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Saturday, October 4, 2025
Saturday, August 9, 2025
Sunday, April 27, 2025
Benjamin Koppel, Larry Goldings & Bill Stewart • Hammond Street
Hammond Street is a groovy and jazzy trio album, recorded in Los Angeles, USA in January 2006 by the Danish saxophone player Benjamin Koppel, the Hammond organ player Larry Goldings and the drummer Bill Stewart.
Hammond Street is the street where everything happens. It crosses Sunset Boulevard where the jet set cruise in their big American cars and the stars of Hollywood is out to be seen.
The great sound of the B3 Hammond organ is played by the sublime master of the instrument, Larry Goldings. He is known for his cooperation with among others John Scofield, James Taylor and Maceo Parker. In the 1950’s and the 1960’s Jimmy Smith began to play jazz on the B3 Hammond Organ and Larry Goldings has since then developed his very personal style of playing. His play is extrovert and has a modernistic style – inspired by both free jazz and funk music.
Benjamin Koppel has a very special relationship to the B3 Hammond Organ. His father, Anders Koppel (founding member of the beat and rock band Savage Rose), is a very talented organ player. Benjamin Koppel used to be with his father on tour, so he has been listening to the instrument from his early childhood. Benjamin Koppel is playing with several international jazz musicians and his compositions have been recorded by names like Daniel Humair and Phil Woods.
Goldings and Koppel are accompanied by Bill Stewart on drums. He is a true New Yorker with a great character who has played and recorded with names like John Scofield, Joe Lovano, Chris Potter, Pat Metheny.
Benjamin Koppel has composed the majority of the titles on Hammond Street. It is blues inspired jazz – swinging and grooving. The desert just outside the city of Los Angeles has been giving inspiration to the titles Ostrich Itch, that has themes from the west coast fusion, and Armadillo Race based on the afro jazz groove in 6/8. The titles lead the thoughts to the dusty desert, the car races across the American continent and the race for the specially trained armadilloes.
https://benjaminkoppel1.bandcamp.com/album/hammond-street
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Hammond Street es un álbum de trío groovy y jazzy, grabado en Los Ángeles, EE.UU., en enero de 2006 por el saxofonista danés Benjamin Koppel, el organista Hammond Larry Goldings y el batería Bill Stewart.
Hammond Street es la calle donde ocurre todo. Cruza Sunset Boulevard, donde la jet set pasea en sus grandes coches americanos y las estrellas de Hollywood se dejan ver.
El gran sonido del órgano B3 Hammond es interpretado por el sublime maestro del instrumento, Larry Goldings. Es conocido por su colaboración, entre otros, con John Scofield, James Taylor y Maceo Parker. En los años 50 y 60, Jimmy Smith empezó a tocar jazz en el órgano B3 Hammond y, desde entonces, Larry Goldings ha desarrollado su personalísimo estilo de interpretación. Su forma de tocar es extrovertida y tiene un estilo modernista, inspirado tanto en el free jazz como en la música funk.
Benjamin Koppel tiene una relación muy especial con el órgano Hammond B3. Su padre, Anders Koppel (miembro fundador de la banda de beat y rock Savage Rose), es un organista de gran talento. Benjamin Koppel solía acompañar a su padre en las giras, por lo que lleva escuchando el instrumento desde su más tierna infancia. Benjamin Koppel toca con varios músicos de jazz internacionales y sus composiciones han sido grabadas por nombres como Daniel Humair y Phil Woods.
Goldings y Koppel están acompañados por Bill Stewart a la batería. Se trata de un auténtico neoyorquino de gran carácter que ha tocado y grabado con nombres como John Scofield, Joe Lovano, Chris Potter o Pat Metheny.
Benjamin Koppel ha compuesto la mayoría de los títulos de Hammond Street. Es jazz inspirado en el blues, con swing y groove. El desierto a las afueras de la ciudad de Los Ángeles ha servido de inspiración para los títulos Ostrich Itch, que tiene temas de la fusión de la costa oeste, y Armadillo Race, basado en el groove del afro jazz en 6/8. Los títulos llevan el pensamiento al polvoriento desierto, a las carreras de coches por el continente americano y a la carrera de los armadillos especialmente entrenados.
https://benjaminkoppel1.bandcamp.com/album/hammond-street
Saturday, April 12, 2025
Hank Marr • Groovin It!
Hank Marr, professor of jazz studies at Ohio State University, puts the lie to the adage that those who can, play, and that those who can’t, teach. Marr, born in Columbus (home of the Buckeyes) in 1927, cut his jazz teeth in garage sessions with little Ronnie Kirk (who would later storm the scene as Rahsaan Roland Kirk). Switching to organ after falling under the sway of Wild Bill Davis and Jimmy Smith, Marr found a niche on the 1960s’ organ-room circuit. And though academia beckoned, Marr’s Hammond B-3 was always at close hand-and foot.
Now, “discovered” anew thanks to last year’s It’s ’bout Time! (Double-Time), Marr solidifies his credentials with a trio date that sizzles and soars-and breathes. Throughout, Marr gets hand-in-glove support from guitarist Wilbert Longmire (who collaborated with the organist 33 years ago) and Bill Stewart (whose taut timekeeping has had much to do with the recent success of organist Larry Goldings). While one hears echoes of Davis’ “locked-hands” approach and Smith’s agile right-hand flights, Marr, it should be stressed, is a model of economy. Every note, every space, counts. So though re-negotiating standards like “Softwinds,” “Killer Joe” and “Misty,” it’s a flowing yet crisp “for the first time” feel which prevails.
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Hank Marr, profesor de estudios de jazz en la Universidad Estatal de Ohio, pone la mentira al adagio de que los que pueden, tocan, y los que no pueden, enseñan. Marr, nacido en Columbus (hogar de los Buckeyes) en 1927, se cortó los dientes con el jazz en sesiones de garaje con el pequeño Ronnie Kirk (que más tarde irrumpiría en escena como Rahsaan Roland Kirk). Al cambiar al órgano después de caer bajo el influjo de Wild Bill Davis y Jimmy Smith, Marr encontró un hueco en el circuito de salas de órgano de los años 60. Y aunque el mundo académico llamaba la atención, el Hammond B-3 de Marr siempre estaba a mano y a pie.
Ahora, "descubierto" de nuevo gracias al "It's bout Time" del año pasado. (Doble Tiempo), Marr solidifica sus credenciales con una cita en trío que chisporrotea y se eleva y respira. A lo largo de todo el proceso, Marr recibe el apoyo mano a mano del guitarrista Wilbert Longmire (que colaboró con el organista hace 33 años) y Bill Stewart (cuyo tenso cronometraje ha tenido mucho que ver con el reciente éxito del organista Larry Goldings). Mientras se escuchan los ecos del enfoque "manos cerradas" de Davis y los ágiles vuelos de Smith a la derecha, cabe destacar que Marr es un modelo de economía. Cada nota, cada espacio, cuenta. Así que aunque se renegocien estándares como "Softwinds", "Killer Joe" y "Misty", prevalece una sensación fluida pero nítida de "por primera vez".
Wednesday, April 2, 2025
Wycliffe Gordon Quintet • Dig This!
Review by David Dupont
Trombonist Wycliffe Gordon was the most adventurous musician to spin off from Wynton Marsalis' orbit. Since his tenure with Marsalis, Gordon collaborated with everyone from revivalists in the Sidney Bechet Project to progressive composer Ted Nash and Randy Sandke's Inside Outside project, which brings together practitioners from the musical extremes. He's been more restricted in his own solo dates but has shown he's willing to reach beyond the confines of traditional hard bop. Dig This!! finds him employing the fashionable textures provided by the Hammond organ. True to form though, Gordon refuses to get locked into the funk clichés of the organ combo sound. Rather with its wide-open swing feel Dig This!! comes off more as a contemporary version of swing trombonist Vic Dickenson's 1952 quartet dates with Bill Doggett. Certainly "Limehouse Blues" fits the mold, albeit updated. And Gordon's unaccompanied playing on "Blues Etude #2" and elsewhere shows him a fitting successor to Dickenson's rubbery expressionism. Gordon has surrounded himself with a fine band. Organist Sam Yahel and guitarist Peter Bernstein each reveal a debt to their swing precursors while saxophonist Seamus Blake plays in a hard-driving contemporary manner. All of them swing, and regardless the context Gordon puts himself in, that's a constant.
https://www.allmusic.com/album/dig-this%21%21-mw0000562836
Biography by Rose of Sharon Witmer
Trombone player Wycliffe Gordon is best known for his work with the Lincoln Center Jazz Orchestra, under the direction of jazz maestro, Wynton Marsalis. The versatile trombonist can scat, multi-note, slide, and plunge, just like he stepped out of the 1930s. Gordon has played with many jazz luminaries, including Dizzy Gillespie, Joe Henderson, Branford Marsalis,Lionel Hampton, Tommy Flanagan, and Shirley Horn. His musical colleagues call him "Pine Cone," since he grew up in the piney woods of Georgia.
It must have been this Ellington era quality that caught the ears of jazz educator Wynton Marsalis, who heard Gordon play while the trumpeter was giving a workshop at Gordon's alma mater, Florida A&M University. Their fortuitous meeting resulted in Gordon joining the Wynton Marsalis Septet, as well as the Lincoln Center Jazz Orchestra, in 1989. As a member of the illustrious band, Gordon contributed as both musician and composer. Gordon, who like Charles Mingus says he hears music in his head all the time, has managed to write some of it down, and then hear it performed all over the world by the Lincoln Center Jazz Orchestra. Whether they know it or not, National Public Radio fans are familiar with the musician's work: In 1993, Gordon composed the NPR theme song.
Gordon, an admirer of Louis Armstrong, J.J. Johnson, and Jack Teagarden, prefers the melodic approach to playing and composition. The listener can hear that on any of his outstanding recordings. His first outing was with fellow trombonist Ron Westray on their 1996 release, Bone Structure. More good things came with Slidin' Home, recorded in 1999. Joined by Victor Goines, Eric Reed, Rodney Whitaker, Herlin Riley, Milt Grayson, Joe Temperley, and Randy Sandke, Gordon really struts his stuff on this one, showing a wide range of influences from big band to gospel.
The Search, recorded in 2000, ranges as far and wide as the title suggests, and includes Gordon holding forth on the didgeridoo. Gordon, whose father was the pianist at the church the trumpeter grew up in, devotes himself to his gospel roots on The Gospel Truth, (2000). What You Dealin' With, (2001), continues in a jazz vein with original compositions and jazz standards. Gordon's 2002 release We may be his best yet, as the trombonist collaborates with pianist Eric Reed on jazz and gospel tunes.
Besides performing and educating at his own music school in his hometown of Augusta, GA, Gordon has another important project: writing the score for the Oscar Micheaux 1925 silent film, Body and Soul. Paul Robeson starred in the movie about race, religion, and small town life in the South. Gordon drew upon his own Southern upbringing to produce music from the church, the bars, and the home, to be performed by the Lincoln Center Jazz Orchestra. Gordon has begun to evidence an interest in vocalizing, something which he says he plans to do increasingly. The results are sure to be top drawer, as the exuberant Wycliffe Gordon throws himself into things, body and soul.
https://www.allmusic.com/artist/wycliffe-gordon-mn0000960062/biography
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Reseña de David Dupont
El trombonista Wycliffe Gordon fue el músico más aventurero que salió de la órbita de Wynton Marsalis. Desde su estancia en Marsalis, Gordon colaboró con todo el mundo, desde los reanimadores del Proyecto Sidney Bechet hasta el compositor progresivo Ted Nash y el proyecto Inside Outside de Randy Sandke, que reúne a profesionales de los extremos musicales. Ha estado más restringido en sus propias citas como solista pero ha demostrado que está dispuesto a ir más allá de los confines del hard bop tradicional. Dig This!! lo encuentra empleando las texturas de moda proporcionadas por el órgano Hammond. Sin embargo, fiel a la forma, Gordon se niega a encerrarse en los clichés funk del sonido del órgano combo. Más bien, con su amplio sentido del swing, Dig This!! se presenta más bien como una versión contemporánea del cuarteto del trombón de swing de 1952 del trombonista Vic Dickenson, que data de Bill Doggett. Ciertamente "Limehouse Blues" encaja en el molde, aunque actualizado. Y el hecho de que Gordon toque sin acompañamiento en "Blues Etude #2" y en otros lugares le muestra un sucesor adecuado para el expresionismo gomoso de Dickenson. Gordon se ha rodeado de una buena banda. El organista Sam Yahel y el guitarrista Peter Bernstein revelan una deuda con sus precursores del swing, mientras que el saxofonista Seamus Blake toca de una manera contemporánea muy dura. Todos ellos hacen swing, y sin importar el contexto en el que Gordon se ponga, es una constante.
https://www.allmusic.com/album/dig-this%21%21-mw0000562836
Biografía de Rose de Sharon Witmer
El trombonista Wycliffe Gordon es más conocido por su trabajo con la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, bajo la dirección del maestro de jazz, Wynton Marsalis. El versátil trombonista puede hacer scat, multi-notas, deslizarse y zambullirse, tal como lo hizo en los años 30. Gordon ha tocado con muchas luminarias del jazz, como Dizzy Gillespie, Joe Henderson, Branford Marsalis, Lionel Hampton, Tommy Flanagan y Shirley Horn. Sus colegas musicales lo llaman "Pine Cone", ya que creció en los bosques de pinos de Georgia.
Debe haber sido esta cualidad de la época de Ellington la que llamó la atención del educador de jazz Wynton Marsalis, que escuchó a Gordon tocar mientras el trompetista impartía un taller en el alma mater de Gordon, en la Universidad A&M de Florida. Su encuentro fortuito dio lugar a que Gordon se uniera al Septeto Wynton Marsalis, así como a la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, en 1989. Como miembro de la ilustre banda, Gordon contribuyó como músico y compositor. Gordon, que al igual que Charles Mingus dice que escucha música en su cabeza todo el tiempo, ha logrado escribir algo de ella, y luego escucharla interpretada en todo el mundo por la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Lo sepan o no, los fanáticos de la Radio Pública Nacional están familiarizados con el trabajo del músico: En 1993, Gordon compuso el tema de la NPR.
Gordon, un admirador de Louis Armstrong, J.J. Johnson y Jack Teagarden, prefiere el enfoque melódico a la interpretación y la composición. El oyente puede escuchar eso en cualquiera de sus grabaciones destacadas. Su primera salida fue con su colega trombonista Ron Westray en su lanzamiento de 1996, Bone Structure. Más cosas buenas vinieron con Slidin' Home, grabado en 1999. Junto a Victor Goines, Eric Reed, Rodney Whitaker, Herlin Riley, Milt Grayson, Joe Temperley, y Randy Sandke, Gordon realmente se pavonea en esta, mostrando un amplio rango de influencias desde la big band hasta el gospel.
La Búsqueda, grabada en el año 2000, se extiende tan lejos como el título sugiere, e incluye a Gordon sosteniendo el didgeridoo. Gordon, cuyo padre era el pianista de la iglesia en la que creció el trompetista, se dedica a sus raíces evangélicas en The Gospel Truth, (2000). What You Dealin' With, (2001), continúa en una línea de jazz con composiciones originales y estándares de jazz. El lanzamiento de Gordon en 2002, We may be his best yet, ya que el trombonista colabora con el pianista Eric Reed en temas de jazz y gospel.
Además de actuar y educar en su propia escuela de música en su ciudad natal de Augusta, GA, Gordon tiene otro proyecto importante: escribir la partitura para la película muda de 1925 de Oscar Micheaux, Body and Soul. Paul Robeson protagonizó la película sobre la raza, la religión y la vida en un pequeño pueblo del sur. Gordon se basó en su propia educación sureña para producir música de la iglesia, los bares y el hogar, para ser interpretada por la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Gordon ha comenzado a evidenciar un interés en la vocalización, algo que dice que planea hacer cada vez más. Los resultados serán sin duda de primer orden, ya que el exuberante Wycliffe Gordon se lanza a las cosas, en cuerpo y alma.
https://www.allmusic.com/artist/wycliffe-gordon-mn0000960062/biography
https://wycliffegordon.com/
Monday, March 31, 2025
Larry Goldings • Intimacy Of The Blues (With David Newman)
Review by Scott Yanow
This well-rounded set was the first one on which Larry Goldings (formerly known as a pianist) exclusively played organ. His trio with Peter Bernstein (a fine bop guitarist) and drummer Bill Stewart (best known for his association with John Scofield) is tight in the Jimmy Smith tradition, although Goldings also displays his own musical personality. Veteran tenor saxophonist David "Fathead" Newman helps out on "Skylark" and "The Intimacy of the Blues." Other highlights include Goldings' memorable original "Pegasus," "Jive Coffee" (based on "Tea for Two"), a faster than usual version of "Wouldn't It Be Loverly," and a swinging "When Johnny Comes Marching Home."
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Revisión por Scott Yanow
Este conjunto completo fue el primero en el que Larry Goldings (anteriormente conocido como pianista) tocaba exclusivamente en el órgano. Su trío con Peter Bernstein (un guitarrista de bop fino) y el baterista Bill Stewart (mejor conocido por su asociación con John Scofield) es tímido en la tradición de Jimmy Smith, aunque Goldings también muestra su propia personalidad musical. El veterano saxofonista tenor David "Fathead" Newman ayuda en "Skylark" y "The Intimacy of the Blues". Otros aspectos destacados incluyen el memorable "Pegasus", "Jive Coffee" de Goldings (basado en "Tea for Two"), una versión más rápida de lo habitual de "Wouldn't It Be Loverly", y el columpio "When Johnny Comes Marching Home". "
Saturday, March 29, 2025
Larry Goldings Trio • Moonbird
Review by Alex Henderson
Like Barbara Dennerlein, Larry Goldings was among the few organists who, in the 1980s and '90s, refused to stick to a grits-and-gravy approach to the instrument. This isn't to say that Goldings has escaped Jimmy Smith's influence altogether or that he lacks funk, blues, and soul-jazz credentials -- one of his employers, after all, was Maceo Parker, who spent many years in James Brown's band. But Goldings hasn't ignored the post-bop challenges that Larry Young presented, and Young's influence can be felt on Moonbird. Joined by drummer Bill Stewart and the Grant Green-influenced guitarist Peter Bernstein, Goldings delivers a rewarding post-bop date that will hardly be mistaken for Smith-minded soul-jazz. Goldings originals like the congenial "Christine," the intriguing "Empty Oceans," and the cerebal "Xoloft" aren't innovative -- 35 years earlier, Young was playing post-bop on the Hammond B-3. But Goldings nonetheless comes across as his own man, and his refusal to be yet another Jimmy Smith clone is commendable. The Bostonian also deserves applause for successfully transforming Randy Newman's "I Think It's Going to Rain Today" and Joni Mitchell's "Woodstock" into improvisatory jazz -- at a time when too many jazzmen were content to play the same old Cole Porter and Irving Berlin songs time and time again, Goldings had enough imagination to find the jazz potential in pop/rock songs that more myopic improvisers were ignoring. Not quite a gem but definitely solid, Moonbird is a CD that post-bop fans will enjoy.
https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403
Artist Biography by Matt Collar
A highly regarded pianist, Larry Goldings is an in-demand sideman and bandleader known for his balance of hard-swinging, harmonically nuanced post-bop and funky organ jazz. Emerging in the early '90s, Goldings established himself as a premier soloist on the New York scene, playing often in his trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart. He has issued a stream of highly regarded albums, including 1995's Whatever It Takes, 2002's Sweet Science, and 2007's Grammy-nominated Saudades with drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield. He is a longtime touring member of James Taylor's band, and has been sought out by a wide array of performers, including Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, and others.
Born in Boston, Massachusetts in 1968, Goldings took classical piano lessons until age 12, encouraged by his father, a classical aficionado. It was while in high school at Concord Academy that he became interested in jazz. Around this time, a friend of his father's introduced him to pianist Dave McKenna, whose music had a profound influence on Goldings. From there, he embarked on a deeper study of jazz, listening to artists like Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland, and Bill Evans. He also sought out private lessons with pianists Ran Blake and Keith Jarrett.
After high school, he enrolled in the jazz program at New York's The New School, where he further honed his skills studying with Jaki Byard and Fred Hersch. It was during this period that he accompanied pianist Roland Hanna to Copenhagen for a three-day series of private concerts, where he performed with Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison, and Al Cohn. Also prior to graduating, Goldings toured with singer Jon Hendricks, an association that led to work with guitarist Jim Hall.
Graduating in 1988, he began leading his own trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart, playing regularly at Augie's Jazz Bar (later named Smoke). In 1991, he made his debut as a leader with Intimacy of the Blues, which featured his trio along with guest saxophonist David "Fathead" Newman. A second trio effort, Light Blue, appeared a year later, followed by the bossa nova-tinged organ session Caminhos Cruzados, which included several tracks with saxophonist Joshua Redman.
In 1995, Goldings signed with Warner Bros. and released two highly regarded organ-centric albums, starting with Whatever It Takes. A funky, hard-bop-leaning date, it featured his trio with Bernstein and Stewart along with guest spots from saxophonists Maceo Parker, David Sanborn, and Redman, as well as trombonist Fred Wesley. Released in 1996, Big Stuff showcased a similar sound, and found the pianist joined by Bernstein, veteran drummer Idris Muhammad, and guitarist Kurt Rosenwinkel. For his final Warner Bros. album, 1997's Awareness, Goldings shifted back to piano, working with longtime Keith Jarrett associates bassist Larry Grenadier and drummer Paul Motian.
Goldings then moved to Palmetto, issuing the trio album As One with Bernstein and Stewart. Several more albums followed for the indie label, including the Hammond organ-soaked Sweet Science and 2006's aptly named Quartet with trumpeter/cornetist John Sneider, bassist Ben Allison, and drummer Matt Wilson.
Also during this period, he joined drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield for a live 2004 concert at London's Queen Elizabeth's Hall. Released as Saudades in 2006, it earned Goldings a Grammy nomination for Best Instrumental Jazz Album of the Year. In 2010, he joined the Dutch Metropole Orkest for two albums, When Larry Met Harry with saxophonist Harry Allen and Scenes from a Dream with Peter Erskine and Chris Minh Doky.
The solo piano album In My Room followed in 2011. That same year, he rejoined Bernstein and Stewart for the concert album Live at Smalls. The trio were also together for 2014's Ramshackle Serenade. He then guested with Ron Carter, Gerry Gibbs, and Kenny Barron on We're Back. In 2017, he joined John Mayer on the singer/songwriter's "The Search for Everything" tour, and returned a year later with his own trio album, Toy Tunes, with Bernstein and Stewart.
https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography
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Reseña de Alex Henderson
Al igual que Barbara Dennerlein, Larry Goldings fue uno de los pocos organistas que, en los años ochenta y noventa, se negó a seguir un enfoque de grano y salsa para el instrumento. Esto no quiere decir que Goldings haya escapado por completo a la influencia de Jimmy Smith o que carezca de credenciales de funk, blues y soul-jazz - uno de sus empleadores, después de todo, era Maceo Parker, que pasó muchos años en la banda de James Brown. Pero Goldings no ha ignorado los desafíos post-bop que Larry Young presentó, y la influencia de Young se puede sentir en Moonbird. Acompañado por el baterista Bill Stewart y el guitarrista influenciado por Grant Green Peter Bernstein, Goldings ofrece una gratificante cita post-bop que difícilmente se confundirá con el soul-jazz de Smith. Los originales de Goldings como el simpático "Christine", el intrigante "Empty Oceans" y el cerebal "Xoloft" no son innovadores: 35 años antes, Young jugaba al post-bop en el Hammond B-3. Sin embargo, Goldings parece ser su propio hombre, y su negativa a ser otro clon de Jimmy Smith es encomiable. El bostoniano también merece un aplauso por haber transformado con éxito "I Think It's Going to Rain Today" de Randy Newman y "Woodstock" de Joni Mitchell en jazz improvisado, en un momento en el que demasiados jazzistas se contentaron con tocar las mismas viejas canciones de Cole Porter e Irving Berlin una y otra vez, Goldings tuvo suficiente imaginación para encontrar el potencial del jazz en canciones de pop/rock que los improvisadores más miopes estaban ignorando. No es una joya, pero definitivamente sólido, Moonbird es un CD que los fans del post-bop disfrutarán.
https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403
Biografía del artista por Matt Collar
Un pianista muy respetado, Larry Goldings es un sideman y director de orquesta muy solicitado, conocido por su equilibrio entre el swing duro, el post-bop con matices armónicos y el jazz funky de órgano. Surgido a principios de los años 90, Goldings se estableció como uno de los principales solistas de la escena neoyorquina, tocando a menudo en su trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart. Ha publicado una serie de álbumes de gran prestigio, entre los que se incluyen Whatever It Takes (1995), Sweet Science (2002) y Saudades (2007), nominados al Grammy, con el baterista Jack DeJohnette y el guitarrista John Scofield. Es miembro de la banda de James Taylor desde hace mucho tiempo, y ha sido buscado por una amplia gama de intérpretes, incluyendo a Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, y otros.
Nacido en Boston, Massachusetts en 1968, Goldings tomó clases de piano clásico hasta los 12 años, alentado por su padre, un aficionado a la música clásica. Fue durante el bachillerato en la Academia Concord cuando se interesó por el jazz. Por esa época, un amigo de su padre le presentó al pianista Dave McKenna, cuya música tuvo una profunda influencia en Goldings. A partir de ahí, se embarcó en un estudio más profundo del jazz, escuchando a artistas como Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland y Bill Evans. También buscó clases particulares con los pianistas Ran Blake y Keith Jarrett.
Después de la escuela secundaria, se matriculó en el programa de jazz de The New School de Nueva York, donde perfeccionó sus habilidades estudiando con Jaki Byard y Fred Hersch. Fue durante este período que acompañó al pianista Roland Hanna a Copenhague para una serie de conciertos privados de tres días, donde actuó con Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison y Al Cohn. También antes de graduarse, Goldings hizo una gira con el cantante Jon Hendricks, una asociación que llevó a trabajar con el guitarrista Jim Hall.
Graduado en 1988, comenzó a dirigir su propio trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart, tocando regularmente en el Augie's Jazz Bar (más tarde llamado Smoke). En 1991, debutó como líder con Intimacy of the Blues, en el que participó su trío junto con el saxofonista invitado David "Fathead" Newman. Un año después apareció un segundo trío, Light Blue, seguido de la sesión de órgano de bossa nova, Caminhos Cruzados, que incluyó varios temas con el saxofonista Joshua Redman.
En 1995, Goldings firmó con Warner Bros. y lanzó dos álbumes muy respetados centrados en el órgano, comenzando con Whatever It Takes. Una cita funky y de tendencia hard-bop, que contó con su trío con Bernstein y Stewart junto a los saxofonistas Maceo Parker, David Sanborn y Redman, así como con el trombonista Fred Wesley. Lanzado en 1996, Big Stuff mostró un sonido similar, y encontró al pianista acompañado por Bernstein, el veterano baterista Idris Muhammad, y el guitarrista Kurt Rosenwinkel. Para su último álbum de Warner Bros., Awareness de 1997, Goldings regresó al piano, trabajando con el bajista Larry Grenadier y el baterista Paul Motian, asociados de Keith Jarrett desde hace mucho tiempo.
Luego, Goldings se trasladó a Palmetto, donde publicó el trío As One con Bernstein y Stewart. Varios álbumes más fueron seguidos por el sello independiente, incluyendo Sweet Science, empapado de órgano de Hammond, y el Cuarteto de 2006, acertadamente nombrado con el trompetista/cornetista John Sneider, el bajista Ben Allison, y el baterista Matt Wilson.
También durante este período, se unió al baterista Jack DeJohnette y al guitarrista John Scofield en un concierto en vivo en el Queen Elizabeth's Hall de Londres en 2004. Lanzado como Saudades en 2006, le valió a Goldings una nominación al Grammy como Mejor Álbum Instrumental de Jazz del Año. En 2010, se unió al Metropole Orkest holandés en dos álbumes, When Larry Met Harry con el saxofonista Harry Allen y Scenes from a Dream con Peter Erskine y Chris Minh Doky.
El álbum de piano en solitario In My Room le siguió en 2011. Ese mismo año, volvió a unirse a Bernstein y Stewart para el álbum de conciertos Live at Smalls. El trío también estuvieron juntos para la Serenata Destartalada de 2014. Luego invitó a Ron Carter, Gerry Gibbs y Kenny Barron en We're Back. En 2017, se unió a John Mayer en la gira del cantautor "The Search for Everything", y regresó un año después con su propio trío, Toy Tunes, con Bernstein y Stewart.
https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Monday, March 24, 2025
New York Trio • Love You Madly
Biography
by Mark Deming
Also known as the New York Jazz Trio, this combo is a studio-only group who specialize in recording classic standards in a straightforward, post-bop style. The New York Trio features three gifted musicians who are firmly established on the East Coast jazz scene. Pianist Bill Charlap is a member of the Phil Woods Quintet, has accompanied the likes of Tony Bennett, Benny Carter, and Gerry Mulligan, and has recorded a handful of well-received albums for Blue Note as a bandleader. Bassist Jay Leonhart has recorded as a headliner since 1983, while also making a name for himself as a vocalist and songwriter as well as backing up Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz, and many others. And drummer Bill Stewart had handled demanding gigs with a variety of musicians, including jazz guitarist John Scofield, funky sax man Maceo Parker and R&B legend James Brown. In 2001, Charlap, Leonhart, and Stewart teamed up in the studio to cut the album Blues in the Night for the Venus Jazz label; featuring leisurely but heartfelt interpretations of eight classic melodies, the album was well-received by fans of classic jazz. Seven similar collections have been recorded by the trio for Japanese jazz labels.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography
by Mark Deming
Also known as the New York Jazz Trio, this combo is a studio-only group who specialize in recording classic standards in a straightforward, post-bop style. The New York Trio features three gifted musicians who are firmly established on the East Coast jazz scene. Pianist Bill Charlap is a member of the Phil Woods Quintet, has accompanied the likes of Tony Bennett, Benny Carter, and Gerry Mulligan, and has recorded a handful of well-received albums for Blue Note as a bandleader. Bassist Jay Leonhart has recorded as a headliner since 1983, while also making a name for himself as a vocalist and songwriter as well as backing up Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz, and many others. And drummer Bill Stewart had handled demanding gigs with a variety of musicians, including jazz guitarist John Scofield, funky sax man Maceo Parker and R&B legend James Brown. In 2001, Charlap, Leonhart, and Stewart teamed up in the studio to cut the album Blues in the Night for the Venus Jazz label; featuring leisurely but heartfelt interpretations of eight classic melodies, the album was well-received by fans of classic jazz. Seven similar collections have been recorded by the trio for Japanese jazz labels.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography
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Biografía
por Mark Deming
También conocido como New York Jazz Trio, este combo es un grupo de estudio que se especializa en la grabación de estándares clásicos en un estilo directo, post-bop. El New York Trio cuenta con tres músicos de gran talento que están firmemente establecidos en la escena del jazz de la Costa Este. El pianista Bill Charlap es miembro del Phil Woods Quintet, ha acompañado a artistas de la talla de Tony Bennett, Benny Carter y Gerry Mulligan, y ha grabado un puñado de álbumes bien recibidos para Blue Note como director de banda. El bajista Jay Leonhart ha grabado como cabeza de cartel desde 1983, al tiempo que se ha hecho un nombre como vocalista y compositor, además de acompañar a Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz y muchos otros. Y el baterista Bill Stewart se encargó de exigentes actuaciones con diversos músicos, como el guitarrista de jazz John Scofield, el saxofonista funky Maceo Parker y la leyenda del R&B James Brown. En 2001, Charlap, Leonhart y Stewart se unieron en el estudio para grabar el álbum Blues in the Night para el sello Venus Jazz; con interpretaciones pausadas pero sentidas de ocho melodías clásicas, el álbum fue bien recibido por los aficionados al jazz clásico. El trío ha grabado siete colecciones similares para sellos japoneses de jazz.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography
por Mark Deming
También conocido como New York Jazz Trio, este combo es un grupo de estudio que se especializa en la grabación de estándares clásicos en un estilo directo, post-bop. El New York Trio cuenta con tres músicos de gran talento que están firmemente establecidos en la escena del jazz de la Costa Este. El pianista Bill Charlap es miembro del Phil Woods Quintet, ha acompañado a artistas de la talla de Tony Bennett, Benny Carter y Gerry Mulligan, y ha grabado un puñado de álbumes bien recibidos para Blue Note como director de banda. El bajista Jay Leonhart ha grabado como cabeza de cartel desde 1983, al tiempo que se ha hecho un nombre como vocalista y compositor, además de acompañar a Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz y muchos otros. Y el baterista Bill Stewart se encargó de exigentes actuaciones con diversos músicos, como el guitarrista de jazz John Scofield, el saxofonista funky Maceo Parker y la leyenda del R&B James Brown. En 2001, Charlap, Leonhart y Stewart se unieron en el estudio para grabar el álbum Blues in the Night para el sello Venus Jazz; con interpretaciones pausadas pero sentidas de ocho melodías clásicas, el álbum fue bien recibido por los aficionados al jazz clásico. El trío ha grabado siete colecciones similares para sellos japoneses de jazz.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography
Thursday, March 20, 2025
New York Trio • The Things We Did Last Summer
Also known as the New York Jazz Trio, this combo is a studio-only group
who specialize in recording classic standards in a straightforward,
post-bop style. The New York Trio features three gifted musicians who
are firmly established on the East Coast jazz scene. Pianist Bill
Charlap is a member of the Phil Woods Quintet, has accompanied the likes
of Tony Bennett, Benny Carter, and Gerry Mulligan, and has recorded a
handful of well-received albums for Blue Note as a bandleader. Bassist
Jay Leonhart has recorded as a headliner since 1983, while also making a
name for himself as a vocalist and songwriter as well as backing up
Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz, and many others. And
drummer Bill Stewart had handled demanding gigs with a variety of
musicians, including jazz guitarist John Scofield, funky sax man Maceo
Parker and R&B legend James Brown. In 2001, Charlap, Leonhart, and
Stewart teamed up in the studio to cut the album Blues in the Night for
the Venus Jazz label; featuring leisurely but heartfelt interpretations
of eight classic melodies, the album was well-received by fans of
classic jazz. Seven similar collections have been recorded by the trio
for Japanese jazz labels. ~ Mark Deming
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También
conocido como New York Jazz Trio, este combo es un grupo de estudio
especializado en la grabación de estándares clásicos en un estilo
directo y post-bop. El New York Trio cuenta con tres músicos de gran
talento que están firmemente establecidos en la escena del jazz de la
Costa Este. El pianista Bill Charlap es miembro del Phil Woods Quintet,
ha acompañado a artistas de la talla de Tony Bennett, Benny Carter y
Gerry Mulligan, y ha grabado un puñado de álbumes bien recibidos para
Blue Note como director de banda. El bajista Jay Leonhart ha grabado
como cabeza de cartel desde 1983, al tiempo que se ha hecho un nombre
como vocalista y compositor, además de acompañar a Marian McPartland,
Louie Bellson, Lee Konitz y muchos otros. Y el baterista Bill Stewart se
encargó de exigentes actuaciones con diversos músicos, como el
guitarrista de jazz John Scofield, el saxofonista funky Maceo Parker y
la leyenda del R&B James Brown. En 2001, Charlap, Leonhart y Stewart
se unieron en el estudio para grabar el álbum Blues in the Night para
el sello Venus Jazz; con interpretaciones pausadas pero sentidas de ocho
melodías clásicas, el álbum fue bien recibido por los aficionados al
jazz clásico. El trío ha grabado siete colecciones similares para sellos
japoneses de jazz. ~ Mark Deming
Monday, March 17, 2025
New York Trio • Blues In The Night
Review by Ken Dryden
In the dawn of the 21st century, pianist Bill Charlap took the jazz world by storm with a series of rewarding albums for labels both in the U.S. and abroad. On Blues in the Night, he leads his New York Trio in a recording made for the Japanese label Venus, with veteran bassist Jay Leonhart and fellow young gun Bill Stewart joining him. Right away Charlap signals that he can take an old chestnut into a new direction. His stretched-out, blues-drenched "Blues in the Night" makes effective use of space and showcases his sidemen as well. Leonhart's buoyant bassline brings to mind the late Milt Hinton in the brisk rendition of "I Could Have Danced All Night." Charlap's intense workout of "Blue Skies" is a virtual jazz history lesson, showing the influence of a number of legendary pianists, while achieving a sound distinctly his own. His loping, jaunty approach to "My Funny Valentine" is another winner; equally playful is the snappy waltz treatment of "Tenderly," accented by Stewart's brushwork. One of the most promising pianists of his generation, this Charlap CD is highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/tbablues-in-night-mw0000978012
In the dawn of the 21st century, pianist Bill Charlap took the jazz world by storm with a series of rewarding albums for labels both in the U.S. and abroad. On Blues in the Night, he leads his New York Trio in a recording made for the Japanese label Venus, with veteran bassist Jay Leonhart and fellow young gun Bill Stewart joining him. Right away Charlap signals that he can take an old chestnut into a new direction. His stretched-out, blues-drenched "Blues in the Night" makes effective use of space and showcases his sidemen as well. Leonhart's buoyant bassline brings to mind the late Milt Hinton in the brisk rendition of "I Could Have Danced All Night." Charlap's intense workout of "Blue Skies" is a virtual jazz history lesson, showing the influence of a number of legendary pianists, while achieving a sound distinctly his own. His loping, jaunty approach to "My Funny Valentine" is another winner; equally playful is the snappy waltz treatment of "Tenderly," accented by Stewart's brushwork. One of the most promising pianists of his generation, this Charlap CD is highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/tbablues-in-night-mw0000978012
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Reseña de Ken Dryden
En los albores del siglo XXI, el pianista Bill Charlap arrasó en el mundo del jazz con una serie de gratificantes álbumes para sellos de Estados Unidos y del extranjero. En Blues in the Night, lidera su New York Trio en una grabación realizada para el sello japonés Venus, al que se unen el veterano bajista Jay Leonhart y el joven Bill Stewart. Desde el principio, Charlap demuestra que puede llevar una vieja historia a una nueva dirección. Su "Blues in the Night", alargada y llena de blues, hace un uso eficaz del espacio y pone en valor a sus acompañantes. La boyante línea de bajo de Leonhart recuerda al difunto Milt Hinton en la enérgica interpretación de "I Could Have Danced All Night". El intenso trabajo de Charlap en "Blue Skies" es una auténtica lección de historia del jazz, que muestra la influencia de varios pianistas legendarios, al tiempo que consigue un sonido claramente propio. Su enfoque alegre de "My Funny Valentine" es otro ganador; igualmente juguetón es el tratamiento de vals rápido de "Tenderly", acentuado por las pinceladas de Stewart. Uno de los pianistas más prometedores de su generación, este CD de Charlap es muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/tbablues-in-night-mw0000978012
En los albores del siglo XXI, el pianista Bill Charlap arrasó en el mundo del jazz con una serie de gratificantes álbumes para sellos de Estados Unidos y del extranjero. En Blues in the Night, lidera su New York Trio en una grabación realizada para el sello japonés Venus, al que se unen el veterano bajista Jay Leonhart y el joven Bill Stewart. Desde el principio, Charlap demuestra que puede llevar una vieja historia a una nueva dirección. Su "Blues in the Night", alargada y llena de blues, hace un uso eficaz del espacio y pone en valor a sus acompañantes. La boyante línea de bajo de Leonhart recuerda al difunto Milt Hinton en la enérgica interpretación de "I Could Have Danced All Night". El intenso trabajo de Charlap en "Blue Skies" es una auténtica lección de historia del jazz, que muestra la influencia de varios pianistas legendarios, al tiempo que consigue un sonido claramente propio. Su enfoque alegre de "My Funny Valentine" es otro ganador; igualmente juguetón es el tratamiento de vals rápido de "Tenderly", acentuado por las pinceladas de Stewart. Uno de los pianistas más prometedores de su generación, este CD de Charlap es muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/tbablues-in-night-mw0000978012
Friday, March 14, 2025
New York Trio • Venus Favourites
Biography
by Mark Deming
Also known as the New York Jazz Trio, this combo is a studio-only group who specialize in recording classic standards in a straightforward, post-bop style. The New York Trio features three gifted musicians who are firmly established on the East Coast jazz scene. Pianist Bill Charlap is a member of the Phil Woods Quintet, has accompanied the likes of Tony Bennett, Benny Carter, and Gerry Mulligan, and has recorded a handful of well-received albums for Blue Note as a bandleader. Bassist Jay Leonhart has recorded as a headliner since 1983, while also making a name for himself as a vocalist and songwriter as well as backing up Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz, and many others. And drummer Bill Stewart had handled demanding gigs with a variety of musicians, including jazz guitarist John Scofield, funky sax man Maceo Parker and R&B legend James Brown. In 2001, Charlap, Leonhart, and Stewart teamed up in the studio to cut the album Blues in the Night for the Venus Jazz label; featuring leisurely but heartfelt interpretations of eight classic melodies, the album was well-received by fans of classic jazz. Seven similar collections have been recorded by the trio for Japanese jazz labels.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography
by Mark Deming
Also known as the New York Jazz Trio, this combo is a studio-only group who specialize in recording classic standards in a straightforward, post-bop style. The New York Trio features three gifted musicians who are firmly established on the East Coast jazz scene. Pianist Bill Charlap is a member of the Phil Woods Quintet, has accompanied the likes of Tony Bennett, Benny Carter, and Gerry Mulligan, and has recorded a handful of well-received albums for Blue Note as a bandleader. Bassist Jay Leonhart has recorded as a headliner since 1983, while also making a name for himself as a vocalist and songwriter as well as backing up Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz, and many others. And drummer Bill Stewart had handled demanding gigs with a variety of musicians, including jazz guitarist John Scofield, funky sax man Maceo Parker and R&B legend James Brown. In 2001, Charlap, Leonhart, and Stewart teamed up in the studio to cut the album Blues in the Night for the Venus Jazz label; featuring leisurely but heartfelt interpretations of eight classic melodies, the album was well-received by fans of classic jazz. Seven similar collections have been recorded by the trio for Japanese jazz labels.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography
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por Mark Deming
También conocido como New York Jazz Trio, este combo es un grupo de estudio que se especializa en la grabación de estándares clásicos en un estilo directo, post-bop. El New York Trio cuenta con tres músicos de gran talento que están firmemente establecidos en la escena del jazz de la Costa Este. El pianista Bill Charlap es miembro del Phil Woods Quintet, ha acompañado a artistas de la talla de Tony Bennett, Benny Carter y Gerry Mulligan, y ha grabado un puñado de álbumes bien recibidos para Blue Note como director de banda. El bajista Jay Leonhart ha grabado como cabeza de cartel desde 1983, al tiempo que se ha hecho un nombre como vocalista y compositor, además de acompañar a Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz y muchos otros. Y el baterista Bill Stewart se encargó de exigentes actuaciones con diversos músicos, como el guitarrista de jazz John Scofield, el saxofonista funky Maceo Parker y la leyenda del R&B James Brown. En 2001, Charlap, Leonhart y Stewart se unieron en el estudio para grabar el álbum Blues in the Night para el sello Venus Jazz; con interpretaciones pausadas pero sentidas de ocho melodías clásicas, el álbum fue bien recibido por los aficionados al jazz clásico. El trío ha grabado siete colecciones similares para sellos japoneses de jazz.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography
Wednesday, March 12, 2025
New York Trio • Begin the Beguine
Review by Ken Dryden
The New York Trio consists of pianist Bill Charlap, bassist Jay Leonhart, and drummer Bill Stewart, though it exists solely as a studio band for the Japanese label Venus, as Charlap's regular trio includes Peter Washington and Kenny Washington. Even though this band only meets occasionally in the studio to record yet another release in their prolific series for the Japanese jazz market, there is plenty of chemistry between the three veterans, while the nine songs from the vast Cole Porter songbook were likely to have been a part of each musician's repertoire long before these 2005 sessions. Charlap's lyrical piano style is quite effective, capturing the nuances of Porter's humor (even though none of his lyrics are heard), while the rhythm section gels nicely with the pianist. Highlights include a jaunty "My Heart Belongs to Daddy," a dreamy "Begin the Beguine," and a snappy "From This Moment On."
///////
Reseña por Ken Dryden
The New York Trio está formado por el pianista Bill Charlap, el bajista Jay Leonhart y el baterista Bill Stewart, aunque existe únicamente como banda de estudio para el sello japonés Venus, ya que el trío regular de Charlap incluye a Peter Washington y Kenny Washington. Aunque esta banda solo se encuentra ocasionalmente en el estudio para grabar otro lanzamiento en su prolífica serie para el mercado japonés de jazz, hay mucha química entre los tres veteranos, mientras que las nueve canciones del extenso cancionero Cole Porter probablemente fueron una parte del repertorio de cada músico mucho antes de estas sesiones de 2005. El estilo de piano lírico de Charlap es bastante efectivo, capturando los matices del humor de Porter (aunque no se escuchan ninguna de sus letras), mientras que la sección rítmica se adapta muy bien con el pianista. Entre los puntos destacados se incluyen "My Heart Belongs to Daddy", un soñado "Begin the Beguine" y un divertido "From This Moment On".
Tuesday, February 4, 2025
Saturday, February 1, 2025
Pat Martino • Nightwings
Biograph:
When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his
parents and his doctors and tried to piece together any memory of his
life.
One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe
brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition
could be terminal. After his operations he could remember almost
nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his
guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped
cold, empty, neutral, cleansed... naked.”
In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through
intensive study of his own historic recordings, and with the help of
computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return
to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old
friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.”
This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history.
Since playing his first notes while still in his pre-teenage years,
Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic
guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching
performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He
embodies thoughtful energy and soul.
Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz
through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and
briefly studied guitar with Eddie Lang
. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes
Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father
and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious
with my creative powers.”
He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in
tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music
teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John
Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked
about music.
Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album
Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny
Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me,
as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.
Martino became actively involved with the early rock scene in
Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and
Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a
high school friend. His reputation soon spread among other jazz
players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits
such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red
Holloway.
Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by
Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's
jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The
organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and
harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging
with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth
birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was
twenty. His seminal albums from this period include classics like
Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of
jazz's first successful ventures into psychedelia.
In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which
were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his
surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in
New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The
Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill,
and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and
then The Maker.
Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a
musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty,
is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to
his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his
rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral
arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians
flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of
his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who
has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great
importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what
matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are
alive. The guitar is just an apparatus.”
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
Revisión
Con Live at Yoshi's, su vigésima grabación como líder y su tercer lanzamiento para el sello Blue Note, el legendario Pat Martino ha cerrado el círculo. Acompañado por Joey DeFrancesco en Hammond B-3 y Billy Hart en la batería, el hard bop y el funky soul-jazz de este trío seguro que complacerá a los entusiastas del trío de guitarra, órgano y batería. Martino, heredero del cálido estilo de guitarra de Wes Montgomery, toca ocho grandes composiciones, incluyendo dos grandes versiones extendidas de las clásicas composiciones de Miles Davis "All Blues" y "Blue in Green". En "All Blues", la creativa voz de la guitarra toca la melodía con interpretaciones conmovedoras y sutil resonancia musical. La versión de Martino de "Blue in Green" crea un mundo de melancolía y el guitarrista toca su guitarra con la misma dulce tristeza que Miles con el apoyo del solo de órgano de DeFrancesco añadiendo más matices de emoción. Las canciones seleccionadas para esta grabación de actuación "en vivo" también aparecen en proyectos previamente grabados por Martino, incluyendo su álbum Desperado de 1970 y su CD Stone Blue de 1998. Sin embargo, los oyentes ahora reciben el beneficio de tener la actuación del conjunto disponible en tiempo real. El sonido del público en "Live at Yoshi's", la destreza del sabio de la guitarra y los tonos frescos en "Catch" son más briosos que nunca, y después de escuchar este CD, te inclinarás a estar de acuerdo.
por Paula Edelstein
https://www.allmusic.com/album/live-at-yoshis-mw0000588100
Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.
Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".
En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.
Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang
. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."
Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.
Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.
Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.
Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.
En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.
Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
www.patmartino.com ...///////
Revisión
Con Live at Yoshi's, su vigésima grabación como líder y su tercer lanzamiento para el sello Blue Note, el legendario Pat Martino ha cerrado el círculo. Acompañado por Joey DeFrancesco en Hammond B-3 y Billy Hart en la batería, el hard bop y el funky soul-jazz de este trío seguro que complacerá a los entusiastas del trío de guitarra, órgano y batería. Martino, heredero del cálido estilo de guitarra de Wes Montgomery, toca ocho grandes composiciones, incluyendo dos grandes versiones extendidas de las clásicas composiciones de Miles Davis "All Blues" y "Blue in Green". En "All Blues", la creativa voz de la guitarra toca la melodía con interpretaciones conmovedoras y sutil resonancia musical. La versión de Martino de "Blue in Green" crea un mundo de melancolía y el guitarrista toca su guitarra con la misma dulce tristeza que Miles con el apoyo del solo de órgano de DeFrancesco añadiendo más matices de emoción. Las canciones seleccionadas para esta grabación de actuación "en vivo" también aparecen en proyectos previamente grabados por Martino, incluyendo su álbum Desperado de 1970 y su CD Stone Blue de 1998. Sin embargo, los oyentes ahora reciben el beneficio de tener la actuación del conjunto disponible en tiempo real. El sonido del público en "Live at Yoshi's", la destreza del sabio de la guitarra y los tonos frescos en "Catch" son más briosos que nunca, y después de escuchar este CD, te inclinarás a estar de acuerdo.
por Paula Edelstein
https://www.allmusic.com/album/live-at-yoshis-mw0000588100
Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.
Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".
En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.
Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang
. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."
Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.
Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.
Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.
Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.
En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.
Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino
Sunday, January 26, 2025
Saturday, January 25, 2025
Wednesday, January 22, 2025
M.T.B. • Solid Jackson
La siglas M.T.B corresponden a al pianista Brad Mehldau, la M; al saxo tenor Mark Turner, la T, y la guitarrista Peter Bernstein, la B.
Hace 24 años los tres, junto con el bajista c y elbatería Leon Parker, grabaron el álbum ‘Consenting Adults’. Ahora, casi un cuarto de siglo después, vuelven a reunirse para lanzar ‘Solid Jackson’.
En este disco hay un cambio respecto de los componentes de la primera edición ya que el batería Bill Stewart sustituye al inicial Leon Parker.
Aunque el titular del álbum es M.T.B, bien podrían denominarse M.T.B.G.S. Pero, bueno, cada cual tienes sus cosas.
Lo cierto es que este cedé es muy bueno, con cinco músicos de primera línea que están por la labor de hacer un disco como equipo y no uno de cinco individualidades, algo muy frecuente cuando se juntan músicos con egos muy subidos gracias a un curriculum no sólo amplio sino de calidad.
‘Solid Jackson’ lo componen ocho termas donde se intercalan tanto composiciones propias, dos de Peter Bernstein (‘The Things That Fall Away’, ‘Ditty For Dewey’), dos de Mehldau (‘Solid Jackson’, ‘Maury’s Grey Wig’) y una de Turner (‘1946’); con la interpretación de piezas escasamente interpretadas de creadores como Hank Mobley (‘Soft Impression’), Harold Land (‘Ode to Angela’) y Wayne Shorter (‘Angola’)
El resultado final de ‘Solid Jackson’ es un disco instalado en el jazz clásico pero que mira al futuro, que fluye de manera natural y donde los cinco músicos demuestran, tanto de manera colectiva como individual, por qué ocupan el lugar que ocupan en el imaginario colectivo del jazz actual.
Ahora sólo hace falta que M.T.B no tarden otro cuarto de siglo para editar su tercer disco conjunto.
Delein.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/m-t-b-solid-jackson
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The acronym M.T.B stands for pianist Brad Mehldau, the M; tenor saxophonist Mark Turner, the T, and guitarist Peter Bernstein, the B.
Twenty-four years ago the three of them, along with bassist c and drummer Leon Parker, recorded the album 'Consenting Adults'. Now, almost a quarter of a century later, they are back together again to release 'Solid Jackson'.
On this album there is a change with respect to the components of the first edition as drummer Bill Stewart replaces the initial Leon Parker.
Although the title of the album is M.T.B, they could well be called M.T.B.G.S. But, well, everyone has their own thing.
The truth is that this CD is very good, with five first-rate musicians who are willing to make an album as a team and not one of five individuals, something very frequent when musicians with very high egos get together thanks to a resume that is not only broad but also of quality.
Solid Jackson' is made up of eight thermals in which are interspersed both own compositions, two by Peter Bernstein ('The Things That Fall Away', 'Ditty For Dewey'), two by Mehldau ('Solid Jackson', 'Maury's Grey Wig') and one by Turner ('1946'); with the interpretation of rarely performed pieces by creators such as Hank Mobley ('Soft Impression'), Harold Land ('Ode to Angela') and Wayne Shorter ('Angola').
The final result of 'Solid Jackson' is an album installed in classic jazz but that looks to the future, that flows naturally and where the five musicians demonstrate, both collectively and individually, why they occupy the place they do in the collective imagination of today's jazz.
Now it only remains for M.T.B not to take another quarter of a century to release their third album together.
Delein.
http://www.distritojazz.com/discos-jazz/m-t-b-solid-jackson
Monday, December 23, 2024
Wednesday, December 11, 2024
Larry Goldings, Peter Bernstein, Bill Stewart • Perpetual Pendulum
The sense of movement in the album's title is really well-put – as organist Larry Goldings has this effortless way of running up and down the keys of his instrument, and the bass pedals too – spinning things out in a really freewheeling style that's caught fire by the guitar of Peter Bernstein and drums of Bill Stewart! There's a very modern vibe to the whole thing – the album's not a set that's out to rehash a 60s soul jazz mode, but instead show that new expressions from a guitar/organ trio are alive and well – maybe no surprise, given the strength that both Goldings and Bernstein have given us over the years – although brought into even greater focus here.
PERPETUAL PENDULUM is also their debut release on Smoke Sessions, which has some historical significance related to their origins as a trio. Smoke Jazz & Supper Club, the label’s parent venue, was opened on the former site of Augie’s Jazz Bar, where Goldings, Bernstein and Stewart first performed together and established their rapport on a regular Thursday night gig starting in 1989. They also recorded this album at New York’s Sear Sound Studio A, which is where they recorded their second outing together, 1992’s "Light Blue" and was also 30 years after the release of their debut album, Goldings’ 1991 album "The Intimacy of the Blues."
If it’s hard to imagine a band with the kind of longevity that Goldings, Bernstein, and Stewart share, it’s even more rare to find one maintaining their brilliant level of musicianship and chemistry and that is not lost on the trio.
“We all really dig each other, and that's probably the most important thing,” Goldings says in an attempt to explain the trio’s indefinable chemistry. There’s a lot of crossover in what we like to play and listen to, and our individual visions of jazz tend to align. It’s hard to say, because we never really discuss it; we just try to make good records. We came up together.”
Bernstein concurs. “I think we all share a pure feeling of gratitude. With these cats, I feel pressured to play my best because they’ve heard everything I can do. At the same time, I feel comfortable trying anything with them because I know whatever I do, they're going to hold it together. We’ve all grown through our individual experiences, but we always come back to this. And it's only getting better.”
"Like a long cool glass of water amid summer’s baking heat, what delight to come across something so simple, so good so damn right." (Jazzwise)
Larry Goldings
With his signature Hammond organ style and versatility on many keyboards, Boston native Larry Goldings (b. 1968) has traversed not only the wide spectrum of jazz where he is perhaps best known, but also the worlds of funk, pop, and alternative music. High in demand as a sideman, Goldings' sound can be heard on scores of albums by artists in virtually every musical genre.
In recent years, his distinctive playing has graced the albums of Christina Aguilera, Walter Becker, Solomon Burke, Tracy Chapman, De La Soul, Robben Ford, Steve Gadd, Melody Gardot, Herbie Hancock, Jesse Harris, Colin Hay, India.Arie, Al Jarreau, Norah Jones, John Mayer, Madeleine Peyroux, John Pizzarelli, David Sanborn, Sia, Luciana Souza, and many others.
Goldings has collaborated closely, on the road and in the studio, with such artists as Michael Brecker, Pat Metheny, Jim Hall, Maceo Parker, Madeleine Peyroux, John Scofield, and James Taylor. Taylor's retrospective album, One Man Band (Hear Music), represents the culmination of two and a half year worldwide tour, with Goldings as Mr. Taylor's sole collaborator/accompanist, or "one man band." The album, which was certified gold by the Recording Industry Association of America (RIAA), features an original composition by Larry entitled "School Song." As a leader, Larry has released 15 albums, many of which feature his long time organ trio with Peter Bernstein and Bill Stewart. This group is widely recognized for charting new ground, with the musicians' synergistic playing and their hard-swinging, yet very thoughtful, music. In 2007, Larry (alongside John Scofield and Jack DeJonnette) received a Best Jazz Album Grammy nomination for their recording, Trio Beyond - Saudades (ECM).
In the past decade, Goldings has become increasingly known as a composer, arranger, and producer. Goldings' compositions have been recorded by Michael Brecker, Jack DeJohnette, Bob Dorough, Jim Hall, John Scofield, Toots Thielemans, Curtis Stigers, Jane Monheit, Gaby Moreno and Sia Furler, among others. His songs and arrangements also appear in the films Space Cowboys, Proof, and Funny People. Goldings is a featured performer in the 2009 Clint Eastwood documentary, The Dream's on Me, playing original arrangements of several classic Johnny Mercer tunes on piano and Hammond organ. Also sought out by the advertising world, Larry has written music for Amtrak, Time Warner Cable, and others.
Current projects include his recent album, When Larry Met Harry (Cafe Society Records), featuring sax great Harry Allen. In May, Goldings released a solo piano record, In My Room (BFM Jazz), exploring songs by Brian Wilson, Joni Mitchell, The Beatles, The Zombies, Stephen Foster, Abdullah Ibrahim and others. It also includes new compositions, and prepared piano improvisations.
Peter Bernstein
born 1967, New York City has been a part of the jazz scene in New York and abroad since 1989. During that time he has participated in over 80 recordings and numerous festival, concert and club performances with musicians from all generations. As a leader, Peter has released nine albums and a DVD, Live at Smoke.
He got his first break while attending the New School when he met the legendary guitarist Jim Hall. Hall asked Peter to participate in his Invitational Concert as part of the 1990 JVC Jazz Festival. The event featured such guitarists as John Scofield and Pat Metheny and was release as Live at Town Hall Vol. 2. by Music Masters. Hall noted that Peter “…has paid attention to the past as well as the future. He is the most impressive guitarist I’ve heard. He plays the best of them all for swing, logic, feel and taste.”
Also in 1990, Peter Bernstein was discovered by alto saxophonist Lou Donaldson and took part in the first of four recordings with him. He was a regular member of his group throughout the 1990s. “Some people just have it.” Donaldson said. “…most of the time you have to teach someone what to do, but Peter knows it all.”
Peter has also enjoyed long musical associations with legendary drummer Jimmy Cobb (Cobb’s Mob), as well as organist Larry Goldings and drummer Bill Stewart as a member of their highly acclaimed trio. The New York Times called them “the best organ trio of the last decade”. Together they recorded a dozen of records, all of which display their distinctive sound, whether exploring the depths of jazz standards or playing their original compositions.
From 1995 through 1997, Peter was a member of Joshua Redman’s band and played on Redman’s Freedom in the Groove CD. He played with Diana Krall’s quartet from 1999 through 2001 and with Dr. Lonnie Smith, the legendary organist who made his debut on the George Benson Cookbook albums. He has also recorded five CDs with organist Melvin Rhyne, known for his association with Wes Montgomery. In addition, Peter has appeared in groups led by Nicholas Payton, Sonny Rollins, Lee Konitz, Tom Harrell, and Eric Alexander.
Current projects include his recent album, Monk, recorded for the newly reactivated Xanadu label. Together with Doug Weiss and Bill Stewart, he put their own spin on the rich legacy of Thelonious Monk.
In September, Bernstein released a solo guitar record, Solo Guitar – Live at Smalls (Smalls Live), an intimate recording that makes you feel like you’re sitting in the front row at Small’s jazz club in New York City.
Bill Stewart
William Harris “Bill” Stewart was born on October 18, 1966 in Des Moines, Iowa. Bill Stewart’s father was a trombonist and a big fan of Bill Harris, an acclaimed jazz trombonist from the 1940s and 1950s jazz scene. His love for Bill Harris’ work was such that he named Bill Stewart after him, as a tribute.
Bill Stewart’s first exposure to music came from listening to his parents’ collection of jazz and rhythm and blues (R&B) records. Listening to records was the most effective way of getting exposed to different styles of music, since Iowa was a relatively isolated state. Live jazz concerts, for instance, were very rare in that area of the United States.
Bill Stewart began playing drums at the age of 7. He taught himself how to play drums by playing along to records at his house. Therefore, Bill Stewart didn’t get the most traditional of drumming educations in jazz. In fact, Bill Stewart learned jazz drumming using matched grip, a grip that’s mostly associated with rock drumming and the one he prefers using till this day. Drum lessons, drum books, and drum rudiments was something he would get into later on.
Bill Stewart continued developing his drumming skills in high school by performing in its orchestra and in a top 40 cover band. He also furthered his studies in jazz by going to the Stanford Jazz Workshop in California, a summer music camp where he was lucky enough to meet jazz legend Dizzy Gillespie.
After successfully graduating from high school, Bill Stewart enrolled at the University of Northern Iowa in Cedar Falls, Iowa. There, Bill Stewart played in the orchestra and in the jazz and marching bands. Bill Stewart wound up transferring to the William Paterson University in New Jersey, where he enrolled in its Jazz Studies and Performance program. During his stint there, Bill Stewart performed in ensembles directed by Rufus Reid, took composition lessons from Dave Samuels, and studied drums under Eliot Zigmund and Horacee Arnold. John Riley and Ed Blackwell – legendary jazz drummers – gave him some drum lessons in college as well, when subbing for Eliot Zigmund. Joe Lovano was another musician that subbed for Eliot Zigmund. He would latter join Bill Stewart in many of his musical endeavors.
Bill Stewart made his recording debut in 1987, while still in college, by contributing drums for Scott Kreitzer’s Kick’n Off. However, the album would only see the light of day in 1992. After graduating in 1988, Bill Stewart moved to Brooklyn, New York. He began establishing his reputation as a musician by appearing regularly at jam sessions that took place in New York. Word of mouth and his constant performances at jazz clubs helped him secure his first gigs, which were with pianist Larry Goldings and guitarist Peter Bernstein. At one of their regular concerts at Augie’s Club in Manhattan, Bill Stewart was invited by former James Brown and Parliament-Funkadelic saxophonist Maceo Parker, who was at attendance, to take part in the recording sessions for his album Roots Revisited (1991).
Shortly thereafter, Bill Stewart was invited to join John Scofield’s quartet, with saxophonist Joe Lovano and either Dennis Irwin or Marc Johnson on the double bass. This was one of Bill Stewart’s first regularly touring bands. After that band, Bill Stewart wound up performing for various other bands John Scofield put together.
https://www.highresaudio.com/en/album/view/a6hc88/larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-perpetual-pendulum
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La sensación de movimiento en el título del álbum está muy bien entendida, ya que el organista Larry Goldings tiene esta forma de correr sin esfuerzo hacia arriba y hacia abajo de las teclas de su instrumento, y los pedales de bajo también, girando las cosas en un estilo realmente libre que es capturado por la guitarra de Peter Bernstein y la batería de Bill Stewart. Hay un ambiente muy moderno en todo el conjunto, el álbum no es un conjunto que pretende rehacer un modo de jazz soul de los años 60, sino que muestra que las nuevas expresiones de un trío de guitarra y órgano están vivas y en buen estado, tal vez no sea una sorpresa, dada la fuerza que tanto Goldings como Bernstein nos han dado a lo largo de los años, aunque aquí se pone aún más de relieve.
PERPETUAL PENDULUM es también su debut en Smoke Sessions, lo que tiene cierto significado histórico relacionado con sus orígenes como trío. Smoke Jazz & Supper Club, el local del sello, se abrió en el antiguo emplazamiento del Augie's Jazz Bar, donde Goldings, Bernstein y Stewart actuaron juntos por primera vez y establecieron su relación en un concierto regular los jueves por la noche a partir de 1989. También grabaron este álbum en el Sear Sound Studio A de Nueva York, que es donde grabaron su segundo trabajo juntos, "Light Blue" de 1992, y también 30 años después de la publicación de su álbum de debut, "The Intimacy of the Blues" de Goldings, de 1991.
Si es difícil imaginar una banda con el tipo de longevidad que Goldings, Bernstein y Stewart comparten, es aún más raro encontrar una que mantenga su brillante nivel de musicalidad y química y eso no se le escapa al trío.
"Todos nos compenetramos, y eso es probablemente lo más importante", dice Goldings en un intento de explicar la indefinible química del trío. Hay muchas coincidencias en lo que nos gusta tocar y escuchar, y nuestras visiones individuales del jazz tienden a alinearse. Es difícil de decir, porque nunca lo discutimos realmente; sólo intentamos hacer buenos discos. Hemos surgido juntos".
Bernstein coincide. "Creo que todos compartimos un sentimiento puro de gratitud. Con estos tipos, me siento presionado para tocar lo mejor posible porque han escuchado todo lo que puedo hacer. Al mismo tiempo, me siento cómodo probando cualquier cosa con ellos porque sé que haga lo que haga, lo van a mantener unido. Todos hemos crecido a través de nuestras experiencias individuales, pero siempre volvemos a esto. Y sólo mejora".
"Como un largo y fresco vaso de agua en medio del calor abrasador del verano, qué delicia encontrarse con algo tan simple, tan bueno y tan malditamente correcto". (Jazzwise)
Larry Goldings
Con su característico estilo de órgano Hammond y su versatilidad en muchos teclados, el bostoniano Larry Goldings (nacido en 1968) ha atravesado no sólo el amplio espectro del jazz, donde quizá sea más conocido, sino también el mundo del funk, el pop y la música alternativa. Muy solicitado como músico de acompañamiento, el sonido de Goldings puede escucharse en decenas de álbumes de artistas de prácticamente todos los géneros musicales.
En los últimos años, su distintivo toque ha adornado los álbumes de Christina Aguilera, Walter Becker, Solomon Burke, Tracy Chapman, De La Soul, Robben Ford, Steve Gadd, Melody Gardot, Herbie Hancock, Jesse Harris, Colin Hay, India.Arie, Al Jarreau, Norah Jones, John Mayer, Madeleine Peyroux, John Pizzarelli, David Sanborn, Sia, Luciana Souza, y muchos otros.
Goldings ha colaborado estrechamente, en la carretera y en el estudio, con artistas como Michael Brecker, Pat Metheny, Jim Hall, Maceo Parker, Madeleine Peyroux, John Scofield y James Taylor. El álbum retrospectivo de Taylor, One Man Band (Hear Music), representa la culminación de dos años y medio de gira mundial, con Goldings como único colaborador/acompañante del Sr. Taylor, o "one man band". El álbum, que fue certificado como disco de oro por la Recording Industry Association of America (RIAA), incluye una composición original de Larry titulada "School Song". Como líder, Larry ha publicado 15 álbumes, muchos de los cuales incluyen su trío de órgano de larga duración con Peter Bernstein y Bill Stewart. Este grupo es ampliamente reconocido por trazar nuevos caminos, con la sinergia de los músicos y su música dura, pero muy reflexiva. En 2007, Larry (junto a John Scofield y Jack DeJonnette) recibió una nominación al Grammy al mejor álbum de jazz por su grabación, Trio Beyond - Saudades (ECM).
En la última década, Goldings es cada vez más conocido como compositor, arreglista y productor. Las composiciones de Goldings han sido grabadas por Michael Brecker, Jack DeJohnette, Bob Dorough, Jim Hall, John Scofield, Toots Thielemans, Curtis Stigers, Jane Monheit, Gaby Moreno y Sia Furler, entre otros. Sus canciones y arreglos también aparecen en las películas Space Cowboys, Proof y Funny People. Goldings aparece en el documental de Clint Eastwood de 2009, The Dream's on Me, interpretando al piano y al órgano Hammond los arreglos originales de varios temas clásicos de Johnny Mercer. También es buscado por el mundo de la publicidad, Larry ha escrito música para Amtrak, Time Warner Cable y otros.
Entre sus proyectos actuales se encuentra su reciente álbum When Larry Met Harry (Cafe Society Records), en el que participa el gran saxofonista Harry Allen. En mayo, Goldings publicó un disco de piano en solitario, In My Room (BFM Jazz), en el que explora canciones de Brian Wilson, Joni Mitchell, The Beatles, The Zombies, Stephen Foster, Abdullah Ibrahim y otros. También incluye nuevas composiciones e improvisaciones preparadas para piano.
Peter Bernstein
nacido en 1967 en Nueva York, forma parte de la escena del jazz en Nueva York y en el extranjero desde 1989. Durante ese tiempo ha participado en más de 80 grabaciones y numerosas actuaciones en festivales, conciertos y clubes con músicos de todas las generaciones. Como líder, Peter ha publicado nueve álbumes y un DVD, Live at Smoke.
Tuvo su primera oportunidad mientras asistía a la New School, cuando conoció al legendario guitarrista Jim Hall. Hall le pidió a Peter que participara en su Concierto por Invitación como parte del Festival de Jazz JVC de 1990. El evento contó con guitarristas como John Scofield y Pat Metheny y fue publicado como Live at Town Hall Vol. 2. por Music Masters. Hall señaló que Peter "...ha prestado atención tanto al pasado como al futuro. Es el guitarrista más impresionante que he escuchado. Toca lo mejor de todos en cuanto a swing, lógica, sensación y gusto".
También en 1990, Peter Bernstein fue descubierto por el saxofonista alto Lou Donaldson y participó en la primera de cuatro grabaciones con él. Fue miembro habitual de su grupo durante toda la década de 1990. "Algunas personas simplemente lo tienen". dijo Donaldson. "...la mayoría de las veces tienes que enseñar a alguien lo que tiene que hacer, pero Peter lo sabe todo".
Peter también ha disfrutado de largas asociaciones musicales con el legendario baterista Jimmy Cobb (Cobb's Mob), así como con el organista Larry Goldings y el baterista Bill Stewart como miembro de su aclamado trío. El New York Times los calificó como "el mejor trío de órganos de la última década". Juntos grabaron una docena de discos, todos los cuales muestran su sonido distintivo, ya sea explorando las profundidades de los estándares de jazz o tocando sus composiciones originales.
De 1995 a 1997, Peter fue miembro de la banda de Joshua Redman y tocó en el CD Freedom in the Groove de Redman. Tocó con el cuarteto de Diana Krall de 1999 a 2001 y con el Dr. Lonnie Smith, el legendario organista que debutó en los discos de George Benson Cookbook. También ha grabado cinco CDs con el organista Melvin Rhyne, conocido por su asociación con Wes Montgomery. Además, Peter ha aparecido en grupos dirigidos por Nicholas Payton, Sonny Rollins, Lee Konitz, Tom Harrell y Eric Alexander.
Entre sus proyectos actuales se encuentra su reciente álbum, Monk, grabado para el recién reactivado sello Xanadu. Junto con Doug Weiss y Bill Stewart, dio su propio giro al rico legado de Thelonious Monk.
En septiembre, Bernstein publicó un disco de guitarra solista, Solo Guitar - Live at Smalls (Smalls Live), una grabación íntima que te hace sentir como si estuvieras sentado en primera fila en el club de jazz Small's de Nueva York.
Bill Stewart
William Harris "Bill" Stewart nació el 18 de octubre de 1966 en Des Moines, Iowa. El padre de Bill Stewart era trombonista y un gran fan de Bill Harris, un aclamado trombonista de jazz de los años 40 y 50. Su amor por el trabajo de Bill Harris era tal que le puso el nombre de Bill Stewart en su honor.
El primer contacto de Bill Stewart con la música fue escuchando la colección de discos de jazz y rhythm and blues (R&B) de sus padres. Escuchar discos era la forma más eficaz de conocer diferentes estilos musicales, ya que Iowa era un estado relativamente aislado. Los conciertos de jazz en directo, por ejemplo, eran muy raros en esa zona de Estados Unidos.
Bill Stewart comenzó a tocar la batería a la edad de 7 años, y aprendió a hacerlo él mismo tocando discos en su casa. Por lo tanto, Bill Stewart no recibió la más tradicional de las educaciones de batería en el jazz. De hecho, Bill Stewart aprendió a tocar la batería de jazz utilizando la empuñadura combinada, una empuñadura que se asocia sobre todo con la batería de rock y que es la que prefiere utilizar hasta el día de hoy. Las clases de batería, los libros de batería y los rudimentos de batería fueron algo en lo que se adentró más adelante.
Bill Stewart siguió desarrollando sus habilidades como baterista en el instituto, actuando en su orquesta y en una banda de versiones de los 40 principales. También amplió sus estudios de jazz acudiendo al Stanford Jazz Workshop de California, un campamento musical de verano en el que tuvo la suerte de conocer a la leyenda del jazz Dizzy Gillespie.
Tras graduarse con éxito en el instituto, Bill Stewart se matriculó en la Universidad del Norte de Iowa en Cedar Falls, Iowa. Allí, Bill Stewart tocó en la orquesta y en las bandas de jazz y de marcha. Bill Stewart acabó trasladándose a la Universidad William Paterson de Nueva Jersey, donde se matriculó en su programa de estudios e interpretación de jazz. Durante su estancia allí, Bill Stewart actuó en conjuntos dirigidos por Rufus Reid, recibió clases de composición de Dave Samuels y estudió batería con Eliot Zigmund y Horacee Arnold. John Riley y Ed Blackwell, legendarios bateristas de jazz, también le dieron algunas clases de batería en la universidad, cuando sustituía a Eliot Zigmund. Joe Lovano fue otro músico que sustituyó a Eliot Zigmund. Posteriormente se uniría a Bill Stewart en muchos de sus esfuerzos musicales.
Bill Stewart hizo su debut discográfico en 1987, cuando todavía estaba en la universidad, contribuyendo con la batería para Kick'n Off de Scott Kreitzer. Sin embargo, el álbum no vería la luz hasta 1992. Tras graduarse en 1988, Bill Stewart se trasladó a Brooklyn, Nueva York. Comenzó a establecer su reputación como músico apareciendo regularmente en jam sessions que tenían lugar en Nueva York. El boca a boca y sus constantes actuaciones en clubes de jazz le ayudaron a conseguir sus primeros conciertos, que fueron con el pianista Larry Goldings y el guitarrista Peter Bernstein. En uno de sus conciertos habituales en el Augie's Club de Manhattan, Bill Stewart fue invitado por el ex saxofonista de James Brown y Parliament-Funkadelic, Maceo Parker, que estaba presente, a participar en las sesiones de grabación de su álbum Roots Revisited (1991).
Poco después, Bill Stewart fue invitado a unirse al cuarteto de John Scofield, con el saxofonista Joe Lovano y Dennis Irwin o Marc Johnson al contrabajo. Esta fue una de las primeras bandas de Bill Stewart que giraban con regularidad. Después de esa banda, Bill Stewart acabó actuando en otras bandas que formó John Scofield.
https://www.highresaudio.com/en/album/view/a6hc88/larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-perpetual-pendulum
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