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Tuesday, May 19, 2026

Larry Goldings, Peter Bernstein & Bill Stewart • Toy Tunes

 



Review
The jazz world has seen many great organ trios over the years however Larry Golding’s trio with Peter Bernstein and Bill Stewart is not only one of the most innovative but also one of the most prolific. Next week see’s the release of their 12th Album titled “Toy Tunes”, the second for their current label Pirouet Records.

Toy Tunes, is the follow up release to “Ramshackle Serenade” released in 2014 to critical acclaim, and once again see’s trio great form. The album contains a mix of original compositions mixed with treatments of a number of standards including “I’m In The Mood For Love”, Carla Bley’s “And Now the Queen” and the title track, Wayne Shorter’s “Toy Tune”.

Larry Goldings when speaking about the trio said “Our approach has never been dictated by the ‘organ trio’ format but rather by our individual personalities, our broad range of musical interests, our desire to be highly interactive, and to grow together as musicians.” This could not be further from the truth as the trio explore many styles on the album from the more straight ahead readings of “I’m In The Mood For Love” and closing track Calm to the abstract of Carla Bley’s “And Now the Queen”.

The Album opens with a Goldings original “Fagan” referencing Steely Dan’s co-leader Donald Fagan and introduces the album well. The track with is staccato motif and straight eight feel is a strong opener without giving to much away as to what is coming. Larry stated the the music of Donald Fagan “introduced me to a whole new world of harmony and song structure” and this can be heard in this track.

I especially liked the lilting 6/8 feel of Bernstein’s “Lullaby For B” that Peter wrote for his oldest son and back beat groove of Bill Stewart’s “Don’t Ever Call Me Again”. Highlight of the album in my mind is treatment of Wayne Shorter’s “Toy Tune’. While not deviating all that far from the original Shorter recording both Bernstien and Goldings lay down impressive solo’s. Goldings says that improvising on Wayne Shorter’s pieces “is akin to playing with a Rubik’s Cube” and if this is the case on this recording he certainly was able to get all the squares lined up.

The performances on the album are excellent throughout as is the recording quality. Toy Tune is not only a welcome addition to the trios discography but a welcome addition to any Hammond fan or for that matter jazz lovers in general.
Written by Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/

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Reseña
El mundo del jazz ha visto muchos grandes tríos de órgano a lo largo de los años, pero el trío de Larry Golding con Peter Bernstein y Bill Stewart no sólo es uno de los más innovadores, sino también uno de los más prolíficos. La próxima semana saldrá a la venta su duodécimo álbum, titulado "Toy Tunes", el segundo para su actual sello, Pirouet Records.

Toy Tunes es la continuación de "Ramshackle Serenade", publicado en 2014 con gran éxito de crítica, y una vez más el trío está en plena forma. El álbum contiene una mezcla de composiciones originales mezcladas con tratamientos de una serie de estándares, incluyendo "I'm In The Mood For Love", "And Now the Queen" de Carla Bley y la pista del título, "Toy Tune" de Wayne Shorter.

Larry Goldings, al hablar del trío, dijo: "Nuestro enfoque nunca ha sido dictado por el formato de "trío de órgano", sino más bien por nuestras personalidades individuales, nuestra amplia gama de intereses musicales, nuestro deseo de ser altamente interactivos y de crecer juntos como músicos." Esto no podría estar más lejos de la realidad, ya que el trío explora muchos estilos en el álbum, desde las lecturas más directas de "I'm In The Mood For Love" y el tema de cierre Calm hasta lo abstracto de "And Now the Queen" de Carla Bley.

El álbum se abre con un original de Goldings, "Fagan", que hace referencia al colíder de Steely Dan, Donald Fagan, y que introduce bien el álbum. El tema, con un motivo entrecortado y una sensación de ocho rectos, es un fuerte comienzo, sin dar demasiadas pistas sobre lo que va a ocurrir. Larry declaró que la música de Donald Fagan "me introdujo en todo un nuevo mundo de armonía y estructura de las canciones" y esto se puede escuchar en este tema.

Me gustó especialmente la sensación de 6/8 de la "Canción de cuna para B" de Bernstein, que Peter escribió para su hijo mayor, y el ritmo de fondo de "Don't Ever Call Me Again" de Bill Stewart. Lo mejor del álbum, en mi opinión, es el tratamiento de "Toy Tune" de Wayne Shorter. Aunque no se desvía mucho de la grabación original de Shorter, tanto Bernstien como Goldings hacen unos solos impresionantes. Goldings dice que improvisar sobre las piezas de Wayne Shorter "es como jugar con un cubo de Rubik" y si este es el caso en esta grabación, ciertamente fue capaz de conseguir todos los cuadrados alineados.

Las interpretaciones del álbum son excelentes, al igual que la calidad de la grabación. Toy Tune no sólo es una buena adición a la discografía de los tríos, sino que también es una buena adición para cualquier fan de Hammond o para los amantes del jazz en general.
Escrito por Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/


larrygoldings.com ...
peterbernsteinmusic.com ...
billstewartmusic.com ...



Friday, May 15, 2026

Brian Charette • Jackpot

 



Review from All About Jazz (by Pierre Giroux):
In the tradition of some great Hammond organ players of the past, such as Jack McDuff, Melvin Rhyne, Don Patterson, Larry Young and Jimmy Smith, one leading practitioner on this instrument, Brian Charette, wanted to write some swinging and soulful bebop tunes which would honor the memory of these past greats. The musicians Charette chose to travel on this journey were steeped in this genre, tenor saxophonist Cory Weeds, funky guitarist Ed Cherry and the swinging drummer Bill Stewart. To ensure that the charts were treated with the appropriate degree of seriousness, the band came together on November 4, 2021 at the Rudy Van Gelder Recording Studio, Englewood Cliffs, NJ with Maureen Sikler in charge of the engineering. The title track is Jackpot and the music is full measure as the title implies. Throughout the session the group manages to squeeze every drop of funky bop from all the charts.
https://www.allaboutjazz.com/jackpot-brian-charette-cellar-live

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Reseña de All About Jazz (por Pierre Giroux):
En la tradición de algunos grandes organistas Hammond del pasado, como Jack McDuff, Melvin Rhyne, Don Patterson, Larry Young y Jimmy Smith, un practicante líder de este instrumento, Brian Charette, quiso escribir algunos temas de bebop swingueantes y conmovedores que honraran la memoria de estos grandes del pasado. Los músicos que Charette eligió para viajar en este viaje estaban empapados en este género, el saxofonista tenor Cory Weeds, el guitarrista funky Ed Cherry y el swingueante baterista Bill Stewart. Para asegurar que las partituras fueran tratadas con el apropiado grado de seriedad, la banda se reunió el 4 de noviembre de 2021 en el Rudy Van Gelder Recording Studio, Englewood Cliffs, NJ con Maureen Sikler a cargo de la ingeniería. El tema titular es Jackpot y la música es de medida completa como el título implica. A lo largo de la sesión el grupo logra exprimir cada gota de bop funky de todas las partituras.
https://www.allaboutjazz.com/jackpot-brian-charette-cellar-live


Thursday, April 16, 2026

Peter Bernstein • Let Loose

 

Biography:
Born September 3rd, 1967 in New York City, guitarist Peter Bernstein has been a part of the jazz scene in New York and abroad since 1989. During that time he has participated in over 60 recordings and numerous festival, concert and club performances with musicians from all generations. As a leader, Peter has made five recordings for the Criss Cross Jazz label. The latest, Heart’s Content, features the all-star rhythm section of Brad Mehldau, Larry Grenadier, and Bill Stewart.

While a student at The New School, Peter met the legendary guitarist Jim Hall, who asked him to participate in his Invitational Concert as part of the 1990 JVC Jazz Festival. The event featured such guitarists as John Scofield and Pat Metheny and was released as a CD by Music Masters. Hall once noted that Peter “...has paid attention to the past as well as the future. He is the most impressive young guitarists I’ve heard. He plays the best of them all for swing, logic, feel and taste.”

That same year, Peter was discovered by alto saxophonist Lou Donaldson and took part in the first of four recordings with him. He was a regular member of his group throughout the 1990s. “Some people just have it.” Donaldson said. “...most of the time you have to teach someone what to do, but Peter knows it all.”

Peter has also played with legendary drummer Jimmy Cobb (Cobb’s Mob), organist Larry Goldings, Dr. Lonnie Smith, Melvin Rhyne, drummer Bill Stewart, Joshua Redman, Diana Krall, Nicholas Payton, Lee Konitz, Tom Harrell, and Eric Alexander and performed in North America, Europe and Asia and making numerous television appearances.

Peter has taught at the Julliard School, Berklee College of Music, North Texas State University, the New School Jazz Program and the Jazz Conservatory in Amsterdam.

Peter has been fortunate to gain the respect of his peers and mentors. He has been recognized in both the readers’ and critics’ polls in Downbeat Magazine for the past three years. He continues to hone his style through writing and performing and has developed a distinctive and unforgettable guitar voice that is all his own.
https://musicians.allaboutjazz.com/peterbernstein

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Biografía:
Nacido el 3 de septiembre de 1967 en la ciudad de Nueva York, el guitarrista Peter Bernstein ha formado parte de la escena del jazz en Nueva York y en el extranjero desde 1989. Durante ese tiempo ha participado en más de 60 grabaciones y numerosas actuaciones en festivales, conciertos y clubes con músicos de todas las generaciones. Como líder, Peter ha realizado cinco grabaciones para el sello Criss Cross Jazz. La última, Heart's Content, presenta la sección rítmica de Brad Mehldau, Larry Grenadier y Bill Stewart.

Mientras estudiaba en The New School, Peter conoció al legendario guitarrista Jim Hall, quien le pidió que participara en su Concierto por invitación como parte del Festival de Jazz de JVC de 1990. El evento contó con la participación de guitarristas como John Scofield y Pat Metheny y fue lanzado como un CD por Music Masters. Hall señaló una vez que Peter "...ha prestado atención tanto al pasado como al futuro. Es el guitarrista joven más impresionante que he escuchado. Toca lo mejor de todos ellos para el swing, la lógica, el sentimiento y el gusto."

Ese mismo año, Peter fue descubierto por el saxofonista alto Lou Donaldson y participó en la primera de cuatro grabaciones con él. Fue un miembro regular de su grupo durante los años 90. "Algunas personas simplemente lo tienen." Donaldson dijo. "...la mayoría de las veces hay que enseñar a alguien qué hacer, pero Peter lo sabe todo."

Peter también ha tocado con el legendario baterista Jimmy Cobb (Cobb's Mob), el organista Larry Goldings, el Dr. Lonnie Smith, Melvin Rhyne, el baterista Bill Stewart, Joshua Redman, Diana Krall, Nicholas Payton, Lee Konitz, Tom Harrell y Eric Alexander y ha actuado en Norteamérica, Europa y Asia y hecho numerosas apariciones en televisión.

Peter ha enseñado en la Julliard School, el Berklee College of Music, la North Texas State University, el Programa de Jazz de la New School y el Conservatorio de Jazz de Amsterdam.

Peter ha tenido la suerte de ganarse el respeto de sus compañeros y mentores. Ha sido reconocido tanto por los lectores como por los críticos en las encuestas de la revista Downbeat durante los últimos tres años. Continúa perfeccionando su estilo a través de la escritura y la interpretación y ha desarrollado una distintiva e inolvidable voz de guitarra que es toda suya.
https://musicians.allaboutjazz.com/peterbernstein

 


Peter Bernstein ...


Thursday, January 22, 2026

John Scofield, Bill Stewart, Steve Swallow • Swallow Tales

 



Guitarist John Scofield celebrates the music of his friend and mentor Steve Swallow in an outgoing and spirited recording, made in a day in New York in March 2019 - “old school” style as Scofield says, while acknowledging that more than forty years of preparation led up to it. John was a 20-year-old student at Berklee when he first met and played with the bassist, and they have continued ever since. “I love these songs”, says Scofield of the selection of Swallow compositions explored here – a broad range including classics such as “Hullo Bolinas”, “Eiderdown”, “Falling Grace” and “Radio”, as well as lesser-known works. The rapport between Scofield and Swallow is evident in every moment. John: “Sometimes when we play it’s like one big guitar, the bass part and my part together.” Behind the drum kit, Bill Stewart, a close associate of Scofield’s since the early 90s, is alert to all the implications of the interaction. “What Bill does is more than ‘playing the drums,’” Scofield says. “He’s a melodic voice in the music, while also swinging really hard.”
https://www.jazzmessengers.com/es/82834/john-scofield/swallowtales

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El guitarrista John Scofield rinde homenaje a la música de su amigo y mentor Steve Swallow en una grabación extrovertida y llena de energía, realizada en un solo día en Nueva York en marzo de 2019, al estilo «de la vieja escuela», como dice Scofield, aunque reconoce que le han llevado más de cuarenta años de preparación llegar hasta aquí. John era un estudiante de 20 años en Berklee cuando conoció y tocó por primera vez con el bajista, y desde entonces han seguido juntos. «Me encantan estas canciones», dice Scofield sobre la selección de composiciones de Swallow que se exploran aquí, una amplia gama que incluye clásicos como «Hullo Bolinas», «Eiderdown», «Falling Grace» y «Radio», así como obras menos conocidas. La compenetración entre Scofield y Swallow es evidente en todo momento. John: «A veces, cuando tocamos, es como si fuéramos una gran guitarra, la parte del bajo y mi parte juntas». Detrás de la batería, Bill Stewart, colaborador cercano de Scofield desde principios de los 90, está atento a todas las implicaciones de la interacción. «Lo que hace Bill es más que «tocar la batería»», dice Scofield. «Es una voz melódica en la música, a la vez que tiene un swing muy potente».
https://www.jazzmessengers.com/es/82834/john-scofield/swallowtales


 



www.johnscofield.com ...

 

Sunday, April 27, 2025

Benjamin Koppel, Larry Goldings & Bill Stewart • Hammond Street

 



Hammond Street is a groovy and jazzy trio album, recorded in Los Angeles, USA in January 2006 by the Danish saxophone player Benjamin Koppel, the Hammond organ player Larry Goldings and the drummer Bill Stewart.

Hammond Street is the street where everything happens. It crosses Sunset Boulevard where the jet set cruise in their big American cars and the stars of Hollywood is out to be seen.

The great sound of the B3 Hammond organ is played by the sublime master of the instrument, Larry Goldings. He is known for his cooperation with among others John Scofield, James Taylor and Maceo Parker. In the 1950’s and the 1960’s Jimmy Smith began to play jazz on the B3 Hammond Organ and Larry Goldings has since then developed his very personal style of playing. His play is extrovert and has a modernistic style – inspired by both free jazz and funk music.

Benjamin Koppel has a very special relationship to the B3 Hammond Organ. His father, Anders Koppel (founding member of the beat and rock band Savage Rose), is a very talented organ player. Benjamin Koppel used to be with his father on tour, so he has been listening to the instrument from his early childhood. Benjamin Koppel is playing with several international jazz musicians and his compositions have been recorded by names like Daniel Humair and Phil Woods.

Goldings and Koppel are accompanied by Bill Stewart on drums. He is a true New Yorker with a great character who has played and recorded with names like John Scofield, Joe Lovano, Chris Potter, Pat Metheny.

Benjamin Koppel has composed the majority of the titles on Hammond Street. It is blues inspired jazz – swinging and grooving. The desert just outside the city of Los Angeles has been giving inspiration to the titles Ostrich Itch, that has themes from the west coast fusion, and Armadillo Race based on the afro jazz groove in 6/8. The titles lead the thoughts to the dusty desert, the car races across the American continent and the race for the specially trained armadilloes.  
https://benjaminkoppel1.bandcamp.com/album/hammond-street

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Hammond Street es un álbum de trío groovy y jazzy, grabado en Los Ángeles, EE.UU., en enero de 2006 por el saxofonista danés Benjamin Koppel, el organista Hammond Larry Goldings y el batería Bill Stewart.

Hammond Street es la calle donde ocurre todo. Cruza Sunset Boulevard, donde la jet set pasea en sus grandes coches americanos y las estrellas de Hollywood se dejan ver.

El gran sonido del órgano B3 Hammond es interpretado por el sublime maestro del instrumento, Larry Goldings. Es conocido por su colaboración, entre otros, con John Scofield, James Taylor y Maceo Parker. En los años 50 y 60, Jimmy Smith empezó a tocar jazz en el órgano B3 Hammond y, desde entonces, Larry Goldings ha desarrollado su personalísimo estilo de interpretación. Su forma de tocar es extrovertida y tiene un estilo modernista, inspirado tanto en el free jazz como en la música funk.

Benjamin Koppel tiene una relación muy especial con el órgano Hammond B3. Su padre, Anders Koppel (miembro fundador de la banda de beat y rock Savage Rose), es un organista de gran talento. Benjamin Koppel solía acompañar a su padre en las giras, por lo que lleva escuchando el instrumento desde su más tierna infancia. Benjamin Koppel toca con varios músicos de jazz internacionales y sus composiciones han sido grabadas por nombres como Daniel Humair y Phil Woods.

Goldings y Koppel están acompañados por Bill Stewart a la batería. Se trata de un auténtico neoyorquino de gran carácter que ha tocado y grabado con nombres como John Scofield, Joe Lovano, Chris Potter o Pat Metheny.

Benjamin Koppel ha compuesto la mayoría de los títulos de Hammond Street. Es jazz inspirado en el blues, con swing y groove. El desierto a las afueras de la ciudad de Los Ángeles ha servido de inspiración para los títulos Ostrich Itch, que tiene temas de la fusión de la costa oeste, y Armadillo Race, basado en el groove del afro jazz en 6/8. Los títulos llevan el pensamiento al polvoriento desierto, a las carreras de coches por el continente americano y a la carrera de los armadillos especialmente entrenados.  
https://benjaminkoppel1.bandcamp.com/album/hammond-street



www.benjaminkoppel.com ...


Saturday, April 12, 2025

Hank Marr • Groovin It!




Hank Marr, professor of jazz studies at Ohio State University, puts the lie to the adage that those who can, play, and that those who can’t, teach. Marr, born in Columbus (home of the Buckeyes) in 1927, cut his jazz teeth in garage sessions with little Ronnie Kirk (who would later storm the scene as Rahsaan Roland Kirk). Switching to organ after falling under the sway of Wild Bill Davis and Jimmy Smith, Marr found a niche on the 1960s’ organ-room circuit. And though academia beckoned, Marr’s Hammond B-3 was always at close hand-and foot.

Now, “discovered” anew thanks to last year’s It’s ’bout Time! (Double-Time), Marr solidifies his credentials with a trio date that sizzles and soars-and breathes. Throughout, Marr gets hand-in-glove support from guitarist Wilbert Longmire (who collaborated with the organist 33 years ago) and Bill Stewart (whose taut timekeeping has had much to do with the recent success of organist Larry Goldings). While one hears echoes of Davis’ “locked-hands” approach and Smith’s agile right-hand flights, Marr, it should be stressed, is a model of economy. Every note, every space, counts. So though re-negotiating standards like “Softwinds,” “Killer Joe” and “Misty,” it’s a flowing yet crisp “for the first time” feel which prevails.

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Hank Marr, profesor de estudios de jazz en la Universidad Estatal de Ohio, pone la mentira al adagio de que los que pueden, tocan, y los que no pueden, enseñan. Marr, nacido en Columbus (hogar de los Buckeyes) en 1927, se cortó los dientes con el jazz en sesiones de garaje con el pequeño Ronnie Kirk (que más tarde irrumpiría en escena como Rahsaan Roland Kirk). Al cambiar al órgano después de caer bajo el influjo de Wild Bill Davis y Jimmy Smith, Marr encontró un hueco en el circuito de salas de órgano de los años 60. Y aunque el mundo académico llamaba la atención, el Hammond B-3 de Marr siempre estaba a mano y a pie.

Ahora, "descubierto" de nuevo gracias al "It's bout Time" del año pasado. (Doble Tiempo), Marr solidifica sus credenciales con una cita en trío que chisporrotea y se eleva y respira. A lo largo de todo el proceso, Marr recibe el apoyo mano a mano del guitarrista Wilbert Longmire (que colaboró con el organista hace 33 años) y Bill Stewart (cuyo tenso cronometraje ha tenido mucho que ver con el reciente éxito del organista Larry Goldings). Mientras se escuchan los ecos del enfoque "manos cerradas" de Davis y los ágiles vuelos de Smith a la derecha, cabe destacar que Marr es un modelo de economía. Cada nota, cada espacio, cuenta. Así que aunque se renegocien estándares como "Softwinds", "Killer Joe" y "Misty", prevalece una sensación fluida pero nítida de "por primera vez".


Wednesday, April 2, 2025

Wycliffe Gordon Quintet • Dig This!

 



Review by David Dupont  
Trombonist Wycliffe Gordon was the most adventurous musician to spin off from Wynton Marsalis' orbit. Since his tenure with Marsalis, Gordon collaborated with everyone from revivalists in the Sidney Bechet Project to progressive composer Ted Nash and Randy Sandke's Inside Outside project, which brings together practitioners from the musical extremes. He's been more restricted in his own solo dates but has shown he's willing to reach beyond the confines of traditional hard bop. Dig This!! finds him employing the fashionable textures provided by the Hammond organ. True to form though, Gordon refuses to get locked into the funk clichés of the organ combo sound. Rather with its wide-open swing feel Dig This!! comes off more as a contemporary version of swing trombonist Vic Dickenson's 1952 quartet dates with Bill Doggett. Certainly "Limehouse Blues" fits the mold, albeit updated. And Gordon's unaccompanied playing on "Blues Etude #2" and elsewhere shows him a fitting successor to Dickenson's rubbery expressionism. Gordon has surrounded himself with a fine band. Organist Sam Yahel and guitarist Peter Bernstein each reveal a debt to their swing precursors while saxophonist Seamus Blake plays in a hard-driving contemporary manner. All of them swing, and regardless the context Gordon puts himself in, that's a constant.
https://www.allmusic.com/album/dig-this%21%21-mw0000562836



Biography by Rose of Sharon Witmer
Trombone player Wycliffe Gordon is best known for his work with the Lincoln Center Jazz Orchestra, under the direction of jazz maestro, Wynton Marsalis. The versatile trombonist can scat, multi-note, slide, and plunge, just like he stepped out of the 1930s. Gordon has played with many jazz luminaries, including Dizzy Gillespie, Joe Henderson, Branford Marsalis,Lionel Hampton, Tommy Flanagan, and Shirley Horn. His musical colleagues call him "Pine Cone," since he grew up in the piney woods of Georgia.

It must have been this Ellington era quality that caught the ears of jazz educator Wynton Marsalis, who heard Gordon play while the trumpeter was giving a workshop at Gordon's alma mater, Florida A&M University. Their fortuitous meeting resulted in Gordon joining the Wynton Marsalis Septet, as well as the Lincoln Center Jazz Orchestra, in 1989. As a member of the illustrious band, Gordon contributed as both musician and composer. Gordon, who like Charles Mingus says he hears music in his head all the time, has managed to write some of it down, and then hear it performed all over the world by the Lincoln Center Jazz Orchestra. Whether they know it or not, National Public Radio fans are familiar with the musician's work: In 1993, Gordon composed the NPR theme song.

Gordon, an admirer of Louis Armstrong, J.J. Johnson, and Jack Teagarden, prefers the melodic approach to playing and composition. The listener can hear that on any of his outstanding recordings. His first outing was with fellow trombonist Ron Westray on their 1996 release, Bone Structure. More good things came with Slidin' Home, recorded in 1999. Joined by Victor Goines, Eric Reed, Rodney Whitaker, Herlin Riley, Milt Grayson, Joe Temperley, and Randy Sandke, Gordon really struts his stuff on this one, showing a wide range of influences from big band to gospel.

The Search, recorded in 2000, ranges as far and wide as the title suggests, and includes Gordon holding forth on the didgeridoo. Gordon, whose father was the pianist at the church the trumpeter grew up in, devotes himself to his gospel roots on The Gospel Truth, (2000). What You Dealin' With, (2001), continues in a jazz vein with original compositions and jazz standards. Gordon's 2002 release We may be his best yet, as the trombonist collaborates with pianist Eric Reed on jazz and gospel tunes.

Besides performing and educating at his own music school in his hometown of Augusta, GA, Gordon has another important project: writing the score for the Oscar Micheaux 1925 silent film, Body and Soul. Paul Robeson starred in the movie about race, religion, and small town life in the South. Gordon drew upon his own Southern upbringing to produce music from the church, the bars, and the home, to be performed by the Lincoln Center Jazz Orchestra. Gordon has begun to evidence an interest in vocalizing, something which he says he plans to do increasingly. The results are sure to be top drawer, as the exuberant Wycliffe Gordon throws himself into things, body and soul.
https://www.allmusic.com/artist/wycliffe-gordon-mn0000960062/biography

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Reseña de David Dupont  
El trombonista Wycliffe Gordon fue el músico más aventurero que salió de la órbita de Wynton Marsalis. Desde su estancia en Marsalis, Gordon colaboró con todo el mundo, desde los reanimadores del Proyecto Sidney Bechet hasta el compositor progresivo Ted Nash y el proyecto Inside Outside de Randy Sandke, que reúne a profesionales de los extremos musicales. Ha estado más restringido en sus propias citas como solista pero ha demostrado que está dispuesto a ir más allá de los confines del hard bop tradicional. Dig This!! lo encuentra empleando las texturas de moda proporcionadas por el órgano Hammond. Sin embargo, fiel a la forma, Gordon se niega a encerrarse en los clichés funk del sonido del órgano combo. Más bien, con su amplio sentido del swing, Dig This!! se presenta más bien como una versión contemporánea del cuarteto del trombón de swing de 1952 del trombonista Vic Dickenson, que data de Bill Doggett. Ciertamente "Limehouse Blues" encaja en el molde, aunque actualizado. Y el hecho de que Gordon toque sin acompañamiento en "Blues Etude #2" y en otros lugares le muestra un sucesor adecuado para el expresionismo gomoso de Dickenson. Gordon se ha rodeado de una buena banda. El organista Sam Yahel y el guitarrista Peter Bernstein revelan una deuda con sus precursores del swing, mientras que el saxofonista Seamus Blake toca de una manera contemporánea muy dura. Todos ellos hacen swing, y sin importar el contexto en el que Gordon se ponga, es una constante.
https://www.allmusic.com/album/dig-this%21%21-mw0000562836



Biografía de Rose de Sharon Witmer
El trombonista Wycliffe Gordon es más conocido por su trabajo con la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, bajo la dirección del maestro de jazz, Wynton Marsalis. El versátil trombonista puede hacer scat, multi-notas, deslizarse y zambullirse, tal como lo hizo en los años 30. Gordon ha tocado con muchas luminarias del jazz, como Dizzy Gillespie, Joe Henderson, Branford Marsalis, Lionel Hampton, Tommy Flanagan y Shirley Horn. Sus colegas musicales lo llaman "Pine Cone", ya que creció en los bosques de pinos de Georgia.

Debe haber sido esta cualidad de la época de Ellington la que llamó la atención del educador de jazz Wynton Marsalis, que escuchó a Gordon tocar mientras el trompetista impartía un taller en el alma mater de Gordon, en la Universidad A&M de Florida. Su encuentro fortuito dio lugar a que Gordon se uniera al Septeto Wynton Marsalis, así como a la Orquesta de Jazz del Lincoln Center, en 1989. Como miembro de la ilustre banda, Gordon contribuyó como músico y compositor. Gordon, que al igual que Charles Mingus dice que escucha música en su cabeza todo el tiempo, ha logrado escribir algo de ella, y luego escucharla interpretada en todo el mundo por la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Lo sepan o no, los fanáticos de la Radio Pública Nacional están familiarizados con el trabajo del músico: En 1993, Gordon compuso el tema de la NPR.

Gordon, un admirador de Louis Armstrong, J.J. Johnson y Jack Teagarden, prefiere el enfoque melódico a la interpretación y la composición. El oyente puede escuchar eso en cualquiera de sus grabaciones destacadas. Su primera salida fue con su colega trombonista Ron Westray en su lanzamiento de 1996, Bone Structure. Más cosas buenas vinieron con Slidin' Home, grabado en 1999. Junto a Victor Goines, Eric Reed, Rodney Whitaker, Herlin Riley, Milt Grayson, Joe Temperley, y Randy Sandke, Gordon realmente se pavonea en esta, mostrando un amplio rango de influencias desde la big band hasta el gospel.

La Búsqueda, grabada en el año 2000, se extiende tan lejos como el título sugiere, e incluye a Gordon sosteniendo el didgeridoo. Gordon, cuyo padre era el pianista de la iglesia en la que creció el trompetista, se dedica a sus raíces evangélicas en The Gospel Truth, (2000). What You Dealin' With, (2001), continúa en una línea de jazz con composiciones originales y estándares de jazz. El lanzamiento de Gordon en 2002, We may be his best yet, ya que el trombonista colabora con el pianista Eric Reed en temas de jazz y gospel.

Además de actuar y educar en su propia escuela de música en su ciudad natal de Augusta, GA, Gordon tiene otro proyecto importante: escribir la partitura para la película muda de 1925 de Oscar Micheaux, Body and Soul. Paul Robeson protagonizó la película sobre la raza, la religión y la vida en un pequeño pueblo del sur. Gordon se basó en su propia educación sureña para producir música de la iglesia, los bares y el hogar, para ser interpretada por la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Gordon ha comenzado a evidenciar un interés en la vocalización, algo que dice que planea hacer cada vez más. Los resultados serán sin duda de primer orden, ya que el exuberante Wycliffe Gordon se lanza a las cosas, en cuerpo y alma.
https://www.allmusic.com/artist/wycliffe-gordon-mn0000960062/biography


https://wycliffegordon.com/


Monday, March 31, 2025

Larry Goldings • Intimacy Of The Blues (With David Newman)



Review by Scott Yanow
This well-rounded set was the first one on which Larry Goldings (formerly known as a pianist) exclusively played organ. His trio with Peter Bernstein (a fine bop guitarist) and drummer Bill Stewart (best known for his association with John Scofield) is tight in the Jimmy Smith tradition, although Goldings also displays his own musical personality. Veteran tenor saxophonist David "Fathead" Newman helps out on "Skylark" and "The Intimacy of the Blues." Other highlights include Goldings' memorable original "Pegasus," "Jive Coffee" (based on "Tea for Two"), a faster than usual version of "Wouldn't It Be Loverly," and a swinging "When Johnny Comes Marching Home."

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Revisión por Scott Yanow
Este conjunto completo fue el primero en el que Larry Goldings (anteriormente conocido como pianista) tocaba exclusivamente en el órgano. Su trío con Peter Bernstein (un guitarrista de bop fino) y el baterista Bill Stewart (mejor conocido por su asociación con John Scofield) es tímido en la tradición de Jimmy Smith, aunque Goldings también muestra su propia personalidad musical. El veterano saxofonista tenor David "Fathead" Newman ayuda en "Skylark" y "The Intimacy of the Blues". Otros aspectos destacados incluyen el memorable "Pegasus", "Jive Coffee" de Goldings (basado en "Tea for Two"), una versión más rápida de lo habitual de "Wouldn't It Be Loverly", y el columpio "When Johnny Comes Marching Home". "

www.larrygoldings.com ...



Saturday, March 29, 2025

Larry Goldings Trio • Moonbird



Review by Alex Henderson
Like Barbara Dennerlein, Larry Goldings was among the few organists who, in the 1980s and '90s, refused to stick to a grits-and-gravy approach to the instrument. This isn't to say that Goldings has escaped Jimmy Smith's influence altogether or that he lacks funk, blues, and soul-jazz credentials -- one of his employers, after all, was Maceo Parker, who spent many years in James Brown's band. But Goldings hasn't ignored the post-bop challenges that Larry Young presented, and Young's influence can be felt on Moonbird. Joined by drummer Bill Stewart and the Grant Green-influenced guitarist Peter Bernstein, Goldings delivers a rewarding post-bop date that will hardly be mistaken for Smith-minded soul-jazz. Goldings originals like the congenial "Christine," the intriguing "Empty Oceans," and the cerebal "Xoloft" aren't innovative -- 35 years earlier, Young was playing post-bop on the Hammond B-3. But Goldings nonetheless comes across as his own man, and his refusal to be yet another Jimmy Smith clone is commendable. The Bostonian also deserves applause for successfully transforming Randy Newman's "I Think It's Going to Rain Today" and Joni Mitchell's "Woodstock" into improvisatory jazz -- at a time when too many jazzmen were content to play the same old Cole Porter and Irving Berlin songs time and time again, Goldings had enough imagination to find the jazz potential in pop/rock songs that more myopic improvisers were ignoring. Not quite a gem but definitely solid, Moonbird is a CD that post-bop fans will enjoy.
https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403



 Artist Biography by Matt Collar
A highly regarded pianist, Larry Goldings is an in-demand sideman and bandleader known for his balance of hard-swinging, harmonically nuanced post-bop and funky organ jazz. Emerging in the early '90s, Goldings established himself as a premier soloist on the New York scene, playing often in his trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart. He has issued a stream of highly regarded albums, including 1995's Whatever It Takes, 2002's Sweet Science, and 2007's Grammy-nominated Saudades with drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield. He is a longtime touring member of James Taylor's band, and has been sought out by a wide array of performers, including Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, and others.

Born in Boston, Massachusetts in 1968, Goldings took classical piano lessons until age 12, encouraged by his father, a classical aficionado. It was while in high school at Concord Academy that he became interested in jazz. Around this time, a friend of his father's introduced him to pianist Dave McKenna, whose music had a profound influence on Goldings. From there, he embarked on a deeper study of jazz, listening to artists like Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland, and Bill Evans. He also sought out private lessons with pianists Ran Blake and Keith Jarrett.

After high school, he enrolled in the jazz program at New York's The New School, where he further honed his skills studying with Jaki Byard and Fred Hersch. It was during this period that he accompanied pianist Roland Hanna to Copenhagen for a three-day series of private concerts, where he performed with Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison, and Al Cohn. Also prior to graduating, Goldings toured with singer Jon Hendricks, an association that led to work with guitarist Jim Hall.

Graduating in 1988, he began leading his own trio with guitarist Peter Bernstein and drummer Bill Stewart, playing regularly at Augie's Jazz Bar (later named Smoke). In 1991, he made his debut as a leader with Intimacy of the Blues, which featured his trio along with guest saxophonist David "Fathead" Newman. A second trio effort, Light Blue, appeared a year later, followed by the bossa nova-tinged organ session Caminhos Cruzados, which included several tracks with saxophonist Joshua Redman.

In 1995, Goldings signed with Warner Bros. and released two highly regarded organ-centric albums, starting with Whatever It Takes. A funky, hard-bop-leaning date, it featured his trio with Bernstein and Stewart along with guest spots from saxophonists Maceo Parker, David Sanborn, and Redman, as well as trombonist Fred Wesley. Released in 1996, Big Stuff showcased a similar sound, and found the pianist joined by Bernstein, veteran drummer Idris Muhammad, and guitarist Kurt Rosenwinkel. For his final Warner Bros. album, 1997's Awareness, Goldings shifted back to piano, working with longtime Keith Jarrett associates bassist Larry Grenadier and drummer Paul Motian.

Goldings then moved to Palmetto, issuing the trio album As One with Bernstein and Stewart. Several more albums followed for the indie label, including the Hammond organ-soaked Sweet Science and 2006's aptly named Quartet with trumpeter/cornetist John Sneider, bassist Ben Allison, and drummer Matt Wilson.

Also during this period, he joined drummer Jack DeJohnette and guitarist John Scofield for a live 2004 concert at London's Queen Elizabeth's Hall. Released as Saudades in 2006, it earned Goldings a Grammy nomination for Best Instrumental Jazz Album of the Year. In 2010, he joined the Dutch Metropole Orkest for two albums, When Larry Met Harry with saxophonist Harry Allen and Scenes from a Dream with Peter Erskine and Chris Minh Doky.

The solo piano album In My Room followed in 2011. That same year, he rejoined Bernstein and Stewart for the concert album Live at Smalls. The trio were also together for 2014's Ramshackle Serenade. He then guested with Ron Carter, Gerry Gibbs, and Kenny Barron on We're Back. In 2017, he joined John Mayer on the singer/songwriter's "The Search for Everything" tour, and returned a year later with his own trio album, Toy Tunes, with Bernstein and Stewart.
https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography

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Reseña de Alex Henderson
Al igual que Barbara Dennerlein, Larry Goldings fue uno de los pocos organistas que, en los años ochenta y noventa, se negó a seguir un enfoque de grano y salsa para el instrumento. Esto no quiere decir que Goldings haya escapado por completo a la influencia de Jimmy Smith o que carezca de credenciales de funk, blues y soul-jazz - uno de sus empleadores, después de todo, era Maceo Parker, que pasó muchos años en la banda de James Brown. Pero Goldings no ha ignorado los desafíos post-bop que Larry Young presentó, y la influencia de Young se puede sentir en Moonbird. Acompañado por el baterista Bill Stewart y el guitarrista influenciado por Grant Green Peter Bernstein, Goldings ofrece una gratificante cita post-bop que difícilmente se confundirá con el soul-jazz de Smith. Los originales de Goldings como el simpático "Christine", el intrigante "Empty Oceans" y el cerebal "Xoloft" no son innovadores: 35 años antes, Young jugaba al post-bop en el Hammond B-3. Sin embargo, Goldings parece ser su propio hombre, y su negativa a ser otro clon de Jimmy Smith es encomiable. El bostoniano también merece un aplauso por haber transformado con éxito "I Think It's Going to Rain Today" de Randy Newman y "Woodstock" de Joni Mitchell en jazz improvisado, en un momento en el que demasiados jazzistas se contentaron con tocar las mismas viejas canciones de Cole Porter e Irving Berlin una y otra vez, Goldings tuvo suficiente imaginación para encontrar el potencial del jazz en canciones de pop/rock que los improvisadores más miopes estaban ignorando. No es una joya, pero definitivamente sólido, Moonbird es un CD que los fans del post-bop disfrutarán.
https://www.allmusic.com/album/moonbird-mw0000245403



 Biografía del artista por Matt Collar
Un pianista muy respetado, Larry Goldings es un sideman y director de orquesta muy solicitado, conocido por su equilibrio entre el swing duro, el post-bop con matices armónicos y el jazz funky de órgano. Surgido a principios de los años 90, Goldings se estableció como uno de los principales solistas de la escena neoyorquina, tocando a menudo en su trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart. Ha publicado una serie de álbumes de gran prestigio, entre los que se incluyen Whatever It Takes (1995), Sweet Science (2002) y Saudades (2007), nominados al Grammy, con el baterista Jack DeJohnette y el guitarrista John Scofield. Es miembro de la banda de James Taylor desde hace mucho tiempo, y ha sido buscado por una amplia gama de intérpretes, incluyendo a Norah Jones, Madeleine Peyroux, Maceo Parker, Sia, Charlie Haden, y otros.

Nacido en Boston, Massachusetts en 1968, Goldings tomó clases de piano clásico hasta los 12 años, alentado por su padre, un aficionado a la música clásica. Fue durante el bachillerato en la Academia Concord cuando se interesó por el jazz. Por esa época, un amigo de su padre le presentó al pianista Dave McKenna, cuya música tuvo una profunda influencia en Goldings. A partir de ahí, se embarcó en un estudio más profundo del jazz, escuchando a artistas como Erroll Garner, Oscar Peterson, Red Garland y Bill Evans. También buscó clases particulares con los pianistas Ran Blake y Keith Jarrett.

Después de la escuela secundaria, se matriculó en el programa de jazz de The New School de Nueva York, donde perfeccionó sus habilidades estudiando con Jaki Byard y Fred Hersch. Fue durante este período que acompañó al pianista Roland Hanna a Copenhague para una serie de conciertos privados de tres días, donde actuó con Sarah Vaughan, Kenny Burrell, Tommy Flanagan, Hank Jones, Harry "Sweets" Edison y Al Cohn. También antes de graduarse, Goldings hizo una gira con el cantante Jon Hendricks, una asociación que llevó a trabajar con el guitarrista Jim Hall.

Graduado en 1988, comenzó a dirigir su propio trío con el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Bill Stewart, tocando regularmente en el Augie's Jazz Bar (más tarde llamado Smoke). En 1991, debutó como líder con Intimacy of the Blues, en el que participó su trío junto con el saxofonista invitado David "Fathead" Newman. Un año después apareció un segundo trío, Light Blue, seguido de la sesión de órgano de bossa nova, Caminhos Cruzados, que incluyó varios temas con el saxofonista Joshua Redman.

En 1995, Goldings firmó con Warner Bros. y lanzó dos álbumes muy respetados centrados en el órgano, comenzando con Whatever It Takes. Una cita funky y de tendencia hard-bop, que contó con su trío con Bernstein y Stewart junto a los saxofonistas Maceo Parker, David Sanborn y Redman, así como con el trombonista Fred Wesley. Lanzado en 1996, Big Stuff mostró un sonido similar, y encontró al pianista acompañado por Bernstein, el veterano baterista Idris Muhammad, y el guitarrista Kurt Rosenwinkel. Para su último álbum de Warner Bros., Awareness de 1997, Goldings regresó al piano, trabajando con el bajista Larry Grenadier y el baterista Paul Motian, asociados de Keith Jarrett desde hace mucho tiempo.

Luego, Goldings se trasladó a Palmetto, donde publicó el trío As One con Bernstein y Stewart. Varios álbumes más fueron seguidos por el sello independiente, incluyendo Sweet Science, empapado de órgano de Hammond, y el Cuarteto de 2006, acertadamente nombrado con el trompetista/cornetista John Sneider, el bajista Ben Allison, y el baterista Matt Wilson.
También durante este período, se unió al baterista Jack DeJohnette y al guitarrista John Scofield en un concierto en vivo en el Queen Elizabeth's Hall de Londres en 2004. Lanzado como Saudades en 2006, le valió a Goldings una nominación al Grammy como Mejor Álbum Instrumental de Jazz del Año. En 2010, se unió al Metropole Orkest holandés en dos álbumes, When Larry Met Harry con el saxofonista Harry Allen y Scenes from a Dream con Peter Erskine y Chris Minh Doky.

El álbum de piano en solitario In My Room le siguió en 2011. Ese mismo año, volvió a unirse a Bernstein y Stewart para el álbum de conciertos Live at Smalls. El trío también estuvieron juntos para la Serenata Destartalada de 2014. Luego invitó a Ron Carter, Gerry Gibbs y Kenny Barron en We're Back. En 2017, se unió a John Mayer en la gira del cantautor "The Search for Everything", y regresó un año después con su propio trío, Toy Tunes, con Bernstein y Stewart.
https://www.allmusic.com/artist/larry-goldings-mn0000130401/biography
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


Monday, March 24, 2025

New York Trio • Love You Madly


Biography
by Mark Deming
Also known as the New York Jazz Trio, this combo is a studio-only group who specialize in recording classic standards in a straightforward, post-bop style. The New York Trio features three gifted musicians who are firmly established on the East Coast jazz scene. Pianist Bill Charlap is a member of the Phil Woods Quintet, has accompanied the likes of Tony Bennett, Benny Carter, and Gerry Mulligan, and has recorded a handful of well-received albums for Blue Note as a bandleader. Bassist Jay Leonhart has recorded as a headliner since 1983, while also making a name for himself as a vocalist and songwriter as well as backing up Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz, and many others. And drummer Bill Stewart had handled demanding gigs with a variety of musicians, including jazz guitarist John Scofield, funky sax man Maceo Parker and R&B legend James Brown. In 2001, Charlap, Leonhart, and Stewart teamed up in the studio to cut the album Blues in the Night for the Venus Jazz label; featuring leisurely but heartfelt interpretations of eight classic melodies, the album was well-received by fans of classic jazz. Seven similar collections have been recorded by the trio for Japanese jazz labels.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography

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Biografía
por Mark Deming
También conocido como New York Jazz Trio, este combo es un grupo de estudio que se especializa en la grabación de estándares clásicos en un estilo directo, post-bop. El New York Trio cuenta con tres músicos de gran talento que están firmemente establecidos en la escena del jazz de la Costa Este. El pianista Bill Charlap es miembro del Phil Woods Quintet, ha acompañado a artistas de la talla de Tony Bennett, Benny Carter y Gerry Mulligan, y ha grabado un puñado de álbumes bien recibidos para Blue Note como director de banda. El bajista Jay Leonhart ha grabado como cabeza de cartel desde 1983, al tiempo que se ha hecho un nombre como vocalista y compositor, además de acompañar a Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz y muchos otros. Y el baterista Bill Stewart se encargó de exigentes actuaciones con diversos músicos, como el guitarrista de jazz John Scofield, el saxofonista funky Maceo Parker y la leyenda del R&B James Brown. En 2001, Charlap, Leonhart y Stewart se unieron en el estudio para grabar el álbum Blues in the Night para el sello Venus Jazz; con interpretaciones pausadas pero sentidas de ocho melodías clásicas, el álbum fue bien recibido por los aficionados al jazz clásico. El trío ha grabado siete colecciones similares para sellos japoneses de jazz.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography


Thursday, March 20, 2025

New York Trio • The Things We Did Last Summer

 





Also known as the New York Jazz Trio, this combo is a studio-only group who specialize in recording classic standards in a straightforward, post-bop style. The New York Trio features three gifted musicians who are firmly established on the East Coast jazz scene. Pianist Bill Charlap is a member of the Phil Woods Quintet, has accompanied the likes of Tony Bennett, Benny Carter, and Gerry Mulligan, and has recorded a handful of well-received albums for Blue Note as a bandleader. Bassist Jay Leonhart has recorded as a headliner since 1983, while also making a name for himself as a vocalist and songwriter as well as backing up Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz, and many others. And drummer Bill Stewart had handled demanding gigs with a variety of musicians, including jazz guitarist John Scofield, funky sax man Maceo Parker and R&B legend James Brown. In 2001, Charlap, Leonhart, and Stewart teamed up in the studio to cut the album Blues in the Night for the Venus Jazz label; featuring leisurely but heartfelt interpretations of eight classic melodies, the album was well-received by fans of classic jazz. Seven similar collections have been recorded by the trio for Japanese jazz labels. ~ Mark Deming
 
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 También conocido como New York Jazz Trio, este combo es un grupo de estudio especializado en la grabación de estándares clásicos en un estilo directo y post-bop. El New York Trio cuenta con tres músicos de gran talento que están firmemente establecidos en la escena del jazz de la Costa Este. El pianista Bill Charlap es miembro del Phil Woods Quintet, ha acompañado a artistas de la talla de Tony Bennett, Benny Carter y Gerry Mulligan, y ha grabado un puñado de álbumes bien recibidos para Blue Note como director de banda. El bajista Jay Leonhart ha grabado como cabeza de cartel desde 1983, al tiempo que se ha hecho un nombre como vocalista y compositor, además de acompañar a Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz y muchos otros. Y el baterista Bill Stewart se encargó de exigentes actuaciones con diversos músicos, como el guitarrista de jazz John Scofield, el saxofonista funky Maceo Parker y la leyenda del R&B James Brown. En 2001, Charlap, Leonhart y Stewart se unieron en el estudio para grabar el álbum Blues in the Night para el sello Venus Jazz; con interpretaciones pausadas pero sentidas de ocho melodías clásicas, el álbum fue bien recibido por los aficionados al jazz clásico. El trío ha grabado siete colecciones similares para sellos japoneses de jazz. ~ Mark Deming




Monday, March 17, 2025

New York Trio • Blues In The Night



Review by Ken Dryden
In the dawn of the 21st century, pianist Bill Charlap took the jazz world by storm with a series of rewarding albums for labels both in the U.S. and abroad. On Blues in the Night, he leads his New York Trio in a recording made for the Japanese label Venus, with veteran bassist Jay Leonhart and fellow young gun Bill Stewart joining him. Right away Charlap signals that he can take an old chestnut into a new direction. His stretched-out, blues-drenched "Blues in the Night" makes effective use of space and showcases his sidemen as well. Leonhart's buoyant bassline brings to mind the late Milt Hinton in the brisk rendition of "I Could Have Danced All Night." Charlap's intense workout of "Blue Skies" is a virtual jazz history lesson, showing the influence of a number of legendary pianists, while achieving a sound distinctly his own. His loping, jaunty approach to "My Funny Valentine" is another winner; equally playful is the snappy waltz treatment of "Tenderly," accented by Stewart's brushwork. One of the most promising pianists of his generation, this Charlap CD is highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/tbablues-in-night-mw0000978012
 
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Reseña de Ken Dryden
En los albores del siglo XXI, el pianista Bill Charlap arrasó en el mundo del jazz con una serie de gratificantes álbumes para sellos de Estados Unidos y del extranjero. En Blues in the Night, lidera su New York Trio en una grabación realizada para el sello japonés Venus, al que se unen el veterano bajista Jay Leonhart y el joven Bill Stewart. Desde el principio, Charlap demuestra que puede llevar una vieja historia a una nueva dirección. Su "Blues in the Night", alargada y llena de blues, hace un uso eficaz del espacio y pone en valor a sus acompañantes. La boyante línea de bajo de Leonhart recuerda al difunto Milt Hinton en la enérgica interpretación de "I Could Have Danced All Night". El intenso trabajo de Charlap en "Blue Skies" es una auténtica lección de historia del jazz, que muestra la influencia de varios pianistas legendarios, al tiempo que consigue un sonido claramente propio. Su enfoque alegre de "My Funny Valentine" es otro ganador; igualmente juguetón es el tratamiento de vals rápido de "Tenderly", acentuado por las pinceladas de Stewart. Uno de los pianistas más prometedores de su generación, este CD de Charlap es muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/tbablues-in-night-mw0000978012


Friday, March 14, 2025

New York Trio • Venus Favourites


 
Biography
by Mark Deming
Also known as the New York Jazz Trio, this combo is a studio-only group who specialize in recording classic standards in a straightforward, post-bop style. The New York Trio features three gifted musicians who are firmly established on the East Coast jazz scene. Pianist Bill Charlap is a member of the Phil Woods Quintet, has accompanied the likes of Tony Bennett, Benny Carter, and Gerry Mulligan, and has recorded a handful of well-received albums for Blue Note as a bandleader. Bassist Jay Leonhart has recorded as a headliner since 1983, while also making a name for himself as a vocalist and songwriter as well as backing up Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz, and many others. And drummer Bill Stewart had handled demanding gigs with a variety of musicians, including jazz guitarist John Scofield, funky sax man Maceo Parker and R&B legend James Brown. In 2001, Charlap, Leonhart, and Stewart teamed up in the studio to cut the album Blues in the Night for the Venus Jazz label; featuring leisurely but heartfelt interpretations of eight classic melodies, the album was well-received by fans of classic jazz. Seven similar collections have been recorded by the trio for Japanese jazz labels.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography

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Biografía
por Mark Deming
También conocido como New York Jazz Trio, este combo es un grupo de estudio que se especializa en la grabación de estándares clásicos en un estilo directo, post-bop. El New York Trio cuenta con tres músicos de gran talento que están firmemente establecidos en la escena del jazz de la Costa Este. El pianista Bill Charlap es miembro del Phil Woods Quintet, ha acompañado a artistas de la talla de Tony Bennett, Benny Carter y Gerry Mulligan, y ha grabado un puñado de álbumes bien recibidos para Blue Note como director de banda. El bajista Jay Leonhart ha grabado como cabeza de cartel desde 1983, al tiempo que se ha hecho un nombre como vocalista y compositor, además de acompañar a Marian McPartland, Louie Bellson, Lee Konitz y muchos otros. Y el baterista Bill Stewart se encargó de exigentes actuaciones con diversos músicos, como el guitarrista de jazz John Scofield, el saxofonista funky Maceo Parker y la leyenda del R&B James Brown. En 2001, Charlap, Leonhart y Stewart se unieron en el estudio para grabar el álbum Blues in the Night para el sello Venus Jazz; con interpretaciones pausadas pero sentidas de ocho melodías clásicas, el álbum fue bien recibido por los aficionados al jazz clásico. El trío ha grabado siete colecciones similares para sellos japoneses de jazz.
https://www.allmusic.com/artist/new-york-trio-mn0000393325/biography
 

Wednesday, March 12, 2025

New York Trio • Begin the Beguine



Review by Ken Dryden
The New York Trio consists of pianist Bill Charlap, bassist Jay Leonhart, and drummer Bill Stewart, though it exists solely as a studio band for the Japanese label Venus, as Charlap's regular trio includes Peter Washington and Kenny Washington. Even though this band only meets occasionally in the studio to record yet another release in their prolific series for the Japanese jazz market, there is plenty of chemistry between the three veterans, while the nine songs from the vast Cole Porter songbook were likely to have been a part of each musician's repertoire long before these 2005 sessions. Charlap's lyrical piano style is quite effective, capturing the nuances of Porter's humor (even though none of his lyrics are heard), while the rhythm section gels nicely with the pianist. Highlights include a jaunty "My Heart Belongs to Daddy," a dreamy "Begin the Beguine," and a snappy "From This Moment On."

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Reseña por Ken Dryden
The New York Trio está formado por el pianista Bill Charlap, el bajista Jay Leonhart y el baterista Bill Stewart, aunque existe únicamente como banda de estudio para el sello japonés Venus, ya que el trío regular de Charlap incluye a Peter Washington y Kenny Washington. Aunque esta banda solo se encuentra ocasionalmente en el estudio para grabar otro lanzamiento en su prolífica serie para el mercado japonés de jazz, hay mucha química entre los tres veteranos, mientras que las nueve canciones del extenso cancionero Cole Porter probablemente fueron una parte del repertorio de cada músico mucho antes de estas sesiones de 2005. El estilo de piano lírico de Charlap es bastante efectivo, capturando los matices del humor de Porter (aunque no se escuchan ninguna de sus letras), mientras que la sección rítmica se adapta muy bien con el pianista. Entre los puntos destacados se incluyen "My Heart Belongs to Daddy", un soñado "Begin the Beguine" y un divertido "From This Moment On".



Saturday, February 1, 2025

Pat Martino • Nightwings

 


Biograph:
When the anesthesia wore off, Pat Martino looked up hazily at his parents and his doctors and tried to piece together any memory of his life.

One of the greatest guitarists in jazz. Martino had suffered a severe brain aneurysm and underwent surgery after being told that his condition could be terminal. After his operations he could remember almost nothing. He barely recognized his parents. and had no memory of his guitar or his career. He remembers feeling as if he had been “dropped cold, empty, neutral, cleansed... naked.”

In the following months. Martino made a remarkable recovery. Through intensive study of his own historic recordings, and with the help of computer technology, Pat managed to reverse his memory loss and return to form on his instrument. His past recordings eventually became “an old friend, a spiritual experience which remained beautiful and honest.” This recovery fits in perfectly with Pat's illustrious personal history. Since playing his first notes while still in his pre-teenage years, Martino has been recognized as one of the most exciting and virtuosic guitarists in jazz. With a distinctive, fat sound and gut-wrenching performances, he represents the best not just in jazz, but in music. He embodies thoughtful energy and soul.

Born Pat Azzara in Philadelphia in 1944, he was first exposed to jazz through his father, Carmen “Mickey” Azzara, who sang in local clubs and briefly studied guitar with Eddie Lang

. He took Pat to all the city's hot-spots to hear and meet Wes Montgomery and other musical giants. “I have always admired my father and have wanted to impress him. As a result, it forced me to get serious with my creative powers.”

He began playing guitar when he was twelve years old. and left school in tenth grade to devote himself to music. During Visits to his music teacher Dennis Sandole, Pat often ran into another gifted student, John Coltrane, who would treat the youngster to hot chocolate as they talked about music.

Besides first-hand encounters with `Trane and Montgomery, whose album Grooveyard had “an enormous influence” on Martino, he also cites Johnny Smith, a Stan Getz associate, as an early inspiration. “He seemed to me, as a child. to understand everything about music,” Pat recalls.

Martino became actively involved with the early rock scene in Philadelphia, alongside stars like Bobby Rydell, Chubby Checker and Bobby Darin. His first road gig was with jazz organist Charles Earland, a high school friend. His reputation soon spread among other jazz players, and he was recruited by bandleader Lloyd Price to play hits such as Stagger Lee on-stage with musicians like Slide Hampton and Red Holloway.

Martino moved to Harlem to immerse himself in the “soul jazz” played by Earland and others. Previously, he had “heard all of the white man's jazz. I never heard that other part of the culture,” he remembers. The organ trio concept had a profound influence on Martino's rhythmic and harmonic approach. and he remained in the idiom as a sideman, gigging with Jack McDuff and Don Patterson. An icon before his eighteenth birthday, Pat was signed as a leader for Prestige Records when he was twenty. His seminal albums from this period include classics like Strings!, Desperado, El Hombre and Baiyina (The Clear Evidence), one of jazz's first successful ventures into psychedelia.

In 1976, Martino began experiencing the excruciating headaches which were eventually diagnosed as symptoms of his aneurysms. After his surgery and recovery, he resumed his career when he appeared in 1987 in New York, a gig that was released on a CD with an appropriate name, The Return. He then took another hiatus when both of his parents became ill, and he didn't record again until 1994, when he recorded Interchange and then The Maker.

Today, Martino lives in Philadelphia again and continues to grow as a musician. As the New York Times recently noted, “Mr. Martino, at fifty, is back and he is plotting new musical directions, adding more layers to his myth.” His experiments with guitar synthesizers, begun during his rehabilitation, are taking him in the direction of orchestral arrangements and they promise groundbreaking possibilities. Musicians flock to his door for lessons, and he offers not only the benefits of his musical knowledge, but also the philosophical insights of a man who has faced and overcome enormous obstacles. “The guitar is of no great importance to me,” he muses. “The people it brings to me are what matter. They are what I'm extremely grateful for, because they are alive. The guitar is just an apparatus.”
https://musicians.allaboutjazz.com/patmartino

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Revisión
Con Live at Yoshi's, su vigésima grabación como líder y su tercer lanzamiento para el sello Blue Note, el legendario Pat Martino ha cerrado el círculo. Acompañado por Joey DeFrancesco en Hammond B-3 y Billy Hart en la batería, el hard bop y el funky soul-jazz de este trío seguro que complacerá a los entusiastas del trío de guitarra, órgano y batería. Martino, heredero del cálido estilo de guitarra de Wes Montgomery, toca ocho grandes composiciones, incluyendo dos grandes versiones extendidas de las clásicas composiciones de Miles Davis "All Blues" y "Blue in Green". En "All Blues", la creativa voz de la guitarra toca la melodía con interpretaciones conmovedoras y sutil resonancia musical. La versión de Martino de "Blue in Green" crea un mundo de melancolía y el guitarrista toca su guitarra con la misma dulce tristeza que Miles con el apoyo del solo de órgano de DeFrancesco añadiendo más matices de emoción. Las canciones seleccionadas para esta grabación de actuación "en vivo" también aparecen en proyectos previamente grabados por Martino, incluyendo su álbum Desperado de 1970 y su CD Stone Blue de 1998. Sin embargo, los oyentes ahora reciben el beneficio de tener la actuación del conjunto disponible en tiempo real. El sonido del público en "Live at Yoshi's", la destreza del sabio de la guitarra y los tonos frescos en "Catch" son más briosos que nunca, y después de escuchar este CD, te inclinarás a estar de acuerdo.
por Paula Edelstein
https://www.allmusic.com/album/live-at-yoshis-mw0000588100



Biografía:
Cuando el efecto de la anestesia desapareció, Pat Martino miró vagamente a sus padres y a sus doctores e intentó reconstruir cualquier recuerdo de su vida.

Uno de los más grandes guitarristas del jazz. Martino había sufrido un severo aneurisma cerebral y fue operado después de que le dijeran que su condición podía ser terminal. Después de sus operaciones no podía recordar casi nada. Apenas reconocía a sus padres y no tenía recuerdos de su guitarra o de su carrera. Recuerda sentirse como si le hubieran "dejado caer frío, vacío, neutral, limpio... desnudo".

En los meses siguientes. Martino se recuperó notablemente. A través del estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con la ayuda de la tecnología informática, Pat logró revertir su pérdida de memoria y volver a formarse en su instrumento. Sus grabaciones pasadas se convirtieron finalmente en "un viejo amigo, una experiencia espiritual que permaneció hermosa y honesta". Esta recuperación encaja perfectamente con la ilustre historia personal de Pat. Desde que tocó sus primeras notas cuando aún era un adolescente, Martino ha sido reconocido como uno de los guitarristas más excitantes y virtuosos del jazz. Con un sonido distintivo, gordo y actuaciones desgarradoras, representa lo mejor no sólo en el jazz, sino en la música. Encarna la energía reflexiva y el alma.

Nacido Pat Azzara en Filadelfia en 1944, fue expuesto por primera vez al jazz a través de su padre, Carmen "Mickey" Azzara, que cantaba en clubes locales y estudió brevemente guitarra con Eddie Lang

. Llevó a Pat a todos los puntos calientes de la ciudad para escuchar y conocer a Wes Montgomery y otros gigantes de la música. "Siempre he admirado a mi padre y he querido impresionarlo. Como resultado, me obligó a ponerme serio con mis poderes creativos."

Empezó a tocar la guitarra a los doce años y dejó la escuela en el décimo grado para dedicarse a la música. Durante las visitas a su profesor de música Dennis Sandole, Pat se encontró a menudo con otro estudiante dotado, John Coltrane, que invitaba al joven a un chocolate caliente mientras hablaban de música.

Además de los encuentros de primera mano con `Trane y Montgomery, cuyo álbum Grooveyard tuvo "una enorme influencia" en Martino, también cita a Johnny Smith, un asociado de Stan Getz, como una inspiración temprana. "Me pareció, de niño, que entendía todo sobre la música", recuerda Pat.

Martino se involucró activamente en la escena del rock temprano en Filadelfia, junto a estrellas como Bobby Rydell, Chubby Checker y Bobby Darin. Su primera actuación en la carretera fue con el organista de jazz Charles Earland, un amigo de la escuela secundaria. Su reputación pronto se extendió entre otros músicos de jazz, y fue reclutado por el líder de la banda Lloyd Price para tocar éxitos como Stagger Lee en el escenario con músicos como Slide Hampton y Red Holloway.

Martino se mudó a Harlem para sumergirse en el "soul jazz" que tocaban Earland y otros. Anteriormente, había "escuchado todo el jazz del hombre blanco". Nunca escuché esa otra parte de la cultura", recuerda. El concepto de trío de órgano tuvo una profunda influencia en el enfoque rítmico y armónico de Martino. y se mantuvo en el idioma como sideman, tocando con Jack McDuff y Don Patterson. Icono antes de cumplir los 18 años, Pat fue contratado como líder por Prestige Records cuando tenía 20 años. Sus álbumes seminales de este período incluyen clásicos como Strings!, Desperado, El Hombre y Baiyina (The Clear Evidence), una de las primeras aventuras exitosas del jazz en la psicodelia.

En 1976, Martino comenzó a experimentar los insoportables dolores de cabeza que fueron eventualmente diagnosticados como síntomas de sus aneurismas. Después de su cirugía y recuperación, reanudó su carrera cuando apareció en 1987 en Nueva York, un concierto que fue lanzado en un CD con un nombre apropiado, The Return. Luego hizo otro paréntesis cuando sus padres se enfermaron, y no volvió a grabar hasta 1994, cuando grabó Interchange y luego The Maker.

Hoy en día, Martino vive en Filadelfia de nuevo y sigue creciendo como músico. Como señaló recientemente el New York Times, "El Sr. Martino, a los cincuenta años, ha vuelto y está trazando nuevas direcciones musicales, añadiendo más capas a su mito". Sus experimentos con sintetizadores de guitarra, iniciados durante su rehabilitación, le están llevando en la dirección de los arreglos orquestales y prometen posibilidades revolucionarias. Los músicos acuden a su puerta para recibir clases, y él ofrece no sólo los beneficios de sus conocimientos musicales, sino también las ideas filosóficas de un hombre que ha enfrentado y superado enormes obstáculos. "La guitarra no es de gran importancia para mí", reflexiona. "La gente que me trae es lo que importa. Son por lo que estoy extremadamente agradecido, porque están vivos. La guitarra es sólo un aparato."
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