The Stan Tracey Big Band • Alice In Jazz Land

Stanley William Tracey, CBE (Londres, 30 de diciembre de 1926 – 6 de diciembre de 2013),1 fue un pianista y compositor de jazz británico influenciado por Duke Ellington y Thelonious Monk.

Biografía

La Segunda Guerra Mundial representó para Tracey la ruptura de su educación formal, convirtiéndose a los 16 años en músico profesional como miembro de la Entertainments National Service Association tocando el acordeón en giras de conciertos. A los 19 años se unió al Gang Show de Ralph Reader mientras servía en la RAF, donde conoce al cómico Tony Hancock.

A principios de la década de 1950 formó parte de conjuntos musicales a bordo de cruceros como el Queen Mary y el Cardonia y efectuó giras de conciertos por el Reino Unido junto a Cab Calloway. En esa época tocaba el vibráfono, instrumento que luego abandonó. Realizó conciertos junto a músicos como Tony Crombie (batería), Vic Ash (clarinete), Kenny Graham (saxofonista y arreglador) y Dizzy Reece (trompeta).

En febrero de 1957 realiza una gira por Estados Unidos con el conjunto de Ronnie Scott, y en setiembre se une a la orquesta de Ted Heath por dos años, época que incluyó giras con la cantante Carmen McRae como arreglador y pianista. Aunque a Tracey le disgustaba el estilo de Heath, el trabajo le permitió un ingreso económico regular. Al año siguiente grabó su primer álbum, Showcase, para el sello británico de Heath, Decca Records, y en 1959 Little Klunk.

En Ronnie's y el disco Under Milk Wood

Desde marzo de 19602 hasta cerca de 19673 Tracey fue el pianista del club de jazz de Ronnie Scott en el Soho de Londres, donde tuvo la oportunidad de acompañar a la mayoría de los principales solistas de Estados Unidos que visitaban el club. Algunas grabaciones de estas interpretaciones aparecieron en discos larga duración, y otras se han editado en años recientes con sello de Jazz House o Harkit, con producción del periodista Les Tomkins, sin calidad de sonido profesional.

En este contexto se ganó varios admiradores de alto perfil como Sonny Rollins quien dijo en uno de sus conciertos: ¿Hay alguna persona aquí que sabe cuan bueno es?" Es Tracey en el piano a quien los espectadores escuchan detrás de Rollins en la banda sonora de la versión de Michael Caine para Alfie.

La experiencia de trabajar en el club de Scott arruinó sin embargo la salud de Tracey: las largas horas de actuación lo llevaron a ingerir estimulantes, y los bajos salarios hacían que debiera tomar el bus para regresar a su casa a las 3 de la mañana.

Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el proyecto Jazz Departures de Michael Horovitz, cuya meta era mezclar lecturas poéticas con jazz, interactuando espontáneamente con las palabras.4 El grupo grabó un álbum en 1964, que fue no sólo el primero de estilo clásico de Tracey, sino el primero que grabó con el saxofonista Bobby Wellins, con quien se ha asociado hasta nuestros días. Ambos contribuyeron con composiciones originales. La pieza de «Culloden Moor» de Wellins precedesora de la banda de sonido de la película Battle of Culloden de Peter Watkins es especialmente memorable.

El álbum de 1965 titulado Jazz Suite inspired by Dylan Thomas’ «Under Milk Wood» es una de las grabaciones de jazz más celebradas en el Reino Unido. Tracy se inspiró para componer la Suite escuchando la transmisión original de la BBC de 1953 en un LP que había comprado su esposa Jackie. La pieza «Starless and Bible Black», una cita del monólogo de apertura es probablemente la mejor muestra del lirismo de Wellins y el brillo de Tracey como compositor. Tanto ha sido el aprecio por esta obra que Tracey debió grabarla en reiteradas oportunidads, algo inusual para un músico de jazz británico. A Under Milk Wood le siguió Alice in Jazzland, un álbum para big band el año siguiente. Posteriormente en la misma década Tracey hizo los arreglos para una obra de Acker Bilk, Blue Acker y su primer álbum dedicado a obras de Duke Ellington, conmemornado el 70º aniversario del nacimiento del artista.

Experimentación y consolidación

A principios del decenio de 1970 se inició una época sombría para Tracey. Llegó a trabajar como cartero para poder obtener los beneficios de una pensión, pero poco después su carrera comenzó a recuperarse.

Comenzó a trabajar con músicos de la última generación, del jazz libre o la vanguardia, incluyendo a Mike Osborne, Keith Tippett y John Surman. Continuó en este estilo con Evan Parker y el festival de Jazz de Appleby por varios años, pero siempre como un tema marginal para él, que llegó a decir «toco más jazz libre en la corriente de moda, que lo que hago de moda en el jazz libre».5

A mediados de la década de 1970 fundó su propio sello, Steam, y a través de él reeditó Under Milk Wood, porque el sello principal que poseía los derechos de autor había cerrado. En la década siguiente usó la empresa para editar grabaciones de cierta cantidad de encargos de Suites, incluyendo The Salisbury Suite (1978), The Crompton Suite (1981) and The Poets Suite (1984).

Dirigió su propio octeto entre 1976 y 1985, y formó un sexteto en 1979, llamado Hexad, realizando giras hasta el Medio Oriente e India. En esa época mantuvo una larga relación artística con el saxofonista Art Themen y su propio hijo, el percusionista Clark Tracey.

https://es.wikipedia.org/wiki/Stan_Tracey

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Stanley William Tracey CBE (30 December 1926 – 6 December 2013) was a British jazz pianist and composer, whose most important influences were Duke Ellington and Thelonious Monk. Tracey's best known recording is the 1965 album Jazz Suite Inspired by Dylan Thomas's "Under Milk Wood", which is based on the BBC radio drama Under Milk Wood, by Dylan Thomas.

Early career

The Second World War meant that Tracey had a disrupted formal education, and he became a professional musician at the age of sixteen as a member of an ENSA touring group playing the accordion, his first instrument. He joined Ralph Reader's Gang Shows at the age of nineteen, while in the RAF and formed a brief acquaintance with the comedian Tony Hancock. Later, in the early 1950s, he worked in groups on the transatlantic liners Queen Mary and Caronia and toured the UK in 1951 with Cab Calloway. By the mid-1950s, he had also taken up the vibraphone, but later ceased playing it. At this time he worked widely with leading British modernists, including drummer Tony Crombie, clarinettist Vic Ash, the saxophonist-arranger Kenny Graham and trumpeter Dizzy Reece.

In February 1957, he toured the United States with Ronnie Scott's group, and became the pianist with Ted Heath's Orchestra in September for two years (1958–59), including a US tour with singer Carmen McRae. Although Tracey disliked Heath's music, he gained a regular income and was well featured as a soloist on both piano and vibes, and contributed compositions and arrangements that stayed in the Heath book for many years. The following year he recorded his first album as leader, Showcase, for English Decca (also Heath's label) and Little Klunk in 1959; he had first recorded in 1952 with the trumpeter Kenny Baker. At Decca Records, Tracey met his future wife, Jackie Buckland (3 April 1929 – 13 August 2009); the couple had two children Clark and Sarah.

At Ronnie's and the Under Milk Wood LP

From March 1960 until about 1967 (some sources give 1968), Tracey was the house pianist at Ronnie Scott's Jazz Club in Soho, London, and he had the opportunity to accompany many of the leading musicians from the US who visited the club. Recordings of some of these performances appeared on LP and others have appeared in recent years on the Jazz House and Harkit labels, recorded by the journalist Les Tomkins, but with non-professional sound quality. In this context he gained some high-profile admirers; Sonny Rollins asserted at one concert: "Does anyone here know how good he is?". It is Tracey on piano that film viewers hear behind Rollins on the soundtrack of the Michael Caine version of Alfie (1966).

However, the experience of working in Scott's club affected Tracey's health; the long hours led to him taking various illicit stimulants, and the low wages also meant that he had to take the workman's bus back home to Streatham at 3 am.

At the same time he became active in Michael Horovitz's New Departures project, mixing poetry performances with jazz, where the musicians interacted spontaneously with the words. The New Departures group recorded an album in 1964 with saxophonist Bobby Wellins, a partnership that continued for several decades. Both men contributed original compositions to the album.

Tracey's 1965 album (its full title is Jazz Suite Inspired by Dylan Thomas's "Under Milk Wood") is one of the most celebrated jazz recordings made in the United Kingdom. Tracey was inspired to compose the suite by hearing the original 1953 BBC broadcast on an LP his wife Jackie had acquired. The track "Starless and Bible Black", a quote from the opening monologue, is probably the best demonstration of Wellins' lyricism and the highlight of Tracey's whole career. Such is the affection with which these pieces are held that Tracey has re-recorded them on several occasions, something that is unusual for British jazz musicians to do. Under Milk Wood was followed by Alice in Jazzland, an album for big band, the next year featuring many of his former Ted Heath colleagues. Later in the decade, Tracey made the arrangements for an Acker Bilk record, Blue Acker, and his first album dedicated to Duke Ellington compositions (both recorded in 1968), in this case to commemorate Ellington's 70th birthday the following year.

Experimentation and consolidation

The early 1970s were a bleak time for Tracey. Around 1970, he almost chose to retrain as a postman under pressure from the Unemployment Benefits' office – "I would have quite a good pension by now" he quips – but his wife, formerly involved in public relations, took a more direct role in the development of Tracey's career.

He began to work with musicians of a later generation, who worked in a free or avant-garde style, including Mike Osborne, Keith Tippett and John Surman. Tracey continued to work in this idiom with Evan Parker at the UK's Appleby Jazz Festival for several years, but this was always more of a sideline for Tracey, who said that he "took more out of free music into the mainstream than I did from mainstream into free". Neil Ferber founder and organiser of the Appleby Jazz Festival built the festival around Stan Tracey and the musicians who worked with him, booking Stan to appear at every festival for the 18 years that it existed.

In the mid-1970s he formed his own record label, Steam, and through it reissued Under Milk Wood (the major label that held the rights to it had allowed it to fall out of print). Over the next decade he also used the outlet to issue recordings of a number of commissioned suites. These included The Salisbury Suite (1978), The Crompton Suite (1981) and The Poets Suite (1984).

He led his own octet from 1976 to 1985 and formed a sextet in 1979 (later called Hexad), touring widely in the Middle East and India. In this context he had a longstanding performance partnership from 1978 with saxophonist (and physician) Art Themen, and his own son, the percussionist Clark Tracey. He was able to share the billing with arranger Gil Evans in a 1978 concert at the Royal Festival Hall, such was Tracey's pre-eminence in the UK. In private, he played Ellington recordings for Evans that the latter had not previously heard. Tracey continued to record with American musicians on occasion as well, with dates taking place with Sal Nistico in 1985 and Monk associate, Charlie Rouse in 1987.

The Steam label ceased trading in the early 1990s, reportedly because of difficulties caused by the retail trade's need for its inventory to carry a barcode. However, in 1992 Tracey benefited from Blue Note's brief interest in UK musicians, leading to the Portraits Plus album and the commercial issue of the BBC's recording of the concert commemorating the 50th anniversary of Tracey's first professional gig, as well as Under Milk Wood′s debut on CD.

In 1995 his new quartet featuring Gerard Presencer recorded the For Heaven's Sake album and also performed gigs together. In 2003 Tracey was the subject of a BBC Television documentary Godfather of British Jazz, a rare accolade nowadays for any jazz musician, let alone one from Britain. Tracey's catalogue from the LP era is being reissued on ReSteamed Records.

Already an Officer of the Order of the British Empire (OBE), he was appointed Commander of the Order of the British Empire (CBE) in the 2008 New Year Honours.

Tracey died of cancer on 6 December 2013; he was survived by his son, Clark Tracey; his daughter died in 2012.

https://en.wikipedia.org/wiki/Stan_Tracey

Colaborador / Contribuitor:  boppinbob 

 

 

VA • A New Awakening; Adventures in British Jazz 1966-1971

 

Review by Matt Collar
The 2025 anthology New Awakening: Adventures in British Jazz 1966-1971 spotlights a vibrant and transformative era for jazz in Britain. Whether it was a passion for New Orleans trad jazz in the 1940s or a mod take on blues, rock, and Motown soul in the '60s, Britain has a long history of adopting American musical traditions and making them their own. The same creative and cultural process happened to post-bop and avant-garde jazz beginning in the late '60s. Fueled by the already potent influence of artists like John Coltrane, Miles Davis, and Ornette Coleman, British jazz musicians began pushing the boundaries of their own playing. Throw into the mix the cultural melting pot of cities like London, where immigrants from Africa, India, and the Caribbean commingled their own musical traditions right alongside the burgeoning psychedelic and progressive rock movements, and British jazz musicians were poised for a creative explosion. New Awakening illuminates this heady period, digging into the forward-minded work of artists like trumpeter Ian Carr, bassist Graham Collier, and saxophonist Dick Morrissey, the latter of whose minor blues "Storm Warning" opens the box set, smartly setting up the collection's tone of dark-sunglasses-in-the-nightclub hipness. Like that track, these are often rhythmically kinetic, harmonically sophisticated recordings that straddle the line between hard-swinging acoustic jazz and sonically textured electric fusion. It's a vibe that grows even more avant-garde as the collection moves forward, revealing the sprawling big-band orchestrations of John Dankworth's "Return from the Ashes," the blown-out Hammond organ reverie of the Graham Bond Organization's "Wade in the Water," and the spacey free-jamming of Nucleus' "Elastic Rock." They delve further into this genre-crossing style towards the latter half of the set, showcasing progressive tracks like Brian Auger's electric fusion take on Herbie Hancock's "Maiden Voyage" and Julie Driscoll's acid-rock hippie-freak anthem "A New Awakening" (from which the box set borrows its title). As if to underline the connection between the experimental jazz and progressive rock in Britain at the time, they even include Cream bassist Jack Bruce's wholly improvised free-bop number "Over the Cliff," from his sole 1970 instrumental album, Things We Like. 
https://www.allmusic.com/album/new-awakening-adventures-in-british-jazz-1966-1971-mw0004434048

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Reseña de Matt Collar
La antología de 2025 New Awakening: Adventures in British Jazz 1966-1971 destaca una época vibrante y transformadora para el jazz en Gran Bretaña. Ya fuera por la pasión por el jazz tradicional de Nueva Orleans en la década de 1940 o por la versión mod del blues, el rock y el soul de Motown en los años 60, Gran Bretaña tiene una larga historia de adopción de las tradiciones musicales estadounidenses y de hacerlas propias. El mismo proceso creativo y cultural se produjo con el post-bop y el jazz de vanguardia a partir de finales de los años 60. Impulsados por la ya potente influencia de artistas como John Coltrane, Miles Davis y Ornette Coleman, los músicos de jazz británicos comenzaron a ampliar los límites de su propia forma de tocar. Si a esto le añadimos el crisol cultural de ciudades como Londres, donde inmigrantes de África, India y el Caribe mezclaron sus propias tradiciones musicales con los florecientes movimientos psicodélicos y de rock progresivo, los músicos de jazz británicos estaban listos para una explosión creativa. New Awakening ilumina este apasionante periodo, profundizando en el trabajo vanguardista de artistas como el trompetista Ian Carr, el bajista Graham Collier y el saxofonista Dick Morrissey, cuyo blues menor «Storm Warning» abre el álbum recopilatorio, estableciendo inteligentemente el tono de la colección: la elegancia de las gafas de sol oscuras en un club nocturno. Al igual que ese tema, se trata a menudo de grabaciones rítmicamente cinéticas y armónicamente sofisticadas que se sitúan en la frontera entre el jazz acústico de swing duro y la fusión eléctrica con texturas sonoras. Es una vibración que se vuelve aún más vanguardista a medida que avanza la colección, revelando las extensas orquestaciones de big band de «Return from the Ashes» de John Dankworth, el ensueño del órgano Hammond de «Wade in the Water» de Graham Bond Organization y la improvisación espacial de «Elastic Rock» de Nucleus. Profundizan aún más en este estilo que traspasa los géneros hacia la segunda mitad del álbum, con temas progresivos como la versión de fusión eléctrica de Brian Auger de «Maiden Voyage» de Herbie Hancock y el himno hippie-freak de acid rock de Julie Driscoll «A New Awakening» (del que el álbum recopila toma su título). Como para subrayar la conexión entre el jazz experimental y el rock progresivo en la Gran Bretaña de la época, incluso incluyen el tema free-bop totalmente improvisado «Over the Cliff», del bajista de Cream Jack Bruce, extraído de su único álbum instrumental de 1970, Things We Like. 
https://www.allmusic.com/album/new-awakening-adventures-in-british-jazz-1966-1971-mw0004434048

 

 

 

www.cherryred.co.uk ...

Dizzy Reece • Blues In Trinity

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine  
As Dizzy Reece's first album for Blue Note, Blues in Trinity goes a long way to establish the trumpeter's signature sound. Reece doesn't take chances stylistically; he prefers to stay within the confines of hard bop. Nevertheless, he has a bold, forceful sound that simply burns with passion. Even on slower numbers, there's a fire to his playing that keeps Blues in Trinity from being predictable. The high quality of the album is even more impressive given the recording circumstances. The English-based Reece was playing in Paris at the time, and he assembled a sextet featuring the vacationing British musicians Tubby Hayes (tenor saxophone) and Terry Shannon (piano), visiting American stars Donald Byrd (trumpet) and Art Taylor (drums), and Canadian bassist Lloyd Thompson, who was playing in Paris with Zoot Sims. Although the band was thrown together, there's a definite spark to this combo, which interacts as if it had been playing together for a long time. Throughout it all, Reece steals the show with his robust playing, and that's why Blues in Trinity rises above the level of standard-issue hard bop and becomes something special.
https://www.allmusic.com/album/blues-in-trinity-mw0000710553

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine  
Como primer álbum de Dizzy Reece para Blue Note, Blues in Trinity contribuye en gran medida a establecer el sonido característico del trompetista. Reece no se arriesga estilísticamente; prefiere permanecer dentro de los confines del hard bop. Sin embargo, tiene un sonido audaz y contundente que arde de pasión. Incluso en los números más lentos, hay un fuego en su forma de tocar que hace que Blues in Trinity no sea predecible. La alta calidad del álbum es aún más impresionante dadas las circunstancias de la grabación. Reece, afincado en Inglaterra, estaba tocando en París por aquel entonces y reunió a un sexteto formado por los músicos británicos Tubby Hayes (saxo tenor) y Terry Shannon (piano), las estrellas americanas Donald Byrd (trompeta) y Art Taylor (batería), y el bajista canadiense Lloyd Thompson, que estaba tocando en París con Zoot Sims. Aunque la banda se formó de improviso, hay una chispa definida en este combo, que interactúa como si hubieran estado tocando juntos durante mucho tiempo. En todo momento, Reece se lleva la palma con su robusta interpretación, y por eso Blues in Trinity supera el nivel del hard bop estándar y se convierte en algo especial.
https://www.allmusic.com/album/blues-in-trinity-mw0000710553

The Tubby Hayes Quintet • After Lights Out

 

Artist Biography by Thom Jurek

Nicknamed "The Little Giant", English saxophonist Tubby Hayes was an excellent hard bop and modal stylist whose solos were dynamic, expertly articulated, and intricately constructed, as well as expressive and imaginative. In addition to saxes and woodwinds, he was also an highly skilled arranger, composer, and an accomplished vibraphonist. He was a dazzling, highly acrobatic player who drew as much criticism for his virtuosic flurries of notes as praise. A ubiquitous presence on the 1960s and early-'70s British jazz scene, he died at age 38 in 1973. His influence, now undisputed, has made him the standard bearer for British jazz during the 20th century. His traveling forays into America may not have registered in the jazz press as much, but he was revered by virtually every jazzman on the other side of the Atlantic who heard or played with him: Among them Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus, and Duke Ellington. He was deeply admired by Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper, and Sonny Rollins. Hayes, along with saxophonist Ronnie Scott, co-led the Jazz Couriers during the late '50s. The saxists and trumpeter Jimmy Deuchar singlehandedly changed the face of England's jazz landscape which, at that time, had consisted primarily of dance bands from the '30s on. After the split, Scott started his legendary club -- opening night featured Hayes' new band -- and Tubbs established himself as a prolific musician; he led quartets, quintets, and sextets, as well as big bands. He had his own television series and amassed a vast canon of albums from 1955 onward for a slew of labels including Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash, and Mole.

Hayes was born Edward Brian Hayes in London. His father was a BBC studio violinist and traveling dance band leader. Wishing to instill his love for music in his son, he gave him violin lessons from an early age. By the age of ten, Hayes was playing the piano, and he started on the tenor sax at 11. The youngster fell in love with jazz thanks to his dad's record collection and European radio that was playing recordings by bebop pioneers such as Dizzy Gillespie and Charlie Parker. After playing with various semi-professional bands around London for a time, Hayes left school and started playing professionally at age 15. In 1951, at the of 16, Hayes joined Kenny Baker's sextet, and subsequently worked with bandleaders such as Vic Lewis and Jack Parnell. He was already a sophisticated arranger, and penned charts for the bands he played in as a teen. In 1955, Hayes formed his own octet, with which he toured the U.K. for 18 months. He took up vibraphone in 1957, having tried Victor Feldman's instrument during a gig. Although the vibes were a key instrument in his arsenal, he eventually tired of playing them. From 1957 to 1959, he joined Ronnie Scott in co-leading the Jazz Couriers quintet. They became the hottest property on the British jazz scene at the time and recorded for the Tempo label. Despite their relatively short tenure, their influence is still felt in the 21st century.

After the Jazz Couriers split, Hayes formed his own quartet, and toured Germany. In 1961 he received an invitation to America to play the Half Note Club in New York City as part of a Musician's Union exchange that brought American saxophonist Zoot Sims to England to play Scott's club. In America, Hayes recorded Tubbs in NY with Clark Terry, Eddie Costa, and Horace Parlan. He returned in 1962 and cut Return Visit with James Moody, (pre-Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr., Sam Jones, and Louis Hayes. He played at the Half Note again in 1964, and at the Boston Jazz Workshop the same year. He traveled to the West Coast for the first time in 1965, playing a multi-night gig at drummer Shelly Manne's Manne-Hole in Los Angeles.

When at home in London, Hayes was a hotly debated commodity among critics, but was beloved by the record-buying public. Given his ubiquity in concert halls on tour and on television -- he hosted three different television programs between 1961 and 1963 -- his biographer Simon Spillet wrote: "Tubby faced almost as much criticism within the press as he did praise, most of it centered upon his technical ability…both a yardstick against which to measure others and, all too often, simply a club with which to beat him….He also suffered from something we appear to have somewhat of a gift for in this country: taking someone apart for doing nothing more than being superbly accomplished at what they do."

In addition to television, Hayes also worked in film and on radio, penning and arranging scores, commercials, and songs. In 1964, he subbed for Paul Gonsalves in Duke Ellington's orchestra and in 1965 recorded with the saxophonist on Just Friends, and later Change of Setting.

Hayes appeared in films too, including All Night Long with Charles Mingus and Dave Brubeck, with his own group in A King in New York starring Charlie Chaplin (1957), and The Beauty Jungle (1964). He also a regular at European jazz festivals form the U.K. to Spain to Italy, Vienna, and Berlin. He appeared on a number of soundtracks at in 1965, notably on Lalo Schifrin's score for The Liquidator, and appeared with his quintet in the anthology film Dr. Terror's House of Horrors. His section, "Voodoo," found his band performing behind actor Roy Castle, who played a jazz musician. A three-track EP from the soundtrack titled Voodoo Session was released by Trunk Records in 2009.

Though he was already a prolific recording artist under his own name, Hayes also found time to guest on recordings by other British jazz musicians, including the Harry South Big Band, the Ian Hamer Sextet, and Ted Heath’s Orchestra. Among his many studio credits, Hayes led the brass section on the sessions for Music in a Doll's House -- the 1967 debut album by Family -- that also featured string and brass charts by a young Mike Batt, who lionized Hayes. Batt credited Hayes with saving his brass arrangement on the track "Old Songs for New Songs." When the arranger realized he had inadvertently notated parts in the wrong key, Hayes and his colleagues, realizing his mistake, discreetly transposed their parts by ear so that they would match the backing track. That same year, Hayes' quartet released what is arguably (yet widely) regarded as his finest offering, the album Mexican Green for Fontana, which was issued in 1968. Hayes was lucky in continuing to record and tour, but times were tough. Given the rise of commercial rock & roll, jazz became marginalized in Great Britain and, a little later, in the U.S. as well. What was thought to be his final recording session for the year was with his big-band's The Orchestra project -- a more commercial outing aimed at pop and easy listening audiences; it featured sophisticated charts for covers of hit songs by the Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, and others. Released by Fontana as catalog number 6309 002 in 1970, it fared poorly. Hayes, a longtime drug addict and alcoholic, began to experience severe health issues. He underwent open-heart surgery and a long period of recuperation. He started performing again in 1971, and in 1972 toured Norway and Sweden. In 1973, after suffering faltering health again, he underwent another heart surgery but expired on the operating table.

In all, Hayes' discography as a leader and/or sideman encompasses more than 400 albums. Unfortunately, many of those recordings -- up to 100 -- didn't appear until long after his passing. In 2017, Spillett's acclaimed The Long Shadow of the Little Giant: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes was published by Equinox in the U.K. and received good reviews on both sides of the Atlantic. In 2019, two major events took place that further expanded the reach and influence of Hayes' legend. The first was the appearance of the documentary feature film A Man in a Hurry directed by Lee Cogswell and written by Mark Baxter. The second was the release of a holy grail of jazz, Hayes' album Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. The rediscovery came about when late jazz writer and Polygram catalog manager Richard Cook spotted entries in Hayes' diary that detailed several recording sessions. He found the 1969 tapes in the archive. Cook left the company in 1997, and it was only in 2018 that their existence resurfaced. Decca/Universal hired high-end vinyl specialists Gearbox Studios to master the sessions for the first time. In July 2019, before the film's commercial appearance, Gearbox issued the set in various configurations: As a 180-gram vinyl edition created by using a '60s-era Studer C37 tape machine and a Scully Lathe (the very same model used by jazz engineer legend Rudy Van Gelder), and as single- and double-compact disc editions. In an interview Spillett said "It really is a lost masterpiece, make no mistake....It's hard to believe that this music has lain unheard for 50 years, it's so fresh. There's no doubt in my mind that had they been issued at the time, these recordings would have been seen as Tubby's last great album." [In September 2019, Decca issued the 12-disc box set The Complete Fontana Albums 1960-1969. The LP version contained 11 LPs. The recordings were remastered at Gearbox Records' studios, directly from the original tapes, using a Studer C37 ¼-inch stereo tape machine, equalized through an all-valve mastering deck built for Decca studios during the late 1950s.]

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

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Biografía del artista por Thom Jurek

Apodado "The Little Giant", el saxofonista inglés Tubby Hayes era un excelente hard bop y estilista modal cuyos solos eran dinámicos, expertamente articulados y construidos de manera intrincada, así como expresivos e imaginativos. Además de saxos y vientos de madera, también fue un arreglador, compositor y vibrafonista muy hábil. Era un jugador deslumbrante y muy acrobático que atrajo tanto críticas por sus virtuosas ráfagas de notas como elogios. Una presencia ubicua en la escena del jazz británico de los años sesenta y principios de los setenta, murió a los 38 años en 1973. Su influencia, ahora indiscutible, lo ha convertido en el abanderado del jazz británico durante el siglo XX. Sus incursiones en Estados Unidos tal vez no se hayan registrado en la prensa de jazz, pero fue venerado por prácticamente todos los jazzistas del otro lado del Atlántico que lo escucharon o tocaron con él: Entre ellos Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Charles Mingus y Duke Ellington. Fue profundamente admirado por Miles Davis, Dexter Gordon, Cannonball Adderley, Art Pepper y Sonny Rollins. Hayes, junto con el saxofonista Ronnie Scott, co-lideró los Jazz Couriers a finales de los años 50. Los saxistas y el trompetista Jimmy Deuchar cambiaron por sí solos la faz del paisaje del jazz inglés que, en aquel entonces, estaba formado principalmente por bandas de baile de los años 30 en adelante. Después de la separación, Scott comenzó su legendario club -- la noche del estreno presentó la nueva banda de Hayes -- y Tubbs se estableció como un músico prolífico; dirigió cuartetos, quintetos y sextetos, así como grandes bandas. Tenía su propia serie de televisión y acumuló un vasto canon de álbumes desde 1955 en adelante para una gran cantidad de sellos discográficos, incluyendo Tempo, Fontana, Spotlite, Epic, Smash y Mole.

Hayes nació como Edward Brian Hayes en Londres. Su padre era un violinista de estudio de la BBC y líder de una banda de baile ambulante. Deseoso de inculcar en su hijo el amor por la música, le dio clases de violín desde muy temprana edad. A la edad de diez años, Hayes tocaba el piano y comenzó a tocar el saxo tenor a los 11 años. El joven se enamoró del jazz gracias a la colección de discos de su padre y a la radio europea que tocaba grabaciones de pioneros del bebop como Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Después de tocar con varias bandas semiprofesionales en Londres durante un tiempo, Hayes dejó la escuela y comenzó a tocar profesionalmente a los 15 años. En 1951, a los 16 años, Hayes se unió al sexteto de Kenny Baker, y posteriormente trabajó con directores de orquesta como Vic Lewis y Jack Parnell. Ya era un sofisticado arreglista, y componía las listas de éxitos de las bandas en las que tocaba en su adolescencia. En 1955, Hayes formó su propio octeto, con el que recorrió el Reino Unido durante 18 meses. Empezó a trabajar con el vibráfono en 1957, después de haber probado el instrumento de Victor Feldman durante un concierto. Aunque las vibraciones eran un instrumento clave en su arsenal, finalmente se cansó de tocarlas. De 1957 a 1959, se unió a Ronnie Scott en la co-liderazgo del quinteto Jazz Couriers. Se convirtieron en la propiedad más caliente de la escena jazzística británica de la época y grabaron para el sello Tempo. A pesar de su relativamente corta permanencia en el cargo, su influencia todavía se siente en el siglo XXI.

Después de la separación de Jazz Couriers, Hayes formó su propio cuarteto y realizó una gira por Alemania. En 1961 recibió una invitación a Estados Unidos para tocar en el Half Note Club de la ciudad de Nueva York como parte de un intercambio de la Unión de Músicos que llevó a la saxofonista americana Zoot Sims a Inglaterra para tocar en el club de Scott. En América, Hayes grabó Tubbs en Nueva York con Clark Terry, Eddie Costa y Horace Parlan. Regresó en 1962 y cortó "Return Visit" con James Moody, (antes de Rahsaan) Roland Kirk, Walter Bishop, Jr, Sam Jones y Louis Hayes. Tocó de nuevo en el Half Note en 1964, y en el Boston Jazz Workshop ese mismo año. Viajó a la Costa Oeste por primera vez en 1965, tocando en un concierto de varias noches en el Manne-Hole del baterista Shelly Manne en Los Ángeles.

Cuando estaba en su casa en Londres, Hayes era una mercancía muy debatida entre los críticos, pero era muy querida por el público que compraba discos. Dada su ubicuidad en las salas de conciertos durante las giras y en la televisión -organizó tres programas de televisión diferentes entre 1961 y 1963-, su biógrafo Simon Spillet escribió: "Tubby enfrentó casi tantas críticas en la prensa como elogios, la mayoría de ellas centradas en su habilidad técnica... tanto un criterio con el que medir a los demás como, con demasiada frecuencia, un simple palo con el que derrotarlo....".También sufrió de algo para lo que parece que tenemos un don en este país: desarmar a alguien por no hacer nada más que ser magníficamente realizado en lo que hace".

Además de la televisión, Hayes también trabajó en cine y radio, escribiendo y arreglando partituras, comerciales y canciones. En 1964, sustituyó a Paul Gonsalves en la orquesta de Duke Ellington y en 1965 grabó con el saxofonista en Just Friends, y más tarde en Change of Setting.

Hayes también apareció en películas, incluyendo All Night Long con Charles Mingus y Dave Brubeck, con su propio grupo en A King in New York protagonizado por Charlie Chaplin (1957), y The Beauty Jungle (1964). También es habitual en festivales de jazz europeos desde el Reino Unido hasta España, pasando por Italia, Viena y Berlín. Apareció en varias bandas sonoras en 1965, especialmente en la partitura de Lalo Schifrin para The Liquidator, y apareció con su quinteto en la antología de la película Dr. Terror's House of Horrors. Su sección, "Voodoo", encontró a su banda actuando detrás del actor Roy Castle, que interpretó a un músico de jazz. Un EP de tres bandas sonoras titulado Voodoo Session fue lanzado por Trunk Records en 2009.

Aunque ya era un artista prolífico bajo su propio nombre, Hayes también encontró tiempo para ser invitado a grabaciones de otros músicos de jazz británicos, incluyendo la Harry South Big Band, el Ian Hamer Sextet y la Orquesta de Ted Heath. Entre sus muchos créditos de estudio, Hayes dirigió la sección de metales de las sesiones de Music in a Doll's House, el álbum debut de 1967 de Family, que también incluía cartas de cuerdas y metales de un joven Mike Batt, que leonó a Hayes. Batt le dio crédito a Hayes por guardar su arreglo de latón en el tema "Old Songs for New Songs". Cuando el arreglista se dio cuenta de que había anotado sin querer las partes en la clave equivocada, Hayes y sus colegas, al darse cuenta de su error, transpusieron discretamente sus partes por la oreja para que coincidieran con la pista de acompañamiento. Ese mismo año, el cuarteto de Hayes lanzó lo que se puede decir (aunque ampliamente) considera su mejor oferta, el álbum Mexican Green for Fontana, que se publicó en 1968. Hayes tuvo la suerte de seguir grabando y haciendo giras, pero los tiempos eran difíciles. Dado el auge del rock & roll comercial, el jazz quedó marginado en Gran Bretaña y, un poco más tarde, también en Estados Unidos. Lo que se pensó que sería su última sesión de grabación del año fue con el proyecto The Orchestra de su big-band -- una salida más comercial dirigida a audiencias pop y de fácil escucha; incluía sofisticadas listas de éxitos de los Beatles, Burt Bacharach, Nancy Sinatra, Fifth Dimension, y otros. Lanzado por Fontana con el número de catálogo 6309 002 en 1970, le fue mal. Hayes, una antigua drogadicta y alcohólica, comenzó a experimentar graves problemas de salud. Se sometió a una cirugía a corazón abierto y a un largo período de recuperación. Comenzó a actuar de nuevo en 1971, y en 1972 realizó giras por Noruega y Suecia. En 1973, después de sufrir de nuevo una mala salud, se sometió a otra cirugía cardíaca pero expiró en la mesa de operaciones.

En total, la discografía de Hayes como líder y/o sideman abarca más de 400 álbumes. Desafortunadamente, muchas de esas grabaciones, hasta 100, no aparecieron hasta mucho después de su muerte. En 2017, Spillett aclamó La larga sombra del pequeño gigante: The Life, Work and Legacy of Tubby Hayes fue publicado por Equinox en el Reino Unido y recibió buenas críticas a ambos lados del Atlántico. En 2019, se produjeron dos acontecimientos importantes que ampliaron aún más el alcance y la influencia de la leyenda de Hayes. La primera fue la aparición del documental A Man in a Hurry, dirigido por Lee Cogswell y escrito por Mark Baxter. El segundo fue el lanzamiento de un santo grial del jazz, el álbum de Hayes Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Session 1969. El redescubrimiento se produjo cuando el difunto escritor de jazz y director del catálogo de Polygram, Richard Cook, descubrió en el diario de Hayes una serie de entradas que detallaban varias sesiones de grabación. Encontró las cintas de 1969 en el archivo. Cook dejó la empresa en 1997, y sólo en 2018 resurgió su existencia. Decca/Universal contrató a los especialistas en vinilos de alta calidad de Gearbox Studios para dominar las sesiones por primera vez. En julio de 2019, antes de la aparición comercial de la película, Gearbox emitió el set en varias configuraciones: Como una edición de vinilo de 180 gramos creada utilizando una máquina de cinta Studer C37 de los años 60 y un Torno Scully (el mismo modelo utilizado por la leyenda del ingeniero de jazz Rudy Van Gelder), y como ediciones de discos compactos simples y dobles. En una entrevista Spillett dijo "Es realmente una obra maestra perdida, no se equivoque....Es difícil creer que esta música ha permanecido sin escuchar durante 50 años, es tan fresca. No tengo ninguna duda de que si se hubieran publicado en ese momento, estas grabaciones habrían sido vistas como el último gran álbum de Tubby". En septiembre de 2019, Decca publicó la caja de 12 discos The Complete Fontana Albums 1960-1969. La versión LP contenía 11 LPs. Las grabaciones fueron remasterizadas en los estudios de Gearbox Records, directamente de las cintas originales, usando una máquina de cinta estéreo Studer C37 ¼ pulgadas, ecualizadas a través de una plataforma de masterización de válvulas construida para los estudios Decca a finales de la década de 1950].

https://www.allmusic.com/artist/tubby-hayes-mn0000842398/biography

 

 

 

Dizzy Reece Quartet • Original Jazz Themes From The Ealing Film Nowhere To Go [EP]

 

Niels Henning Ørsted Pedersen • The Bass in the Background

 

Review by Scott Yanow
The death of bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen in 2005 when he was one month shy of his 59th birthday was completely unexpected. One of the great bassists to emerge during the '60s, Pedersen could take lightning-fast solos, keeping up with Oscar Peterson during their romps, and yet was a perfect accompanist. He will perhaps be best remembered for his association with Peterson in the '70s and '80s, and for his work in the '60s when he was often part of a rhythm section that accompanied American greats while they made European tours. This sampler of Pedersen's recordings as a sideman for the Danish Storyville label has ten selections from 1962-1968, three from 1972-1978, and one apiece from 1986 and 1992. Pedersen is heard with a who's who of remarkable jazz soloists including Bud Powell (in 1962 when the bassist was just 15), Johnny Griffin, Stuff Smith, Kenny Drew, Ben Webster, Dexter Gordon, Coleman Hawkins, Teddy Wilson, Lee Konitz, Warne Marsh, and Zoot Sims, along with such Europeans as Bent Jaedig, Svend Asmussen, Stéphane Grappelli, Tubby Hayes, and Palle Mikkelborg. The music is primarily straight-ahead and there are some fine solos by Pedersen although the emphasis is more on his playing with groups. The Bass in the Background is a well-conceived set that should whet listeners' appetites to hear many more recordings by this brilliant bassist.
https://www.allmusic.com/album/the-bass-in-the-background-a-great-selection-1962-1992-mw0000643605

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Reseña de Scott Yanow
La muerte del bajista Niels-Henning Ørsted Pedersen en 2005, cuando le faltaba un mes para cumplir 59 años, fue completamente inesperada. Pedersen, uno de los grandes bajistas que surgieron en los años 60, podía hacer solos rapidísimos, siguiendo el ritmo de Oscar Peterson durante sus paseos, y sin embargo era un perfecto acompañante. Tal vez se le recuerde más por su asociación con Peterson en los años 70 y 80, y por su trabajo en los años 60, cuando a menudo formaba parte de la sección rítmica que acompañaba a los grandes americanos cuando hacían giras europeas. Este muestrario de las grabaciones de Pedersen como acompañante para el sello danés Storyville contiene diez selecciones de 1962-1968, tres de 1972-1978 y una de 1986 y 1992. Pedersen se escucha con un "quién es quién" de notables solistas de jazz, como Bud Powell (en 1962, cuando el bajista tenía sólo 15 años), Johnny Griffin, Stuff Smith, Kenny Drew, Ben Webster, Dexter Gordon, Coleman Hawkins, Teddy Wilson, Lee Konitz, Warne Marsh y Zoot Sims, junto con europeos como Bent Jaedig, Svend Asmussen, Stéphane Grappelli, Tubby Hayes y Palle Mikkelborg. La música es principalmente directa y hay algunos buenos solos de Pedersen, aunque el énfasis se pone en su forma de tocar con los grupos. The Bass in the Background es un conjunto bien concebido que debería abrir el apetito de los oyentes para escuchar muchas más grabaciones de este brillante bajista.
https://www.allmusic.com/album/the-bass-in-the-background-a-great-selection-1962-1992-mw0000643605


www.storyvillerecords.com ...

Joe Harriott & Co Feat. John Dankworth & Tubby Hayes • Helter Skelter

Biography

Joe Harriott's music goes virtually unheard today, yet the alto saxophonist exerted a powerful influence on early free jazz in England. The Jamaican-born and raised Harriott played with his countrymen, trumpeter Dizzy Reece and tenor saxophonist Wilton "Bogey" Gaynair, before emigrating to England in 1951. In London, Harriott worked freelance and in the band of trumpeter Pete Pitterson. In 1954, he landed an important gig with drummer Tony Kinsey; the next year he played in saxophonist Ronnie Scott's big band. His first album as a leader was 1959's Southern Horizon. Originally a bop-oriented player, Harriott gradually grew away from the conventions of that style. During a 1960 hospital stay, Harriott envisaged a new method of improvisation that, to an extent, paralleled the innovations of Ornette Coleman. Harriott was initially branded a mere imitator of Coleman, but close listening to both men reveals distinct differences in their respective styles. Harriott manifested a more explicit philosophical connection with bebop, for one thing, and his music was more concerned with ensemble interaction than was Coleman's early work. The 1960 album Free Form, which included trumpeter Shake Keane, pianist Pat Smythe, bassist Coleridge Goode, and drummer Phil Seaman, illustrated Harriott's new techniques. Beginning in 1965, he began fusing jazz with various types of world folk musics. He collaborated with Indian musician John Mayer on a record -- 1967's Indo-Jazz Suite -- that utilized modal and free jazz procedures. The album's traditional jazz quintet instrumentation was augmented by a violin, sitar, tambura, and tabla. Harriott's recorded output was scarce and virtually none of it remains in print.

https://www.allmusic.com/artist/joe-harriott-mn0000136875/biography

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Biografía

La música de Joe Harriott es prácticamente inaudita hoy en día, pero el saxofonista alto ejerció una poderosa influencia en el free jazz temprano en Inglaterra. Harriott, nacido y criado en Jamaica, tocó con sus compatriotas, el trompetista Dizzy Reece y el saxofonista tenor Wilton "Bogey" Gaynair, antes de emigrar a Inglaterra en 1951. En Londres, Harriott trabajó por cuenta propia y en la banda del trompetista Pete Pitterson. En 1954, consiguió un importante concierto con el baterista Tony Kinsey; al año siguiente tocó en la gran banda del saxofonista Ronnie Scott. Su primer álbum como líder fue Southern Horizon de 1959. Originalmente orientado al bop, Harriott se alejó gradualmente de las convenciones de ese estilo. Durante una estancia en el hospital en 1960, Harriott concibió un nuevo método de improvisación que, hasta cierto punto, era paralelo a las innovaciones de Ornette Coleman. En un principio, Harriott fue tildado de mero imitador de Coleman, pero al escuchar atentamente a ambos hombres se observan claras diferencias en sus respectivos estilos. Harriott manifestó una conexión filosófica más explícita con el bebop, por un lado, y su música se preocupaba más por la interacción con el conjunto que por la obra temprana de Coleman. El álbum Free Form de 1960, que incluía al trompetista Shake Keane, al pianista Pat Smythe, al bajista Coleridge Goode y al batería Phil Seaman, ilustraba las nuevas técnicas de Harriott. A partir de 1965, comenzó a fusionar el jazz con varios tipos de música folclórica mundial. Colaboró con el músico indio John Mayer en un disco, el Indo-Jazz Suite de 1967, que utilizaba procedimientos de jazz modal y libre. La instrumentación tradicional del quinteto de jazz del álbum fue aumentada con un violín, un sitar, una tambura y una tabla. La producción grabada de Harriott fue escasa y prácticamente nada de ella permanece en la imprenta.

https://www.allmusic.com/artist/joe-harriott-mn0000136875/biography

Ronnie Scott and Tubby Hayes • The Jazz Couriers in Concert

This legendary album, which is a coveted procession by legions of jazz fans, and labeled by many as one of the great classics of British jazz, was recorded live at The Dominion Theater in Tottenham Court Road London on 16th February 1958. It was first released on the Tempo record label soon after the performance and preceded a number of re- issues including this one that came about eight years later on EMI's budget  "Music For Pleasure" output for the princely sum of twelve and sixpence. "The Couriers" as they were known only lasted three years from their debut at The Flamingo club on 7th April 1957 to their disbandment in August 1959. The band made four albums during this time, performed regularly around the country and on BBC television. At 31 years of age Ronnie Scott was just about to open his first jazz club at 39 Gerrard Street, now affectionately known as "The Old Place"and Tubby, only 23, was on his way to becoming a world renowned saxophonist. It was generally said by many (mostly visiting American musicians)  that British rhythm sections were not up to much at the time, maybe so, but on this occasion they sounded fine with Bill Eyden driving the band on from the drum chair in the up tempo numbers, bass man Phil Bates keeping a rock steady pulse, although on some numbers he is too far back in the mix and Terry Shannon offering fine support to the saxes while also making a huge contribution to the band with a number of well considered and inventive solo passages.

The album itself has a great live atmosphere generated by an enthusiastic London crowd alongside Ronnie's dry humour ie: "This one is from the album Elvis Presley sings the Thelonious Monk Song Book" etc etc. Things open at breakneck speed, as they often did on small group dates of the time, on a uproarious version of Cole Porter's What Is This Thing Called Love with both saxophonists exercising their considerable chops and Terry Shannon making the most of Tubby's fine arrangement. Ronnie Scott was not a prolific composer, but Some Of My Best Friends Are Blues is a fine piece in the twelve bar mode of the genre with Tubbs on vibes, Ronnie taking a great solo and Terry Shannon's performance on piano being described by producer Tony Hall, as "One of the best ever recorded by a British pianist ". The Serpent is perhaps the standout track of the whole album with a strong soulful, yet joyous  theme composed and beautifully played by Tubby as a tribute to Bix Curtis, a compere at the legendary Flamingo Club. Side two gets underway with frank Loesser's Guys and Dolls from the Broadway musical of 1950. This is a real crowd pleaser, with high powered solos from both saxes and a calming piano interlude during its eight minute duration. Time Was and Kurt Weill's classic Speak Low are showcase pieces for the two leaders, firstly Tubby shows his easy mastery of the vibes in a Latin tinged exploration on a rare airing of the somewhat neglected tune by the Cuban composer Perez Prado before Ronnie shows unusual restraint and great lyricism, hitting just the right groove on one of the finest ballad pieces from the German master. Its an almost obligatory flag waving finish to the set with Irving Berlin's Cheek To Cheek providing the vehicle for both horns on their high speed chase through a tune that in fact lends itself to successful interpretations in any number of tempos.

In summary, this is an extremely engaging and entertaining album, with for the greater part, a high level of musicianship and most importantly, it defiantly stands the test of time.

by Jim Burlong

https://www.jazzviews.net/the-jazz-couriers-in-concert-featuring-ronnie-scott--tubby-hayes.html

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Este legendario álbum, que es una codiciada procesión de legiones de aficionados al jazz, y que muchos califican como uno de los grandes clásicos del jazz británico, se grabó en directo en el Dominion Theater de Tottenham Court Road, Londres, el 16 de febrero de 1958. Fue lanzado por primera vez en el sello discográfico Tempo poco después de la actuación y precedió a una serie de reediciones, incluyendo ésta que llegó unos ocho años más tarde en la salida de "Music For Pleasure" del presupuesto de EMI por la principesca suma de doce y seis peniques. "The Couriers", como se les conocía, sólo duró tres años desde su debut en el club The Flamingo el 7 de abril de 1957 hasta su disolución en agosto de 1959. La banda grabó cuatro álbumes durante este tiempo, y actuó regularmente en todo el país y en la televisión de la BBC. A los 31 años de edad, Ronnie Scott estaba a punto de abrir su primer club de jazz en el 39 de Gerrard Street, ahora conocido cariñosamente como "The Old Place" y Tubby, con sólo 23 años, estaba en camino de convertirse en un saxofonista de renombre mundial. Muchos (la mayoría de los músicos estadounidenses que visitaban el lugar) decían que las secciones rítmicas británicas no estaban a la altura de las circunstancias, pero en esta ocasión sonaban bien, con Bill Eyden dirigiendo la banda desde la silla de la batería en los números de tempo alto, el bajista Phil Bates manteniendo el pulso del rock constante, aunque en algunos números está demasiado atrás en la mezcla y Terry Shannon ofreciendo un buen apoyo a los saxos, al mismo tiempo que hacía una gran contribución a la banda con una serie de pasajes en solitario bien considerados e inventivos.

El álbum en sí tiene una gran atmósfera en vivo generada por una entusiasta multitud londinense junto con el humor seco de Ronnie, por ejemplo: "Este es del álbum Elvis Presley canta el Thelonious Monk Song Book" etc etc. Las cosas se abren a una velocidad vertiginosa, como solían hacer en las citas de grupos pequeños de la época, en una versión escandalosa de What Is This Thing Called Love de Cole Porter con ambos saxofonistas ejerciendo sus considerables chuletillas y Terry Shannon aprovechando el buen arreglo de Tubby. Ronnie Scott no fue un compositor prolífico, pero "Some Of My Best Friends Are Blues" es una buena pieza en el modo de doce compases del género con Tubbs en el vibráfono, Ronnie haciendo un gran solo y la interpretación de Terry Shannon en el piano siendo descrita por el productor Tony Hall, como "Una de las mejores jamás grabadas por un pianista británico". The Serpent es quizás la canción más destacada de todo el álbum con un tema fuerte y lleno de sentimiento, pero alegre, compuesto y bellamente interpretado por Tubby como un tributo a Bix Curtis, un compadre del legendario Flamingo Club. El lado dos se pone en marcha con Guys and Dolls de Frank Loesser del musical de Broadway de 1950. Este es un verdadero placer para el público, con solos de alta potencia de ambos saxos y un relajante interludio de piano durante sus ocho minutos de duración. Time Was y el clásico de Kurt Weill Speak Low son piezas de exhibición para los dos líderes, en primer lugar Tubby muestra su fácil dominio de las vibraciones en una exploración de tinte latino en una rara emisión de la melodía algo descuidada del compositor cubano Pérez Prado, antes de que Ronnie muestre una inusual contención y un gran lirismo, dando en el clavo en una de las mejores piezas de balada del maestro alemán. Es una bandera casi obligatoria que ondea al final del escenario con el Cheek To Cheek de Irving Berlin proporcionando el vehículo para ambos cuernos en su persecución a alta velocidad a través de una melodía que de hecho se presta a interpretaciones exitosas en cualquier número de tempos.

En resumen, este es un álbum extremadamente atractivo y entretenido, con la mayor parte, un alto nivel de musicalidad y lo más importante, resiste desafiantemente la prueba del tiempo.

por Jim Burlong

https://www.jazzviews.net/the-jazz-couriers-in-concert-featuring-ronnie-scott--tubby-hayes.html

The New Jazz Group, Vic Ash Quartet, Tubby Hayes & His Orchestra • Modern Jazz Scene

 

The occasion was the National Jazz Federation's annual concert presentation "The Jazz Scene". The place was London's luxury Royal Festival Hall, built in 1951 and blessed with some of the finest acoustics. The bands participating were the new Ronnie Scott Orchestra with Tony Crombie (their section has an LP to itself on another label) and, exclusive to Tempo recording artists, the Tubby Hayes Orchestra, poll-winning clarinettist Vic Ash's Quartet, and the recently formed co-operative unit, the four-piece New Jazz Group.
https://jasmine-records.co.uk/shop/n/newjazz-group-the/various-artists-modern-jazz-scene-1956-feat-tubby-hayes-vic-ash-etc/

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La ocasión era la presentación del concierto anual de la Federación Nacional de Jazz "The Jazz Scene". El lugar era el lujoso Royal Festival Hall de Londres, construido en 1951 y dotado de una de las mejores acústicas. Los grupos participantes eran la nueva Orquesta de Ronnie Scott con Tony Crombie (su sección tiene un LP para ella sola en otro sello) y, en exclusiva para los artistas de grabaciones Tempo, la Orquesta de Tubby Hayes, el cuarteto del clarinetista Vic Ash, ganador de una encuesta, y la unidad cooperativa recientemente formada, el New Jazz Group de cuatro miembros.
https://jasmine-records.co.uk/shop/n/newjazz-group-the/various-artists-modern-jazz-scene-1956-feat-tubby-hayes-vic-ash-etc/

The Tubby Hayes Quartet • Grits, Beans And Greensː The Lost Fontana Studio Sessions 1969

 

Review by Thom Jurek
Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Sessions 1969 is truly a "lost" album that's a jazz holy grail on par with Tubby Hayes' 1968 albums Mexican Green and 100% Proof. Cut with a smoking new band with whom he was trying to re-establish himself as a viable musician after two years of health problems, arrests, and other mishaps, this amounts to his last great album. The session reels containing it sat in boxes until 2014 when Decca/Universal hired high-end vinyl specialists Gearbox Studios to master the sessions for the first time and deliver new lacquers. While the album was assembled from multiple takes, Hayes' diary designated the final lineup's keepers.

Hayes was a consummate jazz musician -- arguably the greatest of 20th century England. His band here -- Spike Wells on drums, pianist Mike Pyne, and bassist Ron Mathewson -- roars through five mid-length to long tunes in sessions that were as loose as they were swinging. Opener "For Members Only" is counted off by Hayes and set into motion by Wells. After a couple of different "endings" in the intro, the jam kicks into gear with Hayes in muscular form, his solo fleet, wildly imaginative, and harmonically astonishing as it encompasses his own developmental ideas and fascinations with the jazz vanguard and blues-inspired language. Wells, who made his recorded debut here, swings like mad but keeps Mathewson and his meaty yet lofty ideas grounded, while Pyne delivers fat comps, vamps, and a tight solo. "Rumpus" is a monument to high musicality. This version is a first take, and its knotty construction crisscrosses the intricate athleticism of bop with its knotty head joined to the more physically demanding modal hard bop of John Coltrane during the Atlantic period. Hayes' solo is dazzling in its complexity and feeling, with the rhythm section carving out space for him to explore. The title cut is a finger-popping hard bop groover; it offers dexterous, even competitive interplay between Hayes and Mathewson. A pair of covers round out the set. The first is a gorgeous, deeply felt version of Duke Pearson's immortal ballad "You Know That I Care," in which Hayes delivers both the lushness and deep emotion that makes fools of critics who claimed he was all flash and no feeling. The sprightly articulation of the Latin-ized rhythmic invention in "Where Am I Going?" by Cy Coleman closes the set as Wells pushes the band into a humid groove while Hayes and Mathewson communicate directly. Pyne moves from sharp montunos to elegant, even romantic post-bop swing as Hayes matches cadenzas with short phrases and seamless arpeggios. The sound is pristine; it that matches the soulfulness and technical proficiency of the playing, and Hayes' biographer Simon Spilett penned the copious liner notes. Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Sessions 1969 presents itself as a bona fide jazz holy grail. Hopefully, along with the documentary Tubby Hayes: A Man in a Hurry, it will spark a true critical and popular reappraisal of Hayes' work.
https://www.allmusic.com/album/grits-beans-and-greens-the-lost-fontana-studio-sessions-1969-mw0003290360

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Reseña de Thom Jurek
Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Sessions 1969 es realmente un álbum "perdido" que es un santo grial del jazz a la altura de los álbumes de Tubby Hayes de 1968 Mexican Green y 100% Proof. Grabado con una nueva y humeante banda con la que intentaba restablecerse como músico viable después de dos años de problemas de salud, arrestos y otros percances, se trata de su último gran álbum. Los rollos de sesión que lo contenían permanecieron en cajas hasta 2014, cuando Decca/Universal contrató a los especialistas en vinilos de alta gama Gearbox Studios para que masterizaran las sesiones por primera vez y entregaran nuevas lacas. Aunque el álbum se montó a partir de múltiples tomas, el diario de Hayes designó a los guardianes de la alineación final.

Hayes fue un consumado músico de jazz, posiblemente el más grande de la Inglaterra del siglo XX. Su banda -Spike Wells en la batería, el pianista Mike Pyne y el bajista Ron Mathewson- ruge a través de cinco temas de duración media a larga en sesiones tan sueltas como movidas. La primera canción, "For Members Only", es contada por Hayes y puesta en marcha por Wells. Después de un par de "finales" diferentes en la introducción, la jam se pone en marcha con Hayes en forma musculosa, su solo es rápido, salvajemente imaginativo y armónicamente asombroso, ya que abarca sus propias ideas de desarrollo y fascinación con la vanguardia del jazz y el lenguaje inspirado en el blues. Wells, que hizo su debut discográfico aquí, se balancea como un loco, pero mantiene a Mathewson y sus ideas carnosas pero elevadas en la tierra, mientras que Pyne ofrece gordos comps, vamps, y un solo apretado. "Rumpus" es un monumento a la alta musicalidad. Esta versión es una primera toma, y su nudosa construcción entrecruza el intrincado atletismo del bop con su nudosa cabeza unida al hard bop modal más exigente físicamente de John Coltrane durante el periodo atlántico. El solo de Hayes es deslumbrante en su complejidad y sentimiento, con la sección rítmica abriendo espacio para que explore. El corte que da título al disco es un hard bop con dedos; ofrece una interacción hábil e incluso competitiva entre Hayes y Mathewson. Un par de versiones completan el conjunto. La primera es una versión magnífica y profundamente sentida de la inmortal balada de Duke Pearson "You Know That I Care", en la que Hayes ofrece tanto la exuberancia como la profunda emoción que deja en ridículo a los críticos que decían que era todo flash y nada de sentimiento. La articulación ágil de la invención rítmica latina en "Where Am I Going?" de Cy Coleman cierra el conjunto cuando Wells empuja a la banda hacia un ritmo húmedo mientras Hayes y Mathewson se comunican directamente. Pyne pasa de los montunos afilados al swing post-bop elegante, incluso romántico, mientras Hayes combina las cadencias con frases cortas y arpegios sin fisuras. El sonido es inmaculado, a la altura del alma y la destreza técnica de la interpretación, y el biógrafo de Hayes, Simon Spilett, ha redactado las abundantes notas del disco. Grits, Beans and Greens: The Lost Fontana Studio Sessions 1969 se presenta como un auténtico santo grial del jazz. Es de esperar que, junto con el documental Tubby Hayes: A Man in a Hurry, provoque una verdadera revalorización crítica y popular de la obra de Hayes.
https://www.allmusic.com/album/grits-beans-and-greens-the-lost-fontana-studio-sessions-1969-mw0003290360

Tubby Hayes-Clark Terry • New York Sessions

 

Review by Scott Yanow
Tubby Hayes was a superior tenor saxophonist from England who played in the tradition of Zoot Sims and Al Cohn, with just a dash of Johnny Griffin and early John Coltrane. This CD finds Tubby holding his own with a top-notch swinging rhythm section (pianist Horace Parlan, bassist George Duvivier, and Dave Bailey) along with guests Clark Terry (on four of the ten selections) and vibraphonist Eddie Costa (on three songs). Whether it be an up-tempo rendition of "Airegin" or a tender "You're My Everything," Tubby Hayes shows that he is an underrated legend. The original six selections are joined by four equally rewarding unreleased performances.

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Reseña de Scott Yanow
Tubby Hayes era un saxofonista tenor superior de Inglaterra que tocaba en la tradición de Zoot Sims y Al Cohn, con una pizca de Johnny Griffin y el primer John Coltrane. En este CD, Tubby se defiende con una sección rítmica de primera categoría (el pianista Horace Parlan, el bajista George Duvivier y Dave Bailey) junto con los invitados Clark Terry (en cuatro de las diez selecciones) y el vibrafonista Eddie Costa (en tres canciones). Tubby Hayes demuestra que es una leyenda infravalorada, ya sea en una versión acelerada de "Airegin" o en la tierna "You're My Everything". A las seis selecciones originales se unen cuatro interpretaciones inéditas igualmente gratificantes.