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Saturday, May 2, 2026

Mal Waldron • Left Alone

 



Review from AllMusic (by Scott Yanow):
This obscure CD reissue has the wrong date listed (it is from February 24, 1959, not November 1957) and fails to mention that altoist Jackie McLean sits in with pianist Mal Waldron's trio (which includes bassist Julian Euell and drummer Al Dreares) on the title cut, a number co-written by Waldron and Billie Holiday. Although Waldron dedicated the album to Lady Day and talks about her a bit on the last track in a short interview with vibraphonist Teddy Charles (which was recorded a bit later), he actually only performs one song from her repertoire: "You Don't Know What Love Is." Otherwise this rather brief CD has the title cut, two other typically brooding Waldron originals plus Sonny Rollins' "Airegin." McLean's emotional alto is such a strong asset on the title cut that one wishes he were on the rest of this worthwhile set.
https://www.allmusic.com/album/left-alone-mw0000651178

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Esta oscura reedición en CD tiene la fecha incorrecta (es del 24 de febrero de 1959, no noviembre de 1957) y no menciona que el saxofonista alto Jackie McLean participa con el trío del pianista Mal Waldron (que incluye al bajista Julian Euell y al baterista Al Dreares) en el tema titular, una composición coescrita por Waldron y Billie Holiday. Aunque Waldron dedicó el álbum a Lady Day y habla un poco sobre ella en la última pista en una breve entrevista con el vibrafonista Teddy Charles (que fue grabada un poco después), en realidad solo interpreta una canción de su repertorio: "You Don't Know What Love Is". Por lo demás, este CD bastante breve tiene el tema titular, otros dos originales típicamente melancólicos de Waldron más "Airegin" de Sonny Rollins. El emotivo saxo alto de McLean es un activo tan fuerte en el tema titular que uno desearía que estuviera en el resto de este valioso conjunto.
https://www.allmusic.com/album/left-alone-mw0000651178


Thursday, April 30, 2026

Jackie McLean • Alto Madness

 



Review from AllMusic (by Scott Yanow):
McLean became much more individual within a few years, while Jenkins would fade from the scene altogether. This likable jam session features plenty of tradeoffs by the two altoists.

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
McLean se volvió mucho más individual en unos pocos años, mientras que Jenkins desaparecería de la escena por completo. Esta agradable sesión de jam presenta muchos intercambios entre los dos saxofonistas alto.


Monday, March 16, 2026

Jackie McLean • Makin' The Changes

 



Jackie McLean • Makin' The Changes
No se encontró reseña en AllMusic.com
Review from Cashbox (June 25, 1960):
McLean's emergence as a major new alto voice is marked by his driving, energetic playing style. His intense approach shines on tracks including "Bean And The Boys," "I Never Knew," and "Chasin' The Bird," supported excellently by Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young, and Gil Coggins. An important recording session for Jackie McLean's developing career.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

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La emergencia de McLean como una importante nueva voz del saxo alto está marcada por su estilo de interpretación enérgico y vigoroso. Su enfoque intenso brilla en tracks que incluyen "Bean And The Boys", "I Never Knew" y "Chasin' The Bird", respaldado excelentemente por Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young y Gil Coggins. Una sesión de grabación importante para la carrera en desarrollo de Jackie McLean.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/


Sunday, February 15, 2026

Art Blakey & The Jazz Messengers • Drum Suite

 



Review by Steve Leggett
Recorded in 1956, Art Blakey's Drum Suite is a wonderful hybrid of African, Latin, and hard bop rhythms that prefigures the concept of Afro-beat by at least a decade, and the sheer energy, not to mention its very special and fresh-sounding intimacy, make it especially astounding. Even more amazing is that the three parts of the suite -- Blakey's "The Sacrifice," Ray Bryant's "Cubano Chant," and Oscar Pettiford's "Oscalypso" -- were recorded straight through live, and were only intended to be a pre-take run-through, but as is obvious here, Blakey and company nailed the whole thing right out of the box. The original LP was issued by Columbia with the drum suite on one side, and three tracks recorded by a 1956 version of the Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery, and Spanky DeBrest) for Blakey's first Columbia album, Hard Bop, on the other side. Groundbreaking for its time, and still sounding vital, powerful, and visionary, the Drum Suite album is somewhat of a lost masterpiece that deserves a fresh audience.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522

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Reseña de Steve Leggett
Grabada en 1956, la Drum Suite de Art Blakey es un maravilloso híbrido de ritmos africanos, latinos y hard bop que prefigura el concepto de afro-beat por lo menos una década, y la pura energía, por no hablar de su intimidad tan especial y fresca, la hacen especialmente asombrosa. Más sorprendente aún es que las tres partes de la suite - "The Sacrifice" de Blakey, "Cubano Chant" de Ray Bryant y "Oscalypso" de Oscar Pettiford- se grabaron directamente en directo, y sólo pretendían ser un ensayo previo, pero como es obvio aquí, Blakey y compañía lo clavaron todo nada más sacarlo de la caja. El LP original fue emitido por Columbia con la suite de batería en una cara, y tres temas grabados por una versión de 1956 de los Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery y Spanky DeBrest) para el primer álbum de Columbia de Blakey, Hard Bop, en la otra cara. Innovador para su época, y todavía con un sonido vital, potente y visionario, el álbum Drum Suite es una especie de obra maestra perdida que merece un nuevo público.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522



Saturday, February 7, 2026

Freddie Redd Quartet with Jackie McLean • The Music From The Connection

 



Review by Stephen Thomas Erlewine (AllMusic):
Freddie Redd composed the music for Jack Gelber's The Connection, a gritty play about musician junkies. Gelber had originally thought that the play would feature real musicians who would also double as actors in minor roles, improvising on blues and jazz standards in the tradition of Charlie Parker, but Redd convinced him to use an original score. The two weaved Redd's original compositions into the score, making it an integral part of the play, but the music holds up superbly on its own. Using the direction "in the tradition of Charlie Parker" as a starting point, the pianist wrote seven pieces of straight-ahead bop, wide open for improvisations, and then assembled a sterling quartet.
http://projazz.net/freddie-redd-quartet-with-jackie-mclean-%E2%80%8E-the-music-from-the-connection-full-album/

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine (AllMusic)
Freddie Redd compuso la música para The Connection de Jack Gelber, una obra cruda sobre músicos adictos. Gelber había pensado originalmente que la obra presentaría músicos reales que también actuarían en papeles menores, improvisando sobre blues y estándares de jazz en la tradición de Charlie Parker, pero Redd lo convenció de usar una partitura original. Los dos entrelazaron las composiciones originales de Redd en la partitura, convirtiéndola en parte integral de la obra, pero la música se sostiene magníficamente por sí sola. Usando la dirección "en la tradición de Charlie Parker" como punto de partida, el pianista escribió siete piezas de bop directo, bien abiertas para improvisaciones, y luego reunió un cuarteto estelar.
http://projazz.net/freddie-redd-quartet-with-jackie-mclean-%E2%80%8E-the-music-from-the-connection-full-album/



Monday, January 26, 2026

Ray Draper • Tuba Sounds

 



“A Promise Derailed.” Such of phrase could easily have been etched on Ray Draper’s tombstone to describe the tubaist’s trials in life and music. Killed in a botched robbery at the tragic age of 42 his troubles both personal and musical hounded him for much of his life. But reading the original liners to this reissue penned by Ira Gitler it’s difficult to prognosticate such a future for Draper. Member of the All-City High School Symphony, a budding playwright and composer, and front man of a recording date for Prestige- all of these things point to bright and promising prospects as a musician. A careful inventory of Draper’s sidemen also speaks to his precocious talent. Even back in 57’ McLean and Waldron were heavy hitters and the relative newcomers Young, DeBrest and Dixon are also solid recruits. Taped at Rudy Van G’s original Hackensack studio (his parent’s living room) the fidelity adds even further to the fine proceedings.

The tunes on the date are a well-chosen mix of originals with a single standard thrown in as a nod to tradition. Draper’s potbellied horn is surprisingly agile on the changes, particularly on his own numbers “Jackie’s Dolly” and “Mimi’s Interlude.” Plump and viscous, it’s a sound that skates along the bedrock of the bass register while still managing to fire off quick salvos of notes. Young stays fairly understated, but still chimes in occasionally with fine solos, as on the latter composition and some intriguing exchanges, as on the opening “Terry Anne.” McLean’s devilish alto, brimming with youthful bravado, routinely dances rings around the leader’s fleshy figures. The rhythm section is usually relegated to its regular chores, but Waldron finds space both for a tune and several solo breaks.

Draper recorded several other dates as a leader and parlayed some work as a sideman for employers like McLean, Coltrane and others throughout the remainder of the 50s. The 60s and 70s also afforded him sporadic dates with folks like Archie Shepp and, but the occasional returns to music were always short-lived. Listening in on the promise he so evidently displays here it’s a shame Draper wasn’t able to persevere.
By Derek Taylor
February 1, 2001 
https://www.allaboutjazz.com/tuba-sounds-ray-draper-prestige-records-review-by-derek-taylor__6302

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«Una promesa truncada». Esta frase podría haber sido fácilmente grabada en la lápida de Ray Draper para describir las tribulaciones del tubista en la vida y en la música. Asesinado en un robo fallido a la trágica edad de 42 años, sus problemas personales y musicales le persiguieron durante gran parte de su vida. Pero al leer las notas originales de esta reedición, escritas por Ira Gitler, resulta difícil pronosticar un futuro así para Draper. Miembro de la All-City High School Symphony, dramaturgo y compositor en ciernes, y protagonista de una sesión de grabación para Prestige: todo ello apuntaba a un futuro brillante y prometedor como músico. Un inventario minucioso de los músicos que acompañaban a Draper también da cuenta de su talento precoz. Ya en 1957, McLean y Waldron eran pesos pesados, y los relativamente novatos Young, DeBrest y Dixon también eran reclutas sólidos. Grabado en el estudio original de Rudy Van G en Hackensack (el salón de sus padres), la fidelidad añade aún más valor al excelente trabajo.

Las canciones de la sesión son una mezcla bien elegida de temas originales con un único estándar incluido como guiño a la tradición. El saxofón barrigudo de Draper es sorprendentemente ágil en los cambios, especialmente en sus propios temas «Jackie's Dolly» y «Mimi's Interlude». Redondo y viscoso, es un sonido que se desliza sobre la base del registro grave del bajo, sin dejar de disparar rápidas salvas de notas. Young se mantiene bastante discreto, pero de vez en cuando interviene con buenos solos, como en la última composición y en algunos intercambios intrigantes, como en la apertura «Terry Anne». El saxo alto diabólico de McLean, rebosante de bravuconería juvenil, baila habitualmente alrededor de las figuras carnosas del líder. La sección rítmica suele quedar relegada a sus tareas habituales, pero Waldron encuentra espacio tanto para una melodía como para varios solos.

Draper grabó varias otras fechas como líder y aprovechó algunos trabajos como acompañante para empleadores como McLean, Coltrane y otros durante el resto de los años 50. Los años 60 y 70 también le proporcionaron fechas esporádicas con gente como Archie Shepp, pero los ocasionales regresos a la música siempre fueron efímeros. Al escuchar la promesa que tan evidentemente muestra aquí, es una pena que Draper no fuera capaz de perseverar.
Por Derek Taylor.
1 de febrero de 2001. 
https://www.allaboutjazz.com/tuba-sounds-ray-draper-prestige-records-review-by-derek-taylor__6302


 





Friday, October 24, 2025

VA • Blue Note 101 Jazz Icons

 



Review by Gregory Heaney
Blue Note Records has been home to some of the greatest names in jazz, and with its Blue Note 101 series, the storied label has been looking to introduce a whole new crop of listeners to some of the legendary artists on its roster with a series of introductory compilations. On Blue Note 101: Jazz Icons, the series gets to the real meat of the jazz world with a collection featuring some of the most influential names in the genre. Featuring tracks like Thelonious Monk's manic "Four in One" and John Coltrane's smoothly propulsive "Moment's Notice," the compilation will set new listeners down the path of enlightenment toward a cooler tomorrow. 
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

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Reseña de Gregory Heaney
Blue Note Records ha sido el hogar de algunos de los grandes nombres del jazz, y con su serie Blue Note 101, el histórico sello busca presentar a una nueva generación de oyentes algunos de los artistas legendarios de su catálogo con una serie de recopilatorios introductorios. En Blue Note 101: Jazz Icons, la serie llega a la esencia del mundo del jazz con una colección que incluye a algunos de los nombres más influyentes del género. Con temas como el frenético "Four in One" de Thelonious Monk y el ágil "Moment's Notice" de John Coltrane, el recopilatorio guiará a los nuevos oyentes hacia un futuro más prometedor.
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018


Sunday, June 1, 2025

Donald Byrd • Fuego

 



Review
by Michael G. Nastos
Fuego -- a title that might be somewhat misleading -- is the final Blue Note recording exclusively pairing Donald Byrd with Jackie McLean, a fruitful partnership that set the yin of the (in this case) restrained trumpeter, against the yang of the tart and extroverted alto saxophonist. While not quite a unified whole, the two were involved in turf battles that were based on mutual respect, here exuding a quieter fire that toned down McLean and muted Byrd to attain an intriguing harmonic balance. Duke Pearson's clever piano in the middle, with Doug Watkins playing bass and favored drummer Lex Humphries, made for one of the more diverse sounds in modern jazz circa 1959-1960. Of course hard bop is at the core of this band, but Byrd is moving further into post-bop, as served up heartily by the two horns during the modal, rambling, and staggered theme of the title selection. It's more a cool flame than burning inferno, as the drum inserts of Humphries fill the cracks of the horns' bluesy ideas. "Bup-A-Loup" is a harder bop theme, with distinct staccato accents identifying the melody priming McLean's quintessential solo. "Low Life" also takes into account the burgeoning original soul-jazz aesthetic in a jaunty mood that parallels the Bobby Timmons evergreens "Dis Here" and "Dat Dere." As Byrd's father was a preacher, "Amen" pays tribute to the spirit-soul in a gospel shuffle straight from the pulpit with some static drum accents. "Lament" is not the J.J. Johnson standard, but a light, soul-jazz original with ultimate feeling, depth, and sophistication -- a real beauty. The title "Funky Mama" fools you a bit into thinking it is a typical soul-jazz number, while it is, in fact, a long, striding, loping, cushy, and dusky blues, very patient and elegant, embellished by McLean's singing alto. This is where Pearson in particular shines, wringing out all of the combined pain and joy so prevalent in the styles of previous masters like Teddy Wilson, Duke Ellington, Erroll Garner, and Tommy Flanagan. On the front cover, a contemplative Donald Byrd is depicted, perhaps pondering his next move and his band five years after successfully joining the New York City jazz scene from his native Detroit. It also represents his thoughtful role in Fuego, as he takes a break from forceful interaction to play a more democratic role on this refined and mature album that is less brash, a prelude for his more powerful statements yet to come.
https://www.allmusic.com/album/fuego-mw0000649435

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Reseña
por Michael G. Nastos
Fuego -un título que puede ser algo engañoso- es la última grabación de Blue Note que empareja exclusivamente a Donald Byrd con Jackie McLean, una fructífera asociación que contrapone el yin del (en este caso) sobrio trompetista, con el yang del agrio y extrovertido saxofonista alto. Aunque no formaban un todo unificado, los dos estaban implicados en batallas territoriales basadas en el respeto mutuo, y aquí exudaban un fuego más tranquilo que atenuaba a McLean y silenciaba a Byrd para lograr un intrigante equilibrio armónico. El ingenioso piano de Duke Pearson en el centro, con Doug Watkins tocando el bajo y el favorecido baterista Lex Humphries, dieron lugar a uno de los sonidos más diversos del jazz moderno en torno a 1959-1960. Por supuesto, el hard bop es el núcleo de esta banda, pero Byrd se adentra más en el post-bop, tal y como lo sirven con ganas las dos trompas durante el tema modal, ramplón y escalonado de la selección del título. Es más una llama fría que un infierno ardiente, ya que las inserciones de la batería de Humphries llenan las grietas de las ideas blueseras de las trompas. "Bup-A-Loup" es un tema de bop más duro, con claros acentos de staccato que identifican la melodía que prepara el solo por excelencia de McLean. "Low Life" también tiene en cuenta la floreciente estética original del soul-jazz en un humor alegre que es paralelo a los imperecederos de Bobby Timmons "Dis Here" y "Dat Dere". Como el padre de Byrd era predicador, "Amen" rinde tributo al espíritu-alma en un shuffle gospel directamente desde el púlpito con algunos acentos de batería estáticos. "Lament" no es el estándar de J.J. Johnson, sino un original ligero de soul-jazz con el máximo sentimiento, profundidad y sofisticación - una verdadera belleza. El título "Funky Mama" engaña un poco al pensar que es un número típico de soul-jazz, mientras que es, de hecho, un blues largo, con zancadas, con un ritmo suave y oscuro, muy paciente y elegante, embellecido por el canto del contralto de McLean. Aquí es donde Pearson brilla en particular, exprimiendo todo el dolor y la alegría combinados tan frecuentes en los estilos de maestros anteriores como Teddy Wilson, Duke Ellington, Erroll Garner y Tommy Flanagan. En la portada aparece un Donald Byrd contemplativo, quizá reflexionando sobre su próximo movimiento y su banda cinco años después de incorporarse con éxito a la escena del jazz de Nueva York desde su Detroit natal. También representa su papel reflexivo en Fuego, ya que se toma un descanso de la interacción contundente para desempeñar un papel más democrático en este álbum refinado y maduro que es menos descarado, un preludio de sus declaraciones más poderosas aún por venir.
https://www.allmusic.com/album/fuego-mw0000649435



Saturday, May 31, 2025

Four Jazz Lives

 


This new and retitled edition of A. B. Spellman's long-out-of-print Four Lives in the Bebop Business brings a classic work on jazz back to life, and shines a light on four musicians who've finally gotten their due.

In 1966, at the height of the avant-garde and the year of the first edition, the subjects of Spellman's interviews for the book—Cecil Taylor, Ornette Coleman, Herbie Nichols, and Jackie McLean—were considered too subtle, complex, or difficult, certainly far from the comfortable melodies of more mainstream artists. Nearly forty years later, in the new edition, Spellman notes the capriciousness of the jazz industry and writes of darker cultural currents, "the most sinister of which is the gross indifference with which America receives those aspects of Afro-American culture that are not 'entertaining.'"

Now that the world has caught up to the talents of Taylor, Coleman, Nichols, and McLean, Four Jazz Lives not only celebrates their musical genius but reminds us again of the permanent place they occupy in the pantheon of jazz greats.

A. B. Spellman is a well-known author, poet, critic, and instructor. He has published numerous books and articles on the arts, including Art Tatum: A Critical Biography and The Beautiful Days.

Praise / Awards

  • "Remains the best introduction to the worlds of Cecil Taylor, Ornette Coleman, Herbie Nichols, and Jackie McLean."
    —Ben Ratliff

  • "Four black jazzmen speak at considerable length for themself, with connective passages supplied with persistent relevancy by a poet, historian, and critic."
    —Nat Hentoff

  • "An essential book in the jazz canon. . . . [T]he University of Michigan Press has given it a rebirth under the title Four Jazz Lives."
    —Nat Hentoff, JazzTimes

  • "An engrossing, impressionistic history of contemporary jazz."
    Nation

  • "[Spellman] views these men with a perceptive and understanding eye."
    New York Times

     

Tuesday, May 27, 2025

Freddie Redd • Shades Of Redd

 



Review
by Michael G. Nastos
In an all too small discography, Freddie Redd's Shades of Redd is without a doubt his crowning achievement. Completed after a successful stint composing music for the stage play The Connection, Redd wrote music specifically geared for his two formidable front line saxophonists -- emerging alto giant Jackie McLean and the unsung hero of the tenor, Tina Brooks. Redd, bassist Paul Chambers, and drummer Louis Hayes, fresh out of the Detroit scene, took New York City by storm playing clubs and working with Redd when he was not doing production music. All of these tracks, originals by Redd, are brimming with the hope, optimism, and fresh ideas of the early '60s, music perfectly rendered and representative of the time period. The darting, daring, tart sweet alto of McLean and the robust, lean, protein enriched tenor of Brooks fit beautifully together when they play in unison, and they do that a lot. The calm, lovely, then bursting into bop piece "The Thespian" sets the tone, followed by the swinging, head nodding "Blues-Blues-Blues," and the happy, hip, swing/shuffle "Melanie" brings the cream to the top. The teamwork displayed here rivals any seasoned veteran band of the era. Redd's piano playing, never spectacular or boisterous, is instead literate and street smart, and comes to the forefront in any tempo, whether the fleet hard bopper to Latin tinged near-show tune "Swift" and the spicy calypso to swing strutter "Ole," where Brooks steps up and takes a marvelous John Coltrane cum Hank Mobley solo. McLean's feature on "Just a Ballad for My Baby" illustrates his unique style, slightly but purposefully using microtones that might seem somewhat off-putting to the non-cognoscenti, but is remarkable upon closer inspection. Considering this is 1960, and Ornette Coleman was also making his way beyond conventional means, McLean is innovating just as much. Stretched out alternate takes of "Melanie" and "Ole" are included on this single CD, and are also available on Redd's 1988 Mosaic label reissue of his complete Blue Note efforts. Redd is still alive as of this writing, performing occasionally in his Los Angeles area home and in New York in 2007 for a revisited production of The Connection. Shades of Redd, his zenith as a jazz musician, would be a wonderful addition to any collection, and shows that the lesser known musicians have plenty of music to play, in addition to a unique perspective aside from the giants of this music.
https://www.allmusic.com/album/shades-of-redd-mw0000033103

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Reseña
por Michael G. Nastos
En una discografía demasiado pequeña, Shades of Redd de Freddie Redd es sin duda su mayor logro. Completado después de una exitosa temporada componiendo música para la obra de teatro The Connection, Redd escribió música específicamente orientada a sus dos formidables saxofonistas de primera línea - el emergente gigante del alto Jackie McLean y el héroe no reconocido del tenor, Tina Brooks. Redd, el bajista Paul Chambers y el baterista Louis Hayes, recién salidos de la escena de Detroit, tomaron la ciudad de Nueva York por asalto tocando en clubes y trabajando con Redd cuando no estaba haciendo música de producción. Todos estos temas, originales de Redd, rebosan de la esperanza, el optimismo y las ideas frescas de principios de los 60, música perfectamente interpretada y representativa de la época. La aguda, atrevida y dulce contralto de McLean y el robusto, delgado y proteico tenor de Brooks encajan a la perfección cuando tocan al unísono, y lo hacen a menudo. La pieza "The Thespian", tranquila y encantadora, que luego estalla en forma de bop, marca el tono, seguida de "Blues-Blues-Blues", que mueve la cabeza, y "Melanie", alegre, con caderas y swing, pone la guinda al pastel. El trabajo en equipo que se muestra aquí rivaliza con el de cualquier banda veterana de la época. El piano de Redd, que nunca es espectacular ni bullicioso, es más bien culto e inteligente, y se sitúa en primera línea en cualquier tempo, ya sea en el veloz hard bopper, en el tema de tinte latino "Swift" o en el calipso picante y el swing strutter "Ole", en el que Brooks da un paso adelante y hace un maravilloso solo a lo John Coltrane y Hank Mobley. La intervención de McLean en "Just a Ballad for My Baby" ilustra su estilo único, utilizando ligera pero deliberadamente microtonos que podrían parecer algo desagradables para los no entendidos, pero que son notables si se observan con detenimiento. Teniendo en cuenta que estamos en 1960, y que Ornette Coleman también se estaba abriendo camino más allá de los medios convencionales, McLean está innovando igualmente. Las tomas alternativas de "Melanie" y "Ole" se incluyen en este CD, y también están disponibles en la reedición de 1988 del sello Mosaic de los trabajos completos de Redd en Blue Note. Redd sigue vivo en el momento de escribir este artículo, actuando ocasionalmente en su casa de la zona de Los Ángeles y en Nueva York en 2007 para una producción revisada de The Connection. Shades of Redd, su cenit como músico de jazz, sería una maravillosa adición a cualquier colección, y demuestra que los músicos menos conocidos tienen mucha música que tocar, además de una perspectiva única al margen de los gigantes de esta música.
https://www.allmusic.com/album/shades-of-redd-mw0000033103


Saturday, March 8, 2025

Charles Mingus • Blues & Roots




Review by Steve Huey
In response to critical carping that his ambitious, evocative music somehow didn't swing enough, Charles Mingus returned to the earthiest and earliest sources of black musical expression, namely the blues, gospel, and old-time New Orleans jazz. The resulting LP, Blues and Roots, isn't quite as wildly eclectic as usual, but it ranks as arguably Mingus' most joyously swinging outing. Working with simple forms, Mingus boosts the complexity of the music by assembling a nine-piece outfit and arranging multiple lines to be played simultaneously -- somewhat akin to the Dixieland ensembles of old, but with an acutely modern flavor. Anyone who had heard "Haitian Fight Song" shouldn't have been surprised that such an album was well within Mingus' range, but jazz's self-appointed guardians have long greeted innovation with reactionary distaste. After Blues and Roots, there could be no question of Mingus' firm grounding in the basics, nor of his deeply felt affinity with them. Whether the music is explicitly gospel-based -- like the groundbreaking classic "Wednesday Night Prayer Meeting" -- or not, the whole album is performed with a churchy fervor that rips through both the exuberant swingers and the aching, mournful slow blues. Still, it's the blues that most prominently inform the feeling of the album, aside from the aforementioned "Wednesday Night Prayer Meeting" and the Jelly Roll Morton tribute "My Jelly Roll Soul." The recording session was reportedly very disorganized, but perhaps that actually helped give the performances the proper feel, since they wound up so loose and free-swinging. With a lineup including John Handy and Jackie McLean on alto, Booker Ervin on tenor, frequent anchor Pepper Adams on baritone, and Jimmy Knepper and Willie Dennis on trombones, among others, Blues and Roots isn't hurting for fiery soloists, and they help make the album perhaps the most soulful in Mingus' discography.

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La sesión de Blues and Roots tuvo un doble propósito. Charles Mingus quería presentar los conceptos desarrollados en años anteriores con pequeños grupos y presentar nuevos trabajos para una pequeña big band sin afectar la libertad de expresión ni la espontaneidad de los músicos, algo característico en las agrupaciones que Mingus acostumbraba a usar. El otro objetivo era el de descartar las críticas que lo acusaban de ser incapaz de tocar los blues. Aunque sólo tres de los 6 temas son blues de doce compases, Mingus cumple ambas metas sin dificultad.
Como la tarea que Mingus se propuso era difícil, reunió a un grupo de músicos con quienes ya había tocado, Jackie McLean y John Handy en saxos alto; Booker Ervin en tenor y dos de los más excitantes trombonistas de la época: Jimmy Knepper y Willie. El poderoso sonido de los trombonistas hacen que la ausencia de trompetas quede desapercibida. Mingus dirigió este proyecto en su usual y poco convencional método. No preparó la música anticipadamente ni entregó las partituras a los músicos. De acuerdo con lo que relató después Pepper Adams, no hubo ensayos porque Mingus característicamente tendía a mudar de idea y cambiaba la música después de los ensayos.
Mingus le entregó a cada músico una idea y dejó que la estructura y orquestación acontecieran espontáneamente. El material que Mingus compuso para esta sesión es una mezcla de blues y frases boperas con un enfoque más de coro de gospel que de big band. Los tres temas que no son blues se basan en la estructura y armonía de composiciones anteriores de Mingus: "Tensions" derivada de "West Coast Ghost", "E’s Flat Ah’s Flat Too" en "Nostalgia in Times Square" y "Moanin’" –no confundirla con la composición del mismo nombre de Bobby Timmons, - usa los acordes de "Jump, Monk" y se caracteriza por su complicada estructura. La figura temática se presenta en forma piramidal en seis secciones de 16 compases (el tema lo inicia Pepper Adams, luego entran los trombones, seguidos por Ervin, y consecutivamente el resto del conjunto). La sección B es un abrupto contraste de dinámica y textura..
Pero la médula del disco no son las composiciones nuevas sino el "caos planificado" que es "Wednesday Night Prayer Meeting", no necesariamente por los aullidos de Mingus y similares respuestas de los instrumentos, ni la sección de Ervin, inspirada en el gospel con acompañamiento de palmas, sino por el uso del 6/4 en tempo rápido, hasta entonces algo poco común en el jazz. Mingus combina el 6/8 (dos pulsos por compás) y el 6/4 del bajo (walking) y el convencional 4/4 del jazz. Es interesante notar que en la figura que repite el piano, los riffs que acompañan al piano, los riffs inicialmente del piano y luego del resto durante el solo de Ervin y las ideas del solo de Richmond se sienten estos tres ritmos simultáneamente.
En mi opinión, este uno de los m’as importantes álbumes de Mingus, frecuentemente descartado por otros de más fama como Tijuana Moods, Mingus Ah Um o The Black Saint And The Sinner Lady. Mingus en su gloria interpretando blues con un tremendo swing y sin duda merece estar en la discoteca de los amantes del jazz.



Friday, February 21, 2025

Lee Morgan • Charisma

 



Review
by Scott Yanow
This set (reissued on CD in 1997) was one of trumpeter Lee Morgan's lesser-known Blue Note recordings but it is quite rewarding. The notable sextet (which also includes altoist Jackie McLean, Hank Mobley on tenor, pianist Cedar Walton, bassist Paul Chambers and drummer Billy Higgins) performs originals by Morgan, Walton and Duke Pearson, including particularly catchy versions of the funky "Hey Chico" and Pearson's memorable "Sweet Honey Bee" (which should have become a hit). The three horns, all of whom sound quite individual, each have their exciting moments, and the results are quintessential mid-'60s hard bop.
https://www.allmusic.com/album/charisma-mw0000029058

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Reseña
por Scott Yanow
Este conjunto (reeditado en CD en 1997) fue una de las grabaciones menos conocidas del trompetista Lee Morgan en Blue Note, pero es bastante gratificante. El notable sexteto (que también incluye al contralto Jackie McLean, Hank Mobley al tenor, el pianista Cedar Walton, el bajista Paul Chambers y el batería Billy Higgins) interpreta originales de Morgan, Walton y Duke Pearson, incluyendo versiones particularmente pegadizas del funky "Hey Chico" y la memorable "Sweet Honey Bee" de Pearson (que debería haberse convertido en un éxito). Las tres trompas, que suenan muy individualmente, tienen cada una sus momentos emocionantes, y el resultado es la quintaesencia del hard bop de mediados de los 60.
https://www.allmusic.com/album/charisma-mw0000029058





Sunday, February 16, 2025

Jackie McLean • Jackie McLean Quintet

 


Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/


Wednesday, February 5, 2025

Jimmy Smith • Open House

 




Review
by Michael Erlewine
Not the usual group. Instead find Jackie McLean (as), Blue Mitchell (tp), Quentin Warren (g), and Ike Quebec (ts) for a fast-paced studio jam session.
https://www.allmusic.com/album/open-house-mw0000958849

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Reseña
por Michael Erlewine
No es el grupo habitual. En su lugar encontramos a Jackie McLean (as), Blue Mitchell (tp), Quentin Warren (g), e Ike Quebec (ts) para una jam session de estudio de ritmo rápido.
https://www.allmusic.com/album/open-house-mw0000958849