Lee Ritenour • Collection

 

leeritenour.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin 

  

Zipflo Reinhardt • Light of the future

Nach anfänglich autodidaktischem Geigenspiel absolvierte Reinhardt eine siebenjährige Geigenausbildung. Parallel hatte er begonnen, Gitarre zu spielen, wechselte 1968 für kurze Zeit in die Rockszene, wandte sich dann aber ausschließlich dem Jazz zu. Stéphane Grappelli und Jean-Luc Ponty dienten ihm als Vorbilder. Reinhardt war auch inspiriert von John Coltrane, Herbie Hancock und Chick Corea.

Auf sein Debüt-Album Violin Impression im Jahre 1975, begleitet von Bobby Falta, Jan Jankeje und Kuno Schmid (Koono), zeigte sich eine erste bemerkenswerte Publikumsresonanz. Es folgten Rundfunk- und TV-Auftritte sowie Tourneen durch Europa. Auf seiner zweiten LP New Generation 1976 präsentierte Reinhardt traditionelle Spielformen à la Hot Club de France. Mit dem Album Oceana 1978 leitete Reinhardt einen stilistischen Wandel hin zum Fusion-Jazz ein. Zur Produktion des Soloalbums Light of the Future kam es 1980. Sein viertes Album From Time to Time, mit Tilman Günther, Florian Döling, Zeca de Oliveira, Matthias Daneck und Daniel Schay, veröffentlichte Reinhardt 2001.

2001 beteiligte sich Reinhardt am Zelt-Musik-Festival (ZMF) in Freiburg. In seiner Band spielte dort neben Tilman Günther, Florian Döling und Matthias Daneck der renommierte Jazzgitarrist Sylvain Luc. In The Zipflo Reinhardt Band mit Andy Hermann, German Klaiber und Matthias Daneck spielt Zipflo Reinhardt Fusionjazz. Außerdem tritt er im Duo mit Maiki Adel bzw. im Trio mit zusätzlich Jean-Luc Miotti auf.

Tony Scott, Pony Poindexter, Tony Inzalaco und Jimmy Woode holten Reinhardt als Gastsolisten. Bedeutend war das Zusammentreffen mit dem ungarischen Gitarristen Costa Lukacs, der Reinhardt zusammen mit Kuno Schmid auf Konzerttourneen durch Europa begleitete.

Für das Album The Gipsy Jazz Violin Summit wurden neben Reinhardt die Geigerkollegen Schmitto Kling, Hannes Beckmann und Nipso Brantner sowie Otto Weiß, Gary Todd und Charly Antolini verpflichtet. Weitere Kooperationen gab es u. a. mit Keith Copeland, Biréli Lagrène, Billy Brooks, Emil Mangelsdorff, Tony Lakatos, Alvin Queen, Jan Jankeje, Markus Stockhausen und Joe Bawelino.

Reinhardt gründete 1981 mit Jimmy Woode, Albert Mair und Erich Bachträgl das Zipflo Reinhardt Quartett, später umbenannt in Zipflo Reinhardt Group und 1999 in Reinhardt's Quartett, mit Mike Reinhardt, Zipflo Reinhardt und Biréli Lagrène.

Auf dem Album Way of Life (2011) sind neben den angestammten Bandmitgliedern (Maiki Adel, Jean-Luc Miotti) auch frühere musikalische Wegbegleiter (Tilman Günther, Daniel Schay) sowie die Gastmusiker Pascal Pallamidessi und Bambi Reinhardt zu hören.
Musikalische Ausrichtung

Reinhardts eigener Stil sind Kompositionen von sanften zum Teil melancholischen Tönen oder virtuosen Passagen mit höchster Spieltechnik. Markant in seiner Musik sind die klaren Strukturen, eingängige Themen mit zum Teil gedehnten Phrasierungen, bei schlankem vibratolosen Ton.
Auszeichnungen und Preise

Beim the european gipsy music festival 1994 wurde Reinhardt als einer der besten Jazzgeiger der Welt vorgestellt.[2] Er erhielt 2001 den ZMF-Preis des Freiburger Zelt-Musik-Festivals.
https://de.wikipedia.org/wiki/Zipflo_Reinhardt

 

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After initially self-taught violin playing, Reinhardt completed a seven-year violin training. At the same time, he had begun to play the guitar, switched to the rock scene for a short time in 1968, but then turned exclusively to jazz. Stéphane Grappelli and Jean-Luc Ponty served as role models for him. Reinhardt was also inspired by John Coltrane, Herbie Hancock and Chick Corea.

His debut album Violin Impression in 1975, accompanied by Bobby Falta, Jan Jankeje and Kuno Schmid (Koono), showed a first remarkable audience response. This was followed by radio and TV appearances as well as tours through Europe. On his second LP New Generation in 1976, Reinhardt presented traditional forms of playing à la Hot Club de France. With the album Oceana in 1978, Reinhardt initiated a stylistic shift towards fusion jazz. The production of the solo album Light of the Future took place in 1980. Reinhardt released his fourth album From Time to Time, with Tilman Günther, Florian Döling, Zeca de Oliveira, Matthias Daneck and Daniel Schay, in 2001.

In 2001, Reinhardt participated in the Zelt Music Festival (ZMF) in Freiburg. In his band, the renowned jazz guitarist Sylvain Luc played there alongside Tilman Günther, Florian Döling and Matthias Daneck. Zipflo Reinhardt plays fusion jazz in The Zipflo Reinhardt Band with Andy Hermann, German Klaiber and Matthias Daneck. He also performs in a duo with Maiki Adel and in a trio with Jean-Luc Miotti.

Tony Scott, Pony Poindexter, Tony Inzalaco and Jimmy Woode brought Reinhardt as guest soloists. The meeting with the Hungarian guitarist Costa Lukacs, who accompanied Reinhardt on concert tours through Europe together with Kuno Schmid, was significant.

In addition to Reinhardt, the violinist colleagues Schmitto Kling, Hannes Beckmann and Nipso Brantner as well as Otto Weiß, Gary Todd and Charly Antolini were signed for the album The Gipsy Jazz Violin Summit. Other collaborations have included Keith Copeland, Biréli Lagrène, Billy Brooks, Emil Mangelsdorff, Tony Lakatos, Alvin Queen, Jan Jankeje, Markus Stockhausen and Joe Bawelino.

Reinhardt founded the Zipflo Reinhardt Quartet in 1981 with Jimmy Woode, Albert Mair and Erich Bachträgl, later renamed the Zipflo Reinhardt Group and in 1999 the Reinhardt's Quartet, with Mike Reinhardt, Zipflo Reinhardt and Biréli Lagrène.

On the album Way of Life (2011), in addition to the original band members (Maiki Adel, Jean-Luc Miotti), former musical companions (Tilman Günther, Daniel Schay) as well as guest musicians Pascal Pallamidessi and Bambi Reinhardt can be heard.
Musical orientation

Reinhardt's own style consists of compositions of gentle, sometimes melancholic tones or virtuoso passages with the highest playing technique. Striking in his music are the clear structures, catchy themes with partly stretched phrasing, with a slim vibratless tone.
Awards and Prizes

At the European gypsy music festival in 1994 Reinhardt was presented as one of the best jazz violinists in the world.[2] He received the ZMF Prize of the Freiburg Tent Music Festival in 2001.
https://de.wikipedia.org/wiki/Zipflo_Reinhardt

 

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Después de tocar el violín inicialmente de forma autodidacta, Reinhardt completó un entrenamiento de violín de siete años. Al mismo tiempo, había comenzado a tocar la guitarra, cambió a la escena del rock por un corto tiempo en 1968, pero luego se dedicó exclusivamente al jazz. Stéphane Grappelli y Jean-Luc Ponty le sirvieron de modelos a seguir. Reinhardt también se inspiró en John Coltrane, Herbie Hancock y Chick Corea.

Su álbum debut Violin Impression en 1975, acompañado por Bobby Falta, Jan Jankeje y Kuno Schmid (Koono), mostró una primera respuesta notable del público. A esto le siguieron apariciones en radio y televisión, así como giras por Europa. En su segundo LP New Generation en 1976, Reinhardt presentó formas tradicionales de tocar à la Hot Club de France. Con el álbum Oceana en 1978, Reinhardt inició un cambio estilístico hacia el jazz fusión. La producción del álbum en solitario Light of the Future tuvo lugar en 1980. Reinhardt lanzó su cuarto álbum De vez en Cuando, con Tilman Günther, Florian Döling, Zeca de Oliveira, Matthias Daneck y Daniel Schay, en 2001.

En 2001, Reinhardt participó en el Zelt Music Festival (ZMF) en Friburgo. En su banda, el reconocido guitarrista de jazz Sylvain Luc tocó allí junto a Tilman Günther, Florian Döling y Matthias Daneck. Zipflo Reinhardt toca jazz fusión en la Zipflo Reinhardt Band con Andy Hermann, German Klaiber y Matthias Daneck. También actúa a dúo con Maiki Adel y a trío con Jean-Luc Miotti.

Tony Scott, Pony Poindexter, Tony Inzalaco y Jimmy Woode trajeron a Reinhardt como solistas invitados. Fue significativo el encuentro con el guitarrista húngaro Costa Lukacs, quien acompañó a Reinhardt en giras de conciertos por Europa junto a Kuno Schmid.

Además de Reinhardt, los colegas violinistas Schmitto Kling, Hannes Beckmann y Nipso Brantner, así como Otto Weiß, Gary Todd y Charly Antolini firmaron para el álbum The Gipsy Jazz Violin Summit. Otras colaboraciones han incluido a Keith Copeland, Biréli Lagrène, Billy Brooks, Emil Mangelsdorff, Tony Lakatos, Alvin Queen, Jan Jankeje, Markus Stockhausen y Joe Bawelino.

Reinhardt fundó el Cuarteto Zipflo Reinhardt en 1981 con Jimmy Woode, Albert Mair y Erich Bachträgl, luego rebautizado como Zipflo Reinhardt Group y en 1999 Reinhardt's Quartet, con Mike Reinhardt, Zipflo Reinhardt y Biréli Lagrène.

En el álbum Way of Life (2011), además de los miembros originales de la banda (Maiki Adel, Jean-Luc Miotti), se pueden escuchar a antiguos compañeros musicales (Tilman Günther, Daniel Schay), así como a los músicos invitados Pascal Pallamidessi y Bambi Reinhardt.
Orientación musical

El estilo propio de Reinhardt consiste en composiciones de tonos suaves, a veces melancólicos o pasajes virtuosos con la técnica de interpretación más alta. Llama la atención en su música las estructuras claras, temas pegadizos con fraseo parcialmente estirado, con un tono delgado sin vibraciones.
Premios y Reconocimientos

En el festival europeo de música gitana de 1994, Reinhardt fue presentado como uno de los mejores violinistas de jazz del mundo.[2] Recibió el Premio ZMF del Festival de Música de Carpas de Friburgo en 2001.
https://de.wikipedia.org/wiki/Zipflo_Reinhardt

Sarah Mclawler & Richard Otto • We Bring You Swing

Artist Biography by Richard Skelly

Born in Louisville, Kentucky, Hammond B-3 organist Sarah McLawler was raised in the church with gospel music. She studied organ at an Indiana Conservatory. Influenced heavily by the music of the big bands, McLawler used to sneak into clubs in Indianapolis to hear Lucky Millinder's big band. She ended up going on the road with the bandleader, and later formed an ahead-of-its-time all-woman band, the Syn-Co-Ettes. They spent some time as a house band at Chicago's Savoy Club.

After meeting Richard Otto, a classical violinist who liked to play jazz, at a residency at a Brooklyn club, she married him and the two spent years touring and recording together. As fixtures on the New York jazz scene in the 1950s, they became friends with the likes of Milt Jackson, Errol Garner, Dinah Washington, Cab Calloway, Nat Cole, Tony Bennett, Sammy Davis, Jr. and others. Washington was so taken with her playing, she once offered to be her manager.

McLawler's singles for the King and Brunswick labels, recorded in the 1950s, are now collectors' items, and they include sides like "I Can't Stop Loving You" "Love, Sweet Love," both for King, as well as "Red Light" "Tipping In" "Let's Get the Party Rocking" and "Blue Room." Her recordings with violinist Otto include "Somehow," "Yesterday" "Body & Soul" for Brunswick, and "Babe in the Woods" "Relax, Miss Frisky" "Flamingo" "Canadian Sunset" and "At the Break of Day" for Vee-Jay.

She continues to perform jazz standards, because she feels a lot of the popular jazz standards have never gotten enough recognition. Her major shows include recent Newport Jazz Festivals and the Newark Jazz Festival. She's based herself in New York City for many years, and can performs periodically at the Novotel hotel there.

más info / more info

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Biografía del artista por Richard Skelly

Nacida en Louisville, Kentucky, la organista Hammond B-3 Sarah McLawler se crió en la iglesia con música gospel. Estudió órgano en un conservatorio de Indiana. Influenciada por la música de las grandes bandas, McLawler solía colarse en los clubes de Indianápolis para escuchar la gran banda de Lucky Millinder. Terminó saliendo de gira con el director de la banda, y más tarde formó una banda de mujeres adelantada, la Syn-Co-Ettes. Pasaron un tiempo como banda de música house en el Savoy Club de Chicago.

Después de conocer a Richard Otto, un violinista clásico al que le gustaba tocar jazz, en una residencia en un club de Brooklyn, se casó con él y los dos pasaron años haciendo giras y grabando juntos. En la década de 1950, se hicieron amigos de Milt Jackson, Errol Garner, Dinah Washington, Cab Calloway, Nat Cole, Tony Bennett, Sammy Davis Jr. y otros. Washington estaba tan entusiasmado con su interpretación que una vez se ofreció a ser su representante.

Los singles de McLawler para los sellos King y Brunswick, grabados en los años 50, son ahora objetos de colección, e incluyen lados como "I Can't Stop Loving You" "Love, Sweet Love", ambos para King, así como "Red Light" "Tipping In" "Let's Get the Party Rocking" y "Blue Room". Sus grabaciones con el violinista Otto incluyen "Somehow", "Yesterday" "Body & Soul" para Brunswick, y "Babe in the Woods" "Relax, Miss Frisky" "Flamingo" "Canadian Sunset" y "At the Break of Day" para Vee-Jay.

Ella continúa interpretando estándares de jazz, porque siente que muchos de los estándares populares de jazz nunca han tenido suficiente reconocimiento. Sus principales espectáculos incluyen los recientes Festivales de Jazz de Newport y el Festival de Jazz de Newark. Ha estado en la ciudad de Nueva York durante muchos años, y puede actuar periódicamente en el hotel Novotel de allí.

Herbie Mann • Peace Pieces

 

The Kraig Greff Group • Hammond' Eggs

Take four accomplished career musicians dedicated to creating and performing great music, who love playing together. Add the inspirational Hammond B3. The result is the Kraig Greff Group, performing a dynamic mix of contemporary jazz, blues and R&B influenced by Gospel and Brazilian grooves. Kraig Greff is an accomplished keyboardist who has toured with the likes of Barry White and Dianna Ross and performed as a guest artist with the Baltimore Symphony. His music is emotional and awe-inspiring, with a twist of wacky humor. Doug Rich is a grooving, melodic bass player who graduated from Berklee and has performed with the likes of Lionel Hamption, Vanessa Bell Armstrong, and Ray Felder. Kraig and Doug worked together extensively in Cincinnati in the 80's and couldn't forget the experience. In 2008, Kraig and Doug decided to record another album together. Doug recruited Stanley Swann, one of Boston' most sought-after drummers who honed his skills touring globally with the Air Force Band. Kraig brought in Kenny Jones, one of his favorite guitar players ever. The Kraig Greff Group was born.

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Toma a cuatro músicos profesionales dedicados a crear y tocar una gran música, a quienes les encanta tocar juntos. Añadir el inspirado Hammond B3. El resultado es el Grupo Kraig Greff, que realiza una mezcla dinámica de jazz contemporáneo, blues y R&B influenciado por Gospel y ritmos brasileños. Kraig Greff es un teclista consumado que ha realizado giras con artistas como Barry White y Dianna Ross y se ha presentado como artista invitado en la Baltimore Symphony. Su música es emocional e imponente, con un toque de humor extraño. Doug Rich es un bajista melódico y arrollador que se graduó en Berklee y se ha presentado con artistas como Lionel Hamption, Vanessa Bell Armstrong y Ray Felder. Kraig y Doug trabajaron juntos extensivamente en Cincinnati en los años 80 y no pudieron olvidar la experiencia. En 2008, Kraig y Doug decidieron grabar otro álbum juntos. Doug reclutó a Stanley Swann, uno de los bateristas más buscados de Boston que perfeccionó sus habilidades de gira mundial con la Banda de la Fuerza Aérea. Kraig trajo a Kenny Jones, uno de sus guitarristas favoritos de la historia. Nace el Grupo Kraig Greff.

The Jazz Tradition

 

When it was first published in 1970, this lively and fascinating book was greeted with almost universal acclaim. The American Record Guide called it "the best one-volume of jazz we have," and the Jazz Journal praised it as "a brilliant study of the whole of jazz." Perhaps the greatest tribute
was paid by Louis Armstrong himself who raved: "it held Ol' Satch spellbound." Now thoroughly revised and expanded, the new edition of The Jazz Tradition offers readers a unique history of jazz, as seen through its greatest practitioners.
An original blend of history and criticism, this book explores the work of nearly two dozen leading musicians and ensembles that have shaped the course of jazz, from King Oliver's Creole Jazz band to the present day. Couched in the same readable, non-technical language that made earlier
editions so popular, The Jazz Tradition adds new chapters on some of the more recent giants of jazz, performers like pianist Bill Evans, versatile horn player and saxophonist Eric Dolphy, and the World Saxophone Quartet, and considerably expands the chapter devoted to Count Basie. In addition, a
foreword by Richard Crawford introduces the new edition, and the discographies on each performer have been fully brought up to date. Written by an author The Washington Post lauded as "the most knowledgeable, open-minded, and perceptive American jazz critic today," The Jazz Tradition belongs in the
library of all lovers of this distinctly American sound.

 

Illinois Jacquet • Groovin' with Jacquet

 

Bubba Brooks • The Big Sound Of Bubba Brooks

 

Born: 29th May 1922 Fayetteville, North Carolina, USA
Died: 11th April 2002 New York City, New York, USA
US-American tenor saxophonist. Joined Bill Doggett's band in 1974 touring the world until the group disbanded in the early 1990s.
https://www.discogs.com/artist/905696-Dave-Brooks-3


 

The Tony Zano Trio • Everything Swings

 

bio: https://jazzriffing.blogspot.com/search?q=Tony+Zano

Neil Gray • In The Streets

 

 

neilgray.bandcamp.com ...

Trudy Pitts Trio • Live At The Great American Music Hall

Trudy Pitts (born 1933) is a soul jazz keyboardist from Philadelphia, Pennsylvania. She is known primarily for her skill with the Hammond B3 organ.

She is married to Bill Carney (born 1925), known to most as Mr. 'C'. He often joins her on the drums.

In 1999, the Prestige label remastered a couple of her discs from the 1960s into a single compact disc, Legends of Acid Jazz, Trudy Pitts & Pat Martino. She also accompanies Pat Martino on the Prestige Rudy Van Gelder re-issue El Hombre.

On September 15, 2006 Ms. Pitts was the first jazz artist play a concert on Philadelphia's Kimmel Center's 7,000 pipe organ, taking the medium to a whole new level.

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Trudy Pitts (nacida en 1933) es una teclista de soul jazz de Filadelfia, Pennsylvania. Es conocida principalmente por su habilidad con el órgano B3 de Hammond.

Está casada con Bill Carney (nacido en 1925), conocido por la mayoría como el Sr. 'C'. A menudo se une a ella en los tambores.

En 1999, el sello Prestige remasterizó un par de sus discos de los años 60 en un solo disco compacto, Legends of Acid Jazz, Trudy Pitts & Pat Martino. También acompaña a Pat Martino en la reedición del Prestige Rudy Van Gelder de El Hombre.

El 15 de septiembre de 2006 la Sra. Pitts fue la primera artista de jazz en dar un concierto en el órgano de 7.000 tubos del Kimmel Center de Filadelfia, llevando el medio a un nivel completamente nuevo.

Herbie Mann • Reggae

Wes Montgomery & Clark Terry • Straight, No Chaser

 

Hubert Laws • Morning Star

 

Review by Thom Jurek
After the success of 1970's Afro-Classic, Hubert Laws re-teamed with arranger/conductor Don Sebesky for 1972's Morning Star, his third date for producer Creed Taylor's CTI. Laws' sidemen for the date included Ron Carter on bass, Bob James on electric piano, Billy Cobham and Ralph McDonald on drums, guitarist John Tropea, and vibraphonist/percussionist Dave Friedman. Rather than follow up Afro-Classic with another program of primarily classical numbers, Taylor, Laws, and Sebesky employed a large string, wind, and brass ensemble and went to the pop-jazz side of the spectrum. The title track of this gorgeous set is a laid-back, lilting jazz tune with Laws' flute introducing the melody, followed by a tight, economical yet lengthy and expressive James solo and the winds flowing in momentarily before the brass explodes into a gorgeous swing before disappearing again very quickly. James' solo flows through both beautifully. Laws' own break is impressionistic, yet full of elemental swing and classical flourishes. On the beautifully textured reading of "Where Is the Love," Laws' flute plays and darts soulfully around the melody as James colors the margins and Carter ushers in a groove change with his diligent lines accenting Cobham's backbeat. The strings, sweet as they are, underscore rather than overpower the band, adding an entirely different dimension to the arrangement. The reading of "Amazing Grace" is introduced slowly by Laws playing the melody in the lower register. James joins him on the changes before the strings enter sparsely at the minute mark. They color Laws' flute with elegance and a touch of Celtic hymnody. A harp duets with Laws on the third verse; violins and cellos brighten it sparely. When Carter enters, the tempo picks up; the mood changes instantly. It begins to sway, shimmer, and shift, reaching nearly transcendent heights of expression before it all quiets down to Laws' flute unaccompanied, improvising on Bach before returning to the folk roots of the song. These are just the highlights; Morning Star is a joy all the way through, whether it's in the bluesy soul-jazz of "No More" or the occasionally abstract "What Do You Think of This World Now?," which riffs on "America the Beautiful." It's Laws at his very best; it helped define the essence of CTI. 
https://www.allmusic.com/album/morning-star-mw0000921262

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Reseña de Thom Jurek
Tras el éxito de Afro-Classic en 1970, Hubert Laws volvió a colaborar con el arreglista y director Don Sebesky para Morning Star en 1972, su tercer álbum para CTI, el sello del productor Creed Taylor. Los músicos que acompañaron a Laws en esta grabación fueron Ron Carter al bajo, Bob James al piano eléctrico, Billy Cobham y Ralph McDonald a la batería, el guitarrista John Tropea y el vibrafonista y percusionista Dave Friedman. En lugar de continuar la línea de Afro-Classic con otro programa de piezas principalmente clásicas, Taylor, Laws y Sebesky emplearon una amplia sección de cuerdas, vientos y metales, incursionando en el jazz pop. El tema que da título a este magnífico disco es una relajada y cadenciosa pieza de jazz, con la flauta de Laws introduciendo la melodía, seguida de un solo de James preciso, conciso, extenso y expresivo, y los vientos haciendo una breve aparición antes de que los metales irrumpan en un swing magnífico para luego desvanecerse rápidamente. El solo de James fluye con maestría entre ambos pasajes. La interpretación de Laws es impresionista, pero a la vez rebosante de swing esencial y florituras clásicas. En la bellamente texturizada versión de "Where Is the Love", la flauta de Laws juega y se mueve con alma alrededor de la melodía mientras James matiza los matices y Carter introduce un cambio de ritmo con sus diligentes líneas que acentúan el contratiempo de Cobham. Las cuerdas, dulces como son, subrayan en lugar de eclipsar a la banda, añadiendo una dimensión completamente diferente al arreglo. La interpretación de "Amazing Grace" se introduce lentamente con Laws tocando la melodía en el registro grave. James se une a él en los cambios antes de que las cuerdas entren con cautela al minuto. Colorean la flauta de Laws con elegancia y un toque de himnodia celta. Un arpa hace un dúo con Laws en la tercera estrofa; violines y violonchelos la iluminan con sutileza. Cuando entra Carter, el tempo se acelera; el ambiente cambia instantáneamente. Comienza a mecerse, a brillar y a transformarse, alcanzando cotas de expresión casi trascendentales antes de que todo se calme con la flauta de Laws a capella, improvisando sobre Bach antes de regresar a las raíces folk de la canción. Estos son solo algunos de los momentos más destacados; Morning Star es una delicia de principio a fin, ya sea en el soul-jazz con tintes de blues de "No More" o en la a veces abstracta "What Do You Think of This World Now?", que se inspira en "America the Beautiful". Es Laws en su mejor momento; ayudó a definir la esencia de CTI.
https://www.allmusic.com/album/morning-star-mw0000921262

Roby Lakatos And His Ensemble • Lakatos

 

 Gypsy violinist Roby Lakatos is not only a scorching virtuoso, but a musician of extraordinary stylistic versatility. Equally comfortable performing classical music as he is playing jazz and in his own Hungarian folk idiom, Lakatos is the rare musician who defies definition. He is referred to as a gypsy violinist or “devil’s fiddler”, a classical virtuoso, a jazz improviser, a composer and arranger, and a 19th-century throwback, and he is actually all of these things at once. He is the kind of universal musician so rarely encountered in our time—a player whose strength as an interpreter derives from his activities as an improviser and composer. He has performed at the great halls and festivals of Europe, Asia and America.

Born in 1965 into the legendary family of gypsy violinists descended from Janos Bihari, “King of Gypsy Violinists”, Roby Lakatos was introduced to music as a child and at age nine he made his public debut as first violin in a gypsy band. His musicianship evolved not only within his own family but also at the Béla Bartók Conservatory of Budapest, where he won the first prize for classical violin in 1984. Between 1986 and 1996, he and his ensemble delighted audiences at “Les Atéliers de la grande Ille” in Brussels, their musical home throughout this period. He has collaborated with Vadim Repin and Stéphane Grappelli, and his playing was greatly admired by Sir Yehudi Menuhin, who always made a point of visiting the club in Brussels to hear Lakatos. In March 2004, Lakatos appeared to great acclaim with the London Symphony Orchestra in the orchestra’s “Genius of the Violin” festival alongside Maxim Vengerov.

When Roby Lakatos mixes the so-called “classical music” with the magic of the Hungarian-gypsy vitality, it does not turn into a disrespectful attitude toward the higher cultural heritage, but it more reflects the deep tradition rooted in the cultural heritage of the Gypsy people and offers new, refreshing pleasures to the listener and music lover. And just as Liszt, Brahms and others used the Hungarian overtones in their compositions, so now the public profits from the confrontation of these classics with the gypsy roots. This enlivens all those men and women in whose veins still pulses at least a little bit of the blood of the wandering spirit.

Roby is not just an extraordinary virtuoso but a magician with a unique technique and his own style upsets more than one. It’s a rare musician who can play Classical music, Jazz and naturally his own Hungarian folk idiom with as much energy and technical qualities, he redefines every genre with his violin. He has performed at the great halls and festivals in Europe, Asia and America and played with de biggest jazz men like Herbie Hancock, Quincy Jones, Stéphane Grappelli…
http://www.roby-lakatos.com/roby-lakatos/

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El violinista gitano Roby Lakatos no sólo es un virtuoso ardiente, sino un músico de extraordinaria versatilidad estilística. Igual de cómodo interpretando música clásica que tocando jazz y en su propio idioma folklórico húngaro, Lakatos es el raro músico que desafía la definición. Se le conoce como un violinista gitano o "violinista del diablo", un virtuoso de la música clásica, un improvisador de jazz, un compositor y arreglista, y un artista del siglo XIX, y en realidad es todas estas cosas a la vez. Es el tipo de músico universal tan poco frecuente en nuestra época, un músico cuya fuerza como intérprete se deriva de sus actividades como improvisador y compositor. Ha actuado en los grandes salones y festivales de Europa, Asia y América.

Nacido en 1965 en el seno de la legendaria familia de violinistas gitanos descendientes de Janos Bihari, "Rey de los violinistas gitanos", Roby Lakatos fue introducido a la música de niño y a los nueve años debutó públicamente como primer violín en una banda gitana. Su musicalidad evolucionó no sólo en el seno de su propia familia, sino también en el Conservatorio Béla Bartók de Budapest, donde obtuvo el primer premio de violín clásico en 1984. Entre 1986 y 1996, él y su conjunto deleitaron al público en "Les Atéliers de la grande Ille" en Bruselas, su hogar musical durante todo este período. Ha colaborado con Vadim Repin y Stéphane Grappelli, y su interpretación fue muy admirada por el señor Yehudi Menuhin, que siempre se ha esforzado por visitar el club de Bruselas para escuchar a Lakatos. En marzo de 2004, Lakatos apareció con la London Symphony Orchestra en el festival "Genius of the Violin" de la orquesta junto a Maxim Vengerov.

Cuando Roby Lakatos mezcla la llamada "música clásica" con la magia de la vitalidad húngaro-gitana, no se convierte en una actitud irrespetuosa hacia la herencia cultural superior, sino que refleja más bien la profunda tradición arraigada en la herencia cultural del pueblo gitano y ofrece nuevos y refrescantes placeres al oyente y al amante de la música. Y así como Liszt, Brahms y otros utilizaron los matices húngaros en sus composiciones, ahora el público se beneficia de la confrontación de estos clásicos con las raíces gitanas. Esto anima a todos aquellos hombres y mujeres en cuyas venas todavía late al menos un poco de la sangre del espíritu errante.

Roby no es sólo un virtuoso extraordinario, sino un mago con una técnica única y un estilo propio que trastorna a más de uno. Es un músico raro que sabe tocar música clásica, jazz y naturalmente su propio idioma folklórico húngaro con tanta energía y cualidades técnicas, redefine cada género con su violín. Ha actuado en los grandes salones y festivales de Europa, Asia y América y ha tocado con los más grandes del jazz como Herbie Hancock, Quincy Jones, Stéphane Grappelli....
http://www.roby-lakatos.com/roby-lakatos/


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The Tom Kubis Big • Keep Swingin'ː The Tom Kubis Big Band Plays Steve Allen

Review by Scott Yanow

Steve Allen wrote a countless number of songs in his career, most of which have been long forgotten. On two CDs (of which this is the second), bandleader Tom Kubis and his orchestra perform Kubis' arrangements of some of Allen's tunes. Although the melodies are generally not memorable, the band's performances are impeccable, reasonably inventive, and swinging. Many soloists are heard from along the way, including Kubis himself (on tenor and soprano), trumpeters George Graham, Jeff Bunnell, and Stan Martin, all three trombonists, guitarist Grant Geissman, altoist Sal Lozano, and Rusty Higgins on tenor. Jack Sheldon guests on "Tango Blues" (which he sings) and "Chittlins," while Steve Allen himself sings the humorous if downbeat "Livin' in L.A."

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Reseña de Scott Yanow

Steve Allen escribió un sinnúmero de canciones en su carrera, la mayoría de las cuales han sido olvidadas hace tiempo. En dos CDs (de los cuales este es el segundo), el director de la banda Tom Kubis y su orquesta interpretan los arreglos de Kubis de algunas de las canciones de Allen. Aunque las melodías no son generalmente memorables, las actuaciones de la banda son impecables, razonablemente inventivas y swinging. Se escuchan muchos solistas a lo largo del camino, incluyendo al propio Kubis (en tenor y soprano), los trompetistas George Graham, Jeff Bunnell y Stan Martin, los tres trombonistas, el guitarrista Grant Geissman, el altolista Sal Lozano y Rusty Higgins en tenor. Jack Sheldon es invitado en "Tango Blues" (que canta) y "Chittlins", mientras que Steve Allen canta el humorístico aunque pesimista "Livin' in L.A.".

 

 

 

Sonny Rollins • Plays The Blues

 

The Danish Jazz Quartet • Just Jazz

Editorial Reviews

Leif Juul Jørgensen is back on the jazz scene! From time to time he s been less active, but through his musical career he has been a clarinet player in the Arnvid Meyers Orchestra and, more recently, the Theis/Nyegaard Jazz Band. Furthermore, he has performed with Bud Freeman, Vic Dickenson, and Edmond Hall. He has now formed a new group, The Danish Jazz Quartet, featuring legends from the Danish jazz scene: Søren Kristiansen (piano), Jesper Lundgaard (double bass), and Alex Riel (drums).

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Reseñas editoriales

Leif Juul Jørgensen está de vuelta en la escena del jazz! De vez en cuando ha sido menos activo, pero a lo largo de su carrera musical ha sido clarinetista en la Orquesta Arnvid Meyers y, más recientemente, en la Banda de Jazz de Theis/Nyegaard. Además, ha tocado con Bud Freeman, Vic Dickenson y Edmond Hall. Ahora ha formado un nuevo grupo, el Cuarteto de Jazz Danés, con leyendas de la escena de jazz danesa: Søren Kristiansen (piano), Jesper Lundgaard (contrabajo) y Alex Riel (batería).

Will Matthews • Count On Swingin'

Biography

Kansas City native Will Matthews is the guitarist for the world famous Count Basie Orchestra, joining the group in 1996 under the direction of trombonist Grover Mitchell to fill the coveted chair of the late legendary guitarist and composer, Freddie Green who was with the band for over fifty years.

Matthews has traveled and toured all over the world and has played on many studio recordings with the group, including two 'Grammy' winning recordings, Count Basie Orchestra Live at Manchester Guild in 1997 and Count Plays Duke 1999, as well as the 'Grammy' nominated recording Swing Shift in 2000

The Guitarist has played every major festival, concert hall and theatre in the world and has also had the opportunity to play one-nighters with a variety of artists coming through Kansas City such as Charles Earland, Freda Payne, Arthur Prysock, Jimmy Witherspoon, Carmen Bradford, Kevin Mahogany, and Bobby Watson.

In 1996 Matthews was invited to perform at the Royal Palace in Bangkok, Thailand for King Bhumbibol, along with other members of the Basie Orchestra, Benny Carter and Frank Foster. In 1997 he performed with the group for President William J. Clinton's second inaugural.

During his tenure with the band Matthews has performed with a who's who of artists such as Joe Williams, Frank Wess, Curtis Fuller, George Benson, Kenny Burrell, Milt Jackson, Jimmy Cobb, Hank Jones, Rufus Reed, John Faddis, Harry 'Sweets' Edison, Lou Donaldson, Dorothy Donegan, Tom Scott, John Pizzarelli, Regina Carter, Nancy Wilson, Patti Austin, Rosemary Clooney, Dianne Reeves, Nnenna Freelon, Marlena Shaw, and Ledisi to name a few.

During the 1950's and 60's the classic Hammond B-3 organ, guitar, drums format emerged and has played a big role in the evolution of jazz music, and with the addition of the saxophone to the line-up augmenting it to a quartet, the sound became very popular with players ranging from Wild Bill Davis, Bill Doggett to Jimmy Smith. Most of the great jazz guitarists have recorded using this format as it seems that the guitar and organ go together like hand in glove and so I felt the need to be a part of the continuum of this great tradition with the release of my latest recording on the ARC label with the legendary organist from the Wes Montgomery Trio, Mel Rhyne and saxman Bobby Watson who was a member of the Art Blakey Jazz Messenger group and later formed his own groups, Horizon and the Live and Learn band.

Matthews also holds the guitar chair with the 18th Vine St. Big Band lead by Watson.

Those who know me have always heard me say that Will’s tone and phrasing is a perfect blend of George Benson, Grant Green, and Wes Montgomery, supported by his strong chordal concept, which, unavoidably, is pure Kenny Burrell (and why would anyone want to go around that?)

His debut CD, Solo, was released in 2000 to critical acclaim, and the audience has since been waiting for his return, long overdue as a solo artist. In the most beautiful sense, Will’s phrasing is downhill, leaning forward, he waits for nothing; there’s a real sense of urgency here”he’s gotta get it to ya’, and now! With respect to that sense of urgency, let me give you a thumbnail sketch of the swinging tunes that are on this long awaited recording.

The appropriately titled, “Count on Swingin’” (I assume you get the inherent implication!) which finds Will blowin’ some mad blues riffs, even finding a way to insert Duke’s quote of “It Don’t Mean A Thing” while the cascade of boppish lines rain down”meanwhile, alto sax master Bobby Watson was sent as a true Jazz Messenger (‘77 to ‘81) to celebrate Will’s most recent jazz party.

“Corner Pocket,” an obvious nod to his Basie boss, which prominently promotes his mastery of the Freddie Green comping style, for which Will is literally the absolute best suited in the world today; “Can’t Help It,” which, is, unfortunately, so well-timed in light of the recent dimming of our brightest pop star, M.J.; and “Mikayla’s Song,” a beautiful chord-melody laid down over a bed of funk that Will composed for his daughter.

Then there’s “Up and At It,” which best displays Will’s deftness and dexterity in the hard bop tradition. But just dig the chattery talk that drummer Kenny Phelps is laying down! His graceful presence is fully felt not only here, but throughout the entire album.

Of course, you gotta have some blues, baby…and so Will’s licks on “The Grease” gets us all well-lubricated, yes? And, sure,

Will pays his respect to the great tradition of Miles with the sophisticated, yet cool jazz approach to the changes of “Old Milestones,” where Bobby Watson glides through like a summer breeze.

The legendary Hammond organ king Mel Rhynes makes his contribution to the collection with “Soul Changes,” and just listening to the gargle of that gargantuan instrument on the opening track reminds us all of the greatness that he lent to Wes for so many years.

Finally, “Where There’s A Will” is one of five Matthews original contributions, with such swing that allows no one to ignore the direct descent in the line of greats”Wes, Kenny, Grant, and George. And, of course, that’s the only way.

So what now?….Well, now there’s a Will

https://musicians.allaboutjazz.com/willmatthews

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Biografía

El nativo de Kansas City Will Matthews es el guitarrista de la mundialmente famosa Orquesta Count Basie, que se unió al grupo en 1996 bajo la dirección del trombonista Grover Mitchell para ocupar la codiciada silla del fallecido y legendario guitarrista y compositor, Freddie Green, que estuvo con la banda durante más de cincuenta años.

Matthews ha viajado y hecho giras por todo el mundo y ha tocado en muchas grabaciones de estudio con el grupo, incluyendo dos grabaciones ganadoras del 'Grammy', Count Basie Orchestra Live at Manchester Guild en 1997 y Count Plays Duke 1999, así como la grabación nominada al 'Grammy' Swing Shift en 2000

El guitarrista ha tocado en todos los grandes festivales, salas de conciertos y teatros del mundo y también ha tenido la oportunidad de tocar en una noche con una variedad de artistas que vienen a través de Kansas City como Charles Earland, Freda Payne, Arthur Prysock, Jimmy Witherspoon, Carmen Bradford, Kevin Mahogany y Bobby Watson.

En 1996 Matthews fue invitado a actuar en el Palacio Real de Bangkok, Tailandia para el Rey Bhumbibol, junto con otros miembros de la Orquesta Basie, Benny Carter y Frank Foster. En 1997 actuó con el grupo para la segunda inauguración del Presidente William J. Clinton.

Durante su permanencia en la banda, Matthews ha actuado con artistas como Joe Williams, Frank Wess, Curtis Fuller, George Benson, Kenny Burrell, Milt Jackson, Jimmy Cobb, Hank Jones, Rufus Reed, John Faddis, Harry 'Sweets' Edison, Lou Donaldson, Dorothy Donegan, Tom Scott, John Pizzarelli, Regina Carter, Nancy Wilson, Patti Austin, Rosemary Clooney, Dianne Reeves, Nnenna Freelon, Marlena Shaw, y Ledisi por nombrar algunos.

Durante los años 50 y 60 surgió el clásico formato de órgano, guitarra y batería Hammond B-3, que ha jugado un gran papel en la evolución de la música de jazz, y con la adición del saxofón a la alineación, que aumentó a un cuarteto, el sonido se hizo muy popular entre los jugadores que van desde Wild Bill Davis, Bill Doggett a Jimmy Smith. La mayoría de los grandes guitarristas de jazz han grabado usando este formato ya que parece que la guitarra y el órgano van juntos como la mano en guante y por eso sentí la necesidad de ser parte de la continuidad de esta gran tradición con el lanzamiento de mi última grabación en el sello ARC con el legendario organista del Wes Montgomery Trio, Mel Rhyne y el saxofonista Bobby Watson que fue miembro del grupo Art Blakey Jazz Messenger y más tarde formó sus propios grupos, Horizon y la banda Live and Learn.

Matthews también ocupa la silla de la guitarra con la 18ª Vine St. Big Band liderada por Watson.

Los que me conocen siempre me han oído decir que el tono y el fraseo de Will es una mezcla perfecta de George Benson, Grant Green y Wes Montgomery, apoyada por su fuerte concepto de los acordes, que, inevitablemente, es puro Kenny Burrell (¿y por qué alguien querría rodearlo?)

Su primer CD, Solo, fue lanzado en el año 2000 con gran éxito de crítica, y el público ha estado esperando desde entonces su regreso, largamente esperado como solista. En el sentido más bello, el fraseo de Will es cuesta abajo, inclinándose hacia adelante, no espera nada; hay una verdadera sensación de urgencia here"él tiene que llevarlo a ti', y ahora! Con respecto a ese sentido de urgencia, déjenme darles un bosquejo de las melodías que están en esta tan esperada grabación.

El apropiadamente titulado, "Count on Swingin'" (¡supongo que entienden la implicación inherente!) que encuentra a Will soplando algunos riffs de blues loco, incluso encontrando una manera de insertar la cita de Duke de "It Don't Mean A Thing" mientras la cascada de líneas de boppish llueven down"mientras tanto, el maestro del saxo alto Bobby Watson fue enviado como un verdadero Mensajero de Jazz ('77 a '81) para celebrar la más reciente fiesta de jazz de Will.

"Corner Pocket", un obvio guiño a su jefe Basie, que promueve de manera prominente su dominio del estilo de compilación de Freddie Green, para el cual Will es literalmente el más adecuado en el mundo actual; "Can't Help It", que, desafortunadamente, es tan oportuno a la luz del reciente oscurecimiento de nuestra estrella pop más brillante, M.J.; y "Mikayla's Song", una hermosa melodía de acordes sobre una cama de funk que Will compuso para su hija.

Luego está "Up and At It", que es la mejor muestra de la destreza y habilidad de Will en la tradición del hard bop. ¡Pero sólo escarba en la charla que el baterista Kenny Phelps está dando! Su elegante presencia se siente plenamente no sólo aquí, sino en todo el álbum.

Por supuesto, tienes que tener algo de blues, nena... y así los lametazos de Will en "The Grease" nos lubrican bien, ¿sí? Y, claro,

Will respeta la gran tradición de Miles con el sofisticado, aunque fresco, enfoque de jazz a los cambios de "Old Milestones", donde Bobby Watson se desliza como una brisa de verano.

El legendario rey del órgano Hammond, Mel Rhynes, contribuye a la colección con "Soul Changes", y sólo escuchar las gárgaras de ese gigantesco instrumento en el primer tema nos recuerda la grandeza que le prestó a Wes durante tantos años.

Finalmente, "Where There's A Will" es una de las cinco contribuciones originales de Matthews, con tal oscilación que no permite a nadie ignorar el descenso directo en la línea de greats "Wes, Kenny, Grant y George. Y, por supuesto, esa es la única manera.

¿Y ahora qué?... Bueno, ahora hay un testamento

https://musicians.allaboutjazz.com/willmatthews

willmatthews.com ...

Paul Desmond • Glad To Be Unhappy

Review by Richard S. Ginell

Even though Desmond was kidding when he described himself as the world's slowest alto player, this record bears out the kernel of truth within the jest. Here, Desmond set out to make a record of love songs and torch ballads, so the tempos are very slow to medium, the mood is of wistful relaxation, and the spaces between the notes grow longer. At first glance, Desmond may seem only peripherally involved with the music-making, keeping emotion at a cool, intellectual arms' length, yet his exceptionally pure tone and ruminative moods wear very well over the long haul. Again, Jim Hall is his commiserator and partner, and the guitarist gets practically as much space to unwind as the headliner; the solo on "Angel Eyes" is an encyclopedia of magnificent chording and single-string eloquence. Gene Wright returns on bass, spelled by Gene Cherico on "Poor Butterfly," and Connie Kay's brush-dominated drum work is pushed even further into the background. A lovely recording, though not the best album in the Desmond/Hall collaboration.

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Revisión por Richard S. Ginell

A pesar de que Desmond estaba bromeando cuando se describió a sí mismo como el jugador más lento del mundo, este registro soporta el núcleo de la verdad dentro de la broma. Aquí, Desmond se propuso hacer un registro de canciones de amor y baladas de antorchas, por lo que los tempos son muy lentos a medianos, el estado de ánimo es de relajación nebulosa y los espacios entre las notas se hacen más largos. A primera vista, Desmond puede parecer solo involucrado periféricamente con la creación de música, manteniendo la emoción a la altura de los brazos, intelectuales, pero su tono excepcionalmente puro y su humor rumiante se visten muy bien a largo plazo. Una vez más, Jim Hall es su compañero y compañero, y el guitarrista tiene prácticamente tanto espacio para relajarse como el jefe de cartel; El solo de "Angel Eyes" es una enciclopedia de magníficas frases y elocuencia de una sola cuerda. Gene Wright regresa al bajo, escrito por Gene Cherico en "Poor Butterfly", y el trabajo de batería dominado por el pincel de Connie Kay se empuja aún más al fondo. Una grabación encantadora, aunque no es el mejor álbum en la colaboración de Desmond / Hall.