Little Milton • Sings Big Blues

 

Artist Biography by Steve Huey

He may not be a household name, but die-hard blues fans know Little Milton as a superb all-around electric bluesman -- a soulful singer, an evocative guitarist, an accomplished songwriter, and a skillful bandleader. He's often compared to the legendary B.B. King -- as well as Bobby "Blue" Bland -- for the way his signature style combines soul, blues, and R&B, a mixture that helped make him one of the biggest-selling bluesmen of the '60s (even if he's not as well-remembered as King). As time progressed, his music grew more and more orchestrated, with strings and horns galore. He maintained a steadily active recording career all the way from his 1953 debut on Sam Phillips' legendary Sun label, with his stunning longevity including notable stints at Chess (where he found his greatest commercial success), Stax, and Malaco.

James Milton Campbell was born September 7, 1934, in the small Delta town of Inverness, MS, and grew up in Greenville. (He would later legally drop the "James" after learning of a half-brother with the same name.) His father Big Milton, a farmer, was a local blues musician, and Milton also grew up listening to the Grand Ole Opry radio program. At age 12, he began playing the guitar and saved up money from odd jobs to buy his own instrument from a mail-order catalog. By 15, he was performing for pay in local clubs and bars, influenced chiefly by T-Bone Walker but also by proto-rock & roll jump blues shouters. He made a substantial impression on other area musicians, even getting a chance to back Sonny Boy Williamson II, and caught the attention of R&B great Ike Turner, who was doubling as a talent scout for Sam Phillips at Sun. Turner introduced the still-teenaged Little Milton to Phillips, who signed him to a contract in 1953. With Turner's band backing him, Milton's Sun sides tried a little bit of everything -- he hadn't developed a signature style as of yet, but he did have a boundless youthful energy that made these early recordings some of his most exciting and rewarding. Unfortunately, none of them were hits, and Milton's association with Sun was over by the end of 1954. He set about forming his own band, which waxed one single for the small Meteor label in 1957, before picking up and moving to St. Louis in 1958.

In St. Louis, Milton befriended DJ Bob Lyons, who helped him record a demo in a bid to land a deal on Mercury. The label passed, and the two set up their own label, christened Bobbin. Little Milton's Bobbin singles finally started to attract some more widespread attention, particularly "I'm a Lonely Man," which sold 60,000 copies despite being the very first release on a small label. As head of A&R, Milton brought artists like Albert King and Fontella Bass into the Bobbin fold, and with such a high roster caliber, the label soon struck a distribution arrangement with the legendary Chess Records. Milton himself switched over to the Chess subsidiary Checker in 1961, and it was there that he would settle on his trademark soul-inflected, B.B. King-influenced style. Initially a moderate success, Milton had his big breakthrough with 1965's "We're Gonna Make It," which hit number one on the R&B charts thanks to its resonance with the civil rights movement. "We're Gonna Make It" kicked off a successful string of R&B chart singles that occasionally reached the Top Ten, highlighted by "Who's Cheating Who?," "Grits Ain't Groceries," "If Walls Could Talk," "Baby I Love You," and "Feel So Bad," among others.

The death of Leonard Chess in 1969 threw his label into disarray, and Little Milton eventually left Checker in 1971 and signed with the Memphis-based soul label Stax (also the home of his former protégé Albert King). At Stax, Milton began expanding his studio sound, adding bigger horn and string sections and spotlighting his soulful vocals more than traditional blues. Further hits followed in songs like "Annie Mae's Cafe," "Little Bluebird," "That's What Love Will Make You Do," and "Walkin' the Back Streets and Cryin'," but generally not with the same magnitude of old. Stax went bankrupt in 1975, upon which point Little Milton moved to the TK/Glades label, which was better known for its funk and disco acts. His recordings there were full-blown crossover affairs, which made "Friend of Mine" a minor success, but that label soon went out of business as well. Milton spent some time in limbo; he recorded one album for MCA in 1983 called Age Ain't Nothin' But a Number, and the following year found a home with Malaco, which sustained the careers of quite a few old-school Southern soul and blues artists. During his tenure at Malaco, Milton debuted the song that would become his latter-day anthem, the bar band staple "The Blues Is Alright," which was also widely popular with European blues fans. Milton recorded frequently and steadily for Malaco, issuing 13 albums under their aegis by the end of the millennium. In 1988, he won the W.C. Handy Award for Blues Entertainer of the Year, and was also inducted into the Blues Hall of Fame.

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Biografía del artista por Steve Huey

Puede que no sea un nombre muy conocido, pero los fanáticos del blues conocen al pequeño Milton como un magnífico bluesista eléctrico, un cantante lleno de sentimiento, un guitarrista evocador, un compositor consumado y un hábil director de banda. A menudo se le compara con el legendario B.B. King - así como con Bobby "Blue" Bland - por la forma en que su estilo característico combina el soul, el blues y el R&B, una mezcla que ayudó a convertirlo en uno de los bluesmen más vendidos de los años 60 (aunque no sea tan recordado como King). Con el paso del tiempo, su música creció más y más orquestada, con cuerdas y trompetas en abundancia. Mantuvo una carrera discográfica constantemente activa desde su debut en 1953 con el legendario sello Sun de Sam Phillips, con una longevidad asombrosa que incluyó periodos notables en Chess (donde encontró su mayor éxito comercial), Stax y Malaco.

James Milton Campbell nació el 7 de septiembre de 1934 en la pequeña ciudad del Delta de Inverness, MS, y creció en Greenville. (Más tarde dejaría legalmente el "James" después de enterarse de un medio hermano con el mismo nombre). Su padre Big Milton, un granjero, era un músico de blues local, y Milton también creció escuchando el programa de radio Grand Ole Opry. A los 12 años, empezó a tocar la guitarra y ahorró dinero de trabajos ocasionales para comprar su propio instrumento de un catálogo de venta por correo. A los 15 años, actuaba de forma remunerada en clubes y bares locales, influenciado principalmente por T-Bone Walker pero también por gritones de proto-rock & roll jump blues. Causó una gran impresión en otros músicos de la zona, incluso tuvo la oportunidad de apoyar a Sonny Boy Williamson II, y llamó la atención del gran Ike Turner del R&B, que estaba haciendo de cazatalentos para Sam Phillips en el Sun. Turner presentó a Phillips al todavía adolescente Little Milton, quien le firmó un contrato en 1953. Con el apoyo de la banda de Turner, los equipos de Milton en el Sun probaron un poco de todo - todavía no había desarrollado un estilo propio, pero tenía una energía juvenil sin límites que hizo de estas primeras grabaciones unas de las más emocionantes y gratificantes. Desafortunadamente, ninguna de ellas fue un éxito, y la asociación de Milton con Sun terminó a finales de 1954. Empezó a formar su propia banda, que grabó un single para la pequeña discográfica Meteor en 1957, antes de recogerlo y mudarse a St. Louis en 1958.

En St. Louis, Milton se hizo amigo del DJ Bob Lyons, quien le ayudó a grabar una demo en un intento de conseguir un trato en Mercury. El sello pasó, y los dos crearon su propio sello, bautizado como Bobbin. Los sencillos de Bobbin de Little Milton finalmente comenzaron a atraer una mayor atención, en particular "I'm a Lonely Man", que vendió 60.000 copias a pesar de ser el primer lanzamiento en un sello pequeño. Como director de A&R, Milton incorporó a artistas como Albert King y Fontella Bass al grupo Bobbin, y con una lista de tan alto calibre, el sello pronto llegó a un acuerdo de distribución con la legendaria Chess Records. El propio Milton se pasó a la filial de Chess, Checker, en 1961, y fue allí donde se asentó en su estilo característico de influencia soul, B.B. King. Inicialmente un éxito moderado, Milton tuvo su gran avance con "We're Gonna Make It" de 1965, que alcanzó el número uno en las listas de R&B gracias a su resonancia con el movimiento de derechos civiles. "We're Gonna Make It" dio inicio a una exitosa serie de sencillos de las listas de R&B que ocasionalmente llegaron al Top Ten, destacando "Who's Cheating Who?", "Grits Ain't Groceries", "If Walls Could Talk", "Baby I Love You" y "Feel So Bad", entre otros.

La muerte de Leonard Chess en 1969 desbarató su sello, y el pequeño Milton dejó finalmente Checker en 1971 y firmó con el sello de soul Stax, con sede en Memphis (también el hogar de su antiguo protegido Albert King). En Stax, Milton comenzó a expandir su sonido de estudio, añadiendo secciones de cuerdas y trompetas más grandes y destacando su voz soul más que el blues tradicional. Siguieron otros éxitos en canciones como "Annie Mae's Cafe", "Little Bluebird", "That's What Love Will Make You Do" y "Walkin' the Back Streets and Cryin'", pero generalmente no con la misma magnitud de antaño. Stax quebró en 1975, momento en el que Little Milton pasó a la discográfica TK/Glades, más conocida por sus actuaciones de funk y disco. Sus grabaciones allí fueron un auténtico crossover, lo que hizo de "Friend of Mine" un éxito menor, pero esa discográfica pronto quebró también. Milton pasó algún tiempo en el limbo; grabó un álbum para MCA en 1983 llamado Age Ain't Nothin' But a Number, y al año siguiente encontró un hogar con Malaco, que sostuvo las carreras de bastantes artistas de soul y blues de la vieja escuela sureña. Durante su estancia en Malaco, Milton debutó con la canción que se convertiría en su himno de los últimos días, la banda de bar "The Blues Is Alright", que también fue muy popular entre los fans europeos del blues. Milton grabó con frecuencia y de forma constante para Malaco, publicando 13 álbumes bajo su égida a finales del milenio. En 1988,  ganó el premio W.C. Handy al Artista de Blues del Año, y también fue admitido en el Salón de la Fama del Blues.

 

 

 

Marva Whitney • It's My Thing

Corista y vocalista de James Brown esta dama del funk y funky, poco conocida en países de habla hispana, es lo más parecido al mísmísimo James, en versión femenina.

 

 

Reseña:
Como cualquier disco producido por James Brown y con los poderosos JB's como grupo de acompañamiento, It's My Thing es un disco de funky a tope. Marva Whitney cantó en la James Brown Revue de 1967 a 1969, y en 1969 publicó este disco. No sólo produjo Brown, sino que escribió o coescribió la mayoría de los temas y básicamente suena como un disco de James Brown con una cantante femenina. Una cantante femenina dura y agresiva. Marva suena como si pudiera enfrentarse a cualquier persona y dejarla temblando en sus botas de go-go. Desde la explosión inicial de "It's My Thing, Pt. 1" y "Pt. 2", una reescritura de "It's Your Thing" de los Isley Brothers, grita, exhorta, grita, y básicamente lo deja todo mientras la banda hace un groove tras otro. Afortunadamente, después de cuatro temas agotadores, Marva baja el ritmo con "If You Love Me", una balada de corazón roto al estilo de Otis Redding. Después de una pausa instrumental, vuelve a la carga con "Unwind Yourself", que cuenta con una línea de vientos clásica y una vocalización enérgica de Marva. El resto del disco sigue la misma pauta de un par de temas y una balada. El punto álgido del disco es "I'm Tired I'm Tired I'm Tired (Things Better Change Before It's Too Late)", un lamento funky (sí, todos los temas de este disco son funky) que detalla lo cansada que está Marva de que la sociedad la menosprecie. Mira cómo Brown se desmelena en el fondo hacia la mitad de la canción. El disco tiene cinco temas adicionales añadidos al álbum original, entre los que se incluyen la lenta "I Made a Mistake Because It's Only You, Pts. 1 & 2" y un dúo con James Brown en "Sunny". Este es un gran disco y es una pena que esté en un sello tan pequeño y no en uno de los principales sellos de reedición, porque Marva merece un mayor reconocimiento. No dudes en buscarlo. http://www.allmusic.com/album/its-my-thing-mw0000456944

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Review:
Like any disc produced by James Brown and featuring the mighty JB's as a backing group, It's My Thing is a stone-cold funky record. Marva Whitney sang in the James Brown Revue from 1967 to 1969, and in 1969 she released this record. Not only did Brown produce but he wrote or co-wrote most of the tracks and it basically sounds like a James Brown record with a female singer. A tough, aggressive female singer. Marva sounds like she could take any comers and leave them shaking in their go-go boots. From the opening blast of "It's My Thing, Pt. 1 and "Pt. 2," a rewrite of the Isley Brothers' "It's Your Thing, she shouts, exhorts, wails, and basically lets it all hang out as the band lays down groove after groove. Thankfully after four exhausting tracks, Marva slows it down with "If You Love Me," an Otis Redding-style broken-hearted ballad. After an instrumental break she jumps right back into the funky fray with "Unwind Yourself," which features a classic horn line and some gritty vocalizing from Marva. The rest of the record follows this pattern of a couple of stompers and a ballad. The highlight of the record is "I'm Tired I'm Tired I'm Tired (Things Better Change Before It's Too Late)," a funky (yes, every track on this disc is funky) lament that details just how tired Marva is of society putting her down. Check out Brown going wild in the background about halfway through the song. The disc has five bonus tracks added to the original album, including the slow-burning "I Made a Mistake Because It's Only You, Pts. 1 & 2" and a duet with James Brown on "Sunny." This is a great record and it is a pity that it is on such a tiny label and not one of the major reissue labels, because Marva deserves wider recognition. By all means seek this one out. http://www.allmusic.com/album/its-my-thing-mw0000456944

Claus Ogerman • Soul Searchin'

It's really only a short time since Soul emerged from an "in" kind of music and exploded as the "Third World Force" (musically speaking, of course) from America. Ray Charles wrote and recorded What'd I Say. Then it all happened.

I regard Soul as the "Third Force of Music" W ("Pop" rates Number 1, "Jazz" Number 2) from America because there is hardly a jukebox or radio or dance hall in Paris or London, Tokyo or Timbuktu, that programs without it. Soul is vibrant and fresh, emotional and sophisticated. It is stirring; soul-stirring.

For five years now I have had a close identification with a great many of the Soul artists. I arranged and conducted for Dinah Washington, Ben E. King, The Drifters, Solomon Burke, Jimmy Smith and so many others. My rapport with them sparked the idea to record this album of famous and authentically arranged instrumentals.

Here is Soul Searchin', my musical tribute to Soul. As I hear it, it is a brew of rhythm and blues and jazz-oriented emotion. It blends the exceptional excitement of heat with heart. It swaggers and boils. It sustains moments of meaning. It feels good.

When I listen to Ray Charles I get the message. It is loud and clear in his writing, his singing and his performance on piano and occasionally on alto saxophone. What'd I Say, naturally, is included in this album.

There are other well-known Soul songs dedicated to the artists who made them famous. We include Green Onions which was first recorded by Booker T. and the M.G.'s; Comin Home Baby, which Mel Torme did originally (I arranged and conducted his record); Fever, launched by Little Willie John; House of the Rising Sun from The Animals; Shindig from The Shadows; The Sidewinder, which gained note from the Lee Morgan record; Vinny Bell started The End of the Line; Memphis is a tribute from Chuck Berry and Watermelon Man found its beginning with Mongo Santa-Maria. Soul Searchin' and Tell It As It Is are original compositions.

This, then, is Soul Searchin', an instrumental album dedicated to Soul and the sense of good feeling it has spread around the world. This Soul music reaches the hearts of young dancers. It's stimulating, pulsating, with a rhythm common to "Soul Searchers" everywhere. The young enthusiasts who have made Soul music their own may dance in the spirit of Soul to our instrumental variations of their Soul favorites.

It's really only a short time since Soul has locked the world in a passionate embrace. I share the great enthusiasm for it. Soul Searchin' is my dedication to it.

CLAUS OGERMAN - © 1965, Radio Corporation of America

Review by Tony Wilds

Of Claus Ogerman's four mod albums for Victor, Soul Searchin' is a favorite for many because the theme, and certainly the tunes, are hip. As Ogerman's liner notes explain, he ranks soul third in significance after pop and jazz. In any case, Ogerman does a competent job covering all these songs; the title track (an Ogerman original) can be called funky, even. A large factor is Dick Hyman's Lowrey organ; his facility with both jazz and soul is in full evidence here. "The End of the Line" was a hit for Vinnie Bell, but the greater significance is that it was written by Pat Williams and Phil Ramone. The Ogerman albums on Victor share a great deal with the mod albums on Verve by Williams, Kai Winding, and others. Veering away from pop and toward soul-jazz, Soul Searchin' has a peppy jazz-boogaloo beat that feels neither constrained nor ponderous. The surprise is that it works.

En realidad, hace poco tiempo que Soul surgió de un tipo de música "in" y explotó como la "Fuerza del Tercer Mundo" (musicalmente hablando, por supuesto) de América. Ray Charles escribió y grabó What'd I Say. Entonces todo sucedió.

Considero a Soul como la "Tercera Fuerza de la Música" W ("Pop" valora el número 1, "Jazz" el número 2) de América porque apenas hay una rocola o radio o salón de baile en París o Londres, Tokio o Tombuctú, que se programe sin ella. El alma es vibrante y fresca, emocional y sofisticada. Es conmovedor, conmovedor del alma.

Desde hace cinco años me identifico con muchos de los artistas de Soul. Arreglé y dirigí para Dinah Washington, Ben E. King, The Drifters, Solomon Burke, Jimmy Smith y muchos otros. Mi relación con ellos me dio la idea de grabar este álbum de famosos y auténticos arreglos instrumentales.

Aquí está Soul Searchin', mi tributo musical a Soul. Según lo oigo, es una mezcla de rhythm and blues y emociones orientadas al jazz. Mezcla la excepcional emoción del calor con el corazón. Se pavonea y hierve. Sostiene momentos de significado. Se siente bien.

Cuando escucho a Ray Charles recibo el mensaje. Es alto y claro en su escritura, su canto y su actuación en el piano y ocasionalmente en el saxofón alto. Lo que dije, naturalmente, está incluido en este álbum.

Hay otras canciones conocidas de Soul dedicadas a los artistas que los hicieron famosos. Incluimos Green Onions, que fue grabada por primera vez por Booker T. y los M.G.'s; Comin Home Baby, que Mel Torme hizo originalmente (yo arreglé y dirigí su disco); Fever, lanzada por Little Willie John; House of the Rising Sun de The Animals; Shindig de The Shadows; The Sidewinder, que ganó nota en el disco de Lee Morgan; Vinny Bell comenzó The End of the Line; Memphis es un tributo de Chuck Berry y Watermelon Man encontró su inicio con Mongo Santa-Maria. Soul Searchin' y Tell It As It Is son composiciones originales.

Esto, entonces, es Soul Searchin', un álbum instrumental dedicado a Soul y a la sensación de buen sentimiento que se ha extendido por todo el mundo. Esta música de Soul llega a los corazones de los jóvenes bailarines. Es estimulante, pulsante, con un ritmo común a "Soul Searchers" en todas partes. Los jóvenes entusiastas que han hecho suya la música Soul pueden bailar en el espíritu de Soul con nuestras variaciones instrumentales de sus favoritos de Soul.

Es realmente sólo un corto tiempo desde que Soul ha encerrado al mundo en un apasionado abrazo. Comparto el gran entusiasmo por ello. Soul Searchin' es mi dedicación a ella.

CLAUS OGERMAN - © 1965, Radio Corporation of America

Reseña de Tony Wilds

De los cuatro álbumes de Claus Ogerman para Victor, Soul Searchin' es uno de los favoritos de muchos porque el tema, y ciertamente las canciones, están de moda. Como explican las notas de Ogerman, el soul ocupa el tercer lugar en importancia después del pop y el jazz. En cualquier caso, Ogerman hace un trabajo competente cubriendo todas estas canciones; el tema del título (un original de Ogerman) puede llamarse funky, incluso. Un factor importante es el órgano Lowrey de Dick Hyman; su facilidad para el jazz y el soul es evidente aquí. "The End of the Line" fue un éxito para Vinnie Bell, pero lo más importante es que fue escrito por Pat Williams y Phil Ramone. Los álbumes Ogerman de Victor comparten mucho con los álbumes mod de Verve de Williams, Kai Winding y otros. Alejándose del pop y acercándose al soul-jazz, Soul Searchin' tiene un alegre ritmo de jazz-boogaloo que no se siente ni limitado ni pesado. La sorpresa es que funciona.

The Bar-kays • Soul Finger

"Soul Finger" es una canción de la banda de R&B The Bar-Kays, que fue lanzada como single el 14 de Abril de 1967, conviertiendose rápidamente en su primer hit mundial y en una de sus melodías mas reconocidas con el paso de los años.
Esta banda estadounidense, que debe su nombre al ron Bacardi, se caracterizaba por hacer música simple y bailable. Además esta banda estaba formada por seis músicos de sesión que ya tenían harto rodaje dentro de la escena musical norteamericana.

La historia cuenta que una tarde de Marzo del año 1967 en los estudios de Stax Records, los Bar-Kays se encontraban trabajando con el cantante Norman West, que quería hacer una versión de "But It's Alright", una canción que pertenecía al gran cantautor del Soul J.J. Jackson.
Mientras West buscaba alguna idea para agregarle a su nueva canción, los Bar-Kays empezaron a improvisar varias melodías, entre ellas la archiconocida canción infantil "Mary Had a Little Lamb", pero en versión funk.
Luego de eso hicieron un brutal cambio de melodía y ya tenían lista una pieza musical de alto calibre. La bautizaron simplemente como "Soul Finger", ya que tuvo su nacimiento en una llamativa improvisación hecha para matar el aburrimiento de esa sesión de grabación con Norman West.

Con esa llamativa introducción basada en la canción infantil ya citada, los Bar-Kays empiezan a dar clases en sus instrumentos. Con unos solos de trompetas que dejan los pelos de punta, estoos seis músicos se divierten y hacen divertir a su gente. Además tuvieron la genial idea de incluír publico al momento de grabarla, lo cual dá una sensación de fiesta.
Según el bajista James Alexander, esa idea les fue planteada por Isaac Hayes yDavid Porter, ambos compositores y productores que trabajan para Stax Records. El único problema era conseguir un grupo reducido de gente que se atreviera a gritar con muchas ganas el título de su canción. Para eso la banda reclutó a varios trabajadores de Stax Records y a sus familiares para que colaboraran en la canción con sus gritos y aplausos. El primer resultado no fue del todo positivo, ya que la banda no quedó muy conforme y querían mas energía como si estuvieran en una fiesta pasandola más que bien.
En ese instante lleno de incertidumbre, decidieron invitar a un grupo de niños que andaban jugando por las calles cercanas del estudio de grabación. Los niños aceptaron la ídea de los músicos, quienes le pagaron a cada niño con una Coca-Cola bien helada para que cuiden sus gargantas(?).
El resultado de la segunda toma fue el finalmente dejaron para el single. Es que ese efecto, en particular, dejaba a la canción de la mano con un fondo lleno de diversión y sería una característica muy aplaudida para ser considerada como una joyita del Pop para esos años.

"Soul Finger" fue un hit en Estados Unidos, llegando al tercer puesto del Billboard Black Singles chart y a la casilla #17 del Billboard Hot 100.
Las radios y la televisión no paraban de colocar la melodía de “Soul Finger” y la popularidad de la banda estaba en los cielos. Meses despues, la banda daba una gran noticia a sus fans: Serian la banda de apoyo en la gira de su gran amigo Otis Redding, que por esos años era grito y plata dentro del Soul. De hecho el músico era considerado el Rey del Soul.
Cuando todo pintaba para que fuera todo un suceso musical esa mezcla entre Redding y los Bar-Kays ocurrió un suceso que cambiaría la historia de los artistas y del Soul. Es que l a mañana del 10 de diciembre de 1967, en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), después de un brutal accidente del avión que los transportaba, perdieron la vida el gran Otis Redding junto a otros 4 miembros de The Bar-Keys.
Si bien, ese trágico suceso marcó a la banda y a los fanáticos del Soul, los Bar-Kays se levantaron del suelo y siguieron tocando y sacando hits, pero siempre guardaban un especial cariño por "Soul Finger", que fue la canción que le mostró la gloria y a la vez los dejó marcado por el resto de sus vidas como una banda que quedó en la historia de la música popular.
http://detrasdelacancion.blogspot.com.ar/2010/11/soul-finger-bar-kays.html

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Review by Lindsay Planer
The Bar-Kays were an aggregate born of the same inspiration behind Booker T. & the MG's -- performing the double-duty of being a backing combo for the significant canon of vocalists on the Memphis-based Stax and Volt labels, as well as a self-contained unit. The original lineup of James Alexander (bass), Jimmy King (guitar), Ronnie Caldwell (organ), Phalon Jones (sax), Carl Cunningham (drums), and Ben Cauley (trumpet) were only together long enough to have issued this album prior to the tragic loss of everyone sans Alexander and Cauley in the December '67 plane crash that also claimed the life of Otis Redding. Soul Finger (1967) commences with the title track, which quickly became a Top 20 crossover pop hit in addition to one of the band's best-known works, not to mention a certifiable 'feel good' party anthem. The remainder of the platter follows suit offering up ten further instrumentals that stay true to the precedent that had guided Booker T. & the MG's , blending fun upbeat numbers with the occasional slower-tempo side complementing the otherwise teen-oriented and definitely danceable selections. Here, the cover of the Mad Lads' "I Want Someone" -- co-written by Stax co-founder Estelle Axton aptly fits the bill, with Caldwell providing a lovely and affective lead over the languid, melodic ballad. "Theme From Hells Angels" is interesting as there is no designation given to either the song's author or precisely what Hells Angels refers to. A movie? The infamous biker club? The staccato rhythm recalls Maurice Ravel's "Bolero," while King's distinctly distorted fretwork helps to further the composition's undeniably dramatic quality. Another highlight is the "Bar-Kays Boogaloo," while definitely a product of its time, it exemplifies the unit's cohesion as purveyors of the unmistakably swinging Stax/Volt sound.
http://www.allmusic.com/album/soul-finger-mw0000074647