West Coast All Stars • TV Jazz Themes

 

Howard Roberts ‎• Something's Cookin

Biography by Scott Yanow

Howard Roberts was a talented guitarist on the level of a Barney Kessel or Herb Ellis, who spent most of his career playing commercial music in the studios. Shortly after he moved to Los Angeles in 1950, Roberts was firmly established in the studios, although on occasion he recorded jazz (most notably twice for Verve during 1956-1959, a Concord session from 1977, and one for Discovery in 1979); however, most of his other output (particularly for Capitol in the 1960s) is of lesser interest. The co-founder of the Guitar Institute of Technology in Hollywood, Roberts was an enthusiastic and talented educator, and wrote a regular instructional column for Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

///////

Biografía de Scott Yanow

Howard Roberts fue un talentoso guitarrista a nivel de Barney Kessel o Herb Ellis, quien pasó la mayor parte de su carrera tocando música comercial en los estudios. Poco después de mudarse a Los Ángeles en 1950, Roberts se estableció firmemente en los estudios, aunque en ocasiones grabó jazz (especialmente dos veces para Verve durante 1956-1959, una sesión de Concord en 1977 y una para Discovery en 1979); sin embargo, la mayor parte de su otra producción (particularmente para Capitol en la década de 1960) es de menor interés. Roberts, el cofundador del Instituto de Tecnología de la Guitarra de Hollywood, era un educador entusiasta y talentoso, y escribió una columna de instrucción regular para el Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

Ron Feuer • Hammond' Cheese

Feuer went on to become a first-call pianist, keyboardist, organist, composer, arranger and producer. He spent many years in Las Vegas where he became the keyboardist for many house bands and acts. While in Vegas, he played live performances and on the recordings of  hundreds of performing artists, including Diana Ross, Elvis Presley and Gladys Knight. He also teamed with James Moody, Frank Rosolino, Randy Brecker, Miroslav Vitous, Ernie Watts and Abraham Laboriel.

What set Feuer's organ apart is his enormous attack and whirlwind feel. Every song is a gutsy adventure, which excites the ear.

///////

Feuer se convirtió en pianista de primera clase, teclista, organista, compositor, arreglista y productor. Pasó muchos años en Las Vegas donde se convirtió en el teclista de muchas bandas y actos de la casa. Durante su estancia en Las Vegas, tocó en vivo y en las grabaciones de cientos de artistas, incluyendo a Diana Ross, Elvis Presley y Gladys Knight. También se unió a James Moody, Frank Rosolino, Randy Brecker, Miroslav Vitous, Ernie Watts y Abraham Laboriel.

Lo que distingue al órgano de Feuer es su enorme ataque y su sensación de torbellino. Cada canción es una aventura con agallas, que excita el oído.

 

 

 

Conte Candoli & Max Roach • Jazz Structures

 

 

Russ Garcia • Four Horns And A Lush Life

 

Review
by Ken Dryden
Russ Garcia was a popular arranger in the mid-'50s, often working with some of the best jazz artists of the day. On this session for Bethlehem, he conducts an octet with four trombonists (including Maynard Ferguson, Frank Rosolino, Herbie Harper and Tommy Pederson), plus baritone saxophonist Dick Houlgate, pianist Marty Paich, bassist Red Mitchell and drummer Stan Levey. Most of Garcia's cool arrangements are of standards, while his "I'll Never Forget What's Her Name (The Lo-est)" is a barely disguised reworking of the chord changes to "Fine and Dandy." Obviously, the trombonists are the primary focus of the solos, though Paich, Houlgate and Mitchell get a chance to get in a few licks of their own. Garcia's use of a trombone choir is very effective in the warm treatment of "Lush Life" and a cooking "What Is This Thing Called Love."
https://www.allmusic.com/album/four-horns-and-a-lush-life-mw0000866746

///////

Reseña
por Ken Dryden
Russ Garcia fue un arreglista muy popular a mediados de los 50, trabajando a menudo con algunos de los mejores artistas de jazz de la época. En esta sesión para Bethlehem, dirige un octeto con cuatro trombonistas (entre ellos Maynard Ferguson, Frank Rosolino, Herbie Harper y Tommy Pederson), además del saxofonista barítono Dick Houlgate, el pianista Marty Paich, el bajista Red Mitchell y el batería Stan Levey. La mayoría de los geniales arreglos de García son de estándares, mientras que su "I'll Never Forget What's Her Name (The Lo-est)" es una reelaboración apenas disimulada de los cambios de acordes de "Fine and Dandy". Obviamente, los trombonistas son el foco principal de los solos, aunque Paich, Houlgate y Mitchell tienen la oportunidad de hacer algunos licks por su cuenta. El uso que hace García de un coro de trombones es muy efectivo en el cálido tratamiento de "Lush Life" y en un cocinado "What Is This Thing Called Love".
https://www.allmusic.com/album/four-horns-and-a-lush-life-mw0000866746

The Shelly Manne Quintet And Big Band • Manne-That's Gershwin!

 

Frank Rosolino • Frank Rosolino Quartet

 

Biography
by Ron Wynn
Jazz trombonist Frank Rosolino matched any of the idiom's giants in fluidity, technique, and imagination. He was a comic vocalist, but there was nothing funny about his solos. They were smooth and dazzling, delivered with ease and precision.

Born in Detroit, Rosolino began as a guitarist at 10 and trombone later in his teens. He joined the army at 18, and played with service bands both in America and the Philippines. He played in several big bands after his discharge, among them Bob Chester, Glen Gray, Gene Krupa, Tony Pastor, Herbie Fields, and Georgie Auld. Rosolino began leading his own group in Detroit, then joined Stan Kenton's orchestra in late 1952. He spent his latter career in California, playing with Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars from 1954 to 1960 and with Donn Trenner's band for Steve Allen's television show from 1962 to 1964.

Rosolino did several studio dates in Hollywood, then worked in Europe with Conte Candoli during the '70s. He toured with Benny Carter in 1974, and worked with Supersax and Quincy Jones in Japan, appearing often on recording sessions and film soundtracks. Tragically, Rosolino committed suicide in 1978.
https://www.allmusic.com/artist/frank-rosolino-mn0000792096/biography

///////

Biografía
por Ron Wynn
El trombonista de jazz Frank Rosolino coincidió con cualquiera de los gigantes del idioma en fluidez, técnica e imaginación. Era un vocalista cómico, pero no había nada gracioso en sus solos. Eran suaves y deslumbrantes, entregados con facilidad y precisión.

Nacido en Detroit, Rosolino comenzó como guitarrista a los 10 años y trombón más tarde en su adolescencia. Se unió al ejército a los 18 años y tocó con bandas de servicio en Estados Unidos y Filipinas. Tocó en varias grandes bandas después de su baja, entre ellos Bob Chester, Glen Gray, Gene Krupa, Tony Pastor, Herbie Fields y Georgie Auld. Rosolino comenzó a dirigir su propio grupo en Detroit, luego se unió a la orquesta de Stan Kenton a finales de 1952. Pasó su última carrera en California, tocando con Howard Rumsey’s Lighthouse All-Stars de 1954 a 1960 y con la banda de Donn Trenner para el programa de televisión de Steve Allen de 1962 a 1964.

Rosolino hizo varias fechas de estudio en Hollywood, luego trabajó en Europa con Conte Candoli durante los años 70. Viajó con Benny Carter en 1974, y trabajó con Supersax y Quincy Jones en Japón, apareciendo a menudo en sesiones de grabación y bandas sonoras de películas. Trágicamente, Rosolino se suicidó en 1978.
https://www.allmusic.com/artist/frank-rosolino-mn0000792096/biography

Trombones Unlimited • Grazing in the Grass

 

 

Terry Gibbs And His Exciting Big Band • Explosion!

 

 

 

Artist Biography
Terry Gibbs began his career at the age of 12 after winning the Major Bowes Amateur Hour Contest and subsequently began touring professionally. He spent many years as a drummer and percussionist playing gigs until his affinity for bebop motivated him to turn down a scholarship to Julliard as a timpanist and return to the vibes. Six decades of inspirational vibe playing and technique, Gibbs is recognized as one of the best ever to grace the genre of bop.

After World War II, Gibbs toured with Chubby Jackson, Buddy Rich and Woody Herman. He co-led a sextet with Louie Bellson and Charlie Shavers; and in 1950, he formed his own band for Mel Torme's TV show. In 1951, he joined the Benny Goodman Sextet. Subsequently, he toured with his own band where he won acclaim as “# 1 Vibraphonist in the world,” in both the down beat and Metronome polls from 1950 to 1955. Gibbs also played a role in breaking down the sex barrier in music, using pianists Terry Pollard, who he often featured in vibe duos, and Alice McLeod, who later married John Coltrane.

Settling in Los Angeles in 1957, he formed his big band known as “The Dream Band.” Comprised of Mel Lewis, Joe Maini, Frank Rosolino, Conte Candoli and Richard Kamuca, they were named “Best Band in the World” in the Downbeat '62 Critic's Poll.

Gibbs returned to New York in the early sixties only to move back to LA to take a position as Music Director for the Regis Philbin Show. This gave him the opportunity to compose the music and conduct a sextet. He later served as Music Director/Composer for the ABC TV show, Operation Entertainment and for Steve Allen, building a substantial ASCAP rating. Gibbs also taught Steve Allen to play the vibes.

Gibbs, throughout his illustrious career has enjoyed world acclaim playing with greats such as clarinetist Buddy DeFranco, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Horace Silver, Max Roach, Art Blakely, Elvin Jones and Tito Puente. Co-leading a quintet, he had an unprecedented nomination in four categories of the Playboy Jazz Poll: Best Vibraphonist, Best Quartet, Best Big Band and Best Band Leader. His association with DeFranco has spanned 18 years and is still an invigorating collaboration today.

With 65 albums to his credit, winner of 3 major jazz polls and creator of 300+ compositions (recorded by Gibbs, Nat Cole, Les Brown, Cannonball Adderly, Count Basie, George Shearing, etc.), Gibbs has left an indelible mark in the world of vibes.

///////

Biografía del artista
Terry Gibbs comenzó su carrera a la edad de 12 años después de ganar el Major Bowes Amateur Hour Contest y posteriormente comenzó a hacer giras profesionales. Pasó muchos años como baterista y percusionista tocando en conciertos hasta que su afinidad por el bebop lo motivó a rechazar una beca para Julliard como timbalista y regresar a las vibraciones. Seis décadas de inspiración y técnica, Gibbs es reconocido como uno de los mejores en el género del bop.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Gibbs hizo una gira con Chubby Jackson, Buddy Rich y Woody Herman. Dirigió un sexteto con Louie Bellson y Charlie Shavers; y en 1950, formó su propia banda para el programa de televisión de Mel Torme. En 1951, se unió al Sexteto de Benny Goodman. Posteriormente, realizó una gira con su propia banda en la que fue aclamado como el "Vibrafonista número 1 del mundo", tanto en el compás como en las encuestas del Metrónomo de 1950 a 1955. Gibbs también jugó un papel en romper la barrera del sexo en la música, usando a los pianistas Terry Pollard, a quienes a menudo presentaba en dúos vibrantes, y a Alice McLeod, quien más tarde se casó con John Coltrane.

Se estableció en Los Ángeles en 1957 y formó su gran banda conocida como "The Dream Band". Compuesto por Mel Lewis, Joe Maini, Frank Rosolino, Conte Candoli y Richard Kamuca, fueron nombrados "Mejor Banda del Mundo" en el Downbeat '62 Critic's Poll.

Gibbs regresó a Nueva York a principios de los años sesenta sólo para regresar a Los Ángeles y tomar un puesto como Director Musical para el Show de Regis Philbin. Esto le dio la oportunidad de componer la música y dirigir un sexteto. Más tarde se desempeñó como Director Musical/Compositor para el programa de televisión ABC, Operation Entertainment y para Steve Allen, obteniendo una calificación sustancial de ASCAP. Gibbs también enseñó a Steve Allen a tocar las vibraciones.

Gibbs, a lo largo de su ilustre carrera ha disfrutado de la aclamación mundial tocando con grandes figuras como el clarinetista Buddy DeFranco, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Horace Silver, Max Roach, Art Blakely, Elvin Jones y Tito Puente. Co-liderando un quinteto, tuvo una nominación sin precedentes en cuatro categorías de la Playboy Jazz Poll: Mejor Vibrafonista, Mejor Cuarteto, Mejor Big Band y Mejor Líder de Banda. Su asociación con DeFranco ha durado 18 años y sigue siendo una colaboración vigorizante en la actualidad.

Con 65 álbumes en su haber, ganador de 3 importantes encuestas de jazz y creador de más de 300 composiciones (grabadas por Gibbs, Nat Cole, Les Brown, Cannonball Adderly, Count Basie, George Shearing, etc.), Gibbs ha dejado una huella indeleble en el mundo de las vibraciones.

 

 

 
www.terrygibbs.net ...

 

Bob Cooper • Coop!

 

Review
by Scott Yanow
Tenor saxophonist Bob Cooper's only Contemporary album (reissued on CD in the Original Jazz Classics series) is a near-classic and one of his finest recordings. Cooper, along with trombonist Frank Rosolino, vibraphonist Victor Feldman, pianist Lou Levy, bassist Max Bennett, and drummer Mel Lewis, performs colorful versions of five standards (best are "Confirmation," "Easy Living," and "Somebody Loves Me") that show off his attractive tone and ability to swing at any tempo. Half of the release consists of his "Jazz Theme and Four Variations," a very interesting work that holds together quite well throughout 23-and-a-half minutes and five movements. Three trumpeters (including Conte Candoli) and one trombone are added to make the ensembles richer. This set is an underrated gem.
https://www.allmusic.com/album/coop%21-the-music-of-bob-cooper-mw0000202936

///////

Reseña
por Scott Yanow
El único álbum Contemporary del saxofonista tenor Bob Cooper (reeditado en CD en la serie Original Jazz Classics) es casi un clásico y una de sus mejores grabaciones. Cooper, junto con el trombonista Frank Rosolino, el vibrafonista Victor Feldman, el pianista Lou Levy, el bajista Max Bennett y el batería Mel Lewis, interpreta coloridas versiones de cinco estándares (los mejores son "Confirmation", "Easy Living" y "Somebody Loves Me") que muestran su atractivo tono y su habilidad para el swing a cualquier tempo. La mitad del disco consiste en su "Jazz Theme and Four Variations", una obra muy interesante que se mantiene bastante bien a lo largo de 23 minutos y medio y cinco movimientos. Se añaden tres trompetistas (incluido Conte Candoli) y un trombón para enriquecer el conjunto. Este conjunto es una joya infravalorada.
https://www.allmusic.com/album/coop%21-the-music-of-bob-cooper-mw0000202936

Lalo Schifrin • Bullitt - Score

 

FSM presents one of the most quintessentially “cool” soundtracks ever: Lalo Schifrin’s score for the classic urban crime drama, Bullitt (1968). The film stars Steve McQueen as San Francisco police detective Frank Bullitt, caught up with protecting a Chicago mobster from vengeful Mafia hit-men while dealing with an ambitious, sleazy politician portrayed by Robert Vaughn. With its riveting story, realistic settings, taut screenplay and quasi-documentary cinematography, it brought a new depth to McQueen’s portrayal of tough characters (this one on the right side of the law).
An essential part of the film’s success was its economical, nervous jazz score; the Argentinean-born, classically trained Schifrin was then at the height of the fame generated by his iconic Mission: Impossible television theme. The film is judiciously spotted, with relatively little “action” music (the famous car chase is unscored) but several atmospheric and evocative source cues. Schifrin himself described it as “very simple” and “completely based on the blues.”
Shortly after recording the film soundtrack, Schifrin led a separate recording for a Warner Bros. Records album. Jazz greats featured in those sessions include Bud Shank (flute), Ray Brown (bass), Howard Roberts (guitar) and Larry Bunker (drums). FSM presents the first U.S. release of that album on this CD, newly mixed by Mike Matessino from the original 1" eight-track master tape.
The CD also includes the never-before-released complete film soundtrack itself, recorded at the Warner Bros. scoring stage in Burbank by legendary engineer Dan Wallin. These tracks have been newly mixed and mastered from ½” three-track tape stored at the studio. While some score passages and cues are virtually identical to the record album, many of the film soundtrack’s softer, moodier cues were not chosen for the LP—or had certain passages rewritten. And some were dropped from the film itself, so have never been heard before by the public—until now.
The booklet includes a perceptive, in-depth essay on the film and its score by John Bender and detailed track-by-track commentary by Alexander Kaplan. Bullitt is an essential purchase for any “cool” soundtrack collection (or collector), and adds one more title to FSM’s expanding catalog of scores by a living legend of film music.
https://www.filmscoremonthly.com/cds/detail.cfm/CDID/439/Bullitt/

///////

FSM presenta una de las bandas sonoras más «cool» de la historia: La banda sonora de Lalo Schifrin para el clásico del crimen urbano Bullitt (1968). La película está protagonizada por Steve McQueen en el papel del detective de la policía de San Francisco Frank Bullitt, que se ve obligado a proteger a un mafioso de Chicago de los vengativos asesinos a sueldo de la Mafia, al tiempo que trata con un ambicioso y sórdido político interpretado por Robert Vaughn. Con una historia fascinante, escenarios realistas, un guión tenso y una fotografía casi documental, la película aportó una nueva profundidad al retrato de McQueen de personajes duros (en este caso en el lado correcto de la ley).
Una parte esencial del éxito de la película fue su económica y nerviosa partitura de jazz; Schifrin, nacido en Argentina y de formación clásica, estaba entonces en la cima de la fama generada por su icónico tema para televisión de Mission: Imposible. La película cuenta con una música de acción relativamente escasa (la famosa persecución en coche no tiene banda sonora), pero sí con varios temas atmosféricos y evocadores. El propio Schifrin la describió como «muy sencilla» y «completamente basada en el blues».
Poco después de grabar la banda sonora de la película, Schifrin dirigió otra grabación para un álbum de Warner Bros. Records. Entre los grandes del jazz que participaron en esas sesiones figuran Bud Shank (flauta), Ray Brown (bajo), Howard Roberts (guitarra) y Larry Bunker (batería). FSM presenta la primera edición estadounidense de ese álbum en este CD, recién mezclado por Mike Matessino a partir de la cinta original de ocho pistas de 1».
El CD también incluye la inédita banda sonora completa de la película, grabada en el estudio de grabación de Warner Bros. en Burbank por el legendario ingeniero Dan Wallin. Estas pistas se han mezclado y masterizado a partir de una cinta de tres pistas de ½» almacenada en el estudio. Aunque algunos pasajes de la partitura son prácticamente idénticos a los del disco, muchos de los pasajes más suaves y melancólicos de la banda sonora de la película no se eligieron para el LP, o algunos pasajes se reescribieron. Y algunos se eliminaron de la propia película, por lo que nunca habían sido escuchados por el público, hasta ahora.
El libreto incluye un perspicaz y profundo ensayo sobre la película y su partitura, escrito por John Bender, y un detallado comentario pista por pista, escrito por Alexander Kaplan. Bullitt es una compra esencial para cualquier colección (o coleccionista) de bandas sonoras «cool», y añade un título más al creciente catálogo de FSM de partituras de una leyenda viva de la música de cine.
https://www.filmscoremonthly.com/cds/detail.cfm/CDID/439/Bullitt/

schifrin.com ...

Buddy Bregman & His Orchestra • Swinging Kicks

 Review
by Scott Yanow
Best known as an arranger for singers and for commercial sessions, Buddy Bregman led one full-fledged jazz instrumental date, Swinging Kicks. Because many of the selections are brief (seven are under two minutes) and due to the intriguing titles, this seems a bit like a soundtrack to a film that was never made. However, few of the tracks seem truncated and there are some excellent solos along the way, particularly from Ben Webster, Conte Candoli, Herb Geller, Bud Shank, and Paul Smith. The personnel changes from cut to cut, ranging from a 19-piece big band with screaming trumpet playing from Maynard Ferguson and Conrad Gozzo to various combos, a Ben Webster/André Previn duet on "Kicks Is in Love," and a rapid workout for Paul Smith on "Go Kicks." Bregman uses some of the top West Coast jazz players and various musicians who were on Verve at the time, with Stan Getz making a guest appearance on "Honey Chile." Recommended.
https://www.allmusic.com/album/swinging-kicks-mw0000602261

///////

Reseña
por Scott Yanow
Más conocido como arreglista para cantantes y para sesiones comerciales, Buddy Bregman dirigió una cita instrumental de jazz en toda regla, Swinging Kicks. Debido a que muchas de las selecciones son breves (siete son de menos de dos minutos) y debido a los intrigantes títulos, esto parece un poco como una banda sonora de una película que nunca se hizo. Sin embargo, pocas de las pistas parecen truncadas y hay algunos excelentes solos a lo largo del camino, particularmente de Ben Webster, Conte Candoli, Herb Geller, Bud Shank y Paul Smith. El personal cambia de un corte a otro, yendo desde una big band de 19 piezas con trompetas chillonas de Maynard Ferguson y Conrad Gozzo a varios combos, un dúo Ben Webster/André Previn en "Kicks Is in Love", y un rápido entrenamiento para Paul Smith en "Go Kicks". Bregman utiliza algunos de los mejores músicos de jazz de la Costa Oeste y varios músicos que estaban en Verve en ese momento, con Stan Getz haciendo una aparición como invitado en "Honey Chile". Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/swinging-kicks-mw0000602261

Zoot Sims & Frank Rosolino • Zoot Sims & Frank Rosolino

 

Review by Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/zoot-sims-in-paris-mw0000200640This reissue CD from Vogue (made available domestically through BMG) has all of the music that the constantly swinging tenor Zoot Sims recorded at two Paris sessions. He is heard on seven titles (plus six alternate takes) in 1950 with a quiet but firm quartet comprised of pianist Gerald Wiggins, bassist Pierre Michelot and drummer Kenny Clarke; "Night and Day," "I Understand" and "Zoot and Zoot" are among the highpoints. The final six selections feature Sims with trombonist Frank Rosolino, pianist Henri Renaud, guitarist Jimmy Gourley, bassist Don Bagley and drummer Jean-Louis Viale for some cool bop in the same basic style as the earlier set.
https://www.allmusic.com/album/zoot-sims-in-paris-mw0000200640

///////

Reseña de Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/zoot-sims-in-paris-mw0000200640This reedición del CD de Vogue (disponible en el país a través de BMG) tiene toda la música que el tenor Zoot Sims, en constante movimiento, grabó en dos sesiones en París. Se le escucha en siete títulos (más seis tomas alternas) en 1950 con un cuarteto tranquilo pero firme compuesto por el pianista Gerald Wiggins, el bajista Pierre Michelot y el baterista Kenny Clarke; "Night and Day", "I Understand" y "Zoot and Zoot" se encuentran entre los puntos culminantes. Las seis últimas selecciones incluyen a Sims con el trombonista Frank Rosolino, el pianista Henri Renaud, el guitarrista Jimmy Gourley, el bajista Don Bagley y el baterista Jean-Louis Viale para un poco de bop fresco en el mismo estilo básico del set anterior.
https://www.allmusic.com/album/zoot-sims-in-paris-mw0000200640

 

Conte Candoli & Lee Morgan • Double Or Nothin'

 

"Quand Lee Morgan, Wynton Kelly et Benny Golson vont faire un tour à Hollywood, ils rencontrent qui? Le fleuron de la West Coast: Red Mitchell, Stan Levey, Bob Cooper et Conte Candoli. Ce disque prouve que les classifications en jazz ne recouvrent pas la réalité. Musiciens dit Westcoast et ceux dit hardbop jouent à l'unisson comme sur "Moto" ou "Wildwood". Un vrai regal."
Philippe A. -All Music Guide
https://www.freshsoundrecords.com/conte-candoli-lee-morgan-albums/2427-double-or-nothin-.html


Rare recordings produced by Howard Rumsey with his incredible Howard Rumsey's Lighthouse All Stars and Charles Persip's Jazz Statesmen.
"There was only a short week in which to record, so we made a date for a double session at Liberty's fabulous new studios... Lee Morgan and Frank Rosolino flipped into some original dance steps at the sound of the playbacks. It was a happy date."
-Howard Rumsey

///////

"Cuando Lee Morgan, Wynton Kelly y Benny Golson hacen un viaje a Hollywood, ¿a quién conocen? La flor y nata de la Costa Oeste: Red Mitchell, Stan Levey, Bob Cooper y Conte Candoli. Este registro demuestra que las clasificaciones en el jazz no cubren la realidad. Los músicos de Westcoast y hardbop tocan al unísono como en "Moto" o "Wildwood". Un verdadero placer".
Philippe A. -All Music Guide
https://www.freshsoundrecords.com/conte-candoli-lee-morgan-albums/2427-double-or-nothin-.html


Raras grabaciones producidas por Howard Rumsey con sus increíbles Howard Rumsey's Lighthouse All Stars y Charles Persip's Jazz Statesmen.
"Sólo había una semana corta para grabar, así que concertamos una cita para una sesión doble en los fabulosos estudios nuevos de Liberty... Lee Morgan y Frank Rosolino se lanzaron a unos originales pasos de baile al son de los playbacks. Fue una cita feliz".
-Howard Rumsey


www.freshsoundrecords.com ...

 

Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars • Music For Lighthousekeeping

 

Biography
by Scott Yanow
Although a good enough bassist to play with Stan Kenton's big band, Howard Rumsey's main importance was as the organizer of the Lighthouse All-Stars and manager of the Lighthouse. Originally a drummer, Rumsey switched to bass while at college. He played with Vido Musso in the late '30s, and when Stan Kenton formed his first band in 1941, Rumsey became its bassist. A year later he started freelancing in the Los Angeles area. In 1949 Rumsey brought jazz into the Lighthouse in Hermosa Beach, CA. Within a few years the jam sessions featured some of the top jazz-oriented studio players in the area and the bassist was heading "the Lighthouse All-Stars," which recorded frequently for Contemporary in the 1950s, starring such players as Shorty Rogers, Jimmy Giuffre, Bob Cooper, Bud Shank, and Bill Perkins. In the 1960s, Rumsey quit playing to devote full-time to running the Lighthouse and, after he sold the establishment, for a time he ran the nearby club Concerts by the Sea.
https://www.allmusic.com/artist/howard-rumsey-mn0000277201/biography

///////

Biografía
por Scott Yanow
Aunque era un bajista lo suficientemente bueno como para tocar con la big band de Stan Kenton, la principal importancia de Howard Rumsey fue la de organizador de los Lighthouse All-Stars y gerente del Lighthouse. Originalmente un baterista, Rumsey se cambió al bajo mientras estaba en la universidad. Tocó con Vido Musso a finales de los años 30, y cuando Stan Kenton formó su primera banda en 1941, Rumsey se convirtió en su bajista. Un año más tarde empezó a trabajar por libre en la zona de Los Ángeles. En 1949 Rumsey llevó el jazz al Lighthouse de Hermosa Beach, California. En pocos años, las sesiones de improvisación contaban con algunos de los mejores músicos de estudio orientados al jazz de la zona y el bajista dirigía "los Lighthouse All-Stars", que grabaron con frecuencia para Contemporary en la década de 1950, con músicos como Shorty Rogers, Jimmy Giuffre, Bob Cooper, Bud Shank y Bill Perkins. En la década de 1960, Rumsey dejó de tocar para dedicarse a tiempo completo a dirigir el Lighthouse y, tras vender el establecimiento, durante un tiempo dirigió el club cercano Concerts by the Sea.
https://www.allmusic.com/artist/howard-rumsey-mn0000277201/biography

Benny Carter • Jazz Giant

 

 

Review
by Scott Yanow
Benny Carter had already been a major jazz musician for nearly 30 years when he recorded this particularly strong septet session for Contemporary. With notable contributions from tenor saxophonist Ben Webster, trombonist Frank Rosolino and guitarist Barney Kessel, Carter (who plays a bit of trumpet on "How Can You Lose") is in superb form on a set of five standards and two of his originals. This timeless music is beyond the simple categories of "swing" or "bop" and should just be called "classic."
https://www.allmusic.com/album/jazz-giant-mw0000187817

///////

Reseña
por Scott Yanow
Benny Carter ya era un músico de jazz importante desde hacía casi 30 años cuando grabó esta sesión de septeto particularmente fuerte para Contemporary. Con notables contribuciones del saxofonista tenor Ben Webster, el trombonista Frank Rosolino y el guitarrista Barney Kessel, Carter (que toca un poco la trompeta en "How Can You Lose") está en magnífica forma en un conjunto de cinco estándares y dos de sus originales. Esta música atemporal está más allá de las simples categorías de "swing" o "bop" y debería llamarse simplemente "clásica".
https://www.allmusic.com/album/jazz-giant-mw0000187817

Howard Rumsey's Lighthouse All-Stars • In The Solo Spotlight !

 

Shorty Rogers • An Invisible Orchard

 

 

Biography by Scott Yanow
A fine middle-register trumpeter whose style seemed to practically define "cool jazz," Shorty Rogers was actually more significant for his arranging, both in jazz and in the movie studios. After gaining early experience with Will Bradley and Red Norvo and serving in the military, Rogers rose to fame as a member of Woody Herman's First and Second Herds (1945-1946 and 1947-1949), and somehow he managed to bring some swing to the Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), clearly enjoying writing for the stratospheric flights of Maynard Ferguson. After that association ran its course, Rogers settled in Los Angeles where he led his Giants (which ranged from a quintet to a nonet and a big band) on a series of rewarding West Coast jazz-styled recordings and wrote for the studios, helping greatly to bring jazz into the movies; his scores for The Wild One and The Man With the Golden Arm are particularly memorable. After 1962, Rogers stuck almost exclusively to writing for television and films, but in 1982 he began a comeback in jazz. Rogers reorganized and headed the Lighthouse All-Stars and, although his own playing was not quite as strong as previously, he remained a welcome presence both in clubs and recordings.
https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646/biography

///////

Biografía de Scott Yanow
Un fino trompetista de registro medio cuyo estilo parecía definir prácticamente el "cool jazz", Shorty Rogers fue en realidad más significativo para sus arreglos, tanto en el jazz como en los estudios de cine. Después de adquirir una experiencia temprana con Will Bradley y Red Norvo y de servir en el ejército, Rogers saltó a la fama como miembro de la Primera y Segunda Manada de Woody Herman (1945-1946 y 1947-1949), y de alguna manera se las arregló para aportar algo de swing a la Stan Kenton Innovations Orchestra (1950-1951), disfrutando claramente de la escritura para los vuelos estratosféricos de Maynard Ferguson. Después de que esa asociación siguiera su curso, Rogers se estableció en Los Ángeles, donde dirigió a sus Gigantes (que iban desde un quinteto hasta un noneto y una big band) en una serie de gratificantes grabaciones de estilo jazzístico de la costa oeste y escribió para los estudios, ayudando en gran medida a llevar el jazz al cine; sus partituras para The Wild One y The Man With the Golden Arm son particularmente memorables. Después de 1962, Rogers se dedicó casi exclusivamente a escribir para la televisión y el cine, pero en 1982 comenzó un regreso al jazz. Rogers se reorganizó y dirigió el Lighthouse All-Stars y, aunque su forma de tocar no era tan fuerte como antes, siguió siendo una presencia bienvenida tanto en los clubes como en las grabaciones.
https://www.allmusic.com/artist/shorty-rogers-mn0000028646/biography

 

The Lennie Niehaus Octet • Zounds!

 

Niehaus Biography
by Matt Collar
With his cool tone and sophisticated arranging skills, alto saxophonist Lennie Niehaus bridged the worlds of small group jazz, big band arranging, and film scores. Initially emerging as the lead alto soloist in Stan Kenton's band, Niehaus would become one of Kenton's primary staff arrangers, working with him throughout the 1950s and '60s. He also garnered respect for his solo work, collected on albums like Lennie Niehaus, Vol. 1: The Quintets and Lennie Niehaus, Vol. 5: The Sextet. After transitioning into film work, he built a lasting partnership with former Army buddy Clint Eastwood, scoring a bevy of the actor/director's films, including the 1988 Charlie Parker biopic Bird, 1992's Unforgiven, and 2002's Blood Work. Prior to his passing in 2020, Niehaus had returned to his small group jazz roots, releasing albums like 2005's Sunday Afternoons at The Lighthouse.

Born in 1929 in St. Louis, Missouri, Niehaus grew up in a musical family with a Russian immigrant father who played violin. He started taking violin lessons at age seven and switched to bassoon before settling on the alto saxophone and clarinet at age 13. By that time, the family had moved to Los Angeles, where Niehaus' father found work in the movie studio orchestras. After high school, he pursued his music degree at Los Angeles City College, eventually graduating from Los Angeles State College in 1951. Work followed, including playing alto and arranging for Phil Carreón and His Orchestra. He soon moved on to the Stan Kenton Orchestra, touring with the band for six months before being drafted into the Army. Following his discharge in 1954, Niehaus rejoined the Kenton band, composing, arranging, and performing as a featured soloist for five years, during which time he contributed to albums like Kenton in Hi-Fi, Kenton with Voices, and Back to Balboa.

It was also during the '50s that Niehaus established himself as a solo performer, leading his various groups on numerous sessions for the Contemporary label, later collected on albums like Lennie Niehaus, Vol. 1: The Quintets and Lennie Niehaus, Vol. 2: Zounds! A regular at clubs like The Lighthouse, he also recorded with other cool jazz stars, including Jack Sheldon, Shorty Rogers, Stan Getz, and more.

By 1959, Niehaus had decided to step down as a soloist with Kenton to focus on his work as a studio composer. However, he continued his association with Kenton as a staff arranger. In 1962, he started working alongside film and TV composer Jerry Fielding, supplying orchestrations for a bevy of television shows, but he was most well known for his work on Hogan's Heroes. He also orchestrated for film, contributing to such well-known productions as Straw Dogs, Bad News Bears, and Demon Seed, among others.

It was while working as an orchestrator that Niehaus developed a close working relationship with actor/director Clint Eastwood, whom he had initially met while they were in the Army and bonded over their love of jazz. After contributing uncredited orchestrations to Eastwood films like Tightrope, The Enforcer, and The Outlaw Josey Wales, Niehaus became Eastwood's favored composer. He would go on to supply the scores for 14 of Eastwood's projects, including 1985's Palerider, 1986's Heartbreak Ridge, and most famously, 1988's Bird, an acclaimed jazz biopic about musician Charlie Parker starring Forest Whitaker, for which Niehaus earned a BAFTA Award nomination. Away from Eastwood, Niehaus again worked with Whitaker on the similarly jazz-related TV movie Lush Life, taking home a Primetime Emmy Award for Outstanding Music Composition for a Miniseries, Movie, or a Special.

The Bridges of Madison County [Original Soundtrack]
Niehaus would continue his close association with Eastwood for the next 20 years, scoring films like 1992's Unforgiven, 1995's Bridges of Madison County, 1999's True Crime, and 2002's Blood Work. He also worked as conductor and orchestrator for Eastwood on 2003's Mystic River, 2004's Million Dollar Baby, 2008's Gran Torino, and others.

In his later years, Niehaus returned to playing music, often leading his own small groups around Los Angeles. He also released several albums, joining fellow West Coast luminaries like pianist Frank Strazzeri and saxophonist Bill Perkins on 1989's Patterns, 1997's Seems Like Old times, and 2002's Live at Capozzoli's. Another live album, Sunday Afternoons at The Lighthouse arrived in 2005 and showcased many of the saxophonist's appearances at the storied Hermosa Beach club. Niehaus died on May 28, 2020, in Redlands, California. He was 90 years old.
https://www.allmusic.com/artist/lennie-niehaus-mn0000199687/biography

///////

Biografía de Niehaus
por Matt Collar
Con su tono fresco y sus sofisticadas habilidades de arreglo, el saxofonista alto Lennie Niehaus tendió un puente entre los mundos del jazz en pequeños grupos, los arreglos para grandes bandas y las partituras cinematográficas. Inicialmente surgió como solista principal de la banda de Stan Kenton, Niehaus se convertiría en uno de los principales arreglistas de Kenton, trabajando con él durante las décadas de 1950 y 1960. También se ganó el respeto por su trabajo en solitario, recogido en álbumes como Lennie Niehaus, Vol. 1: The Quintets y Lennie Niehaus, Vol. 5: The Sextet. Después de la transición al trabajo cinematográfico, estableció una asociación duradera con su antiguo compañero del ejército Clint Eastwood, marcando un grupo de películas del actor/director, incluyendo la película biográfica de Charlie Parker de 1988, Unforgiven de 1992, y Blood Work de 2002. Antes de su fallecimiento en 2020, Niehaus había vuelto a sus raíces jazzísticas de grupo pequeño, publicando álbumes como Sunday Afternoons at The Lighthouse, de 2005.

Nacido en 1929 en San Luis, Missouri, Niehaus creció en una familia musical con un padre inmigrante ruso que tocaba el violín. Empezó a tomar clases de violín a los siete años y pasó a tocar el fagot antes de decantarse por el saxofón alto y el clarinete a los 13 años. Para entonces, la familia se había trasladado a Los Ángeles, donde el padre de Niehaus encontró trabajo en las orquestas de los estudios de cine. Después del instituto, estudió música en el City College de Los Ángeles y se graduó en el State College de Los Ángeles en 1951. A continuación, trabajó, entre otras cosas, como contralto y arreglista para Phil Carreón y su orquesta. Pronto pasó a la Stan Kenton Orchestra, con la que estuvo de gira durante seis meses antes de ser reclutado por el ejército. Tras su licenciamiento en 1954, Niehaus se reincorporó a la banda de Kenton, componiendo, arreglando y actuando como solista durante cinco años, durante los cuales contribuyó a álbumes como Kenton in Hi-Fi, Kenton with Voices y Back to Balboa.

Fue también durante los años 50 cuando Niehaus se estableció como intérprete en solitario, liderando sus diversos grupos en numerosas sesiones para el sello Contemporary, recogidas posteriormente en álbumes como Lennie Niehaus, Vol. 1: The Quintets y Lennie Niehaus, Vol. 2: Zounds! Habitual de clubes como The Lighthouse, también grabó con otras estrellas del cool jazz, como Jack Sheldon, Shorty Rogers y Stan Getz, entre otros.

En 1959, Niehaus decidió dejar de ser solista con Kenton para centrarse en su trabajo como compositor de estudio. Sin embargo, continuó su asociación con Kenton como arreglista de plantilla. En 1962, empezó a trabajar con el compositor de cine y televisión Jerry Fielding, proporcionando orquestaciones para un montón de programas de televisión, pero fue más conocido por su trabajo en Hogan's Heroes. También orquestó para el cine, contribuyendo a producciones tan conocidas como Straw Dogs, Bad News Bears y Demon Seed, entre otras.

Mientras trabajaba como orquestador, Niehaus entabló una estrecha relación de trabajo con el actor y director Clint Eastwood, al que conoció cuando estaban en el ejército y se unieron por su amor al jazz. Tras contribuir con orquestaciones no acreditadas a películas de Eastwood como Tightrope, The Enforcer y The Outlaw Josey Wales, Niehaus se convirtió en el compositor favorito de Eastwood. A partir de ese momento, se encargó de las partituras de 14 proyectos de Eastwood, como Palerider (1985), Heartbreak Ridge (1986) y, sobre todo, Bird (1988), una aclamada película biográfica sobre el músico Charlie Parker protagonizada por Forest Whitaker, por la que Niehaus obtuvo una nominación al premio BAFTA. Lejos de Eastwood, Niehaus volvió a trabajar con Whitaker en el telefilme Lush Life, también relacionado con el jazz, y se llevó un premio Primetime Emmy a la mejor composición musical para una miniserie, película o especial.

Los puentes del condado de Madison [Banda sonora original]
Niehaus siguió colaborando estrechamente con Eastwood durante los 20 años siguientes, componiendo películas como Sin perdón (1992), Los puentes de Madison (1995), True Crime (1999) y Blood Work (2002). También trabajó como director y orquestador para Eastwood en Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004) y Gran Torino (2008), entre otras.

En sus últimos años, Niehaus volvió a tocar música, a menudo dirigiendo sus propios grupos pequeños en Los Ángeles. También publicó varios álbumes, uniéndose a otras luminarias de la Costa Oeste como el pianista Frank Strazzeri y el saxofonista Bill Perkins en Patterns, de 1989, Seems Like Old times, de 1997, y Live at Capozzoli's, de 2002. Otro álbum en directo, Sunday Afternoons at The Lighthouse, llegó en 2005 y mostraba muchas de las apariciones del saxofonista en el famoso club de Hermosa Beach. Niehaus murió el 28 de mayo de 2020 en Redlands, California. Tenía 90 años.
https://www.allmusic.com/artist/lennie-niehaus-mn0000199687/biography

Pete Rugolo And His Orchestra • Music For Hi-Fi Bugs

 

Biography
by Richard S. Ginell
Pete Rugolo was one of the most prolific arrangers for Stan Kenton's 1945-1949 orchestras, following through on the leader's swashbuckling example to help shape the band's exciting, blasting style. Brought to the U.S. at age five, Rugolo grew up in Santa Rosa, California, and became a student of Darius Milhaud at Mills College in Oakland. After a stint with the Army, he submitted an arrangement to Kenton and then settled in with the band, turning out a series of "Artistry in..." compositions ("Bass," "Percussion," "Bolero," "Boogie"), as well as some of the earliest, most startling pieces for the Innovations in Modern Music Orchestra. However, Rugolo soon gravitated toward pop, landing a position as music director of Capitol Records in 1949, where he cranked out arrangements -- some of which bordered on easy listening treacle -- for June Christy, Nat King Cole, Harry Belafonte (in his brief pop period), the Four Freshmen, and others. In 1957, he became music director of Mercury Records, making a number of albums for that label, and briefly led a big band in 1954. From the '50s onward, Rugolo moved into Hollywood, scoring TV series like The Fugitive and Run for Your Life, and several films. Consequently, his importance to jazz lessened as the years passed.
https://www.allmusic.com/artist/pete-rugolo-mn0000321194/biography

///////

Pietro «Pete» Rugolo (1915-2011), nacido en San Piero Patti (Sicilia), el 25 de diciembre de 1915, fue un compositor, arreglista y productor de discos de jazz estadounidense, y uno de los más populares directores de orquestas en la era de las grandes bandas de jazz norteamericanas.

Su familia emigró a California siendo el un niño y allí, en los años treinta del pasado siglo, ingresó en el “San Francisco College” para estudiar composición con Darius Milhaud. Después de cumplir el servicio militar, Rugolo se afianzó definitivamente en el mundo de la música, cuando se unió a la, por entonces, formidable orquesta de Stan Kenton, en la que dejó escritos algunos de sus mejores arreglos y de sus mejores composiciones.

Rugolo ejerció una influencia crítica en la imagen progresiva de la banda, que sonaba como ninguna otra en los EE.UU. Algunos críticos asemejan la relación entre Rugolo y Kenton, como la que hubo, décadas atrás entre Duke Ellington y su arreglista, Billy Strayhorn. En 1949, se convirtió en director musical de Capitol Records, donde realizó sesiones de grabación con grandes estrellas del jazz como Miles Davis, Charlie Parker, Nat King Cole y Peggy Lee.

Continuó colaborando a tiempo parcial con Kenton y también hizo arreglos para la cantante estrella de la orquesta de Kenton, la maravillosa, June Christy. La década de 1950 fue un período de mucho trabajo para Rugolo, pues dispuso brevemente de su propia banda en 1954, con Patti Page como su vocalista. También mantuvo afiliaciones contractuales con Columbia Records y Mercury Records, escribiendo, entre otros, para Sarah Vaughan.

Para entonces, se había diversificado en géneros musicales distintos del jazz. Con la productora Metro Goldwyn Mayer, Rugolo trabajó como compositor y arreglista en varias comedias musicales como “Kiss Me Kate”, o “Easy to Love”, ambas en 1953. También trabajó de forma prolífica en la televisión, escribiendo la música de series tan populares como “The Fugitive”, (1963-1967) y “The Outsider”, (1968-1969). Rugolo se retiró en 1985, recibiendo el premio The Golden Score de la Sociedad Americana de arreglistas y compositores.

Uno de los álbumes más vendidos y celebrados de Pete Rugolo, fue el álbum «The Four Freshmen and Five Trombones», un disco que impulsó al famoso grupo al reconocimiento definitivo en los círculos del jazz. Rugolo murió a la edad de 95 años el 16 de octubre de 2011 en Sherman Oaks, California.
https://apoloybaco.com/jazz/pete-rugolo/