Vegas. Esa aventura no tuvo éxito, así que regresó a Los Ángeles, donde entabló una amistad con Richard "Groove" Holmes, un organista que influiría enormemente en su propio estilo.

En diciembre de 1966, Wilson se trasladó a Nueva York, donde formó el trío de soul-jazz Wildare Express con el baterista Tommy Derrick. El Wildare Express duró unos seis meses, tocando en lugares de la Costa Este y Detroit, y luego Wilson decidió concentrarse en variaciones más complejas de hard bop y soul-jazz. Eventualmente, músicos tan respetados como Grant Green, Roy Haynes y Sam Rivers comenzaron a tocar con Wilson. Más o menos al mismo tiempo, Blue Note le ofreció al organista un contrato basado en una maqueta que él mismo había enviado al sello.

En Broadway, el primer álbum de Wilson para Blue Note, fue una sesión de cuarteto con su antiguo compañero de banda Derrick y fue grabado en octubre de 1968. Fue seguido en marzo de 1969 por Love Bug, que contó con las contribuciones del trompetista Lee Morgan y el guitarrista Grant Green. Su tercer álbum, Blue Mode, se editó en diciembre de 1969 y ofreció algunas de sus mejores interpretaciones. Con su cuarto álbum, A Groovy Situation, de 1970, Wilson se movió en una dirección comercial, muy parecida a la de muchos de sus colegas de Blue Note. En julio de 1971, grabó Set Us Free, su último álbum para el sello.

El contrato de Wilson con Blue Note expiró después de Set Us Free y se mudó a Groove Merchant, donde lanzó tres álbumes: Cisco Kid, Bad Stuff y The Sweet Life, a mediados de los 70. A lo largo de la década, también tocó en sesiones de artistas de funk, soul y jazz, incluyendo un disco de Fatback Band. A finales de los 70, grabó esporádicamente, y finalmente se retiró de la música a principios de los 80.

A finales de los'80, la música de Wilson había sido redescubierta por una nueva generación, oyentes que no descartaron sus discos como una pelusa comercial. Como varios de sus compañeros, sus discos de finales de los 60 y 70, a través del sampling, se convirtieron en piedras angulares de los nuevos géneros acid jazz y jazz-rap. Pronto, sus discos agotados se convirtieron en objetos de colección, y sus lamidas de muestra aparecieron en pistas de baile por toda Inglaterra y partes de Nueva York. Eventualmente, muestras de sus discos fueron incluidas en álbumes de éxito por A Tribe Called Quest, Us3, Brand New Heavies, y Nas. A la luz de toda esta nueva atención, Wilson decidió volver a actuar, y realizó una gira con la revista Jazzamatazz de Guru en 1995. También comenzó a escribir nuevo material y a tocar en nuevos grupos, incluyendo combos que él mismo dirigía. En 1996, firmó con Hip Bop y lanzó dos álbumes, Live at SOB's y Organ Donor. Al año siguiente, grabó Organic Grooves con el Dr. Lonnie Smith y Doug Carn.

https://www.allmusic.com/artist/reuben-wilson-mn0000468218/biography

Eddie Harris • Live At Fabrik Hamburg 1988

 

eddieharris.com ...

Dave Specter • Speculatin'

 

Guitarist Dave Specter has always straddled the blues / jazz fence with a hip disregard for arbitrary restrictions. On Speculatin', his sixth Delmark CD, Dave has put his distinctive mark on a collection of outstanding instrumental tunes from all corners of these related genres, tossing in a latin beat and some greasy organ in addition to his unmistakable West Side and Texas-inspired blues licks. The result will please all lovers of lean, inspired guitar work and will astound the blues buyer who previously considered instrumentals to be mere CD filler. Speculatin' features nine original compositions and covers of tunes by Charles Earland, The Meters, Dizzy Gillespie and Junior Walker. Dave is accompanied by his working band of Rob Waters, Hammond B3 organ; Harlan Terson, bass; Mike Schlick, drums; and Rich Parenti, tenor sax.

"His funky lines echo the jazz masters, but his grinding single-note work is greasy enough for any Windy City after-hours club." -Guitar Player

"This is easily the best-recorded showcase yet for Specter's classy guitar stylings." - Living Blues

"Quintessentially hip and swinging." - Chicago Tribune

"Specter is indeed 'all that'." - Blues Access

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El guitarrista Dave Specter siempre ha estado a horcajadas en la barrera del blues y el jazz con un desprecio por las restricciones arbitrarias. En Speculatin ', su sexto CD de Delmark, Dave puso su sello distintivo en una colección de canciones instrumentales sobresalientes de todos los rincones de estos géneros relacionados, lanzando un ritmo latino y un órgano grasiento además de su inconfundible West Side y inspirado en Texas. blues lame. El resultado complacerá a todos los amantes del magro, inspirado trabajo de guitarra y asombrará al comprador de blues que anteriormente consideraba que los instrumentos eran solo un relleno de CD. Speculatin cuenta con nueve composiciones originales y versiones de temas de Charles Earland, The Meters, Dizzy Gillespie y Junior Walker. Dave está acompañado por su banda de trabajo de Rob Waters, órgano Hammond B3; Harlan Terson, bajo; Mike Schlick, batería; y Rich Parenti, saxo tenor.

"Sus líneas funky hacen eco a los maestros del jazz, pero su trabajo de una sola nota es lo suficientemente grasiento para cualquier club nocturno de Windy City". -Guitarrista

"Este es fácilmente el escaparate mejor grabado hasta ahora para los estilos de guitarra con clase de Specter". - Living Blues

"Por excelencia la cadera y el swing". - Chicago Tribune

"Espectro es de hecho 'todo eso'". - Acceso Blues

www.davespecter.com ...

Robert Walter • There Goes the Neighborhood

Instrumental soul-jazz-funk never sounded so good! Robert Walter's There Goes The Neighborhood is a timeless collection of soul-drenched, funky jazz tunes spiced up with electronic grooves; the perfect dance or party record for any DJ or host to spin. Bright, vibrant, and never dull, this is what soul music and jazz are all about, getting people to feel, move, and sweat to the lovely rhythms and grooves that pour out of their sound systems.

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¡El soul-jazz-funk instrumental nunca sonó tan bien! There Goes The Neighborhood, de Robert Walter, es una colección intemporal de melodías de jazz con alma y funky, condimentadas con ritmos electrónicos; el disco de baile o de fiesta perfecto para que cualquier DJ o anfitrión lo haga girar. Brillante, vibrante y nunca aburrida, de esto se trata la música soul y el jazz, haciendo que la gente sienta, se mueva y sude con los encantadores ritmos y ritmos que salen de sus sistemas de sonido.

https://www.robertwalter.com/

 

The Three Sounds • Moods

 

The Three Sounds were one of the most popular artists on Blue Note Records during the late '50s and '60s, thanks to their nimble, swinging, blues-inflected mainstream jazz. Since their records sounded interchangeable and their warm, friendly jazz was instantly accessible, many critics dismissed the group at the time as lounge-jazz, but in the '90s, critical consensus agreed that the group's leader, pianist Gene Harris, was an accomplished, unique stylist whose very ease of playing disguised his technical skill. Similarly, his colleagues, bassist Andrew Simpkins and drummer Bill Dowdy, were a deft, capable rhythm section that kept the group in an appealing, bluesy groove. That groove was so appealing that The Three Sounds maintained a large fan following into the late '60s. During the group's prime period -- from their 1958 debut for Blue Note to the departure of Dowdy in 1967 -- The Three Sounds cut an enormous number of records. Many records hit the shelves, while others stayed in the vaults, to be issued at a later date. Through it all, the trio's sound remained essentially the same, with no real dip in quality until the group began to splinter in the late '60s.

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Los Three Sounds fueron uno de los artistas más populares de Blue Note Records a finales de los años 50 y 60, gracias a su ágil, swinging, blues-influenciado por el jazz convencional. Como sus discos sonaban intercambiables y su jazz cálido y amigable era accesible al instante, muchos críticos descartaron al grupo en ese momento como lounge-jazz, pero en los 90, el consenso de la crítica coincidió en que el líder del grupo, el pianista Gene Harris, era un estilista consumado y único cuya gran facilidad para tocar disfrazaba su habilidad técnica. Del mismo modo, sus colegas, el bajista Andrew Simpkins y el baterista Bill Dowdy, eran una sección rítmica hábil y capaz que mantenía al grupo en un atractivo ritmo de blues. Ese ritmo era tan atractivo que The Three Sounds mantuvo una gran afición a finales de los 60. Durante el período de apogeo del grupo, desde su debut en 1958 con Blue Note hasta la salida de Dowdy en 1967, The Three Sounds grabaron un enorme número de discos. Muchos discos llegaron a los estantes, mientras que otros se quedaron en las bóvedas, para ser emitidos en una fecha posterior. A través de todo esto, el sonido del trío permaneció esencialmente igual, sin una verdadera disminución en la calidad hasta que el grupo comenzó a escindirse a finales de los 60.

Soul Message Band • Live at Blue LLama

 

 

A soulful and infectious style crafted around classic organ grooves, and rooted in the tradition of great Hammond B3 organists like Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Charles Earland, Jack McDuff, and "Groove" Holmes.
SMB is founded on the enduring partnership of Chris Foreman, the Chicago-based and nationally celebrated Hammond B3 Jazz Organist, and the always solid drummer, Greg Rockingham, aka "The Rock." Greg and Chris have a 25-year history of collaboration, including groups like the Deep Blue Organ Trio. Mr. Rockingham and Mr. Foreman have an unmistakable chemistry that has taken them from Chicago to Jazz Clubs and Arenas around the world as both headliners and as an opening group for Steely Dan.
The band adds Chicago veteran guitarist, Lee Rothenberg on guitar.
https://ilpresenters.org/soul-message-band/

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Un estilo conmovedor e infeccioso elaborado en torno a ritmos clásicos de órgano y arraigado en la tradición de grandes organistas de Hammond B3 como Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Charles Earland, Jack McDuff y" Groove " Holmes.
SMB se funda en la duradera asociación de Chris Foreman, el organista de Jazz Hammond B3 con sede en Chicago y célebre a nivel nacional, y el siempre sólido baterista Greg Rockingham, también conocido como "The Rock"."Greg y Chris tienen una historia de colaboración de 25 años, incluidos grupos como Deep Blue Organ Trio. El Sr. Rockingham y el Sr. Foreman tienen una química inconfundible que los ha llevado de Chicago a Clubes de Jazz y Estadios de todo el mundo como cabezas de cartel y como grupo de apertura de Steely Dan.
La banda agrega al guitarrista veterano de Chicago, Lee Rothenberg a la guitarra.
https://ilpresenters.org/soul-message-band/


 

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Eddie ''Lockjaw'' Davis & Shirley Scott • Bacalao

When it came to tenor saxophonists, the late organist Shirley Scott had excellent taste. One of the big-toned tenor men she worked with extensively was Stanley Turrentine, whom she married; another was Eddie "Lockjaw" Davis. Recorded in Rudy Van Gelder's New Jersey studio in 1959, Bacalao is among the many solid hard bop/soul-jazz albums that resulted from Davis' association with Scott. The two of them enjoyed an incredibly strong rapport in the late '50s and early '60s, and they are very much in sync on Bacalao (which unites them with bassist George Duvivier, drummer Arthur Edgehill, and two Latin percussion men: Luis Perez and salsa giant Ray Barretto). The presence of Perez and Barretto gives the album some Afro-Cuban appeal, and both of them do well by Davis and Scott -- who are in fine form whether they turn their attention to two James Moody items ("Last Train From Overbrook" and "Dobbin' With Redd Foxx") or well-known pop standards (which include "That Old Black Magic," "Sometimes I'm Happy," "When Your Lover Has Gone," and "Come Rain or Come Shine"). In the liner notes that he wrote for Bacalao in 1959 or 1960, Amiri Baraka (formerly Leroi Jones) describes "Come Rain or Come Shine" and "That Old Black Magic" as "old beat-up tunes"; even back then, those Harold Arlen standards were considered warhorses. But Baraka also goes on to say that Davis and his colleagues revitalize the songs. Organ combo soul-jazz was still new and fresh in 1959, and Scott was helping Davis find new ways to interpret very familiar melodies. Although not quite essential, Bacalao is a rewarding example of Davis' ability to thrive in an organ/tenor setting.

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Cuando se trataba de saxofonistas tenores, la difunta organista Shirley Scott tenía un excelente gusto. Uno de los grandes tenores con los que trabajó extensamente fue Stanley Turrentine, con quien se casó; otro fue Eddie "Lockjaw" Davis. Grabado en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey en 1959, Bacalao es uno de los muchos álbumes sólidos de hard bop/soul-jazz que resultaron de la asociación de Davis con Scott. Los dos disfrutaron de una relación increíblemente fuerte a finales de los 50 y principios de los 60, y están muy sincronizados en Bacalao (que los une con el bajista George Duvivier, el baterista Arthur Edgehill, y dos hombres de percusión latina: Luis Pérez y el gigante de la salsa Ray Barretto). La presencia de Pérez y Barretto le da al disco un cierto atractivo afrocubano, y a ambos les va bien por parte de Davis y Scott - que están en buena forma ya sea que pongan su atención en dos temas de James Moody ("Last Train From Overbrook" y "Dobbin' With Redd Foxx") o en estándares pop muy conocidos (que incluyen "That Old Black Magic", "Sometimes I'm Happy", "When Your Lover Has Gone" y "Come Rain or Come Shine"). En las notas de línea que escribió para Bacalao en 1959 ó 1960, Amiri Baraka (antes Leroi Jones) describe "Come Rain or Come Shine" y "That Old Black Magic" como "viejas melodías desgastadas"; incluso en aquel entonces, esos estándares de Harold Arlen se consideraban caballos de guerra. Pero Baraka también dice que Davis y sus colegas revitalizan las canciones. El soul-jazz en combinación de órganos era todavía nuevo y fresco en 1959, y Scott ayudaba a Davis a encontrar nuevas formas de interpretar melodías muy familiares. Aunque no es esencial, Bacalao es un ejemplo gratificante de la capacidad de Davis para prosperar en un entorno de órgano/tenor.

Rusty Bryant • Returns

Review by S

Rusty Bryant, a veteran R&B tenor player, was somewhat forgotten at the time of his debut Prestige album, but due to the commercial success of this recording, Bryant would record seven more sessions for Prestige during the next five years. Actually, this date is a bit surprising, with Bryant sticking exclusively to alto and sometimes using an electrified model similar to what Lou Donaldson was playing at the time. The music (mostly blues-oriented originals) is enjoyable, with plenty of boogaloos and soulful vamps. In addition to Bryant, the main soloists are guitarist Grant Green, in excellent form, and organist Sonny Phillips.

Artist Biography by Steve Huey

The muscular, groove-oriented tenor of Rusty Bryant was heard to best effect on his funky soul-jazz albums for Prestige in the late '60s and early '70s, though he'd actually been leading bands since the '50s. Born Royal G. Bryant in Huntington, WV, on November 25, 1929, he grew up in Columbus, OH, where he became an important part of the local jazz scene, playing a robust, wailing tenor sax inspired by the likes of Gene Ammons and Sonny Stitt. He first worked as a sideman with Tiny Grimes and Stomp Gordon, and began leading his own bands in 1951. In the mid-'50s, Bryant signed with the Dot label and landed a major R&B hit with "All Night Long," a double-time cover of "Night Train." Bryant toured the country, but his association with Dot only lasted for a few sessions (including some where he attempted to introduce vocalist Nancy Wilson), and he soon returned to Columbus, where he was content to play on a strictly local basis. After around a decade, he returned to recording in 1968 on Groove Holmes' classic That Healin' Feelin', and began leading his own sessions again for Prestige, beginning with 1969's Rusty Bryant Returns, an anomaly where he played a Lou Donaldson-inspired, sometimes-electrified alto. His next few albums -- including Night Train Now!, Soul Liberation, Fire Eater, and Wildfire -- successfully updated his sound for the times, and became cult classics among acid jazz aficionados for their strong, funky grooves. Bryant returned for a couple of albums in the early '80s before settling back into his hometown once again. He passed away on March 25, 1991.

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Revisado por S

Rusty Bryant, un veterano tenor de R&B, fue olvidado en el momento de su álbum debut Prestige, pero debido al éxito comercial de esta grabación, Bryant grabaría siete sesiones más para Prestige durante los próximos cinco años. En realidad, esta fecha es un poco sorprendente, con Bryant pegándose exclusivamente a la contralto y a veces usando un modelo electrificado similar al que Lou Donaldson estaba tocando en ese momento. La música (en su mayoría originales orientados al blues) es agradable, con un montón de boogaloos y vampiros llenos de alma. Además de Bryant, los principales solistas son el guitarrista Grant Green, en excelente forma, y el organista Sonny Phillips.

Biografía del artista por Steve Huey

El tenor musculoso y orientado al groove de Rusty Bryant fue escuchado con el mejor efecto en sus álbumes de soul-jazz funky para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70, aunque en realidad había estado dirigiendo bandas desde los'50. Nacido como Royal G. Bryant en Huntington, WV, el 25 de noviembre de 1929, creció en Columbus, OH, donde se convirtió en una parte importante de la escena del jazz local, tocando un saxo tenor robusto y llorón inspirado por gente como Gene Ammons y Sonny Stitt. Primero trabajó como sideman con Tiny Grimes y Stomp Gordon, y comenzó a dirigir sus propias bandas en 1951. A mediados de los 50, Bryant firmó con el sello Dot y consiguió un gran éxito de R&B con "All Night Long", una versión doble de "Night Train". Bryant recorrió el país, pero su relación con Dot sólo duró unas pocas sesiones (incluyendo algunas en las que intentó presentar a la vocalista Nancy Wilson), y pronto regresó a Columbus, donde se conformó con tocar a nivel estrictamente local. Después de alrededor de una década, volvió a grabar en 1968 en el clásico de Groove Holmes That Healin' Feelin', y comenzó a dirigir sus propias sesiones de nuevo para Prestige, comenzando con Rusty Bryant Returns de 1969, una anomalía en la que tocó una contralto inspirada en Lou Donaldson, a veces electrificada. Sus próximos álbumes - incluyendo Night Train Now, Soul Liberation, Fire Eater y Wildfire - actualizaron con éxito su sonido para la época, y se convirtieron en clásicos de culto entre los aficionados al acid jazz por sus ritmos fuertes y funky. Bryant regresó por un par de álbumes a principios de los'80 antes de volver a su ciudad natal una vez más. Falleció el 25 de marzo de 1991.

The Bahama Soul Club • Sundub Society

 

 

Kicking around for fifteen years in the inter-continental Soul Jazz scene, Portuguese based outfit The Bahama Soul Club treats the audience to purest sunshine on their new album "Sundub Society"! This is the group's sixth studio LP, which finds its spirit on the coasts of the Algarve, where it was recorded.
A commitment to a colourful community and inspired by the blissful energies of the sun drenched coast and the multicultural verve of tattooed wave riders, spiritual seekers, rainbow healers, mystic maidens and dreadlocked beauties, .... and of course the funky smell of sandy flip flops.
Lush arrangements painted with sun-soaked brushes, captivating hangout vibes, shuffling bits of Reggae, woven threads of 70s roots, traditional rhythms and beats and sounds of the South Western Algarve.
Sincere, artistic, full of spirit and definitely unique. No striving for the worldly charts. An album recorded mainly with the local legends, stoned troubadoures, poetic pirates and tough rebels.
The songs were born from a vague idea after the release of "Bohemia After Dawn", the last album on which a few artist friends from the Algarve had already contributed.
There is always a special magic in the neighborhood when sunny midday jams morph to sundown sessions to party-till-dawn skanks. We then just put those jams on tape. So, ten sundubby love songs to 'Oh, those sandy beaches!' The SUNDUB SOCIETY, my lovely family at the End Of The World: Josephine Nightingale, Tiago Saga, Ally Garrido, Naomi Falcon, Cutty Wren, Hedvig Larsson, Chicks On Beer, etc. …  

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Pateando durante quince años en la escena intercontinental del Soul Jazz, el equipo portugués Bahama Soul Club deleita al público con el sol más puro en su nuevo álbum "Sundub Society". Este es el sexto LP de estudio del grupo, que encuentra su espíritu en las costas del Algarve, donde fue grabado.
Un compromiso con una comunidad colorida e inspirada por las energías dichosas de la costa bañada por el sol y el entusiasmo multicultural de los jinetes de olas tatuados, buscadores espirituales, curanderos del arcoíris, doncellas místicas y bellezas con rastas .... y, por supuesto, el olor funky de las chanclas de arena.
Exuberantes arreglos pintados con pinceles bañados por el sol, cautivadoras vibraciones de lugares de reunión, barajando fragmentos de Reggae, hilos tejidos de raíces de los 70, ritmos tradicionales y ritmos y sonidos del suroeste del Algarve.
Sincero, artístico, lleno de espíritu y definitivamente único. Nada de luchar por los gráficos mundanos. Un disco grabado principalmente con las leyendas locales, trovadores apedreados, piratas poéticos y rebeldes rudos.
Las canciones nacieron de una idea vaga después del lanzamiento de "Bohemia After Dawn", el último álbum en el que ya habían contribuido algunos artistas amigos del Algarve.
Siempre hay una magia especial en el vecindario cuando las soleadas mermeladas del mediodía se transforman en sesiones al atardecer para festejar hasta el amanecer. Luego simplemente grabamos esos atascos. Entonces, diez canciones de amor de sundubby para ' ¡Oh, esas playas de arena!'La SOCIEDAD SUNDUB, mi encantadora familia en el Fin del Mundo: Josephine Nightingale, Tiago Saga, Ally Garrido, Naomi Falcon, Cutty Wren, Hedvig Larsson, Chicks On Beer, etc. …

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Freddie Mccoy • Lonely Avenue

 

 

Freddie McCoy, born in New York City in 1932, assembled a big crew to create the soulful canvas of his debut album on Prestige in 1965, Lonely Avenue. The coupling of vibes with trumpet, baritone sax, trombone, organ and guitar proved to be a remarkably flexible unit, both mean/funky and contemplative, which also, perhaps not entirely coincidentally, is a description of Freddie McCoy’s musical personality. The vibraphonist generates a lot heat but at the same time his playing is marked by a relaxed flow. Easygoing fellow but he’s not going to let you eat his lunch. One of few vibraphone players that focused on groove and grease. Yes, there’s a blues-drenched bit of Milt Jackson, without the dazzling technique of the God Of Vibes. And yes, there’s a bit of entertainment value that was inherent to the personality of pioneer Lionel Hampton, but the circus has left town before the roar of the lion. Freddie McCoy was more concerned with the kind of soul time that worked as a magnet for workers from all over the hood. Punch the clock, hurry home, slip into some shiny slacks and let’s hear it for the real mccoy’… Once settled in some upper Harlem joint, they shake their hips, shake their asses, shake their heads in amazement at the sight of this slick dude sweating it out behind that weird steel frame. Mallet boogie.

Plenty of warhorse and pop song for that kind of customer: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. McCoy’s Roëll is a lovely ballad, his take on the Doc Pomus tune Lonely Avenue, best-known through the classic r&b version of Ray Charles, is super-soulful and the album’s crackerjack cookers, Collard Greens and Belly Full Of Greens, would serve well as background tracks for the volatile Ike & Tina Turner. Want some mean greens? Yes please, why not? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy began to play the vibraphone in the Army in 1958 and subsequently played with Kenny Burrell, Johnny “Hammond” Smith, Philly Joe Jones and Doug Watkins. Following his debut, McCoy enjoyed a good stretch on Prestige, which released six albums between 1966 and 1968, focusing more and more on r&b and funk-ish ditties. Before he went off the radar, his last album Gimme Some was released by Cobblestone in 1971. Freddie McCoy was also a flight instructor who owned his own plane. No doubt he made some soulful maneuvers in that little booger.

Freddie McCoy passed away in 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/

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Freddie McCoy, nacido en la ciudad de Nueva York en 1932, reunió a un gran equipo para crear el lienzo conmovedor de su álbum debut en Prestige en 1965, Lonely Avenue. El acoplamiento de vibraciones con trompeta, saxo barítono, trombón, órgano y guitarra demostró ser una unidad notablemente flexible, tanto mezquina/funky como contemplativa, que también, quizás no por casualidad, es una descripción de la personalidad musical de Freddie McCoy. El vibrafonista genera mucho calor pero al mismo tiempo su forma de tocar está marcada por un flujo relajado. Un tipo tranquilo, pero no te dejará comer su almuerzo. Uno de los pocos reproductores de vibráfonos que se centró en el groove y la grasa. Sí, hay un poco de Milt Jackson empapado de blues, sin la deslumbrante técnica del Dios de las Vibraciones. Y sí, hay un poco de valor de entretenimiento inherente a la personalidad del pionero Lionel Hampton, pero el circo se fue de la ciudad antes del rugido del león. Freddie McCoy estaba más preocupado por el tipo de tiempo del alma que funcionaba como un imán para los trabajadores de todo el barrio. Pon el reloj, apúrate a casa, ponte unos pantalones brillantes y escuchémoslo por el verdadero Mccoy' Once Una vez instalados en alguna articulación del alto Harlem, sacuden las caderas, sacuden el trasero, sacuden la cabeza asombrados al ver a este tipo resbaladizo sudando detrás de ese extraño marco de acero. Mallet boogie.

Mucho caballo de batalla y canciones pop para ese tipo de cliente: When Sunny Gets Blue, Willow Weep For Me, Harlem Nocturne, Feeling Good. Roëll de McCoy es una balada encantadora, su versión de la melodía de Doc Pomus Lonely Avenue, más conocida a través de la versión clásica de r&b de Ray Charles, es súper conmovedora y las cocinas crackerjack del álbum, Berza y Barriga Llena de Verduras, servirían bien como pistas de fondo para los volátiles Ike y Tina Turner. ¿Quieres algunos mean greens? Sí, por favor, ¿por qué no? Beats crème bruleé.

Freddie McCoy comenzó a tocar el vibráfono en el Ejército en 1958 y posteriormente tocó con Kenny Burrell, Johnny "Hammond" Smith, Philly Joe Jones y Doug Watkins. Tras su debut, McCoy disfrutó de un buen tramo en Prestige, que lanzó seis álbumes entre 1966 y 1968, centrándose cada vez más en canciones de r&b y funk. Antes de desaparecer del radar, Cobblestone lanzó su último álbum Gimme Some en 1971. Freddie McCoy también era instructor de vuelo y dueño de su propio avión. Sin duda hizo algunas maniobras conmovedoras en ese pequeño moco.

Freddie McCoy falleció en 2009.
http://flophousemagazine.com/2019/02/18/freddie-mccoy-lonely-avenue-prestige-1965/

Lou Donaldson • Sophisticated Lou