Horace Silver • In Pursuit Of The 27th Man

 

David McCallum • Music It's Happening Now

 

Herbie Mann • Rhino Hi - Five Herbie Mann

 

Phil Moore Jr. • Right On

 

America pianist.
Son of pianist Phil Moore

Jan Korinek • Groovin' For Little V

 

Tecladista checoslovaco, siguiendo las tradiciones del ácido jazz original, blues y funky 60.-70.

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Czechoslovakian keyboardist, following the traditions of original acid jazz, blues and 60s-70s funk.

Brother Jack McDuff • That's The Way I Feel About It

Review by Richard S. Ginell
At times, McDuff demonstrates how soul-jazz organ stars used to make albums back in their '60s heyday, playing then-current pop hits like "The Age of Aquarius" and the theme from Mission: Impossible (which, thanks to cinema, was a hit all over again in 1996 when this CD was made). We also hear McDuff trying out his vocal cords for the first time on Louis Jordan's "Saturday Night Fish Fry"; actually, he merely talks the lyrics over the rhythm section -- and at 70, he's entitled to this charming lark. Otherwise, this is another fine, home-cookin' soul-jazz session, with McDuff's Hammond B-3 burning at its usual low-intensity, high-blues-content level. Chris Potter dances around the organ on flutes, Andrew Beals and Jerry Weldon offer solid solos on alto and tenor respectively, and the rest of the Heatin' System runs the gamut from Latin to soul-deep grooves. Fans of the genre can buy with peace of mind.
https://www.allmusic.com/album/thats-the-way-i-feel-about-it-mw0000024437

 

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Reseña de Richard S. Ginell
A veces, McDuff demuestra cómo las estrellas del órgano de soul-jazz solían hacer álbumes en su apogeo de los 60, tocando éxitos pop de entonces como "The Age of Aquarius" y el tema de Mission: Imposible (que, gracias al cine, volvió a ser un éxito en 1996, cuando se hizo este CD). También oímos a McDuff probar sus cuerdas vocales por primera vez en "Saturday Night Fish Fry" de Louis Jordan; en realidad, se limita a pronunciar la letra sobre la sección rítmica, y a sus 70 años tiene derecho a esta encantadora broma. Por lo demás, esta es otra buena sesión de soul-jazz casero, con el Hammond B-3 de McDuff ardiendo a su habitual nivel de baja intensidad y alto contenido de blues. Chris Potter baila alrededor del órgano con las flautas, Andrew Beals y Jerry Weldon ofrecen sólidos solos con el alto y el tenor respectivamente, y el resto del Heatin' System recorre toda la gama desde los ritmos latinos hasta los más profundos del soul. Los fans del género pueden comprar con tranquilidad.
https://www.allmusic.com/album/thats-the-way-i-feel-about-it-mw0000024437

 

Jared Gold • Out Of Line

 

Fasten your seat belts and get ready to take a trip when organist Jared Gold goes "Out Of Line" on his third record for Posi-Tone. Also along for the wild ride are the capable stylings of guitarist Dave Stryker, the dulcet tones of saxophonist Chris Cheek, and the explosive metrics of drummer Mark Ferber.
https://www.posi-tone.com/jared-gold/out-of-line.html

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Abróchense los cinturones y prepárense para un viaje cuando el organista Jared Gold se ponga "fuera de línea" en su tercer disco para Posi-Tone. Además, el guitarrista Dave Stryker, el saxofonista Chris Cheek y el baterista Mark Ferber se encargan de la ejecución de los temas.
https://www.posi-tone.com/jared-gold/out-of-line.html

www.jaredgoldb3.com ...

 

Shirley Scott-Don Patterson-Lockjaw Davis • Stompin'

 

Bradley Leighton • Back To The Funk

Bradley Leighton’s musical interests have always been diverse.  As a young man, he loved big band music, particularly Maynard Ferguson, Stan Kenton and Woody Herman. Yet he also found himself drawn to the R&B sounds of Tower of Power, Earth Wind and Fire, and, the Brecker Brothers.
Although his first fascination was the player piano, he soon started playing the flute, becoming very involved in school bands and with learning the classical literature.  Then, after considerable listening, and practicing; Bradley’s interest in Jazz and blues led him to hanging out at after-hours clubs in his native Seattle, where he first surprised, and pleased, such local legends as T McGee, Terry Camon, Leri Carter, Billy Haddon, and Mel Washington.
Having mentors both assist and encourage Bradley, and a true love of performing, served as the catalysts for his decision to pursue a career in music. Immediately after high school, he seized an opportunity by enlisting and playing in the Army’s 9th Infantry Division band at Ft. Lewis, Washington. When his talent quickly became obvious, he was appointed musical director of the jazz ensemble. A tour with the 8th Army band in Seoul, Korea soon followed. Bradley remained in Seoul after his discharge several years later to teach, and perform in the country’s only Jazz bar.
But after realizing that the only place to really utilize his musical expertise was the land of his birth, Bradley returned to Seattle for more professional opportunities. By now, an accomplished musician and teacher, he spent the next fifteen years playing in rhythm and blues bands, Hammond organ trios, funk dance bands and straight-ahead jazz groups. He also taught privately, working with encouraging young musicians, just as his Seattle mentors had done for him.
At the same time, he focused on developing his own sound on the flute. His approach was born in his big band roots, where accomplished reedman took their saxophone experience to the flute. Inspired by such legends as Frank Wess and Sam Most, Bradley found that the alto flute was the best vehicle for his creativity.
During this period, he worked in bands that accompanied such legendary artists as Bobby McFerrin, Clark Terry, Dizzy Gillespie and others in addition to jamming and playing with many of the local musicians.  He became Seattle’s first call jazz flutists, and developed a reputation as one of the leading players in the area.
After moving to San Diego in 2001, Bradley started work on his first CD, “Grooveyard” which was released in 2003 to excellent reviews from the jazz world. Five subsequent projects ranging from straight-ahead jazz to R&B, Funk, Pop and Christmas music reinforce his reputation as a player who can and will play from any genre that interests him and his fans.
In addition to recording and performing, Bradley Leighton has continued to share his knowledge and enthusiasm of music as a clinician and teacher. Besides private lessons, he leads workshops for musicians of all skill levels, including, “Improvisation for the Classically Trained Flutist,” and “Music For Life – Improvisation for the Adult Amateur Musician.”
Bradley Leighton performs weekly at Seaport Village in downtown San Diego, California, as well as at other venues in and around San Diego County. He’s also available for clinics, and in performance with his Duo, Quartet and Sextet, as well as a soloist with big bands and orchestras.
https://bradleyleighton.com/long-bio/

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Los intereses musicales de Bradley Leighton siempre han sido diversos.  De joven, le gustaba la música de las grandes bandas, en particular Maynard Ferguson, Stan Kenton y Woody Herman. Sin embargo, también se vio atraído por los sonidos R&B de Tower of Power, Earth Wind and Fire y los Brecker Brothers.
Aunque su primera fascinación fue el piano, pronto empezó a tocar la flauta, involucrándose en bandas escolares y en el aprendizaje de la literatura clásica.  Después de escuchar y practicar mucho, el interés de Bradley por el jazz y el blues le llevó a frecuentar clubes de after-hours en su Seattle natal, donde sorprendió y complació por primera vez a leyendas locales como T McGee, Terry Camon, Leri Carter, Billy Haddon y Mel Washington.
Tener mentores que ayuden y animen a Bradley, y un verdadero amor por la actuación, sirvieron como catalizadores para su decisión de seguir una carrera en la música. Inmediatamente después de la escuela secundaria, aprovechó la oportunidad de alistarse y tocar en la banda de la 9ª División de Infantería del Ejército en Ft. Lewis, Washington. Cuando su talento se hizo evidente, fue nombrado director musical del conjunto de jazz. Una gira con la banda del 8º Ejército en Seúl, Corea, pronto le siguió. Bradley permaneció en Seúl después de su baja varios años más tarde para enseñar y actuar en el único bar de Jazz del país.
Pero después de darse cuenta de que el único lugar donde realmente podía utilizar su experiencia musical era su tierra natal, Bradley regresó a Seattle para tener más oportunidades profesionales. Ya como músico y profesor consumado, pasó los siguientes quince años tocando en bandas de rhythm and blues, tríos de órgano de Hammond, bandas de baile funk y grupos de jazz de vanguardia. También enseñó en privado, trabajando con jóvenes músicos animadores, tal y como sus mentores de Seattle habían hecho por él.
Al mismo tiempo, se centró en desarrollar su propio sonido en la flauta. Su enfoque nació en las raíces de su gran banda, donde el consumado Reedman llevó su experiencia con el saxofón a la flauta. Inspirado por leyendas como Frank Wess y Sam Most, Bradley descubrió que la flauta alta era el mejor vehículo para su creatividad.
Durante este período, trabajó en bandas que acompañaron a artistas legendarios como Bobby McFerrin, Clark Terry, Dizzy Gillespie y otros, además de tocar con muchos de los músicos locales.  Se convirtió en el primer flautista de jazz de Seattle, y desarrolló una reputación como uno de los principales jugadores en el área.
Después de mudarse a San Diego en 2001, Bradley comenzó a trabajar en su primer CD, "Grooveyard", que fue lanzado en 2003 con excelentes críticas del mundo del jazz. Cinco proyectos posteriores que van desde el jazz directo a la música de R&B, Funk, Pop y Navidad refuerzan su reputación como un músico que puede y quiere tocar de cualquier género que le interese a él y a sus fans.
Además de grabar y actuar, Bradley Leighton ha seguido compartiendo su conocimiento y entusiasmo por la música como clínico y profesor. Además de las clases particulares, dirige talleres para músicos de todos los niveles, incluyendo, "Improvisación para el flautista de formación clásica" y "Música para la vida - Improvisación para el músico amateur adulto".
Bradley Leighton se presenta semanalmente en Seaport Village en el centro de San Diego, California, así como en otros lugares del condado de San Diego y sus alrededores. También está disponible para clínicas, y en presentaciones con su Dúo, Cuarteto y Sexteto, así como solista con grandes bandas y orquestas.
https://bradleyleighton.com/long-bio/

 

 

 

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VA • Blue Note 101 Jazz And Coffee

 

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Lonnie Gasperini Organ Trio • North Beach Blues

By ELLIOTT SIMON
March 17, 2008
https://www.allaboutjazz.com/north-beach-blues-lonnie-gasperini-doodlin-records-review-by-elliott-simon.php

The Hammond B3 was originally developed to replace pipe organs and luckily for B3 jazz trio lovers it caught on as a less expensive alternative for African- American churches. Its power chords and subtle note caresses, built-in bass pedals and funky sound when combined with a guitarist and drummer eventually spawned the soul jazz genre. From the opening sounds of North Beach Blues it is obvious that Lonnie Gasperini is a B3 player who is heavy on the funk. His big sound meshes exceedingly well with guitarist Masami Ishikawa and drummer Mark Teixeira to make this live gig cook.

Gasperini's roots are in rock and there is a decided rockish edge to some of these tunes, most notably originals like "Can You Hear Me Now?," but he also ably plays the blues, Latin and gospel all the while laying on generous helpings of funky chords and bass lines. His appreciation for the genre is apparent on "The Doctor," a funky piece that pays homage to Gasperini's mentor Dr. Lonnie Smith, and "One for McGriff," a breezily soulful paean to organist Jimmy McGriff. Three of Smith's tunes are also featured here: the Latin funk of "Hola Muneca"; the delightfully greasy burner "Keep Talkin"; and the beautifully bluesy "Mama Wailer."

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Por ELLIOTT SIMON

17 de marzo de 2008

https://www.allaboutjazz.com/north-beach-blues-lonnie-gasperini-doodlin-records-review-by-elliott-simon.php

El Hammond B3 se desarrolló originalmente para reemplazar los órganos de la tubería y, afortunadamente, para los amantes del trío de jazz B3, se convirtió en una alternativa menos costosa para las iglesias afroamericanas. Sus acordes de poder y sus sutiles caricias de notas, los pedales de bajos incorporados y el sonido funky cuando se combinan con un guitarrista y un baterista finalmente engendraron el género del soul jazz. Desde los sonidos de apertura de North Beach Blues, es obvio que Lonnie Gasperini es un jugador de B3 que es pesado en el funk. Su gran sonido se confunde extremadamente bien con el guitarrista Masami Ishikawa y el baterista Mark Teixeira para hacer este concierto en vivo.

Las raíces de Gasperini están en el rock y hay una decidida ventaja rocosa en algunas de estas melodías, sobre todo en los originales como "Can You Hear Me Now?", Pero también toca hábilmente el blues, el latín y el evangelio al mismo tiempo que brinda generosas ayudas de Acordes funky y líneas de bajo. Su apreciación por el género es evidente en "The Doctor", una pieza extravagante que rinde homenaje al Dr. Lonnie Smith, mentor de Gasperini, y "One for McGriff", un himno muy alegre al organista Jimmy McGriff. Tres de las canciones de Smith también se presentan aquí: el funk latino de "Hola Muneca"; el quemador deliciosamente grasiento "Keep Talkin"; y la bellamente blues "Mama Wailer".

Marv Jenkins • A Tribute To My People

 

Best known as a pianist, Marvin Jenkins (1932-2005) was also a skilled flute player, tenor saxophonist, organist and a proficient composer. In the early 60s, in addition to working with guitarist Barney Kessels quartet, he recorded three excellent piano trio albums as leader.

The first, Marv Jenkins Arrives (1960), an auspicious debut on the small Los Angeles label Orovox, moved a&r Neal Hefti to sign him for Reprise Records, where he recorded A Tribute to My People (1961), and Good Little Man (1962). Bassists Jack Bruce and Stanley Gilbert and drummer Kenny Dennis contributed to the good groove achieved on both.

Jenkins touch was heavy and swinging, funky without being trite. Despite naming Erroll Garner and Oscar Peterson as influences, he sounded like neither. The twelve selections of the fourth album in this set, Big City, produced by Palomar Records in 1965, served as good vehicles for his talents as pianist, singer and composer, in a groovy session backed by some West Coast jazz stalwarts. That year, still with Palomar, he had a hit single, Ive Got the Blues, added here as a bonus.

Jenkins was an underrated jazzman who spent 25 years of his career as an accompanist to singer/actress Della Reese, and is best known today for his piano work on Marvin Gayes classic 1973 recording Lets Get It On.

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Más conocido como pianista, Marvin Jenkins (1932-2005) fue también un hábil flautista, saxofonista tenor, organista y compositor competente. A principios de los 60, además de trabajar con el cuarteto del guitarrista Barney Kessels, grabó tres excelentes álbumes de trío de piano como líder.

El primero, Marv Jenkins Arrives (1960), un auspicioso debut en el pequeño sello de Los Ángeles, Orovox, movió a a&r Neal Hefti a contratarlo para Reprise Records, donde grabó A Tribute to My People (1961), y Good Little Man (1962). Los bajistas Jack Bruce y Stanley Gilbert y el baterista Kenny Dennis contribuyeron al buen ritmo logrado en ambos.

El toque de Jenkins era pesado y swing, funky sin ser trillado. A pesar de nombrar a Erroll Garner y Oscar Peterson como influencias, no sonaba como ninguno de los dos. Las doce selecciones del cuarto álbum de este conjunto, Big City, producido por Palomar Records en 1965, sirvieron como buenos vehículos para sus talentos como pianista, cantante y compositor, en una sesión groovy respaldada por algunos estandartes del jazz de la costa oeste. Ese año, aún con Palomar, tuvo un single de éxito, Ive Got the Blues, añadido aquí como un bonus.

Jenkins fue un jazzista subestimado que pasó 25 años de su carrera como acompañante de la cantante y actriz Della Reese, y es más conocido hoy en día por su trabajo de piano en el clásico de Marvin Gayes de 1973, Lets Get It On.

Jimmy Smith • Goldfinger [Live]

 

 

 

Vito Di Modugno • Organ Trio

 

www.vitodimodugno ...

VA • Blue Note 101 Cocktail Jazz

 

Milt Buckner • Please Mr. Organ Player

Milton Brent Buckner was born in St. Louis on July 19, 1915. His little brother Ted, who should not be confused with their distant relative, Texas born trumpeter Teddy Buckner, was destined to become a saxophonist with the Jimmie Lunceford Orchestra (where he actually recorded with Teddy in 1939) and an R&B and Motown sessionman. Milt's parents, who encouraged him to learn to play piano, both died when he was nine years old. The two orphans were sent to Detroit where they were adopted by members of the Earl Walton Orchestra; Milt studied piano from age ten to thirteen with his uncle John Tobias (Walton's trombonist), and began writing arrangements for the band at the age of fifteen. While studying at the Detroit Institute of Arts he performed with Mose Burke & the Dixie Whangdoodles and the Harlem Aristocrats. After drummer and bandleader Don Cox hired him in 1932, Buckner began to develop a uniquely percussive technique employing parallel tonal patterns, later referred to as "block chords," a style now associated with Oscar Peterson and George Shearing. During the '30s Buckner also worked in groups led by Jimmy Raschelle, Lanky Bowman, and Howard Bunts. His first big break came in 1941 when he became Lionel Hampton's staff arranger and assistant director. His predilection for rocking rhythms and boogie-woogie fit nicely with Hamp's approach to entertainment. Buckner worked with Hampton during the years 1941-1948 and 1950-1952.

Buckner's earliest recordings survive as a set of piano solos etched into Presto transcription acetates cut on the last day of August 1941. His next appearance in a studio was as a member of a small group led by Lionel Hampton backing young Dinah Washington on her recording debut in December 1943; these feisty, blues based performances were made available to the public on Harry Lim's Keynote label. In 1945 Buckner made records with saxophonist Herbie Fields, Ellington crooner Herb Jeffries and R&B shouter Wynonie Harris, including Harris' smash hit, a cover of Lionel Hampton and Curley Hamner's highly successful "Hey! Ba-Ba-Re-Bop." In 1946 he made the first of a series of recordings with a group variously billed as the Beale Street Boys, the Beale Street Gang, and the Hot Shots. Over the next three years Buckner led a series of dates for the Savoy label. In 1949 he made records with a big band for MGM, sat in on an Eddie Condon Floorshow with drummer Buddy Rich and tap-dancer Baby Laurence on NBC TV, and conducted Teddy Stewart's Orchestra behind Dinah Washington on a date for Mercury records.

In 1950 Buckner recorded with the Three Flames for MGM, with singer Florence Wright for National, with Wynonie Harris for Vogue records, with Rufus Thomas ("Mr. Swing") for the Bullet label in Memphis, and with vocalist Mabel Scott and saxophonists Eddie "Cleanhead" Vinson, Buddy Tate and Wild Bill Moore for King. It was during the Moore session that Buckner first switched from piano to organ. He trundled it out again in Houston TX during the spring of 1952 while backing vocalist Sonny Parker with Gladys Hampton's Blue Boys for Peacock records. Milt recorded for the Scooter, Regent and Brunswick labels, and jammed with saxophonist Charlie Parker in 1953 at the bandbox in New York City. He sat piano for the Imperials (with Willie Dixon playing bass) on a Great Lakes session that took place in Detroit during the spring of 1954. Buckner also visited Philadelphia over the summer to record a few tunes with guitarist Big Ham Williams and drummer Sam Woodyard which were issued on 20th Century records, a subsidiary of the Gotham label.

Milt Buckner was a Capitol recording artist from April 1955 through July 1957, sharing the studio with saxophonists Earle Warren and Sam Taylor, guitarists Everett Barksdale and Skeeter Best, bassist Milt Hinton and drummers Osie Johnson and Shadow Wilson. He taped his first Argo LP in New York in December 1959 with guitarist Kenny Burrell and bassist Joe Benjamin. More Argo sessions came together in Chicago in 1960 and 1961, and he had dealings with the Bethlehem label in Cincinnati in 1962 and 1963. In March 1966 a performance with saxophonist Illinois Jacquet was taped live at Lennie's on the turnpike in West Peabody, MA and subsequently released on the Cadet label.

Like many U.S. jazz musicians who struggled at home and did better abroad, Milt Buckner clearly preferred the cultural and vocational climate in Europe. Over the 11 years that remained in his life, he only returned to North America for brief concert and club bookings — five times to the U.S. and twice to Canada. Beginning in 1966 with his first Parisian session in the company of Illinois Jacquet and trumpeter Roy Eldridge, Buckner's discography indicates a more stable working environment involving skilled musicians and appreciative audiences. Milt Buckner's final decade of professional activity is mostly measured in recordings issued on the Black & Blue label, with the exception of a few Prestige, Jazz Odyssey and Riff releases.

Buckner made music in Paris, Villingen, Boulogne, Cologne, Antwerpen, Lausanne, Biarritz, Barcelona, Toulouse, London, Herouville, Valauris, Besancon, Geneva, Salon, Yverdon, Nice, Scheveningen and Leiden. His session mates included multi-instrumentalist Clarence "Gatemouth" Brown, trumpeters Buck Clayton, Joe Newman, Johnny Letman and Bill Coleman; trombonist Gene "Mighty Flea" Connors; saxophonists Ben Webster, Candy Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer, Lucky Thompson, Big Nick Nicholas, Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw" Davis and Illinois Jacquet; pianists André Persiany, Jean-Paul Amouroux and Jay McShann; guitarist Al Casey; bassists Milt Hinton, Major Holley and Roland Lobligeois as well as vocalists Jodie Drake, Little Mary Anglade and Big Joe Turner. Buckner's last studio session took place in Paris on July 4, 1977. Three weeks later, on Wednesday July 27, he collapsed and died after setting up his Hammond organ in preparation for a performance with Illinois Jacquet at the Jazz Showcase in Chicago.

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Milton Brent Buckner nació en St. Louis el 19 de julio de 1915. Su hermano pequeño Ted, que no debe confundirse con su pariente lejano, el trompetista Teddy Buckner, nacido en Texas, estaba destinado a ser saxofonista de la Orquesta Jimmie Lunceford (donde en realidad grabó con Teddy en 1939) y un sesionista de R&B y Motown. Los padres de Milt, que lo animaron a aprender a tocar el piano, murieron cuando tenía nueve años. Los dos huérfanos fueron enviados a Detroit donde fueron adoptados por miembros de la Earl Walton Orchestra; Milt estudió piano desde los diez a los trece años con su tío John Tobias (el trombonista de Walton), y comenzó a escribir arreglos para la banda a la edad de quince años. Mientras estudiaba en el Instituto de Artes de Detroit actuó con Mose Burke & the Dixie Whangdoodles y los Harlem Aristocrats. Después de que el baterista y director de la banda Don Cox lo contrató en 1932, Buckner comenzó a desarrollar una técnica de percusión única que empleaba patrones tonales paralelos, más tarde conocidos como "acordes de bloque", un estilo que ahora se asocia con Oscar Peterson y George Shearing. Durante los años 30, Buckner también trabajó en grupos dirigidos por Jimmy Raschelle, Lanky Bowman y Howard Bunts. Su primera gran oportunidad llegó en 1941 cuando se convirtió en el arreglador y asistente de dirección de Lionel Hampton. Su predilección por los ritmos de rock y el boogie-woogie encajaba bien con el enfoque de Hamp en el entretenimiento. Buckner trabajó con Hampton durante los años 1941-1948 y 1950-1952.

Las primeras grabaciones de Buckner sobreviven como un conjunto de solos de piano grabados en acetatos de transcripción Presto cortados el último día de agosto de 1941. Su siguiente aparición en un estudio fue como miembro de un pequeño grupo liderado por Lionel Hampton que apoyaba a la joven Dinah Washington en su debut discográfico en diciembre de 1943; estas actuaciones de lucha, basadas en el blues, se pusieron a disposición del público en el sello Keynote de Harry Lim. En 1945 Buckner grabó con el saxofonista Herbie Fields, el cantante de Ellington Herb Jeffries y el gritador de R&B Wynonie Harris, incluyendo el gran éxito de Harris, una portada de Lionel Hampton y el muy exitoso "Hey! Ba-Ba-Re-Bop" de Curley Hamner. En 1946 hizo la primera de una serie de grabaciones con un grupo llamado Beale Street Boys, Beale Street Gang y Hot Shots. Durante los siguientes tres años Buckner lideró una serie de fechas para el sello Savoy. En 1949 grabó con una gran banda para MGM, participó en un espectáculo de Eddie Condon Floorshow con el baterista Buddy Rich y el bailarín de claqué Baby Laurence en la NBC TV, y dirigió la Orquesta de Teddy Stewart detrás de Dinah Washington en una cita para Mercury records.

En 1950 Buckner grabó con los Three Flames para MGM, con la cantante Florence Wright para National, con Wynonie Harris para Vogue records, con Rufus Thomas ("Mr. Swing") para el sello Bullet en Memphis, y con la vocalista Mabel Scott y los saxofonistas Eddie "Cleanhead" Vinson, Buddy Tate y Wild Bill Moore para King. Fue durante la sesión de Moore que Buckner cambió por primera vez del piano al órgano. Lo hizo de nuevo en Houston TX durante la primavera de 1952 mientras apoyaba al vocalista Sonny Parker con los discos Blue Boys de Gladys Hampton para Peacock. Milt grabó para los sellos Scooter, Regent y Brunswick, y tocó con el saxofonista Charlie Parker en 1953 en el bandbox de Nueva York. Se sentó al piano para los Imperiales (con Willie Dixon tocando el bajo) en una sesión de los Grandes Lagos que tuvo lugar en Detroit durante la primavera de 1954. Buckner también visitó Filadelfia durante el verano para grabar algunos temas con el guitarrista Big Ham Williams y el baterista Sam Woodyard que fueron publicados en 20th Century records, una subsidiaria del sello Gotham.

Milt Buckner fue un artista de grabación del Capitolio desde abril de 1955 hasta julio de 1957, compartiendo el estudio con los saxofonistas Earle Warren y Sam Taylor, los guitarristas Everett Barksdale y Skeeter Best, el bajista Milt Hinton y los bateristas Osie Johnson y Shadow Wilson. Grabó su primer LP de Argo en Nueva York en diciembre de 1959 con el guitarrista Kenny Burrell y el bajista Joe Benjamin. Más sesiones de Argo se reunieron en Chicago en 1960 y 1961, y tuvo tratos con el sello Bethlehem en Cincinnati en 1962 y 1963. En marzo de 1966 se grabó en directo una actuación con el saxofonista Illinois Jacquet en Lennie's en la autopista de West Peabody, MA, y posteriormente se publicó en el sello Cadet.

Al igual que muchos músicos de jazz de los Estados Unidos que lucharon en su país y se desempeñaron mejor en el extranjero, Milt Buckner claramente prefirió el clima cultural y vocacional de Europa. Durante los 11 años que le quedaban de vida, sólo regresó a América del Norte para hacer breves reservas de conciertos y clubes: cinco veces a los Estados Unidos y dos al Canadá. A partir de 1966, con su primera sesión parisina en compañía de Illinois Jacquet y el trompetista Roy Eldridge, la discografía de Buckner indica un entorno de trabajo más estable en el que participan músicos capacitados y un público agradecido. La última década de actividad profesional de Milt Buckner se mide sobre todo por las grabaciones publicadas en el sello Black & Blue, con la excepción de algunos lanzamientos de Prestige, Jazz Odyssey y Riff.

Buckner hizo música en París, Villingen, Boulogne, Colonia, Amberes, Lausana, Biarritz, Barcelona, Toulouse, Londres, Herouville, Valauris, Besancon, Ginebra, Salón, Yverdon, Niza, Scheveningen y Leiden. Entre sus compañeros de sesión se encontraban el multiinstrumentista Clarence "Gatemouth" Brown, los trompetistas Buck Clayton, Joe Newman, Johnny Letman y Bill Coleman; el trombonista Gene "Mighty Flea" Connors; los saxofonistas Ben Webster, Candy Johnson, Eddie Chamblee, Hal Singer, Lucky Thompson, Big Nick Nicholas, Marcel Zanini, Guy Lafitte, Arnett Cobb, Buddy Tate, Eddie "Lockjaw" Davis y Illinois Jacquet; los pianistas André Persiany, Jean-Paul Amouroux y Jay McShann; el guitarrista Al Casey; los bajistas Milt Hinton, Major Holley y Roland Lobligeois, así como los vocalistas Jodie Drake, Little Mary Anglade y Big Joe Turner. La última sesión de estudio de Buckner tuvo lugar en París el 4 de julio de 1977. Tres semanas después, el miércoles 27 de julio, se desplomó y murió después de montar su órgano Hammond en preparación para una actuación con Illinois Jacquet en el Jazz Showcase de Chicago.

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

Brother Jack McDuff • The Concert McDuff

 

Wynder K. Frog • Out Of The Frying Pan

Originally released in 1968, this is the definitive album from Mr Frog, a.k.a. MickWeaver, described as 'Bolton's answer to BOOKER T.' Jazz-rock organ sounds from the late 60s by this UK band, now much beloved of zoot-suited Mods everywhere.

Mick Weaver - a.k.a. Wynder K. Frog: Keyboardist, appearing on lots of albums by fringe-of-the-blues-musicians of this period: Miller Anderson, The Grease Band, Juicy Lucy, The Butts Band, Keef Hartley, Eric Burdon... Also appeared in constellation of Mason, Wood, Capaldi & Frog, i.e. Dave Mason, Chris Wood and Jim Capaldi, all ex-Traffic. The instrumental Wynder K. Frog albums were recorded in the solid company of Dick Heckstall-Smith, Neil Hubbard, Chris Mercer, Alan Spenner...

"Music just cannot swing and groove any more than this. It is pure, vintage soul/jazz, in particular the Bobby Timmons tune, "This Here". Wynder himself leads the band on organ, and the LP includes some hot versions (of) "Jumping Jack Flash", "Green Door", and "The House That Jack Built".

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Originalmente lanzado en 1968, este es el álbum definitivo de Mr Frog, alias MickWeaver, descrito como `la respuesta de Bolton a BOOKER T.' Jazz-rock sonidos de órgano de finales de los años 60 por esta banda británica, ahora muy amada por los Mods de traje zootécnico de todas partes.

Mick Weaver - alias Wynder K. Frog: Tecladista, apareciendo en muchos álbumes de músicos de este período: Miller Anderson, The Grease Band, Juicy Lucy, The Butts Band, Keef Hartley, Eric Burdon.... También apareció en la constelación de Mason, Wood, Capaldi & Frog, es decir, Dave Mason, Chris Wood y Jim Capaldi, todos ex-Traffic. Los discos instrumentales de Wynder K. Frog fueron grabados en la sólida compañía de Dick Heckstall-Smith, Neil Hubbard, Chris Mercer, Alan Spenner....

"La música no puede balancearse y moverse más que esto. Es soul/jazz puro, vintage, en particular la melodía de Bobby Timmons, "This Here". El propio Wynder dirige la banda en órgano, y el LP incluye algunas versiones calientes (de) "Jumping Jack Flash", "Green Door", y "The House That Jack Built".

King Louie Organ Trio • It's About Time

Review:

A hefty slice of the blues, soul jazz and groove best describes the King Louie Organ Trio.It's a contemporary jazz sound while clearly harking back to the golden era of soul jazz, led by Hammond organist Louis Pain and also features the weighty tones and the funky groove sax wizardry of Renato Caranto bolstered down by two top notch drummers who share track duties on thirteen well crafted cuts.

The 1960s soulful jazz organ era is the overarching influences for this solid contemporary player and the all original compositions reflect this.

Pain shows his natural openess with his excellent trio, reflected in his bouncy, all accommodating and soulful approach, and always with a deft supporting touch

and If you're into the B-3 sound, this is a pretty greasy place to start!

Opening track' Frances J' sets the benchmark,it's a funky little potboiler in the style of Booker T & The MGS, with a brisk and bluesy organ solo reminiscent of the great Jimmy Smith equalled by a blustery and robust sax solo whose imperious tones you can hear through out this album.These guys know a thing or two about great heads and 'Brulie' another little gem, twists and turns over the swinging funk groove of drummer Edwin Coleman , who really is the bus driver of the band - you don't go nowhere unless he puts his foot on the gas! This is strong material with ensemble playing to match.

A fantastic Nola groove kicks in to introduce 'Two Leons In New Orleans' a slinky one chord slice of blessedness with primal sax leading the way again glued together by Louis's spry organ playing and If you like gospel then people get ready for 'Bry-Yen/ I Believe In You'- a joyous unfettered piece of organ righteousness and incidentally my fave on the album.

'Teener' a jumpy funk chestnut powered yet again by groove meister Edwin who gets to wig out on a great band vamp to devastating effect and the swinging light and jazzy 'Big Brothers' offers respite from the heavy grooves with Louis channelling Booker T once more and check out the various tones he gets from his B3 it will warm the cockles of anybody's heart.Next up 'Mel Brown' has a great Grant Green feel to it and second drummer ( Mel Brown!) adds a lighter but just as funky touch and some welcome Greenesque guitar hits its stride with the fab Dan Faehnle putting his four penny worth in.It’s nothing new but that’s probably its best selling point.Whole eras being re-explored, tributes galore, and just some mighty fine playing. No one individual here is the star and yet they are all capable of star-turns. It’s the magic of a great trio at work.These guys are cooking on gas and have knocked up a pretty tasty platter for your delectation!

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Es un sonido de jazz contemporáneo que recuerda claramente a la época dorada del soul jazz, liderado por el organista Louis Pain de Hammond, y que también presenta los tonos pesados y la magia del saxofón funky de Renato Caranto reforzados por dos bateristas de primera clase que comparten las tareas de la pista en trece cortes bien elaborados.

La época de los órganos de jazz de los años 60 es la influencia dominante de este sólido intérprete contemporáneo y todas las composiciones originales lo reflejan.

Pain muestra su apertura natural con su excelente trío, reflejada en su enfoque lleno de vitalidad, todo ello con un toque de apoyo hábil.

y si te gusta el sonido B-3, ¡este es un lugar bastante grasiento para empezar!

El tema de apertura' Frances J' marca la pauta, es una pequeña caldera funky al estilo de Booker T & The MGS, con un solo de órgano enérgico y blues que recuerda al gran Jimmy Smith, igualado por un robusto y tempestuoso solo de saxo cuyos tonos imperiosos puedes escuchar a lo largo de este álbum.Estos chicos saben un par de cosas sobre grandes cabezas y 'Brulie' otra pequeña joya, se retuerce y gira sobre el swinging funk groove del baterista Edwin Coleman , quien realmente es el conductor del autobús de la banda - no vas a ninguna parte a menos que ponga el pie en el acelerador! Este es un material fuerte con un conjunto que toca a la par.

Un fantástico groove de Nola se pone en marcha para presentar 'Two Leons In New Orleans', una rebanada de bendición de un solo acorde con el saxo primario liderando el camino de nuevo pegado por el ágil órgano de Louis y si te gusta el gospel entonces la gente se prepara para 'Bry-Yen/ I Believe In You' - una alegre pieza sin restricciones de justicia de órgano y por cierto mi favorito en el álbum.

Teener' un castaño de funk saltarín alimentado una vez más por el groove meister Edwin, que consigue enloquecer a un gran vampiro de la banda con un efecto devastador y el ligero y jazzístico 'Big Brothers' ofrece un respiro de los ritmos pesados con Louis canalizando Booker T una vez más y comprueba los diversos tonos que obtiene de su B3, que calentará los berberechos del corazón de cualquiera.A continuación 'Mel Brown' tiene un gran toque de Grant Green y el segundo baterista (Mel Brown!) añade un toque más ligero pero igual de funky y alguna guitarra greenesca de bienvenida da su paso con el fabuloso Dan Faehnle poniendo su valor de cuatro peniques. No es nada nuevo, pero ese es probablemente su punto más vendido. Eras enteras que están siendo re-exploradas, tributos en abundancia, y sólo algunos poderosos bien tocados. Ningún individuo aquí es la estrella y sin embargo todos son capaces de hacer giros de estrella. Es la magia de un gran trío en el trabajo. ¡Estos chicos están cocinando a gas y han preparado un sabroso plato para tu deleite!

Tod Vullo • Uh-Huh

 

Tod Vullo was a gifted and versatile jazz guitarist and composer. His ability to adapt to a wide range of styles made him a most sought-after performer. He organized and led the contemporary jazz group Cabo Frio. While recording their first album, Larry Coryell heard Tod and asked him to join his internationally acclaimed guitar trio.
Tod later moved to Houston, Texas and worked extensively with pianist Nat Adderley Jr. and with sax player Kirk Whalum, an association that lasted almost ten years. It was Bob James who heard Kirk Whalum's band and asked them to perform on his 1984 album “Bob James - 12”. He has also appeared with jazz greats such as Joe Sample, Wynton Marsalis, Arnett Cobb, Eddie "Cleanhead" Vinson and Kenny G (2), among others.
After leaving Kirk's band, Tod pursued his first love - straight-ahead jazz. While managing and playing at Houston's Blue Moon Jazz Club, Tod played alongside jazz legends like Ray Brown (12), Gene Harris, Monty Alexander, Emily Remler, Charlie Byrd and Hank Crawford. Sadly his untimely death occurred in 1999.

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Tod Vullo fue un talentoso y versátil guitarrista y compositor de jazz. Su capacidad para adaptarse a una amplia gama de estilos le convirtió en uno de los intérpretes más solicitados. Organizó y dirigió el grupo de jazz contemporáneo Cabo Frío. Durante la grabación de su primer álbum, Larry Coryell escuchó a Tod y le pidió que se uniera a su trío de guitarras, aclamado internacionalmente.
Más tarde, Tod se trasladó a Houston (Texas) y trabajó intensamente con el pianista Nat Adderley Jr. y con el saxofonista Kirk Whalum, una asociación que duró casi diez años. Fue Bob James quien escuchó a la banda de Kirk Whalum y les pidió que actuaran en su álbum de 1984 "Bob James - 12". También ha actuado con grandes del jazz como Joe Sample, Wynton Marsalis, Arnett Cobb, Eddie "Cleanhead" Vinson y Kenny G (2), entre otros.
Tras dejar la banda de Kirk, Tod se dedicó a su primer amor: el jazz directo. Mientras dirigía y tocaba en el Blue Moon Jazz Club de Houston, Tod tocó junto a leyendas del jazz como Ray Brown (12), Gene Harris, Monty Alexander, Emily Remler, Charlie Byrd y Hank Crawford. Lamentablemente, su prematura muerte se produjo en 1999. 

Colaborador / Contributor:  Mich58