Manu Katché • Manu Katché

 

 Drummer Manu Katche blossomed as a contemporary jazz drummer and band leader, emerging in the mid-2000s after having played with his share of popular musicians. Born in Saint Maur Des Fossés, France on October 27, 1958, he studied classical piano at age seven in Paris, and at age 15 enrolled at the Conservatorie Nationale de Paris. He then became a session and concert drummer with a wide range of groups, but in the mid-'80s, Katche's stock rose considerably, thanks to his involvement with the touring and recording projects of Peter Gabriel and Sting. A French debut CD It's About Time was followed by a string of engagements as a backup musician. The impressive roster of artists he has played with include Joni Mitchell, Gloria Estefan, Johnny Hallyday, Michael McDonald, Simple Minds, Afro Celt Sound System, Jeff Beck, Al DiMeola, Tears for Fears, Dire Straits, Jan Garbarek, Loreena McKennitt, Youssou N'Dour, Robbie Robertson, Joe Satriani, Tori Amos, Richard Wright, Julia Fordham, the Bee Gees, Joan Armatrading, Tracy Chapman, Bob James and Hilary James, Gipsy Kings, Anna Marie Jopek, Black Eyed Peas, Kyle Eastwood, and David Lanz. After issuing a demo for the Zildjian cymbal company in 1999, he joined the ECM stable of artists., releasing his breakout recording Neighbourhood, with help from labelmates Jan Garbarek, Tomasz Stanko, and Stanko bandmembers Marcin Wasilewski and Slawomir Kurkiewicz. Katche's ECM follow-up Playground came out in 2007 with assistance from saxophonist Trygve Seim and trumpeter Mathias Eick. Katche has also worked with popular Croatian singer Gibonni on his albums Mirakul (2001) and Unca Fibre (2006). From 2003 to 2007, Katche, producer Dove Attia, composer André Manoukian, and singer Marianne James comprised the judges panel for Nouvelle Star, the French Television version of American Idol. He has performed on film soundtracks Quand Les Etoiles, Le Demenagement, Mookies, Zone Franche, The Professional and For the Love of the Game. Since January 2008, he hosts the monthly program One Shot Not.

www.manu-katche.com ...

Hendrik Meurkens Quartet • A Night In Jakarta

Biography by Scott Yanow

Ever since he started taking harmonica solos in the mid-'50s, Toots Thielemans has been without any close competition on his instrument, at least until Hendrik Meurkens arrived on the scene. Born in Germany to Dutch parents, Meurkens began as a vibraphonist, not playing harmonica until he heard Thielemans when he was 19. He traveled to the U.S. to study at Berklee and spent time in Brazil in the early '80s, during which he immersed himself in Brazilian jazz. Back in Berlin, Meurkens worked in the studios, but also recorded with the Danish Radio Orchestra and had his own jazz group. He made a record in Brazil for the Bellaphon label (1989) and since 1991 has recorded several sets for Concord and Concord Picante as a leader, in addition to appearing on records as a sideman with Charlie Byrd.

https://www.allmusic.com/artist/hendrik-meurkens-mn0000575401/biography

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Biografía de Scott Yanow

Desde que comenzó a tomar solos de armónica a mediados de los años 50, Toots Thielemans ha estado sin ninguna competencia cercana en su instrumento, al menos hasta que Hendrik Meurkens llegó a la escena. Nacido en Alemania de padres holandeses, Meurkens comenzó como vibrafonista, sin tocar la armónica hasta que escuchó a Thielemans cuando tenía 19 años. Viajó a los Estados Unidos para estudiar en Berklee y pasó un tiempo en Brasil a principios de los años 80, durante los cuales se sumergió. en el jazz brasileño. De vuelta en Berlín, Meurkens trabajó en los estudios, pero también grabó con la Orquesta de Radio Danesa y tuvo su propio grupo de jazz. Hizo un disco en Brasil para el sello Bellaphon (1989) y desde 1991 ha grabado varios sets para Concord y Concord Picante como líder, además de aparecer en discos como sideman con Charlie Byrd.

https://www.allmusic.com/artist/hendrik-meurkens-mn0000575401/biography

hendrikmeurkens.com ...

The Modern Jazz Quartet • Third Stream Music

Cory Weeds • Condition Blue, The Music Of Jackie McLean

 

coryweeds.com ...

mikeledonne.net ... 

www.peterbernsteinmusic.com ... 

 www.joefarnsworthdrums.com ... 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

The Three Sounds • Three Moods

 

Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine

The Three Sounds were one of the most popular artists on Blue Note Records during the late '50s and '60s, thanks to their nimble, swinging, blues-inflected mainstream jazz. Since their records sounded interchangeable and their warm, friendly jazz was instantly accessible, many critics dismissed the group at the time as lounge-jazz, but in the '90s, critical consensus agreed that the group's leader, pianist Gene Harris, was an accomplished, unique stylist whose very ease of playing disguised his technical skill. Similarly, his colleagues, bassist Andrew Simpkins and drummer Bill Dowdy, were a deft, capable rhythm section that kept the group in an appealing, bluesy groove. That groove was so appealing that the Three Sounds maintained a large fan following into the late '60s. During the group's prime period -- from their 1958 debut for Blue Note to the departure of Dowdy in 1967 -- the Three Sounds cut an enormous number of records. Many records hit the shelves, while others stayed in the vaults, to be issued at a later date. Through it all, the trio's sound remained essentially the same, with no real dip in quality until the group began to splinter in the late '60s.

Gene Harris was at the center of the Three Sounds throughout its entire existence. A native of Benton Harbor, MI, he began playing piano as a child, performing in public at the age of six. He soon became distracted by boxing and sports, but he continued to perform music, occasionally in a trio with drummer Bill Dowdy. After they graduated from high school in 1951, both Harris and Dowdy joined the Army and were assigned to different units. However, both men were discharged in 1954, and after they left the Army, they began pursuing different musical careers. Harris played with a variety of bands throughout the South and Midwest, while Dowdy moved to Chicago and played with a number of blues and jazz bands. Two years later, both musicians happened to settle in South Bend, IN and decided to form a band called the Four Sounds with bassist Andrew Simpkins and a tenor saxophonist. After running through a number of tenor saxophonists unsuccessfully, the three musicians decided to jettison the horn from their group and become the Three Sounds. For the next two years, the group played regularly at Midwest venues, particularly in Ohio. They played as a trio, and they also supported such soloists as Lester Young and Sonny Stitt. During this time, Horace Silver became a fan of the group and recommended them to Alfred Lion, the head of Blue Note. Despite the good word, the group remained unsigned. They toured with Stitt and relocated to Washington, D.C., where they worked as a trio and as a rhythm section for touring soloists; during this time, they played with such musicians as Miles Davis and Kenny Burrell. In the fall of 1958, they moved to New York to work with Stitt. Shortly after the move, they signed to Blue Note, in addition to supporting Nat Adderley on a Riverside session.

The Three Sounds cut their first album for Blue Note in September of 1958. That record, Introducing the Three Sounds, became an unexpected success among record buyers, and the group's live performances earned fans like Horace Silver, Sonny Stitt, Miles Davis, and Cannonball Adderley, even if critics tended to dismiss the group. In particular, a Down Beat reviewer panned the album, but that didn't stop the public from buying the record, which soon became one of the most popular jazz records of its year. Blue Note had the band re-enter the studio in February of 1959 to cut their second album, Bottoms Up. It was the third of a total of 17 sessions at Rudy Van Gelder's studio (Introducing had taken two sessions to complete). At one point, Harris estimated that the group has released 35 albums worth of material, with many left in the vaults. During their first stint at Blue Note, they released the following, in addition to Introducing and Bottoms Up: Good Deal, Feelin' Good, Moods, Here We Come, It Just Got to Be, Hey There!, Out of This World, and Black Orchid. The Three Sounds also supported such Blue Note artists as Stanley Turrentine and Lou Donaldson on several recording dates.

The Three Sounds continued successfully on Blue Note until 1962, when they switched labels shortly after recording Black Orchid. They cut one album, Blue Genes, for Verve, then moved to Mercury, where they made three records between December 1962 and 1964. Later in 1964, the trio signed to Limelight, where they made three records. In October of 1966, the group returned to Blue Note and recorded Vibrations. Shortly after the sessions, drummer Bill Dowdy left the group and was replaced by Donald Bailey, who made his first recorded appearance with the group on 1967's Live at the Lighthouse. That album was followed in 1968 by Coldwater Flat, an album that found the trio augmenting their sound with a string section. By the time the group returned to the studio in September 1968 to cut Elegant Soul, Bailey was replaced by Carl Burnette. Elegant Soul continued the pattern of smooth, string-heavy productions, as did 1969's Soul Symphony. By the time the group made Soul Symphony, bassist Andrew Simpkins had left the trio and was replaced by Henry Franklin.

Soul Symphony, for most intents and purposes, was the last record the Three Sounds made. They continued to perform live, and one of those concerts is documented on Live at the It Club, a 1970 date which was released in 1995. Later in 1970, Monk Montgomery replaced Franklin, but this version of the Three Sounds never recorded. Instead, Harris embarked on a solo career in 1971, releasing Gene Harris & the Three Sounds, which also featured Burnette and electric bassist Luther Hughes, along with a number of session men. From that point on, Harris concentrated on his solo career, recording for Blue Note over the next six years. Once his contract expired, Harris retired to Boise, ID, where he worked as a musical director at a hotel. Eventually, he returned to music after bassist Ray Brown convinced the pianist to play on an album for Pablo. Harris resumed his solo career in 1985, signing with Concord Jazz. His new albums, combined with CD reissues of classic Three Sounds dates, prompted a positive critical re-evaluation of his music, and he maintained a strong reputation into the late '90s.

https://www.allmusic.com/artist/the-3-sounds-mn0000478633/biography

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Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine

Los Three Sounds fueron uno de los artistas más populares de Blue Note Records a finales de los años 50 y 60, gracias a su ágil, swinging, blues-influenciado por el jazz convencional. Como sus discos sonaban intercambiables y su jazz cálido y amigable era accesible al instante, muchos críticos descartaron al grupo en ese momento como lounge-jazz, pero en los 90, el consenso de la crítica coincidió en que el líder del grupo, el pianista Gene Harris, era un estilista consumado y único cuya gran facilidad para tocar disfrazaba su habilidad técnica. Del mismo modo, sus colegas, el bajista Andrew Simpkins y el baterista Bill Dowdy, eran una sección rítmica hábil y capaz que mantenía al grupo en un atractivo ritmo de blues. Ese ritmo era tan atractivo que los Three Sounds mantuvieron una gran afición a finales de los 60. Durante el período de apogeo del grupo, desde su debut en 1958 con Blue Note hasta la salida de Dowdy en 1967, los Three Sounds grabaron un enorme número de discos. Muchos discos llegaron a los estantes, mientras que otros se quedaron en las bóvedas, para ser emitidos en una fecha posterior. A través de todo esto, el sonido del trío permaneció esencialmente igual, sin una verdadera disminución en la calidad hasta que el grupo comenzó a escindirse a finales de los 60.

Gene Harris estuvo en el centro de los Tres Sonidos durante toda su existencia. Nacido en Benton Harbor, Michigan, empezó a tocar el piano de niño, actuando en público a los seis años. Pronto se distrajo con el boxeo y los deportes, pero continuó tocando música, ocasionalmente en un trío con el baterista Bill Dowdy. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1951, tanto Harris como Dowdy se unieron al ejército y fueron asignados a diferentes unidades. Sin embargo, ambos fueron dados de baja en 1954, y después de dejar el Ejército, comenzaron a seguir carreras musicales diferentes. Harris tocó con una variedad de bandas en todo el sur y el medio oeste, mientras que Dowdy se mudó a Chicago y tocó con varias bandas de blues y jazz. Dos años más tarde, ambos músicos se establecieron en South Bend, IN y decidieron formar una banda llamada Four Sounds con el bajista Andrew Simpkins y un saxofonista tenor. Después de pasar por varios saxofonistas tenores sin éxito, los tres músicos decidieron deshacerse de la trompa de su grupo y convertirse en los Tres Sonidos. Durante los dos años siguientes, el grupo tocó regularmente en lugares del Medio Oeste, particularmente en Ohio. Tocaron como trío, y también apoyaron a solistas como Lester Young y Sonny Stitt. Durante este tiempo, Horace Silver se hizo fan del grupo y los recomendó a Alfred Lion, el jefe de Blue Note. A pesar de la buena noticia, el grupo permaneció sin firmar. Hicieron una gira con Stitt y se trasladaron a Washington, D.C., donde trabajaron como trío y como sección rítmica para solistas de gira; durante este tiempo, tocaron con músicos como Miles Davis y Kenny Burrell. En el otoño de 1958, se mudaron a Nueva York para trabajar con Stitt. Poco después del traslado, firmaron con Blue Note, además de apoyar a Nat Adderley en una sesión de Riverside.

Los Three Sounds grabaron su primer álbum para Blue Note en septiembre de 1958. Ese disco, Introducing the Three Sounds, se convirtió en un éxito inesperado entre los compradores de discos, y las actuaciones en vivo del grupo ganaron fans como Horace Silver, Sonny Stitt, Miles Davis, y Cannonball Adderley, aunque los críticos tendían a descartar al grupo. En particular, un crítico de Down Beat analizó el álbum, pero eso no impidió que el público comprara el disco, que pronto se convirtió en uno de los discos de jazz más populares de su año. Blue Note hizo que la banda volviera al estudio en febrero de 1959 para grabar su segundo álbum, Bottoms Up. Fue el tercero de un total de 17 sesiones en el estudio de Rudy Van Gelder (Introducing había tardado dos sesiones en completarse). En un momento dado, Harris estimó que el grupo había lanzado 35 álbumes con material, y que muchos quedaban en las bóvedas. Durante su primera temporada en Blue Note, lanzaron los siguientes, además de Introducing y Bottoms Up: Good Deal, Feelin' Good, Moods, Here We Come, It Just Got to Be, Hey There!, Out of This World, y Black Orchid. The Three Sounds también apoyó a artistas de Blue Note como Stanley Turrentine y Lou Donaldson en varias fechas de grabación.

Los Tres Sonidos continuaron con éxito en Blue Note hasta 1962, cuando cambiaron de etiqueta poco después de grabar Orquídea Negra. Grabaron un álbum, Blue Genes, para Verve, y luego se trasladaron a Mercury, donde grabaron tres discos entre diciembre de 1962 y 1964. Más tarde, en 1964, el trío firmó con Limelight, donde grabaron tres discos. En octubre de 1966, el grupo volvió a Blue Note y grabó Vibrations. Poco después de las sesiones, el baterista Bill Dowdy dejó el grupo y fue reemplazado por Donald Bailey, quien hizo su primera aparición discográfica con el grupo en 1967 en Live at the Lighthouse. A ese álbum le siguió en 1968 Coldwater Flat, un álbum que encontró al trío aumentando su sonido con una sección de cuerdas. Cuando el grupo volvió al estudio en septiembre de 1968 para grabar Elegant Soul, Bailey fue reemplazado por Carl Burnette. Elegant Soul continuó el patrón de producciones suaves y con cuerdas, como lo hizo la Sinfonía Soul de 1969. Para cuando el grupo hizo la Sinfonía Soul, el bajista Andrew Simpkins había dejado el trío y fue reemplazado por Henry Franklin.

La Sinfonía del Alma, para la mayoría de los intentos y propósitos, fue el último disco que hicieron los Tres Sonidos. Continuaron tocando en vivo, y uno de esos conciertos está documentado en Live at the It Club, una fecha de 1970 que fue lanzada en 1995. Más tarde en 1970, Monk Montgomery reemplazó a Franklin, pero esta versión de los Tres Sonidos nunca se grabó. En su lugar, Harris se embarcó en una carrera en solitario en 1971, lanzando Gene Harris & the Three Sounds, que también contó con Burnette y el bajista eléctrico Luther Hughes, junto con varios hombres de sesión. A partir de entonces, Harris se concentró en su carrera en solitario, grabando para Blue Note durante los siguientes seis años. Una vez que su contrato expiró, Harris se retiró a Boise, ID, donde trabajó como director musical en un hotel. Finalmente, volvió a la música después de que el bajista Ray Brown convenciera al pianista de que tocara en un álbum para Pablo. Harris reanudó su carrera en solitario en 1985, firmando con Concord Jazz. Sus nuevos álbumes, combinados con reediciones de CD de fechas clásicas de Three Sounds, provocaron una positiva reevaluación crítica de su música, y mantuvo una sólida reputación a finales de los 90.

https://www.allmusic.com/artist/the-3-sounds-mn0000478633/biography

Kenny Barron Trio • Minor Blues

 

Review by Ken Dryden

Kenny Barron was honored as an NEA Jazz Master on January 12, 2010, and it was a recognition that was due. Since entering the jazz scene in the early '60s, he has made his mark as a sideman (especially with Dizzy Gillespie and Stan Getz), solo pianist, leader, and composer. These 2009 sessions pair him with frequent collaborator Ben Riley and fellow veteran George Mraz on bass. While most of the focus is on familiar standards, the opener is Barron's slinky "Minor Blues," in which Barron and Mraz both shine backed by Riley's brushwork, though the drummer switches to sticks for his breaks. The leader's jaunty take of "Emily" and driving treatment of "How Deep Is the Ocean?" sizzle. His richly textured setting of "Too Late Now" doesn't require its lyrics to get across the mood of the song, while his breezy Latin arrangement of Billie Holiday's "Don't Explain" casts this ballad in a new light. This is yet another fine example of Kenny Barron's superb chops in a small-group setting.

Biography:

Kenny Barron's unmatched ability to mesmerize audiences with his elegant playing, sensitive melodies and infectious rhythms is what inspired “The Los Angeles Times” to name him “one of the top jazz pianists in the world” and “Jazz Weekly” to call him “The most lyrical piano player of our time.”

Philadelphia is the birthplace of many great musicians, including one of the undisputed masters of the jazz piano: Kenny Barron. Kenny was born in 1943 and while a teenager, started playing professionally with Mel Melvin's orchestra. This local band also featured Barron's brother Bill, the late tenor saxophonist. At age 19, Kenny moved to New York City and was hired by James Moody after the tenor saxophonist heard him play at the Five Spot.

He joined Dizzy Gillespie's band in 1962, where he developed an appreciation for Latin and Caribbean rhythms. After five years with Dizzy, Barron played with Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Milt Jackson, and Buddy Rich. In 1971 he joined Yusef Lateef's band. It is Lateef who Kenny credits as a key influence in his art for improvisation. In 1973 Kenny joined the faculty at Rutgers University as professor of music. He held this tenure until 2000, mentoring many of today's young talents including David Sanchez, Terence Blanchard, and Regina Bell. In 1974 he recorded his first album as a leader for the Muse label, entitled “Sunset To Dawn.” This was to be the first of over 40 recordings (and still counting!) as a leader.

Throughout the 1980's, Kenny collaborated with the great tenor saxophonist Stan Getz, touring with his quartet and recording several albums, one of which was nominated for a Grammy (”People Time”) Also during the 80's, he co-founded the quartet “Sphere,” along with Buster Williams, Ben Riley and Charlie Rouse. This band focused on the music of Thelonious Monk and original compositions inspired by him. Sphere recorded several outstanding projects for the Polygram label, among them “Four For All” and “Bird Songs.” After the death of Charlie Rouse, the band took a 15-year hiatus and reunited, replacing Rouse with alto saxophonist Gary Bartz. This reformation made its debut recording for Verve Records in 1998.

Kenny Barron's own recordings for Verve have earned him five Grammy nominations, most recently for “Spirit Song” in 2000. Prior Grammy nominations went to “Sambao,” “Night and the City” (a duet recording with Charlie Haden) and “Wanton Spirit” (a trio recording with Roy Haynes and Haden.) It is important to note that these three recordings each received double-Grammy nominations (for album AND solo performance.) Barron consistently wins the jazz critics and readers polls, including Downbeat, JazzTimes and Jazziz magazines. He has been named Best Pianist by the Jazz Journalists Association every year since 1997 and was as a finalist in the prestigious 2001 Jazz Par International Jazz Award.

Throughout his career, Kenny Barron has been the pianist of choice for some of jazz's greatest musicians. Now at age 58, whether he is playing solo, with his Trio or his newest ensemble, “Brazilia” (a quintet featuring some of Brazil's greatest musicians), Kenny Barron is now recognized the world over as a master of performance and composition.

https://musicians.allaboutjazz.com/kennybarron

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Reseña de Ken Dryden

Kenny Barron fue honrado como un Maestro de Jazz de NEA el 12 de enero de 2010, y fue un reconocimiento que se le debía. Desde que entró en la escena del jazz a principios de los 60, ha dejado su huella como sideman (especialmente con Dizzy Gillespie y Stan Getz), pianista solista, líder y compositor. Estas sesiones de 2009 lo emparejan con su frecuente colaborador Ben Riley y su compañero veterano George Mraz en el bajo. Mientras que la mayor parte del enfoque está en los estándares familiares, la apertura es el slinky "Minor Blues" de Barron, en el que Barron y Mraz brillan respaldados por la pincelada de Riley, aunque el baterista cambia a los palos para sus descansos. La alegre toma del líder de "Emily" y el tratamiento de conducción de "¿Qué tan profundo es el océano?" chisporrotean. Su rico escenario de "Too Late Now" no requiere que la letra de la canción se adapte al ambiente de la misma, mientras que su alegre arreglo latino de "Don't Explain" de Billie Holiday le da a la balada una nueva luz. Este es otro buen ejemplo de las magníficas habilidades de Kenny Barron en un ambiente de grupo pequeño.

Biografía:

La inigualable habilidad de Kenny Barron para cautivar al público con su elegante forma de tocar, sus sensibles melodías y sus contagiosos ritmos es lo que inspiró al "Los Angeles Times" a nombrarlo "uno de los mejores pianistas de jazz del mundo" y al "Jazz Weekly" a llamarlo "El pianista más lírico de nuestro tiempo".

Filadelfia es la cuna de muchos grandes músicos, incluyendo uno de los maestros indiscutibles del piano de jazz: Kenny Barron. Kenny nació en 1943 y durante su adolescencia comenzó a tocar profesionalmente con la orquesta de Mel Melvin. Esta banda local también contaba con la participación del hermano de Barron, Bill, el fallecido saxofonista tenor. A la edad de 19 años, Kenny se mudó a la ciudad de Nueva York y fue contratado por James Moody después de que el saxofonista tenor lo escuchó tocar en el Five Spot.

Se unió a la banda de Dizzy Gillespie en 1962, donde desarrolló una apreciación por los ritmos latinos y caribeños. Después de cinco años con Dizzy, Barron tocó con Freddie Hubbard, Stanley Turrentine, Milt Jackson y Buddy Rich. En 1971 se unió a la banda de Yusef Lateef. Es a Lateef a quien Kenny atribuye una influencia clave en su arte para la improvisación. En 1973 Kenny se unió a la facultad de la Universidad de Rutgers como profesor de música. Ocupó este puesto hasta el año 2000, siendo mentor de muchos de los jóvenes talentos de hoy en día, incluyendo a David Sánchez, Terence Blanchard y Regina Bell. En 1974 grabó su primer álbum como líder para el sello Muse, titulado "Sunset To Dawn". Esta iba a ser la primera de más de 40 grabaciones (¡y todavía siguen contando!) como líder.

A lo largo de los años 80, Kenny colaboró con el gran saxofonista tenor Stan Getz, haciendo giras con su cuarteto y grabando varios discos, uno de los cuales fue nominado a un Grammy ("People Time") También durante los años 80, co-fundó el cuarteto "Sphere", junto con Buster Williams, Ben Riley y Charlie Rouse. Esta banda se centró en la música de Thelonious Monk y en composiciones originales inspiradas en él. Sphere grabó varios proyectos destacados para el sello Polygram, entre ellos "Four For All" y "Bird Songs". Después de la muerte de Charlie Rouse, la banda se tomó un paréntesis de 15 años y se reunió, reemplazando a Rouse con el saxofonista alto Gary Bartz. Esta reforma hizo su debut grabando para Verve Records en 1998.

Las propias grabaciones de Kenny Barron para Verve le han valido cinco nominaciones al Grammy, la más reciente por "Spirit Song" en el año 2000. Las nominaciones previas al Grammy fueron para "Sambao", "Night and the City" (una grabación a dúo con Charlie Haden) y "Wanton Spirit" (una grabación a trío con Roy Haynes y Haden.) Es importante notar que estas tres grabaciones recibieron cada una nominaciones a los Grammy dobles (para el álbum Y la actuación en solitario.) Barron gana consistentemente las encuestas de los críticos y lectores de jazz, incluyendo las revistas Downbeat, JazzTimes y Jazziz. Ha sido nombrado Mejor Pianista por la Asociación de Periodistas de Jazz cada año desde 1997 y fue finalista del prestigioso premio Jazz Par International Jazz Award 2001.

A lo largo de su carrera, Kenny Barron ha sido el pianista elegido por algunos de los más grandes músicos del jazz. Ahora a la edad de 58 años, ya sea que toque solo, con su Trío o con su más reciente conjunto, "Brazilia" (un quinteto con algunos de los más grandes músicos de Brasil), Kenny Barron es ahora reconocido en todo el mundo como un maestro de la interpretación y la composición.

https://musicians.allaboutjazz.com/kennybarron

kennybarron.com ...

 

The Modern Jazz Quartet • Three Windows

 

Manu Katché • Playground

 

Review by Thom Jurek
Drummer Manu Katche's sophomore effort for ECM is, in some ways, an extension of his nearly brilliant debut Neighbourhood, issued by the label in 2004. The former recording listed such ECM standard bearers as trumpeter Tomasz Stanko and veteran saxophonist Jan Garbarek on the front line and a rhythm section comprised of pianist Marcin Wasilewski and bassist Slawomir Kurkiewicz (from Stanko's group). Playground keeps the rhythm section intact, but Mathias Eick and Trygve Seim, on trumpet and saxophones respectively, make up the front line. While there can be no denying the lyrical power of the former unit, this one feels more like a band. Seim is a leader in his own right, having released three fine recordings under his own name and been part of numerous ECM ensembles. He and Eick played together in Iro Haarla's band for the wonderful Northbound recording. The trumpeter is also an integral part of guitarist Jacob Young's group whose ECM debut, Evening Falls, was one of 2002's best jazz releases. Manfred Eicher likes to keep it in the family when he's producing, and he hasn't been wrong for a long time. This set was recorded in New York, and though it retains the trademark ECM "sound" in some ways, it's warmer, too. Separation and space abound, but the dynamic reach of this group transcends that at times.

Guitarist David Torn helps out on the opener, "Lo," and third cut "Song for Her." Interestingly, they are two of the quieter cuts on the set, and Torn's support work is largely atmospheric. The symbiotic communication between Eick and Seim is something to behold. Drummer Manu Katche's sophomore effort for ECM is, in some ways, an extension of his nearly brilliant debut Neighbourhood, issued by the label in 2004. The former recording listed such ECM standard bearers as trumpeter Tomasz Stanko and veteran saxophonist Jan Garbarek on the front line and a rhythm section comprised of pianist Marcin Wasilewski and bassist Slawomir Kurkiewicz (from Stanko's group). Playground keeps the rhythm section intact, but Mathias Eick and Trygve Seim, on trumpet and saxophones respectively, make up the front line. While there can be no denying the lyrical power of the former unit, this one feels more like a band. Seim is a leader in his own right, having released three fine recordings under his own name and been part of numerous ECM ensembles. He and Eick played together in Iro Haarla's band for the wonderful Northbound recording. The trumpeter is also an integral part of guitarist Jacob Young's group whose ECM debut, Evening Falls, was one of 2002's best jazz releases. Manfred Eicher likes to keep it in the family when he's producing, and he hasn't been wrong for a long time. This set was recorded in New York, and though it retains the trademark ECM "sound" in some ways, it's warmer, too. Separation and space abound, but the dynamic reach of this group transcends that at times.

Guitarist David Torn helps out on the opener, "Lo," and third cut "Song for Her." Interestingly, they are two of the quieter cuts on the set, and Torn's support work is largely atmospheric. The symbiotic communication between Eick and Seim is something to behold. The wonderfully tender ballad "Lo" contains the kind of restraint and reliance on gentleness that's difficult for two horn players -- these days anyway -- to hold together as a unit; one usually comes off sounding more dominant than the other. But Katche's pace, with so many subtle fills, and Wasilewski's bridge between the horns is sturdy and moves the melody forward allowing them to hold steady. There are numerous ballads on this set, which is unusual for a drummer, but Katche is nothing if not a lyrical composer. His subtlety is one of his great strengths -- check the quietly insistent brushed hi hat trills in triple time on "Emotions." "So Groovy" is nothing if not modern-day soul-jazz. A skeletal, funky backbeat with Katche playing breaks everywhere relies heavily on Kurkiewicz's bassline to not only keep the pulse, but also to keep it moving. The head in the tune is loping but stays tight. Eick's solo simmers as Katche's percussion and kit work quietly push him even as Wasilewski fills the space with some angular but in-the-cut chords. "Morning Joy" alternates between improvisational sketch and gently swinging mid-tempo ballad. One has to wonder if the solo drumming at the beginning of "Motion" is not a sort of homage to Paul Motian, it replicates his notion of pulse and swing nearly perfectly while keeping Katche's unique snare work his own. The post-bop head in the tune would also seem to suggest that, but the tune moves over a couple of times into other territory without ever straying from that theme too much, and becomes more harmonically complex as it goes. There is also a beautiful bluesy funk element here, that never leaves the realm of controlled tension, but is so seamless it's easy to initially miss the many changes it undergoes -- and there's a killer little solo by Wasilewski.

"Snapshot" is a modern-day glimpse of the classic Blue Note sound of the early to mid-'60s. The themes and solos (particularly by Seim) are modern, but the deep blues and even slightly bossa feel in the rhythms touch on that territory. Katche is at his very best here, dancing like Billy Higgins but deeper in the lower registers of his kit. Them other ballads here, such as "Project 58" and "Possible Thought" are all transformed, chameleon-like, into other things as these wonderfully airy but complex compositions shimmer, slip and slide through the ear. Katche's drumming is quiet but so knotty. He's everywhere, traveling around the band with Kurkiewicz as his foil, guiding this band through his tunes (check the terrain "Inside Games" covers from front to back). The sophisticated urban groove of "Clubbing" is one of the hippest songs Katche's written, with a rolling piano line in the lower register in the head, the drummer breaking and shifting grooves on the bell of his ride cymbal. The solos begin with Eick, and he moves form post-bop to slightly outside, never losing his sense of time or melody. Seim follows suit, but moves to the edges more quickly; his bop phrasing also goes into a kind of modalism around the blues before Wasilewski, becomes a machine, hitting arpeggios insistently and percussively as Katche answers breaking his beat all around him filling that center space. The interplay between the two men is never better than it is here and could have gone on far longer. The set closes with a variation of "Song for Her" that feels more like a reprise than anything else. The first version is so utterly beautiful it seems almost superfluous. In all, Playground is a step ahead of its predecessor; namely because Katche's compositions, while they are more complex, have lost none of their inherent lyricism. The two new front line players have brought with them the experience of playing together and this rhythm section has worked together for a while. They fold into the mix of the ensemble rather than simply standing out on their own. Playground is an exciting new chapter in Katche's evolution as a leader; but more than this, bodes well for the future of jazz: it never loses sight of itself, but moves the various threads of its subgenres further without stretching any of them to the breaking point.
https://www.allmusic.com/album/playground-mw0000487368

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Reseña de Thom Jurek
El segundo trabajo del baterista Manu Katche para ECM es, de alguna manera, una extensión de su casi brillante debut Neighbourhood, publicado por el sello en 2004. La grabación anterior incluía a abanderados de ECM como el trompetista Tomasz Stanko y el veterano saxofonista Jan Garbarek en primera línea y una sección rítmica compuesta por el pianista Marcin Wasilewski y el bajista Slawomir Kurkiewicz(del grupo de Stanko). Playground mantiene intacta la sección rítmica, pero Mathias Eick y Trygve Seim, en trompeta y saxofones respectivamente, conforman la primera línea. Si bien no se puede negar el poder lírico de la unidad anterior, esta se siente más como una banda. Seim es un líder por derecho propio, ha lanzado tres excelentes grabaciones con su propio nombre y ha formado parte de numerosos conjuntos de ECM. Él y Eick tocaron juntos en la banda de Iro Haarla para la maravillosa grabación Northbound. El trompetista también es una parte integral del grupo del guitarrista Jacob Young, cuyo debut en ECM, Evening Falls, fue uno de los mejores lanzamientos de jazz de 2002. A Manfred Eicher le gusta mantenerlo en familia cuando está produciendo, y no se ha equivocado durante mucho tiempo. Este set fue grabado en Nueva York, y aunque conserva el "sonido" característico de ECM de alguna manera, también es más cálido. La separación y el espacio abundan, pero el alcance dinámico de este grupo trasciende eso a veces.

El guitarrista David Torn ayuda en la canción de apertura, "Lo", y third cut "para Ella."Curiosamente, son dos de los cortes más silenciosos del set, y el trabajo de apoyo de Torn es en gran medida atmosférico .  La comunicación simbiótica entre Eick y Seim es algo digno de contemplar. El segundo trabajo del baterista Manu Katche para ECM es, de alguna manera, una extensión de su casi brillante debut Neighbourhood, publicado por el sello en 2004. La grabación anterior incluía a abanderados de ECM como el trompetista Tomasz Stanko y el veterano saxofonista Jan Garbarek en primera línea y una sección rítmica compuesta por el pianista Marcin Wasilewski y el bajista Slawomir Kurkiewicz(del grupo de Stanko). Playground mantiene intacta la sección rítmica, pero Mathias Eick y Trygve Seim, en trompeta y saxofones respectivamente, conforman la primera línea. Si bien no se puede negar el poder lírico de la unidad anterior, esta se siente más como una banda. Seim es un líder por derecho propio, ha lanzado tres excelentes grabaciones con su propio nombre y ha formado parte de numerosos conjuntos de ECM. Él y Eick tocaron juntos en la banda de Iro Haarla para la maravillosa grabación Northbound. El trompetista también es una parte integral del grupo del guitarrista Jacob Young, cuyo debut en ECM, Evening Falls, fue uno de los mejores lanzamientos de jazz de 2002. A Manfred Eicher le gusta mantenerlo en familia cuando está produciendo, y no se ha equivocado durante mucho tiempo. Este set fue grabado en Nueva York, y aunque conserva el "sonido" característico de ECM de alguna manera, también es más cálido. La separación y el espacio abundan, pero el alcance dinámico de este grupo trasciende eso a veces.

El guitarrista David Torn ayuda en la canción de apertura, "Lo", y third cut "para Ella."Curiosamente, son dos de los cortes más silenciosos del set, y el trabajo de apoyo de Torn es en gran medida atmosférico .  La comunicación simbiótica entre Eick y Seim es algo digno de contemplar. La balada maravillosamente tierna " Lo " contiene el tipo de moderación y confianza en la gentileza que es difícil para dos trompetistas, de todos modos en estos días, mantenerse unidos como una unidad; uno generalmente suena más dominante que el otro. Pero el ritmo de Katche, con tantos rellenos sutiles, y el puente de Wasilewski entre los cuernos son robustos y mueven la melodía hacia adelante permitiéndoles mantenerse firmes. Hay numerosas baladas en este set, lo cual es inusual para un baterista, pero Katche no es más que un compositor lírico. Su sutileza es una de sus grandes fortalezas check verifique los trinos de hi hat cepillados silenciosamente insistentes en triple tiempo en " Emociones."'So Groovy' no es más que soul-jazz moderno. Un ritmo esquelético y funky con Katche tocando breaks en todas partes depende en gran medida de la línea de bajo de Kurkiewicz no solo para mantener el pulso, sino también para mantenerlo en movimiento. La cabeza en la melodía está ladeada pero se mantiene apretada. El solo de Eick hierve a fuego lento mientras la percusión y el kit de Katche lo empujan silenciosamente incluso cuando Wasilewski llena el espacio con algunos acordes angulares pero improvisados. "Morning Joy" alterna entre un boceto improvisado y una balada de medio tiempo que se balancea suavemente. Uno tiene que preguntarse si el solo de batería al comienzo de "Motion" no es una especie de homenaje a Paul Motian, replica su noción de pulso y swing casi a la perfección mientras mantiene propio el trabajo único de caja de Katche. La cabeza post-bop en la melodía también parece sugerir eso, pero la melodía se mueve un par de veces hacia otro territorio sin desviarse demasiado de ese tema, y se vuelve más compleja armónicamente a medida que avanza. También hay un hermoso elemento funk blues aquí , que nunca abandona el ámbito de la tensión controlada, pero es tan fluido que es fácil perderse inicialmente los muchos cambios que sufre and y hay un pequeño solo asesino de Wasilewski.

"Snapshot" es una visión moderna del sonido clásico de Blue Note de principios a mediados de los 60. Los temas y solos (particularmente de Seim) son modernos, pero el blues profundo e incluso un poco de bossa se sienten en los ritmos que tocan ese territorio. Katche está en su mejor momento aquí, bailando como Billy Higgins pero más profundo en los registros más bajos de su equipo. Las otras baladas aquí, como "Project 58" y "Possible Thought", se transforman, como un camaleón, en otras cosas a medida que estas composiciones maravillosamente aireadas pero complejas brillan, se deslizan y se deslizan por el oído. La batería de Katche es silenciosa pero muy nudosa. Está en todas partes, viajando por la banda con Kurkiewicz como su florete, guiando a esta banda a través de sus melodías (mira las portadas de terrain "Inside Games" de adelante hacia atrás). El sofisticado ritmo urbano de "Clubbing" es una de las canciones más modernas escritas por Katche, con una línea de piano rodante en el registro inferior de la cabeza, el baterista rompiendo y cambiando de ritmo en la campana de su platillo ride. Los solos comienzan con Eick, y se mueve de post-bop ligeramente hacia afuera, sin perder nunca el sentido del tiempo o la melodía. Seim sigue su ejemplo, pero se mueve hacia los bordes más rápidamente; su fraseo bop también entra en una especie de modalismo en torno al blues antes de que Wasilewski, se convierta en una máquina, golpeando arpegios con insistencia y percusión mientras Katche responde rompiendo su ritmo a su alrededor llenando ese espacio central. La interacción entre los dos hombres nunca es mejor de lo que es aquí y podría haber durado mucho más. El set se cierra con una variación de "Song for Her" que se siente más como una repetición que cualquier otra cosa. La primera versión es tan absolutamente hermosa que parece casi superflua. En total, Playground está un paso por delante de su predecesor; es decir, porque las composiciones de Katche, aunque son más complejas, no han perdido nada de su lirismo inherente. Los dos nuevos jugadores de primera línea han traído consigo la experiencia de tocar juntos y esta sección rítmica ha funcionado juntos durante un tiempo. Se incorporan a la mezcla del conjunto en lugar de simplemente destacarse por sí mismos. Playground es un nuevo capítulo emocionante en la evolución de Katche como líder; pero más que esto, es un buen augurio para el futuro del jazz: nunca se pierde de vista a sí mismo, sino que mueve aún más los diversos hilos de sus subgéneros sin estirar ninguno de ellos hasta el punto de ruptura.
https://www.allmusic.com/album/playground-mw0000487368



www.manu-katche.com ...

'Papa' John DeFrancesco • Jumpin

 Artist Biography by Scott Yanow

The father of Joey DeFrancesco, "Papa John" had his career revived when his son's success helped bring about the renaissance of the Hammond organ. John's father had played reeds with various swing bands, including the Dorsey Brothers. John DeFrancesco began playing trumpet when he was six and did not start playing organ until his wife bought him an organ for his 23rd birthday. After a few months of nearly nonstop practicing, he was ready to perform in clubs. In 1967 DeFrancesco moved to Philadelphia and soon he was part of the Philadelphia jazz scene. However, in 1979 when Joey turned eight and started playing professionally, John temporarily gave up his career in order to supervise his son. Another son, Johnny DeFrancesco, developed into a fine guitarist. In the 1990s, John DeFrancesco returned to a more active playing career, recording two strong sets for Muse (Doodlin' and Comin' Home -- both of which feature Joey on trumpet) and gaining a national reputation of his own. "Papa John" plays organ in an infectious hard bop style not that different from his son. In the 21st century he signed first to Highnote and then its sister imprint Savant, where he issued a string of fine recordings including Hip Cake Walk in 2001, Jumpin' in 2003, Walking Uptown in 2004, and Desert Heat in 2006. After a five-year recording hiatus, Papa John returned with A Philadelphia Story in a classic B-3 trio setting with John Jr. on guitar and drummer Glenn Ferracone, with guest appearances from Joey and tenor man Joe Fortunato.

https://www.allmusic.com/artist/papa-john-defrancesco-mn0000009657/biographys.

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 Biografía del artista por Scott Yanow

El padre de Joey DeFrancesco, "Papa John", revivió su carrera cuando el éxito de su hijo contribuyó al renacimiento del órgano Hammond. El padre de John había tocado la caña con varias bandas de swing, incluyendo los Dorsey Brothers. John DeFrancesco comenzó a tocar la trompeta cuando tenía seis años y no empezó a tocar el órgano hasta que su esposa le compró un órgano para su cumpleaños número 23. Después de unos meses de practicar casi sin parar, estaba listo para actuar en los clubes. En 1967 DeFrancesco se mudó a Filadelfia y pronto fue parte de la escena de jazz de Filadelfia. Sin embargo, en 1979, cuando Joey cumplió ocho años y comenzó a jugar profesionalmente, John dejó temporalmente su carrera para supervisar a su hijo. Otro hijo, Johnny DeFrancesco, se convirtió en un buen guitarrista. En la década de 1990, John DeFrancesco regresó a una carrera más activa, grabando dos sets fuertes para Muse (Doodlin' y Comin' Home -- ambos con Joey en la trompeta) y ganando una reputación nacional propia. "Papa John" toca el órgano en un contagioso estilo hard bop no muy diferente al de su hijo. En el siglo XXI firmó primero con Highnote y luego con su sello hermano Savant, donde emitió una serie de excelentes grabaciones incluyendo Hip Cake Walk en 2001, Jumpin' en 2003, Walking Uptown en 2004 y Desert Heat en 2006. Después de cinco años de pausa en la grabación, Papa John regresó con A Philadelphia Story en un clásico trío B-3 con John Jr. a la guitarra y el baterista Glenn Ferracone, con las apariciones de Joey y el tenor Joe Fortunato como invitados.

https://www.allmusic.com/artist/papa-john-defrancesco-mn0000009657/biography

'Papa' John DeFrancesco • Hip Cake Walk

Review by Scott Yanow

Papa John DeFrancesco, the father of organist/trumpeter Joey DeFrancesco and guitarist John DeFrancesco II, is an excellent organist in the style of Jimmy Smith. He did not begin to emerge on records until the 1990s, but has made up for lost time through his High Note recordings. This particular set has plenty of blues (including Lalo Schifrin's "The Cat," "Freddy the Freeloader," "Back at the Chicken Shack," and "Hip Cake Walk") along with a few standards and basic chord changes. DeFrancesco, whose two sons are on some of the selections (with Joey on trumpet) is the main voice throughout. The supporting cast includes the fine if obscure tenor saxophonist Bootsie Barnes. A fun session that is easily recommended to fans of the swinging and bluesy jazz organ.

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Reseña de Scott Yanow

Papa John DeFrancesco, padre del organista y trompetista Joey DeFrancesco y del guitarrista John DeFrancesco II, es un excelente organista al estilo de Jimmy Smith. No comenzó a aparecer en los registros hasta la década de 1990, pero ha compensado el tiempo perdido a través de sus grabaciones High Note. Este set en particular tiene un montón de blues (incluyendo "The Cat" de Lalo Schifrin, "Freddy the Freeloader", "Back at the Chicken Shack", "Back at the Chicken Shack" y "Hip Cake Walk") junto con algunos estándares y cambios básicos de acordes. DeFrancesco, cuyos dos hijos están en algunas de las selecciones (con Joey en la trompeta) es la voz principal en todo momento. El elenco de soporte incluye a la saxofonista Bootsie Barnes, una saxofonista de tenor muy fina y oscura. Una sesión divertida que se recomienda fácilmente a los fans del órgano de swinging y bluesy jazz.

Tom Kennedy • Just For The Record

Tom Kennedy is an accomplished touring and studio musician who ranks as one of the top acoustic and electric bass players in the world. His credits include performances and recordings with both mainstream legends and leading contemporary players.

Tom’s musical roots with on the acoustic bass, an instrument he started playing at age 9 and took to so naturally that within a few years he was performing with internationally known players such as Freddie Hubbard, James Moody, Nat Adderly, Sonny Stitt and Stan Kenton.

At age 17, Tom would create a musical alter ego when he began playing the electric bass. Intrigued by the endless possibilities of the instrument, he began developing his now signature style best described as deep, soulful grooves merging seamlessly into acrobatic, horn-like soloing.

Gaining a reputation that soon traveled beyond his native St. Louis, Tom relocated to New York City, where he quickly gained work with multiple groups. Further accolades came through a recording with guitar great Bill Connors and tours with tenor saxophonist Michael Brecker in the world-renowned jazz-fusion group Steps Ahead. Additional tours and recordings with Brazilian pianist Tania Maria and guitarist Al DiMeola followed.

In 1998, Tom became an integral part of Modern Drummer hall of famer Dave Weckl’s band, a group he toured, composed and recorded with for over nine years. Tom and Dave have continued to perform and record together on various projects for other artists, including Mike Stern, Didier Lockwood, Dave Grusin and Lee Ritenour.

Tom has also performed and recorded with top contemporary players Simon Phillips, Steve Gadd, Frank Gambale, Steve Lukather, David Sanborn, Jeff Lorber, Ricky Lawson, Joe Sample and fusion band Planet X.

Tom has released five solo CDs: Basses Loaded in 1996, Bassics in 2004 featuring Mundell Lowe and Joe LaBarbera,  Just for the Record in 2011, featuring Dave Weckl and Mike Stern, and Just Play! in 2013 featuring Lee Ritenour, Renee Rosnes and George Garzone. His most recent solo project, Points of View, released in 2017.

LA Weekly writes that Tom’s playing is “nothing short of inspiring.” His reputation as a master of his craft is evident among fans worldwide.
http://www.tomkennedymusic.com/about/

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Tom Kennedy es un consumado músico de gira y de estudio que se cuenta entre los mejores bajistas acústicos y eléctricos del mundo. Sus créditos incluyen actuaciones y grabaciones tanto con leyendas de la música tradicional como con destacados músicos contemporáneos.

Las raíces musicales de Tom se encuentran en el bajo acústico, un instrumento que empezó a tocar a los 9 años y al que se aficionó de forma tan natural que en pocos años ya actuaba con músicos de renombre internacional como Freddie Hubbard, James Moody, Nat Adderly, Sonny Stitt y Stan Kenton.

A los 17 años, Tom crearía un alter ego musical cuando empezó a tocar el bajo eléctrico. Intrigado por las infinitas posibilidades del instrumento, comenzó a desarrollar su estilo característico, que se describe mejor como grooves profundos y conmovedores que se fusionan a la perfección con solos acrobáticos y de cuerno.

Alcanzando una reputación que pronto se extendió más allá de su San Luis natal, Tom se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde rápidamente consiguió trabajar con múltiples grupos. Otros reconocimientos llegaron a través de una grabación con el gran guitarrista Bill Connors y giras con el saxofonista tenor Michael Brecker en el grupo de jazz-fusión de renombre mundial Steps Ahead. A esto le siguieron giras y grabaciones con la pianista brasileña Tania Maria y el guitarrista Al DiMeola.

En 1998, Tom se convirtió en parte integrante de la banda de Dave Weckl, miembro del Salón de la Fama de la Batería Moderna, un grupo con el que hizo giras, compuso y grabó durante más de nueve años. Tom y Dave han seguido actuando y grabando juntos en varios proyectos para otros artistas, como Mike Stern, Didier Lockwood, Dave Grusin y Lee Ritenour.

Tom también ha actuado y grabado con los mejores músicos contemporáneos Simon Phillips, Steve Gadd, Frank Gambale, Steve Lukather, David Sanborn, Jeff Lorber, Ricky Lawson, Joe Sample y la banda de fusión Planet X.

Tom ha publicado cinco CDs en solitario: Basses Loaded en 1996, Bassics en 2004 con Mundell Lowe y Joe LaBarbera, Just for the Record en 2011, con Dave Weckl y Mike Stern, y Just Play! en 2013 con Lee Ritenour, Renee Rosnes y George Garzone. Su más reciente proyecto en solitario, Points of View, salió a la venta en 2017.

LA Weekly escribe que la forma de tocar de Tom es "nada menos que inspiradora". Su reputación como maestro de su oficio es evidente entre los fans de todo el mundo.
http://www.tomkennedymusic.com/about/

www.tomkennedymusic.com ...

 www.tomkennedymusic.com/recordings ...

 

John Young Trio • Themes and Things

John Young

John Merritt Young (March 16, 1922 – April 16, 2008) was an American jazz pianist. Young played with Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Dexter Gordon, and many others.[1] He recorded with his own trio in the 1950s and 1960s, and was a sideman for Von Freeman, Gene Ammons and others. He remained active in the Chicago jazz scene until a few years before his death.

Young was born in Little Rock, Arkansas, and his family relocated to Chicago when he was a toddler. He first toured in the 1940s with the popular big band Andy Kirk and His Twelve Clouds of Joy. After Young left Kirk's band and returned to Chicago, he performed with the Dick Davis combo until 1950, when he formed his own combo with Eldridge Freeman on drums and Leroy Jackson on bass. In 1957, he signed with Argo Records and recorded his first LP, Opus de Funk.

He was active in the Chicago jazz scene, regularly playing popular clubs with artists such as Dexter Gordon, Big Joe Turner, Von Freeman and others. He made more than a dozen appearances at the Chicago Jazz Festival, often as a sideman for tenor saxophonist Eddie Johnson. He retired in 2005 due to sciatic nerve inflammation. He died from multiple myleoma on April 16, 2008.

Dan Morgenstern, in Living with Jazz, called Young "one of Chicago's several unsung piano originals." Allmusic.com called Young "criminally underappreciated outside of [the Chicago bop scene].

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 John Merritt Young (16 de marzo de 1922 - 16 de abril de 2008) fue un pianista de jazz estadounidense. Young jugó con Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Dexter Gordon y muchos otros. [1] Grabó con su propio trío en los años 1950 y 1960, y fue sideman para Von Freeman, Gene Ammons y otros. Permaneció activo en la escena del jazz de Chicago hasta pocos años antes de su muerte.

Young nació en Little Rock, Arkansas, y su familia se mudó a Chicago cuando era un niño pequeño. Hizo su primera gira en la década de 1940 con el popular big band Andy Kirk y His Twelve Clouds of Joy. Después de que Young dejó la banda de Kirk y regresó a Chicago, actuó con el combo Dick Davis hasta 1950, cuando formó su propio combo con Eldridge Freeman en la batería y Leroy Jackson en el bajo. En 1957, firmó con Argo Records y grabó su primer LP, Opus de Funk.

Participó activamente en la escena del jazz de Chicago, tocando regularmente en clubes populares con artistas como Dexter Gordon, Big Joe Turner, Von Freeman y otros. Hizo más de una docena de apariciones en el Festival de Jazz de Chicago, a menudo como un sideman para el saxofonista Eddie Johnson. Se retiró en 2005 debido a la inflamación del nervio ciático. Murió de mieloma múltiple el 16 de abril de 2008.

Dan Morgenstern, en Living with Jazz, llamó a Young "uno de los varios originales de piano no reconocidos de Chicago". Allmusic.com llamó a Young "criminalmente subestimado fuera de [la escena bop de Chicago].

Mundell Lowe • Souvenirs

 

Mundell Lowe (nacido el 21 de abril 1922) es un americano de jazz guitarrista , compositor y director de orquesta que ha tocado con muchos músicos de jazz notable y populares. Produjo música para películas y televisión en la década de 1970, como el Billy Jack banda sonora y música para Starsky y Hutch , y trabajó con André Previn Trio 's en la década de 1990.

Lowe nació en Laurel , Mississippi , el 21 de abril de 1922 En la década de 1930 interpretó la música country y el jazz de Dixieland. Más tarde jugó con grandes bandas y orquestas, y en la televisión en la ciudad de Nueva York . En la década de 1960, Lowe compuesto música para cine y televisión en la ciudad de Nueva York y Los Angeles. Ha actuado y / o grabado con Billie Holiday , Bobby Darin , Lester Young , Charlie Parker , Bill Evans , Helen Humes , Roy Buchanan , Charles Mingus , Stan Getz , Doc Severinsen , Kai Winding , Sarah Vaughan , Carmen McRae , Benny Carter , Herb Ellis , Tal Farlow , Barry Manilow , André Previn , Ray Brown , Kiri Te Kanawa , Tete Montoliu , Harry Belafonte y otros. Lowe fue el encargado de presentar el pianista Bill Evans al productor Orrin Keepnews resultando en primeras grabaciones de Evan bajo su propio liderazgo.

Lowe es un actor destacado regular en el anual WC Handy Music Festival y miembro del WC Handy Jazz All-Stars .

Durante la década de 1970 y principios de 1980 Lowe era también un profesor muy respetado en el Dick Grove Music Workshop, más tarde la Escuela arboleda de la música, en Studio City, California, una de las mejores escuelas de música de nivel profesional en el mundo. Él enseñó guitarra, así como música de cine.

En 1998, fue incluido en el Music Hall de la Fama de Mississippi, y en 1999, Millsaps College en Jackson, confirió un doctorado honorario de las Artes en el Sr. Lowe, en reconocimiento a toda una vida de logros musicales sobresalientes.

El 17 de julio de 2009, Mundell Lowe volvió a casa a Laurel, la ciudad se escapó de en 1938 en reconocimiento a toda una vida de logros musicales se le dio la llave de la ciudad y honrado por el alcalde, Melvin Mack, quien proclamó julio 18, 2009, Mundell Lowe Día en Laurel. Mundell Lowe, Lloyd Wells, y Jim Ferguson presentaron un espectáculo matinal y un espectáculo nocturno en el Little Theatre Laurel a grandes audiencias entusiastas. Artistas Mississippi Bill Clark (quien produjo el espectáculo), los Azulejos de Cee, Bob Saxton, y Staci Stringer, también lo honraron a través de presentaciones musicales. 

Nota: Mundell Lowe fallleció el 2 de diciembre de 2017.

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Mundell Lowe (born April 21, 1922) is an American jazz guitarist, composer, and conductor who has performed with many notable jazz and popular musicians. He produced film and TV scores in the 1970s, such as the Billy Jack soundtrack and music for Starsky and Hutch, and worked with André Previn's Trio in the 1990s.

Lowe was born in [Shady Grove], Mississippi just outside Laurel, Mississippi, on April 21, 1922. In the 1930s he played country music and Dixieland jazz. He later played with big bands and orchestras, and on television in New York City. In the 1960s, Lowe composed music for films and television in New York City and Los Angeles. He has performed and/or recorded with Billie Holiday, Bobby Darin, Lester Young, Charlie Parker, Bill Evans, Helen Humes, Roy Buchanan, Charles Mingus, Stan Getz, Doc Severinsen, Kai Winding, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Carmen McRae, Peggy Lee, Dizzy Gillespie, Benny Carter, Herb Ellis, Tal Farlow, Barry Manilow, André Previn, Ray Brown, Kiri Te Kanawa, Tete Montoliu, Harry Belafonte, Lloyd Wells, Jim Ferguson and many others. Lowe was responsible for introducing the pianist Bill Evans to producer Orrin Keepnews resulting in Evan's first recordings under his own leadership.

Lowe is a regular featured performer at the annual W. C. Handy Music Festival and a member of the W. C. Handy Jazz All-Stars.

During the late 1970s and early 1980s Lowe was also a well-respected teacher at Dick Grove Music Workshop, later the Grove School of Music, in Studio City, California, one of the top professional level music schools in the world. He also taught twelve-tone composition at the Guitar Institute of Technology (GIT) in Hollywood California during the same period of time, as well as guitar and film scoring.

In 1998, he was inducted into the Mississippi Music Hall of Fame, and in 1999, Millsaps College in Jackson, conferred an honorary Doctorate of Arts on Mr. Lowe in recognition of his lifetime of outstanding musical accomplishments.

On July 17, 2009, Mundell Lowe returned home to Laurel, the city he ran away from in 1938. In recognition of a lifetime of musical achievement he was given a key to the city and honored by the Mayor, Melvin Mack, who proclaimed July 18, 2009, Mundell Lowe Day in Laurel. Mundell Lowe, Lloyd Wells, and Jim Ferguson presented a matinee show and an evening show at the Laurel Little Theater to a large enthusiastic audiences. Mississippi artists Bill Clark (who produced the show), the Cee Jays, Bob Saxton, and Staci Stringer also honored him through musical presentations.

Note: Mundell Lowe passed away on 2 December 2017.

Cory Weeds • Up A Step (The Music Of Hank Mobley)

 

Saxophonist Cory Weeds has been a professional musician for the better part of 15 years.

As a member of popular Vancouver band People Playing Music he toured Canada, the United States and Europe and recorded was a key part in the success of the band's Sette CD released in 1997. In 1998 he formed his instrumental band CRASH that he co-led with tenor saxophonist Jerry Cook. The band released its first CD entitled Crash in 1998 and toured Canada the same year playing at the prestigious Montreal Jazz Festival. The band went back into the studio in 1999 to record their sophomore release Candyshop. In 2003 the band was booked to back up Hammond B3 organ guru Dr. Lonnie Smith. This chance meeting resulted in the band's 3rd CD The Dr. Is In on Cellar Live featuring the renowned B3 Organist. The CD was a huge success and led to several tours of the Pacific Northwest.

Weeds is a member of The Night Crawlers which released their debut CD, Presenting on Cellar Live in 2007, and was nominated for Album Of The Year at the National Jazz Awards in 2008. The Night Crawlers released their second CD/Record in early 2011 titled Down In The Bottom featuring a big band. The album won a Western Canadian Music Award for Best Album Of The Year. The B3 Kings is a seasonal quartet featuring Denzal Sinclaire on voice / drums, Chris Gestrin on b3 organ and Bill Coon on guitar

. The band recorded a CD that was released in 2005 that has been a hit worldwide and their first full length Christmas CD You Better Watch Out! was released in December of 2011. The band continuously sells out venues in Western Canada during the Christmas season. Weeds is a charter member of Melody Diachun's EQ that released their debut CD in 2008 and Jennifer Scott's Brasiliera. They will be releasing a CD in mid 2012.

In 2006 Weeds was a member of the saxophone section that backed up Paul Anka and has also graced the horn section with singing sensation Nikki Yanoffsky. Weeds has also shared the stage with international superstars such as Lou Donaldson, David Fathead Newman, Charles McPherson, Harold Mabern, Scott Hamilton, Ian Hendrickson-Smith and Mike DiRubbo. He has also shared the stage with locals like Brad Turner, Mike Allen, Hugh Fraser, Don Thompson, Oliver Gannon, Cam Ryga and Ross Taggart.

Perhaps Weeds' biggest musical accomplishment came in January, 2008 when he recorded his first CD as a leader featuring New York heavyweights guitarist Peter Bernstein, organist Mike Ledonne and drummer Joe Farnsworth. Big Weeds was released to critical acclaim across the continent. The CD debuted on the JazzWeek chart at #49 and made it all the way up to #17. Big Weeds also graced Bob Parlocha's Top 40 Jazz Chart making it as high as #9. Big Weeds was nominated for Album Of The Year at the 2009 National Jazz Awards and was selected by Jazz Week as one of the Top 100 Releases of 2008.

In August, 2008 Weeds shared the stage with yet another New York heavyweight, trumpeter Jim Rotondi. The band recorded their first CD in January, 2009 in New York City featuring pianist Ross Taggart, bassist John Webber and drummer Willie Jones III. Everything's Coming Up Weeds shot up JazzWeek Charts making it as high as #6 and was voted #32 out of the Top 100 Jazz Recordings of 2009.

The Many Deeds Of Cory Weeds features the dynamic duo of organist Joey Defrancesco and drummer Byron Landham as well as trumpeter Chris Davis. The record debuted on the JazzWeek Chart at number 26 and remained in the Top 50 for 10 weeks.

Weeds' most recent release Just Like That featuring The Tilden Webb Trio has received critical acclaim. It graced the JazzWeek charts for 12 weeks making it as high as #7 and continues to receive airplay around the world.

https://musicians.allaboutjazz.com/coryweeds

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El saxofonista Cory Weeds ha sido un músico profesional durante la mayor parte de los 15 años.

Como miembro de la popular banda de Vancouver People Playing Music, realizó una gira por Canadá, Estados Unidos y Europa y grabó fue una parte clave en el éxito del CD de la banda Sette publicado en 1997. En 1998 formó su banda instrumental CRASH que codirigió con el saxofonista tenor Jerry Cook. La banda lanzó su primer CD titulado Crash en 1998 y realizó una gira por Canadá ese mismo año tocando en el prestigioso Festival de Jazz de Montreal. La banda regresó al estudio en 1999 para grabar su segundo disco Candyshop. En 2003 la banda fue contratada para apoyar al gurú del órgano Hammond B3, el Dr. Lonnie Smith. Este encuentro fortuito resultó en el tercer CD de la banda, The Dr. Is In on Cellar Live, con el renombrado organista de B3. El CD fue un gran éxito y llevó a varias giras por el noroeste del Pacífico.

Weeds es miembro de The Night Crawlers que lanzó su CD debut, Presenting on Cellar Live en 2007, y fue nominado para Album del Año en los National Jazz Awards en 2008. The Night Crawlers lanzó su segundo CD/Record a principios de 2011 titulado Down In The Bottom con una gran banda. El álbum ganó el premio Western Canadian Music Award al mejor álbum del año. The B3 Kings es un cuarteto de temporada con Denzal Sinclaire en voz y batería, Chris Gestrin en el órgano B3 y Bill Coon en la guitarra.

. La banda grabó un CD que fue lanzado en 2005 y que ha sido un éxito en todo el mundo y su primer CD de larga duración de Navidad You Better Watch Out! fue lanzado en diciembre de 2011. La banda vende continuamente en lugares del oeste de Canadá durante la temporada de Navidad. Weeds es miembro fundador de EQ de Melody Diachun que lanzó su primer CD en 2008 y Brasiliera de Jennifer Scott. Lanzarán un CD a mediados de 2012.

En 2006 Weeds fue miembro de la sección de saxofón que apoyó a Paul Anka y también ha adornado la sección de trompa con la sensación de canto Nikki Yanoffsky. Weeds también ha compartido el escenario con superestrellas internacionales como Lou Donaldson, David Fathead Newman, Charles McPherson, Harold Mabern, Scott Hamilton, Ian Hendrickson-Smith y Mike DiRubbo. También ha compartido el escenario con locales como Brad Turner, Mike Allen, Hugh Fraser, Don Thompson, Oliver Gannon, Cam Ryga y Ross Taggart.

Quizás el mayor logro musical de Weeds fue en enero de 2008 cuando grabó su primer CD como líder con el guitarrista Peter Bernstein, el organista Mike Ledonne y el baterista Joe Farnsworth. Big Weeds fue lanzado con gran éxito de crítica en todo el continente. El CD debutó en la lista de la JazzWeek en el número 49 y llegó hasta el número 17. Big Weeds también apareció en el Top 40 de Bob Parlocha, llegando al número 9. Big Weeds fue nominado para Álbum del Año en los Premios Nacionales de Jazz 2009 y fue seleccionado por Jazz Week como uno de los 100 mejores lanzamientos de 2008.

En agosto de 2008 Weeds compartió el escenario con otro peso pesado de Nueva York, el trompetista Jim Rotondi. La banda grabó su primer CD en enero de 2009 en la ciudad de Nueva York con el pianista Ross Taggart, el bajista John Webber y el baterista Willie Jones III. Everything's Coming Up Weeds se disparó en las listas de JazzWeek hasta el número 6 y fue votado como el número 32 del Top 100 de grabaciones de jazz de 2009.

The Many Deeds Of Cory Weeds cuenta con el dúo dinámico del organista Joey Defrancesco y el baterista Byron Landham, así como el trompetista Chris Davis. El disco debutó en la tabla de JazzWeek en el número 26 y permaneció en el Top 50 durante 10 semanas.

El más reciente lanzamiento de Weeds, Just Like That, con The Tilden Webb Trio, ha sido aclamado por la crítica. Estuvo en la lista de éxitos de JazzWeek durante 12 semanas, llegando al número 7, y sigue siendo difundido en todo el mundo.

https://musicians.allaboutjazz.com/coryweeds

 

 

coryweeds.com ...

 

 

 

Cory Weeds • O Sole Mio!

  

Even in these trying and uncertain times, there are some professional creative artists who recognize the need to "carry on" and make the best of a bad situation. Saxophonist Cory Weeds is one of those individuals. He is releasing O Sole Mio! Music From The Motherland on his own label, CellarMusic. Weeds has merged his talents as an alto saxophonist with Mike LeDonne's Groover Quartet featuring LeDonne on Hammond B3 organ, Eric Alexander on tenor saxophone, Peter Bernstein on guitar and Joe Farnsworth on drums. Each of these participants is a highly regarded jazz virtuoso in his own right, and has bee, or is, a leader of his own group. Support for this Italian-themed session (great Italian music and/or Italian-American composers such as Henry Mancini, Chick Corea and Pat Martino came from Guilio Recchioni of the Italian Cultural Center in Vancouver B.C.

The first two tracks in this release are both burners. The title track was comes from Naples, where it was written in 1898, and was covered by operatic tenors such as Enrico Caruso and Luciano Pavarotti. The band shows how serious they are about swinging with all the members having solos that are both juicy and individual. Mancini's well known theme "Mr.Lucky" gives this smart aggregation a chance to demonstrate their unscripted interplay, which is based on their considerable talent and vast experience. Another well-known number is "Speak Softly Love," easily recognized as the background music from the movie The Godfather. Built around Farnsworth's Latin beat, Weeds' alto opens the offering by stating the theme, after which Alexander's fluid tenor saxophone weaves and darts around the melody in exquisite fashion. Guitarist Bernstein then comes in with some crisp riffs, after which LeDonne's B3 shows off a burly yet fervent tone. This is a terrific take on the number.

Chick Corea, whose heritage is from Southern Italy, wrote "Chick's Tune," which is based on the chord changes from the popular song "You Stepped Out Of A Dream." The band keeps the pace at a high energy level with Weeds' alto leading the way. There is some stellar guitar work from Bernstein and Eric Alexander then takes his tenor sax on a euphoric run. LeDonne's B3 charges out of the gate with soulful depth followed by an extensive drum kit workout from Farnsworth. The band then takes the number out with a repeat of the theme. The final track is "Capricci Di Camere" which originated as bassist Paul Chambers' composition "Whims Of Chambers," which was also the title of his 1957 album from Blue Note. Originally structured by Chambers as a walking bass line for a blues in F, the group restates this same line to open the tune and uses it as a frame from which to explore the number. Each of the players takes a piece of the action with LeDonne at his ebullient best. At this point all one can say is "arrivederci."
Pierre Giroux By PIERRE GIROUX
February 8, 2021
https://www.allaboutjazz.com/o-sole-mio-music-from-the-motherland-cory-weeds-cellarmusic

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Incluso en estos tiempos difíciles e inciertos, hay algunos artistas creativos profesionales que reconocen la necesidad de "seguir adelante" y sacar lo mejor de una mala situación. El saxofonista Cory Weeds es uno de ellos. ¡Ha publicado O Sole Mio! Music From The Motherland en su propio sello, CellarMusic. Weeds ha unido su talento como saxofonista alto con el Groover Quartet de Mike LeDonne, que cuenta con LeDonne al órgano Hammond B3, Eric Alexander al saxo tenor, Peter Bernstein a la guitarra y Joe Farnsworth a la batería. Cada uno de estos participantes es un virtuoso del jazz muy apreciado por derecho propio, y ha sido, o es, líder de su propio grupo. El apoyo a esta sesión de temática italiana (gran música italiana y/o compositores italoamericanos como Henry Mancini, Chick Corea y Pat Martino) vino de Guilio Recchioni, del Centro Cultural Italiano de Vancouver B.C.

Los dos primeros temas de esta publicación son excelentes. El tema que da título al disco procede de Nápoles, donde fue escrito en 1898, y fue versionado por tenores de ópera como Enrico Caruso y Luciano Pavarotti. La banda demuestra la seriedad con la que se toman el swing, con todos los miembros con solos tan jugosos como individuales. El conocido tema de Mancini "Mr.Lucky" da a esta inteligente agrupación la oportunidad de demostrar su interacción sin guión, que se basa en su considerable talento y amplia experiencia. Otro número muy conocido es "Speak Softly Love", fácilmente reconocible como la música de fondo de la película El Padrino. Construida en torno al ritmo latino de Farnsworth, el contralto de Weeds abre el tema, tras lo cual el fluido saxofón tenor de Alexander teje y se lanza en torno a la melodía de forma exquisita. El guitarrista Bernstein entra entonces con algunos riffs nítidos, tras lo cual el B3 de LeDonne muestra un tono fornido pero ferviente. Se trata de una versión excelente de este número.

Chick Corea, cuya herencia es del sur de Italia, escribió "Chick's Tune", que se basa en los cambios de acordes de la popular canción "You Stepped Out Of A Dream". La banda mantiene el ritmo con un alto nivel de energía con el alto de Weeds liderando el camino. Hay un trabajo estelar de guitarra de Bernstein y Eric Alexander luego lleva su saxo tenor en una carrera eufórica. El B3 de LeDonne sale con una profundidad conmovedora, seguido por un extenso trabajo de batería de Farnsworth. A continuación, la banda cierra el número con una repetición del tema. El tema final es "Capricci Di Camere" que se originó como la composición del bajista Paul Chambers "Whims Of Chambers", que también fue el título de su álbum de 1957 de Blue Note. Originalmente estructurada por Chambers como una línea de bajo andante para un blues en Fa, el grupo replantea esta misma línea para abrir la melodía y la utiliza como marco desde el que explorar el número. Cada uno de los intérpretes toma parte en la acción, con LeDonne en su mejor momento. En este punto sólo se puede decir "arrivederci".
Pierre Giroux Por PIERRE GIROUX
8 de febrero de 2021
https://www.allaboutjazz.com/o-sole-mio-music-from-the-motherland-cory-weeds-cellarmusic

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