Odell Brown • Free Delivery

Bio:

Odell Elliott Brown Jr. (February 2, 1940 – May 3, 2011) was an American jazz organist. He was mainly active in the late 1960s and early 1970s, playing in a soul jazz and jazz funk vein, initially appearing with his backing band as Odell Brown & the Organ-Izers. Brown was born in Louisville, Kentucky. He started playing the piano aged 4 as his mother was a part-time piano teacher. His father bought him a baby grand piano. After playing in various junior & senior high school bands, he went to Nashville, Tennessee & met musicians attending Tennessee State A&M. Wishing to enroll himself, his plans were soon curtailed when he was drafted into the army where he joined the Army Post Band. During this period, he gained valuable insight into arranging & orchestrating. After leaving the army, he moved to Chicago where he was re-united with some of the musicians from his Nashville days. They formed a band becoming known as "The Organ-Izers" & within two years, were signed to Chess Records' jazz subsidiary label, Cadet. The band's personnel was O'Dell Brown, organ, Artee "Duke" Payne and Tommy Purvis, tenor saxophones, Curtis Prince, drums.[1] Their debut album was titled 'Raising The Roof' in 1966 followed by their most popular record, 1967's Mellow Yellow, which reached #173 on the Billboard 200. Third album, 'Ducky' was the last to feature the band. While at Chess, Brown was not only signed to the label but also worked as a staff musician playing & arranging for a wealth of other artists & gaining great insight & expertise into other styles of music. After the death of Leonard Chess in 1969, Brown decided not to re-sign with the label & during the 1970s, pursued a solo career as an independent arranger, producer & studio musician. During this period, he worked with artists such as Minnie Ripperton (with whom he arranged and conducted an album on Epic records), Curtis Mayfield, Johnny Nash & Marvin Gaye (both live & in the studio). Brown also co-wrote Marvin Gaye's hit single "Sexual Healing" winning two Grammy awards. He went on to receive further awards recognising his many talents, later in life. Brown had been living in Richfield, Minnesota since the early 1990s, to stabilize his professional and personal life. He died there on May 3, 2011.

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Biografía:

Odell Elliott Brown Jr. (2 de febrero de 1940 - 3 de mayo de 2011) era un organista de jazz americano. Estuvo activo principalmente a finales de los años 60 y principios de los 70, tocando en una vena de soul jazz y funk jazz, apareciendo inicialmente con su banda de acompañamiento como Odell Brown & the Organ-Izers. Brown nació en Louisville, Kentucky. Empezó a tocar el piano a los 4 años, ya que su madre era profesora de piano a tiempo parcial. Su padre le compró un piano de cola para bebés. Después de tocar en varias bandas de secundaria y preparatoria, fue a Nashville, Tennessee y conoció a músicos que asistían a la Tennessee State A&M. Deseando inscribirse, sus planes pronto se vieron reducidos cuando fue reclutado en el ejército donde se unió a la Army Post Band. Durante este período, adquirió una valiosa experiencia en arreglos y orquestación. Después de dejar el ejército, se mudó a Chicago donde se reunió con algunos de los músicos de sus días en Nashville. Formaron una banda conocida como "The Organ-Izers" y en dos años firmaron con el sello subsidiario de jazz de Chess Records, Cadet. El personal de la banda era O'Dell Brown, órgano, Artee "Duke" Payne y Tommy Purvis, saxofones tenores, Curtis Prince, batería[1] Su álbum de debut se tituló 'Raising The Roof' en 1966, seguido de su disco más popular, Mellow Yellow de 1967, que alcanzó el número 173 en el Billboard 200. El tercer álbum, 'Ducky' fue el último en el que se presentó la banda. Durante su estancia en Chess, Brown no sólo firmó con la discográfica, sino que también trabajó como músico de plantilla tocando y arreglando para una gran cantidad de otros artistas y adquiriendo una gran visión y experiencia en otros estilos de música. Tras la muerte de Leonard Chess en 1969, Brown decidió no volver a firmar con el sello y durante los años 70, siguió una carrera en solitario como arreglista independiente, productor y músico de estudio. Durante este período, trabajó con artistas como Minnie Ripperton (con quien arregló y dirigió un álbum en Epic records), Curtis Mayfield, Johnny Nash y Marvin Gaye (ambos en vivo y en el estudio). Brown también co-escribió el exitoso single de Marvin Gaye "Sexual Healing" que ganó dos premios Grammy. Más tarde, recibió otros premios en reconocimiento de sus muchos talentos. Brown vivía en Richfield, Minnesota, desde principios de los 90, para estabilizar su vida profesional y personal. Murió allí el 3 de mayo de 2011.

The Sugarman Three • Soul Donkey

Review

The Sugarman Three's second album for Desco Records, Soul Donkey isn't markedly different from its predecessor, delivering catchy, infectious, funky soul-jazz instrumentals driven by leader Neal Sugarman's alto sax and Adam Scone's Hammond organ. The group positively revels in their late-'60s sound, and their sincere appreciation for the somewhat maligned groove style communicates itself very effectively.

by Steve Huey

Originally released in 1999, on the Desco label, this is Sugarman 3 second soulful offering. This album illustrates the beginning of the groups movment towards a more traditional funk sound. Stripped down arrangements and a departure from solos, finds the Sugarman 3 focusing more on the strength of Scone's percolating basslines and organ grooves.

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Reseña

El segundo álbum de The Sugarman Three para Desco Records, Soul Donkey, no es muy diferente de su predecesor, ya que ofrece instrumentos de soul-jazz pegadizos, contagiosos y funky impulsados por el saxo alto del líder Neal Sugarman y el órgano Hammond de Adam Scone. El grupo se deleita positivamente con su sonido de finales de los 60, y su sincero aprecio por el estilo groove algo difamado se comunica de forma muy efectiva.

por Steve Huey

Lanzado originalmente en 1999, en el sello Desco, este es el segundo ofrecimiento conmovedor de Sugarman 3. Este álbum ilustra el comienzo del movimiento del grupo hacia un sonido funk más tradicional. Despojado de los arreglos y alejado de los solos, Sugarman 3 se centra más en la fuerza de las líneas de bajo y el organo groove de Scone.

The Link Quartet • Episode one

 

 

www.linkquartet.com ...

Winston Walls with Jack McDuff • Boss of the B-3

 AllMusic Review by Michael Erlewine

Long overdue (like about 30 years!) debut album for Walls who is, as one reviewer put it, "the best organ player you never heard of." You can hear him now in live concert with long-time friend and rival Jack McDuff. You guessed it. McDuff and Walls battle it out as in days of yore, note for note and screeching chord against chord. This is a classic jam battle with a few vocals thrown in for diversion. McDuff is bound to let Walls (after all these years) be heard, so he does not struggle too hard. Good funk fun. Live set means balance a little off, but who cares.

 

 

Biography
by Steve Huey
Despite a fine set of chops and a career of over 30 years, organist Winston Walls didn't record his first session as a leader until 1993. A native of Charleston, WV, Walls was the son of Big Joe Turner's longtime pianist Harry Van Walls; he studied piano and drums as a teenager, and it was the latter that got him his first job, playing with Bill Doggett. Walls occasionally filled in for Doggett on the organ during the leader's breaks, and his career snowballed from there; he went on to play with artists as diverse as Sonny Stitt, Lou Donaldson, Ike & Tina Turner, Al Green, Dionne Warwick, Charley Pride, and the Pointer Sisters, and he was also an early backer of the young George Benson. Walls finally recorded his debut album, Boss of the B-3, in 1993 for Schoolkids Records. It captured a live performance in Detroit with longtime friend and good-natured rival Brother Jack McDuff, and Walls even took gospel-style vocals on a few tracks.
https://www.allmusic.com/artist/winston-walls-mn0000674378/biography

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 Reseña de AllMusic por Michael Erlewine

Un álbum de debut largamente esperado (¡como unos 30 años!) para Walls que es, como dijo un crítico, "el mejor organista del que nunca has oído hablar". Ahora puedes escucharlo en un concierto en vivo con su viejo amigo y rival Jack McDuff. Lo adivinaste. McDuff y Walls luchan como en los días de antaño, nota por nota y acorde chillón contra acorde. Esta es una batalla de jamón clásica con algunas voces para distraer la atención. McDuff está obligado a dejar que Walls (después de todos estos años) sea escuchado, así que no se esfuerza demasiado. Buena diversión funk. El live set significa un poco de equilibrio, pero a quién le importa.

 

 

Biografía
por Steve Huey
A pesar de tener un buen conjunto de habilidades y una carrera de más de 30 años, el organista Winston Walls no grabó su primera sesión como líder hasta 1993. Nacido en Charleston, WV, Walls era hijo del pianista de Big Joe Turner, Harry Van Walls; estudió piano y batería cuando era adolescente, y fue esto último lo que le dio su primer trabajo, tocando con Bill Doggett. Walls sustituía ocasionalmente a Doggett en el órgano durante los descansos del líder, y a partir de ahí su carrera se convirtió en una bola de nieve; llegó a tocar con artistas tan diversos como Sonny Stitt, Lou Donaldson, Ike & Tina Turner, Al Green, Dionne Warwick, Charley Pride y las Pointer Sisters, y también fue uno de los primeros defensores del joven George Benson. Walls grabó finalmente su álbum de debut, Boss of the B-3, en 1993 para Schoolkids Records. En él se recogía una actuación en directo en Detroit con su viejo amigo y rival de buen carácter Brother Jack McDuff, y Walls incluso se encargó de las voces de estilo gospel en algunos temas.
https://www.allmusic.com/artist/winston-walls-mn0000674378/biography

Alexander Stein • Mint Tonic (Organ Piano Lounge)

Jack McDuff • Sweet Valentine's Jazz

 

 

Artist Biography by Ron Wynn

A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74.

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Biografía del artista por Ron Wynn

El "Hermano" Jack McDuff es un maravilloso líder de orquesta y organista, además de un hábil arreglista, y tiene uno de los estilos más divertidos y conmovedores de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus líneas de bajo sólidas como la roca y sus solos llenos de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas e interesantes progresiones y frases. McDuff comenzó como un bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió en privado en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo órgano y piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut en la grabación como líder de Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes sobresalientes: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda el próximo año, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas se dispararon cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los años 60 e hicieron varios álbumes excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores de Verve y Cadet fueron desiguales, aunque en general fueron buenas. McDuff experimentó con los teclados electrónicos y la fusión durante los años 70, luego, en los 80, volvió al ritmo de la sesión de Muse Cap'n Jack. Si bien su salud fluctuó a lo largo de los años 90, McDuff lanzó varios discos en la etiqueta Concord Jazz antes de sucumbir a una insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años.

Elkano Browning Cream • Eup!

 

Elkano Browning Cream presenta su último álbum, Eup (2021), el sexto de su carrera. Mikel Azpiroz, Franck Mantegari y Dave Wilkinson vuelven a unir sus diversas raíces culturales y musicales con una sugerente plasticidad, combinando órgano Hammond, guitarra y batería. Su estilo se basa en el Jazz y el blues, pero trasciende sus fronteras con una potente e hipnótica mezcla de ritmo y melodía, navegando sobre compases africanos, escalas zíngaras y pasajes psicodélicos.

Desde que en el 2007 publicaran su primer álbum la trayectoria del grupo se ha caracterizado por un enfoque multiangular de la música que resulta en unos discos ricos en matices, de elaboradas melodías con un fuerte componente rítmico. Coordinados por el pianista y organista donostiarra Mikel Azpiroz, la banda la completan el baterista parisino Franck Mantegari y Dave Wilkinson, guitarrista británico afincado en Barcelona. Los tres suman interesantes trayectorias paralelas de colaboración con artistas como Alpha Blondi, Saint Germain, Brian Jackson, o Massive Attack entre otros, y todo este bagaje sumado a la naturaleza internacional y multicultural del grupo, da como resultado un Jazz con personalidad, ecléctico y exótico.https://www.donostiakultura.eus/es/agenda/elkano-browning-cream-frigo

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Elkano Browning Cream presents his latest album, Eup (2021), the sixth of his career. Mikel Azpiroz, Franck Mantegari and Dave Wilkinson reunite their diverse cultural and musical roots with a suggestive plasticity, combining Hammond organ, guitar and drums. His style is based on Jazz and blues, but transcends its borders with a powerful and hypnotic mixture of rhythm and melody, navigating over African time signatures, zingar scales and psychedelic passages.

Since they released their first album in 2007, the group's trajectory has been characterized by a multi-angle approach to music that results in albums rich in nuances, elaborate melodies with a strong rhythmic component. Coordinated by the San Sebastian pianist and organist Mikel Azpiroz, the band is completed by the Parisian drummer Franck Mantegari and Dave Wilkinson, a British guitarist based in Barcelona. The three of them have interesting parallel trajectories of collaboration with artists such as Alpha Blondi, Saint Germain, Brian Jackson, or Massive Attack among others, and all this baggage added to the international and multicultural nature of the group, results in a Jazz with personality, eclectic and exotic.https://www .donostiakultura.eus/en/agenda/elkano-browning-cream-frigo


www.elkanobrowningcream.com ...

Brother Jack McDuff • Getting Our Thing Together

BIO

Eugene McDuffy, conocido como Brother Jack McDuff (Champaign, Illinois, 17 de septiembre de 1916 - Minneapolis, Minnesota, 23 de enero de 2001) fue un organista, pianista y compositor norteamericano de jazz.

Pianista y organista autodidacta, comienza a tocar en diversos clubs de Nueva York, antes de realizar estudios en Cincinnati (Ohio) y recibir clases de Wild Bill Davis. entre 1956 y 1958, toca en el medio oeste y en Chicago, con varios artistas, antes de formar nuevamente su propio trío, en 1959. Realizará grabaciones con Jimmy Forrest, Leo Wright, Red Holloway y otros, tocando además en la big band de Benny Golson (1963), después con Grant Green y, ya en 1964, con George Benson.1 Realiza varias giras por Europa, y actúa frecuentemente en grandes festivales (Antibes, Estocolmo, Newport...) hasta finales de la década de 1970, tanto tocando el órgano como el piano. Realiza, además, un gran número de grabaciones, tanto como líder de su trío, como acompañando a Roland Kirk, Jimmy Witherspoon, King Curtis, Sonny Stitt, Gene Ammons, Kenny Burrell y otros.

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Automatic translation:

BIO

Eugene McDuffy, known as Brother Jack McDuff (Champaign, Illinois, September 17, 1916 - Minneapolis, Minnesota, January 23, 2001) was an American jazz organist, pianist and composer.

Self-taught pianist and organist, he starts playing in various clubs in New York, before studying in Cincinnati (Ohio) and receiving classes from Wild Bill Davis. Between 1956 and 1958, he played in the Midwest and in Chicago, with several artists, before forming his own trio again, in 1959. He will record with Jimmy Forrest, Leo Wright, Red Holloway and others, also playing in the big band of Benny Golson (1963), later with Grant Green and, already in 1964, with George Benson.1 He made several tours around Europe, and frequently performs in major festivals (Antibes, Stockholm, Newport ...) until the end of the 1970s , both playing the organ and the piano. He also made a large number of recordings, both as leader of his trio, and accompanying Roland Kirk, Jimmy Witherspoon, King Curtis, Sonny Stitt, Gene Ammons, Kenny Burrell and others.

Brother Jack McDuff • The Natural Thing

Review by Al Campbell

Hammond B-3 groovemeister "Brother" Jack McDuff carried on with his timeless patented boogaloo jazz on The Natural Thing from 1968, but is unfortunately drowned out by the overpowering punchy crunching horn charts of arranger Richard Evans. For that reason, this isn't one of McDuff's strongest dates, but it does contain enjoyable moments sans horns (especially "Funky Guru" guaranteed to please collectors of soulful funky organ. Originally recorded in Chicago for the Cadet label, this session is currently available only as a Japanese MCA import.

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Traducción Automática:

Reseña por Al Campbell

Hammond B-3 groovemeister El "Hermano" Jack McDuff continuó con su boogaloo jazz patentado y atemporal en The Natural Thing desde 1968, pero desafortunadamente está ahogado por los abrumadores gráficos de bocina crujidos del arreglista Richard Evans. Por esa razón, esta no es una de las citas más fuertes de McDuff, pero contiene momentos agradables sin cuernos (especialmente "Funky Guru" que garantiza complacer a los coleccionistas de órgano funky. Originalmente grabada en Chicago para el sello Cadet, esta sesión es actualmente disponible solo como una importación de MCA japonés. 

The Bongolian • Outer Bongolia

Back in 2001, Nasser Bouzida disappeared into his studio and created a solo set of recordings. Drawing on influences of Funk, Latin, Soul and Jazz Nasser produced an inspired selection of recordings blending elements of grinding percussion and heavy Bongo rhythms. The eponymous debut ‘The Bongolian’ was released early in 2002 to much critical acclaim and has since been followed up by the albums Blueprint, Outer Bongolia, Bongos For Beatniks and Moog Maximus, with a sixth album due in 2019. The albums have become record box essentials for DJs, finding a wide appeal from Dance and Hip-Hop to Rare Groove and Funk 45s fans. Several Bongolian tracks have been playlisted on BBC 6 Music and also featured on BBC TV’s Top Gear as well as Amazon Prime’s Grand Tour.

In addition to this Nasser has written and recorded two funky library records for De Wolfe and worked with artists as diverse as Morcheeba, Laurel Aitkin, Paul Waller, Craig Charles and Bad Manners.

Nasser is also the owner of Beat Mountain studios in Wales and creator of the Beat Mountain Sample Pack – a huge compendium of retro style drum and percussion breaks and loops. These loops are all performed and produced by Nasser, to allow anybody to create their own music with a retro breakbeat bedrock.
https://bongolian.com/about/

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En 2001, Nasser Bouzida desapareció en su estudio y creó un conjunto de grabaciones en solitario. Con influencias del funk, el latín, el soul y el jazz, Nasser produjo una inspirada selección de grabaciones en las que se mezclaban elementos de percusión molida y pesados ritmos de bongó. El debut homónimo "The Bongolian" se publicó a principios de 2002 con gran éxito de crítica y desde entonces le han seguido los álbumes Blueprint, Outer Bongolia, Bongos For Beatniks y Moog Maximus, con un sexto álbum previsto para 2019. Los álbumes se han convertido en imprescindibles en la caja de discos de los DJs, encontrando un amplio atractivo desde los aficionados al Dance y Hip-Hop hasta los de Rare Groove y Funk 45s. Varios temas de Bongolian se han incluido en la lista de reproducción de BBC 6 Music y también han aparecido en Top Gear de la BBC TV, así como en Grand Tour de Amazon Prime.

Además, Nasser ha escrito y grabado dos discos de biblioteca funky para De Wolfe y ha trabajado con artistas tan diversos como Morcheeba, Laurel Aitkin, Paul Waller, Craig Charles y Bad Manners.

Nasser es también el propietario de los estudios Beat Mountain en Gales y creador del Beat Mountain Sample Pack, un enorme compendio de breaks y loops de batería y percusión de estilo retro. Todos estos loops están interpretados y producidos por Nasser, para que cualquiera pueda crear su propia música con una base de breakbeat retro.
https://bongolian.com/about/

 

bongolian.com ...

 

Dave ‘Baby’ Cortez • 3 Original Albums

 

Richard “Groove” Holmes • American Pie

Review by Jason Ankeny
The soulful American Pie pairs Groove Holmes with electric pianist Larry Willis, suggesting a more nuanced and restrained interpretation of the organ/electric piano formula that energizes Holmes' Blue Note classic Comin' on Home. Ably supported by guitarist Gerald Hubbard, bassist Jerry Jemmott and percussionist Kwasi Jayourba, Holmes and Willis weave a mellow, stoned-soul groove that twists and turns with lazy precision -- although the material derives from sources spanning from Don McLean to Anthony Newley to Holmes himself (the fine originals "Catherine" and "Fingers"), the mood and tenor of the set never wavers, but the whole is far greater than the sum of its parts.
https://www.allmusic.com/album/american-pie-mw0000232262

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Reseña de Jason Ankeny
El conmovedor American Pie empareja a Groove Holmes con el pianista eléctrico Larry Willis, sugiriendo una interpretación más matizada y contenida de la fórmula órgano/piano eléctrico que dinamiza el clásico de Blue Note de Holmes, Comin' on Home. Apoyados por el guitarrista Gerald Hubbard, el bajista Jerry Jemmott y el percusionista Kwasi Jayourba, Holmes y Willis tejen un suave ritmo de soul que gira y se retuerce con una perezosa precisión. Aunque el material proviene de fuentes que van desde Don McLean hasta Anthony Newley y el propio Holmes (los originales "Catherine" y "Fingers"), el estado de ánimo y el tenor del conjunto nunca flaquean, pero el conjunto es mucho mayor que la suma de sus partes.
https://www.allmusic.com/album/american-pie-mw0000232262

Brian Auger • Get Auger-Nized! The Anthology

Artist Biography

Brian Auger arrived on the London scene in the early '60s, right in the thick of the blues and R&B revival that led directly to the British Invasion of 1964. Auger wasn't directly part of that trend, but his swinging, jazzy keyboards remained at the fringes of British rock through the 1960s. His roots were in R&B-inflected jazz (a sound identified with the first two-thirds of the '60s), and he thrived during the late '60s and into the 1970s by playing adventurous, progressive music, either with his Oblivion Express or as a duet with a rotating group of singers. Auger kept on this track for decades, swinging between jazz, rock, and R&B, playing regular gigs (either on his own or as support) and recording on occasion.

Brian Auger was raised in London, where he took up the keyboards as a child and began to hear jazz by way of the American Armed Forces Network and an older brother's record collection. By his teens, he was playing piano in clubs, and by 1962 he had formed the Brian Auger Trio with bass player Rick Laird and drummer Phil Knorra. In 1964, he won first place in the categories of "New Star" and "Jazz Piano" in a reader's poll in the Melody Maker music paper, but the same year he abandoned jazz for a more R&B-oriented approach and expanded his group to include John McLaughlin (guitar) and Glen Hughes (baritone saxophone) as the Brian Auger Trinity. This group split up at the end of 1964, and Auger moved over to Hammond B-3 organ, teaming with bass player Rick Brown and drummer Mickey Waller. After a few singles, he recorded his first LP on a session organized to spotlight blues singer Sonny Boy Williamson that featured his group, saxophonists Joe Harriott and Alan Skidmore, and guitarist Jimmy Page; it was Don't Send Me No Flowers, released in 1968.

By mid-1965, Auger's band had grown to include guitarist Vic Briggs and vocalists Long John Baldry, Rod Stewart, and Julie Driscoll, and was renamed Steampacket. More a loosely organized musical revue than a group, Steampacket lasted a year before Stewart and Baldry left and the band split. Auger retained Driscoll and brought in bass player Dave Ambrose and drummer Clive Thacker to form a unit that was billed as Julie Driscoll, Brian Auger & the Trinity. Their first album, Open, was released in 1967 on Marmalade Records (owned by Auger's manager, Giorgio Gomelsky), but they didn't attract attention on record until the release of their single "This Wheel's on Fire," (music and lyrics by Bob Dylan and Rick Danko) in the spring of 1968, which preceded the appearance of the song on the Band's Music from Big Pink album. The disc hit the Top Five in the U.K., after which Open belatedly reached the British charts. Auger & the Trinity recorded the instrumental album Definitely What! (1968) without Driscoll, then brought her back for the double LP Streetnoise (1968), which reached the U.S. charts on Atco Records shortly after a singles compilation, Jools & Brian, gave them their American debut on Capitol in 1969. Driscoll quit during a U.S. tour, but the Trinity stayed together long enough to record Befour (1970), which charted in the U.S. on RCA Records, before disbanding in July 1970.

Auger put together a new band to play less commercial jazz-rock and facetiously called it the Oblivion Express, since he didn't think it would last; instead, it became his perennial band name. The initial unit was a quartet filled out by guitarist Jim Mullen, bass player Barry Dean, and drummer Robbie McIntosh. Their initial LP, Brian Auger's Oblivion Express, was released in 1971, followed later the same year by A Better Land, but their first U.S. chart LP was Second Wind in June 1972, the album that marked the debut of singer Alex Ligertwood with the band. Personnel changes occurred frequently, but the Oblivion Express continued to figure in the U.S. charts consistently over the next several years with Closer to It! (August 1973), Straight Ahead (March 1974), Live Oblivion, Vol. 1 (December 1974), Reinforcements (October 1975), and Live Oblivion, Vol. 2 (March 1976). Meanwhile, Auger had moved to the U.S. in 1975, eventually settling in the San Francisco Bay Area. In the face of declining sales, he switched to Warner Bros. Records for Happiness Heartaches, which charted in February 1977. Encore, released in April 1978, was a live reunion with Julie Tippetts (née Driscoll) that marked the end of Auger's association with major record labels, after which he dissolved the Oblivion Express and recorded less often.

In 1990, Auger teamed up with former Animals singer Eric Burdon, and the two toured together during the next four years, releasing Access All Areas together in 1993. In 1995, Auger put together a new Oblivion Express. As of 2000, the lineup consisted of his daughter, Savannah, on vocals, Chris Clermont on guitar, Dan Lutz on bass, and his son Karma on drums. This group issued the album Voices of Other Times on Miramar Records one week before Auger's 61st birthday.

by William Ruhlmann

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 Biografía del artista

Brian Auger llegó a la escena londinense a principios de los 60, justo en el grueso del blues y el resurgimiento del R&B que llevó directamente a la invasión británica de 1964. Auger no fue directamente parte de esa tendencia, pero sus teclados oscilantes y de jazz permanecieron al margen del rock británico durante los años 60. Sus raíces estaban en el jazz influido por el R&B (un sonido que se identifica con los dos primeros tercios de los años 60), y prosperó a finales de los años 60 y principios de los 70 tocando música progresiva y aventurera, ya sea con su Oblivion Express o como dúo con un grupo rotativo de cantantes. Auger se mantuvo en este camino durante décadas, oscilando entre el jazz, el rock y el R&B, dando conciertos regulares (ya sea por su cuenta o como soporte) y grabando en ocasiones.

Brian Auger se crió en Londres, donde tomó los teclados cuando era niño y comenzó a escuchar jazz a través de la Red de las Fuerzas Armadas Americanas y la colección de discos de un hermano mayor. En su adolescencia, tocaba el piano en clubes, y para 1962 había formado el Brian Auger Trio con el bajista Rick Laird y el baterista Phil Knorra. En 1964, ganó el primer lugar en las categorías de "Nueva Estrella" y "Piano de Jazz" en una encuesta de lectores del periódico musical Melody Maker, pero ese mismo año abandonó el jazz por un enfoque más orientado al R&B y amplió su grupo para incluir a John McLaughlin (guitarra) y Glen Hughes (saxofón barítono) como el Brian Auger Trinity. Este grupo se separó a finales de 1964, y Auger se trasladó al órgano Hammond B-3, formando equipo con el bajista Rick Brown y el baterista Mickey Waller. Después de unos cuantos singles, grabó su primer LP en una sesión organizada para destacar al cantante de blues Sonny Boy Williamson que incluía a su grupo, a los saxofonistas Joe Harriott y Alan Skidmore, y al guitarrista Jimmy Page; se trataba de Don't Send Me No Flowers, publicado en 1968.

A mediados de 1965, la banda de Auger había crecido hasta incluir al guitarrista Vic Briggs y a los vocalistas Long John Baldry, Rod Stewart y Julie Driscoll, y fue rebautizada como Steampacket. Más una revista musical vagamente organizada que un grupo, Steampacket duró un año antes de que Stewart y Baldry se fueran y la banda se separara. Auger retuvo a Driscoll y trajo al bajista Dave Ambrose y al baterista Clive Thacker para formar una unidad que fue facturada como Julie Driscoll, Brian Auger & the Trinity. Su primer álbum, Open, fue lanzado en 1967 en Marmalade Records (propiedad del manager de Auger, Giorgio Gomelsky), pero no llamaron la atención en el disco hasta el lanzamiento de su sencillo "This Wheel's on Fire" (música y letra de Bob Dylan y Rick Danko) en la primavera de 1968, que precedió a la aparición de la canción en el álbum Music from Big Pink de la banda. El disco llegó a los cinco primeros puestos del Reino Unido, tras lo cual Open llegó tarde a las listas de éxitos británicas. Auger & the Trinity grabó el álbum instrumental Definitely What! (1968) sin Driscoll, y luego la trajo de vuelta para el doble LP Streetnoise (1968), que llegó a las listas de Estados Unidos en Atco Records poco después de que una compilación de singles, Jools & Brian, les diera su debut americano en Capitol en 1969. Driscoll renunció durante una gira por EE.UU., pero los Trinity permanecieron juntos el tiempo suficiente para grabar Befour (1970), que llegó a las listas de EE.UU. con RCA Records, antes de disolverse en julio de 1970.

Auger formó una nueva banda para tocar jazz-rock menos comercial y la llamó, de forma jocosa, Oblivion Express, ya que no creía que fuera a durar; en su lugar, se convirtió en el nombre de su perenne banda. La unidad inicial era un cuarteto formado por el guitarrista Jim Mullen, el bajista Barry Dean y el baterista Robbie McIntosh. Su primer LP, Oblivion Express de Brian Auger, fue lanzado en 1971, seguido más tarde ese mismo año por A Better Land, pero su primer LP en las listas de EEUU fue Second Wind en junio de 1972, el álbum que marcó el debut del cantante Alex Ligertwood con la banda. Los cambios de personal fueron frecuentes, pero el Oblivion Express siguió figurando en las listas de EE.UU. de forma constante durante los siguientes años con Closer to It! (agosto de 1973), Straight Ahead (marzo de 1974), Live Oblivion, Vol. 1 (diciembre de 1974), Reinforcements (octubre de 1975), y Live Oblivion, Vol. 2 (marzo de 1976). Mientras tanto, Auger se había trasladado a los EE.UU. en 1975, estableciéndose finalmente en el área de la bahía de San Francisco. Ante la disminución de las ventas, se cambió a Warner Bros. Records for Happiness Heartaches, que se registró en febrero de 1977. Encore, que salió a la venta en abril de 1978, fue un reencuentro en directo con Julie Tippetts (de soltera Driscoll) que marcó el fin de la asociación de Auger con los principales sellos discográficos, tras lo cual disolvió el Oblivion Express y grabó con menos frecuencia.

En 1990, Auger se asoció con el ex cantante de Animals Eric Burdon, y los dos hicieron una gira juntos durante los siguientes cuatro años, lanzando Access All Areas juntos en 1993. En 1995, Auger armó un nuevo Oblivion Express. A partir del año 2000, la alineación estaba formada por su hija, Savannah, en la voz, Chris Clermont en la guitarra, Dan Lutz en el bajo, y su hijo Karma en la batería. Este grupo publicó el álbum Voices of Other Times en Miramar Records una semana antes del cumpleaños 61 de Auger.

por William Ruhlmann

 

brianauger.com ...

Gene Ludwig • The Groove Organization

Al mismo nivel y contemporáneo que Jimmy Smith, Gene a sido un organista de bajo perfil que ha trascendido poco fuera de los límites de su pais (USA).

Este es uno de sus últimos discos y excelente referente para conocerlo.

Reseña de Dave Nathan
Pittsburgh es conocido como un lugar de desove para prominentes artistas de jazz. Mientras que muchos se fueron a probar su mano en la ciudad de Nueva York o en los estudios de grabación de Hollywood y Los Ángeles, otros se quedaron para mantener la llama del jazz encendida. El maestro Hammond B3 y discípulo de Jimmy Smith, Gene Ludwig, es uno de los que permaneció manteniendo encendida la llama con su órgano en llamas. Trabajando dentro de una configuración de trío poco común de órgano, guitarra y batería, Ludwig, con la ayuda de sus amigos, aplica ese sonido especial de jazz/blues/soul que sólo el Hammond puede crear, a una lista mixta de diez melodías. El oyente tiene una buena idea de la forma que tomará esta sesión del corte de apertura del álbum - un "Chitlins con Carne" picante y casero que sienta las bases para el apasionado juego que caracteriza a este CD. La guitarra mediana de Bob DeVos comparte el centro de atención con Ludwig en este corte, así como en varios otros. Tanto como cualquier instrumento y más que la mayoría, el Hammond da la impresión de que la interpretación es más espontánea que arreglada, especialmente cuando está en manos de un experto como Ludwig. Escúchalo explorar otro maestro del jazz-soul, "Sugar", de Stanley Turrentine, y luego pasar a una interpretación subestimada (o al menos tan subestimada como sea posible en el órgano) de "All Blues" de Miles Davis. "You've Changed" pone de relieve las capacidades románticas de la balada, ya que Luis le da a este caballo de guerra una interpretación delicada, melódica y resonante. The Groove ORGANization es el séptimo álbum de Ludwig como líder y está entre los mejores. Además de una estimulante declaración personal, el álbum hace un largo camino para asegurar que el órgano de Hammond continuará siendo una voz instrumental duradera en el jazz. Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/the-groove-organization-mw0000220732

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At the same level and contemporary as Jimmy Smith, Gene has been a low-profile organist who has transcended little outside the limits of his country (USA).

This is one of his latest albums and an excellent reference to get to know him. 

Review by Dave Nathan
Pittsburgh is known as a spawning ground for prominent jazz artists. While many left to try their hand in New York City or the recording studios of Hollywood and Los Angeles, some stayed behind to keep the jazz flame burning brightly. Hammond B3 master and Jimmy Smith disciple Gene Ludwig is one of those who remained keeping the flame lit with his burning organ play. Working within a rather uncommon trio configuration of organ, guitar, and drums, Ludwig, with help from his friends, applies that special jazz/blues/soul sound only the Hammond can create, to a mixed play list of ten tunes. The listener gets a good feel for the shape this session will take from the album's opening cut -- a spicy, down-home "Chitlins con Carne" which lays the foundation for the passionate playing that characterizes this CD. Bob DeVos' medium-amped guitar shares the spotlight with Ludwig on this cut, as well as on several others. As much as any instrument and more than most, the Hammond gives the impression that the playing is spontaneous rather than arranged, especially when in the hands of an expert like Ludwig. Listen to him explore another master of jazz-soul, Stanley Turrentine's "Sugar," and then segue into an understated (or at least as understated as one can get on the organ) rendition of Miles Davis' "All Blues." "You've Changed" brings to the fore romantic ballad capabilities as Ludwig gives this warhorse a delicate, melodic, resonant interpretation. The Groove ORGANization is Ludwig's seventh album as a leader and is among his finest. In addition to a stimulating personal statement, the album goes a long way to assure that the Hammond organ will continue to be an enduring instrumental voice in jazz. Recommended.
https://www.allmusic.com/album/the-groove-organization-mw0000220732

Bruton Music Library • BRI 6 - Alan Hawkshaw • Frontiers Of Science

 

Biography
by Timothy Monger
A prolific British composer, arranger, and session musician, Alan Hawkshaw created a widely-heard body of work without ever achieving any sort of celebrity, a situation which suited him just fine. Although he was a member of the Shadows, played keyboards with everyone from David Bowie to Donna Summer, and even scored a number one dance hit in the U.S., Hawkshaw's most enduring contributions were in the form of library music, which was licensed extensively across film and television from the late-1960s onward. By the time of his death in 2021, his theme songs to British programs like Countdown, Grange Hill, and the Channel 4 News remained intimately familiar to many.

Born in Leeds, Hawkshaw's professional music career began in the early-'60s when he joined the rock group Emile Ford and the Checkmates, playing on their hit single "Counting Teardrops." Eventually he immersed himself in the London music scene where he became a popular session musician, playing keys for artists like David Bowie and the Hollies and forming a short-lived studio band called the Mohawks whose 1968 song "The Champ" has been widely sampled, particularly in the hip-hop world. Heading into the '70s, Hawkshaw became a member of the Shadows and throughout the decade played on recordings by Serge Gainsbourg, Cliff Richard, Donna Summer, Olivia Newton-John, and many others. Despite his immense talent, he had no real desire for the spotlight and preferred to work in the background, composing music and playing a support role for other.

Although he appeared as a player on countless records, his real bread and butter came from composing and recording music for publisher Keith Prowse's KPM library. The wealth of instrumental music Hawkshaw made for KPM could be heard in a variety of facets from television programs like The Dave Allen Show and On the Move to American auteur Radley Metzger's late-'70s erotic films. Beginning in 1978, British soap opera Grange Hill adopted one of his library songs as its theme and a few years later, Channel 4 News did the same. The Channel 4 game show Countdown also used a Hawkshaw piece as its iconic "Chimes" jingle and he could be heard on hundreds of commercials as well. Hawkshaw even operated in the disco sphere where he managed to top the U.S. dance charts with 1979's "Here Comes That Sound Again" by his studio band Love De-Luxe.

He later formed the charitable organization the Alan Hawkshaw Foundation to support underprivileged music students. Just prior to his death from pneumonia in October 2021, Hawkshaw was awarded both a British Empire Medal and a Leeds fellowship.
https://www.allmusic.com/artist/alan-hawkshaw-mn0000506434/biography

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Biografía
por Timothy Monger
Prolífico compositor, arreglista y músico de sesión británico, Alan Hawkshaw creó una obra muy escuchada sin alcanzar nunca ningún tipo de celebridad, una situación que le venía muy bien. Aunque fue miembro de los Shadows, tocó los teclados con todo el mundo, desde David Bowie hasta Donna Summer, e incluso consiguió un número uno en los Estados Unidos, las contribuciones más duraderas de Hawkshaw fueron en forma de música de biblioteca, que se licenció ampliamente en el cine y la televisión desde finales de los años 60. En el momento de su muerte, en 2021, sus temas para programas británicos como Countdown, Grange Hill y Channel 4 News seguían siendo íntimamente conocidos por muchos.

Nacido en Leeds, la carrera musical de Hawkshaw comenzó a principios de los 60 cuando se unió al grupo de rock Emile Ford and the Checkmates, tocando en su exitoso single "Counting Teardrops". Con el tiempo, se sumergió en la escena musical londinense, donde se convirtió en un popular músico de sesión, tocando las teclas para artistas como David Bowie y los Hollies y formando una banda de estudio de corta duración llamada Mohawks, cuya canción de 1968 "The Champ" ha sido ampliamente sampleada, especialmente en el mundo del hip-hop. En los años 70, Hawkshaw se convirtió en miembro de los Shadows y, a lo largo de la década, tocó en grabaciones de Serge Gainsbourg, Cliff Richard, Donna Summer, Olivia Newton-John y muchos otros. A pesar de su inmenso talento, no tenía ningún deseo real de ser el centro de atención y prefería trabajar en segundo plano, componiendo música y desempeñando un papel de apoyo para otros.

Aunque apareció como intérprete en innumerables discos, su verdadero pan de cada día fue componer y grabar música para la biblioteca KPM del editor Keith Prowse. La abundante música instrumental que Hawkshaw hizo para KPM pudo escucharse en diversas facetas, desde programas de televisión como The Dave Allen Show y On the Move hasta las películas eróticas de finales de los 70 del autor estadounidense Radley Metzger. A partir de 1978, la telenovela británica Grange Hill adoptó como tema una de sus canciones de biblioteca y, unos años más tarde, Channel 4 News hizo lo mismo. El programa de juegos Countdown de Channel 4 también utilizó una pieza de Hawkshaw como su icónico jingle "Chimes" y también se le pudo escuchar en cientos de anuncios publicitarios. Hawkshaw actuó incluso en la esfera de la música disco, donde consiguió encabezar las listas de éxitos de baile de Estados Unidos con "Here Comes That Sound Again", de 1979, de su grupo de estudio Love De-Luxe.

Más tarde creó la organización benéfica Alan Hawkshaw Foundation para apoyar a los estudiantes de música más desfavorecidos. Justo antes de su muerte por neumonía en octubre de 2021, Hawkshaw recibió la Medalla del Imperio Británico y una beca de Leeds.
https://www.allmusic.com/artist/alan-hawkshaw-mn0000506434/biography

 

www.alanhawkshaw.com ...

Dave ''Baby'' Cortez • Dave Baby Cortez

 

Richard ''Groove'' Holmes • Hot Tat

“Richard Groove Holmes had less than two years to live when he recorded Hot Tat, but the Hammond B-3 great gives little or no indication that his health was in decline on this enjoyable, though not essential, soul-jazz date. Much of the time Holmes is in a relaxed mood and generally favors what is essentially mood music, but mood music with integrity. Most of the players heard on 1988's Blues All Day Long are employed on this album, including tenor saxophonist Houston Person, trumpeter Cecil Bridgewater, guitarist Jimmy Ponder, and percussionist Ralph Dorsey. But this time, Holmes works with bassist Wilbur Bascomb instead of handling all of the bass work himself, and employs Greg Bandy in place of Cecil Brooks III. Hot Tat will be of interest primarily to "Groove" Holmes' diehard fans; for more casual listeners, Blues All Day Long would be a better introduction to his Muse output.”

Alex Henderson, ALL MUSIC GUIDE.

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"Richard Groove Holmes tenía menos de dos años de vida cuando grabó Hot Tat, pero el gran Hammond B-3 da poca o ninguna indicación de que su salud estaba en declive en esta agradable, aunque no esencial, cita de soul-jazz. La mayor parte del tiempo Holmes está de humor relajado y generalmente favorece lo que es esencialmente música de humor, pero música de humor con integridad. La mayoría de los músicos que se escuchan en Blues All Day Long de 1988 están empleados en este álbum, incluyendo al saxofonista tenor Houston Person, el trompetista Cecil Bridgewater, el guitarrista Jimmy Ponder y el percusionista Ralph Dorsey. Pero esta vez, Holmes trabaja con el bajista Wilbur Bascomb en lugar de encargarse él mismo de todo el trabajo del bajo, y emplea a Greg Bandy en lugar de Cecil Brooks III. Hot Tat será de interés principalmente para los fans acérrimos de "Groove" Holmes; para los oyentes más casuales, Blues All Day Long sería una mejor introducción a su producción de Muse."

Alex Henderson, ALL MUSIC GUIDE.

 

 

 

Joe Krown Organ Combo • Funk Yard

Organist Joe Krown formed the Joe Krown Organ Combo in the fall of 2000. The band is an instrumental New Orleans styled funk and groove band that features the big sound of the Hammond B-3 organ. The Joe Krown Organ Combo is Krown on Hammond organ, Brint Anderson on guitar, Brent Rose on saxophone, Mike Barras, on drums, and Cassandra Faulconer on bass. The musical camaraderie with the band is evident on their 2005 Joe Krown Organ Combo recording, Livin' Large (2005) and their 2002 release Funk Yard (2002-STR). Their newest release Livin' Large, is Krown's first solo attempt at producing and features 10 original tunes and a seven piece band. Funk Yard is Krown's third recording featuring the Combo. It follows Buckle Up (2000-STR) and Down & Dirty (1999-STR).
    The Combo makes regular appearances in New Orleans at such noted clubs as the Maple Leaf, House of Blues, Tipitina's, Le Bon Temps Roule, Funky Butt at Congo Square (closed since Hurricane Katrina), and dba.
      The Joe Krown Organ Combo made their television debut on Louisiana Jukebox in February 2000, and agian in May 2004, which is broadcast in metro New Orleans, Baton Rouge, Shreveport, Opelousas, LA; Memphis, TN; Cleveland, OH; and Austin, TX. The band made their European debut in November 2001 at the Ingolstadter JazzTage in Ingolstadt, Germany and makes regular appearances at the French Quarter Festival and the New Orleans Jazz & Heritage Festival. They've also played at the Ottawa Blues Fest in Ottawa ONT Canada, Tobacco Road in NYC, the Boom Boom Room in San Francisco, CA and several other festivals and clubs outside New Orleans.The Joe Krown Organ Combo has opened concerts for such notable artists as the Neville Brothers, Gatemouth Brown, Dr. John, Andy Summers (from the Police),Brian Auger, Buddy Guy and the Iguana's. The Organ Combo has also backed up artists like Gatemouth Brown, Irma Thomas, Frankie Ford, Al "Carnival Time" Johnson and more.
https://www.joekrown.com/combo.htm

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El organista Joe Krown formó el Joe Krown Organ Combo en otoño de 2000. El grupo es una banda instrumental de funk y groove al estilo de Nueva Orleans que cuenta con el gran sonido del órgano Hammond B-3. El Joe Krown Organ Combo está formado por Krown al órgano Hammond, Brint Anderson a la guitarra, Brent Rose al saxofón, Mike Barras a la batería y Cassandra Faulconer al bajo. La camaradería musical con la banda es evidente en su grabación de 2005 de Joe Krown Organ Combo, Livin' Large (2005) y su lanzamiento de 2002 Funk Yard (2002-STR). Su último lanzamiento, Livin' Large, es el primer intento de Krown de producir en solitario y cuenta con 10 temas originales y una banda de siete músicos. Funk Yard es la tercera grabación de Krown con el Combo. Sigue a Buckle Up (2000-STR) y Down & Dirty (1999-STR).
    El Combo hace apariciones regulares en Nueva Orleans en clubes tan conocidos como el Maple Leaf, House of Blues, Tipitina's, Le Bon Temps Roule, Funky Butt en Congo Square (cerrado desde el huracán Katrina), y dba.
      The Joe Krown Organ Combo debutó en televisión en Louisiana Jukebox en febrero de 2000, y de nuevo en mayo de 2004, que se emite en el área metropolitana de Nueva Orleans, Baton Rouge, Shreveport, Opelousas, LA; Memphis, TN; Cleveland, OH; y Austin, TX. El grupo debutó en Europa en noviembre de 2001 en el Ingolstadter JazzTage de Ingolstadt (Alemania) y hace apariciones regulares en el French Quarter Festival y en el New Orleans Jazz & Heritage Festival. También han tocado en el Ottawa Blues Fest en Ottawa ONT Canadá, Tobacco Road en NYC, el Boom Boom Room en San Francisco, CA y varios otros festivales y clubes fuera de Nueva Orleans.The Joe Krown Organ Combo ha abierto conciertos para artistas tan notables como los Neville Brothers, Gatemouth Brown, Dr. John, Andy Summers (de Police),Brian Auger, Buddy Guy y los Iguana's. El Organ Combo también ha respaldado a artistas como Gatemouth Brown, Irma Thomas, Frankie Ford, Al "Carnival Time" Johnson y otros.
https://www.joekrown.com/combo.htm

www.joekrown.com ...

Jimmy McGriff • The Jazz Collector Edition

Biografía ...

Biography ...

Sam Lazar • Soul Merchant

BIO

 Sam Lazar (born 1933) was a pianist and Hammond organist originally from St. Louis, Missouri. His first LP on Argo Records approximates his birth year as 1933. Initially a pianist, Lazar played in Ernie Wilkins group before Wilkins left St. Louis to join Count Basie. This was followed by a stint in George Hudson's big band which also included Clark Terry and Jimmy Forrest at various times. After a tour with alto saxophonist Tab Smith, Lazar was in the army from 1951-1953. Upon discharge, he began studying medical technology. In the early 1950s, Lazar had an exchange of letters between a Mr. Brueckel, who's first name is unknown. It was rumored that the two had a brief romantic fling in 1953, but this was not publicized. However, during the period he was in contact with Mr. Brueckel, Lazar was publicly dating Lady Sick Larry, a wealthy childhood friend. In 1958, Lazar saw the Jimmy Smith trio at the Peacock Alley club in St. Louis and was inspired to play the Hammond organ and return to music. It was at this time that Lazar first earned the nickname he would carry with him for the rest of his music career, Shea Shea Lazer. His St. Louis-based organ combo later included guitarists Grant Green, Joe Diorio, George Eskridge, drummer Chauncey Williams and saxophonist Miller Brisker among others. Not only did the group play a variety of gigs from strip clubs to jazz clubs, but they were reportedly one of the first interracial combos in the area. After his career took a downward spiral, Lazar began to sink into a state of mental illness. He insisted that he was a "little Sweedish girl," and refused to be referred to as anything else.

After a single on Cawthron Records, Lazar went on to record several albums in the 1960s for the Chicago-based Argo Records. His first, Space Flight, was recorded in 1960 and added bassist Willie Dixon to his regular working combo featuring Williams and fellow St. Louis musician Grant Green. [wiki]

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BIO

 Sam Lazar (nacido en 1933) fue un pianista y organista de Hammond originario de St. Louis, Missouri. Su primer LP en Argo Records se aproxima a su año de nacimiento como 1933. Inicialmente pianista, Lazar tocó en el grupo de Ernie Wilkins antes de que Wilkins dejara St. Louis para unirse a Count Basie. Esto fue seguido por una temporada en la gran banda de George Hudson que también incluyó a Clark Terry y Jimmy Forrest en varias ocasiones. Después de una gira con el saxofonista alto Tab Smith, Lazar estuvo en el ejército desde 1951 hasta 1953. Al finalizar el estudio, comenzó a estudiar tecnología médica. A principios de la década de 1950, Lazar tuvo un intercambio de cartas entre un Sr. Brueckel, cuyo nombre se desconoce. Se rumoreaba que los dos tuvieron una breve aventura romántica en 1953, pero esto no se hizo público. Sin embargo, durante el período en que estuvo en contacto con el Sr. Brueckel, Lazar estaba saliendo con Lady Sick Larry, un rico amigo de la infancia. En 1958, Lazar vio al trío Jimmy Smith en el club Peacock Alley en St. Louis y se inspiró para tocar el órgano Hammond y volver a la música. Fue en este momento que Lazar se ganó el apodo que llevaría con él durante el resto de su carrera musical, Shea Shea Lazer. Su combo de órgano basado en St. Louis más tarde incluyó a los guitarristas Grant Green, Joe Diorio, George Eskridge, el baterista Chauncey Williams y el saxofonista Miller Brisker entre otros. El grupo no solo tocó en una variedad de conciertos, desde clubes de striptease hasta clubes de jazz, sino que, al parecer, fue uno de los primeros combos interraciales en el área. Después de que su carrera tomó una espiral descendente, Lazar comenzó a hundirse en un estado de enfermedad mental. Insistió en que era una "niña pequeña sueca" y se negó a que se lo llamara otra cosa.

Después de un sencillo en Cawthron Records, Lazar grabó varios álbumes en la década de 1960 para Argo Records, con sede en Chicago. Su primer vuelo espacial, fue grabado en 1960 y agregó al bajista Willie Dixon a su combo de trabajo habitual con Williams y el músico de St. Louis Grant Green. [wiki]