Gene Ammons • The Happy Blues

 Review by Scott Yanow
The Happy Blues is one of the great studio jam sessions in history. Tenor saxophonist Gene Ammons is teamed up with trumpeter Art Farmer, altoist Jackie McLean, pianist Duke Jordan, bassist Addison Farmer, drummer Art Taylor, and the congas of Candido for four lengthy selections. Best is the title track, which has memorable solos and spontaneous but perfectly fitting riffing by the horns behind each others' solos. The other numbers ("The Great Lie," "Can't We Be Friends," and "Madhouse") are also quite enjoyable, making this a highly recommended set.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-blues-mw0000413645

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Reseña de Scott Yanow
The Happy Blues es una de las grandes jam sessions de estudio de la historia. El saxofonista tenor Gene Ammons se junta con el trompetista Art Farmer, el contralto Jackie McLean, el pianista Duke Jordan, el bajista Addison Farmer, el baterista Art Taylor y las congas de Candido para cuatro largas selecciones. La mejor es la canción que da título al disco, que tiene unos solos memorables y un riffing espontáneo pero perfectamente ajustado por parte de las trompas tras los solos de los demás. Los demás temas ("The Great Lie", "Can't We Be Friends" y "Madhouse") también son muy agradables, por lo que es un disco muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-blues-mw0000413645

Freddie Redd • The Complete Blue Note Recordings

  

Jackie McLean • Destination... Out

 

Review
by Thom Jurek  
Like Eric Dolphy before him, Jackie McLean sought to create a kind of vanguard "chamber jazz" that still had the blues feel and -- occasionally -- the groove of hard bop, though with rounded, moodier edges. Destination Out! was the album on which he found it. Still working with Grachan Moncur III and Bobby Hutcherson -- his direct spiritual connection to Dolphy -- McLean changed his rhythm section by employing drummer Roy Haynes and bassist Larry Ridley. This combination proved a perfect balance of the four elements. The program is four tunes, three of which were written by Moncur. If there was a perfect Blue Note session after John Coltrane's Blue Train, this was it. Opening with a ballad was a novel idea in 1966, but McLean uses Moncur's love and hate to reveal all the tonal possibilities within this group of musicians, and the textural interplay that exists in the heightened sense of form, time breaks, and rhythm changes. As begun on One Step Beyond, the notion of interval is key in this band, and an elemental part of Moncur's composition. The horn lines are spare, haunting, warm, and treated as textural elements by Hutcherson's vibes. On the tune "Esoteric," Hutcherson and Haynes throw complex rhythmic figures into the mix. Moncur's writing is angular, resembling Ornette's early-'60s melodic notions more than Coltrane's modal considerations. Hutcherson's solo amid the complex, knotty melodic frame is just sublime. "Khalil the Prophet" is McLean's only contribution compositionally to the album, but it's a fine one. Using a hard bop lyric and a shape-shifting sense of harmonic interplay between the three front-line players, McLean moves deeply into a blues groove without giving into mere 4/4 time structures. The architecture of his solo is wonderfully obtuse, playing an alternating series of eighths, 12ths, and even 16ths against Hutcherson's wide-open comping and arpeggio runs. The set ends with Moncur's "Riff Raff," a strolling blues that makes full use of counterpoint on the vibes. Moncur sets his solo against McLean's melodic engagement of Hutcherson, forcing both men into opposition positions that get resolved in a sultry, funky, shimmering blues groove. Of all of McLean's Blue Note dates, so many of which are classic jazz recordings, Destination Out! stands as the one that reveals the true soulfulness and complexity of his writing, arranging, and "singing" voice.
https://www.allmusic.com/album/destination-out%21-mw0000124614

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Reseña
por Thom Jurek  
Al igual que Eric Dolphy antes que él, Jackie McLean trató de crear una especie de "jazz de cámara" de vanguardia que todavía tenía la sensación de blues y - ocasionalmente - el groove del hard bop, aunque con bordes más redondeados y de humor. Destination Out! fue el álbum en el que lo encontró. Todavía trabajando con Grachan Moncur III y Bobby Hutcherson - su conexión espiritual directa con Dolphy - McLean cambió su sección rítmica empleando al baterista Roy Haynes y al bajista Larry Ridley. Esta combinación resultó ser un equilibrio perfecto de los cuatro elementos. El programa consta de cuatro temas, tres de los cuales fueron escritos por Moncur. Si hubo una sesión perfecta de Blue Note después de Blue Train de John Coltrane, fue ésta. Abrir con una balada era una idea novedosa en 1966, pero McLean utiliza el amor y el odio de Moncur para revelar todas las posibilidades tonales dentro de este grupo de músicos, y la interacción textural que existe en el elevado sentido de la forma, las rupturas de tiempo y los cambios de ritmo. Tal y como se inició en One Step Beyond, la noción de intervalo es clave en esta banda, y una parte elemental de la composición de Moncur. Las líneas de vientos son escasas, inquietantes y cálidas, y son tratadas como elementos de textura por los vibráfonos de Hutcherson. En el tema "Esoteric", Hutcherson y Haynes introducen complejas figuras rítmicas en la mezcla. La escritura de Moncur es angular, y se parece más a las nociones melódicas de Ornette de principios de los 60 que a las consideraciones modales de Coltrane. El solo de Hutcherson en medio del complejo y nudoso marco melódico es simplemente sublime. "Khalil the Prophet" es la única contribución de McLean a la composición del álbum, pero es muy buena. Utilizando una letra de hard bop y un sentido cambiante de la interacción armónica entre los tres músicos de primera línea, McLean se adentra profundamente en un ritmo de blues sin ceder a meras estructuras de tiempo de 4/4. La arquitectura de su solo es maravillosamente obtusa, tocando una serie alternada de octavas, duodécimas e incluso dieciseisavas contra los compases abiertos de Hutcherson y las ejecuciones de arpegio. El conjunto finaliza con "Riff Raff" de Moncur, un blues de paseo que hace pleno uso del contrapunto en los vibráfonos. Moncur contrapone su solo al compromiso melódico de McLean con Hutcherson, forzando a ambos hombres a adoptar posiciones opuestas que se resuelven en un groove de blues sensual, funky y brillante. De todos los trabajos de McLean en Blue Note, muchos de los cuales son grabaciones clásicas de jazz, Destination Out! es el que revela la verdadera conmoción y complejidad de su escritura, sus arreglos y su voz "cantante".
https://www.allmusic.com/album/destination-out%21-mw0000124614

Ray Draper • The Legendary Tuba Sounds

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
One of the first tuba players to lead his own recording session in a bebop setting, Ray Draper was only 16 when he recorded the music on this CD reissue, his debut. Teamed in a sextet with trumpeter Webster Young (also making his recording debut), altoist Jackie McLean, pianist Mal Waldron, bassist Spanky DeBrest, and drummer Ben Dixon, Draper fits in pretty well. His solos are sometimes a touch awkward rhythmically and it takes one a little while to get used to his sound in this setting but, overall, this is a successful effort. The fairly modern sextet performs straight-ahead originals by Draper, Young, and Waldron in addition to the standard "You're My Thrill."
https://www.allmusic.com/album/tuba-sounds-mw0000116509

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Uno de los primeros tubistas en liderar su propia sesión de grabación en un entorno bebop, Ray Draper tenía apenas 16 años cuando grabó la música de esta reedición en CD, su debut. Formado en un sexteto con el trompetista Webster Young (también en su debut discográfico), el altista Jackie McLean, el pianista Mal Waldron, el bajista Spanky DeBrest y el baterista Ben Dixon, Draper encaja bastante bien. Sus solos son a veces un poco torpes rítmicamente y lleva un tiempo acostumbrarse a su sonido en este contexto, pero en general es un esfuerzo exitoso. El sexteto de estilo bastante moderno interpreta originales directos de Draper, Young y Waldron, además del standard "You're My Thrill."
https://www.allmusic.com/album/tuba-sounds-mw0000116509

Jackie McLean • Lights Out!

 

Review by Scott Yanow
Altoist Jackie McLean's second session as a leader is reissued on this CD. The music that he makes with trumpeter Donald Byrd, pianist Elmo Hope, bassist Doug Watkins and drummer Art Taylor is essentially hard bop with fairly simple (or in some cases nonexistent) melody statements preceding two romps through the "I Got Rhythm" chord changes, a pair of blues, a thinly disguised "Embraceable You" and a straightforward version of "A Foggy Day." Enjoyable if not really essential music from the up-and-coming artists.
https://www.allmusic.com/album/lights-out%21-mw0000203392

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Reseña de Scott Yanow
La segunda sesión de la altoista Jackie McLean como líder se reedita en este CD. La música que hace con el trompetista Donald Byrd, el pianista Elmo Hope, el bajista Doug Watkins y el baterista Art Taylor es esencialmente hard bop con declaraciones melódicas bastante simples (o en algunos casos inexistentes) que preceden a dos retozos a través de los cambios de acordes de "I Got Rhythm", un par de blues, un "Embraceable You" apenas disfrazado y una versión sencilla de "A Foggy Day."Música agradable, si no realmente esencial, de los artistas emergentes.
https://www.allmusic.com/album/lights-out%21-mw0000203392

Jimmy Smith • Plain Talk

Plain Talk is an album by American jazz organist Jimmy Smith featuring performances recorded in 1960 but not released on the Blue Note label until 1968. The album was rereleased on CD combined with Open House (1960) in 1992 compiling all the recordings from the session.

Artist Biography

Jimmy Smith is an NEA Jazz Master Born James Oscar Smith in Norristown, Pennsylvania, USA. Smith was influenced by both gospel and blues. He first achieved prominence in the 1950s where his recordings became popular on jukeboxes before there were commonly used terms to describe his unique musical flavor. In the sixties and seventies he helped create the jazz style known as 'funk' or 'soul jazz'.

There had been earlier limited use of the electronic organ in jazz (notably by Fats Waller and Count Basie), though these early examples sometimes had a novelty feel. Smith is widely recognized as introducing the electric organ as a legitimate musical instrument, capable of virtuoso improvisation.

Smith employed a unique technique to emulate a string bass player on the organ. Although he played walking bass lines on the pedals on ballads, for uptempo tunes, he would play the bass line on the lower manual and use the pedals for emphasis on the attack of certain notes. His solos were characterised by percussive chords mixed with very fast melodic improvisation with the right hand. He generally used a drawbar registration of 868000000 or 888000000 on the lower manual, which he used for the bass line and comping chords. He used a similar registration on the upper manual, which he used for soloing, but with the addition of the Hammond's percussion circuit.

Smith was a prolific recording artist. He first recorded with the Blue Note label in 1956. His early albums with Blue Note sold very well, improving its financial viability and aiding the label's efforts to promote other artists. They include Home Cookin' , The Sermon!, Midnight Special, Prayer Meetin' , and Back at the Chicken Shack.

Jimmy Smith is an NEA Jazz Master

Smith signed to Verve Records label in 1963. Smith's albums with Verve include: The Cat, The Boss, Root Down, Peter & The Wolf, Any Number Can Win, The Incredible..., Bashin' , Got My Mojo Workin' , Christmas Cookin' , and Organ Grinder Swing.

It was in this period that he began a regular collaboration with Guitarist Wes Montgomery, with whom he recorded two albums: The Dynamic Duo with Wes Montgomery and Further Adventures Of Jimmy and Wes.

Smith recorded with a full orchestra and worked with arrangers and conductors such as Lalo Schifrin and Oliver Nelson. He also worked in small groups that featured many of the best jazz musicians of his era: Kenny Burrell, Donald “Duck” Bailey, Grady Tate, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean and Stanley Turrentine among them.

Smith had a career revival in the 'eighties and 'nineties, again recording for Blue Note and Verve, as well as for the Milestone label. There are also numerous recordings with other artists available including: Love And Peace: A Tribute To Horace Silver with Dee Dee Bridgewater (1995) and Blue Bash! with Kenny Burrell (1963).

His influence has been felt across multiple generations and musical styles; nearly every subsequent jazz organist owes a large debt to Smith. The Beastie Boys (who sampled the bassline from Smith's “Root Down (and Get It)”�”and saluted Smith in the lyrics�”for their own hit “Root Down”), Medeski, Martin & Wood, and The Hayden-Eckert Ensemble are among the better known contemporary bands that pay tribute to Smith's sensibilities and sound. The Acid Jazz movement also reflects Smith's influences.

Smith died on February 8, 2005, in Scottsdale, Arizona, USA.

https://musicians.allaboutjazz.com/jimmysmith

more ... https://www.allaboutjazz.com/jimmy-smith-master-of-the-hammond-b-3-jimmy-smith-by-mark-sabbatini.php

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Plain Talk es un álbum del organista de jazz estadounidense Jimmy Smith con actuaciones grabadas en 1960 pero que no se publicaron en el sello Blue Note hasta 1968. El álbum fue reeditado en CD junto con Open House (1960) en 1992, recopilando todas las grabaciones de la sesión.

Biografía del artista

Jimmy Smith es un Maestro de Jazz de NEA nacido James Oscar Smith en Norristown, Pennsylvania, USA. Smith fue influenciado tanto por el gospel como por el blues. Alcanzó prominencia por primera vez en la década de 1950, cuando sus grabaciones se hicieron populares en las gramolas antes de que existieran términos de uso común para describir su sabor musical único. En los años sesenta y setenta ayudó a crear el estilo de jazz conocido como'funk' o'soul jazz'.

Anteriormente había habido un uso limitado del órgano electrónico en el jazz (especialmente por Fats Waller y Count Basie), aunque estos primeros ejemplos a veces tenían una sensación de novedad. Smith es ampliamente reconocido por introducir el órgano eléctrico como un instrumento musical legítimo, capaz de improvisar virtuosamente.

Smith empleó una técnica única para emular a un bajista de cuerdas en el órgano. Aunque tocaba las líneas de bajo en los pedales de las baladas, para las melodías uptempo, tocaba la línea de bajo en el manual inferior y usaba los pedales para enfatizar el ataque de ciertas notas. Sus solos se caracterizaron por acordes percusivos mezclados con una improvisación melódica muy rápida con la mano derecha. Generalmente utilizaba un registro de barra de tiro de 86800000000 o 88800000000 en el manual inferior, que utilizaba para la línea de bajo y los acordes de compás. Utilizó un registro similar en el manual superior, que utilizó para los solos, pero con la adición del circuito de percusión de Hammond.

Smith fue un prolífico artista discográfico. Grabó por primera vez con el sello Blue Note en 1956. Sus primeros álbumes con Blue Note se vendieron muy bien, mejorando su viabilidad financiera y ayudando a los esfuerzos de la discográfica en la promoción de otros artistas. Entre ellas se incluyen Home Cookin' , The Sermon', Midnight Special, Prayer Meetingin' , y Back at the Chicken Shack.

Jimmy Smith es un Maestro de Jazz de la NEA

Smith firmó con el sello Verve Records en 1963. Los álbumes de Smith con Verve incluyen: The Cat, The Boss, Root Down, Peter & The Wolf, Any Number Can Win, The Incredible..., Bashin' , , Got My Mojo Workin' , Christmas Cookin' , y Organ Grinder Swing.

Fue en este período que comenzó una colaboración regular con el guitarrista Wes Montgomery, con quien grabó dos discos: El Dúo Dinámico con Wes Montgomery y Otras Aventuras de Jimmy y Wes.

Smith grabó con una orquesta completa y trabajó con arreglistas y directores como Lalo Schifrin y Oliver Nelson. También trabajó en pequeños grupos en los que participaron muchos de los mejores músicos de jazz de su época: Kenny Burrell, Donald "Pato" Bailey, Grady Tate, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean y Stanley Turrentine entre otros.

Smith tuvo un renacimiento de su carrera en los años ochenta y noventa, grabando de nuevo para Blue Note y Verve, así como para el sello Milestone. También hay numerosas grabaciones con otros artistas disponibles, incluyendo: Amor y Paz: Un homenaje a Horace Silver con Dee Dee Bridgewater (1995) y Blue Bash! con Kenny Burrell (1963).

Su influencia se ha sentido a través de múltiples generaciones y estilos musicales; casi todos los organistas de jazz posteriores tienen una gran deuda con Smith. The Beastie Boys (que probaron el bajo de "Root Down (and Get It)"�" de Smith y saludaron a Smith en el lyrics�"por su propio éxito "Root Down"), Medeski, Martin & Wood y The Hayden-Eckert Ensemble están entre las bandas contemporáneas más conocidas que rinden tributo a la sensibilidad y el sonido de Smith. El movimiento Acid Jazz también refleja las influencias de Smith.

Smith murió el 8 de febrero de 2005 en Scottsdale, Arizona, Estados Unidos.

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Lee Morgan • Leeway

 

Jackie McLean • Jackie's Bag

 

Review
by Steve Huey  
Jackie's Bag is split between two different recording sessions: the first, from January 1959, was the first session Jackie McLean ever led for Blue Note, and the second was a sextet date from September 1960 that featured tenor saxophonist Tina Brooks as a co-leader in all but name. According to the liner notes, McLean's first date produced only three songs of releasable quality, which are included here. Six tunes were cut at the Brooks session, which were all issued in Japan as Street Singer, and half appeared on the original Jackie's Bag LP. Given the transitional time period of the first and Brooks' musical taste on the second, the music on Jackie's Bag finds McLean in a staunchly hard bop mode, with occasional hints of adventurousness. While McLean's debut performances are certainly well done, the most distinctive appeal of the album lies in the Brooks collaborations. There are exotic flavors to McLean's terrific "Appointment in Ghana" and Brooks' "Isle of Java"; of the newly added bonus tracks, Brooks' "Medina" has a particularly complex and memorable theme, and his "Street Singer" was actually issued on his own Back to the Tracks album as well. Despite crucial contributions from trumpeter Blue Mitchell and drummer Art Taylor, the real focal point of these performances is the complementary interplay between McLean and Brooks, the latter of whom does a nice job of matching the former's legendarily hard-edged tone. McLean devotees will want this anyway, but the quality of the Street Singer material pushes Jackie's Bag far beyond a simple gap-plugging historical release.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

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Reseña
por Steve Huey  
Jackie's Bag se divide en dos sesiones de grabación diferentes: la primera, de enero de 1959, fue la primera sesión que Jackie McLean dirigió para Blue Note, y la segunda fue una fecha de sexteto de septiembre de 1960 que contó con la saxofonista tenor Tina Brooks como co-líder en todo menos en el nombre. Según las notas de presentación, la primera cita de McLean sólo produjo tres canciones de calidad publicable, que se incluyen aquí. En la sesión de Brooks se grabaron seis temas, que se publicaron en Japón como Street Singer, y la mitad aparecieron en el LP original Jackie's Bag. Dado el período de transición del primero y el gusto musical de Brooks en el segundo, la música de Jackie's Bag encuentra a McLean en un modo hard bop incondicional, con ocasionales toques de aventurerismo. Aunque las interpretaciones del debut de McLean están ciertamente bien hechas, el atractivo más distintivo del álbum reside en las colaboraciones de Brooks. Hay sabores exóticos en la estupenda "Appointment in Ghana" de McLean y en "Isle of Java" de Brooks; de las nuevas canciones extra añadidas, "Medina" de Brooks tiene un tema particularmente complejo y memorable, y su "Street Singer" se publicó en su propio álbum Back to the Tracks. A pesar de las contribuciones cruciales del trompetista Blue Mitchell y el batería Art Taylor, el verdadero punto focal de estas actuaciones es la interacción complementaria entre McLean y Brooks, el último de los cuales hace un buen trabajo igualando el legendario tono duro del primero. Los devotos de McLean querrán esto de todos modos, pero la calidad del material de Street Singer empuja a Jackie's Bag mucho más allá de un simple lanzamiento histórico para llenar huecos.
https://www.allmusic.com/album/jackies-bag-mw0000192190

Mal Waldron • Left Alone

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
This obscure CD reissue has the wrong date listed (it is from February 24, 1959, not November 1957) and fails to mention that altoist Jackie McLean sits in with pianist Mal Waldron's trio (which includes bassist Julian Euell and drummer Al Dreares) on the title cut, a number co-written by Waldron and Billie Holiday. Although Waldron dedicated the album to Lady Day and talks about her a bit on the last track in a short interview with vibraphonist Teddy Charles (which was recorded a bit later), he actually only performs one song from her repertoire: "You Don't Know What Love Is." Otherwise this rather brief CD has the title cut, two other typically brooding Waldron originals plus Sonny Rollins' "Airegin." McLean's emotional alto is such a strong asset on the title cut that one wishes he were on the rest of this worthwhile set.
https://www.allmusic.com/album/left-alone-mw0000651178

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Esta oscura reedición en CD tiene la fecha incorrecta (es del 24 de febrero de 1959, no noviembre de 1957) y no menciona que el saxofonista alto Jackie McLean participa con el trío del pianista Mal Waldron (que incluye al bajista Julian Euell y al baterista Al Dreares) en el tema titular, una composición coescrita por Waldron y Billie Holiday. Aunque Waldron dedicó el álbum a Lady Day y habla un poco sobre ella en la última pista en una breve entrevista con el vibrafonista Teddy Charles (que fue grabada un poco después), en realidad solo interpreta una canción de su repertorio: "You Don't Know What Love Is". Por lo demás, este CD bastante breve tiene el tema titular, otros dos originales típicamente melancólicos de Waldron más "Airegin" de Sonny Rollins. El emotivo saxo alto de McLean es un activo tan fuerte en el tema titular que uno desearía que estuviera en el resto de este valioso conjunto.
https://www.allmusic.com/album/left-alone-mw0000651178

Jackie McLean • Alto Madness

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
McLean became much more individual within a few years, while Jenkins would fade from the scene altogether. This likable jam session features plenty of tradeoffs by the two altoists.

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
McLean se volvió mucho más individual en unos pocos años, mientras que Jenkins desaparecería de la escena por completo. Esta agradable sesión de jam presenta muchos intercambios entre los dos saxofonistas alto.

Gary Bartz, Lee Konitz, Jackie McLean, Charlie Mariano • Altissimo

 

Jackie McLean • Makin' The Changes

 

Jackie McLean • Makin' The Changes
No se encontró reseña en AllMusic.com
Review from Cashbox (June 25, 1960):
McLean's emergence as a major new alto voice is marked by his driving, energetic playing style. His intense approach shines on tracks including "Bean And The Boys," "I Never Knew," and "Chasin' The Bird," supported excellently by Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young, and Gil Coggins. An important recording session for Jackie McLean's developing career.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

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La emergencia de McLean como una importante nueva voz del saxo alto está marcada por su estilo de interpretación enérgico y vigoroso. Su enfoque intenso brilla en tracks que incluyen "Bean And The Boys", "I Never Knew" y "Chasin' The Bird", respaldado excelentemente por Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young y Gil Coggins. Una sesión de grabación importante para la carrera en desarrollo de Jackie McLean.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

Art Blakey & The Jazz Messengers • Drum Suite

 

Review by Steve Leggett
Recorded in 1956, Art Blakey's Drum Suite is a wonderful hybrid of African, Latin, and hard bop rhythms that prefigures the concept of Afro-beat by at least a decade, and the sheer energy, not to mention its very special and fresh-sounding intimacy, make it especially astounding. Even more amazing is that the three parts of the suite -- Blakey's "The Sacrifice," Ray Bryant's "Cubano Chant," and Oscar Pettiford's "Oscalypso" -- were recorded straight through live, and were only intended to be a pre-take run-through, but as is obvious here, Blakey and company nailed the whole thing right out of the box. The original LP was issued by Columbia with the drum suite on one side, and three tracks recorded by a 1956 version of the Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery, and Spanky DeBrest) for Blakey's first Columbia album, Hard Bop, on the other side. Groundbreaking for its time, and still sounding vital, powerful, and visionary, the Drum Suite album is somewhat of a lost masterpiece that deserves a fresh audience.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522

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Reseña de Steve Leggett
Grabada en 1956, la Drum Suite de Art Blakey es un maravilloso híbrido de ritmos africanos, latinos y hard bop que prefigura el concepto de afro-beat por lo menos una década, y la pura energía, por no hablar de su intimidad tan especial y fresca, la hacen especialmente asombrosa. Más sorprendente aún es que las tres partes de la suite - "The Sacrifice" de Blakey, "Cubano Chant" de Ray Bryant y "Oscalypso" de Oscar Pettiford- se grabaron directamente en directo, y sólo pretendían ser un ensayo previo, pero como es obvio aquí, Blakey y compañía lo clavaron todo nada más sacarlo de la caja. El LP original fue emitido por Columbia con la suite de batería en una cara, y tres temas grabados por una versión de 1956 de los Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery y Spanky DeBrest) para el primer álbum de Columbia de Blakey, Hard Bop, en la otra cara. Innovador para su época, y todavía con un sonido vital, potente y visionario, el álbum Drum Suite es una especie de obra maestra perdida que merece un nuevo público.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522

Freddie Redd Quartet with Jackie McLean • The Music From The Connection

 

Review by Stephen Thomas Erlewine (AllMusic):
Freddie Redd composed the music for Jack Gelber's The Connection, a gritty play about musician junkies. Gelber had originally thought that the play would feature real musicians who would also double as actors in minor roles, improvising on blues and jazz standards in the tradition of Charlie Parker, but Redd convinced him to use an original score. The two weaved Redd's original compositions into the score, making it an integral part of the play, but the music holds up superbly on its own. Using the direction "in the tradition of Charlie Parker" as a starting point, the pianist wrote seven pieces of straight-ahead bop, wide open for improvisations, and then assembled a sterling quartet.
http://projazz.net/freddie-redd-quartet-with-jackie-mclean-%E2%80%8E-the-music-from-the-connection-full-album/

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine (AllMusic)
Freddie Redd compuso la música para The Connection de Jack Gelber, una obra cruda sobre músicos adictos. Gelber había pensado originalmente que la obra presentaría músicos reales que también actuarían en papeles menores, improvisando sobre blues y estándares de jazz en la tradición de Charlie Parker, pero Redd lo convenció de usar una partitura original. Los dos entrelazaron las composiciones originales de Redd en la partitura, convirtiéndola en parte integral de la obra, pero la música se sostiene magníficamente por sí sola. Usando la dirección "en la tradición de Charlie Parker" como punto de partida, el pianista escribió siete piezas de bop directo, bien abiertas para improvisaciones, y luego reunió un cuarteto estelar.
http://projazz.net/freddie-redd-quartet-with-jackie-mclean-%E2%80%8E-the-music-from-the-connection-full-album/

Ray Draper • Tuba Sounds

 

“A Promise Derailed.” Such of phrase could easily have been etched on Ray Draper’s tombstone to describe the tubaist’s trials in life and music. Killed in a botched robbery at the tragic age of 42 his troubles both personal and musical hounded him for much of his life. But reading the original liners to this reissue penned by Ira Gitler it’s difficult to prognosticate such a future for Draper. Member of the All-City High School Symphony, a budding playwright and composer, and front man of a recording date for Prestige- all of these things point to bright and promising prospects as a musician. A careful inventory of Draper’s sidemen also speaks to his precocious talent. Even back in 57’ McLean and Waldron were heavy hitters and the relative newcomers Young, DeBrest and Dixon are also solid recruits. Taped at Rudy Van G’s original Hackensack studio (his parent’s living room) the fidelity adds even further to the fine proceedings.

The tunes on the date are a well-chosen mix of originals with a single standard thrown in as a nod to tradition. Draper’s potbellied horn is surprisingly agile on the changes, particularly on his own numbers “Jackie’s Dolly” and “Mimi’s Interlude.” Plump and viscous, it’s a sound that skates along the bedrock of the bass register while still managing to fire off quick salvos of notes. Young stays fairly understated, but still chimes in occasionally with fine solos, as on the latter composition and some intriguing exchanges, as on the opening “Terry Anne.” McLean’s devilish alto, brimming with youthful bravado, routinely dances rings around the leader’s fleshy figures. The rhythm section is usually relegated to its regular chores, but Waldron finds space both for a tune and several solo breaks.

Draper recorded several other dates as a leader and parlayed some work as a sideman for employers like McLean, Coltrane and others throughout the remainder of the 50s. The 60s and 70s also afforded him sporadic dates with folks like Archie Shepp and, but the occasional returns to music were always short-lived. Listening in on the promise he so evidently displays here it’s a shame Draper wasn’t able to persevere.
By Derek Taylor
February 1, 2001 
https://www.allaboutjazz.com/tuba-sounds-ray-draper-prestige-records-review-by-derek-taylor__6302

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«Una promesa truncada». Esta frase podría haber sido fácilmente grabada en la lápida de Ray Draper para describir las tribulaciones del tubista en la vida y en la música. Asesinado en un robo fallido a la trágica edad de 42 años, sus problemas personales y musicales le persiguieron durante gran parte de su vida. Pero al leer las notas originales de esta reedición, escritas por Ira Gitler, resulta difícil pronosticar un futuro así para Draper. Miembro de la All-City High School Symphony, dramaturgo y compositor en ciernes, y protagonista de una sesión de grabación para Prestige: todo ello apuntaba a un futuro brillante y prometedor como músico. Un inventario minucioso de los músicos que acompañaban a Draper también da cuenta de su talento precoz. Ya en 1957, McLean y Waldron eran pesos pesados, y los relativamente novatos Young, DeBrest y Dixon también eran reclutas sólidos. Grabado en el estudio original de Rudy Van G en Hackensack (el salón de sus padres), la fidelidad añade aún más valor al excelente trabajo.

Las canciones de la sesión son una mezcla bien elegida de temas originales con un único estándar incluido como guiño a la tradición. El saxofón barrigudo de Draper es sorprendentemente ágil en los cambios, especialmente en sus propios temas «Jackie's Dolly» y «Mimi's Interlude». Redondo y viscoso, es un sonido que se desliza sobre la base del registro grave del bajo, sin dejar de disparar rápidas salvas de notas. Young se mantiene bastante discreto, pero de vez en cuando interviene con buenos solos, como en la última composición y en algunos intercambios intrigantes, como en la apertura «Terry Anne». El saxo alto diabólico de McLean, rebosante de bravuconería juvenil, baila habitualmente alrededor de las figuras carnosas del líder. La sección rítmica suele quedar relegada a sus tareas habituales, pero Waldron encuentra espacio tanto para una melodía como para varios solos.

Draper grabó varias otras fechas como líder y aprovechó algunos trabajos como acompañante para empleadores como McLean, Coltrane y otros durante el resto de los años 50. Los años 60 y 70 también le proporcionaron fechas esporádicas con gente como Archie Shepp, pero los ocasionales regresos a la música siempre fueron efímeros. Al escuchar la promesa que tan evidentemente muestra aquí, es una pena que Draper no fuera capaz de perseverar.
Por Derek Taylor.
1 de febrero de 2001. 
https://www.allaboutjazz.com/tuba-sounds-ray-draper-prestige-records-review-by-derek-taylor__6302


 

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#4

 

VA • Blue Note Meets UNIQLO

 

Horace Parlan, Joe Henderson, Dexter Gordon, Jackie McLean, Sonny Clark, Lou Donaldson, Tony Williams, Lee Morgan, Art Blakey.

www.bluenote.com ...

Jackie McLean • Jackie McLean & Co

 

VA • Blue Note 101 Jazz And Coffee

 

www.bluenote.com ...

VA • Blue Note 101 Jazz Icons

 

Review by Gregory Heaney
Blue Note Records has been home to some of the greatest names in jazz, and with its Blue Note 101 series, the storied label has been looking to introduce a whole new crop of listeners to some of the legendary artists on its roster with a series of introductory compilations. On Blue Note 101: Jazz Icons, the series gets to the real meat of the jazz world with a collection featuring some of the most influential names in the genre. Featuring tracks like Thelonious Monk's manic "Four in One" and John Coltrane's smoothly propulsive "Moment's Notice," the compilation will set new listeners down the path of enlightenment toward a cooler tomorrow. 
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018

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Reseña de Gregory Heaney
Blue Note Records ha sido el hogar de algunos de los grandes nombres del jazz, y con su serie Blue Note 101, el histórico sello busca presentar a una nueva generación de oyentes algunos de los artistas legendarios de su catálogo con una serie de recopilatorios introductorios. En Blue Note 101: Jazz Icons, la serie llega a la esencia del mundo del jazz con una colección que incluye a algunos de los nombres más influyentes del género. Con temas como el frenético "Four in One" de Thelonious Monk y el ágil "Moment's Notice" de John Coltrane, el recopilatorio guiará a los nuevos oyentes hacia un futuro más prometedor.
https://www.allmusic.com/album/blue-note-101-jazz-icons-mw0002665018