Brad Mehldau • ODE

 

 

Review
by Thom Jurek  

Pianist Brad Mehldau has regularly performed with his trio, which has included bassist Larry Grenadier and drummer Jeff Ballard since 2004, when the latter replaced Jorge Rossy. As a trio, they've spent relatively little time in the studio together exclusively -- it's been seven years since Day Is Done. On 2010's Highway Rider, Mehldau augmented the group with Matt Chamberlain, Joshua Redman, and an orchestra. Ode marks the very first album comprised of all Mehldau material cut by this trio. While the title may reflect a a certain ponderousness, these 11 tunes are anything but. Specifically written for this group, they show off an increasingly muscular sense of interplay and stylistic athleticism that wasn't nearly as present on Day Is Done. "M.B." (written in memory of Michael Brecker) states a bluesy theme and moves off into several directions, seemingly at once. Mehldau quickly moves through the head, finds a space, and the band stops on a dime, investigating the various changes seemingly note by note before taking off again. Grenadier's riffing during Mehldau's solo is especially riveting, and his tone is full of wood. Mehldau's soloing on "Stan the Man" is busier, faster, and even denser, as if Art Tatum's wide-reaching blues were his inspiration. On the title track, he maintains the changes and vamp with his left hand as his right hand goes off into free dancing mode. On the Latin-tinged "Dream Sketches," Grenadier's bass solo is not only full of imagination, but twists and turns in groove quotient as well. Ballard's kinetic drumming and percussion are riveting on virtually everything, but here it is exceptionally propulsive. Mehldau's pianism is much more pointillistic; accenting grooves, underscoring them, and finding spaces within them for short, melodic bursts that point to the worlds outside the tune. "Wyatt's Eulogy For George Hanson," begins as a sketchy ballad that moves into a wonderful Grenadier solo before becoming a complex, somewhat dissonant harmonic exploration --Mehldau's use of the lower register is gorgeous. "Aquaman" is another sprint, with quickly shifting ideas and taut interplay. As an album, Odes reveals just how far this group has traveled together these past seven years. More importantly, it provides an exciting glimpse of what may lie on their collective horizon.
https://www.allmusic.com/album/ode-mw0002294650


Biography
by Richard S. Ginell
One of the most acclaimed pianists of his generation, Brad Mehldau is a virtuoso performer with an ear for deeply nuanced, harmonically sophisticated acoustic jazz. While Mehldau is one of the more absorbing and thoughtful practitioners within that idiom, he is also receptive to the idea of using material from the rock era (Paul McCartney's "Blackbird" for example). Though Mehldau's training is primarily classical, his interest in jazz began early and he has subsequently utilized both forms throughout his career. This is evident on his first (of five) Art of the Trio volume, and on 2006's House on Hill and 2010's Day Is Done. Both originals and covers of popular music standards -- from Radiohead to Nick Drake to Paul Simon -- reflect that his playing and compositional style owe as much to the 20th century classical impressionism of Claude Debussy as they do Bill Evans. He delivers classically oriented recordings on his own and with singers Renée Fleming and Anne Sofie von Otter, but he has also issued cross-pollinated explorations of J.S. Bach's classical pieces on After Bach, and worked with the Orpheus Chamber Orchestra on Variations on a Melancholy Theme. Mehldau continues to expand the depth and breadth of the jazz piano tradition, whether playing with his contemporaries Joshua Redman, Christian McBride, and Brian Blade on Round Again, or releasing solo albums like Seymour Reads the Constitution, the Grammy-winning Finding Gabriel, and 2022's prog-rock-inspired Jacob's Ladder.

Born in 1970 in Jacksonville, Florida, Mehldau started playing piano at a young age. Around age ten, he moved to West Hartford, Connecticut where he began taking classical piano lessons. By his teens, he had discovered jazz, listening to artists like Oscar Peterson, John Coltrane, and Keith Jarrett. He played in the Hall High School jazz band in West Hartford, Connecticut, winning the Berklee College of Music's Best All-Around Musician Award while still in his junior year of high school. In college, he studied jazz at New York's New School for Social Research under Fred Hersch, Junior Mance, Kenny Werner, and Jimmy Cobb. Cobb soon hired him to play in his band, Cobb's Mob. Mehldau also played alongside bassist Christian McBride and drummer Brian Blade in saxophonist Joshua Redman's first acoustic quartet before forming his own trio in 1994 and recording his first Warner Bros. album, Introducing Brad Mehldau, in 1995. Art of the Trio, Vol. 1 followed in 1997, with the next two volumes in the series appearing in the following months. Two years later, Mehldau returned with Elegiac Cycle, as well as Art of the Trio, Vol. 4: Back at the Vanguard. Places followed in 2000, consisting of all-original compositions focusing on various cities, hence the title of the album.

Another Art of the Trio album came out in 2001, but the most significant release was Largo, which featured Mehldau performing with other groups outside of his usual trio format. This was a big change from his previous work and offered new challenges as he adapted to several interesting lineup situations. Mehldau followed the genre-bending album with the standards-based Anything Goes and Live in Tokyo in 2004, with Day Is Done arriving the following year. In 2006, he released House on Hill as well as Love Sublime, the latter with soprano vocalist Renée Fleming on Nonesuch Records. Mehldau chose to work with his trio plus Pat Metheny on Quartet in 2007; he followed it up with the double-disc Live in 2008, which was recorded with his trio at the Village Vanguard.

In 2010, Mehldau emerged with the ambitious Highway Rider, a double-disc of 15 new compositions produced by Jon Brion. He employed his trio as well as drummer Matt Chamberlain, saxophonist Joshua Redman, and a small chamber orchestra led by Dan Coleman. Mehldau arranged and orchestrated all the music. Also in 2010, Mehldau was honored by Carnegie Hall when he was named the first jazz artist to hold the Richard and Barbara Debs Composer's Chair for the 2010-2011 season. In 2011, Mehldau appeared on two live albums: His own Live in Marciac and the ECM date Live at Birdland (recorded in 2009) with saxophonist Lee Konitz, bassist Charlie Haden, and drummer Paul Motian. In September of that year, Nonesuch also released a studio album, Modern Music, a collaboration between Mehldau, pianist Kevin Hays, and composer/arranger Patrick Zimmerli. The music on this set comprised tunes by each of the principals, as well as compositions by Ornette Coleman, Steve Reich, and Philip Glass.

On December 6, 2011, while Mehldau was at the beginning of a world tour, Nonesuch issued a box set entitled Art of the Trio Recordings: 1996–2001. The set includes the five Art of the Trio albums -- the last a double-disc -- that were originally issued on Warner Bros. The box also included a seventh disc of previously unreleased material from shows at the Village Vanguard in 1997, 1999, and 2001. A year later, the Brad Mehldau Trio released two studio albums: the all-original Ode and a companion collection of cover songs, Where Do You Start. The pianist then joined drummer/electronicist Mark Guiliana for the duo's collaborative 2014 effort, Mehliana: Taming the Dragon.

The box set 10 Years Solo Live appeared in 2015 and featured solo performances Mehldau had given in Europe in the preceding decade. He then returned to his tried-and-tested trio of Larry Grenadier and Jeff Ballard for 2016's Blues and Ballads, an album that featured their meticulous collective touch on compositions by Cole Porter, Charlie Parker, Lennon/McCartney, and others. Also in 2016, the pianist joined longtime associate saxophonist Joshua Redman for the Grammy-nominated duo album Nearness. The following year, he paired with progressive bluegrass star Chris Thile for the Nonesuch effort Chris Thile & Brad Mehldau, then explored composer J.S. Bach's Well-Tempered Clavier fugues with 2018's After Bach. A few short months later, he was back with another trio album, Seymour Reads the Constitution! His first trio date to include any original material since 2012's Ode, it featured three originals alongside his usual covers of pop songs, jazz tunes, and standards. The pianist continued to stretch himself, playing in guitarist Wolfgang Muthspiel's trio along with Ambrose Akinmusire on the ECM date Where the River Goes. He closed out the year with the archival duo offering Long Ago and Far Away with the late bassist Charlie Haden, recorded at the Enjoy Jazz Festival in Mannheim, Germany in 2007.

Mehldau followed with Finding Gabriel, a recording outside the confines of post-bop jazz that aligned more closely with his other slipstream albums such as Mehliana: Taming the Dragon, Largo, and The Highway Rider. The set included nine thematically related originals by Mehldau, who played piano, synthesizers, percussion, and Fender Rhodes, as well as delivering wordless vocals. The album sessions also offered contributions from guests such as Akinmusire, Giuliana, Sara Caswell, Kurt Elling, Joel Frahm, Gabriel Kahane, Becca Stevens, and others. Its inspiration was taken from a biblical prophecy as related through the ages by the angel Gabriel. Released in the spring of 2019, it took home the Grammy Award for Best Jazz Instrumental Album. The following year, he reunited with the other members of saxophonist Joshua Redman's '90s quartet, including Christian McBride and Brian Blade, for Round Again.

In July, Mehldau released the solo recital Suite: April 2020. Recorded in Amsterdam during the COVID-19 pandemic, the work included 12 original compositions and three favorite standards that, according to the pianist, "... provide a musical snapshot of life in the last month in the world in which we’ve all found ourselves...." Issued digitally and in a numbered, limited-edition run of 1,000 deluxe 180-gram vinyl LPs, all of the latter's proceeds were donated to the Jazz Foundation of America's COVID-19 Musician's Emergency Fund. (CDs and standard vinyl editions were released by Nonesuch in September, also with a significant portion of sales donated to benefit JFA's fund.) A collaboration with the Orpheus Chamber Orchestra, Variations on a Melancholy Theme, arrived in June 2021. Released in 2022, Jacob's Ladder found Mehldau drawing inspiration from scripture and his longtime love of prog rock. Featured on the album were guest appearances from Chris Thile, Cecile McLorin Salvant, Becca Stevens, and others.

https://www.allmusic.com/artist/brad-mehldau-mn0000934305/biography

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Reseña
por Thom Jurek  

El pianista Brad Mehldau ha actuado regularmente con su trío, que incluye al bajista Larry Grenadier y al baterista Jeff Ballard desde 2004, cuando este último sustituyó a Jorge Rossy. Como trío, han pasado relativamente poco tiempo juntos en el estudio de forma exclusiva -- han pasado siete años desde Day Is Done. En Highway Rider, de 2010, Mehldau aumentó el grupo con Matt Chamberlain, Joshua Redman y una orquesta. Ode es el primer álbum compuesto por todo el material de Mehldau grabado por este trío. Aunque el título puede reflejar cierta pesadez, estas 11 melodías son todo menos eso. Específicamente escritas para este grupo, muestran un sentido cada vez más musculoso de la interacción y el atletismo estilístico que no estaba tan presente en Day Is Done. "M.B." (escrita en memoria de Michael Brecker) presenta un tema bluesero y se mueve en varias direcciones, aparentemente a la vez. Mehldau se mueve rápidamente por la cabeza, encuentra un espacio, y la banda se detiene en un instante, investigando los diversos cambios aparentemente nota por nota antes de volver a despegar. El riffing de Grenadier durante el solo de Mehldau es especialmente fascinante, y su tono está lleno de madera. Los solos de Mehldau en "Stan the Man" son más bulliciosos, más rápidos e incluso más densos, como si el blues de gran alcance de Art Tatum fuera su inspiración. En el tema que da título al disco, mantiene los cambios y el vampiro con su mano izquierda mientras su mano derecha se lanza al modo de baile libre. En el tema "Dream Sketches", con tintes latinos, el solo de bajo de Grenadier no sólo está lleno de imaginación, sino que también da giros y vueltas en el cociente del groove. La batería y la percusión cinéticas de Ballard son fascinantes en prácticamente todo, pero aquí son excepcionalmente propulsivas. El pianismo de Mehldau es mucho más puntillista; acentúa los surcos, los subraya y encuentra espacios dentro de ellos para breves estallidos melódicos que apuntan a los mundos fuera de la melodía. "Wyatt's Eulogy For George Hanson" comienza como una balada superficial que da paso a un maravilloso solo de Grenadier antes de convertirse en una exploración armónica compleja y algo disonante. "Aquaman" es otro sprint, con ideas que cambian rápidamente y una interacción tensa. Como álbum, Odes revela lo lejos que ha llegado este grupo en estos últimos siete años. Y lo que es más importante, ofrece una emocionante visión de lo que puede haber en su horizonte colectivo.
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Biografía
por Richard S. Ginell
Uno de los pianistas más aclamados de su generación, Brad Mehldau es un intérprete virtuoso con un oído para el jazz acústico profundamente matizado y armónicamente sofisticado. Aunque Mehldau es uno de los intérpretes más absorbentes y reflexivos dentro de ese lenguaje, también es receptivo a la idea de utilizar material de la era del rock ("Blackbird" de Paul McCartney, por ejemplo). Aunque la formación de Mehldau es principalmente clásica, su interés por el jazz comenzó pronto y posteriormente ha utilizado ambas formas a lo largo de su carrera. Esto es evidente en su primer (de cinco) volumen Art of the Trio, y en House on Hill de 2006 y Day Is Done de 2010. Tanto los originales como las versiones de los estándares de la música popular -desde Radiohead hasta Nick Drake o Paul Simon- reflejan que su forma de tocar y componer debe tanto al impresionismo clásico del siglo XX de Claude Debussy como a Bill Evans. Ofrece grabaciones de orientación clásica en solitario y con las cantantes Renée Fleming y Anne Sofie von Otter, pero también ha publicado exploraciones cruzadas de las piezas clásicas de J.S. Bach en After Bach, y ha trabajado con la Orpheus Chamber Orchestra en Variations on a Melancholy Theme. Mehldau sigue ampliando la profundidad y la amplitud de la tradición del piano de jazz, ya sea tocando con sus contemporáneos Joshua Redman, Christian McBride y Brian Blade en Round Again, o publicando álbumes en solitario como Seymour Reads the Constitution, el ganador del Grammy Finding Gabriel y el prog-rock de 2022 Jacob's Ladder.

Nacido en 1970 en Jacksonville, Florida, Mehldau empezó a tocar el piano a una edad temprana. Alrededor de los diez años, se trasladó a West Hartford, Connecticut, donde empezó a tomar clases de piano clásico. En su adolescencia, descubrió el jazz, escuchando a artistas como Oscar Peterson, John Coltrane y Keith Jarrett. Tocó en la banda de jazz del Hall High School de West Hartford, Connecticut, y ganó el premio al mejor músico completo del Berklee College of Music cuando aún estaba en su primer año de instituto. En la universidad, estudió jazz en la New School for Social Research de Nueva York con Fred Hersch, Junior Mance, Kenny Werner y Jimmy Cobb. Cobb no tardó en contratarlo para que tocara en su banda, Cobb's Mob. Mehldau también tocó junto al bajista Christian McBride y el baterista Brian Blade en el primer cuarteto acústico del saxofonista Joshua Redman antes de formar su propio trío en 1994 y grabar su primer álbum en Warner Bros., Introducing Brad Mehldau, en 1995. Art of the Trio, Vol. 1 le siguió en 1997, y los dos siguientes volúmenes de la serie aparecieron en los meses siguientes. Dos años después, Mehldau volvió con Elegiac Cycle, así como con Art of the Trio, Vol. 4: Back at the Vanguard. En el año 2000 le siguió Places, compuesto por composiciones originales centradas en varias ciudades, de ahí el título del álbum.

En 2001 apareció otro álbum de Art of the Trio, pero el lanzamiento más significativo fue Largo, en el que Mehldau actuaba con otros grupos fuera de su formato habitual de trío. Esto supuso un gran cambio con respecto a su trabajo anterior y le ofreció nuevos retos al adaptarse a varias situaciones de formación interesantes. Mehldau continuó con este álbum de género con los álbumes "Anything Goes" y "Live in Tokyo" en 2004, y al año siguiente con "Day Is Done". En 2006, publicó House on Hill y Love Sublime, este último con la soprano Renée Fleming, en Nonesuch Records. Mehldau optó por trabajar con su trío más Pat Metheny en Quartet en 2007; le siguió el doble disco Live en 2008, que fue grabado con su trío en el Village Vanguard.

En 2010, Mehldau apareció con el ambicioso Highway Rider, un doble disco de 15 nuevas composiciones producido por Jon Brion. Empleó a su trío, así como al baterista Matt Chamberlain, al saxofonista Joshua Redman y a una pequeña orquesta de cámara dirigida por Dan Coleman. Mehldau arregló y orquestó toda la música. También en 2010, Mehldau fue honrado por el Carnegie Hall al ser nombrado el primer artista de jazz en ocupar la Cátedra de Compositor Richard y Barbara Debs para la temporada 2010-2011. En 2011, Mehldau apareció en dos álbumes en directo: Su propio Live in Marciac y la fecha de ECM Live at Birdland (grabado en 2009) con el saxofonista Lee Konitz, el bajista Charlie Haden y el baterista Paul Motian. En septiembre de ese año, Nonesuch también publicó un álbum de estudio, Modern Music, una colaboración entre Mehldau, el pianista Kevin Hays y el compositor y arreglista Patrick Zimmerli. La música de este disco incluía temas de cada uno de los protagonistas, así como composiciones de Ornette Coleman, Steve Reich y Philip Glass.

El 6 de diciembre de 2011, mientras Mehldau se encontraba al comienzo de una gira mundial, Nonesuch publicó una caja titulada Art of the Trio Recordings: 1996-2001. El conjunto incluye los cinco álbumes de Art of the Trio -el último un disco doble- que se publicaron originalmente en Warner Bros. La caja también incluía un séptimo disco de material inédito de espectáculos en el Village Vanguard en 1997, 1999 y 2001. Un año después, el Brad Mehldau Trio publicó dos álbumes de estudio: el original Ode y una colección de versiones, Where Do You Start. El pianista se unió entonces al baterista/electricista Mark Guiliana para el esfuerzo de colaboración del dúo en 2014, Mehliana: Taming the Dragon.

La caja 10 Years Solo Live apareció en 2015 y recogía las actuaciones en solitario que Mehldau había realizado en Europa en la década anterior. A continuación, regresó a su trío, formado por Larry Grenadier y Jeff Ballard, para el álbum Blues and Ballads, de 2016, en el que se muestra su meticuloso toque colectivo en composiciones de Cole Porter, Charlie Parker, Lennon/McCartney y otros. También en 2016, el pianista se unió al saxofonista Joshua Redman, asociado desde hace tiempo, para el álbum a dúo Nearness, nominado al Grammy. Al año siguiente, se emparejó con la estrella del bluegrass progresivo Chris Thile para el esfuerzo de Nonesuch Chris Thile & Brad Mehldau, y luego exploró las fugas del Clave bien temperado del compositor J.S. Bach con After Bach de 2018. ¡Pocos meses después, volvió con otro álbum de trío, Seymour Reads the Constitution! Su primera fecha de trío que incluye material original desde Ode, de 2012, presentaba tres originales junto a sus habituales versiones de canciones pop, temas de jazz y estándares. El pianista continuó estirándose, tocando en el trío del guitarrista Wolfgang Muthspiel junto con Ambrose Akinmusire en la fecha de ECM Where the River Goes. Cerró el año con el dúo de archivo Long Ago and Far Away con el fallecido bajista Charlie Haden, grabado en el Enjoy Jazz Festival de Mannheim (Alemania) en 2007.

Mehldau siguió con Finding Gabriel, una grabación fuera de los confines del jazz post-bop que se alineaba más con sus otros álbumes del torbellino, como Mehliana: Taming the Dragon, Largo y The Highway Rider. El conjunto incluía nueve temas originales de Mehldau, que tocaba el piano, los sintetizadores, la percusión y el Fender Rhodes, además de poner voz sin palabras. En las sesiones del álbum también participaron invitados como Akinmusire, Giuliana, Sara Caswell, Kurt Elling, Joel Frahm, Gabriel Kahane y Becca Stevens, entre otros. Su inspiración fue tomada de una profecía bíblica relatada a través de los tiempos por el ángel Gabriel. Publicado en la primavera de 2019, se llevó a casa el premio Grammy al mejor álbum instrumental de jazz. Al año siguiente, se reunió con los otros miembros del cuarteto de los 90 del saxofonista Joshua Redman, incluidos Christian McBride y Brian Blade, para Round Again.

En julio, Mehldau publicó el recital en solitario Suite: April 2020. Grabado en Ámsterdam durante la pandemia del COVID-19, el trabajo incluía 12 composiciones originales y tres estándares favoritos que, según el pianista, "... proporcionan una instantánea musical de la vida en el último mes en el mundo en el que todos nos hemos encontrado....". Publicado en formato digital y en una edición limitada y numerada de 1.000 LPs de vinilo de lujo de 180 gramos, todos los ingresos de este último se han donado al Fondo de Emergencia para Músicos COVID-19 de la Jazz Foundation of America. (Nonesuch publicó en septiembre CDs y ediciones en vinilo estándar, también con una parte importante de las ventas donada a beneficio del fondo de la JFA). Una colaboración con la Orpheus Chamber Orchestra, Variations on a Melancholy Theme, llegó en junio de 2021. Publicado en 2022, Jacob's Ladder encontró a Mehldau inspirándose en las escrituras y en su antiguo amor por el prog rock. En el álbum aparecen como invitados Chris Thile, Cecile McLorin Salvant y Becca Stevens, entre otros.

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Johan Bylling Lang Organ Quintet • Doin' My Thing

 

Danish saxophonist and flautist


johanbyllinglang.dk ...

The Steve Howe Trio • New Frontier

Celebrated Rock guitarist performs Jazz.

Not a shock at all really, nor can I say that I am surprised at the quality of the material. Some might say it’s routine, but I find the nature of the performances, and in most cases here the paring down to simplest of arrangements, is great. You can hear from this how (no pun) Steve and his music contribute to the final sound in the progressive rock environment.

The trio combines Steve Howe’s guitars with Dylan Howe on drums and Ross Stanley on keyboards. This, I understand, is their second album following on from 2008’s The Haunted Melody. I have always had a fondness for jazz since my introduction to it in my mid-twenties, and for someone looking for a broad-spectrum introduction, I would happily recommend this. With elements of tradition as well as some interesting contemporary takes, there is some great music here.

by Tony Colvill

https://theprogressiveaspect.net/blog/2019/11/12/the-steve-howe-trio-new-frontier-plus-brief-steve-howe-interview/

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The Steve Howe Trio es un proyecto en clave de jazz del guitarrista de Yes, Steve Howe, en el que se rinden homenaje a iconos del género como Kenny Burrell y Miles Davis.

Steve cuenta con su hijo Dylan como batería y con el organista Ross Stanley. El 27 de septiembre llega New Frontier (a través de Esoteric Antenna) y por primera vez con material original (no tributos). En tres de las piezas ha colaborado el mítico batería Bill Bruford, que desde hace años se había retirado de la música.

 

stevehowe.com ... 

  

Joshua Redman • Joshua Redman

 

 

Joshua Redman is one of the most acclaimed and charismatic jazz artists to have emerged in the decade of the 1990s. Born in Berkeley, California, he is the son of legendary saxophonist Dewey Redman and dancer Renee Shedroff. He was exposed at an early age to a variety of musics (jazz, classical, rock, soul, Indian, Indonesian, Middle-Eastern, African) and instruments (recorder, piano, guitar, gatham, gamelan), and began playing clarinet at age nine before switching to what became his primary instrument, the tenor saxophone, one year later. The early influences of John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley and his father, Dewey Redman, as well as The Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police and Led Zeppelin drew Joshua more deeply into music. But although Joshua loved playing the saxophone and was a dedicated member of the award-winning Berkeley High School Jazz Ensemble and Combo from 1983-86, academics were always his first priority, and he never seriously considered becoming a professional musician.

In 1991 Redman graduated from Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa with a B.A. in Social Studies. He had already been accepted by Yale Law School, but deferred entrance for what he believed was only going to be one year. Some of his friends (former students at the Berklee College of Music whom Joshua had met while in Boston) had recently relocated to Brooklyn, and they were looking for another housemate to help with the rent. Redman accepted their invitation to move in, and almost immediately he found himself immersed in the New York jazz scene. He began jamming and gigging regularly with some of the leading jazz musicians of his generation: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy and Mark Turner (to name just a few). In November of that year, five months after moving to New York, Redman was named the winner of the prestigious Thelonious Monk International Saxophone Competition. This was only one of the more visible highlights from a year that saw Redman beginning to tour and record with jazz masters such as his father, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian, and Clark Terry. For Joshua, this was a period of tremendous growth, invaluable experience and endless inspiration.

Now fully committed to a life in music, Redman was quickly signed by Warner Bros. Records and issued his first, self-titled album in the spring of 1993, which subsequently earned Redman his first Grammy nomination. That fall saw the release of Wish, where Joshua was joined by the all-star cast of Pat Metheny, Charlie Haden and Billy Higgins. He toured extensively with Metheny throughout the latter half of that year. His next recording, MoodSwing, was released in 1994, and it introduced his first permanent band, which included three other young musicians who have gone on to become some of the most important and influential artists in modern jazz: pianist Brad Mehldau, bassist Christian McBride and drummer Brian Blade. A later edition of this ensemble included guitarist Peter Bernstein, pianist Peter Martin, bassist Chris Thomas and Blade. Over a series of celebrated recordings including Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove and Timeless Tales (for Changing Times), Redman established himself as one of the music’s most consistent and successful bandleaders, and added soprano and alto saxophones to his instrumental arsenal. Joshua’s second acclaimed quartet, featuring pianist Aaron Goldberg, bassist Reuben Rogers and drummer Gregory Hutchinson, was formed in 1998 and made its recorded debut on the 2000 album Beyond. The dynamic interplay and uncommon rapport of this group inspired Redman to write and record his first long-form composition, Passage of Time, which was released in 2001.

A year later, Redman began to channel his jazz sensibilities through new instrumentation and formed The Elastic Band, a flexible, electrified, groove-based trio built on an ongoing collaboration with keyboardist Sam Yahel and drummer Brian Blade. The band debuted on the 2002 releases yaya3 and Elastic. Drummer Jeff Ballard began to play regularly with the Elastic Band later that year, and he (along with Blade and Yahel) played a central role in their next recording, the Grammy-nominated Momentum, which was released in 2005 to inaugurate Redman’s affiliation with Nonesuch Records, and featured a diverse and exciting lineup of special guests.

In 2000, Redman was named Artistic Director for the Spring Season of the non-profit jazz-presenting organization SFJAZZ. Redman and SFJAZZ Executive Director Randall Kline had an idea that The New York Times called a “eureka moment”; the creation of the SFJAZZ Collective, an ensemble distinguished both by the creativity of its members and a unique primary emphasis on composition. Inaugurated in 2004, the eight-piece band consists of a multi-generational cast of accomplished musicians. The Collective’s repertoire features both commissioned works and new arrangements of the work of great modern jazz composers. In March 2007, Redman announced that he was taking a hiatus from both the SFJAZZ Artistic Directorship and the SFJAZZ Collective in order to focus on new projects.

The following month, Nonesuch released Redman’s first ever piano-less trio record, Back East, featuring Joshua alongside three stellar bass and drum rhythm sections (Larry Grenadier & Ali Jackson, Christian McBride & Brian Blade, Reuben Rogers & Eric Harland) and three very special guest saxophonists (Chris Cheek, Joe Lovano and Dewey Redman). On Compass, released in January 2009 (Nonesuch), Joshua continues to explore the expansive trio format, and with a group of collaborators as intrepid as he is – bassists Larry Grenadier and Rueben Rogers, and drummers Brian Blade and Gregory Hutchinson – Redman literally and figuratively stretches the shape of the trio approach; on the most audacious of these tunes, he performs with the entire lineup in a double-trio setting.

Starting in late 2009, Joshua will be performing with a new collaborative band called James Farm featuring pianist Aaron Parks, bassist Matt Penman, and drummer Eric Harland. The band infuses traditional acoustic jazz quartet instrumentation with a progressive attitude and modern sound, creating music that is rhythmically and technically complex and at the same time harmonically rich, melodically satisfying, and emotionally compelling.

In addition to his own projects, Redman has recorded and performed with musicians such as Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, The Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, B.B. King, The Lincoln Center Jazz Orchestra, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, The Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, The Trondheim Jazz Orchestra, Mark Turner, McCoy Tyner, Umphrey’s McGee, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder and Sam Yahel. Joshua Redman has been nominated for 2 Grammys and has garnered top honors in critics and readers polls of DownBeat, Jazz Times, The Village Voice and Rolling Stone. He wrote and performed the music for Louis Malle’s final film Vanya on 42nd Street, and is both seen and heard in the Robert Altman film Kansas City.

https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

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Joshua Redman es uno de los artistas de jazz más aclamados y carismáticos que surgieron en la década de 1990. Nacido en Berkeley, California, es hijo del legendario saxofonista Dewey Redman y de la bailarina Renee Shedroff. Estuvo expuesto a una edad temprana a una variedad de músicas (jazz, clásica, rock, soul, India, Indonesia, Oriente Medio, Africana) e instrumentos (flauta dulce, piano, guitarra, gatham, gamelan), y comenzó a tocar el clarinete a los nueve años antes de cambiar a lo que se convirtió en su instrumento principal, el saxofón tenor, un año después. Las primeras influencias de John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley y su padre, Dewey Redman, así como de los Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police y Led Zeppelin atrajeron a Joshua más profundamente a la música. Pero aunque a Joshua le encantaba tocar el saxofón y fue un miembro dedicado del galardonado Conjunto y Combo de Jazz de Berkeley High School de 1983 a 1986, lo académico siempre fue su primera prioridad, y nunca consideró seriamente convertirse en músico profesional.

En 1991, Redman se graduó de Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa con una licenciatura en Estudios Sociales. Ya había sido aceptado por la Facultad de Derecho de Yale, pero postergó la entrada por lo que creía que solo iba a ser un año. Algunos de sus amigos (exalumnos del Berklee College of Music a quienes Joshua había conocido mientras estaba en Boston) se habían mudado recientemente a Brooklyn y estaban buscando otro compañero de casa que los ayudara con el alquiler. Redman aceptó su invitación para mudarse y casi de inmediato se encontró inmerso en la escena del jazz de Nueva York. Comenzó a tocar y tocar regularmente con algunos de los principales músicos de jazz de su generación: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy y Mark Turner (por nombrar solo algunos). En noviembre de ese año, cinco meses después de mudarse a Nueva York, Redman fue nombrado ganador del prestigioso Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk. Este fue solo uno de los aspectos más destacados de un año en el que Redman comenzó a hacer giras y grabar con maestros del jazz como su padre, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian y Clark Terry. Para Joshua, este fue un período de tremendo crecimiento, experiencia invaluable e inspiración infinita.

Ahora totalmente comprometido con una vida en la música, Redman firmó rápidamente con Warner Bros.Records y lanzó su primer álbum homónimo en la primavera de 1993, que posteriormente le valió a Redman su primera nominación al Grammy. Ese otoño vio el lanzamiento de Wish, donde Joshua se unió al elenco estelar de Pat Metheny, Charlie Haden y Billy Higgins. Realizó numerosas giras con Metheny durante la segunda mitad de ese año. Su siguiente grabación, MoodSwing, fue lanzada en 1994, y presentó su primera banda permanente, que incluía a otros tres jóvenes músicos que se han convertido en algunos de los artistas más importantes e influyentes del jazz moderno: el pianista Brad Mehldau, el bajista Christian McBride y el baterista Brian Blade. Una edición posterior de este conjunto incluyó al guitarrista Peter Bernstein, el pianista Peter Martin, el bajista Chris Thomas y Blade. A lo largo de una serie de grabaciones célebres que incluyeron Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove y Timeless Tales (for Changing Times), Redman se estableció como uno de los líderes de banda más consistentes y exitosos de la música, y agregó saxofones soprano y alto a su arsenal instrumental. El segundo cuarteto aclamado de Joshua, con el pianista Aaron Goldberg, el bajista Reuben Rogers y el baterista Gregory Hutchinson, se formó en 1998 e hizo su debut grabado en el álbum Beyond de 2000. La interacción dinámica y la relación poco común de este grupo inspiraron a Redman a escribir y grabar su primera composición de formato largo, Passage of Time, que se lanzó en 2001.

Un año después, Redman comenzó a canalizar su sensibilidad jazzística a través de una nueva instrumentación y formó Elastic Band, un trío flexible, electrificado y basado en el groove construido en una colaboración continua con el tecladista Sam Yahel y el baterista Brian Blade. La banda debutó en los lanzamientos de 2002 yaya3 y Elastic. El baterista Jeff Ballard comenzó a tocar regularmente con Elastic Band más tarde ese año, y él (junto con Blade y Yahel) desempeñó un papel central en su próxima grabación, Momentum, nominada al Grammy, que se lanzó en 2005 para inaugurar la afiliación de Redman con Nonesuch Records, y contó con una alineación diversa y emocionante de invitados especiales.

En 2000, Redman fue nombrado Director Artístico de la Temporada de Primavera de la organización sin fines de lucro SFJAZZ, que presenta jazz. Redman y el director ejecutivo de SFJAZZ, Randall Kline, tuvieron una idea que The New York Times llamó un "momento eureka" ; la creación del Colectivo SFJAZZ, un conjunto que se distingue tanto por la creatividad de sus miembros como por un énfasis primario único en la composición. Inaugurada en 2004, la banda de ocho integrantes consta de un elenco multigeneracional de músicos consumados. El repertorio del Colectivo presenta tanto obras encargadas como nuevos arreglos de la obra de grandes compositores de jazz moderno. En marzo de 2007, Redman anunció que se tomaría un descanso tanto de la Dirección Artística de SFJAZZ como del Colectivo SFJAZZ para concentrarse en nuevos proyectos.

Al mes siguiente, Nonesuch lanzó el primer disco de trío sin piano de Redman, Back East, con Joshua junto a tres secciones estelares de bajo y batería (Larry Grenadier y Ali Jackson, Christian McBride y Brian Blade, Reuben Rogers y Eric Harland) y tres saxofonistas invitados muy especiales (Chris Cheek, Joe Lovano y Dewey Redman). En Compass, lanzado en enero de 2009 (Nonesuch), Joshua continúa explorando el formato de trío expansivo, y con un grupo de colaboradores tan intrépidos como él: los bajistas Larry Grenadier y Rueben Rogers, y los bateristas Brian Blade y Gregory Hutchinson, Redman extiende literal y figurativamente la forma del enfoque de trío; en la más audaz de estas melodías, se presenta con toda la formación en un ambiente de doble trío.

A partir de finales de 2009, Joshua se presentará con una nueva banda colaborativa llamada James Farm con el pianista Aaron Parks, el bajista Matt Penman y el baterista Eric Harland. La banda infunde la instrumentación tradicional de cuarteto de jazz acústico con una actitud progresiva y un sonido moderno, creando música rítmica y técnicamente compleja y al mismo tiempo armónicamente rica, melódicamente satisfactoria y emocionalmente convincente.

Además de sus propios proyectos, Redman ha grabado y actuado con músicos como Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, BB. King, La Orquesta de Jazz del Lincoln Center, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, Los Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, la Orquesta de Jazz de Trondheim, Mark Turner, McCoy Tyner, McGee de Umphrey, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder y Sam Yahel. Joshua Redman ha sido nominado a 2 Grammys y ha obtenido los máximos honores en las encuestas de críticos y lectores de DownBeat, Jazz Times, Village Voice y Rolling Stone. Escribió e interpretó la música de la última película de Louis Malle, Vania on 42nd Street, y se ve y se escucha en la película de Robert Altman Kansas City.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

www.joshuaredman.com ...

 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Sam Yahel • Hometown

 

Biography
One of the more distinctive voices among a new breed of Hammond B-3 organ players on the jazz scene, Sam Yahel has earned the top spot in Down Beat's annual International Critics Poll as a Talent Deserving Of Recognition for the past four consecutive years.

Since moving to New York in 1990, Yahel has worked with a string of notable jazz artists including tenor saxophonists Joshua Redman and Eric Alexander, former James Brown sideman and alto sax great Maceo Parker, guitarists Peter Bernstein and Bill Frisell, trumpeters Ryan Kisor and Jim Rotondi, vocalists HYPERLINK Norah Jones (on her Grammy-winning Come Away With Me), Lizz Wright, and Madeleine Peyroux.

But it has been as a solo artist in his own right that Yahel has made his most personal statements as both composer and player.

On Truth and Beauty, his fourth outing as a leader, Yahel joins with longtime colleagues Joshua Redman and drummer Brian Blade in rekindling the potent chemistry they generated as Yaya3, a collective group that was an outgrowth of a residency they had at Small's nightclub in New York. "I'm proud of that record. I like Yaya3 (which was released by Warner Bros. in 2003). But at the same time I was always thinking about doing something purely of my own."

And while Yahel had previously released three recordings as a leader -- 1998's Searchin', 1999's Trio and 2000's In The Blink of an Eye -- his current outing is his strongest to date. "This record is not so much about the straight-ahead swinging undercurrent of the rhythm section," says Sam. "These days I feel like jazz has absorbed more world music influences. I hear Brazilian, African and Cuban music elements starting to seep into the mainstream jazz scene and I find myself drawing from those influences more. And for me, the organ is the perfect instrument to implement that kind of thing because you can really get rhythmic and percussive on it, you can evoke images and sounds just as easily as swinging. And although I'm a big fan of straight ahead swinging music and I still play it with pleasure, I think that this record is more of a foray into the other side."

With Truth and Beauty, Yahel once again stakes out his own territory on the Hammond B-3 organ while taking another important stride as a bandleader and composer.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/sam-yahel

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Biografía
Sam Yahel, una de las voces más distintivas de la nueva generación de organistas Hammond B-3 de la escena del jazz, ha obtenido el primer puesto en la encuesta anual de la crítica internacional de Down Beat como Talento merecedor de reconocimiento durante los últimos cuatro años consecutivos.

Desde que se trasladó a Nueva York en 1990, Yahel ha trabajado con una serie de notables artistas de jazz, entre ellos los saxofonistas tenores Joshua Redman y Eric Alexander, el antiguo acompañante de James Brown y gran saxo alto Maceo Parker, los guitarristas Peter Bernstein y Bill Frisell, los trompetistas Ryan Kisor y Jim Rotondi, las vocalistas HYPERLINK Norah Jones (en su ganadora del Grammy Come Away With Me), Lizz Wright y Madeleine Peyroux.

Pero ha sido en solitario donde Yahel ha hecho sus declaraciones más personales como compositor e intérprete.

En Truth and Beauty, su cuarto trabajo como líder, Yahel se une a sus colegas de toda la vida Joshua Redman y el batería Brian Blade para reavivar la potente química que generaron como Yaya3, un grupo colectivo que surgió de una residencia que tuvieron en el club nocturno Small's de Nueva York. "Estoy orgulloso de ese disco. Me gusta Yaya3 (que publicó Warner Bros. en 2003). Pero al mismo tiempo siempre pensaba en hacer algo puramente mío".

Y aunque Yahel ya había publicado tres discos como líder: Searchin' (1998), Trio (1999) e In The Blink of an Eye (2000), el actual es el más potente hasta la fecha. "Este disco no tiene tanto que ver con el swing directo de la sección rítmica", dice Sam. "Hoy en día creo que el jazz ha absorbido más influencias de las músicas del mundo. Oigo que elementos de la música brasileña, africana y cubana empiezan a filtrarse en la escena del jazz convencional y me encuentro a mí mismo inspirándome más en esas influencias. Y para mí, el órgano es el instrumento perfecto para poner en práctica ese tipo de cosas, porque con él se puede ser realmente rítmico y percusivo, se pueden evocar imágenes y sonidos con la misma facilidad que con el swing. Y aunque soy un gran admirador de la música swing directa y sigo tocándola con placer, creo que este disco es más bien una incursión en el otro lado".

Con Truth and Beauty, Yahel vuelve a marcar su propio territorio con el órgano Hammond B-3 al tiempo que da otro paso importante como director de orquesta y compositor.
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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Oregon • Winter Light

La historia comienza allá lejos en 1962, cuando el sexteto del saxofonista Paul Winter partía desde Washigton D.C. hacia veintitrés países de Latinoamérica, Argentina incluída, en una gira de seis meses de duración auspiciada por el Departamento de Estado. A su regreso, Winter, impresionado especialmente por la música de Brasil, decidió apartarse de la corriente más convencional del jazz para formar un nuevo grupo, el Consort, con el que comenzaría a explorar nuevas formas musicales, abriéndose a distintas influencias.
Entre 1970 y 1971 graba su álbum Road. Para ese entonces, el Consort estaba formado por Winter (saxo), David Darling (cello), Ralph Towner (guitarras clásica y de doce cuerdas), Paul McCandless (oboe y corno inglés), Collin Walcott (diversos instrumentos de percusión) y Glen Moore (bajo). En 1972 (con el bajista Herb Bushler reemplazando a Moore) graban otro disco fundamental: Icarus, producido por George Martin, el de los Beatles, quien en su autobiografía afirma que éste es su mejor álbum como productor.
Ese mismo año, Towner, McCandless, Moore y Walcott entran al estudio para grabar el que será el primer álbum oficial de Oregon: Music of Another Present Era, para el sello Vanguard. Bastante después, en 1980, y con Oregon grabando para Elektra, Vanguard editó bajo el nombre de Our First Record un conjunto de tomas que habían sido originalmente descartadas.

La novedad de Oregon no sólo se debía a la variedad de influencias que nutrían su música (Towner, McCandless y Moore tenían experiencia en el jazz y la música de cámara). Tanto como esto, la riqueza musical del grupo residía en la condición de multiinstrumentistas de todos sus integrantes. McCandless brillaba por igual en el oboe, el corno inglés, el clarinete bajo y posteriormente el saxo soprano y diversas flautas de bambú. Ralph Towner, el principal compositor del grupo, se destacaba con las guitarras clásica y de doce cuerdas y con el piano, pero también tocaba la trompeta y el corno francés, y el bajista Glen Moore también tocaba piano, flauta y violín. Pero la nota de color la ponía Collin Walcott, un etnomusicólogo encargado de los instrumentos de percusión y de los instrumentos hindúes como el sitar y las tablas, los que había estudiado con Ravi Shankar y Alla Rakha respectivamente. En los '70s, Oregon grabó varios álbumes excelentes en cuarteto (Distant Hills, Winter Light, In Concert), en los que desarrollaba un estilo generado en base a una matriz tomada del jazz, con temas y solos sobre los acordes, pero con criterios de orquestación claramente derivados de la música de cámara. Walcott, con su arsenal de instrumentos no convencionales, imbuía a Oregon de un sonido inconfundible.

Texto extractado de http://www.guillermobazzola.com.ar/nota_oregon.htm

Este podría decirse en un disco representativo del sonido de esta banda, aunque todos tienen sus matices particulares. Es un CD para quienes quieren conocer a la banda como para aquellos que ya conocen Oregon.

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Review by Ron Wynn

If there was a "second best" recording from Oregon in their early years, this would be it. The concept of "Winter Light" certainly reflects the visage of the Pacific Northwest in the fourth season, yet it is a music, and time of year, filled with hope for the future while pondering a somewhat bleak present. Winter can be pleasant, bearable and filled with its own snowy delights. The first three pieces on their own are worth the price of this entire project, and are definitive works from the quartet. "Tide Pool" while accented with bizarre twists, is anchored by Walcott's energetic tabla and Towner's pure bred energy on acoustic guitar. Of course Jim Pepper's "Witchi-Tai-To" is classic, made moreso by the group's personal collective serenity and peace injected into the flavor of the composition. "Ghost Beads" is really the one for Towner and oboist Paul McCandless to dig in and fully express their vitruosity. These are three great examples of early world music. While the rest of the recording is not as provocative, it is still well played and conceived. "Winter Light" is heartily recommended as your follow-up Oregon purchase after "Music Of Another Present Era," with "Distant Hills" a close third.

- Ralph Towner / guitar, percussion, piano, flugelhorn
- Collin Walcott / clarinet, percussion, conga, sitar, tabla, photographer
- Glen Moore / bass, flute, piano, violin, bass guitar
- Paul McCandless / English horn, oboe

oregonband.com ...

Leon Lee Dorsey-Russell Malone-Mike Clark • Cantaloupe Island

 

 

Renowned bassist Leon Lee Dorsey continues his prolific streak with the issue of Cantaloupe Island, the latest album to be released on his Jazz Avenue 1 label and a continuation of his bountiful partnership with revered drummer Mike Clark. On their sixth collaboration since 2019, the stalwart rhythm section brings in virtuosic guitarist Russell Malone for an invigorating nine-track program of compositions by Horace Silver, Wes Montgomery, Prince and more. Cantaloupe Island was released on February 17, 2023.

Since joining forces four years ago, the dazzling duo of Dorsey and Clark has released a plethora of critically acclaimed albums with a different featured guest each time. Prior to the pandemic, the pair joined Greg Skaff for the all-Thelonious Monk program on Monktime. Soon after, they brought in pianist Michael Wolff for the DownBeat Editor’s pick release Plays Sgt. Pepper, before turning attention to Thank You Mr. Mabern, the last album of the late piano giant Harold Mabern. Two more releases followed including the Latin jazz rumination Freedom Jazz Dance with pianist Manuel Valera and last year’s well- received soulful meditation on the blues with pianist Mike LeDonne, Blues on Top. While each release reveals a new musical side of this dynamic rhythmic pairing, their unique simpatico remains ubiquitous.

On Cantaloupe Island, Dorsey and Clark have tapped guitar great Russell Malone. “Russell Malone is an absolutely phenomenal musician,” said Dorsey. “Soulful and swinging and a brilliant improviser, he embodies the tradition and history of two of the greatest guitarists of all time, Wes Montgomery and George Benson. Russell can thrive and uplift any situation. He has had a longstanding partnership with my mentor and teacher, the legendary bassist Ron Carter. So it was a tremendous honor to have Russell on board with Mike and myself on our sixth project together. It was a dream come true and a perfect fit.”

Malone’s musical history with Ron Carter reaches back to the guitarist’s 1998 album Georgia Peach, his third as a leader, and has continued over time as a member of Carter’s Golden Striker Trio (first with pianist Mulgrew Miller, currently with pianist Donald Vega). Malone was also prominently featured on the recent PBS documentary, Ron Carter: Finding the Right Notes. The guitarist applies his harmonic sophistication and melodic invention with soulful aplomb on this spirited trio outing.

The triumvirate opens with the title track, Hancock’s “Cantaloupe Island,” with Clark alluding to his own broken rhythm syncopated patterns that he played on tour with the iconic keyboardist-composer back in the early 1970s on tunes like “Chameleon” and “Spank-a-Lee.” This is a more overtly funky take than Tony Williams’, which takes a rolling soul-jazz approach on the original recording from Hancock’s landmark 1964 Blue Note album, Empyrean Isles. A more syncopated version here, Malone’s deft jumping back and forth from urgent rhythm playing to rich chord voicings to cleanly picked, warm-toned single note lines, draws parallels to Grant Green. Clark’s loose, conversational approach behind the kit here sets the interactive tone that prevails throughout these nine tracks.

Horace Silver’s lively waltz “Barbara” (from 1975’s Silver ’n Brass on Blue Note) finds the remarkably polyrhythmic Clark tippin’ on the ride cymbal while maintaining that highly interactive pulse on the kit. Dorsey holds the fort on bass before unleashing one on his patented melodic solos as Malone supplies gentle arpeggios underneath. On an earthy, energized rendition of Silver’s “Sister Sadie” (from 1959’s Blowin’ the Blues Away on Blue Note), Malone digs in against Clark’s infectious Texas shuffle and Dorsey’s solid walking bass groove, flaunting some stinging chops that alternately signify early George Benson and latter day T-Bone Walker.

“Bumpin’ on Sunset,” the Latin-tinged number from 1966’s Tequila that introduced a generation of guitar players to Wes Montgomery’s smooth octaves playing, is rendered here as an entrancing soul-jazz groover. Malone summons up some signature Wes octaves work along with deft use of chord melodies and flowing single note lines. For a change of pace, they deliver a lush, relaxed rendition of the Ray Noble ballad, “The Very Thought of You,” with Clark’s sensitive brushwork setting a subdued tone for Malone’s minor key reharmonizations on that familiar standard. Dorsey’s sparse low-end presence here adds to the meditative nature of this hauntingly beautiful interpretation.

Shifting gears, their snappy rendition of Prince’s “Thieves in the Temple” (from his 1990 soundtrack album to the film Graffiti Bridge) has drummer Clark back in a funk bag with Malone carrying Prince’s vocals on guitar. Aside from supplying some insistent, double-timed comping and rich chord melodies, Malone also delivers some wicked string-bending and adventurous single note statements on this pop number (which was also covered by Herbie Hancock on his 1996 album, The New Standard).

A waltz-time interpretation of the standard “That’s All” is underscored by Clark’s hip brushwork and Dorsey’s melodic bass lines. Malone’s chord melody work and fluid single note lines punctuate the upbeat proceedings. When Clark switches to sticks and swings in a more forceful mode, the guitarist digs in and delivers with gusto, alternately running some flowing legato lines and more deft chord melodies. Dorsey’s agile, woody-toned bass solo here is right in the harmonically inventive tradition of his former teachers and mentors Ron Carter and Richard Davis. Clark returns to brushes as the trio takes it out in elegantly swinging fashion.

Their dreamy take on the Kenny Burrell dark-hued ballad, “Listen to the Dawn,” is a veritable clinic in the art of chord melody playing by special guest Malone. They conclude the program with a laid-back, loping rendition of Wes Montgomery’s “The Thumb,” an oft-covered tune that also first appeared on Wes’ 1966 Verve debut, Tequila. Clark engages in some fantastically interactive playing here with Malone while

Pittsburgh native Dorsey walks in the tradition of another legendary Pittsburgher, Ray Brown. Clark takes it down to a whisper behind Dorsey’s remarkably fluid bass solo before Malone returns to exchange vigorous eights with the drummer.

This stellar outing is yet another example of the musical synergy that Clark and Dorsey have forged together over time. And Russell, one of the classiest and most acclaimed guitarists on the jazz scene today, brings something very special to that ongoing partnership on Cantaloupe Island.

Source: LYDIA LIEBMAN PROMOTIONS
https://www.jazznearyou.com/world/publicityfirm/lydia-liebman-promotions
March 8, 2023
https://www.allaboutjazz.com/news/bassist-leon-lee-dorsey-and-drummer-mike-clark-return-on-seasoned-new-outing-cantaloupe-island-beside-guitar-great-russell-malone-out-now-via-jazz-avenue-1/

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El renombrado bajista Leon Lee Dorsey continúa su prolífica racha con el tema Cantaloupe Island, el último álbum que se lanzará en su sello Jazz Avenue 1 y una continuación de su generosa asociación con el venerado baterista Mike Clark. En su sexta colaboración desde 2019, la sección rítmica incondicional trae al virtuoso guitarrista Russell Malone para un vigorizante programa de nueve pistas de composiciones de Horace Silver, Wes Montgomery, Prince y más. Cantaloupe Island fue lanzado el 17 de febrero de 2023.

Desde que unieron fuerzas hace cuatro años, el deslumbrante dúo de Dorsey y Clark ha lanzado una gran cantidad de álbumes aclamados por la crítica con un invitado destacado diferente cada vez. Antes de la pandemia, la pareja se unió a Greg Skaff para el programa all-Thelonious Monk en Monktime. Poco después, trajeron al pianista Michael Wolff para el lanzamiento de DownBeat Editor's pick Plays Sgt. Pepper, antes de centrar la atención en Thank You Mr. Mabern, el último álbum del difunto gigante del piano Harold Mabern. Siguieron dos lanzamientos más, incluido el rumiante de jazz latino Freedom Jazz Dance con el pianista Manuel Valera y la meditación conmovedora del año pasado sobre el blues con el pianista Mike LeDonne, Blues on Top. Si bien cada lanzamiento revela un nuevo lado musical de este emparejamiento rítmico dinámico, su simpático único sigue siendo omnipresente.

En Cantaloupe Island, Dorsey y Clark han tocado la guitarra del gran Russell Malone. "Russell Malone es un músico absolutamente fenomenal", dijo Dorsey. "Conmovedor y oscilante y un brillante improvisador, encarna la tradición y la historia de dos de los mejores guitarristas de todos los tiempos, Wes Montgomery y George Benson. Russell puede prosperar y mejorar cualquier situación. Ha tenido una asociación de larga data con mi mentor y maestro, el legendario bajista Ron Carter. Así que fue un gran honor tener a Russell a bordo con Mike y conmigo en nuestro sexto proyecto juntos. Fue un sueño hecho realidad y un ajuste perfecto.”

La historia musical de Malone con Ron Carter se remonta al álbum de 1998 del guitarrista Georgia Peach, su tercero como líder, y ha continuado en el tiempo como miembro del Trío Golden Striker de Carter (primero con el pianista Mulgrew Miller, actualmente con el pianista Donald Vega). Malone también apareció de manera destacada en el reciente documental de PBS, Ron Carter: Finding the Right Notes. El guitarrista aplica su sofisticación armónica y su invención melódica con un aplomo conmovedor en esta enérgica salida en trío.

El triunvirato se abre con la canción principal, "Cantaloupe Island" de Hancock, con Clark aludiendo a sus propios patrones sincopados de ritmo roto que tocó en la gira con el icónico tecladista y compositor a principios de la década de 1970 en canciones como "Chameleon" y "Spank-a-Lee."Esta es una versión más abiertamente funky que la de Tony Williams, que adopta un enfoque de soul-jazz en la grabación original del emblemático álbum Blue Note de 1964 de Hancock, Empyrean Isles. Una versión más sincopada aquí, el hábil salto de Malone de un ritmo urgente a voces de acordes ricas a líneas de notas individuales de tonos cálidos y limpios, dibuja paralelismos con Grant Green. El enfoque relajado y conversacional de Clark detrás del kit aquí establece el tono interactivo que prevalece a lo largo de estas nueve pistas.

El animado vals "Barbara" de Horace Silver (de Silver 'n Brass on Blue Note de 1975) encuentra al notablemente polirrítmico Clark tippin' en el platillo ride mientras mantiene ese pulso altamente interactivo en el kit. Dorsey sostiene el fuerte en el bajo antes de desatar uno en sus solos melódicos patentados mientras Malone suministra arpegios suaves debajo. En una interpretación terrenal y llena de energía de "Sister Sadie" de Silver (de Blowin' the Blues Away de 1959 en Blue Note), Malone se enfrenta al contagioso Texas shuffle de Clark y al sólido ritmo de bajo andante de Dorsey, haciendo alarde de algunas chuletas punzantes que alternativamente significan los primeros George Benson y los últimos días T-Bone Walker.

"Bumpin' on Sunset", el número con tintes latinos de Tequila de 1966 que introdujo a una generación de guitarristas en la suave interpretación de octavas de Wes Montgomery, se representa aquí como un fascinante groover de soul-jazz. Malone invoca algunos trabajos característicos de octavas de Wes junto con un hábil uso de melodías de acordes y líneas fluidas de una sola nota. Para un cambio de ritmo, ofrecen una interpretación exuberante y relajada de la balada de Ray Noble, "The Very Thought of You", con la delicada pincelada de Clark que establece un tono tenue para las rearmonizaciones de tonalidades menores de Malone en ese estándar familiar. La escasa presencia de Dorsey en los bajos se suma a la naturaleza meditativa de esta interpretación inquietantemente hermosa.

Shifting gears, su interpretación ágil de "Thieves in the Temple" de Prince (de su álbum de la banda sonora de 1990 a la película Graffiti Bridge) tiene al baterista Clark de vuelta en una bolsa de funk con Malone llevando la voz de Prince en la guitarra. Aparte de proporcionar algunas melodías de acordes insistentes, de doble tiempo y ricas, Malone también ofrece algunas declaraciones de una sola nota malvadas y aventureras en este número pop (que también fue cubierto por Herbie Hancock en su álbum de 1996, The New Standard).

Una interpretación en tiempo de vals del estándar "That's All" se ve subrayada por la pincelada de cadera de Clark y las líneas de bajo melódicas de Dorsey. El trabajo de melodía de acordes de Malone y las líneas fluidas de una sola nota marcan los procedimientos optimistas. Cuando Clark cambia a palos y columpios en un modo más contundente, el guitarrista cava y entrega con gusto, alternando algunas líneas de legato fluidas y melodías de acordes más hábiles. El ágil y amaderado solo de bajo de Dorsey aquí está justo en la tradición armónicamente inventiva de sus antiguos maestros y mentores Ron Carter y Richard Davis. Clark vuelve a los pinceles mientras el trío los saca de manera elegante y oscilante.

Su versión soñadora de la balada oscura de Kenny Burrell, "Listen to the Dawn", es una verdadera clínica en el arte de la melodía de acordes interpretada por el invitado especial Malone. Concluyen el programa con una interpretación relajada y entrecortada de "The Thumb" de Wes Montgomery, una melodía a menudo versionada que también apareció por primera vez en el debut de Wes en 1966, Tequila. Clark se involucra en un juego fantásticamente interactivo aquí con Malone mientras

Dorsey, nativo de Pittsburgh, sigue la tradición de otro legendario de Pittsburgh, Ray Brown. Clark lo reduce a un susurro detrás del solo de bajo notablemente fluido de Dorsey antes de que Malone regrese para intercambiar vigorosos ochos con el baterista.

Esta salida estelar es otro ejemplo de la sinergia musical que Clark y Dorsey han forjado juntos a lo largo del tiempo. Y Russell, uno de los guitarristas más elegantes y aclamados de la escena del jazz actual, aporta algo muy especial a esa asociación en curso en Cantaloupe Island.

Fuente: LYDIA LIEBMAN PROMOTIONS
https://www.jazznearyou.com/world/publicityfirm/lydia-liebman-promotions
8 de marzo de 2023
https://www.allaboutjazz.com/news/bassist-leon-lee-dorsey-and-drummer-mike-clark-return-on-seasoned-new-outing-cantaloupe-island-beside-guitar-great-russell-malone-out-now-via-jazz-avenue-1/

 

leonleedorsey.com ...

Leo Takami • Next Door

 

The Tokyo guitarist and pianist channels jazz, fusion, and Japanese environmental music as he deepens the emotional resonance of his music while maintaining its soothing atmosphere.

Leo Takami finds joy in simple melodies played in a straightforward manner. Though his compositions often lead somewhere unexpected, the jazz guitarist and pianist keeps his tunes as rounded and safe as kindergarten toys. Like Joe Hisaishi, the Studio Ghibli composer who is one of his clearest predecessors, Takami has forged an aesthetic that’s clear and chipper when it’s happy, curious and grounded when it’s not. His willingness to plainly state his emotional intentions without pandering or infantilizing is refreshing, as if he’s giving the listener permission to explore the complexities of feelings that once seemed easy to understand: You have no idea how interesting happiness can be. This quality made 2020’s Felis Catus and Silence a charming testimony of good cheer, and on Next Door, he deepens the emotional resonance of his music without setting it on edge.

The mood on Next Door is blue, but Takami’s indefatigable optimism makes it more of an airy azure than the deep cobalt of, say, Miles Davis. Like Pat Metheny, his guitar lines have a plainspoken eloquence and patience that makes the music feel airy and open, even at its most contemplative. He chooses his notes carefully, more concerned with sustaining or expanding emotional tone than musical possibilities. On the lengthy lead he plots through “Winter Day,” he plays like he’s reading out loud from Dickens—he’s steady, precise, letting the notes themselves convey the meaning rather than the way he’s voicing them. He shakes loose a few needles from his guitar in “Road With Cypress and Star,” but he primarily saves the big, bursting runs for his piano and organ, both of which he tends to keep farther back in the mix, as if their relative feistiness might trouble the songs. If the textural clarity of the recording makes it feel like the music you’d hear in a department store stereo demonstration, that may be on purpose: Takami seems to want to fish his audience from the relentless flow of everyday life in order to experience the simple pleasure of listening.

While Takami’s playing can be straightforward, it’s supported by subtly complex production that both supports and reframes the simplicity of the lead instruments. Like Felis Catus, the album draws equally from ECM jazz, classical minimalism, and Japanese environmental music without sounding much like any of them. Behind the opalescent drops and desert blues of “Beyond” are pulses that spread like moss in a deep forest. In “Family Tree,” a loop of faded found sound crackles behind a guitar swelling with regret. The interplay and the distance in fidelity between the elements makes the song’s sense of time feel three-dimensional, as if we’re hearing the present considering and being shaped by the past. Takami plays every instrument on the record, and he produced it himself; absent a band, these production touches are a form of interplay, and at times you can hear his leads responding to and being reshaped by the gentle urgings of their accompaniment.

In the proper opener and standout “As If Listening,” Takami’s guitar greets you with a smile, but it emerges in the wake of the Erik Satie-like piano intro “Letter.” The sadness of that brief track lingers throughout “As If Listening,” sighing in the strings and implicit in the distant shuffle of shaker and pulse of marimba. Takami draws the guitar toward the background, its bliss eventually turning into a contemplative trance. When the song stops to catch its breath in the final moments, its momentum follows the gaze of the strings skyward. The slow twinkle of piano and hum of electronics make it feel like looking up at the sky in awe. Over and over again on Next Door, Leo Takami recontextualizes the familiar, returning us to truths whose universality made them cliches in the first place. The stars don’t shine any brighter here; you’re just seeing them through clearer air.
https://pitchfork.com/reviews/albums/leo-takami-next-door/

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El guitarrista y pianista de Tokio canaliza el jazz, la fusión y la música ambiental japonesa a medida que profundiza la resonancia emocional de su música mientras mantiene su atmósfera relajante.

Leo Takami encuentra alegría en melodías simples tocadas de manera directa. Aunque sus composiciones a menudo conducen a un lugar inesperado, el guitarrista y pianista de jazz mantiene sus melodías tan redondeadas y seguras como los juguetes de jardín de infantes. Al igual que Joe Hisaishi, el compositor de Studio Ghibli que es uno de sus predecesores más claros, Takami ha forjado una estética que es clara y alegre cuando es feliz, curiosa y sólida cuando no lo es. Su disposición a expresar claramente sus intenciones emocionales sin complacer ni infantilizar es refrescante, como si le estuviera dando permiso al oyente para explorar las complejidades de los sentimientos que antes parecían fáciles de entender: No tienes idea de lo interesante que puede ser la felicidad. Esta cualidad hizo de Felis Catus y Silence de 2020 un encantador testimonio de buen ánimo, y en Next Door, profundiza la resonancia emocional de su música sin ponerla nerviosa.

El ambiente en Next Door es azul, pero el infatigable optimismo de Takami lo convierte en un azul más aireado que el cobalto profundo de, digamos, Miles Davis. Al igual que Pat Metheny, sus líneas de guitarra tienen una elocuencia y paciencia sencillas que hacen que la música se sienta aireada y abierta, incluso en su forma más contemplativa. Elige sus notas con cuidado, más preocupado por mantener o expandir el tono emocional que las posibilidades musicales. En la larga pista que traza a través de "Día de invierno", toca como si estuviera leyendo en voz alta de Dickens: es constante, preciso, y deja que las notas transmitan el significado en lugar de la forma en que las expresa. Suelta algunas agujas de su guitarra en "Road With Cypress and Star", pero principalmente guarda las grandes y explosivas carreras para su piano y órgano, los cuales tiende a mantener más atrás en la mezcla, como si su relativa lucha pudiera molestar a las canciones. Si la claridad textural de la grabación hace que se sienta como la música que escucharías en una demostración estéreo de una tienda departamental, eso puede ser a propósito: Takami parece querer pescar a su audiencia del flujo implacable de la vida cotidiana para experimentar el simple placer de escuchar.

Si bien la interpretación de Takami puede ser sencilla, está respaldada por una producción sutilmente compleja que apoya y replantea la simplicidad de los instrumentos principales. Al igual que Felis Catus, el álbum se basa igualmente en el jazz ECM, el minimalismo clásico y la música ambiental japonesa sin sonar como ninguno de ellos. Detrás de las gotas opalescentes y los azules del desierto de" Beyond " hay pulsos que se extienden como musgo en un bosque profundo. En "Árbol genealógico", un bucle de sonidos encontrados descoloridos crepita detrás de una guitarra que se hincha de pesar. La interacción y la distancia en fidelidad entre los elementos hacen que el sentido del tiempo de la canción se sienta tridimensional, como si estuviéramos escuchando el presente considerando y siendo moldeado por el pasado. Takami toca todos los instrumentos del disco, y lo produjo él mismo; en ausencia de una banda, estos toques de producción son una forma de interacción, y a veces puedes escuchar a sus protagonistas respondiendo y siendo remodelados por los suaves impulsos de su acompañamiento.

En el abridor adecuado y destacado "As If Listening", la guitarra de Takami te saluda con una sonrisa, pero emerge a raíz de la carta de introducción al piano de Erik Satie."La tristeza de ese breve tema perdura a lo largo de "As If Listening", suspirando en las cuerdas e implícita en el lejano barajar de shaker y pulso de marimba. Takami dibuja la guitarra hacia el fondo, su felicidad eventualmente se convierte en un trance contemplativo. Cuando la canción se detiene para recuperar el aliento en los momentos finales, su impulso sigue la mirada de las cuerdas hacia el cielo. El lento brillo del piano y el zumbido de la electrónica lo hacen sentir como si mirara al cielo con asombro. Una y otra vez en Next Door, Leo Takami recontextualiza lo familiar, devolviéndonos a verdades cuya universalidad las convirtió en clichés en primer lugar. Las estrellas no brillan más aquí; solo las ves a través del aire más claro.
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Tingvall Trio • Norr

 

Martin Tingvall, Omar Rodriguez Calvo, Jürgen Spiegel: a Swede, a Kuban and a German. Three men who have made Hamburg their home. A pianist, a bass player, a drummer. Together they create an unmistakable sound all its own. A sound and songs which even appeal to people who normally don't listen to jazz. That’s the Tingvall Trio.

With concerts in more than 30 countries, a full measure of accolades including the German ECHO JAZZ as „Ensemble of the Year“ and „Live Act of the Year“, Jazz awards in gold for each of the trio's studio albums, No. 1 on the Jazz charts and even high ranking on the Pop charts, the trio's popularity has attained a level usually marked by current pop bands.
And yet, Tingvall Trio are just three friends who still love to make music together. This autumn their new album „Dance“ will be released.
https://tingvall-trio.de/#About

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Martin Tingvall, Omar Rodríguez Calvo, Jürgen Spiegel: un sueco, un cubano y un alemán. Tres hombres que han hecho de Hamburgo su hogar. Un pianista, un bajista, un baterista. Juntos crean un sonido inconfundible y propio. Un sonido y canciones que incluso atraen a personas que normalmente no escuchan jazz. Es el Trío Tingvall.

Con conciertos en más de 30 países, una gran cantidad de elogios que incluyen al ECHO JAZZ alemán como "Conjunto del Año" y "Acto en Vivo del Año", premios de Jazz en oro por cada uno de los álbumes de estudio del trío, el número 1 en las listas de Jazz e incluso un alto ranking en las listas de éxitos, la popularidad del trío ha alcanzado un nivel generalmente marcado por las bandas de pop actuales.
Y, sin embargo, Tingvall Trio son solo tres amigos a los que todavía les encanta hacer música juntos. Este otoño se lanzará su nuevo álbum "Dance".
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Joshua Redman • Wish

 

Joshua Redman is one of the most acclaimed and charismatic jazz artists to have emerged in the decade of the 1990s. Born in Berkeley, California, he is the son of legendary saxophonist Dewey Redman and dancer Renee Shedroff. He was exposed at an early age to a variety of musics (jazz, classical, rock, soul, Indian, Indonesian, Middle-Eastern, African) and instruments (recorder, piano, guitar, gatham, gamelan), and began playing clarinet at age nine before switching to what became his primary instrument, the tenor saxophone, one year later. The early influences of John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley and his father, Dewey Redman, as well as The Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police and Led Zeppelin drew Joshua more deeply into music. But although Joshua loved playing the saxophone and was a dedicated member of the award-winning Berkeley High School Jazz Ensemble and Combo from 1983-86, academics were always his first priority, and he never seriously considered becoming a professional musician.

In 1991 Redman graduated from Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa with a B.A. in Social Studies. He had already been accepted by Yale Law School, but deferred entrance for what he believed was only going to be one year. Some of his friends (former students at the Berklee College of Music whom Joshua had met while in Boston) had recently relocated to Brooklyn, and they were looking for another housemate to help with the rent. Redman accepted their invitation to move in, and almost immediately he found himself immersed in the New York jazz scene. He began jamming and gigging regularly with some of the leading jazz musicians of his generation: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy and Mark Turner (to name just a few). In November of that year, five months after moving to New York, Redman was named the winner of the prestigious Thelonious Monk International Saxophone Competition. This was only one of the more visible highlights from a year that saw Redman beginning to tour and record with jazz masters such as his father, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian, and Clark Terry. For Joshua, this was a period of tremendous growth, invaluable experience and endless inspiration.

Now fully committed to a life in music, Redman was quickly signed by Warner Bros. Records and issued his first, self-titled album in the spring of 1993, which subsequently earned Redman his first Grammy nomination. That fall saw the release of Wish, where Joshua was joined by the all-star cast of Pat Metheny, Charlie Haden and Billy Higgins. He toured extensively with Metheny throughout the latter half of that year. His next recording, MoodSwing, was released in 1994, and it introduced his first permanent band, which included three other young musicians who have gone on to become some of the most important and influential artists in modern jazz: pianist Brad Mehldau, bassist Christian McBride and drummer Brian Blade. A later edition of this ensemble included guitarist Peter Bernstein, pianist Peter Martin, bassist Chris Thomas and Blade. Over a series of celebrated recordings including Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove and Timeless Tales (for Changing Times), Redman established himself as one of the music’s most consistent and successful bandleaders, and added soprano and alto saxophones to his instrumental arsenal. Joshua’s second acclaimed quartet, featuring pianist Aaron Goldberg, bassist Reuben Rogers and drummer Gregory Hutchinson, was formed in 1998 and made its recorded debut on the 2000 album Beyond. The dynamic interplay and uncommon rapport of this group inspired Redman to write and record his first long-form composition, Passage of Time, which was released in 2001.

A year later, Redman began to channel his jazz sensibilities through new instrumentation and formed The Elastic Band, a flexible, electrified, groove-based trio built on an ongoing collaboration with keyboardist Sam Yahel and drummer Brian Blade. The band debuted on the 2002 releases yaya3 and Elastic. Drummer Jeff Ballard began to play regularly with the Elastic Band later that year, and he (along with Blade and Yahel) played a central role in their next recording, the Grammy-nominated Momentum, which was released in 2005 to inaugurate Redman’s affiliation with Nonesuch Records, and featured a diverse and exciting lineup of special guests.

In 2000, Redman was named Artistic Director for the Spring Season of the non-profit jazz-presenting organization SFJAZZ. Redman and SFJAZZ Executive Director Randall Kline had an idea that The New York Times called a “eureka moment”; the creation of the SFJAZZ Collective, an ensemble distinguished both by the creativity of its members and a unique primary emphasis on composition. Inaugurated in 2004, the eight-piece band consists of a multi-generational cast of accomplished musicians. The Collective’s repertoire features both commissioned works and new arrangements of the work of great modern jazz composers. In March 2007, Redman announced that he was taking a hiatus from both the SFJAZZ Artistic Directorship and the SFJAZZ Collective in order to focus on new projects.

The following month, Nonesuch released Redman’s first ever piano-less trio record, Back East, featuring Joshua alongside three stellar bass and drum rhythm sections (Larry Grenadier & Ali Jackson, Christian McBride & Brian Blade, Reuben Rogers & Eric Harland) and three very special guest saxophonists (Chris Cheek, Joe Lovano and Dewey Redman). On Compass, released in January 2009 (Nonesuch), Joshua continues to explore the expansive trio format, and with a group of collaborators as intrepid as he is – bassists Larry Grenadier and Rueben Rogers, and drummers Brian Blade and Gregory Hutchinson – Redman literally and figuratively stretches the shape of the trio approach; on the most audacious of these tunes, he performs with the entire lineup in a double-trio setting.

Starting in late 2009, Joshua will be performing with a new collaborative band called James Farm featuring pianist Aaron Parks, bassist Matt Penman, and drummer Eric Harland. The band infuses traditional acoustic jazz quartet instrumentation with a progressive attitude and modern sound, creating music that is rhythmically and technically complex and at the same time harmonically rich, melodically satisfying, and emotionally compelling.

In addition to his own projects, Redman has recorded and performed with musicians such as Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, The Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, B.B. King, The Lincoln Center Jazz Orchestra, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, The Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, The Trondheim Jazz Orchestra, Mark Turner, McCoy Tyner, Umphrey’s McGee, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder and Sam Yahel. Joshua Redman has been nominated for 2 Grammys and has garnered top honors in critics and readers polls of DownBeat, Jazz Times, The Village Voice and Rolling Stone. He wrote and performed the music for Louis Malle’s final film Vanya on 42nd Street, and is both seen and heard in the Robert Altman film Kansas City.

https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

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Joshua Redman es uno de los artistas de jazz más aclamados y carismáticos que surgieron en la década de 1990. Nacido en Berkeley, California, es hijo del legendario saxofonista Dewey Redman y de la bailarina Renee Shedroff. Estuvo expuesto a una edad temprana a una variedad de músicas (jazz, clásica, rock, soul, India, Indonesia, Oriente Medio, Africana) e instrumentos (flauta dulce, piano, guitarra, gatham, gamelan), y comenzó a tocar el clarinete a los nueve años antes de cambiar a lo que se convirtió en su instrumento principal, el saxofón tenor, un año después. Las primeras influencias de John Coltrane, Ornette Coleman, Cannonball Adderley y su padre, Dewey Redman, así como de los Beatles, Aretha Franklin, the Temptations, Earth, Wind and Fire, Prince, The Police y Led Zeppelin atrajeron a Joshua más profundamente a la música. Pero aunque a Joshua le encantaba tocar el saxofón y fue un miembro dedicado del galardonado Conjunto y Combo de Jazz de Berkeley High School de 1983 a 1986, lo académico siempre fue su primera prioridad, y nunca consideró seriamente convertirse en músico profesional.

En 1991, Redman se graduó de Harvard College summa cum laude, Phi Beta Kappa con una licenciatura en Estudios Sociales. Ya había sido aceptado por la Facultad de Derecho de Yale, pero postergó la entrada por lo que creía que solo iba a ser un año. Algunos de sus amigos (exalumnos del Berklee College of Music a quienes Joshua había conocido mientras estaba en Boston) se habían mudado recientemente a Brooklyn y estaban buscando otro compañero de casa que los ayudara con el alquiler. Redman aceptó su invitación para mudarse y casi de inmediato se encontró inmerso en la escena del jazz de Nueva York. Comenzó a tocar y tocar regularmente con algunos de los principales músicos de jazz de su generación: Peter Bernstein, Larry Goldings, Kevin Hays, Roy Hargrove, Geoff Keezer, Leon Parker, Jorge Rossy y Mark Turner (por nombrar solo algunos). En noviembre de ese año, cinco meses después de mudarse a Nueva York, Redman fue nombrado ganador del prestigioso Concurso Internacional de Saxofón Thelonious Monk. Este fue solo uno de los aspectos más destacados de un año en el que Redman comenzó a hacer giras y grabar con maestros del jazz como su padre, Jack DeJohnette, Charlie Haden, Elvin Jones, Joe Lovano, Pat Metheny, Paul Motian y Clark Terry. Para Joshua, este fue un período de tremendo crecimiento, experiencia invaluable e inspiración infinita.

Ahora totalmente comprometido con una vida en la música, Redman firmó rápidamente con Warner Bros.Records y lanzó su primer álbum homónimo en la primavera de 1993, que posteriormente le valió a Redman su primera nominación al Grammy. Ese otoño vio el lanzamiento de Wish, donde Joshua se unió al elenco estelar de Pat Metheny, Charlie Haden y Billy Higgins. Realizó numerosas giras con Metheny durante la segunda mitad de ese año. Su siguiente grabación, MoodSwing, fue lanzada en 1994, y presentó su primera banda permanente, que incluía a otros tres jóvenes músicos que se han convertido en algunos de los artistas más importantes e influyentes del jazz moderno: el pianista Brad Mehldau, el bajista Christian McBride y el baterista Brian Blade. Una edición posterior de este conjunto incluyó al guitarrista Peter Bernstein, el pianista Peter Martin, el bajista Chris Thomas y Blade. A lo largo de una serie de grabaciones célebres que incluyeron Spirit of the Moment/Live at the Village Vanguard, Freedom in the Groove y Timeless Tales (for Changing Times), Redman se estableció como uno de los líderes de banda más consistentes y exitosos de la música, y agregó saxofones soprano y alto a su arsenal instrumental. El segundo cuarteto aclamado de Joshua, con el pianista Aaron Goldberg, el bajista Reuben Rogers y el baterista Gregory Hutchinson, se formó en 1998 e hizo su debut grabado en el álbum Beyond de 2000. La interacción dinámica y la relación poco común de este grupo inspiraron a Redman a escribir y grabar su primera composición de formato largo, Passage of Time, que se lanzó en 2001.

Un año después, Redman comenzó a canalizar su sensibilidad jazzística a través de una nueva instrumentación y formó Elastic Band, un trío flexible, electrificado y basado en el groove construido en una colaboración continua con el tecladista Sam Yahel y el baterista Brian Blade. La banda debutó en los lanzamientos de 2002 yaya3 y Elastic. El baterista Jeff Ballard comenzó a tocar regularmente con Elastic Band más tarde ese año, y él (junto con Blade y Yahel) desempeñó un papel central en su próxima grabación, Momentum, nominada al Grammy, que se lanzó en 2005 para inaugurar la afiliación de Redman con Nonesuch Records, y contó con una alineación diversa y emocionante de invitados especiales.

En 2000, Redman fue nombrado Director Artístico de la Temporada de Primavera de la organización sin fines de lucro SFJAZZ, que presenta jazz. Redman y el director ejecutivo de SFJAZZ, Randall Kline, tuvieron una idea que The New York Times llamó un "momento eureka" ; la creación del Colectivo SFJAZZ, un conjunto que se distingue tanto por la creatividad de sus miembros como por un énfasis primario único en la composición. Inaugurada en 2004, la banda de ocho integrantes consta de un elenco multigeneracional de músicos consumados. El repertorio del Colectivo presenta tanto obras encargadas como nuevos arreglos de la obra de grandes compositores de jazz moderno. En marzo de 2007, Redman anunció que se tomaría un descanso tanto de la Dirección Artística de SFJAZZ como del Colectivo SFJAZZ para concentrarse en nuevos proyectos.

Al mes siguiente, Nonesuch lanzó el primer disco de trío sin piano de Redman, Back East, con Joshua junto a tres secciones estelares de bajo y batería (Larry Grenadier y Ali Jackson, Christian McBride y Brian Blade, Reuben Rogers y Eric Harland) y tres saxofonistas invitados muy especiales (Chris Cheek, Joe Lovano y Dewey Redman). En Compass, lanzado en enero de 2009 (Nonesuch), Joshua continúa explorando el formato de trío expansivo, y con un grupo de colaboradores tan intrépidos como él: los bajistas Larry Grenadier y Rueben Rogers, y los bateristas Brian Blade y Gregory Hutchinson, Redman extiende literal y figurativamente la forma del enfoque de trío; en la más audaz de estas melodías, se presenta con toda la formación en un ambiente de doble trío.

A partir de finales de 2009, Joshua se presentará con una nueva banda colaborativa llamada James Farm con el pianista Aaron Parks, el bajista Matt Penman y el baterista Eric Harland. La banda infunde la instrumentación tradicional de cuarteto de jazz acústico con una actitud progresiva y un sonido moderno, creando música rítmica y técnicamente compleja y al mismo tiempo armónicamente rica, melódicamente satisfactoria y emocionalmente convincente.

Además de sus propios proyectos, Redman ha grabado y actuado con músicos como Brian Blade, Ray Brown, Dave Brubeck, Chick Corea, Dave Matthews Band, Jack DeJohnette, Bill Frisell, Aaron Goldberg, Larry Goldings, Charlie Haden, Herbie Hancock, Roy Hargrove, Roy Haynes, Billie Higgins, Milt Jackson, Elvin Jones, Quincy Jones, Big Daddy Kane, Geoff Keezer, BB. King, La Orquesta de Jazz del Lincoln Center, DJ Logic, Joe Lovano, Yo Yo Ma, Branford Marsalis, Christian McBride, John Medeski, Brad Mehldau, Pat Metheny, Marcus Miller, Paul Motian, MeShell Ndegeocello, Leon Parker, Nicholas Payton, John Psathas, Simon Rattle, Dewey Redman, Dianne Reeves, Melvin Rhyne, Los Rolling Stones, The Roots, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Soulive, String Cheese Incident, Clark Terry, Toots Thielemans, la Orquesta de Jazz de Trondheim, Mark Turner, McCoy Tyner, McGee de Umphrey, US3, Bugge Wesseltoft, Cedar Walton, Stevie Wonder y Sam Yahel. Joshua Redman ha sido nominado a 2 Grammys y ha obtenido los máximos honores en las encuestas de críticos y lectores de DownBeat, Jazz Times, Village Voice y Rolling Stone. Escribió e interpretó la música de la última película de Louis Malle, Vania on 42nd Street, y se ve y se escucha en la película de Robert Altman Kansas City.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/joshua-redman/

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin