Sonny Rollins • Tour De Force

 

Oregon • Music of Another Present Era

 

oregonband.com ...

 

Antonio Carlos Jobim • The Adventurers

  

Artist Biography

It has been said that Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim was the George Gershwin of Brazil—and there is a solid ring of truth in that, for both contributed large bodies of songs to the jazz repertoire, both expanded their reach into the concert hall, and both tend to symbolize their countries in the eyes of the rest of the world. With their gracefully urbane, sensuously aching melodies and harmonies, Jobim's songs gave jazz musicians in the 1960s a quiet, strikingly original alternative to their traditional Tin Pan Alley source.

Jobim's roots were always planted firmly in jazz; the records of Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel and other West Coast jazz musicians made an enormous impact upon him in the 1950s. But he also claimed that the French impressionist composer Claude Debussy had a decisive influence upon his harmonies, and the Brazilian samba gave his music a uniquely exotic rhythmic underpinning. As a pianist, he usually kept things simple and melodically to the point with a touch that reminds some of Claude Thornhill, but some of his records show that he could also stretch out when given room. His guitar was limited mostly to gentle strumming of the syncopated rhythms, and he sang in a modest, slightly hoarse yet often hauntingly emotional manner.

Born in the Tijuca neighborhood of Rio, Jobim originally was headed for a career as an architect. Yet by the time he turned 20, the lure of music was too powerful, and so he started playing piano in nightclubs and working in recording studios. He made his first record in 1954 backing singer Bill Farr as the leader of “Tom and His Band” (Tom was Jobim's lifelong nickname), and he first found fame in 1956 when he teamed up with poet Vinicius de Morales to provide part of the score for a play called Orfeo do Carnaval (later made into the famous film Black Orpheus). In 1958, the then-unknown Brazilian singer Joao Gilberto recorded some of Jobim's songs, which had the effect of launching the phenomenon known as bossa nova. Jobim's breakthrough outside Brazil occurred in 1962 when Stan Getz and Charlie Byrd scored a surprise hit with his tune “Desafinado”—and later that year, he and several other Brazilian musicians were invited to participate in a Carnegie Hall showcase. Fueled by Jobim's songs, the bossa nova became an international fad, and jazz musicians jumped on the bandwagon recording album after album of bossa novas until the trend ran out of commercial steam in the late '60s.

Jobim himself preferred the recording studios to touring, making several lovely albums of his music as a pianist, guitarist and singer for Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI and MCA in the '60s and '70s, and Verve again in the last decade of his life. Early on, he started collaborating with arranger/conductor Claus Ogerman, whose subtle, caressing, occasionally moody charts gave his records a haunting ambiance. When Brazilian music was in its American eclipse after the '60s, a victim of overexposure and the burgeoning rock revolution, Jobim retreated more into the background, concentrating much energy upon film and TV scores in Brazil. But by 1985, as the idea of world music and a second Brazilian wave gathered steam, Jobim started touring again with a group containing his second wife Ana Lontra, his son Paulo, daughter Elizabeth and various musician friends. At the time of his final concerts in Brazil in September 1993 and at Carnegie Hall in April 1994 (both available on Verve), Jobim at last was receiving the universal recognition he deserved, and a plethora of tribute albums and concerts followed in the wake of his sudden death in New York City of heart failure. Jobim's reputation as one of the great songwriters of the century is now secure, nowhere more so than on the jazz scene where every other set seems to contain at least one bossa nova.

Composer Antonio Carlos Jobim AKA Tom Jobim was born on January 25, 1927 in Tijuca, Rio de Janeiro, Brazil. He showed a natural curiosity towards music early on and at age 13 discovered an old piano in his parents’ school and started experimenting with sounds and notes. Although he took some private piano lessons he was for the most part self-taught. At age 20 he gave up on his original plans to become an architect and devoted himself completely to music. He started his career in 1952 playing piano in small cafes around the city. His early musical influences included the legendary composer Pixinguinha, Claude Debussy and jazz. In 1954 he cut his first record with his band called “Tom and His Band” backing the singer Bill Farr. The same year he apprenticed to arranger Radames Gnatali from whom he learned the rudiments of arranging and shifted careers and for a while and became an arranger for local singers. In 1956 he collaborated with poet and diplomat Vinicius de Moraes on an operetta entitled Orfeo do Carnaval that opened to great acclaim at the Metropolitan Opera House in Rio. The French director Marcel Camus transferred it to the big screen under the title Black Orpheus. The film was honored by the Cannes Film Festival with a Palme D’Or in 1959. His first hit was Felicidade from this operetta. The song gained immense popularity when Billy Eckstine added English lyrics to it in the late 1950s. Moraes and Jobim also teamed up on other hits including Girl from Ipanema and Agua de Beber among others. In 1958 Brazilian guitarist and vocalist Joao Gilberto released a record of Jobim songs that marked the beginning of the bossa nova phenomenon. 1962 marked an important change in Jobim’s career when he broke out into the world scene after Stan Getz popularized his tune “Desafinado”. He and his colleagues were invited to perform at Carnegie Hall and the popularity of the bossa nova took off. From 1962 till the end of the 60s various jazz musicians recorded multitude of bossa nova albums. Jobim himself, in addition to becoming one of the most recorded composers, cut several albums for a variety of labels often in collaboration with Claus Ogerman. The 1970s and 80s marked a time of low popularity for jazz and for Brazilian music due to the rock explosion. Jobim returned to Brazil and worked on TV and film scores. By 1985 though bossa nova and Brazilian music experienced a renaissance and Jobim started touring again performing up to few months before his death in New York City of heart failure on December 8 1994.

https://musicians.allaboutjazz.com/antoniocarlosjobim

///////

Biografía del artista

Se ha dicho que Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim era el George Gershwin de Brasil, y hay un sólido anillo de verdad en que, dado que ambos contribuyeron con grandes cantidades de canciones al repertorio de jazz, ambos ampliaron su alcance a la sala de conciertos y ambos tienden a simbolizar a sus países a los ojos del resto del mundo. Con sus melodías y armonías grácilmente urbanas y sensualmente dolorosas, las canciones de Jobim dieron a los músicos de jazz de los años sesenta una alternativa silenciosa y sorprendentemente original a su fuente tradicional de Tin Pan Alley.

Las raíces de Jobim siempre estuvieron firmemente arraigadas en el jazz; los discos de Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel y otros músicos de jazz de la costa oeste le causaron un enorme impacto en la década de 1950. Pero también afirmó que el compositor impresionista francés Claude Debussy tuvo una influencia decisiva en sus armonías, y que la samba brasileña le dio a su música una base rítmica excepcionalmente exótica. Como pianista, solía mantener las cosas simples y melódicas hasta el punto con un toque que recuerda a Claude Thornhill, pero algunos de sus discos muestran que también podía estirarse cuando se le daba espacio. Su guitarra se limitaba sobre todo a un suave rasgueo de los ritmos sincopados, y cantaba de una manera modesta, ligeramente ronca, pero a menudo de una manera inquietantemente emocional.

Nacido en el barrio de Tijuca, en Río de Janeiro, Jobim comenzó su carrera como arquitecto. Sin embargo, cuando cumplió 20 años, la atracción de la música era demasiado poderosa, así que empezó a tocar el piano en clubes nocturnos y a trabajar en estudios de grabación. Hizo su primer disco en 1954 con el cantante Bill Farr como líder de "Tom and His Band" (Tom era el apodo de toda la vida de Jobim), y encontró fama en 1956 cuando se asoció con el poeta Vinicius de Morales para formar parte de la partitura de una obra de teatro llamada Orfeo do Carnaval (que más tarde se convertiría en la famosa película Black Orpheus). En 1958, el entonces desconocido cantante brasileño Joao Gilberto grabó algunas de las canciones de Jobim, lo que tuvo el efecto de lanzar el fenómeno conocido como bossa nova. El gran avance de Jobim fuera de Brasil ocurrió en 1962 cuando Stan Getz y Charlie Byrd lograron un éxito sorprendente con su canción "Desafinado", y más tarde ese mismo año, él y varios otros músicos brasileños fueron invitados a participar en un concierto en el Carnegie Hall. Impulsado por las canciones de Jobim, la bossa nova se convirtió en una moda internacional, y los músicos de jazz se subieron al carro de la grabación álbum tras álbum de bossa novas hasta que la tendencia se agotó a finales de los años sesenta.

Jobim mismo prefirió los estudios de grabación a las giras, haciendo varios álbumes de su música como pianista, guitarrista y cantante para Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI y MCA en los'60s y'70s, y Verve nuevamente en la última década de su vida. Desde el principio, comenzó a colaborar con el arreglista y director de orquesta Claus Ogerman, cuyos sutiles, acariciantes y ocasionalmente malhumorados gráficos le dieron a sus discos un ambiente inolvidable. Cuando la música brasileña estaba en su eclipse americano después de los años 60, víctima de la sobreexposición y de la floreciente revolución del rock, Jobim se retiró más a un segundo plano, concentrando mucha energía en las partituras de cine y televisión en Brasil. Pero en 1985, cuando la idea de la música del mundo y una segunda ola brasileña se intensificó, Jobim comenzó a viajar de nuevo con un grupo que incluía a su segunda esposa Ana Lontra, su hijo Paulo, su hija Elizabeth y varios amigos músicos. En el momento de sus últimos conciertos en Brasil en septiembre de 1993 y en el Carnegie Hall en abril de 1994 (ambos disponibles en Verve), Jobim recibía por fin el reconocimiento universal que se merecía, y una plétora de álbumes homenaje y conciertos le siguieron tras su repentina muerte en la ciudad de Nueva York a causa de una insuficiencia cardíaca. La reputación de Jobim como uno de los grandes compositores del siglo ya está asegurada, sobre todo en la escena del jazz, donde cada uno de los otros conjuntos parece contener al menos una bossa nova.

El compositor Antonio Carlos Jobim alias Tom Jobim nació el 25 de enero de 1927 en Tijuca, Río de Janeiro, Brasil. Mostró una curiosidad natural por la música desde muy joven y a los 13 años descubrió un viejo piano en la escuela de sus padres y comenzó a experimentar con sonidos y notas. Aunque tomó algunas clases privadas de piano, era en su mayor parte autodidacta. A los 20 años abandonó sus planes originales de convertirse en arquitecto y se dedicó por completo a la música. Comenzó su carrera en 1952 tocando el piano en pequeños cafés de la ciudad. Sus primeras influencias musicales incluyeron al legendario compositor Pixinguinha, Claude Debussy y el jazz. En 1954 grabó su primer disco con su banda "Tom and His Band" con el apoyo del cantante Bill Farr. Ese mismo año fue aprendiz del arreglista Radames Gnatali, de quien aprendió los rudimentos del arreglo y cambió de carrera y durante un tiempo se convirtió en arreglista de cantantes locales. En 1956 colaboró con el poeta y diplomático Vinicius de Moraes en una opereta titulada Orfeo do Carnaval que fue muy aclamada en el Metropolitan Opera House de Río. El director francés Marcel Camus lo transfirió a la gran pantalla bajo el título Black Orpheus. La película fue galardonada por el Festival de Cannes con una Palma de Oro en 1959. Su primer éxito fue Felicidade de esta opereta. La canción ganó inmensa popularidad cuando Billy Eckstine le agregó letras en inglés a finales de la década de 1950. Moraes y Jobim también se unieron en otros éxitos como Girl from Ipanema y Agua de Beber entre otros. En 1958 el guitarrista y vocalista brasileño Joao Gilberto lanzó un disco de canciones de Jobim que marcó el inicio del fenómeno de la bossa nova. 1962 marcó un cambio importante en la carrera de Jobim cuando irrumpió en la escena mundial después de que Stan Getz popularizara su melodía "Desafinado". Él y sus colegas fueron invitados a actuar en el Carnegie Hall y la popularidad de la bossa nova despegó. Desde 1962 hasta finales de los años 60 varios músicos de jazz grabaron multitud de discos de bossa nova. El propio Jobim, además de convertirse en uno de los compositores más grabados, grabó varios álbumes para diversos sellos, a menudo en colaboración con Claus Ogerman. Los años 70 y 80 marcaron una época de baja popularidad para el jazz y la música brasileña debido a la explosión del rock. Jobim regresó a Brasil y trabajó en partituras de televisión y cine. En 1985, aunque la bossa nova y la música brasileña experimentaron un renacimiento y Jobim comenzó a tocar de nuevo hasta unos meses antes de su muerte en la ciudad de Nueva York por un fallo cardíaco el 8 de diciembre de 1994.

https://musicians.allaboutjazz.com/antoniocarlosjobim

 

 

Colaborador / Contributor:  Pierre

Stephane Grappelli • Pent Up House

 

Biography

Stephane Grappelli (originally surname was spelled with a 'Y') would have earned himself a place in Jazz History books if only for his important role in the Quintette of the Hot Club of France, featuring the dazzling virtuosity of Django Reindhart. Grappelli's violin was the perfect foil to Reindhart's guitar in this piano-less group.

Fired by Reindhart's tremendous rhythmic powers, Grappelli's contributions to recordings by the Quintette like Lime House Blues, China Boy and It Don't Mean A Thing (all 1935) and Them There Eyes, Three little Words and Swing '39 (these latter three tracks from 1938-39) were admirable in their execution.

Occasionally Grappelli would play piano, as when harmonica virtuoso Larry Adler recorded with the group in 1939, the year when Reindhart and Grappelli, violin, recorded (with delightful results) as a duo (all Django Reindhart).

Grappelli born (1908) and raised in Paris was involved with music at a very early age. By 12 years, he had acquired his first violin- just one of several instruments he learned to play. He began professionally with theatre bands, eventually being introduced to jazz music. A French jazz musician, Philippe Brun, introduced Grappelli to Reindhart. Soon after that meeting they put the idea of Quintette into practice.

When World War II commenced, Grappelli and the band were touring Britain. While the others returned to Paris Grappelli decided to stay. During the next six years he became a popular figure in London with habitues of nightlife in general and in musical entertainment in particular, working with local musicians in the local clubs. In 1946, he returned to Paris, renewed association with Reindhart, but he magic of pre-war days did not re-appear too often. Between 1948-55 worked in Club Saint Germain, Paris, and in the latter year played nine-month residency in St. Tropez.

During the '70s Grappelli has played throughout Europe, in Clubs, concerts and festivals, has and broadcast televised extensively, and has been a regular visitor to the recording studio.

In 1966, Grappelli was recorded in concert in Switzerland, together with fellow jazz violinist Jean-Luc Ponty, Stuff Smith and Svend Asmussen (Violin Summit). Since then he has recorded frequently in London. A live date at the Queen Elizabeth Hall (Stephane Grappelli 1972) finds him responding to an enthusiastic audience. Elsewhere he has recorded with much success, with Americans Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) and Barney Kessel (I Remember Django).

https://musicians.allaboutjazz.com/stephanegrappelli

///////

Biografía

Stéphane Grappelli (originalmente el apellido se escribía con una "Y") se habría ganado un lugar en los libros de historia del jazz aunque sólo fuera por su importante papel en el Quinteto del Hot Club de Francia, con el deslumbrante virtuosismo de Django Reindhart. El violín de Grappelli fue el perfecto complemento de la guitarra de Reindhart en este grupo sin piano.

Impulsados por los tremendos poderes rítmicos de Reindhart, las contribuciones de Grappelli a grabaciones del Quinteto como Lime House Blues, China Boy y It Don't Mean A Thing (todas de 1935) y Them There Eyes, Three little Words y Swing '39 (estas tres últimas canciones de 1938-39) fueron admirables en su ejecución.

Ocasionalmente Grappelli tocaba el piano, como cuando el virtuoso de la armónica Larry Adler grabó con el grupo en 1939, año en que Reindhart y Grappelli, violín, grabaron (con resultados deliciosos) como dúo (todos Django Reindhart).

Grappelli, nacido en 1908 y criado en París, se involucró en la música a una edad muy temprana. A los 12 años ya había adquirido su primer violín, uno de los muchos instrumentos que aprendió a tocar. Empezó profesionalmente con bandas de teatro, y finalmente se introdujo en la música de jazz. Un músico de jazz francés, Philippe Brun, presentó a Grappelli a Reindhart. Poco después de ese encuentro pusieron en práctica la idea del Quinteto.

Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Grappelli y la banda estaban de gira por Gran Bretaña. Mientras los demás volvían a París, Grappelli decidió quedarse. Durante los siguientes seis años se convirtió en una figura popular en Londres con hábitos de vida nocturna en general y de entretenimiento musical en particular, trabajando con músicos locales en los clubes locales. En 1946, regresó a París, renovando su asociación con Reindhart, pero la magia de los días de preguerra no reapareció con demasiada frecuencia. Entre 1948-55 trabajó en el Club Saint Germain de París, y en este último año hizo una residencia de nueve meses en St.

Durante los años 70 Grappelli ha tocado en toda Europa, en Clubes, conciertos y festivales, ha transmitido por televisión y ha sido un visitante regular del estudio de grabación.

En 1966, Grappelli se grabó en concierto en Suiza, junto con su colega violinista de jazz Jean-Luc Ponty, Stuff Smith y Svend Asmussen (Violin Summit). Desde entonces ha grabado frecuentemente en Londres. Una cita en directo en el Queen Elizabeth Hall (Stéphane Grappelli 1972) le encuentra respondiendo a un público entusiasta. En otros lugares ha grabado con mucho éxito, con los americanos Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) y Barney Kessel (I Remember Django).

https://musicians.allaboutjazz.com/stephanegrappelli

A.K. Salim • Pretty for the People

 

Hank Jones • Compassion

Artist Biography by Ron Wynn

The oldest of the Jones brothers, Hank Jones has been a supreme accompanist and underrated soloist. He's among the most accomplished sight readers in jazz, and his flexibility and sensitive style have kept him extremely busy cutting sessions and working in various groups and styles ranging from swing to bebop. He's worked with vocalists, played in big bands and done many solo, trio, and combo dates.

Born in 1918 in Vicksburg, Mississippi, Jones moved with his family to the Detroit area while still a child, and studied piano early, listening carefully to Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines, and Fats Waller. He began playing in the midwest at age 13, and worked in territory bands. Jones met Lucky Thompson in one of these groups, and Thompson invited him to New York in 1944 to work with Hot Lips Page at the Onyx Club. Jones worked for a while with John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk, and Billy Eckstine, then began touring in 1947. He worked with Jazz at the Philharmonic, then accompanied Ella Fitzgerald from 1948 to 1953. Jones also cut many sessions for Norman Granz's labels in the late '40s and early '50s, many with Charlie Parker. He worked and recorded in the '50s with Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson, and Cannonball Adderley before joining CBS' staff in 1959. He worked on such programs as The Ed Sullivan Show and stayed with CBS until they disbanded the staff in 1976. He recorded several sessions with Savoy in the mid- and late '50s, playing with Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall, and Kenny Clarke, among others. He also recorded solo and quartet dates for Epic. His quartet with Osie Johnson, Barry Galbraith, and Milt Hinton became one of New York's busiest during the early '60s, sometimes doing three dates a day. They cut albums for Capitol and ABC in 1958, though Galbraith missed the ABC sessions. Jones continued recording at Capitol, Argo, and Impulse in the early '60s, at times working with his brother Elvin. He made a host of recordings in the '70s. There were solo dates for Trio and Galaxy, and trio sessions for Interface and Concord, among others in the '70s. There were duo dates with Flanagan for Verve and Galaxy in the late '70s. Jones served as pianist and conductor for the Broadway musical Ain't Misbehavin in the late '70s. He also played in the Great Jazz Trio, originally with Ron Carter and Tony Williams. (Buster Williams replaced Carter on the trio's first recording date.) Jones continued with the trio into the '80s, though Eddie Gomez and Al Foster later became his mates, and Jimmy Cobb replaced Foster in 1982. The trio also backed Art Farmer, Benny Golson, and Nancy Wilson. Jones was the resident pianist at the Cafe Ziegfeld in the early '80s, and toured Japan with George Duvivier and Sonny Stitt. He kept his recording blitz going into the digital era. In 1989, he was named a National Endowment for the Arts Jazz Master. In 2004, he was awarded as an ASCAP Jazz Living Legend; five years later, he received a National Medal of Arts; and in 2009, Jones earned a Lifetime Achievement award at the Grammys. One year later, he died in the Bronx while in hospice, just a few weeks after returning from performance dates in Japan.

https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography

///////

Biografía del artista por Ron Wynn

El mayor de los hermanos Jones, Hank Jones, ha sido un acompañante supremo y un solista subestimado. Es uno de los más destacados lectores de jazz, y su flexibilidad y estilo sensible le han mantenido extremadamente ocupado cortando sesiones y trabajando en varios grupos y estilos que van desde el swing hasta el bebop. Ha trabajado con vocalistas, tocado en grandes bandas y ha hecho muchos solos, tríos y citas combinadas.

Nacido en 1918 en Vicksburg, Mississippi, Jones se mudó con su familia al área de Detroit cuando aún era un niño, y estudió piano temprano, escuchando cuidadosamente a Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines y Fats Waller. Comenzó a tocar en el medio oeste a la edad de 13 años, y trabajó en bandas de territorio. Jones conoció a Lucky Thompson en uno de estos grupos, y Thompson lo invitó a Nueva York en 1944 para trabajar con Hot Lips Page en el Onyx Club. Jones trabajó durante un tiempo con John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk y Billy Eckstine, y luego comenzó a hacer giras en 1947. Trabajó con Jazz en la Filarmónica, luego acompañó a Ella Fitzgerald de 1948 a 1953. Jones también cortó muchas sesiones para los sellos de Norman Granz a finales de los'40 y principios de los'50, muchos con Charlie Parker. Trabajó y grabó en los años 50 con Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson y Cannonball Adderley antes de unirse al personal de CBS en 1959. Trabajó en programas como The Ed Sullivan Show y se quedó con CBS hasta que se disolvió el personal en 1976. Grabó varias sesiones con Savoy a mediados y finales de los años 50, tocando con Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall y Kenny Clarke, entre otros. También grabó fechas como solista y cuarteto para Epic. Su cuarteto con Osie Johnson, Barry Galbraith y Milt Hinton se convirtió en uno de los más ocupados de Nueva York a principios de los años 60, a veces con tres citas al día. Recortaron álbumes para Capitol y ABC en 1958, aunque Galbraith se perdió las sesiones de ABC. Jones continuó grabando en Capitol, Argo e Impulse a principios de los 60, a veces trabajando con su hermano Elvin. Hizo un montón de grabaciones en los años 70. Hubo fechas en solitario para el Trío y la Galaxia, y sesiones de trío para Interface y Concord, entre otros en los años 70. Hubo citas a dúo con Flanagan para Verve y Galaxy a finales de los 70. Jones fue pianista y director del musical de Broadway Ain't Misbehavin a finales de los años 70. También tocó en el Great Jazz Trio, originalmente con Ron Carter y Tony Williams. (Buster Williams reemplazó a Carter en la primera fecha de grabación del trío.) Jones continuó con el trío en los años 80, aunque Eddie Gómez y Al Foster más tarde se convirtieron en sus amigos, y Jimmy Cobb reemplazó a Foster en 1982. El trío también apoyó a Art Farmer, Benny Golson y Nancy Wilson. Jones fue el pianista residente en el Café Ziegfeld a principios de los 80, y estuvo de gira por Japón con George Duvivier y Sonny Stitt. Siguió grabando y entrando en la era digital. En 1989, fue nombrado National Endowment for the Arts Jazz Master. En 2004, fue galardonado como ASCAP Jazz Living Legend; cinco años más tarde, recibió una Medalla Nacional de las Artes; y en 2009, Jones ganó un premio Lifetime Achievement en los Grammys. Un año más tarde, murió en el Bronx mientras estaba en el hospicio, sólo unas semanas después de regresar de sus presentaciones en Japón.

https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography

The Three Sounds • Good Deal

Good Deal is a typically fine record from the Three Sounds, who were beginning to hit their stride when this session was recorded in May of 1959. Like most of their records, it's laidback – even when the group works a swinging tempo, there's a sense of ease that keeps the mood friendly, relaxed and mellow. Balancing standards like "Satin Doll," "Soft Winds" and "That's All" with bop ("Robbin's Nest"), calypso ("St. Thomas") and originals, the Three Sounds cover a lot of stylistic territory, putting their distinctive stamp on each song. It's very accessible, pleasant soul-jazz and mainstream hard bop, but Gene Harris' masterful technique means that Good Deal rewards close listening as well.

///////

Good Deal es un disco típicamente bueno de los Three Sounds, que empezaban a dar sus primeros pasos cuando se grabó esta sesión en mayo de 1959. Como la mayoría de sus discos, es relajado, incluso cuando el grupo trabaja con un tempo de balanceo, hay una sensación de facilidad que mantiene el ambiente amigable, relajado y tranquilo. Equilibrando estándares como "Satin Doll", "Soft Winds" y "That's All" con bop ("Robbin's Nest"), calypso ("St. Thomas") y originales, los Three Sounds cubren mucho territorio estilístico, poniendo su sello distintivo en cada canción. Es muy accesible, un agradable soul-jazz y un hard bop convencional, pero la magistral técnica de Gene Harris hace que Good Deal recompense también la escucha cercana.

René Urtreger • Didi's Bounce

 

Modern Jazz Quartet with Guest Joe Harriott and Ronnie Ross • Manchester 04-12-59

Muy buen disco en vivo de MJQ, poco difundido.

Very good live disc of MJQ, little diffused.

Rob Franken Organ-Ization • Ob-La-Di Ob-La-Da

 

 

Rob Franken (Rotterdam, 16 augustus 1941 – 't Harde, 7 december 1983) was een Nederlandse jazzpianist en arrangeur.

Franken begon zijn professionele carrière bij het folkduo Esther & Abi Ofarim. Hij speelde in een trio met drummer Klaus Weiss en richtte in 1967 de Rob Franken Organ-Ization op, met drummer Louis Debij, gitarist Ingo Cramer en bassist Piet Hein Veening. Franken was een van de eerste pianisten in Europa die overweg kon met het hammondorgel. Ook raakte hij al eind jaren zestig in de ban van de Rhodes-piano. Het werd zijn handelsmerk. Rob Franken werd de pianist van Toots Thielemans, die erg door hem beïnvloed is. Samen maakten ze onder meer de opnamen voor de soundtrack van de film Turks Fruit.

Franken speelde als sessiemuzikant mee op meer dan 400 platen.[bron?] Hij werkte in heel Europa en vooral veel in Duitsland, waar hij vaste toetsenist werd bij de Peter Herbolzheimer Rhythm Combination and Brass. Hij was een vaste gast in het radioprogramma Sesjun van de TROS. Ook trad Rob Franken op in zijn eigen trio, met wisselende bassisten en drummers, onder wie de bassist Rob Langereis en de Belgische drummer Bruno Castellucci. In 1976 richtte hij The Keyboard Circle op; een experimentele formatie met pianist Jan Huydts, en slagwerker Henk Zomer. De pianisten speelden jazzrock en fusionachtige stukken, tegen elkaar in op Rhodes-piano's, Clavinetten en synthesizers, begeleid door Henk Zomer.

Op 4 december 1983 maakte Rob Franken zijn laatste opnamen. Hij soleerde op de LP Big Band Bebop van Peter Herbolzheimer. Drie dagen later overleed hij op 42-jarige leeftijd aan een interne bloeding. De LP Big Band Bebop zou aan hem worden opgedragen.

In 2008 was het vijfentwintig jaar geleden dat Rob Franken overleed. Frank Jochemsen, toen student journalistiek en werkzaam bij Radio 6 was min of meer bij toeval liefhebber van Rob Franken's muziek geworden. Hij maakte er een documentaire over en initieerde de cd-uitgave 'Fender Rhodes', waarop de documentaire te beluisteren is. Tijdens zijn research stuitte hij ook op unieke live-opnamen van The Keyboard Circle. Deze verschenen ook op cd.

Franken is opgenomen in Rotterdam Jazz Artists Memorial met een emaillen bord aan de Oude Binnenweg in Rotterdam.

In 2018 bracht het onafhankelijke platenlabel 678 records in het kader dat het vijfendertig jaar geleden was dat Rob Franken overleed, een reeks elpees uit met een keuze uit de vele uren muziek die Franken opnam voor het project FUMU (Functionele Muziek). De originele opnamebanden zijn verloren gegaan maar via de producer van destijds bleven er kopieën bewaard. DJ's P-Dog & Zembie (alias Sander Huibers & Frank Jochemsen) selecteerden de meest funky stukken voor de platenreeks die Functional Stereo Music genoemd werd. Voor de hoesontwerpen, vervaardigd door Piet Schreuders werd gebruik gemaakt van authentieke reclamefoto's uit de jaren zeventig.

///////

Rob Franken (Rotterdam, 16 de agosto de 1941 - 't Harde, 7 de diciembre de 1983) era un pianista y arreglista de jazz holandés.

Franken comenzó su carrera profesional con el dúo folclórico Esther & Abi Ofarim. Tocó en un trío con el baterista Klaus Weiss y fundó el Rob Franken Organ-Ization en 1967, con el baterista Louis Debij, el guitarrista Ingo Cramer y el bajista Piet Hein Veening. Franken fue uno de los primeros pianistas en Europa en llevarse bien con el órgano de Hammond. También cayó bajo el hechizo del piano de Rodas a finales de los sesenta. Se convirtió en su marca registrada. Rob Franken se convirtió en el pianista de Toots Thielemans, que estaba muy influenciado por él. Juntos hicieron las grabaciones para la banda sonora de la película Turks Fruit.

Franken tocó como músico de sesión en más de 400 discos. [¿fuente?] Trabajó en toda Europa y especialmente en Alemania, donde se convirtió en teclista permanente de la Peter Herbolzheimer Rhythm Combination and Brass. Era un invitado habitual en el programa de radio TROS Sesjun. Rob Franken también actuó en su propio trío, con bajistas y bateristas cambiantes, incluyendo al bajista Rob Langereis y al baterista belga Bruno Castellucci. En 1976 fundó el Círculo de Teclados, una formación experimental con el pianista Jan Huydts y el percusionista Henk Zomer. Los pianistas tocaron piezas de jazz rock y de fusión, tocando pianos de Rodas, Clavinetes y sintetizadores, acompañados por Henk Zomer.

Rob Franken hizo sus últimas grabaciones el 4 de diciembre de 1983. Cantó en el LP Big Band Bebop de Peter Herbolzheimer. Tres días después murió a la edad de 42 años de una hemorragia interna. El LP Big Band Bebop iba a ser dedicado a él.

En 2008, hace veinticinco años que Rob Franken murió. Frank Jochemsen, entonces estudiante de periodismo y trabajando para Radio 6, se había convertido más o menos accidentalmente en un amante de la música de Rob Franken. Hizo un documental sobre ello e inició la edición en CD 'Fender Rhodes', en el que se puede escuchar el documental. Durante su investigación también se encontró con grabaciones únicas en vivo de El Círculo del Teclado. Estos también se publicaron en CD.

Franken fue grabado en el Rotterdam Jazz Artists Memorial con una tabla de esmalte en el Oude Binnenweg de Rotterdam.

En 2018 el sello discográfico independiente publicó 678 discos como parte de los treinta y cinco años desde la muerte de Rob Franken, una serie de discos con una selección de las muchas horas de música que Franken grabó para el proyecto FUMU (Música Funcional). Las cintas de grabación originales se perdieron, pero las copias se guardaron a través del productor de entonces. P-Dog & Zembie (alias Sander Huibers & Frank Jochemsen) seleccionaron las piezas más funky para la serie de discos llamada Música Estéreo Funcional. Para los diseños de la portada, hechos por Piet Schreuders, se utilizaron auténticas fotos publicitarias de los años setenta.

Sandy Bull • Re-Inventions Best Of The Vanguard Years

  

Review
by Michael Gallucci
Sandy Bull's technical skills have always been correlated with his vision. As a guitarist, he could often slip into repetitive drags of both time and space, but as a musical theorist, those crawls into other dimensions were often fascinating excursions that were years ahead of their time. Re-Inventions: Best of the Vanguard Years gathers eight songs from three of the four albums Bull recorded for Vanguard for a decade beginning in 1963. It's Bull's most productive and exciting period, and this splendidly assembled compilation serves it well. His mastery of the acoustic and electric guitar, bass, banjo, and oud is prominently on display here. And on his most sublime track, the 21-minute "Blend," Bull constructs a psychedelic folk song that meanders through several glorious fields before slamming into an open crevice for a rejoicing journey home. It's a straight take, with no overdubs or edits, and it's Bull -- with drummer Billy Higgins -- at his most poetic and timeless.
https://www.allmusic.com/album/re-inventions-best-of-the-vanguard-years-mw0000048895

///////

Reseña
por Michael Gallucci
Las habilidades técnicas de Sandy Bull siempre han sido correlativas a su visión. Como guitarrista, a menudo podía caer en repetidos arrastres de tiempo y espacio, pero como teórico musical, esos arrastres a otras dimensiones eran a menudo excursiones fascinantes que se adelantaron a su tiempo. Re-Inventions: Best of the Vanguard Years reúne ocho canciones de tres de los cuatro álbumes que Bull grabó para Vanguard durante una década a partir de 1963. Es el periodo más productivo y excitante de Bull, y esta compilación espléndidamente ensamblada le sirve. Su dominio de la guitarra acústica y eléctrica, el bajo, el banjo y el oud es una muestra destacada. Y en su tema más sublime, "Blend", de 21 minutos de duración, Bull construye una canción folclórica psicodélica que serpentea a través de varios campos gloriosos antes de entrar de golpe en una grieta abierta para un regocijante viaje a casa. Es una toma directa, sin sobregrabaciones ni ediciones, y es Bull -con el baterista Billy Higgins- en su momento más poético y atemporal.
https://www.allmusic.com/album/re-inventions-best-of-the-vanguard-years-mw0000048895

Tingvall Trio • Skagerrak

 

 

Martin Tingvall, Omar Rodriguez Calvo, Jürgen Spiegel: a Swede, a Kuban and a German. Three men who have made Hamburg their home. A pianist, a bass player, a drummer. Together they create an unmistakable sound all its own. A sound and songs which even appeal to people who normally don't listen to jazz. That’s the Tingvall Trio.

With concerts in more than 30 countries, a full measure of accolades including the German ECHO JAZZ as „Ensemble of the Year“ and „Live Act of the Year“, Jazz awards in gold for each of the trio's studio albums, No. 1 on the Jazz charts and even high ranking on the Pop charts, the trio's popularity has attained a level usually marked by current pop bands.
And yet, Tingvall Trio are just three friends who still love to make music together. This autumn their new album „Dance“ will be released.
https://tingvall-trio.de/#About

///////

Martin Tingvall, Omar Rodríguez Calvo, Jürgen Spiegel: un sueco, un Kuban y un alemán. Tres hombres que han hecho de Hamburgo su hogar. Un pianista, un bajista, un baterista. Juntos crean un sonido inconfundible propio. Un sonido y canciones que incluso atraen a personas que normalmente no escuchan jazz. Ese es el Trío Tingvall.

Con conciertos en más de 30 países, una gran cantidad de elogios que incluyen al ECHO JAZZ alemán como "Conjunto del Año" y "Acto en Vivo del Año", premios de Jazz en oro por cada uno de los álbumes de estudio del trío, el número 1 en las listas de Jazz e incluso una alta clasificación en las listas de éxitos Pop, la popularidad del trío ha alcanzado un nivel generalmente marcado por las bandas de pop actuales.
Y, sin embargo, Tingvall Trio son solo tres amigos a los que todavía les encanta hacer música juntos. Este otoño se lanzará su nuevo álbum "Dance".
https://tingvall-trio.de/#About

www.tingvall-trio.de ...

Don Patterson & Sonny Stitt • Legends of Acid Jazz

 

Review
by Richie Unterberger
Two-fer CD reissue combines two 1968 sessions, both featuring Stitt and Patterson, that were recorded on consecutive days (September 23-24, 1968), although one was issued under Patterson's name and the other under Stitt's. The first six songs were issued as the Patterson LP Funk You!, on which Patterson leads a date that also has Sonny Stitt and Charles McPherson on saxes and Pat Martino on guitar. The other players get about as much space as Patterson, and as 1960s jazz with organ goes, this is pretty straight-ahead and boppish, rather than soul-jazz (as so much organ jazz from that decade was). For the bop factor, listen especially to the cover of Sonny Rollins' "Airegin," on which Martino in particular shines. Patterson does get in a more soulful mood on his composition "Little Angie," which has an elegiac mood somewhat similar to occasional slow instrumentals cut by Booker T. & the MG's during that period. The other eight songs were issued as the Stitt LP Soul Electricity!, an album that got its name because, for this session, Stitt plugged his alto and tenor saxophones into a Varitone attachment. What came out, though, was not fusion by any means, but a pretty straight-ahead session that found Stitt his usual competent self. The program is actually on the conservative side, leaning toward standards. Stitt's quartet is rounded out by Don Patterson on organ, Billy Butler on guitar, and Billy James on drums. This isn't the most logical package -- Stitt's half is more straight-ahead in flavor and, more importantly, neither album fits too well into the soul-jazz or acid jazz category -- but for fans of either artist, the material is worth hearing.

///////

Reseña
por Richie Unterberger
La reedición en CD de dos discos combina dos sesiones de 1968, ambas con Stitt y Patterson, que se grabaron en días consecutivos (23 y 24 de septiembre de 1968), aunque una se publicó con el nombre de Patterson y la otra con el de Stitt. Las primeras seis canciones se publicaron como el LP de Patterson Funk You!, en el que Patterson lidera una cita que también cuenta con Sonny Stitt y Charles McPherson en los saxos y Pat Martino en la guitarra. Los otros músicos tienen tanto espacio como Patterson, y en lo que respecta al jazz de los años 60 con órgano, esto es bastante directo y boppish, en lugar de soul-jazz (como lo fue tanto el jazz con órgano de esa década). Para el factor bop, escuchen especialmente la versión de "Airegin" de Sonny Rollins, en la que Martino brilla especialmente. Patterson se pone en un estado de ánimo más conmovedor en su composición "Little Angie", que tiene un estado de ánimo elegíaco algo similar a los instrumentales lentos ocasionales cortados por Booker T. & the MG's durante ese período. Las otras ocho canciones se publicaron en el LP de Stitt Soul Electricity!, un álbum que recibió su nombre porque, para esta sesión, Stitt conectó sus saxos alto y tenor a un accesorio Varitone. Lo que resultó, sin embargo, no fue fusión ni mucho menos, sino una sesión bastante directa en la que Stitt se mostró como siempre competente. El programa es realmente conservador y se inclina hacia los estándares. El cuarteto de Stitt se completa con Don Patterson al órgano, Billy Butler a la guitarra y Billy James a la batería. No es el paquete más lógico -la mitad de Stitt tiene un sabor más directo y, lo que es más importante, ninguno de los dos álbumes encaja demasiado bien en la categoría de soul-jazz o acid jazz-, pero para los fans de cualquiera de los dos artistas, el material merece ser escuchado.

Willie Bobo • Talkin' Verve

 

Review by Richard S. Ginell
Whatever the meaning of the word "talkin," this is still a most valuable release because it succinctly sums up Willie Bobo's Verve recordings, most of which have yet to see the light of the laser. By this time, Bobo had followed Mongo Santamaria into the marketplace as an energetic exponent of the Latin boogaloo, even scoring a minor hit with "Spanish Grease."
But Bobo went even further than Mongo toward an accommodation with the '60s scene, adding the R&B-oriented electric rhythm guitar of Sonny Henry, dropping the piano, incorporating strings and even an occasional graceful vocal now and then. While there are a few covers of '60s standards here, like "The Look of Love" and "Grazing in the Grass" -- and he had the great sense to seek out and record a hip-shaking version of Eddie Harris' "Sham Time" -- Bobo's biggest contribution on these tracks was in providing the inspiration for the Latin rock boom to come. "Evil Ways" is almost an exact blueprint for Carlos Santana's career-launching hit version; "Spanish Grease" reappeared uncredited six years later as Santana's "No One to Depend On," and Santana also played Bobo's lowdown "Fried Neck Bones and Some Homefries" in the band's early days. With Bobo's galvanic congas and timbales swinging at all times, few CDs by a single artist capture the ambience of late-'60s jazz radio in the evening as well as this one.
https://www.allmusic.com/album/talkin-verve-mw0000023497

///////

Reseña de Richard S. Ginell
Cualquiera que sea el significado de la palabra "talkin", este sigue siendo un lanzamiento muy valioso porque resume sucintamente las grabaciones en Verve de Willie Bobo, la mayoría de las cuales aún no han visto la luz del láser. Para entonces, Bobo había seguido a Mongo Santamaría al mercado como un enérgico exponente del boogaloo latino, incluso logrando un pequeño éxito con " Spanish Grease."
Pero Bobo fue aún más lejos que Mongo hacia un acomodo con la escena de los 60, agregando la guitarra rítmica eléctrica orientada al R&B de Sonny Henry, dejando caer el piano, incorporando cuerdas e incluso una elegante voz ocasional de vez en cuando. Si bien hay algunas versiones de los estándares de los 60 aquí, como "The Look of Love" y "Grazing in the Grass", y tuvo el gran sentido de buscar y grabar una versión de Eddie Harris "Sham Time", la mayor contribución de Bobo en estas pistas fue proporcionar la inspiración para el boom del rock latino por venir. "Evil Ways" es casi un plan exacto para la exitosa versión de lanzamiento de la carrera de Carlos Santana ;" Spanish Grease " reapareció sin acreditar seis años después como "No One to Depend On" de Santana, y Santana también tocó "Fried Neck Bones and Some Homefries" de Bobo en los primeros días de la banda. Con las congas galvánicas y los timbales de Bobo balanceándose en todo momento, pocos CD de un solo artista capturan el ambiente de la radio de jazz de finales de los 60 por la noche tan bien como este.
https://www.allmusic.com/album/talkin-verve-mw0000023497

Bill Evans • Trio 64

Evans was born in Plainfield, New Jersey and attended Southeastern Louisiana University. After a period in the Army, he returned to New York in 1955 and began working and recording with Tony Scott and George Russell. His subtly swinging, lucidly constructed solos with these leaders quickly attracted attention, and provided Evans with an opportunity to begin recording under his own name; but he was modest regarding his gifts, and for a time was reluctant to push himself into the limelight. All this changed after he spent several months during 1958 in Miles Davis's band, where he played alongside John Coltrane and Cannonball Adderley, and became a central figure in Davis's shift to modal improvisation.

The period with Davis allowed Evans to organize his own trio, which featured bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian by the end of 1959. These three players developed a new and more interactive approach to trio playing, one in which all instruments carried melodic responsibilities and functioned as equal voices. LaFaro's tragic death in a July 1961 highway accident ended the existence of this seminal unit; but not before it had recorded four albums, two in the studio and two at a Village Vanguard performance shortly before the bassist's death, that influenced several generations of pianists, bassists, and drummers.

While Evans excelled in even more intimate playing situations—he made memorable duet music with guitarist Jim Hall, singer Tony Bennett, and bassist Eddie Gomez, and on more than one occasion created fascinating studio recitals of multi-tracked piano—for the remaining two decades of his life, he continued to work in the trio format he had established with LaFaro and Motian. Personnel rarely changed in the Evans trio (Gomez was a member from 1966-1977, while drummers Marty Morell and Eliot Zigmund performed in the trio alongside Evans and Gomez from 1968-1974 and 1975-1977, respectively), and the unit's repertoire slowly grew to include evocative new originals and worthy standards, as well as the tunes that led to Evans's initial fame.

Despite this consistency of format and material, Evans remained uncommonly inspired, able to reach stunning emotional depths with a quiet lucidity that was unmatched. His lyrical melodic inventions, intricate phrasing, complex voicings, and beautiful touch remain as unmistakable influences on pianists more than 40 years after his death.
https://billevansofficial.com/about/

///////

Evans nació en Plainfield, Nueva Jersey, y estudió en la Southeastern Louisiana University. Tras un periodo en el ejército, regresó a Nueva York en 1955 y empezó a trabajar y grabar con Tony Scott y George Russell. Sus solos sutilmente oscilantes y lúcidamente construidos con estos líderes llamaron rápidamente la atención, y proporcionaron a Evans la oportunidad de empezar a grabar con su propio nombre; pero era modesto en cuanto a sus dotes, y durante un tiempo se mostró reacio a saltar a la palestra. Todo esto cambió después de pasar varios meses de 1958 en la banda de Miles Davis, donde tocó junto a John Coltrane y Cannonball Adderley, y se convirtió en una figura central en el cambio de Davis hacia la improvisación modal.

El periodo con Davis permitió a Evans organizar su propio trío, que a finales de 1959 contaba con el bajista Scott LaFaro y el batería Paul Motian. Estos tres músicos desarrollaron un enfoque nuevo y más interactivo para tocar en trío, en el que todos los instrumentos tenían responsabilidades melódicas y funcionaban como voces iguales. La trágica muerte de LaFaro en un accidente de carretera en julio de 1961 puso fin a la existencia de esta unidad seminal; pero no antes de que hubiera grabado cuatro álbumes, dos en el estudio y dos en una actuación en el Village Vanguard poco antes de la muerte del bajista, que influyeron en varias generaciones de pianistas, bajistas y bateristas.

Aunque Evans destacó en situaciones de interpretación aún más íntimas -hizo memorables duetos con el guitarrista Jim Hall, el cantante Tony Bennett y el bajista Eddie Gómez, y en más de una ocasión creó fascinantes recitales en estudio de piano multipista-, durante las dos décadas que le quedaban de vida siguió trabajando en el formato de trío que había establecido con LaFaro y Motian. El personal del trío de Evans rara vez cambió (Gómez fue miembro de 1966 a 1977, mientras que los bateristas Marty Morell y Eliot Zigmund tocaron en el trío junto a Evans y Gómez de 1968 a 1974 y de 1975 a 1977, respectivamente), y el repertorio de la unidad creció lentamente para incluir nuevos originales evocadores y estándares dignos, así como las melodías que llevaron a la fama inicial de Evans.

A pesar de esta consistencia de formato y material, Evans seguía estando extraordinariamente inspirado, capaz de alcanzar profundidades emocionales asombrosas con una lucidez silenciosa que no tenía parangón. Sus líricas invenciones melódicas, su intrincado fraseo, sus complejos voicings y su hermoso toque siguen siendo influencias inconfundibles para los pianistas más de 40 años después de su muerte.
https://billevansofficial.com/about/

billevansofficial.com ...

Bola Sete • Autentico!

  

Biography
by Alvaro Neder
Bola Sete was a Brazilian guitarist and composer. His unique, highly improvisational style offered an approach that wed Brazilian styles to flamenco, classical, jazz, American folk, bossa nova, and pop. Sete cut half-a-dozen albums for Odeon before leaving Brazil in 1959, including Aqui Está O Bola Sete (1957) and Ritmolândia (1959). He met Dizzy Gillespie while playing at a Sheraton lounge one evening and promptly joined the trumpeter's band. In 1962, he issued his American debut, Bossa Nova, for Fantasy. After he released Vince Guaraldi, Bola Sete, and Friends in 1963, he joined the pianist's group as a full collaborator; they recorded several more albums together through 1967. That year, Verve released Bola Sete at the Monterey Jazz Festival that featured his all-Brazilian trio; it made the jazz charts. After 1971's Latin jazz classic Shebaba for Fantasy, he cut albums for Paramount (Workin' on a Groovy Thing, 1971) and Columbia (Goin' to Rio, 1973). He signed with John Fahey's Takoma label and released the enduring solo guitar set Ocean in 1975. Sete played live and toured almost constantly, but released only one more album during his lifetime, 1985's solo Jungle Suite, produced by George Winston for Dancing Cat. After his death, his widow Anne Sete set up the Samba Moon label for reissues and archival material including 2004's Live at Grace Cathedral. In 2021, Tompkins Square released Samba in Seattle [Live at the Penthouse 1966-1968], comprised of unreleased live trio recordings.

The words "Bola Sete" are Portuguese for the seventh ball in the billiard game -- the only black one. Born Djalma de Andrade in Rio De Janeiro in 1923, the guitarist got his nickname after being the only Black man in a small group. From an early age, he was a constant at Praça Tiradentes, Rio, where musicians met. At 17, he joined composer Henricão's group, which was going to Marília for an eight-month season. Returning to Rio, he played at every available venue in Campinas SP and Niterói RJ. In 1945, Rio's Rádio Transmissora instituted a violão (acoustic guitar) contest, in which he was the winner. He continued to play throughout Minas Gerais and Rio. At last, he was hired contractually by Rádio Transmissora and worked in the famous Trem da Alegria show for three years at the João Caetano Theater with Lamartine Babo, Iara Sales, and Héber de Bôscoli.

At the end of the '40s, he formed his own group, Bola Sete e Seu Conjunto. In that time, Dolores Durán, who went on to be a famous singer and composer, was a crooner at the Béguin nightclub and once invited, became the group's singer at the Drink and Vogue nightclubs. In 1952, he went to Italy and played in several clubs and hotels until 1954. That year, he returned to Brazil and formed an orchestra, with which he toured Argentina, Uruguay, and Spain. In 1955, he toured again, this time through Lima, Peru and Santiago do Chile. In 1959, Sete moved to the U.S. and in 1962 was hired directly by the general manager of Sheraton Hotels to play in the several units of that chain.

In 1960, the label Sinter, which had already recorded several cuts with him, released the LP Bola Sete. He had also recorded for Odeon, which released Bola Sete e 4 Trombones with his own compositions and Gershwin standards. In 1962, he appeared at the historic Bossa Nova Festival at Carnegie Hall in New York. He also played at the Village Gate and Vanguard. The same year, Odeon Brasil issued O Extraordinário Bola Sete and Fantasy released Bossa Nova. He was then playing at New York's Park Sheraton and later in the year, he moved to San Francisco to play at the Sheraton Palace. Dizzy Gillespie was staying there and listened to him every night. When Gillespie's pianist, Lalo Schifrin, came to the hotel, he met Sete, with whom he had become acquainted and played with when the Brazilian toured Argentina. Invited by Gillespie, Sete played with him at the Ninth Annual Monterey Jazz Festival with great success.

Following tours and a recorded album with Gillespie, Sete moved again to San Francisco and joined Vince Guaraldi's trio. This two-year association, profitable for both artists, consolidated the already expressive popularity of Sete in the U.S. They recorded together 1963's Vince Guaraldi, Bola Sete & Friends (Fantasy). Then he formed his own trio with Brazilian musicians Tião Neto (bass) and Chico Batera (drums), whom he performed with at the 1966 Monterey Jazz Festival, again with great success. (Verve's charting album At the Monterey Jazz Festival was drawn from this performance). From November 11 to 13, 1966, Sete was featured at the Fillmore Auditorium. His releases in the U.S. included 1964's Tour de Force and From All Sides (with Vince Guaraldi), 1965's The Solo Guitar of Bola Sete and The Incomparable Bola Sete, 1966's Live at El Matador (with Vince Guaraldi) and Autentico, 1969's Shebaba (all issued by Fantasy). He signed to paramount for 1971's Workin' on a Groovy Thing and released Goin' to Rio for Columbia in 1973.

Guitarist John Fahey often saw Sete play on the West Coast and became first an admirer, then a friend. His Takoma label initially licensed Sete's iconic Ocean in 1975 (Recorded in the Brazilian's Marin County home, it was offered to Fantasy first; but it was considered so "out" that they declined to release it). Reportedly Fahey's favorite album in the label's catalog, it was licensed later to Sonet in 1976 and then the Windham Hill-affiliated Lost Lake Arts in 1981. Sete's final outing, 1985's Jungle Suite, appeared from pianist George Winston's Dancing Cat label.

Bola Sete died of complications from lung cancer and pneumonia in 1987. He was 64. Widow Anne Sete set up Samba Moon Records in 1998 for the purpose of issuing private archival recordings and catalog reissues. The label's first release was 1999's Ocean Memories, which comprised Ocean and eight unreleased tracks from the sessions that were recorded for a sequel that never materialized. It was followed by Shambala Moon in 2001, offering a reissue of Jungle Suite and the previously unissued title track. 2004's Live at Grace Cathedral was drawn from a solo guitar concert May 21, 1976. In 2008, the label released Windspell, drawn from solo home recordings cut during the last year of Sete's life with a pair of live tracks from a concert at The Boarding House in San Francisco in 1971. In 2011, Samba Moon released The Crystal Garden, a repackaging of 1973's Goin' to Rio; it also contained five unissued tracks from the original sessions. 2014's The Kitchen Tapes was produced for release by Winston. The lion's share of its 14 cuts were recorded in a San Francisco kitchen in 1959 on 1/4" tape by Al Cunningham, shortly after Sete's arrival on the West Coast. Two other cuts from 1971 showcased him playing a hollow-body electric guitar; others were drawn from home studio tapes.

In December 2021, Resonance Records' boss Zev Feldman and Tompkins Square's Josh Rosenthal teamed up to release the three-disc box set Samba in Seattle [Live at the Penthouse 1966-1968], comprised of unreleased live trio recordings from radio broadcast tapes by Jim Wilke. Compiled with complete cooperation from Anne, the set included concerts, a slew of rare photos, and liner essays from music historian Greg Casseus, Winston, Lalo Schifrin, John Fahey, and Feldman, who also conducted interviews with Anne and Carlos Santana.
https://www.allmusic.com/artist/bola-sete-mn0000066800/biography

///////

Biografía
por Alvaro Neder
Bola Sete fue un guitarrista y compositor brasileño. Su estilo único y altamente improvisado ofrecía un enfoque que unía los estilos brasileños con el flamenco, la música clásica, el jazz, el folk americano, la bossa nova y el pop. Sete grabó media docena de álbumes para Odeon antes de abandonar Brasil en 1959, entre ellos Aqui Está O Bola Sete (1957) y Ritmolândia (1959). Conoció a Dizzy Gillespie mientras tocaba una noche en un salón del Sheraton y enseguida se unió a la banda del trompetista. En 1962, publicó su debut americano, Bossa Nova, para Fantasy. Después de publicar Vince Guaraldi, Bola Sete, and Friends en 1963, se unió al grupo del pianista como colaborador de pleno derecho; grabaron varios discos más juntos hasta 1967. Ese año, Verve publicó Bola Sete at the Monterey Jazz Festival, en el que aparecía su trío brasileño. Después del clásico de jazz latino de 1971, Shebaba, para Fantasy, grabó álbumes para Paramount (Workin' on a Groovy Thing, 1971) y Columbia (Goin' to Rio, 1973). Firmó con el sello Takoma de John Fahey y publicó el perdurable conjunto de guitarra solista Ocean en 1975. Sete tocó en directo y salió de gira casi constantemente, pero sólo publicó un álbum más en vida, Jungle Suite, de 1985, producido por George Winston para Dancing Cat. Tras su muerte, su viuda Anne Sete creó el sello Samba Moon para reediciones y material de archivo, incluyendo Live at Grace Cathedral de 2004. En 2021, Tompkins Square publicó Samba in Seattle [Live at the Penthouse 1966-1968], compuesto por grabaciones inéditas en directo del trío.

La palabra "Bola Sete" significa en portugués la séptima bola del juego de billar, la única negra. Nacido Djalma de Andrade en Río de Janeiro en 1923, el guitarrista obtuvo su apodo tras ser el único negro de un pequeño grupo. Desde muy joven, fue una constante en la plaza Tiradentes de Río, donde se reunían los músicos. A los 17 años, se unió al grupo del compositor Henricão, que iba a Marília para una temporada de ocho meses. De vuelta a Río, tocó en todos los locales disponibles en Campinas SP y Niterói RJ. En 1945, la Rádio Transmissora de Río instituyó un concurso de violão (guitarra acústica), en el que resultó ganador. Siguió tocando por todo Minas Gerais y Río. Finalmente, fue contratado por Rádio Transmissora y trabajó en el famoso espectáculo Trem da Alegria durante tres años en el Teatro João Caetano con Lamartine Babo, Iara Sales y Héber de Bôscoli.

A finales de los años 40, formó su propio grupo, Bola Sete e Seu Conjunto. En esa época, Dolores Durán, que llegó a ser una famosa cantante y compositora, era crooner en la discoteca Béguin y, una vez invitada, se convirtió en la cantante del grupo en las discotecas Drink y Vogue. En 1952, viajó a Italia y actuó en varios clubes y hoteles hasta 1954. Ese año regresó a Brasil y formó una orquesta, con la que realizó una gira por Argentina, Uruguay y España. En 1955, volvió a realizar una gira, esta vez por Lima, Perú y Santiago de Chile. En 1959, Sete se trasladó a Estados Unidos y en 1962 fue contratado directamente por el director general de los hoteles Sheraton para tocar en las diversas unidades de esa cadena.

En 1960, el sello Sinter, que ya había grabado varios cortes con él, lanzó el LP Bola Sete. También había grabado para Odeon, que publicó Bola Sete e 4 Trombones con sus propias composiciones y estándares de Gershwin. En 1962, apareció en el histórico Festival de Bossa Nova en el Carnegie Hall de Nueva York. También tocó en el Village Gate y en el Vanguard. Ese mismo año, Odeon Brasil publicó O Extraordinário Bola Sete y Fantasy editó Bossa Nova. Entonces tocaba en el Park Sheraton de Nueva York y, más adelante, se trasladó a San Francisco para tocar en el Sheraton Palace. Dizzy Gillespie se alojaba allí y le escuchaba todas las noches. Cuando el pianista de Gillespie, Lalo Schifrin, llegó al hotel, se encontró con Sete, con quien se había familiarizado y tocado cuando el brasileño hizo una gira por Argentina. Invitado por Gillespie, Sete tocó con él en el Noveno Festival Anual de Jazz de Monterey con gran éxito.

Jimmy Forrest • Black Forrest

 

 

Biography by Scott Yanow
A fine all-round tenor player, Jimmy Forrest is best-known for recording "Night Train," a song that he "borrowed" from the last part of Duke Ellington's "Happy Go Lucky Local." While in high school in St. Louis, Forrest worked with pianist Eddie Johnson, the legendary Fate Marable, and the Jeter-Pillars Orchestra. In 1938, he went on the road with Don Albert and then was with Jay McShann's Orchestra (1940-1942). In New York, Forrest played with Andy Kirk (1942-1948) and Duke Ellington (1949) before returning to St. Louis. After recording "Night Train," Forrest became a popular attraction and recorded a series of jazz-oriented R&B singles. Among his most important later associations were with Harry "Sweets" Edison (1958-1963), Count Basie's Orchestra (1972-1977), and Al Grey, with whom he co-led a quintet until his death. Forrest recorded for United (reissued by Delmark), Prestige/New Jazz (1960-1962), and Palo Alto (1978).
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-forrest-mn0000354769/biography

///////

Biografía de Scott Yanow
Jimmy Forrest, un excelente tenor polifacético, es más conocido por haber grabado "Night Train", una canción que "tomó prestada" de la última parte de "Happy Go Lucky Local" de Duke Ellington. Mientras estudiaba en el instituto de St. Louis, Forrest trabajó con el pianista Eddie Johnson, el legendario Fate Marable y la Orquesta Jeter-Pillars. En 1938, salió de gira con Don Albert y luego estuvo con la Orquesta de Jay McShann (1940-1942). En Nueva York, Forrest tocó con Andy Kirk (1942-1948) y Duke Ellington (1949) antes de regresar a San Luis. Tras grabar "Night Train", Forrest se convirtió en una atracción popular y grabó una serie de singles de R&B orientados al jazz. Entre sus asociaciones posteriores más importantes se encuentran las de Harry "Sweets" Edison (1958-1963), la Orquesta de Count Basie (1972-1977) y Al Grey, con quien codirigió un quinteto hasta su muerte. Forrest grabó para United (reeditado por Delmark), Prestige/New Jazz (1960-1962) y Palo Alto (1978).
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-forrest-mn0000354769/biography

Skip Martin • The Music From Mickey Spillane's Mike Hammer

 

Description from Trunk Records (by Jonny Trunk):
One of the first soundtrack LPs I ever bought. A classic chunk of crime jazz by one of the masters of the genre.
https://trunkrecords.greedbag.com/buy/music-from-mickey-spillanes-mike-0

///////

Descripción de Trunk Records (por Jonny Trunk):
Uno de los primeros LPs de bandas sonoras que compré. Un clásico trozo de jazz de crimen de uno de los maestros del género.
https://trunkrecords.greedbag.com/buy/music-from-mickey-spillanes-mike-0

Gigi Gryce • A Night in Tunisia

 

Review from DownBeat (by Ira Gitler):
Gryce has achieved a balance between the blowing and arranged sections. The latter set off the former, investing the soloists' spots with greater interest and making the album a success.
[DownBeat, 1961]

///////

Reseña de DownBeat (por Ira Gitler):
Gryce ha logrado un equilibrio entre las secciones de improvisación y las arregladas. Estas últimas realzan a las primeras, invirtiendo los momentos solistas con mayor interés y convirtiendo el álbum en un éxito.
[DownBeat, 1961]

Art Van Damme • Septet!

 

 

Art Van Damme (April 9, 1920 – February 15, 2010) was an American jazz accordionist.

The hippest cat ever to swing an accordion, Art Van Damme dared go where no man had gone before: jazz accordion. He started taking accordion lessons at the age of nine, and moved on to classical studies after his family moved to Chicago, Illinois, in 1934. After leaving school. he played in a trio in local clubs under big band leader Ben Bernie hired him in 1941. He soon returned to Chicago, though, and continued to work the club circuit there throughout World War Two.

Van Damme was inspired by swing recordings, particularly Benny Goodman's, and in the late 1930s, he began experimenting, adapting Goodman solos to the accordion. Throughout his career, he would often be compared to Goodman, since the two were both classically trained, technical masters of their instruments, and versatile and creative jazz soloists. He formed a quintet with several of his studio colleagues, and recorded his first album, for the small label, Music Craft, in 1944.

More Cocktail Capers LPHe joined the staff of NBC Radio in Chicago in 1945 and remained a studio musician for over 15 years, even after he became a recording artist in his own right. His early style fits into a small but at the time quite popular niche between the cocktail piano sound and the accordion/guitar/organ sound of the Three Suns. In fact, his earliest albums for Capitol and Columbia all had titles that made this connection explicit: "Cocktail Capers"; "Martini Time"; "Manhattan Time."

Despite liner notes that described this music as "background for badinage," these are excellent albums, if far more subdued that the bebop they shared the record bins with. Van Damme's introduction of the accordion as a featured jazz instrument was well-received critically, and in 1947, Downbeat magazine put his photo on the cover of one of their issues. He would go on to voted "Top Accordionist" in Downbeat's annual poll of jazz musicians for ten years in a row. Later, he was similarly recognized by Contemporary Keyboard magazine for five years in a row.

As time went on, Van Damme moved into more adventurous territory, closer to mainstream jazz. His later Columbia albums feature him at the lead of small, tight combos, and include a mix of standards and Van Damme's own slightly bebop-ish originals. "Accordion a la Mode" may be his best album, although "A Perfect Match," in which he pairs with the fine jazz guitarist Johnny Smith, is a favorite among fans of what's been called "light jazz."

Van Damme never had a problem finding a gig, and performed at clubs and hotels throughout Europe and the U.S. Over the course of over fifty years of performing, he traveled to Europe nearly 40 times and played everywhere from the Desert Inn in Las Vegas, to the Blue Note in New York, to Disney World in Florida. He also appeared on numerous television shows, from "The Tonight Show" to "The Dinah Shore Show." In the early 1950s, his quintet also recorded over 130 15-minute segments for NBC Radio. He claims that his performing kept him so busy he never needed to practice, and says that he probably played his accordion at home less than six hours total in all that time.

After leaving NBC Radio in 1960, Van Damme opened a music store and accordion studio in Chicago, but he continued to tour regularly. He left the recording mainstream when his contract with Columbia Records ran out in 1965, but was quickly signed by the German jazz label, MPS, and went on to record 16 albums for them. Since 1980, he has recorded less frequently, usually for small jazz labels, including an excellent album with the group Singers Unlimited on the Pausa. He gradually shifted his focus from clubs to accordion and jazz workshops, telling one interview that, "The audience is more attentive and listens more intensely."

Although a number of other accordionists ventured into jazz territory after Van Damme broke the trail, he remains the acknowledged master. As one reviewer recently wrote, he dispatches "Right-hand runs with a velocity and lightness of touch that defied the presumed limitations of the instrument," while at the same time, "Consistently emphasizing the lyric contours of a melodic phrase rather than the lightning technical flourishes that led up to it."

He eventually retired to Florida. He announced at his 75th birthday party that he intended to hang up his squeezebox for good, telling one interview that he felt like he'd played enough for one lifetime, but he continued to perform occasionally, appearing at clubs throughout the U.S. until as late as 2008.

///////

Art Van Damme (9 de abril de 1920 - 15 de febrero de 2010) fue un acordeonista de jazz americano.

Art Van Damme, el gato más a la moda en mover un acordeón, se atrevió a ir adonde ningún hombre había ido antes: el acordeón de jazz. Comenzó a tomar clases de acordeón a la edad de nueve años, y pasó a los estudios clásicos después de que su familia se mudó a Chicago, Illinois, en 1934. Después de dejar la escuela, tocó en un trío en clubes locales bajo la dirección del líder de la gran banda Ben Bernie, quien lo contrató en 1941. Sin embargo, pronto regresó a Chicago y continuó trabajando en el circuito de clubes durante la Segunda Guerra Mundial.

Van Damme se inspiró en las grabaciones de swing, especialmente las de Benny Goodman, y a finales de los años 30 comenzó a experimentar, adaptando los solos de Goodman al acordeón. A lo largo de su carrera, a menudo se le comparaba con Goodman, ya que ambos tenían una formación clásica, eran maestros técnicos de sus instrumentos y solistas de jazz versátiles y creativos. Formó un quinteto con varios de sus colegas de estudio, y grabó su primer álbum, para el pequeño sello, Music Craft, en 1944.

More Cocktail Capers LPHe se unió al personal de NBC Radio en Chicago en 1945 y permaneció como músico de estudio durante más de 15 años, incluso después de convertirse en un artista de grabación por derecho propio. Su estilo inicial encaja en un pequeño pero muy popular nicho entre el sonido del piano de cóctel y el sonido del acordeón/guitarra/órgano de los Tres Soles. De hecho, sus primeros álbumes para Capitol y Columbia tenían títulos que hacían explícita esta conexión: "Cocktail Capers"; "Martini Time"; "Manhattan Time".

A pesar de las notas que describían esta música como "fondo para el badinage", estos son excelentes álbumes, aunque mucho más tenues que el bebop con el que compartían los cubos de los discos. La introducción de Van Damme del acordeón como instrumento de jazz fue bien recibida por la crítica, y en 1947, la revista Downbeat puso su foto en la portada de uno de sus números. En la encuesta anual de Downbeat sobre los músicos de jazz, durante diez años consecutivos, fue elegido "Top Accordionist". Más tarde, fue igualmente reconocido por la revista Contemporary Keyboard durante cinco años consecutivos.

Con el paso del tiempo, Van Damme se trasladó a un territorio más aventurero, más cercano al jazz convencional. Sus álbumes posteriores de Columbia lo presentan a la cabeza de pequeños y apretados combos, e incluyen una mezcla de estándares y los propios originales ligeramente bebop-ish de Van Damme. "Accordion a la Mode" puede ser su mejor álbum, aunque "A Perfect Match", en el que se une al guitarrista de jazz Johnny Smith, es uno de los favoritos entre los fans de lo que se ha llamado "light jazz".

Van Damme nunca tuvo problemas para encontrar un concierto, y actuó en clubes y hoteles de toda Europa y Estados Unidos. Durante más de cincuenta años de actuación, viajó a Europa casi 40 veces y tocó en todas partes, desde el Desert Inn de Las Vegas hasta el Blue Note de Nueva York y el Disney World de Florida. También apareció en numerosos programas de televisión, desde "The Tonight Show" hasta "The Dinah Shore Show". A principios de la década de 1950, su quinteto también grabó más de 130 segmentos de 15 minutos para NBC Radio. Afirma que su actuación lo mantuvo tan ocupado que nunca necesitó practicar, y dice que probablemente tocó su acordeón en casa menos de seis horas en total en todo ese tiempo.

Después de dejar NBC Radio en 1960, Van Damme abrió una tienda de música y un estudio de acordeón en Chicago, pero continuó haciendo giras regularmente. Dejó la corriente principal de la grabación cuando su contrato con Columbia Records se acabó en 1965, pero rápidamente fue firmado por el sello de jazz alemán, MPS, y grabó 16 álbumes para ellos. Desde 1980, ha grabado con menos frecuencia, generalmente para pequeños sellos de jazz, incluyendo un excelente álbum con el grupo Singers Unlimited en la Pausa. Poco a poco cambió su enfoque de los clubes a los talleres de acordeón y jazz, diciendo en una entrevista: "El público está más atento y escucha más intensamente".

Aunque otros acordeonistas se aventuraron en el territorio del jazz después de que Van Damme rompiera el camino, sigue siendo el maestro reconocido. Como escribió recientemente un crítico, despacha "Right hand runs with a velocity and lightness of touch that defied the presumed limitations of the instrument" (La mano derecha corre con una velocidad y ligereza de tacto que desafían las presuntas limitaciones del instrumento), mientras que al mismo tiempo, "Consistentemente enfatiza los contornos líricos de una frase melódica en lugar de los florecimientos técnicos relámpagos que la llevaron a ella".

Finalmente se retiró a Florida. Anunció en su fiesta de 75 años que tenía la intención de colgar su squeezebox para siempre, diciendo en una entrevista que sentía que había tocado lo suficiente para toda una vida, pero que seguía actuando ocasionalmente, apareciendo en clubes de todo Estados Unidos hasta el año 2008.