Anouar Brahem • Le Pas Du Chat Noir

 

Anouar Brahem was born in 20 th October 1957 in Halfaouine in the Medina of Tunis. Encouraged by his father, an engraver and printer, but also a music lover, Brahem began his studies of the oud, the lute of Arab world, at the age of 10 at the Tunis National Conservatory of Music, where his principal teacher was the oud master Ali Sriti. An exeptional student, by the age of 15 Brahem was playing regularly with local orchestras. At 18 he decided to devote himself entirely to music. For four consecutive years Ali Sriti received him at home every day and continued to transmit to him the modes, subtleties and secrets of Arab classical music through the traditional master / disciple relationship.

Little by little Brahem began to broaden his field of listening to include other musical expressions, from around the Mediterranean and from Iran and India... then jazz began to command his attention. "I enjoyed the change of environment," he says" and discovered the close links that exist between all these musics".

Brahem increasingly distanced himself from an environment largely dominated by entertainment music. He wanted more than to perform at weddings or to join one of the many existing ensembles which he considered anachronistic and where the oud was usually no more than an accompanying instrument for singers. A deepfelt conviction led him to give first place to this preferred instrument of Arab music and to offer the Tunisian public instrumental and oud solo concerts. He began writing his own compositions and gave a series of solo concerts in various cultural venues. He also issued a self-produced cassette, on which he was accompanied by percussionist Lassaad Hosni.

A loyal public of connoisseurs gradually rallied around him and the Tunisian press gave enthusiastic support. Reviewing one of Brahem's first performances, critic Hatem Touil wrote: "this talented young player has succeed not only in overwhelming the audience but also in giving non -vocal music in Tunisia its claim to nobolity while at the same time restoring the fortunes of the lute. Indeed, has a lutist produced such pure sounds or concretised with such power and conviction, the universality of musical experience"

In 1981, the urge to seek new experiences became ever stronger and his departure for Paris, that most cosmopolitan of cities, enabled him to meet musicians from very different genres. He remained for four years, composing extensively, notably for Tunisian cinema and theatre. He collaborated with Maurice Béjart for his ballet "Thalassa Mare Nostrum" and with Gabriel Yared as lutist for Costa Gavras’ film "Hanna K.".

In 1985 he returned to Tunis and an invitation to perform at the Carthage festival provided him with the opportunity of bringing together, for "Liqua 85" , outstanding figures of Tunisian and Turkish music and French jazz. These included Abdelwaheb Berbech, the Erköse brothers, François Jeanneau, Jean-Paul Celea, François Couturier and others. The success of the project earned Brahem Tunisia's Grand National Prize for Music.

In 1987, he was appointed director of the Musical Ensemble of the City of Tunis (EMVT). Instead of keeping the large existing orchestra, he broke it up into formations of a variable size, giving it new orientations: one year in the direction of new creations and the next more towards traditional music. The main productions were "Leïlatou Tayer" (1988) and "El Hizam El Dhahbi" (1989) in line with his early instrumental works and following the main axis of his research. In these compositions, he remained essentially within the traditional modal space, although he transformed its references and upset its heirarchy. Following a natural disposition towards osmosis, which has absorbed the Mediterranean, African and Far-Eastern heritages, he also touched from time to time upon other musical expressions: European music, jazz and other forms.

With "Rabeb" (1989) and "Andalousiat" (1990), Anouar Brahem returned to classical Arab music. Despite the rich heritage transmitted by Ali Sriti and the fact that this music constitued the core of his training, he had in fact, never performed it in public. With this "return" he wished to contribute to the urgent rehabilitation of this music. He put together a small ensemble, a "takht", the original form of the traditional orchestra, where each instrumentalist plays as both a soloist and as an improviser. Brahem believes this is the only means of restoring the spirit, the subtlety of the variations and the intimacy of this chamber music. He called upon the best Tunisian musicians, such as Béchir Selmi and Taoufik Zghonda, and undertook thorough research work on ancient manuiscripts with strict care paid to transparency, nuances and details.
For more information visit: http://www.anouarbrahem.com

https://www.highresaudio.com/en/artist/view/e1f2b29c-4938-4cfc-b168-192b572ff282/anouar-brahem-trio

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Anouar Brahem nació el 20 de octubre de 1957 en Halfaouine, en la Medina de Túnez. Animado por su padre, grabador e impresor, pero también amante de la música, Brahem comenzó sus estudios de laúd, el laúd del mundo árabe, a los 10 años en el Conservatorio Nacional de Música de Túnez, donde su principal profesor fue el maestro de laúd Ali Sriti. Alumno excepcional, a los 15 años Brahem tocaba regularmente con las orquestas locales. A los 18 decidió dedicarse por completo a la música. Durante cuatro años consecutivos, Ali Sriti le recibió en casa todos los días y siguió transmitiéndole los modos, sutilezas y secretos de la música clásica árabe a través de la tradicional relación maestro/discípulo.

Poco a poco, Brahem fue ampliando su campo de escucha a otras expresiones musicales, tanto mediterráneas como iraníes e indias... y entonces empezó a interesarse por el jazz. "Me gustó el cambio de ambiente", dice, "y descubrí los estrechos vínculos que existen entre todas estas músicas".

Brahem se distanció cada vez más de un entorno dominado en gran medida por la música de entretenimiento. Quería algo más que actuar en bodas o formar parte de uno de los muchos conjuntos existentes, que consideraba anacrónicos y en los que el laúd no solía ser más que un instrumento de acompañamiento para los cantantes. Una profunda convicción le llevó a dar el primer lugar a este instrumento preferido de la música árabe y a ofrecer al público tunecino conciertos instrumentales y de solos de oud. Comenzó a escribir sus propias composiciones y ofreció una serie de conciertos en solitario en diversos lugares culturales. También editó una casete de producción propia, en la que le acompañaba el percusionista Lassaad Hosni.

Poco a poco se fue ganando la simpatía de un público fiel y la prensa tunecina le apoyó con entusiasmo. En una de sus primeras actuaciones, el crítico Hatem Touil escribió: "Este joven intérprete de talento ha conseguido no sólo entusiasmar al público, sino también dar nobleza a la música no vocal en Túnez y, al mismo tiempo, restaurar la fortuna del laúd". En efecto, ¿algún laudista ha producido sonidos tan puros o concretado con tanta fuerza y convicción la universalidad de la experiencia musical?

En 1981, el impulso de buscar nuevas experiencias se hace cada vez más fuerte y su marcha a París, la más cosmopolita de las ciudades, le permite conocer a músicos de géneros muy diferentes. Permaneció allí cuatro años, componiendo mucho, sobre todo para el cine y el teatro tunecinos. Colaboró con Maurice Béjart para su ballet "Thalassa Mare Nostrum" y con Gabriel Yared como lutier de la película de Costa Gavras "Hanna K.".

En 1985 regresó a Túnez y una invitación para actuar en el festival de Cartago le brindó la oportunidad de reunir, para "Liqua 85" , a destacadas figuras de la música tunecina y turca y del jazz francés. Entre ellos, Abdelwaheb Berbech, los hermanos Erköse, François Jeanneau, Jean-Paul Celea, François Couturier y otros. El éxito del proyecto le valió a Brahem el Gran Premio Nacional de Música de Túnez.

En 1987, fue nombrado director del Conjunto Musical de la Ciudad de Túnez (EMVT). En lugar de mantener la gran orquesta existente, la dividió en formaciones de tamaño variable, dándole nuevas orientaciones: un año en dirección a las nuevas creaciones y al siguiente más hacia la música tradicional. Las principales producciones fueron "Leïlatou Tayer" (1988) y "El Hizam El Dhahbi" (1989), en la línea de sus primeras obras instrumentales y siguiendo el eje principal de sus investigaciones. En estas composiciones, se mantuvo esencialmente dentro del espacio modal tradicional, aunque transformó sus referencias y trastornó su jerarquía. Siguiendo una disposición natural a la ósmosis, que ha absorbido las herencias mediterránea, africana y del Lejano Oriente, también tocó de vez en cuando otras expresiones musicales: música europea, jazz y otras formas.

Con "Rabeb" (1989) y "Andalousiat" (1990), Anouar Brahem volvió a la música clásica árabe. A pesar de la rica herencia transmitida por Ali Sriti y de que esta música constituía el núcleo de su formación, nunca la había interpretado en público. Con este "regreso" deseaba contribuir a la urgente rehabilitación de esta música. Ha formado un pequeño conjunto, un "takht", la forma original de la orquesta tradicional, donde cada instrumentista toca a la vez como solista y como improvisador. Brahem cree que éste es el único medio de recuperar el espíritu, la sutileza de las variaciones y la intimidad de esta música de cámara. Para ello ha recurrido a los mejores músicos tunecinos, como Béchir Selmi y Taoufik Zghonda, y ha llevado a cabo un minucioso trabajo de investigación sobre antiguos manuscritos, cuidando estrictamente la transparencia, los matices y los detalles.
Para más información, visite: http://www.anouarbrahem.com

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Anouar Brahem Trio • Astrakan Café

 

Review by Thom Jurek
The Tunisian oud genius has done it again. Anouar Brahem has issued only five records under his own name over the past decade, each more adventurous than the last, without compromising his original vision: for the music of his region to meet with the other music of Africa and Asia and create a delirious sound that is equal thirds past, present, and future, along the precipice of historical lineage. For Brahem there is no attempt to synthesize the globe, or even the sounds of the East with those of the West. He is content in his knowledge that sound is infinite, and that his tradition, as it evolves and expands into a deeper pan-African/trans-Asian whole, is more than large enough for a master musician to rummage through in one lifetime. Astrakan Café, the follow-up to his brilliant Thimar, is a smaller-sounding recording that reaches farther into the deep crags of the Balkans. With Barbaros Erköse on clarinet and the Indian and Turkish percussion stylings of the professor of somber precision, Lassad Hosni, Brahem's oud enters into a dialogue, musically, that has never before existed (though he has collaborated with both players previously). Erköse is a Turkish clarinetist of gypsy origin. His low, warm, rounded tones are consonant with the oud. Erköse plays equal parts music of the Balkan and Arab worlds with a tinge of the ancient klezmorim whispering their secrets through his horn. Despite the journeying these musicians do here, they never stray far from the takht, a small ensemble capable of improvising to the point of drunken ecstasy. Listening through Astrakan Café, you can hear the gypsy flamenco tied deeply to Indian ragas and even a kind of Eastern jazz. But there is no hyperactivity in it, no need to cram as many traditions as possible into one putridly excessive mix that expresses nothing but the novelty of the moment. Astrakan Café has many highlights: its two title tracks that have their roots in Russian and Azerbaijan music; "Ashkabad," which is an improvisation on a melody from the folk music of Turkmenistan; "Astara," a modal improvisation based on love songs from Azerbaijan; "Halfounie," a segment from a Brahem-composed soundtrack inspired by the medina or marketplace in Tunis; and "Parfum de Gitanie," which takes a fragment from Ethiopian sacred music, slows it to the point of stillness, and waxes lazily and jazzily over the top, with the oud and the clarinet trading syncopated eights. This is deeply personal, profound music. It is also highly iconographic, with timelessness woven through every measure. The only "exotica" on Astrakan Café is its "otherness" out of space and any discernable era. The tempos are languid and full of purpose, the dynamics clean and clearly demarcated, the tones and modes warm, rich, and linear. This would be traditional music if a tradition such as this -- which is original, though adapted from many sources on inspiration -- actually existed. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/astrakan-caf%C3%A9-mw0001997962

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Reseña de Thom Jurek
El genio del oud tunecino lo ha hecho de nuevo. Anouar Brahem sólo ha publicado cinco discos con su propio nombre en el último decenio, cada uno más aventurado que el anterior, sin comprometer su visión original: que la música de su región se reúna con las demás músicas de África y Asia y cree un sonido delirante que sea igual a los tercios pasados, presentes y futuros, a lo largo del precipicio del linaje histórico. Para Brahem no hay ningún intento de sintetizar el globo, ni siquiera los sonidos de Oriente con los de Occidente. Se contenta con saber que el sonido es infinito y que su tradición, a medida que evoluciona y se expande en un conjunto panafricano/transasiático más profundo, es más que suficiente para que un maestro de la música pueda hurgar en una sola vida. Astrakan Café, la continuación de su brillante Thimar, es una grabación de sonido más pequeño que llega más lejos en las profundas rocas de los Balcanes. Con Barbaros Erköse al clarinete y los estilos de percusión indios y turcos del profesor de sombría precisión, Lassad Hosni, el laúd de Brahem entra en un diálogo, musicalmente, que nunca antes había existido (aunque ha colaborado con ambos intérpretes anteriormente). Erköse es un clarinetista turco de origen gitano. Sus tonos bajos, cálidos y redondeados están en consonancia con el laúd. Erköse toca a partes iguales música del mundo balcánico y árabe con un matiz del antiguo klezmorim susurrando sus secretos a través de su trompa. A pesar del viaje que estos músicos hacen aquí, nunca se alejan del takht, un pequeño conjunto capaz de improvisar hasta el punto del éxtasis borracho. Escuchando a través del Astrakan Café, se puede escuchar el flamenco gitano ligado profundamente a los ragas de la India e incluso a una especie de jazz oriental. Pero no hay hiperactividad en él, no hay necesidad de atiborrar tantas tradiciones como sea posible en una mezcla pútridamente excesiva que no expresa nada más que la novedad del momento. El Astrakan Café tiene muchos puntos destacados: sus dos temas de título que tienen sus raíces en la música rusa y azerbaiyana; "Ashkabad", que es una improvisación sobre una melodía de la música folclórica de Turkmenistán; "Astara", una improvisación modal basada en canciones de amor de Azerbaiyán; "Halfounie", un segmento de una banda sonora compuesta por Brahem e inspirada en la medina o mercado de Túnez; y "Parfum de Gitanie", que toma un fragmento de música sagrada etíope, lo ralentiza hasta el punto de la quietud, y se encerra perezosamente y jazzísticamente en la parte superior, con el oud y el clarinete intercambiando ochos sincopados. Esta es una música profundamente personal y profunda. También es altamente iconográfica, con la intemporalidad tejida en cada medida. Lo único "exótico" en el Astrakan Café es su "otredad" fuera del espacio y de cualquier época perceptible. Los tempos son lánguidos y llenos de propósito, la dinámica limpia y claramente demarcada, los tonos y modos cálidos, ricos y lineales. Esto sería música tradicional si una tradición como esta, que es original, aunque adaptada de muchas fuentes de inspiración, existiera realmente. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/astrakan-caf%C3%A9-mw0001997962


https://www.anouarbrahem.com/fr