Shirley Scott • Soul Sister

 

 Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacido en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Dave Baby Cortez • The Whistling Organ

 

 Born David Cortez Clowney, 13 August 1938, Detroit, Michigan

Pianist / organist / vocalist / songwriter.

Nowadays, Dave "Baby" Cortez (Clowney) is almost solely remembered for his # 1 record "The Happy Organ" (1959), but he had a long and, at times, successful recording career both before and after this hit. Growing up in Detroit, Dave showed musical aptitude at an early age and was guided toward the piano by his father, who also played the instrument. His musical career took off when he joined the Five Pearls in 1954 as second tenor and pianist, and he moved with them to New York the next year. The group, which became better known as the Pearls, recorded for Aladdin, Atco and Onyx. Clowney then had a short tenure with the group The Valentines, led by Richard Barrett, and recorded two singles with them for Rama. In the autumn of 1956 he recorded two piano instrumentals, "Movin' 'n' Groovin'" and "Soft Lights" (Ember 1010), which were credited to The David Clowney Band and got a good review in Billboard. This was followed by another great unknown R&B instrumental single, "Hoot Owl"/"Shakin'" (Paris 513) in early 1958, with King Curtis on tenor sax, Jimmy Spruill on guitar and Dave himself on pounding piano. A few months later, he cut a Little Richard-styled vocal single, "Honey Baby" and "You Give Me Heebie Jeebies" (Okeh 7102) as Baby Cortez. None of these records registered, good was they were. Meanwhile he did work as a session musician behind such artists as The Chantels, The Isley Brothers, The Aquatones ("She's the One For Me") and Little Anthony and the Imperials.

In 1958, his previous association with Ember Records brought Dave to Clock Records, a brand new label, which was run by veteran English-born EMI record man Wally Moody and his son Doug, and initially distributed by Ember. Now billed as Dave "Baby" Cortez, the young pianist/singer had his first Clock single released in August 1958, "You're the Girl"/"Eenie Meeny Miny Mo", which did nothing at all. But then came "The Happy Organ".

It was a Saturday morning in the fall of 1958 at Allegro Recording Studio in the basement of 1650 Broadway in New York City. Dave was supposed to cut a few vocal numbers, but he lost his voice during the session and said, "Let me try an instrumental". They had a huge Hammond B-3 organ in the corner, and though Dave had never played the organ before, he started doing a tune based on "Shortnin' Bread". The backing musicians (who included Jimmy Spruill on guitar, Buddy Lucas on sax and Panama Francis on drums) started picking up the rhythm. The end of the take was rough, it went on and on and was full of wrong notes, reason why it was faded out on the record after 1:58. The resulting single was called "The Happy Organ", a # 1 pop smash in the spring of 1959 (also # 5 R&B). It did much to popularise the Hammond organ amongst the huge teen market and soon Johnny and the Hurricanes and Bill Black's Combo would score chart hits with organ-led instrumentals.

The follow-up, "The Whistling Organ" was a poor record by comparison and went only to # 61. No further hits on Clock followed, despite strong 45s such as "Piano Shuffle", "Cat Nip" and "Dave's Special". After Clock's distribution deal with Ember ended, RCA Victor stepped in and the album "Dave 'Baby' Cortez And His Happy Organ" came out on RCA in September 1959. Clock later issued the LP on its own label, but not before RCA sold thousands of copies. In 1962, Dave was back in the Top 10 with "Rinky Dink" on Chess (picked up from Julia Records, which was probably Dave's own label), followed by some minor hits on Chess. The mid-sixties saw him recording for the Roulette label and, keeping in tune with the times, Cortez soon moved into funky soul music. In 1973, he had his last chart entry with "Someone Has Taken Your Place" on All Platinum (# 45 R&B). His final single was also released in that year, "Hell Street Junction", which was an imitation of Sly and the Family Stone's "Life". By the 1980s he had turned his back on the music business and was living in Jamaica, New York, with a day-time job. Since then he has always refused to be interviewed about his career as a musician.

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 Nacido David Cortez Clowney, 13 de agosto de 1938, Detroit, Michigan

Pianista / organista / vocalista / compositor.

Hoy en día, Dave "Baby" Cortez (Clowney) es recordado casi exclusivamente por su disco número 1 "The Happy Organ" (1959), pero tuvo una larga y, a veces, exitosa carrera discográfica tanto antes como después de este éxito. Creciendo en Detroit, Dave demostró aptitud musical a una edad temprana y fue guiado hacia el piano por su padre, quien también tocó el instrumento. Su carrera musical despegó cuando se unió a las Cinco Perlas en 1954 como segundo tenor y pianista, y se trasladó con ellos a Nueva York al año siguiente. El grupo, que se hizo más conocido como las Perlas, grabó para Aladino, Atco y Onyx. Clowney luego tuvo una corta permanencia con el grupo The Valentines, dirigido por Richard Barrett, y grabó dos sencillos con ellos para Rama. En el otoño de 1956 grabó dos instrumentos para piano, "Movin''n' Groovin'" y "Soft Lights" (Ember 1010), que fueron acreditados a The David Clowney Band y recibieron una buena crítica en Billboard. A esto le siguió otro gran single instrumental desconocido de R&B, "Hoot Owl"/"Shakin'" (Paris 513) a principios de 1958, con King Curtis al saxo tenor, Jimmy Spruill a la guitarra y el mismo Dave al piano. Unos meses más tarde, grabó un sencillo vocal al estilo de Little Richard, "Honey Baby" y "You Give Me Heebie Jeebies" (Okeh 7102) como Baby Cortez. Ninguno de estos registros fue registrado, lo bueno fue que lo fueron. Mientras tanto, trabajó como músico de sesión detrás de artistas como The Chantels, The Isley Brothers, The Aquatones ("She's the One For Me") y Little Anthony and the Imperials.

En 1958, su asociación anterior con Ember Records llevó a Dave a Clock Records, un nuevo sello discográfico, que fue dirigido por el veterano músico inglés de EMI Wally Moody y su hijo Doug, e inicialmente distribuido por Ember. Ahora conocido como Dave "Baby" Cortez, el joven pianista/cantante tuvo su primer single de Clock en agosto de 1958, "You're the Girl"/"Eenie Meeny Miny Mo", que no hizo nada en absoluto. Pero luego vino "El órgano feliz".

Era un sábado por la mañana en el otoño de 1958 en el estudio de grabación Allegro en el sótano de 1650 Broadway en la ciudad de Nueva York. Se suponía que Dave iba a cortar algunos números vocales, pero perdió la voz durante la sesión y dijo: "Déjame probar un instrumento". Tenían un gran órgano Hammond B-3 en la esquina, y aunque Dave nunca antes había tocado el órgano, empezó a hacer una melodía basada en "Shortnin' Bread". Los músicos de apoyo (que incluían a Jimmy Spruill en la guitarra, Buddy Lucas en el saxo y Panama Francis en la batería) comenzaron a recoger el ritmo. El final de la toma fue duro, siguió y siguió y estaba lleno de notas equivocadas, por lo que se desvaneció en el disco después de 1:58. El single resultante se llamó "The Happy Organ", un # 1 pop smash en la primavera de 1959 (también # 5 R&B). Hizo mucho para popularizar el órgano de Hammond entre el enorme mercado de adolescentes y pronto Johnny y los huracanes y Bill Black's Combo anotarían éxitos en las listas de éxitos con instrumentos dirigidos por el órgano.

La continuación, "The Whistling Organ" (El órgano silbador) fue un pobre récord en comparación y sólo llegó hasta el número 61. No siguieron más éxitos en Clock, a pesar de los fuertes 45 como "Piano Shuffle", "Cat Nip" y "Dave's Special". Después de que el acuerdo de distribución de Clock con Ember terminó, RCA Victor intervino y el álbum "Dave 'Baby' Cortez And His Happy Organ" salió a la venta en RCA en septiembre de 1959. Más tarde, Clock emitió el LP en su propia etiqueta, pero no antes de que RCA vendiera miles de copias. En 1962, Dave volvió al Top 10 con "Rinky Dink" en Chess (tomado de Julia Records, que probablemente era el sello de Dave), seguido de algunos éxitos menores en Chess. A mediados de los años sesenta lo vio grabar para el sello Roulette y, manteniéndose en sintonía con los tiempos, Cortez pronto se dedicó a la música soul funky. En 1973, tuvo su última entrada en la lista de éxitos con "Someone Has Taken Your Place" en All Platinum (# 45 R&B). Su último single también fue lanzado en ese año, "Hell Street Junction", que fue una imitación de "Life" de Sly and the Family Stone. En la década de 1980 había dado la espalda al negocio de la música y vivía en Jamaica, Nueva York, con un trabajo diurno. Desde entonces siempre se ha negado a ser entrevistado sobre su carrera como músico.

Cory Henry M.D. • Gotcha Now Doc

  

Biography by Steve Leggett
One of the finest Hammond B-3 organ players of his generation, Cory Henry was a child prodigy, playing both piano and organ by the time he was two years old, making his debut at the legendary Apollo Theater when he was only six. He has worked in the studio and toured with countless artists, including Yolanda Adams, Stanley Brown, Israel Houghton, P. Diddy, Kirk Franklin, Kenny Garrett (the 19-year-old Henry became a fixture in Garrett's touring band for three years), Donnie McClurkin, Boyz II Men, Michael McDonald, Bruce Springsteen, the Roots, and many others. He has also worked as a bandleader and producer as well as an in-demand sideman.

Falling closer to the Art Tatum and Oscar Peterson side of the Hammond organ jazz genre than Jimmy Smith, with maybe a little Billy Preston tossed in, Henry at his best combines the best of both gospel and jazz in his playing. His albums as a bandleader include the 2010 holiday set Christmas with You, 2011's Leave You Alone, and 2012's Gotcha Now Doc.

The Revival
Since 2012, Henry has been a member of the acclaimed experimental jazz and funk ensemble Snarky Puppy, with whom he won a 2014 Grammy Award for Best R&B Performance and a 2015 Grammy for Best Contemporary Instrumental Album. In 2016, Henry released the gospel0infused solo effort The Revival.
https://www.allmusic.com/artist/cory-henry-mn0002369748/biography

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Biografía de Steve Leggett
Uno de los mejores intérpretes de órgano Hammond B-3 de su generación, Cory Henry fue un niño prodigio, que ya tocaba el piano y el órgano a los dos años, y debutó en el legendario Apollo Theater cuando sólo tenía seis. Ha trabajado en el estudio y ha realizado giras con innumerables artistas, como Yolanda Adams, Stanley Brown, Israel Houghton, P. Diddy, Kirk Franklin, Kenny Garrett (el joven Henry, de 19 años, se convirtió en un fijo de la banda de gira de Garrett durante tres años), Donnie McClurkin, Boyz II Men, Michael McDonald, Bruce Springsteen, The Roots y muchos otros. También ha trabajado como director de banda y productor, así como sideman de gran demanda.

Más cercano a Art Tatum y Oscar Peterson en el género del órgano Hammond que a Jimmy Smith, con un poco de Billy Preston, Henry combina lo mejor del gospel y del jazz en su interpretación. Sus álbumes como director de banda incluyen el conjunto navideño Christmas with You de 2010, Leave You Alone de 2011 y Gotcha Now Doc de 2012.

The Revival
Desde 2012, Henry ha sido miembro del aclamado conjunto de jazz y funk experimental Snarky Puppy, con el que ganó un premio Grammy 2014 a la mejor interpretación de R&B y un Grammy 2015 al mejor álbum instrumental contemporáneo. En 2016, Henry lanzó el esfuerzo en solitario infundido por el gospel0 The Revival.
https://www.allmusic.com/artist/cory-henry-mn0002369748/biography

coryhenry.com ... 


Colaborador / Contribuitor:  Michel

Gene Ludwig • Hands on

 

This is a very likeable B3 album, and notably for people who are not enamored of tenor sax-organ dates. Gene Ludwig, a longtime Pittsburgh musician with a history of 40 years of plugging away at this genre, has pulled out all the "stops." Ludwig has recorded seven sessions including one on Muse in 1979, all with local musicians, and on independent labels. You've got to hand it to someone who has consistently produced quality sessions and still comes back with more.
Ludwig has smartly programmed this album with two originals, three standards and, on the remaining tracks, five "organ party anthems." Sam Jones' "Unit 7" ostensibly has no connection with the B3 but it was Cannonball Adderley's intro and outro theme for a long time and it fits the bill perfectly. Jerome Richardson's "Groove Merchant" (which came first, the song or the record label?) is a highly under-recorded bounce tempo from the late '60s with the Hammond filling in the horn riffs. "Baby Don't You Go Away Mad," which I remember quite distinctly as Illinois Jacquet's "Black Velvet," swings mightily, as when Sinatra had it in his repetoire.
Pianist Carl Perkins' "Groove Yard," popularized by the Montgomery Brothers, is a fine medium tempo blues. "Willow Weep for Me" is done as a boozy, crying-in-your-beer mode just as if Jimmy Smith and Hank Mobley were blowing it. Ludwig's own "Louie and Jazz" is a perfect '50s-'60s Blue Note hard bop melody line, and until I read the composer credits I was searching mentally for the tune's name and songwriter. I was only disappointed in the closer "Spiritual" which is a solo B3 recitation that you might hear as recessional music at Sunday morning services.
This combo is one that Ludwig has worked with consistently over the past few years. Ken Karsh, a good melody player on guitar, gets ample solo time and makes his point concisely. Tom Wendt, takes care of the percussion, keeps the album moving along nicely. Saxophonist Eric DeFade is the son of Ray DeFade, who played sax for Ludwig in the early '60s. He is a young follower of the organ-tenor sax stars who are no longer on the scene and provides the appropriate sermon when called upon.
https://www.allaboutjazz.com/hands-on-gene-ludwig-blues-leaf-records-review-by-michael-p-gladstone.php 

 

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Este es un álbum de B3 muy agradable, y en particular para la gente que no está enamorada de las citas de saxo tenor-órgano. Gene Ludwig, un veterano músico de Pittsburgh con un historial de 40 años de trabajo en este género, ha sacado todas las "paradas". Ludwig ha grabado siete sesiones, incluida una en Muse en 1979, todas con músicos locales y en sellos independientes. Hay que reconocer a alguien que ha producido constantemente sesiones de calidad y que todavía vuelve con más.
Ludwig ha programado inteligentemente este álbum con dos originales, tres estándares y, en las pistas restantes, cinco "himnos de fiesta de órgano". "Unit 7" de Sam Jones no tiene aparentemente ninguna relación con el B3, pero fue el tema de introducción y salida de Cannonball Adderley durante mucho tiempo y encaja perfectamente. "Groove Merchant" de Jerome Richardson (¿qué fue primero, la canción o el sello discográfico?) es un bounce tempo de finales de los 60 muy poco grabado con el Hammond rellenando los riffs de las trompas. "Baby Don't You Go Away Mad", que recuerdo claramente como "Black Velvet" de Illinois Jacquet, se balancea poderosamente, como cuando Sinatra la tenía en su repertorio.
"Groove Yard" del pianista Carl Perkins, popularizado por los Montgomery Brothers, es un buen blues de tempo medio. "Willow Weep for Me" se hace en modo borracho, llorando en la cerveza, como si Jimmy Smith y Hank Mobley lo estuvieran soplando. Louie and Jazz", del propio Ludwig, es una perfecta línea melódica de hard bop de Blue Note de los años 50-60, y hasta que leí los créditos del compositor estuve buscando mentalmente el nombre de la melodía y el compositor. Sólo me decepcionó el cierre, "Spiritual", que es un recitado en B3 en solitario que podría escucharse como música de receso en los servicios del domingo por la mañana.
Este combo es uno con el que Ludwig ha trabajado constantemente en los últimos años. Ken Karsh, un buen intérprete de melodías a la guitarra, tiene un amplio tiempo en solitario y hace su punto de vista de forma concisa. Tom Wendt, que se encarga de la percusión, mantiene el álbum en movimiento. El saxofonista Eric DeFade es el hijo de Ray DeFade, que tocó el saxo para Ludwig a principios de los 60. Es un joven seguidor de las estrellas del saxo tenor que ya no están en escena y aporta el sermón adecuado cuando se le llama.
https://www.allaboutjazz.com/hands-on-gene-ludwig-blues-leaf-records-review-by-michael-p-gladstone.php

Larry Goldings, Peter Bernstein & Bill Stewart • Toy Tunes

 

Review
The jazz world has seen many great organ trios over the years however Larry Golding’s trio with Peter Bernstein and Bill Stewart is not only one of the most innovative but also one of the most prolific. Next week see’s the release of their 12th Album titled “Toy Tunes”, the second for their current label Pirouet Records.

Toy Tunes, is the follow up release to “Ramshackle Serenade” released in 2014 to critical acclaim, and once again see’s trio great form. The album contains a mix of original compositions mixed with treatments of a number of standards including “I’m In The Mood For Love”, Carla Bley’s “And Now the Queen” and the title track, Wayne Shorter’s “Toy Tune”.

Larry Goldings when speaking about the trio said “Our approach has never been dictated by the ‘organ trio’ format but rather by our individual personalities, our broad range of musical interests, our desire to be highly interactive, and to grow together as musicians.” This could not be further from the truth as the trio explore many styles on the album from the more straight ahead readings of “I’m In The Mood For Love” and closing track Calm to the abstract of Carla Bley’s “And Now the Queen”.

The Album opens with a Goldings original “Fagan” referencing Steely Dan’s co-leader Donald Fagan and introduces the album well. The track with is staccato motif and straight eight feel is a strong opener without giving to much away as to what is coming. Larry stated the the music of Donald Fagan “introduced me to a whole new world of harmony and song structure” and this can be heard in this track.

I especially liked the lilting 6/8 feel of Bernstein’s “Lullaby For B” that Peter wrote for his oldest son and back beat groove of Bill Stewart’s “Don’t Ever Call Me Again”. Highlight of the album in my mind is treatment of Wayne Shorter’s “Toy Tune’. While not deviating all that far from the original Shorter recording both Bernstien and Goldings lay down impressive solo’s. Goldings says that improvising on Wayne Shorter’s pieces “is akin to playing with a Rubik’s Cube” and if this is the case on this recording he certainly was able to get all the squares lined up.

The performances on the album are excellent throughout as is the recording quality. Toy Tune is not only a welcome addition to the trios discography but a welcome addition to any Hammond fan or for that matter jazz lovers in general.
Written by Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/

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Reseña
El mundo del jazz ha visto muchos grandes tríos de órgano a lo largo de los años, pero el trío de Larry Golding con Peter Bernstein y Bill Stewart no sólo es uno de los más innovadores, sino también uno de los más prolíficos. La próxima semana saldrá a la venta su duodécimo álbum, titulado "Toy Tunes", el segundo para su actual sello, Pirouet Records.

Toy Tunes es la continuación de "Ramshackle Serenade", publicado en 2014 con gran éxito de crítica, y una vez más el trío está en plena forma. El álbum contiene una mezcla de composiciones originales mezcladas con tratamientos de una serie de estándares, incluyendo "I'm In The Mood For Love", "And Now the Queen" de Carla Bley y la pista del título, "Toy Tune" de Wayne Shorter.

Larry Goldings, al hablar del trío, dijo: "Nuestro enfoque nunca ha sido dictado por el formato de "trío de órgano", sino más bien por nuestras personalidades individuales, nuestra amplia gama de intereses musicales, nuestro deseo de ser altamente interactivos y de crecer juntos como músicos." Esto no podría estar más lejos de la realidad, ya que el trío explora muchos estilos en el álbum, desde las lecturas más directas de "I'm In The Mood For Love" y el tema de cierre Calm hasta lo abstracto de "And Now the Queen" de Carla Bley.

El álbum se abre con un original de Goldings, "Fagan", que hace referencia al colíder de Steely Dan, Donald Fagan, y que introduce bien el álbum. El tema, con un motivo entrecortado y una sensación de ocho rectos, es un fuerte comienzo, sin dar demasiadas pistas sobre lo que va a ocurrir. Larry declaró que la música de Donald Fagan "me introdujo en todo un nuevo mundo de armonía y estructura de las canciones" y esto se puede escuchar en este tema.

Me gustó especialmente la sensación de 6/8 de la "Canción de cuna para B" de Bernstein, que Peter escribió para su hijo mayor, y el ritmo de fondo de "Don't Ever Call Me Again" de Bill Stewart. Lo mejor del álbum, en mi opinión, es el tratamiento de "Toy Tune" de Wayne Shorter. Aunque no se desvía mucho de la grabación original de Shorter, tanto Bernstien como Goldings hacen unos solos impresionantes. Goldings dice que improvisar sobre las piezas de Wayne Shorter "es como jugar con un cubo de Rubik" y si este es el caso en esta grabación, ciertamente fue capaz de conseguir todos los cuadrados alineados.

Las interpretaciones del álbum son excelentes, al igual que la calidad de la grabación. Toy Tune no sólo es una buena adición a la discografía de los tríos, sino que también es una buena adición para cualquier fan de Hammond o para los amantes del jazz en general.
Escrito por Jan Veldman
https://jazzineurope.mfmmedia.nl/2018/04/cd-review-larry-goldings-peter-bernstein-bill-stewart-toy-tunes/


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The Lyman Woodard Trio • Live At the 1996 Ford Montreux Detroit Jazz Festival

 

Lyman Woodard was born March 3rd, 1942 in Owosso, Michigan and started his formal musical training at age four on the piano. In 1962, he attended the Oscar Peterson School of Contemporary Music in Toronto, Canada. After hearing a performance of the great Jimmy Smith in 1963, he was convinced that this was his future and he made the switch from piano to the Hammond B3 organ.

Lyman formed the first Lyman Woodard Trio in 1965 along with fellow musicians Melvin Davis on drums & vocals and Dennis Coffey on guitar.

Since the early 60s, the Detroit music scene has been largely defined by the music of Motown Records. The Motown “music machine” spawned many great R&B talents and from 1970 though 1973, Lyman got the opportunity to be a part of this heritage by landing the position of musical director for Martha and the Vandellas.

By 1974, he was anxious to have his own band again and reformed the Lyman Woodard Trio with fellow musicians Leonard King on drums and Ron English on guitar, thus beginning his long standing association with the percussionist who appears with Lyman on his latest release.

Later that year he expanded his band by adding alto saxophonist Norma Jean Bell and percussionist Lorenzo Brown, and changed the name to the Lyman Woodard Organization.

For the next 11 years, the “Organization” played the clubs and venues of the midwest, changing members occasionally and opening shows for artists such as: Billy Paul, MFSB, Bob James, the Jazz Crusaders, Gil Scott Heron, Herbie Hancock, Tito Puente & his Latin Jazz Ensemble and James “Blood” Ulmer. The Lyman Woodard Organization disbanded in the late 1980s.

Most recently, Lyman has again reformed his “Trio”, consisting of long time friend Leonard King on drums & vocals and guitarist, Robert Tye. The trio has been a popular act at the 1994-98 Montreux Detroit Jazz Festivals, and has opened there for artists Bill Doggett and one of Lyman's early influences, Jimmy Smith. The Lyman Woodard/Jimmy Smith booking was part of a show billed as “The Battle of the B3s” which also included organists Charles Earland, Jack McDuff and Joey DeFrancesco.

The '96 Montreux festival performance has become Lyman's latest release on Corridor Records, “Live at the 1996 Montreux Detroit Jazz Festival”. The trio have since performed at the Frog Island Jazz and Blues Festival and opened for Booker T. & the MGs.

In 1998, Lyman again performed with long-time friend, electric violinist Regina Carter, who incidentally played on Lyman's 1985 album “Dedicacion”.

In addition to leading his own groups over the years, Lyman has performed with many distinguished artists including: Johnny Adams, Earl King, Eddy Bo, Thunder Bird Davis, Eddie Kendricks & David Ruffin, Mary Wells, Martha & the Vandellas, The Originals, Grady Tate, Luis Gasga, Marcus Belgrave, Betty Joplin, Chuck Jackson, Jos�Feliciano, Roy Brookes, The Eighth Day, James Jameson, The Undisputed Truth and Eddie Jefferson.

https://musicians.allaboutjazz.com/lymanwoodard

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Lyman Woodard nació el 3 de marzo de 1942 en Owosso, Michigan, y comenzó su formación musical formal a los cuatro años de edad en el piano. En 1962, asistió a la Escuela de Música Contemporánea Oscar Peterson en Toronto, Canadá. Después de escuchar la interpretación del gran Jimmy Smith en 1963, se convenció de que ese era su futuro e hizo el cambio del piano al órgano Hammond B3.

Lyman formó el primer Lyman Woodard Trío en 1965 junto con sus compañeros Melvin Davis en la batería y la voz y Dennis Coffey en la guitarra.

Desde principios de los 60, la escena musical de Detroit se ha definido en gran medida por la música de Motown Records. La "máquina musical" de la Motown generó muchos grandes talentos del R&B y desde 1970 hasta 1973, Lyman tuvo la oportunidad de formar parte de esta herencia al conseguir el puesto de director musical de Martha and the Vandellas.

En 1974, estaba ansioso por volver a tener su propia banda y reformó el Lyman Woodard Trio con sus compañeros Leonard King en la batería y Ron English en la guitarra, comenzando así su larga asociación con el percusionista que aparece con Lyman en su último lanzamiento.

Más tarde ese año amplió su banda añadiendo al saxofonista alto Norma Jean Bell y al percusionista Lorenzo Brown, y cambió el nombre a la Organización Lyman Woodard.

Durante los siguientes 11 años, la "Organización" tocó en los clubes y locales del medio oeste, cambiando de miembros ocasionalmente y abriendo espectáculos para artistas como: Billy Paul, MFSB, Bob James, los Cruzados del Jazz, Gil Scott Heron, Herbie Hancock, Tito Puente y su Conjunto de Jazz Latino y James "Blood" Ulmer. La Organización Lyman Woodard se disolvió a finales de los años 80.

Recientemente, Lyman ha reformado su "Trío", formado por su amigo de toda la vida Leonard King en batería y voz y el guitarrista Robert Tye. El trío ha sido un acto popular en los Festivales de Jazz de Montreux Detroit de 1994-98, y ha abierto allí para los artistas Bill Doggett y una de las primeras influencias de Lyman, Jimmy Smith. La contratación de Lyman Woodard/Jimmy Smith formó parte de un espectáculo titulado "La Batalla de los B3", en el que también participaron los organistas Charles Earland, Jack McDuff y Joey DeFrancesco.

La actuación en el festival de Montreux del 96 se ha convertido en el último lanzamiento de Lyman en Corridor Records, "Live at the 1996 Montreux Detroit Jazz Festival". Desde entonces, el trío ha actuado en el Festival de Jazz y Blues de Frog Island y ha abierto para Booker T. & the MGs.

En 1998, Lyman volvió a actuar con su vieja amiga, la violinista eléctrica Regina Carter, que por cierto tocó en el álbum de Lyman de 1985 "Dedicación".

Además de liderar sus propios grupos a lo largo de los años, Lyman ha actuado con muchos artistas distinguidos, incluyendo: Johnny Adams, Earl King, Eddy Bo, Thunder Bird Davis, Eddie Kendricks & David Ruffin, Mary Wells, Martha & the Vandellas, The Originals, Grady Tate, Luis Gasga, Marcus Belgrave, Betty Joplin, Chuck Jackson, Josï¿?14, Roy Brookes, The Eighth Day, James Jameson, The Undisputed Truth y Eddie Jefferson.

https://musicians.allaboutjazz.com/lymanwoodard

Booker T • Evergreen

 

bookert.com ...

 

Eddie Layton • Organ Moods

Artist Biography by Jason Ankeny

Although well regarded by aficionados of space age pop, Hammond organ virtuoso Eddie Layton was even more beloved by visitors to the House That Ruth Built, serving close to four decades as the official organist at baseball's landmark Yankee Stadium. Born October 19, 1925, in Philadelphia, Layton studied music as a child, but majored in meteorology in college. After enlisting in the U.S. Navy during World War II, he first encountered the Hammond in a Naval air station in Linhurst, NJ, and his fate was sealed. After the war Layton studied under the legendary theater pipe organist Jesse Crawford while working the theater circuit himself, eventually landing a steady gig at Radio City Music Hall. From there he worked at CBS, first in radio and later in television -- Layton was also on the Hammond payroll for over 50 years, touring music stores around the world to demonstrate their organs. (By his own estimate, he visited and performed in over 700 stores on five continents.) Inevitably, Layton became a recording artist as well, signing to Mercury to release a series of jazzy easy listening LPs, including Organ Moods, No Blues on This Cruise, and Better Layton Than Never.

In 1967, two years after CBS purchased the New York Yankees, Layton was offered the chance to serve as the ballpark's organist. Knowing nothing about baseball and unable to drive back and forth to the team's 81 annual home games, he initially turned down the invitation, but Yankee brass responded by promising that a limousine would drive him to and from the stadium each day. Layton finally agreed, and was first asked to play only between innings; during one Yankee loss, however, he pulled out the old military trumpet call "Charge!," and the galvanizing melody was such a hit with fans and execs that he earned a raise the following day, with instructions to play at various times throughout the game. He originated several other now-common ballpark musical cues in the decades to follow, among them "The Mexican Hat Dance." Ya Gotta Have Heart, Layton's final album, features many of his greatest Yankee Stadium hits. During the 1970s, he also agreed to provide accompaniment for the NBA's Knicks and the NHL's Rangers before whittling his schedule exclusively to the Yankees. He retired from the team in 2003, passing away in New York City on December 24, 2004.

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Biografía del artista por Jason Ankeny

Aunque bien considerado por los aficionados al pop de la era espacial, el virtuoso del órgano Hammond Eddie Layton fue aún más querido por los visitantes de la Casa Que Ruth Construyó, sirviendo cerca de cuatro décadas como organista oficial en el emblemático Yankee Stadium. Nacido el 19 de octubre de 1925 en Filadelfia, Layton estudió música cuando era niño, pero se especializó en meteorología en la universidad. Después de alistarse en la Marina de los EE. UU. Durante la Segunda Guerra Mundial, se encontró por primera vez con el Hammond en una estación aérea naval en Linhurst, Nueva Jersey, y su destino quedó sellado. Después de la guerra, Layton estudió con el legendario organista de tubos de teatro Jesse Crawford mientras trabajaba él mismo en el circuito de teatro, y eventualmente consiguió un concierto estable en Radio City Music Hall. Desde allí trabajó en CBS, primero en la radio y más tarde en la televisión. Layton también estuvo en la nómina de pago de Hammond durante más de 50 años, recorriendo tiendas de música de todo el mundo para demostrar sus órganos. (Según su propia estimación, visitó y actuó en más de 700 tiendas en cinco continentes.) Inevitablemente, Layton también se convirtió en un artista de grabación, al firmar con Mercury para lanzar una serie de LPs de música fácil de escuchar, incluyendo Organ Moods, No Blues en This Cruise, y Better Layton Than Never.

En 1967, dos años después de que CBS comprara los Yankees de Nueva York, le ofrecieron a Layton la oportunidad de fungir como organista del estadio. Como no sabía nada sobre el béisbol y no podía conducir de ida y vuelta a los 81 partidos anuales en casa del equipo, inicialmente rechazó la invitación, pero los directivos de los Yankees respondieron prometiendo que una limusina lo llevaría al estadio cada día. Layton finalmente estuvo de acuerdo, y primero se le pidió que jugara solo entre entradas; durante una derrota yankee, sin embargo, sacó el antiguo llamado "Charge!", y la melodía de galvanización fue un éxito con los fanáticos y ejecutivos que ganó un aumento el día siguiente, con instrucciones de jugar en varias ocasiones a lo largo del juego. Él originó varias otras pistas musicales ahora comunes en las décadas siguientes, entre ellas "The Mexican Hat Dance". Ya Gotta Have Heart, el último álbum de Layton, presenta muchos de sus mejores éxitos en el Yankee Stadium. Durante la década de 1970, también acordó proporcionar acompañamiento para los Knicks de la NBA y los Rangers de la NHL antes de reducir su cronograma exclusivamente a los Yankees. Se retiró del equipo en 2003 y falleció en la ciudad de Nueva York el 24 de diciembre de 2004.

Jazz a la mode Trio • Less Is More

   

Michel Bénébig • Yellow Purple

 

 

Michel Bénébig was born 27th June 1964 in Nouméa, New Calédonia, a small Island of the Western Southern Pacific.
Michel discovered the Hammond organ through hours of listening to his parent’s old vinyl recordings.
At 7 years of age, Michel was surprised and excited by seeing Rhoda Scott on the télévision.
At 11 years old, he played bass guitar, accordion, electronic organ ( Farfisa organ ) and the synthesizer in various orchestras and bands all over New Calédonia.
Michel joined the Territorial School of Music of Nouméa, and followed traditional courses of piano.
In 1990, Michel headed to Besançon, France, to complete a 2-years degree at the local Academy of Music. It was here that an enthusiastic friend first introduced Michel to the real thing ; the Hammond organ, an L-100 model.
Michel knew there and then that Hammond was the instrument for him !.
Upon returning to New Calédonia, Michel ordered a Hammond XB5 model, just to get started.
Michel became a music teacher at the Territoriale School of Music, the same school he attended as a student, at the same time launching an intensive study of Hammond organists such as ; Jimmy Smith, Jack Mc Duff, Jimmy Mc Griff, Shirley Scott, Rhoda Scott, Wild Bill Davis, Richard “ Groove “ Holmes, Joey Defrancesco, Doctor Lonnie Smith, Charles Earland, and so many others… you get the picture.
In February of 1995, fate took a lucky turn, Michel came in contact with “ Keyboard Exchange International “, an American company located in Florida that is dedicated to the restoration and exportation of vintage Hammond Organs.
Michel spent a month here carrying out a specialised technical training course with Gary Eddinger ( a highly regarded Hammond specialist ).
Michel also began recording an instructional vidéo with another organist named Eddy Crocetti from Fort Lauderdale, Florida. This vidéo was sold with organs in order to give young and budding organist a kick start into the world of Hammond… a fairly daunting instrument, as i’m sure you’d know, if you don’t know what you’re doing.
Whilst on the trip to Atlanta in Georgia, Michel had the extreme pleasure of meeting the great Jimmy Mc Griff. Michel was helping Joe Vaughn, the owner of the B3 being used for Jimmy Mc Griff’s tour in the small town of Rome.
When Jimmy himself asked Michel to play… the whole time Michel was playing a tune from Jimmy Smith, Jimmy Mc Griff remained next to him, tapping along, providing strong encouragement and praising Michel’s footwork ; “ Not bad for the 2 years old Hammond player !!..”.
Another pleasurable moment was the meeting with the Master : Jimmy Smith, in Oakland, California at “ Yoshis “ famous Jazz-Club , in 1996 with Pete Fallico.
The makings of wonderful memories are also meeting organists; Larry Goldings, Duck Jethro, Ronnie Foster, Rhoda Scott , Tony Monaco, Col Nolan, etc…
Michel was elected the Organist of the Month of May 2006 by the “ International Archives for the Jazz Organ “ in Germany.
Michel is an incredible Hammond player, his fancy footwork always amuzes the audiences, Michel’s smooth style is something you’ll just love..
If you’ve never heard of Michel Bénébig, then maybe it’s time to check out Hammond organists on a global scale.
Michel is the finest B3 player to hail from New Calédonia ...

 

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Michel Bénébig nació el 27 de junio de 1964 en Numea, Nueva Caledonia, una pequeña isla del Pacífico Sur Occidental.
Michel descubrió el órgano Hammond a través de horas de escuchar las viejas grabaciones de vinilo de sus padres.
A los 7 años de edad, Michel se sorprendió y emocionó al ver a Rhoda Scott en la televisión.
A los 11 años, tocó el bajo, el acordeón, el órgano electrónico (órgano Farfisa) y el sintetizador en varias orquestas y bandas de Nueva Caledonia.
Michel entró en la Escuela Territorial de Música de Nouméa, y siguió los cursos tradicionales de piano.
En 1990, Michel se dirigió a Besançon, Francia, para completar una licenciatura de 2 años en la Academia de Música local. Fue aquí donde un amigo entusiasta introdujo por primera vez a Michel en la realidad; el órgano Hammond, un modelo L-100.
Michel supo en ese momento que Hammond era el instrumento para él.
Al volver a Nueva Caledonia, Michel encargó un modelo Hammond XB5, para empezar.
Michel se convirtió en profesor de música en la Escuela Territorial de Música, la misma escuela a la que asistió como estudiante, al mismo tiempo que inició un estudio intensivo de los organistas Hammond como; Jimmy Smith, Jack Mc Duff, Jimmy Mc Griff, Shirley Scott, Rhoda Scott, Wild Bill Davis, Richard " Groove " Holmes, Joey Defrancesco, Doctor Lonnie Smith, Charles Earland, y tantos otros... ya te haces una idea.
En febrero de 1995, el destino dio un giro afortunado, Michel entró en contacto con " Keyboard Exchange International ", una empresa americana ubicada en Florida que se dedica a la restauración y exportación de órganos antiguos de Hammond.
Michel pasó un mes aquí realizando un curso de formación técnica especializada con Gary Eddinger ( un especialista de Hammond muy reconocido ).
Michel también comenzó a grabar un video instructivo con otro organista llamado Eddy Crocetti de Fort Lauderdale, Florida. Este video fue vendido con órganos para dar a los jóvenes organistas en ciernes un empujón en el mundo de Hammond... un instrumento bastante desalentador, como estoy seguro que sabrás, si no sabes lo que estás haciendo.
Durante el viaje a Atlanta en Georgia, Michel tuvo el gran placer de conocer al gran Jimmy Mc Griff. Michel estaba ayudando a Joe Vaughn, el dueño del B3 que se usaba para la gira de Jimmy Mc Griff en la pequeña ciudad de Roma.
Cuando el mismo Jimmy le pidió a Michel que tocara... todo el tiempo que Michel estaba tocando una melodía de Jimmy Smith, Jimmy Mc Griff permaneció a su lado, dando un fuerte estímulo y alabando el juego de piernas de Michel; "No está mal para el jugador de 2 años de Hammond!!...".
Otro momento agradable fue el encuentro con el Maestro : Jimmy Smith, en Oakland, California en el famoso Jazz-Club " Yoshis ", en 1996 con Pete Fallico.
También se encuentran organistas de los que se tienen recuerdos maravillosos: Larry Goldings, Duck Jethro, Ronnie Foster, Rhoda Scott, Tony Monaco, Col Nolan, etc...
Michel fue elegido Organista del Mes de Mayo de 2006 por los "Archivos Internacionales para el Órgano de Jazz" de Alemania.
Michel es un increíble intérprete de Hammond, su elegante juego de piernas siempre divierte al público, el estilo suave de Michel es algo que te encantará...
Si nunca has oído hablar de Michel Bénébig, entonces tal vez es hora de ver a los organistas de Hammond a escala mundial.
Michel es el mejor intérprete de B3 que ha venido de Nueva Caledonia ...

https://www.facebook.com/benebigmichel

https://www.amazon.com ... 

 

Walter Wanderley E Portinho • Órgao, Sax E Sexy

Walter José Wanderley Mendonça (Recife, Brasil 12 de mayo de 1932- San Francisco, EE. UU. 4 de septiembre de 1986), conocido como Walter Wanderley, fue un organista, pianista y compositor brasileño de jazz y bossa nova. Entre sus éxitos mas famosos están los temas " Batucada y Samba de Verão del compositor Marcos Valle. wiki

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Walter Wanderley (12 May 1932 – 4 September 1986) was an organist and pianist, born in Recife, Brazil and best known for his lounge and bossa nova music.

Already famous in his native country by the late 1950s, he became an internationally renowned star through his collaboration with the singer Astrud Gilberto and her husband, João Gilberto. During 1966–1967, he recorded three notable albums on the Verve label with the a trio consisting of Walter, Claudio Slon (drums) and Jose Marino (bass). These albums, Rainforest, Cheganca and Astrud Gilberto's A Certain Smile, A Certain Sadness were produced in the United States by Creed Taylor, who initially brought the Trio to the U.S. to record. Wanderley's U.S. recording of Summer Samba reached #26 on the Billboard charts in the summer of 1966.

After the Trio disbanded (though they were briefly reunited in 1971 for "The Return of the Original" on Canyon Records), Wanderley himself continued to record albums on Verve, A&M/CTI, and GNP Cresendo. During this time he also made numerous personal appearances, including a concert tour of Mexico.

Wanderley was known for his smooth style and mastery of the Hammond B-3 organ. He died of cancer in 1986.

He was married to Isaurinha Garcia, one of the most popular singers in Brazil.

Euge Organ Trio • ...Rides Again!

The Euge Organ Trio is a groove oriented, soul-jazz group hailing out of Portland, Oregon. Consisting of organist Dave Fleschner (Curtis Salgado / The Blues Cabaret), drummer Tom “Euge” Goicoechea (Professor Gall / The Quadraphones) and guitarist Teddy Presberg (pigWar / DoveDriver), the three are sure to keep audiences both moving to the groove and eagerly anticipating whatever might come next out of their free-spirited improvisational approach.
Rooted in thetradition of classic organ trios such as Jimmy Smith and JackMcDuff, the group is also influenced by contemporary groupslike Medeski, Martin and Wood, The City Champs, and Soulive. One can also hear the hip-hop influences of J-Dilla and genre pushing stylings of Robert Glasper in their compositions as well. Playing mostly original music, and influenced by soul-jazz both classic and new, The Euge Organ trio will keep you positively on the edge of your seat in excitement while paradoxically dancing to their immersive sound!
On “...Rides Again!,” their debut album, the three combined each of their own individual song writing talents to form a cohesive and unique style of original compositions. Featuring nearly equal contributions from the members, the songs give a nod to their influences while simultaneously forging a new sonic footprint in the organ trio realm. Give The Euge Organ Trio and “...Rides Again” a listen and you won’t be disappointed!
https://www.amazon.com/Rides-Again-Euge-Organ-Trio/dp/B077TLY4Y3/

 

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The Euge Organ Trio es un grupo de soul-jazz orientado al groove y procedente de Portland, Oregón. Formado por el organista Dave Fleschner (Curtis Salgado / The Blues Cabaret), el baterista Tom "Euge" Goicoechea (Professor Gall / The Quadraphones) y el guitarrista Teddy Presberg (pigWar / DoveDriver), los tres están seguros de mantener al público moviéndose al ritmo del groove y anticipando con entusiasmo lo que pueda venir después de su enfoque de improvisación de espíritu libre.
Enraizado en la tradición de los tríos de órgano clásicos como Jimmy Smith y JackMcDuff, el grupo también está influenciado por grupos contemporáneos como Medeski, Martin and Wood, The City Champs y Soulive. En sus composiciones también se perciben las influencias del hip-hop de J-Dilla y los estilos de Robert Glasper, que empujan el género. Tocando sobre todo música original, e influenciados por el soul-jazz tanto clásico como nuevo, el trío The Euge Organ te mantendrá positivamente en el borde de tu asiento con emoción mientras paradójicamente bailas con su sonido envolvente.
En "...Rides Again!", su álbum de debut, los tres combinaron cada uno de sus talentos individuales para escribir canciones y formar un estilo cohesivo y único de composiciones originales. Con contribuciones casi iguales de los miembros, las canciones hacen un guiño a sus influencias y al mismo tiempo forjan una nueva huella sonora en el ámbito del trío de órganos. Escucha The Euge Organ Trio y "...Rides Again" y no te decepcionará.
https://www.amazon.com/Rides-Again-Euge-Organ-Trio/dp/B077TLY4Y3/

Ansgar Specht • Electric Jazz Quartet

 

www.ansgarspecht.de ...

Michel Bénébig • Black Cap

 

Michel Bénébig was born 27th June 1964 in Nouméa, New Calédonia, a small Island of the Western Southern Pacific.
Michel discovered the Hammond organ through hours of listening to his parent’s old vinyl recordings.
At 7 years of age, Michel was surprised and excited by seeing Rhoda Scott on the télévision.
At 11 years old, he played bass guitar, accordion, electronic organ ( Farfisa organ ) and the synthesizer in various orchestras and bands all over New Calédonia.
Michel joined the Territorial School of Music of Nouméa, and followed traditional courses of piano.
In 1990, Michel headed to Besançon, France, to complete a 2-years degree at the local Academy of Music. It was here that an enthusiastic friend first introduced Michel to the real thing ; the Hammond organ, an L-100 model.
Michel knew there and then that Hammond was the instrument for him !.
Upon returning to New Calédonia, Michel ordered a Hammond XB5 model, just to get started.
Michel became a music teacher at the Territoriale School of Music, the same school he attended as a student, at the same time launching an intensive study of Hammond organists such as ; Jimmy Smith, Jack Mc Duff, Jimmy Mc Griff, Shirley Scott, Rhoda Scott, Wild Bill Davis, Richard “ Groove “ Holmes, Joey Defrancesco, Doctor Lonnie Smith, Charles Earland, and so many others… you get the picture.
In February of 1995, fate took a lucky turn, Michel came in contact with “ Keyboard Exchange International “, an American company located in Florida that is dedicated to the restoration and exportation of vintage Hammond Organs.
Michel spent a month here carrying out a specialised technical training course with Gary Eddinger ( a highly regarded Hammond specialist ).
Michel also began recording an instructional vidéo with another organist named Eddy Crocetti from Fort Lauderdale, Florida. This vidéo was sold with organs in order to give young and budding organist a kick start into the world of Hammond… a fairly daunting instrument, as i’m sure you’d know, if you don’t know what you’re doing.
Whilst on the trip to Atlanta in Georgia, Michel had the extreme pleasure of meeting the great Jimmy Mc Griff. Michel was helping Joe Vaughn, the owner of the B3 being used for Jimmy Mc Griff’s tour in the small town of Rome.
When Jimmy himself asked Michel to play… the whole time Michel was playing a tune from Jimmy Smith, Jimmy Mc Griff remained next to him, tapping along, providing strong encouragement and praising Michel’s footwork ; “ Not bad for the 2 years old Hammond player !!..”.
Another pleasurable moment was the meeting with the Master : Jimmy Smith, in Oakland, California at “ Yoshis “ famous Jazz-Club , in 1996 with Pete Fallico.
The makings of wonderful memories are also meeting organists; Larry Goldings, Duck Jethro, Ronnie Foster, Rhoda Scott , Tony Monaco, Col Nolan, etc…
Michel was elected the Organist of the Month of May 2006 by the “ International Archives for the Jazz Organ “ in Germany.
Michel is an incredible Hammond player, his fancy footwork always amuzes the audiences, Michel’s smooth style is something you’ll just love..
If you’ve never heard of Michel Bénébig, then maybe it’s time to check out Hammond organists on a global scale.
Michel is the finest B3 player to hail from New Calédonia ...

 

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Michel Bénébig nació el 27 de junio de 1964 en Numea, Nueva Caledonia, una pequeña isla del Pacífico Sur Occidental.
Michel descubrió el órgano Hammond a través de horas de escuchar las viejas grabaciones de vinilo de sus padres.
A los 7 años de edad, Michel se sorprendió y emocionó al ver a Rhoda Scott en la televisión.
A los 11 años, tocó el bajo, el acordeón, el órgano electrónico (órgano Farfisa) y el sintetizador en varias orquestas y bandas de Nueva Caledonia.
Michel entró en la Escuela Territorial de Música de Nouméa, y siguió los cursos tradicionales de piano.
En 1990, Michel se dirigió a Besançon, Francia, para completar una licenciatura de 2 años en la Academia de Música local. Fue aquí donde un amigo entusiasta introdujo por primera vez a Michel en la realidad; el órgano Hammond, un modelo L-100.
Michel supo en ese momento que Hammond era el instrumento para él.
Al volver a Nueva Caledonia, Michel encargó un modelo Hammond XB5, para empezar.
Michel se convirtió en profesor de música en la Escuela Territorial de Música, la misma escuela a la que asistió como estudiante, al mismo tiempo que inició un estudio intensivo de los organistas Hammond como; Jimmy Smith, Jack Mc Duff, Jimmy Mc Griff, Shirley Scott, Rhoda Scott, Wild Bill Davis, Richard " Groove " Holmes, Joey Defrancesco, Doctor Lonnie Smith, Charles Earland, y tantos otros... ya te haces una idea.
En febrero de 1995, el destino dio un giro afortunado, Michel entró en contacto con " Keyboard Exchange International ", una empresa americana ubicada en Florida que se dedica a la restauración y exportación de órganos antiguos de Hammond.
Michel pasó un mes aquí realizando un curso de formación técnica especializada con Gary Eddinger ( un especialista de Hammond muy reconocido ).
Michel también comenzó a grabar un video instructivo con otro organista llamado Eddy Crocetti de Fort Lauderdale, Florida. Este video fue vendido con órganos para dar a los jóvenes organistas en ciernes un empujón en el mundo de Hammond... un instrumento bastante desalentador, como estoy seguro que sabrás, si no sabes lo que estás haciendo.
Durante el viaje a Atlanta en Georgia, Michel tuvo el gran placer de conocer al gran Jimmy Mc Griff. Michel estaba ayudando a Joe Vaughn, el dueño del B3 que se usaba para la gira de Jimmy Mc Griff en la pequeña ciudad de Roma.
Cuando el mismo Jimmy le pidió a Michel que tocara... todo el tiempo que Michel estaba tocando una melodía de Jimmy Smith, Jimmy Mc Griff permaneció a su lado, dando un fuerte estímulo y alabando el juego de piernas de Michel; "No está mal para el jugador de 2 años de Hammond!!...".
Otro momento agradable fue el encuentro con el Maestro : Jimmy Smith, en Oakland, California en el famoso Jazz-Club " Yoshis ", en 1996 con Pete Fallico.
También se encuentran organistas de los que se tienen recuerdos maravillosos: Larry Goldings, Duck Jethro, Ronnie Foster, Rhoda Scott, Tony Monaco, Col Nolan, etc...
Michel fue elegido Organista del Mes de Mayo de 2006 por los "Archivos Internacionales para el Órgano de Jazz" de Alemania.
Michel es un increíble intérprete de Hammond, su elegante juego de piernas siempre divierte al público, el estilo suave de Michel es algo que te encantará...
Si nunca has oído hablar de Michel Bénébig, entonces tal vez es hora de ver a los organistas de Hammond a escala mundial.
Michel es el mejor intérprete de B3 que ha venido de Nueva Caledonia ...

https://www.facebook.com/benebigmichel

https://www.amazon.com ... 

 

Astro Buddha Agogo • Astro Buddha Agogo

Danish jazz trio

Sonny Phillips • Sure 'Nuff

 

 

Biography by Steve Huey
Organist Sonny Phillips was born in Mobile, Alabama in 1936 to a musical family, but did not begin his jazz education until the age of 23, when he began studying with Ahmad Jamal. The music of Jimmy Smith inspired him to switch to the organ, and soon he was performing with soul-jazz greats such as Lou Donaldson, Eddie Harris, Houston Person, and Gene Ammons. Phillips debuted as a leader on the 1969 Prestige set Sure 'Nuff, which was followed by the 1970 dates Black Magic and Black on Black. He returned to recording as a leader for the Muse label in 1976 with My Black Flower, but the next year's I Concentrate on You proved to be his final recording as a leader. After an illness in 1980, Phillips moved to Los Angeles, where he occasionally taught, performed, and recorded as a sideman during the years to follow.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-phillips-mn0000046110/biography

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Biografía de Steve Huey
El organista Sonny Phillips nació en Mobile, Alabama, en 1936, en el seno de una familia de músicos, pero no comenzó su formación jazzística hasta los 23 años, cuando empezó a estudiar con Ahmad Jamal. La música de Jimmy Smith le inspiró a pasarse al órgano, y pronto actuó con grandes del soul-jazz como Lou Donaldson, Eddie Harris, Houston Person y Gene Ammons. Phillips debutó como líder en el disco de Prestige Sure 'Nuff de 1969, al que siguieron los discos de 1970 Black Magic y Black on Black. Volvió a grabar como líder para el sello Muse en 1976 con My Black Flower, pero al año siguiente I Concentrate on You resultó ser su última grabación como líder. Después de una enfermedad en 1980, Phillips se trasladó a Los Ángeles, donde ocasionalmente dio clases, actuó y grabó como músico secundario durante los años siguientes.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-phillips-mn0000046110/biography

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Buddy Cole • Have Organ, Will Swing

 Edwin LeMar "Buddy" Cole (December 15, 1916 – November 5, 1964), was a jazz pianist and orchestra leader. He played behind a number of pop singers, including Rosemary Clooney, Jill Corey, Johnnie Ray and The Four Lads, who recorded for Columbia Records. As "Buddy Cole and his Trio" he recorded the albums Some Fine Old Chestnuts and New Tricks with Bing Crosby.
Buddy Cole was born in Irving, Illinois, and started his musical career in the theater playing between movies. He moved to Hollywood and played with a couple of bands, most notably the Alvino Rey big band, before becoming a studio musician. Joining the John Scott Trotter orchestra as a pianist in 1947, he worked closely with Bing Crosby for a number of years and in 1954 he began a daily radio show with Crosby supported by a trio comprising Vince Terri on guitar, banjo etc., Don Whittaker on bass and Nick Fatool on drums. Cole played piano and electric organ. He and Crosby built up a large library of songs which could then be inserted into the show. Cole also recorded a similar library of songs with Rosemary Clooney (with whom he had previously toured) and these songs together with those of Crosby's were employed in The Bing Crosby – Rosemary Clooney Show (1960-1962). Albums with his combo were recorded on piano and Hammond organ. 

 

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 Edwin LeMar "Buddy" Cole (15 de diciembre de 1916 - 5 de noviembre de 1964), fue pianista de jazz y director de orquesta. Tocó detrás de varios cantantes pop, incluyendo Rosemary Clooney, Jill Corey, Johnnie Ray y The Four Lads, que grabó para Columbia Records. Como "Buddy Cole y su Trío" grabó los álbumes Some Fine Old Chestnuts y New Tricks con Bing Crosby.
Buddy Cole nació en Irving, Illinois, y comenzó su carrera musical en el teatro tocando entre películas. Se mudó a Hollywood y tocó con un par de bandas, sobre todo con la big band de Alvino Rey, antes de convertirse en músico de estudio. Se unió a la orquesta de John Scott Trotter como pianista en 1947, trabajó estrechamente con Bing Crosby durante varios años y en 1954 comenzó un programa de radio diario con Crosby apoyado por un trío compuesto por Vince Terri en la guitarra, el banjo, etc., Don Whittaker en el bajo y Nick Fatool en la batería. Cole tocaba el piano y el órgano eléctrico. Él y Crosby construyeron una gran biblioteca de canciones que luego se podían insertar en el programa. Cole también grabó una biblioteca similar de canciones con Rosemary Clooney (con quien había hecho una gira anteriormente) y estas canciones junto con las de Crosby fueron empleadas en The Bing Crosby - Rosemary Clooney Show (1960-1962). Los álbumes con su combinación se grabaron en el piano y el órgano Hammond. 

Fake Cover

 

 

 

Leonieke Scheuble • Debut

Leonieke (phonetically pronounced "lay-o-nee-ka") started to play piano after being inspired by Ray Charles through the 2004 biographical film, "Ray" At the age of 7, she began studies with Jazz pianist, Steve Ash.

As her love of Jazz, Soul and Gospel motivate her to develop her musical skills, Leonieke has been afforded some wonderful opportunities at a very young age.

Among them, would be winning the 2013 International Women in Jazz "Youth in Action" Award -eligible to female jazz musicians under 18 years of age presented in performance at St. Peter's Church in Manhattan (The Jazz Church).

A two-time featured artist at The Watchung Arts Center, Leonieke was also featured at the 2012 FusionFest, and has performed in Jazz Vespers along with Steve Turre, Tim Ries and Bill Crow. She is often invited to sit in at various New York City Jazz Clubs.

In July of 2012, Dr. Lonnie Smith met Leonieke and watched a youtube of her performing on piano. After learning that she had an interest in jazz organ, he arranged for a Hammond organ to be delivered to her as a gift. Earlier that year, Bob Belden, (former A&R Blue Note records) introduced her to Herbie Hancock and has since become a mentor, guiding her mainly through recordings. Radio station WBGO Jazz 88.

3FM featured Leonieke in interview along with trombonist Coleman Hughes in an hour long special entitled, "The Future of Jazz (10/2/13).

On October 13 2013, she recorded her debut CD engineered by Trustees Award Grammy winner, Rudy Van Gelder, widely recognized as one of the most important engineers in music history. She returned to his studio again on November 17th and was joined by Jazz drumming legend, Jimmy Cobb.

Leonieke aspires to continually grow musically, composing more of her own music.

This recording, entitled "debut", features Leonieke on both the Hammond B-3 organ and a Steinway concert grand piano. She is joined by Tim Givens on double bass and her sister Natasha Scheuble on vocals. Jimmy Cobb and her dad, Nick Scheuble share the drum responsibiliies. It is recorded by Rudy Van Gelder and his assistant Maureen Sickler and is produced by the gifted composer/pianist Cecilia Coleman.

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Leonieke (fonéticamente se pronuncia "lay-o-nee-ka") comenzó a tocar el piano después de ser inspirada por Ray Charles a través de la película biográfica de 2004, "Ray". A la edad de 7, empezó los estudios con el pianista de jazz, Steve Ash.

A medida que su amor de Jazz, Soul y Gospel motivar a ella para desarrollar sus habilidades musicales, Leonieke ha sido otorgada algunas oportunidades maravillosas a una edad muy joven.

Entre ellos, sería ganar los 2013 Internacional de la Mujer en el Jazz Award -eligible a músicos de jazz femenina menor de 18 años de edad se presenta en el rendimiento en la iglesia de San Pedro en Manhattan (La Iglesia Jazz) "Juventud en Acción".

Un artista invitado en dos ocasiones en el Centro Watchung Artes, Leonieke también fue presentado en el 2012 FusionFest, y ha actuado en Jazz Vísperas junto con Steve Turre, Tim Ries y Bill Crow. Ella es a menudo invitado a sentarse en en varios Nueva York Clubs de Jazz.

En julio de 2012, el Dr. Lonnie Smith se reunió Leonieke y observó un youtube de su desempeño en el piano. Después de enterarse de que tenía un interés en el órgano de jazz, se organizó un órgano Hammond que se entregará a ella como un regalo. A principios de ese año, Bob Belden, (ex A & R de Blue Note Records) le presentó a Herbie Hancock y se ha convertido en un mentor, guiándola principalmente a través de las grabaciones. Estación de radio WBGO Jazz 88.

3FM contó Leonieke en entrevista junto con el trombonista Coleman Hughes en una larga hora especial titulado "El futuro de los Jazz (02/10/13).

El 13 de octubre de 2013, grabó su primer CD diseñado por el ganador del Premio Grammy Trustees, Rudy Van Gelder, ampliamente reconocido como uno de los ingenieros más importantes de la historia de la música. Ella volvió a su estudio de nuevo el 17 de noviembre y fue acompañado por la leyenda del jazz tambores, Jimmy Cobb.

 

http://www.leoniekescheuble.com/

 

 

 

Gerry Wiggins, Jackie Mills, Harold Land • Wiggin' Out

Biography Gerald Wiggins was a highly flexible pianist quite comfortable in swing or bop settings, but he was at his best when performing with his longtime trio, a group that also included bassist Andy Simpkins and drummer Paul Humphrey. Wiggins' swinging and consistently witty style, typically filled with catchy riffs, was at times reminiscent of Erroll Garner and Art Tatum, but generally quite distinctive.

"The Wig" started with piano lessons when he was four, switching from classical music to jazz as a teenager. He doubled on bass while attending New York City's High School of Music & Art and worked for a time in the early '40s as a piano accompanist for Stepin Fetchit. Wiggins played with Les Hite, and in 1943 toured with the big bands of Louis Armstrong and Benny Carter. While in the military (1944-1946), he often played in local jazz clubs in Seattle. After his discharge, he settled permanently in the Los Angeles area. A popular accompanist for singers, Wiggins worked with Lena Horne (touring with her from 1950-1951), Helen Humes, Ella Mae Morse, Eartha Kitt, Nat King Cole, Kay Starr, Lou Rawls, Ernie Andrews, Linda Hopkins, and Joe Williams, among others. Wiggins was also employed as a vocal coach at Hollywood film studios and had the opportunity to work with Marilyn Monroe.

In the Los Angeles area, Wiggins led trios from the 1950s onward, becoming a consistent fixture in local clubs. He also played piano with the Frank Capp Juggernaut and worked with fellow Concord artists like Scott Hamilton. Through the years, Wiggins led sessions for Swing and Vogue (both in 1950), Ember, Crown, Tampa, Specialty, Motif, Mode, Challenge, Hi-Fi, Contemporary (1961), Black & Blue, and, in the 1990s, Concord. His son J.J. Wiggins is a fine bassist. Gerald Wiggins died in Los Angeles in July of 2008; he was 86 years old.

by Scott Yanow

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Biografía

Gerald Wiggins era un pianista muy flexible, muy cómodo en el swing o el bop, pero estaba en su mejor momento cuando actuaba con su trío de larga duración, un grupo que también incluía al bajista Andy Simpkins y al baterista Paul Humphrey. El estilo de Wiggins, lleno de riffs pegadizos, recordaba a Erroll Garner y Art Tatum, pero en general era bastante distintivo.

"La Peluca" comenzó con lecciones de piano cuando tenía cuatro años, cambiando de la música clásica al jazz cuando era adolescente. Dobló el bajo mientras asistía a la Escuela Superior de Música y Arte de Nueva York y trabajó durante un tiempo a principios de los años 40 como pianista acompañante de Stepin Fetchit. Wiggins tocó con Les Hite, y en 1943 hizo una gira con las grandes bandas de Louis Armstrong y Benny Carter. Mientras estaba en el ejército (1944-1946), a menudo tocaba en clubes de jazz locales en Seattle. Después de su licenciamiento, se estableció permanentemente en el área de Los Ángeles. Acompañante popular de cantantes, Wiggins trabajó con Lena Horne (de gira con ella de 1950-1951), Helen Humes, Ella Mae Morse, Eartha Kitt, Nat King Cole, Kay Starr, Lou Rawls, Ernie Andrews, Linda Hopkins y Joe Williams, entre otros. Wiggins también trabajó como entrenador vocal en los estudios de cine de Hollywood y tuvo la oportunidad de trabajar con Marilyn Monroe.

En la zona de Los Ángeles, Wiggins dirigió tríos a partir de los años 50, convirtiéndose en un fijo en los clubes locales. También tocó el piano con el Frank Capp Juggernaut y trabajó con otros artistas de Concord como Scott Hamilton. A través de los años, Wiggins dirigió sesiones para Swing y Vogue (ambos en 1950), Ember, Crown, Tampa, Specialty, Motif, Mode, Challenge, Hi-Fi, Contemporary (1961), Black & Blue, y, en la década de 1990, Concord. Su hijo J.J. Wiggins es un buen bajista. Gerald Wiggins murió en Los Ángeles en julio de 2008; tenía 86 años.

por Scott Yanow

Pat Bianchi • East Coast Roots

Review

Inspired by Joey DeFrancesco and, like every organist, by Jimmy Smith, Pat Bianchi plays very much in their two overlapping styles. This set teams him with guitarist Mark Whitfield (who spent a period playing with Smith) and with DeFrancesco's longtime drummer, Byron Landham. To try something a little different, Bianchi recorded eight songs that are not associated with organists and in most cases were probably never recorded previously by an organist. The modern jazz classics, which include songs by Bobby Hutcherson, John Coltrane ("Straight Street"), Jimmy Heath, and Bill Evans, all adapt themselves well to this soul-jazz setting, particularly "Gingerbread Boy" and Ernie Wilkins' exciting "Dizzy's Business." Fans of the Hammond B-3 organ now have another hero in Pat Bianchi. East Coast Roots is an excellent example of his artistry.

by Scott Yanow

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Revisar

Inspirado por Joey DeFrancesco y, como todo organista, por Jimmy Smith, Pat Bianchi toca mucho en sus dos estilos superpuestos. Este conjunto lo une al guitarrista Mark Whitfield (que pasó un tiempo tocando con Smith) y al baterista de larga data de DeFrancesco, Byron Landham. Para probar algo un poco diferente, Bianchi grabó ocho canciones que no están asociadas con los organistas y en la mayoría de los casos probablemente nunca fueron grabadas anteriormente por un organista. Los clásicos del jazz moderno, que incluyen canciones de Bobby Hutcherson, John Coltrane ("Straight Street"), Jimmy Heath y Bill Evans, se adaptan bien a este entorno de soul-jazz, en particular "Gingerbread Boy" y el emocionante "Dizzy's Business" de Ernie Wilkins. Los fans del órgano B-3 de Hammond tienen ahora otro héroe en Pat Bianchi. Raíces de la Costa Este es un excelente ejemplo de su arte.

por Scott Yanow 

patbianchi.com ...