Zoot Sims, Bucky Pizzarelli Special Guest Buddy Rich • Nirvana

 

Flip Phillips • Swinging With Flip

Jazz At The Philharmonic • Norman Granz' Jazz At The Philharmonic Vol.17

 

Oscar Peterson is present throughout these recordings, which begin with an improvisation, followed by a drum solo by Louis Bellson, then Oscar Peterson's Trio, joined first by De Franco and Buddy Rich to form a quintet and finally by Lionel Hampton to form a sextet.

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Oscar Peterson está presente a lo largo de estas grabaciones, que comienzan con una improvisación, seguida de un solo de batería de Louis Bellson, luego el Trío de Oscar Peterson, al que se unen primero De Franco y Buddy Rich para formar un quinteto y, finalmente, Lionel Hampton para formar un sexteto.

Flip Phillips • Four Classic Albums

 

Flip Phillips albums plus including original LP liner notes on a finely re-mastered and low priced double CD.
Here we feature four albums plus from clarinettist turned tenor saxophonist Flip Phillips, a stalwart of first the Woody Herman Herd and later as one of the mainstays of the Jazz At The Philharmonic line up with Norman Granz.
“The Flip Phillips - Buddy Rich Trio”; “Flip”; “Flip Wails” and “Swinging With Flip”
We catch Flip in many different line ups across our four selections………… As a Trio with Buddy Rich and Hank Jones on piano from 1952 (also in attendance Ray Brown on bass on half the selections). With orchestra on “Swinging With Flip” where he is joined by Charlie Shavers, Oscar Peterson, Ray Brown, Barney Kessel and Buddy Rich………………not a bad line up!! Another classic line up with orchestra joins Flip for “Flip Wails”………..and wail he certainly does alongside Bill Harris, Billy Bauer, Harry Edison, Hank Jones, Ray Brown and Buddy Rich! Finally “Flip” where our hero is joined again by the orchestra with Howard McGhee and Benny Green.

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Álbumes de Flip Phillips más las notas originales del LP en un doble CD finamente remasterizado y a bajo precio.
Aquí presentamos cuatro álbumes más del clarinetista convertido en saxofonista tenor Flip Phillips, un incondicional de la manada de Woody Herman primero y más tarde como uno de los pilares de la línea de Jazz At The Philharmonic con Norman Granz.
"The Flip Phillips - Buddy Rich Trio"; "Flip"; "Flip Wails" y "Swinging With Flip"
Vemos a Flip en muchas formaciones diferentes a lo largo de nuestras cuatro selecciones............ Como trío con Buddy Rich y Hank Jones al piano desde 1952 (también asiste Ray Brown al bajo en la mitad de las selecciones). Con orquesta en "Swinging With Flip", donde le acompañan Charlie Shavers, Oscar Peterson, Ray Brown, Barney Kessel y Buddy Rich................... Otra formación clásica con orquesta se une a Flip para "Flip Wails" ........... y ciertamente grita junto a Bill Harris, Billy Bauer, Harry Edison, Hank Jones, Ray Brown y Buddy Rich. Por último, "Flip", en la que nuestro héroe vuelve a estar acompañado por la orquesta con Howard McGhee y Benny Green.

Harry 'Sweets' Edison-Barney Kessel-Jimmy Rowles • Something Bigger

 

"A lot of times, the older you get in music, the more you’ll find out that less is more. Leave spaces and don’t play everything you know. As a matter of fact, when I worked with „Sweets“, Harry Edison, a couple of weeks ago he was a lesson in that. He knows very well how to use a rhythm section."
- Benny Powell

"...a very interesting lineup of players ... the overall result is a recording highly recommended to fans of straight-ahead jazz."
- Scott Yanow

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"Muchas veces, cuanto más viejo te haces en la música, más te das cuenta de que menos es más. Deja espacios y no toques todo lo que sabes. De hecho, cuando trabajé con «Sweets», Harry Edison, hace un par de semanas, fue una lección de eso. Sabe muy bien cómo utilizar una sección rítmica".
- Benny Powell

"...una alineación de músicos muy interesante... el resultado global es una grabación muy recomendable para los aficionados al straight-ahead jazz."
- Scott Yanow

VA • Big Band Jazzː Verve 50

Glenn Miller, Count Basie, Ella Fitzgerald, Duke Ellington, Buddy Rich, Harry James, Sarah Vaughan, Quincy Jones, Woody Herman, Art Blakey & The Jazz Messengers, Dizzy Gillespie ...

Jazz in Comics!

Juke Box Comics was a publication that had six numbers between 1948 and 1949, which stood out for presenting famous jazz and popular music in different stories and adventures. We can see parading through its pages to Woody Herman, Benny Goodman, Duke Ellington, Buddy Rich, Al Johnson, Xavier Cugat, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Cab Calloway and Lionel Hampton among others.53 comics pages each are online at the link listed at the end.

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Juke Box Comics fue una publicación que tuvo 6 números entre 1948 y 1949, que se destacaba por presentar a famosos del jazz y música popular en diversas historias y aventuras. Podemos ver desfilar por su páginas a Woody Herman, Benny Goodman, Duke Ellington, Buddy Rich, Al Jhonson, Xavier Cugat, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Cab Calloway y Lionel Hampton entre otros.

Los 6 comics de 53 páginas cada uno se encuentran online, en link que se indica al final.

Buddy Rich & Alla Rakha • Rich A La Rakha

This is a curious album. For one short studio session back in the '60s, the king of jazz drummers Buddy Rich, and Alla Rakha, the master of the Indian tabla, came together in an early attempt at East-West fusion. The resulting album was hailed as a 'landmark' and a 'seminal recording' but nevertheless had sunk without trace by the 1980's. Now re-released in re-mastered and restored form, does it stand the test of time?

As a student in the 1980s, I was given an ancient copy of this disc and wondered at the virtuosity of Alla Rakha. I also wondered what Buddy Rich was doing as he only obviously features on two of the five tracks. With this new CD version I realised that he also appears on a third track, minus his shoes and sitting cross-legged playing the dholak (a small hand drum). It's not that the sound quality of the new release allows such insights, although it is pretty good being re-mastered from the original session tapes, but that the copious sleeve notes explain what's going on in great detail.

The first two minutes of the disc transport you to the Taj Mahal, with sitar and flute introducing a simple theme reminiscent of Indian restaurants everywhere. In common with the other tracks the melody then stops abruptly to allow the stars to shine. The following schizophrenic duet sees Rich imitating the tones of the tabla on a snare drum whilst maintaining a different time signature from Rakha. The third track is fantastic, a battle royal between full drum kit and tabla which still takes my breath away. The last two tracks are tabla solos with Rakha at the top of his form.

If you want a nice disc of typical Indian music, this one's not for you. But this re-release, following the deaths of Buddy Rich in 1987 and Alla Rakha last year, offers a unique insight into the early days of fusion. Worth a listen. [http://www.bbc.co.uk/music/reviews/63qv/]

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Este es un álbum curioso. En una breve sesión de estudio en los 60, el rey de los bateristas de jazz Buddy Rich y Alla Rakha, el maestro de la tabla india, se unieron en un primer intento de fusión Este-Oeste. El álbum resultante fue aclamado como un "hito" y una "grabación fundamental", pero sin embargo se había hundido sin dejar rastro en la década de 1980. Ahora relanzado en forma remasterizada y restaurada, ¿soporta la prueba del tiempo?

Cuando era estudiante en los años 80, me dieron una copia antigua de este disco y me pregunté sobre el virtuosismo de Alla Rakha. También me pregunté qué hacía Buddy Rich, ya que obviamente sólo aparece en dos de las cinco pistas. Con esta nueva versión del CD me di cuenta de que también aparece en una tercera pista, sin sus zapatos y sentado con las piernas cruzadas tocando el dholak (un pequeño tambor de mano). No es que la calidad de sonido de la nueva versión permita tales percepciones, aunque es bastante bueno ser remasterizado a partir de las cintas de la sesión original, sino que las copiosas notas de la carátula explican lo que está pasando con gran detalle.

Los dos primeros minutos del disco te transportan al Taj Mahal, con el sitar y la flauta introduciendo un tema sencillo que recuerda a los restaurantes indios de todas partes. En común con las otras pistas, la melodía se detiene abruptamente para permitir que las estrellas brillen. El siguiente dúo esquizofrénico ve a Rich imitando los tonos de la tabla en un tambor de caja mientras mantiene una firma de tiempo diferente a la de Rakha. La tercera pista es fantástica, una batalla real entre la batería y la tabla que aún me deja sin aliento. Los dos últimos temas son solos de tabla con Rakha en su mejor momento de forma.

Si quieres un buen disco de música típica de la India, este no es para ti. Pero esta reedición, tras las muertes de Buddy Rich en 1987 y Alla Rakha el año pasado, ofrece una visión única de los primeros días de la fusión. Vale la pena escucharlo. [http://www.bbc.co.uk/music/reviews/63qv/]

Count Basie & His Orchestra • The Swinging Count

Recorded in '52, these sides draw their sublime swing power from a band featuring Freddie Green, Buddy Rich, Eddie Lockjaw Davis and, on several sides, Oscar Peterson on piano and Basie on organ. The irresistible original Basie Beat joins their takes on I Want a Little Girl; Oh, Lady Be Good; Royal Garden Blues; She's Funny That Way; Song of the Islands; Blue and Sentimental , and more!

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Grabado en el 52, estos lados sacan su sublime poder de swing de una banda con Freddie Green, Buddy Rich, Eddie Lockjaw Davis y, en varios lados, Oscar Peterson en el piano y Basie en el órgano. El irresistible Basie Beat original se une a sus interpretaciones de I Want a Little Girl; Oh, Lady Be Good; Royal Garden Blues; She's Funny That Way; Song of the Islands; Blue and Sentimental , y más!

Charlie Parker • Jazz At The Philharmonic 1946

 

Review by Ken Dryden
The 1946 Jazz at the Philharmonic concerts were true all-star events. This CD compiles portions of two different evenings. The first track, from January, includes trumpeters Dizzy Gillespie, Al Kilian, and Howard McGhee and saxophonists Charlie Parker, Willie Smith, Charlie Ventura, and Lester Young in thae front line. Young, having recently gotten out of the military service, is still not at full strength, with Parker and Gillespie taking charge in the rousing "Sweet Georgia Brown." McGhee takes Dizzy's place on the remaining January numbers. Parker, Smith, and Young are on hand for the April show, adding tenor saxophonist Coleman Hawkins and trumpeter Buck Clayton battling it out in an old-fashioned jam session on-stage. In the opening "J.A.T.P. Blues," Parker and Hawkins outshine the others, while "I Got Rhythm" gets things percolating and enlivens the crowd in an extended workout. Unlike later Jazz at the Philharmonic shows, the rhythm section is merely average, aside from pianist Mel Powell's contributions to "Sweet Georgia Brown." The audio is quite good for the era, considering the limitations of live recording in a large hall in 1946.
https://www.allmusic.com/album/at-the-1946-jatp-concert-mw0000083724

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Crítica de Ken Dryden
Los conciertos de Jazz at the Philharmonic de 1946 fueron auténticos acontecimientos estelares. Este CD recopila partes de dos veladas diferentes. La primera pista, de enero, incluye a los trompetistas Dizzy Gillespie, Al Kilian y Howard McGhee y a los saxofonistas Charlie Parker, Willie Smith, Charlie Ventura y Lester Young en primera línea. Young, recién salido del servicio militar, aún no está a pleno rendimiento, y Parker y Gillespie toman el mando en la entusiasta «Sweet Georgia Brown». McGhee ocupa el lugar de Dizzy en los restantes números de enero. Parker, Smith y Young están presentes en el concierto de abril, añadiendo al saxofonista tenor Coleman Hawkins y al trompetista Buck Clayton, que se baten en una jam session a la vieja usanza en el escenario. En el primer tema, «J.A.T.P. Blues», Parker y Hawkins eclipsan a los demás, mientras que «I Got Rhythm» pone las cosas en su sitio y anima al público en un largo entrenamiento. A diferencia de los conciertos posteriores de Jazz at the Philharmonic, la sección rítmica es simplemente regular, aparte de las contribuciones del pianista Mel Powell en «Sweet Georgia Brown». El sonido es bastante bueno para la época, teniendo en cuenta las limitaciones de la grabación en directo en una gran sala en 1946.
https://www.allmusic.com/album/at-the-1946-jatp-concert-mw0000083724

Lionel Hampton • Lionel Hampton Plays Love Songs

Recordings made in the mid-'50s with Oscar Peterson, Art Tatum and Buddy Rich; sensitive, sensual ballads - recordings of museum importance, whose potency has not been even slightly diminished by time.

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Grabaciones realizadas a mediados de los 50 con Oscar Peterson, Art Tatum y Buddy Rich; baladas sensibles y sensuales - grabaciones de importancia para los coleccionistas, cuya potencia no ha sido ni siquiera ligeramente disminuida por el tiempo.

VA • Verve Jazz Club Collectionː Superdrummers!

 

Buddy Rich • Mr. Drumsː The Buddy Rich Collection 1946-55

 

Arguably the greatest jazz drummer of all time, the legendary Buddy Rich exhibited his love for music through the dedication of his life to the art. His was a career that spanned seven decades, beginning when Rich was 18 months old and continuing until his death in 1987. Immensely gifted, Rich could play with remarkable speed and dexterity despite the fact that he never received a formal lesson and refused to practice outside of his performances. Born Bernard Rich to vaudevillians Robert and Bess Rich on September 30, 1917, the famed drummer was introduced to audiences at a very young age. By 1921, he was a seasoned solo performer with his vaudeville act, "Traps the Drum Wonder." With his natural sense of rhythm, Rich performed regularly on Broadway at the age of four. At the peak of Rich's early career, he was the second-highest paid child entertainer in the world. Rich's jazz career began in 1937 when he began playing with Joe Marsala at New York's Hickory House. By 1939, he had joined Tommy Dorsey's band, and he later went on to play with such jazz greats as Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong and Gene Krupa. Rich was regularly featured in Jazz at the Philharmonic during the late 1940s. He also appeared in such Hollywood films as Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) and How's About It (1943). Throughout the 1960s and 1970s, Rich toured with his own bands and opened two nightclubs, Buddy's Place and Buddy's Place II. Both clubs were regularly filled to capacity by fans of the great master drummer. After opening Buddy's Place II, Rich introduced new tunes with elements of rock into his repertoire, demonstrating his ability to adapt to his audience's changing tastes and establishing himself as a great rock drummer. Known for his caustic humor, Rich was a favorite on several television talk shows including the Tonight Show with Johnny Carson, the Mike Douglas Show, the Dick Cavett Show and the Merv Griffin Show. During these appearances, audiences were entertained by Rich's constant sparring with the hosts and his slights of various pop singers. This famed musician received outstanding recognition throughout his career. The Downbeat Magazine Hall of Fame Award, the Modern Drummer Magazine Hall of Fame Award and the Jazz Unlimited Immortals of Jazz Award are just a few of his numerous honors. Rich gained international attention for such master compositions as his 10-minute West Side Story medley.

During his lengthy career, Rich toured around the globe, performing for millions of fans and several world leaders including the King of Thailand, King Hussein of Jordan the Queen of England, and U.S. presidents Franklin Roosevelt, John F. Kennedy and Ronald Reagan. On April 2, 1987, Rich died of heart failure following surgery for a malignant brain tumor. Longtime friend, Frank Sinatra, spoke a touching eulogy at Rich's funeral. Today, Buddy Rich is remembered as one of history's greatest musicians. According to jazz legend Gene Krupa, Rich was "The greatest drummer ever to have drawn breath."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/

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Posiblemente el mejor batería de jazz de todos los tiempos, el legendario Buddy Rich demostró su amor por la música dedicando su vida a este arte. Su carrera abarcó siete décadas, desde que Rich tenía 18 meses hasta su muerte en 1987. Inmensamente dotado, Rich podía tocar con notable rapidez y destreza a pesar de que nunca recibió una lección formal y se negaba a practicar fuera de sus actuaciones. Nacido Bernard Rich, hijo de los vodeviles Robert y Bess Rich, el 30 de septiembre de 1917, el famoso batería se dio a conocer al público a una edad muy temprana. En 1921, ya era un experimentado solista con su número de vodevil, "Traps the Drum Wonder". Con su sentido natural del ritmo, Rich actuaba regularmente en Broadway a la edad de cuatro años. En el punto álgido de su carrera, fue el segundo artista infantil mejor pagado del mundo. La carrera jazzística de Rich comenzó en 1937, cuando empezó a tocar con Joe Marsala en el Hickory House de Nueva York. En 1939 se unió a la banda de Tommy Dorsey y más tarde tocó con grandes del jazz como Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong y Gene Krupa. Rich participó regularmente en Jazz at the Philharmonic a finales de la década de 1940. También apareció en películas de Hollywood como Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) y How's About It (1943). Durante las décadas de 1960 y 1970, Rich realizó giras con sus propias bandas y abrió dos clubes nocturnos, Buddy's Place y Buddy's Place II. Ambos clubes se llenaban regularmente de fans del gran maestro de la batería. Tras abrir Buddy's Place II, Rich introdujo en su repertorio nuevas melodías con elementos de rock, demostrando su capacidad para adaptarse a los gustos cambiantes de su público y consagrándose como un gran batería de rock. Conocido por su humor cáustico, Rich fue uno de los favoritos en varios programas de entrevistas de televisión, como el Tonight Show con Johnny Carson, el Mike Douglas Show, el Dick Cavett Show y el Merv Griffin Show. Durante estas apariciones, el público se divertía con las constantes disputas de Rich con los presentadores y sus desprecios a varios cantantes pop. Este afamado músico recibió destacados reconocimientos a lo largo de su carrera. El Premio del Salón de la Fama de la revista Downbeat, el Premio del Salón de la Fama de la revista Modern Drummer y el Premio de los Inmortales del Jazz de Jazz Unlimited son sólo algunos de sus numerosos honores. Rich se ganó la atención internacional por composiciones maestras como su popurrí de 10 minutos de West Side Story.

Durante su larga carrera, Rich realizó giras por todo el mundo, actuando para millones de fans y varios líderes mundiales, entre ellos el Rey de Tailandia, el Rey Hussein de Jordania, la Reina de Inglaterra y los presidentes estadounidenses Franklin Roosevelt, John F. Kennedy y Ronald Reagan. El 2 de abril de 1987, Rich murió de un fallo cardíaco tras una operación por un tumor cerebral maligno. Su viejo amigo Frank Sinatra pronunció un emotivo elogio en el funeral de Rich. Hoy, Buddy Rich es recordado como uno de los mejores músicos de la historia. Según la leyenda del jazz Gene Krupa, Rich era "El mejor batería que jamás haya exhalado aliento".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/

VA • Verve Jazz Club Collectionː Swinging Gentlemen

 

 

Bud Powell • The Genius Of Bud Powell

Review

In 1951, Bud Powell was still at the height of his considerable powers. Included here are two sessions from that year: a trio with Ray Brown and Buddy Rich (three takes of "Tea for Two" and a super-fast "Hallelujah") and eight solo piano tunes from a different date. On "Tea for Two," Rich's drumming brings out the charming show-off in Powell, and on "Hallelujah," Powell plays with a hysterical clarity. "Oblivion" and "Hallucinations" are the most masterful of the eight solo cuts. Here Powell swings effortlessly and seems to be speaking his own, true language. The elegance of another era pervades the Gershwin-esque "Parisian Thoroughfare" and "Dusk in Sandi." And one can imagine a young Bill Evans listening to "A Nightingale Sang in Berkeley Square" and taking note of the rich, logical voicings coupled with a wonderful singing tone.

by AllMusic

https://www.allmusic.com/album/the-genius-of-bud-powell-mw0000651735

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Reseña

En 1951, Bud Powell todavía estaba en la cima de sus considerables poderes. Aquí se incluyen dos sesiones de ese año: un trío con Ray Brown y Buddy Rich (tres tomas de "Tea for Two" y un súper rápido "Hallelujah") y ocho temas para piano solo de otra fecha. En "Tea for Two", la batería de Rich saca a relucir el encanto de Powell, y en "Hallelujah", Powell toca con una claridad histérica. "Oblivion" y "Alucinations" son los más magistrales de los ocho solos. Aquí Powell se balancea sin esfuerzo y parece estar hablando su propio y verdadero lenguaje. La elegancia de otra época impregna el "Paseos parisinos" y "Atardecer en Sandi", al estilo de Gershwin. Y uno puede imaginarse a un joven Bill Evans escuchando "Un ruiseñor cantando en Berkeley Square" y tomando nota de las ricas y lógicas voces junto con un maravilloso tono de canto.

por AllMusic

https://www.allmusic.com/album/the-genius-of-bud-powell-mw0000651735

Artie Shaw • The Best Of

 

Artie Shaw, a brilliant jazz clarinetist, was one of the most enigmatic, daring and adventurous bandleaders of the swing-era. An intellectual, he hated public life and the music industry. Over the course of his short career he formed ten orchestras and disbanding most of them after only a few months. At the peak of his career in the years just before World War II, Shaw was matched by few other musicians in popularity and technical skill.

Born Arthur Arshawsky in New York City and raised in Connecticut, Shaw took up the saxophone at an early age and began playing professionally when he was only 14. He left home at 15 for a job in Kentucky. The position never materialized and he was forced to play with traveling orchestras in order to get home. At age 16 he switched to the clarinet and went to Cleveland, where he spent three years playing in local groups, including that of Austin Wylie.

In 1929 Shaw joined Irving Aaronson's Commanders. While traveling the country with the band he discovered the works of contemporary avant-garde classical composers whose influence would later surface in his own music. When the Commanders arrived for a gig in New York, Shaw decided to remain. There he freelanced with many of the top artists of the day, including Vincent Lopez, Red Nichols, and Teddy Wilson. He also briefly spent time with Fred Rich's orchestra and toured with Roger Wolfe Kahn.

In 1934 Shaw became disillusioned with the music industry and quit for the first of what would be many times. He bought a farm in Pennsylvania and tried his hand at being a writer. He soon returned to New York and took up studio work again. He was one of the most successful studio musicians in the city when in 1935 he was asked to lead a small group during intermissions at a swing concert held by the Imperial Theater. He put together an unusual outfit consisting of a string quartet, a rhythm section minus piano, and his clarinet.

Shaw's unique combination was wildly received by the audience. He was offered financial backing to form his own orchestra, and in 1936 he debut his first dance band, which featured a Dixieland approach and a string quartet. The new group made some impressive recordings but couldn't compete with the brassier swing orchestras of the day, so Shaw disbanded it the following year and formed a more conventional big band.

His new outfit was a huge success, featuring such musicians as Georgie Auld, Buddy Rich, Tony Pastor, and Jerry Gray. Vocalists included Billie Holiday, Kitty Kallen, Peg LaCentra, and Helen Forrest. Shaw could scarcely have known that within a short time he would make a hit record of a song called “Begin the Beguine.” The breakthrough hit record catapulted him into the ranks of top band leaders and he was immediately dubbed the new "King of Swing." Shaw's recording of the song continues to sell and has become one of the best-selling records in history.

In September of 1938 Shaw collapsed on stage due to exhaustion. He was also absent from the band in the summer of 1939 due to illness. Upon his return to good health he announced he was quitting the business again but was talked out of it by Gray and Pastor. He didn't stay long however. He left in November and moved to Mexico.

Shaw returned to the U.S. two months later and formed a 32-piece studio orchestra which recorded several songs, including his famous version of ''Frenesi.'' Later in the year, he formed a new band of his own that included the now famous Gramercy Five, with which he recorded several more smash hits, among them his by now classic version of “Star Dust,” plus a number of other fine recordings such as “Moonglow,” “Dancing in the Dark,” “Concerto for Clarinet,” and many others. Ray Conniff arranged for the new group and Anita Boyer sang. Shaw again grew restless and disbanded his new outfit in early 1941. He formed another group in the fall of that year. Vocalists included Bonnie Lake, Paula Kelly and Fredda Gibson (later to become Georgia Gibbs). He also disbanded this group soon after starting it, in January of 1942.

In April Shaw joined the Navy. After going through boot camp and serving two months on a minesweeper he was put in charge of a service band. He shaped up the group and took it on a tour of Pacific combat zones, often playing in dangerous and primitive conditions. The strain of such an endeavor soon got to him, however, and he was medically discharged in November 1943.

By fall of 1944 Shaw's health had recovered and he formed a new civilian band, which included Conniff, Barney Kessel, Roy Eldridge, and Dodo Marmarosa. Imogene Lynn provided vocals. By 1947 he had quit that group and taken up the study of classical clarinet, for which he performed and recorded an album. In 1949 Shaw formed a bop orchestra. He again quit the music industry in 1951 and retired to a farm, where he wrote his autobiography.

In 1954 he returned briefly to music with a new Gramercy Five, but by the end of the year Artie Shaw had packed up his clarinet for the last time. He spent the rest of his life doing various concerns: writing and working briefly as a film distributor and a gun expert. He moved to Spain in 1955, to Connecticut in 1960, and to Southern California in 1973. In the 1980s he formed a new orchestra for special performances, though he did not play in it himself. The 1985 film documentary “Time Is All You've Got” traced his career in some detail. Shaw suffered from ill health the last few years of his life. He passed away on December 30, 2004.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/artie-shaw/

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Artie Shaw, un brillante clarinetista de jazz, fue uno de los directores de orquesta más enigmáticos, atrevidos y aventureros de la era del swing. Intelectual, odiaba la vida pública y la industria de la música. A lo largo de su corta carrera formó diez orquestas y disolvió la mayoría de ellas después de solo unos meses. En la cima de su carrera en los años previos a la Segunda Guerra Mundial, Shaw fue igualado por pocos otros músicos en popularidad y habilidad técnica.

Nacido Arthur Arshawsky en la ciudad de Nueva York y criado en Connecticut, Shaw tomó el saxofón a una edad temprana y comenzó a tocar profesionalmente cuando tenía solo 14 años. Se fue de casa a los 15 años por un trabajo en Kentucky. El puesto nunca se materializó y se vio obligado a tocar con orquestas itinerantes para poder llegar a casa. A los 16 años cambió al clarinete y se fue a Cleveland, donde pasó tres años tocando en grupos locales, incluido el de Austin Wylie.

En 1929, Shaw se unió a los Comandantes de Irving Aaronson. Mientras viajaba por el país con la banda, descubrió las obras de compositores clásicos contemporáneos de vanguardia cuya influencia surgiría más tarde en su propia música. Cuando los Comandantes llegaron para un concierto en Nueva York, Shaw decidió quedarse. Allí trabajó independientemente con muchos de los mejores artistas del momento, incluidos Vincent Lopez, Red Nichols y Teddy Wilson. También pasó un tiempo breve con la orquesta de Fred Rich y realizó una gira con Roger Wolfe Kahn.

En 1934, Shaw se desilusionó con la industria de la música y renunció por primera de lo que serían muchas veces. Compró una granja en Pensilvania y probó suerte como escritor. Pronto regresó a Nueva York y volvió a trabajar en el estudio. Era uno de los músicos de estudio más exitosos de la ciudad cuando en 1935 se le pidió que dirigiera un pequeño grupo durante los intermedios de un concierto de swing celebrado en el Teatro Imperial. Armó un atuendo inusual que consistía en un cuarteto de cuerdas, una sección rítmica sin piano y su clarinete.

La combinación única de Shaw fue recibida salvajemente por la audiencia. Se le ofreció respaldo financiero para formar su propia orquesta, y en 1936 debutó con su primera banda de baile, que presentaba un enfoque de Dixieland y un cuarteto de cuerdas. El nuevo grupo hizo algunas grabaciones impresionantes, pero no pudo competir con las orquestas brassier swing de la época, por lo que Shaw lo disolvió al año siguiente y formó una big band más convencional.

Su nuevo atuendo fue un gran éxito, con músicos como Georgie Auld, Buddy Rich, Tony Pastor y Jerry Gray. Las vocalistas incluyeron a Billie Holiday, Kitty Kallen, Peg LaCentra y Helen Forrest. Shaw apenas podía haber sabido que en poco tiempo haría un exitoso disco de una canción llamada "Begin the Beguine."El gran éxito discográfico lo catapultó a las filas de los principales líderes de la banda e inmediatamente fue apodado el nuevo "Rey del Swing"."La grabación de la canción de Shaw continúa vendiéndose y se ha convertido en uno de los discos más vendidos de la historia.

En septiembre de 1938 Shaw colapsó en el escenario debido al agotamiento. También estuvo ausente de la banda en el verano de 1939 debido a una enfermedad. A su regreso con buena salud, anunció que dejaría el negocio nuevamente, pero Gray y Pastor lo convencieron de que no lo hiciera. Sin embargo, no se quedó mucho tiempo. Se fue en noviembre y se mudó a México.

Shaw regresó a los Estados Unidos dos meses después y formó una orquesta de estudio de 32 integrantes que grabó varias canciones,incluida su famosa versión de " Frenesi. Más tarde ese año, formó una nueva banda propia que incluía a los ahora famosos Gramercy Five, con la que grabó varios éxitos más, entre ellos su versión ya clásica de "Star Dust", además de una serie de otras excelentes grabaciones como "Moonglow", "Dancing in the Dark", "Concerto for Clarinet" y muchos otros .  Ray Conniff arregló para el nuevo grupo y Anita Boyer cantó. Shaw volvió a inquietarse y disolvió su nuevo atuendo a principios de 1941. Formó otro grupo en el otoño de ese año. Las vocalistas incluyeron a Bonnie Lake, Paula Kelly y Fredda Gibson (que más tarde se convertiría en Georgia Gibbs). También disolvió este grupo poco después de iniciarlo, en enero de 1942.

En abril, Shaw se unió a la Marina. Después de pasar por el campo de entrenamiento y servir dos meses en un buscaminas, fue puesto a cargo de una banda de servicio. Formó el grupo y lo llevó a una gira por las zonas de combate del Pacífico, a menudo tocando en condiciones peligrosas y primitivas. Sin embargo, la tensión de tal esfuerzo pronto le afectó y fue dado de alta médicamente en noviembre de 1943.

Para el otoño de 1944, la salud de Shaw se había recuperado y formó una nueva banda civil, que incluía a Conniff, Barney Kessel, Roy Eldridge y Dodo Marmarosa. Imogene Lynn proporcionó la voz. Para 1947 había abandonado ese grupo y se dedicó al estudio del clarinete clásico, para el que actuó y grabó un álbum. En 1949 Shaw formó una orquesta bop. Volvió a dejar la industria de la música en 1951 y se retiró a una granja, donde escribió su autobiografía.

En 1954 regresó brevemente a la música con un nuevo Gramercy Five, pero a finales de año Artie Shaw había empacado su clarinete por última vez. Pasó el resto de su vida haciendo varias preocupaciones: escribiendo y trabajando brevemente como distribuidor de películas y experto en armas. Se mudó a España en 1955, a Connecticut en 1960 y al sur de California en 1973. En la década de 1980 formó una nueva orquesta para actuaciones especiales, aunque él mismo no tocó en ella. El documental de 1985 "Time Is All You've Got" trazó su carrera con cierto detalle. Shaw sufrió problemas de salud los últimos años de su vida. Falleció el 30 de diciembre de 2004.
Fuente: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/artie-shaw/

Count Basie • Count At The Organ

Source:  https://ehsankhoshbakht.blogspot.com/2014/07/basie-organ.html

I think it was John Hammond who once complained about one of the most stylish jazz pianists of all time being too shy to play piano. Of course, he was talking about Count Basie, the master of minimal (dubbed as economical) piano in the big band era. Still, I must say, comparing to Basie's organ recordings - which is the subject of this post- his piano work can be considered superabundant. Basie and organ is a beautiful but rare pairing.

Here, I'm trying to showcase his mastery at the organ from six 1952 sessions.

Before anything, I must return to some facts: Basie learned organ from Fats Waller and had a short career as the silent film accompanist. His first known recording at the organ dates back to 1939, when he accompanied Jimmy Rushing on Nobody Knows.

"Basie economized Fats' style," argues Geoff Alexander, "[he] had a sparse and 'jumping' feel to his playing, and I think influenced later organ players such as Wild Bill Davis, Milt Buckner, and Jackie Davis as much with the sound of his band as his playing."

From the early 1950s, when due to financial issues, the size of Basie orchestra drastically shrank, the small group became a favorite format. For these small group recordings, thanks to Norman Granz, Basie revisited organ almost a decade before it turned into a best-selling instrument. (In that regard think of Jimmy Smith, Jack McDuff and many others who came to prominence in the 60s.)

In 1952, Basie took the organ seat on various occasions, some under his own name as leader, and with Oscar Peterson appointed as the piano man, and at least one session under Illinois Jacquet's name, when Basie was simply minding his own (glorious) business on the organ.

These sessions, at some point released by Verve as Basie at the Organ, are examples of Basie's "cool rage", if one borrows from the Jacquet's tune that Basie plays on the side B of the LP. By "cool rage" I mean, tense but flowing; conveying a wide range of emotions but always remaining in absolute control of itself.

SIDE A

Joe Newman (trumpet) Paul Quinichette (tenor saxophone) Count Basie (organ) Freddie Green (guitar) Gene Ramey (bass) Buddy Rich (drums)

NYC, December 13, 1952

Basie Beat

Eddie "Lockjaw" Davis, Oscar Peterson (organ) Count Basie (piano) Freddie Green (guitar) Ray Brown (bass) Gus Johnson (drums)

NYC, July 22 & 23, 1952

Extended Blues

Joe Newman (trumpet) Paul Quinichette (tenor saxophone) Count Basie (piano, organ) Freddie Green (guitar) Gene Ramey (bass) Buddy Rich (drums)

NYC, December 13, 1952

She's Funny That Way

Paul Quinichette (tenor saxophone) Count Basie (organ) Freddie Green (guitar) Gene Ramey (bass) Buddy Rich (drums)

NYC, December 12, 1952

Song of the Island

Joe Newman (trumpet) Paul Quinichette (tenor saxophone) Count Basie (piano, organ) Freddie Green (guitar) Gene Ramey (bass) Buddy Rich (drums)

NYC, December 13, 1952

Count's Organ Blues

SIDE B

Count Basie Septet

Eddie "Lockjaw" Davis, Paul Quinichette (tenor saxophone) Oscar Peterson (piano) Count Basie (organ) Freddie Green (guitar) Ray Brown (bass) Gus Johnson (drums)

NYC, July 25, 1952

Blues For The Count And Oscar

Illinois Jacquet (tenor saxophone) Count Basie (organ) Hank Jones (piano) Freddie Green (guitar) Ray Brown (bass) Jimmy Crawford (drums)

NYC, July 21, 1952

Port of Rico

Lean Baby

Paul Campbell, Wendell Culley, Reunald Jones, Joe Newman (trumpet) Henry Coker, Benny Powell, Jimmy Wilkins (trombone) Marshall Royal (alto saxophone, clarinet) Ernie Wilkins (alto,tenor saxophone) Eddie "Lockjaw" Davis, Paul Quinichette (tenor saxophone) Charlie Fowlkes (baritone saxophone) Count Basie (organ) Freddie Green (guitar) Jimmy Lewis (bass) Gus Johnson (drums)

NYC, July 22, 1952

Paradise Squat

Illinois Jacquet (tenor saxophone) Count Basie (organ) Hank Jones (piano) Freddie Green (guitar) Ray Brown (bass) Jimmy Crawford (drums)

NYC, July 21, 1952

The Cool Rage

Joe Newman (trumpet) Paul Quinichette (tenor saxophone) Count Basie (organ) Freddie Green (guitar) Gene Ramey (bass) Buddy Rich (drums)

NYC, December 13, 1952

K. C. Organ Blues

more:   https://jazzprofiles.blogspot.com/2016/06/the-organ-in-jazz-part-1.html

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Traducción Automática:

Fuente:  https://ehsankhoshbakht.blogspot.com/2014/07/basie-organ.html

Creo que fue John Hammond quien una vez se quejó de que uno de los pianistas de jazz más elegantes de todos los tiempos es demasiado tímido para tocar el piano. Por supuesto, él estaba hablando de Count Basie, el maestro del piano minimal (apodado como económico) en la era de la gran banda. Sin embargo, debo decir que, en comparación con las grabaciones de los órganos de Basie, que es el tema de este trabajo posterior a su piano, puede considerarse superabundante. Basie y el órgano es una pareja hermosa pero rara.

Aquí, estoy tratando de mostrar su dominio en el órgano de seis sesiones de 1952.

Antes de nada, debo volver a algunos hechos: Basie aprendió el órgano de Fats Waller y tuvo una corta carrera como acompañante de la película muda. Su primera grabación conocida en el órgano data de 1939, cuando acompañó a Jimmy Rushing en Nobody Knows.

"Basie economizó el estilo de Fats", argumenta Geoff Alexander, "[él] tenía una sensación de" salto "y escasa en su forma de tocar, y creo que influenció a jugadores de órganos como Wild Bill Davis, Milt Buckner y Jackie Davis. El sonido de su banda como su juego ".

Desde principios de la década de 1950, cuando debido a problemas financieros, el tamaño de la orquesta de Basie se redujo drásticamente, el pequeño grupo se convirtió en un formato favorito. Para estas grabaciones de grupos pequeños, gracias a Norman Granz, Basie volvió a visitar el órgano casi una década antes de que se convirtiera en el instrumento más vendido. (En ese sentido, piense en Jimmy Smith, Jack McDuff y muchos otros que llegaron a la fama en los años 60).

En 1952, Basie tomó el asiento del órgano en varias ocasiones, algunas con su propio nombre como líder, y con Oscar Peterson nombrado como el hombre del piano, y al menos una sesión bajo el nombre de Illinois Jacquet, cuando Basie simplemente se preocupaba por su propia (gloriosa) Negocio en el órgano.

Estas sesiones, en algún momento lanzadas por Verve como Basie en el Organ, son ejemplos de la "rabia fresca" de Basie, si se toma prestada de la melodía de Jacquet que Basie toca en el lado B del LP. Por "rabia fresca" quiero decir, tenso pero fluido; transmitiendo una amplia gama de emociones, pero siempre manteniéndose en control absoluto de sí mismo.

LADO A

Joe Newman (trompeta) Paul Quinichette (saxofón tenor) Count Basie (órgano) Freddie Green (guitarra) Gene Ramey (bajo) Buddy Rich (batería)

Nueva York, 13 de diciembre de 1952

Basie Beat

Eddie "Lockjaw" Davis, Oscar Peterson (órgano) Count Basie (piano) Freddie Green (guitarra) Ray Brown (bajo) Gus Johnson (batería)

Nueva York, 22 y 23 de julio de 1952.

Blues extendido

Joe Newman (trompeta) Paul Quinichette (saxofón tenor) Count Basie (piano, órgano) Freddie Green (guitarra) Gene Ramey (bajo) Buddy Rich (batería)

Nueva York, 13 de diciembre de 1952

Ella es divertida de esa manera

Paul Quinichette (saxofón tenor) Count Basie (órgano) Freddie Green (guitarra) Gene Ramey (bajo) Buddy Rich (batería)

Nueva York, 12 de diciembre de 1952

Cancion de la isla

Joe Newman (trompeta) Paul Quinichette (saxofón tenor) Count Basie (piano, órgano) Freddie Green (guitarra) Gene Ramey (bajo) Buddy Rich (batería)

Nueva York, 13 de diciembre de 1952

Los azules del órgano del conde

LADO B

Count Basie Septet

Eddie "Lockjaw" Davis, Paul Quinichette (saxofón tenor) Oscar Peterson (piano) Count Basie (órgano) Freddie Green (guitarra) Ray Brown (bajo) Gus Johnson (batería)

Nueva York, 25 de julio de 1952

Blues Para El Conde Y Oscar

Illinois Jacquet (saxofón tenor) Count Basie (órgano) Hank Jones (piano) Freddie Green (guitarra) Ray Brown (bajo) Jimmy Crawford (batería)

Nueva York, 21 de julio de 1952

Puerto de rico

Lean Baby

Paul Campbell, Wendell Culley, Reunald Jones, Joe Newman (trompeta) Henry Coker, Benny Powell, Jimmy Wilkins (trombón) Marshall Royal (saxofón alto, clarinete) Ernie Wilkins (saxo alto, tenor) Eddie "Lockjaw" Davis, Paul Quinichette ( saxofón tenor) Charlie Fowlkes (saxofón barítono) Count Basie (órgano) Freddie Green (guitarra) Jimmy Lewis (bajo) Gus Johnson (batería)

Nueva York, 22 de julio de 1952

Paradise Squat

Illinois Jacquet (saxofón tenor) Count Basie (órgano) Hank Jones (piano) Freddie Green (guitarra) Ray Brown (bajo) Jimmy Crawford (batería)

Nueva York, 21 de julio de 1952

La rabia fresca

Joe Newman (trompeta) Paul Quinichette (saxofón tenor) Count Basie (órgano) Freddie Green (guitarra) Gene Ramey (bajo) Buddy Rich (batería)

Nueva York, 13 de diciembre de 1952

K. C. Organ Blues

más:   https://jazzprofiles.blogspot.com/2016/06/the-organ-in-jazz-part-1.html

Charlie Parker With Lennie Tristano • Complete Recordings

 

Charlie Parker and Lennie Tristano had mutual admiration and understanding for each other, and were good friends. However, their recorded output together is far from extensive and this CD contains the whole of it. Both were great jazz innovators, although Tristano was the fi rst to admit Bird’s pre-eminence among all musicians of that period. Their collaborative recordings consist of a variety of broadcasts, studio sessions, and even a couple of amazing duets recorded by Bird on his tape machine at Lennie’s house (presenting the only known recording that Charlie Parker ever made of “I Can’t Believe That You’re in Love with Me” and his only complete version of “All of Me”). Also featured throughout this CD are great stars such as Dizzy Gillespie, Fats Navarro, Miles Davis, Sarah Vaughan and Max Roach.
https://www.jazzmessengers.com/es/83590/charlie-parker/completerecordingsw-lennietristano

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Charlie Parker y Lennie Tristano se admiraban y comprendían mutuamente, y eran buenos amigos. Sin embargo, su producción discográfica conjunta no es muy extensa y este CD la recoge en su totalidad. Ambos fueron grandes innovadores del jazz, aunque Tristano fue el primero en admitir la preeminencia de Bird entre todos los músicos de la época. Sus grabaciones en colaboración consisten en una variedad de emisiones, sesiones de estudio e incluso un par de duetos asombrosos grabados por Bird en su grabadora en casa de Lennie (presentando la única grabación conocida que Charlie Parker hizo de «I Can't Believe That You're in Love with Me» y su única versión completa de «All of Me»). También aparecen a lo largo de este CD grandes estrellas como Dizzy Gillespie, Fats Navarro, Miles Davis, Sarah Vaughan y Max Roach.
https://www.jazzmessengers.com/es/83590/charlie-parker/completerecordingsw-lennietristano

Buddy Rich • Live In Stuttgart

 

Arguably the greatest jazz drummer of all time, the legendary Buddy Rich exhibited his love for music through the dedication of his life to the art. His was a career that spanned seven decades, beginning when Rich was 18 months old and continuing until his death in 1987. Immensely gifted, Rich could play with remarkable speed and dexterity despite the fact that he never received a formal lesson and refused to practice outside of his performances. Born Bernard Rich to vaudevillians Robert and Bess Rich on September 30, 1917, the famed drummer was introduced to audiences at a very young age. By 1921, he was a seasoned solo performer with his vaudeville act, "Traps the Drum Wonder." With his natural sense of rhythm, Rich performed regularly on Broadway at the age of four. At the peak of Rich's early career, he was the second-highest paid child entertainer in the world. Rich's jazz career began in 1937 when he began playing with Joe Marsala at New York's Hickory House. By 1939, he had joined Tommy Dorsey's band, and he later went on to play with such jazz greats as Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong and Gene Krupa. Rich was regularly featured in Jazz at the Philharmonic during the late 1940s. He also appeared in such Hollywood films as Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) and How's About It (1943). Throughout the 1960s and 1970s, Rich toured with his own bands and opened two nightclubs, Buddy's Place and Buddy's Place II. Both clubs were regularly filled to capacity by fans of the great master drummer. After opening Buddy's Place II, Rich introduced new tunes with elements of rock into his repertoire, demonstrating his ability to adapt to his audience's changing tastes and establishing himself as a great rock drummer. Known for his caustic humor, Rich was a favorite on several television talk shows including the Tonight Show with Johnny Carson, the Mike Douglas Show, the Dick Cavett Show and the Merv Griffin Show. During these appearances, audiences were entertained by Rich's constant sparring with the hosts and his slights of various pop singers. This famed musician received outstanding recognition throughout his career. The Downbeat Magazine Hall of Fame Award, the Modern Drummer Magazine Hall of Fame Award and the Jazz Unlimited Immortals of Jazz Award are just a few of his numerous honors. Rich gained international attention for such master compositions as his 10-minute West Side Story medley.

During his lengthy career, Rich toured around the globe, performing for millions of fans and several world leaders including the King of Thailand, King Hussein of Jordan the Queen of England, and U.S. presidents Franklin Roosevelt, John F. Kennedy and Ronald Reagan. On April 2, 1987, Rich died of heart failure following surgery for a malignant brain tumor. Longtime friend, Frank Sinatra, spoke a touching eulogy at Rich's funeral. Today, Buddy Rich is remembered as one of history's greatest musicians. According to jazz legend Gene Krupa, Rich was "The greatest drummer ever to have drawn breath."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/

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Posiblemente el mejor batería de jazz de todos los tiempos, el legendario Buddy Rich demostró su amor por la música dedicando su vida a este arte. Su carrera abarcó siete décadas, desde que Rich tenía 18 meses hasta su muerte en 1987. Inmensamente dotado, Rich podía tocar con notable rapidez y destreza a pesar de que nunca recibió una lección formal y se negaba a practicar fuera de sus actuaciones. Nacido Bernard Rich, hijo de los vodeviles Robert y Bess Rich, el 30 de septiembre de 1917, el famoso batería se dio a conocer al público a una edad muy temprana. En 1921, ya era un experimentado solista con su número de vodevil, "Traps the Drum Wonder". Con su sentido natural del ritmo, Rich actuaba regularmente en Broadway a la edad de cuatro años. En el punto álgido de su carrera, fue el segundo artista infantil mejor pagado del mundo. La carrera jazzística de Rich comenzó en 1937, cuando empezó a tocar con Joe Marsala en el Hickory House de Nueva York. En 1939 se unió a la banda de Tommy Dorsey y más tarde tocó con grandes del jazz como Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong y Gene Krupa. Rich participó regularmente en Jazz at the Philharmonic a finales de la década de 1940. También apareció en películas de Hollywood como Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) y How's About It (1943). Durante las décadas de 1960 y 1970, Rich realizó giras con sus propias bandas y abrió dos clubes nocturnos, Buddy's Place y Buddy's Place II. Ambos clubes se llenaban regularmente de fans del gran maestro de la batería. Tras abrir Buddy's Place II, Rich introdujo en su repertorio nuevas melodías con elementos de rock, demostrando su capacidad para adaptarse a los gustos cambiantes de su público y consagrándose como un gran batería de rock. Conocido por su humor cáustico, Rich fue uno de los favoritos en varios programas de entrevistas de televisión, como el Tonight Show con Johnny Carson, el Mike Douglas Show, el Dick Cavett Show y el Merv Griffin Show. Durante estas apariciones, el público se divertía con las constantes disputas de Rich con los presentadores y sus desprecios a varios cantantes pop. Este afamado músico recibió destacados reconocimientos a lo largo de su carrera. El Premio del Salón de la Fama de la revista Downbeat, el Premio del Salón de la Fama de la revista Modern Drummer y el Premio de los Inmortales del Jazz de Jazz Unlimited son sólo algunos de sus numerosos honores. Rich se ganó la atención internacional por composiciones maestras como su popurrí de 10 minutos de West Side Story.

Durante su larga carrera, Rich realizó giras por todo el mundo, actuando para millones de fans y varios líderes mundiales, entre ellos el Rey de Tailandia, el Rey Hussein de Jordania, la Reina de Inglaterra y los presidentes estadounidenses Franklin Roosevelt, John F. Kennedy y Ronald Reagan. El 2 de abril de 1987, Rich murió de un fallo cardíaco tras una operación por un tumor cerebral maligno. Su viejo amigo Frank Sinatra pronunció un emotivo elogio en el funeral de Rich. Hoy, Buddy Rich es recordado como uno de los mejores músicos de la historia. Según la leyenda del jazz Gene Krupa, Rich era "El mejor batería que jamás haya exhalado aliento".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/

thebuddyrichband.com ...

 

Illinois Jacquet • Loot to Boot

 

Biography
One of the great tenors, Illinois Jacquet's 1942 "Flying Home" solo is considered the first R&B sax solo, and spawned a full generation of younger tenors (including Joe Houston and Big Jay McNeely) who built their careers from his style, and practically from that one song.
Jacquet, whose older brother Russell (1917-1990) was a trumpeter who sometimes played in his bands, grew up in Houston, and his tough tone and emotional sound defined the Texas tenor school. After playing locally, he moved to Los Angeles where, in 1941, he played with Floyd Ray. He was the star of Lionel Hampton's 1942 big band ("Flying Home" became a signature song for Jacquet, Hampton, and even Illinois Jacquet' successor Arnett Cobb), and also was with Cab Calloway (1943-1944) and well featured with Count Basie (1945-1946). Jacquet's playing at the first Jazz at the Philharmonic concert (1944) included a screaming solo on "Blues" that found him biting on his reed to achieve high-register effects; the crowd went wild. He repeated the idea during his appearance in the 1944 film short Jammin' the Blues. In 1945, Jacquet put together his own band, and both his recordings and live performances were quite exciting. He appeared with JATP on several tours in the 1950s, recorded steadily, and never really lost his popularity. In the 1960s, he sometimes doubled on bassoon (usually for a slow number such as "'Round Midnight") and it was an effective contrast to his stomping tenor. In the late '80s, Jacquet started leading an exciting part-time big band that only recorded one album, an Atlantic date from 1988. Through the years, Illinois Jacquet (whose occasional features on alto are quite influenced by Charlie Parker) has recorded as a leader for such labels as Apollo, Savoy, Aladdin, RCA, Verve, Mercury, Roulette, Epic, Argo, Prestige, Black Lion, Black & Blue, JRC, and Atlantic. Illinois Jacquet died on July 22, 2004.
by Scott Yanow
https://www.allmusic.com/artist/illinois-jacquet-mn0000770629/biography

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Biografía

Uno de los grandes tenores, el solo de "Flying Home" de Illinois Jacquet de 1942 es considerado el primer solo de saxo R&B, y engendró una generación completa de tenores más jóvenes (incluyendo a Joe Houston y Big Jay McNeely) que construyeron sus carreras a partir de su estilo, y prácticamente de esa única canción.

Jacquet, cuyo hermano mayor Russell (1917-1990) era un trompetista que a veces tocaba en sus bandas, creció en Houston, y su tono duro y su sonido emocional definieron la escuela de tenores de Texas. Después de tocar localmente, se mudó a Los Ángeles donde, en 1941, tocó con Floyd Ray. Fue la estrella de la gran banda de Lionel Hampton en 1942 ("Flying Home" se convirtió en una canción de autor para Jacquet, Hampton, e incluso para el sucesor de Illinois Jacquet, Arnett Cobb), y también estuvo con Cab Calloway (1943-1944) y bien presentado con Count Basie (1945-1946). Jacquet tocó en el primer concierto de Jazz en la Filarmónica (1944), incluyendo un solo de gritos en "Blues" que lo encontró mordiendo su caña para lograr efectos de alto registro; la multitud enloqueció. Repitió la idea durante su aparición en el cortometraje cinematográfico Jammin' the Blues de 1944. En 1945, Jacquet formó su propia banda, y tanto sus grabaciones como sus actuaciones en vivo fueron muy emocionantes. Apareció con JATP en varias giras en los años 50, grabó constantemente, y nunca perdió su popularidad. En la década de 1960, a veces doblaba en fagot (normalmente para un número lento como "Round Midnight") y era un contraste efectivo con su tenor de pisoteo. A finales de los 80, Jacquet empezó a liderar una excitante banda a tiempo parcial que sólo grabó un álbum, un Atlantic de 1988. A lo largo de los años, Illinois Jacquet (cuyas ocasionales actuaciones en alto están bastante influenciadas por Charlie Parker) ha grabado como líder para sellos como Apollo, Savoy, Aladdin, RCA, Verve, Mercury, Roulette, Epic, Argo, Prestige, Black Lion, Black & Blue, JRC y Atlantic. Illinois Jacquet murió el 22 de julio de 2004.

por Scott Yanow

https://www.allmusic.com/artist/illinois-jacquet-mn0000770629/biography