Jean-Michel Davis • Vibraphone Jazz

 

jeanmichel.davis.free.fr ...

Gary Burton • The Time Machine

This Gary Burton LP was a bit unusual in that he overdubbed piano and marimbas in addition to his distinctive vibes. There is still plenty of interaction with bassist Steve Swallow and drummer Larry Bunker, and the material (which includes Swallow's "Falling Grace," "Norwegian Wood" and "My Funny Valentine") is strong. Also unusual is that Burton (normally never a composer) contributed several pieces, including "The Sunset Bell," "Six-Nix, Quix, Flix" and a few short "Interims." A highlight is the vibraphonist's earliest recording of Jobim's "No More Blues," although it is not on the same level as his classic unaccompanied version of a few years later.

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Este LP de Gary Burton fue un poco inusual ya que doblaba el piano y las marimbas además de sus vibraciones distintivas. Todavía hay mucha interacción con el bajista Steve Swallow y el baterista Larry Bunker, y el material (que incluye "Falling Grace", "Norwegian Wood" y "My Funny Valentine" de Swallow) es sólido. También es inusual que Burton (normalmente nunca un compositor) haya contribuido con varias piezas, incluyendo "The Sunset Bell", "Six-Nix, Quix, Flix" y algunos "Interims" cortos. Lo más destacado es la primera grabación del vibrafonista de "No More Blues" de Jobim, aunque no está al mismo nivel que su versión clásica no acompañada de algunos años más tarde.

gary-burton ...
 

Bobby Hutcherson • Components

 

Review
by Steve Huey  
Perhaps the single album that best sums up Bobby Hutcherson's early musical personality, Components is appropriately split into two very distinct halves. The first features four Hutcherson originals in a melodic but still advanced hard bop style, while the latter half has four free-leaning avant-garde pieces by drummer Joe Chambers. Hutcherson allots himself more solo space than on Dialogue, but that's no knock on the excellent supporting cast, which includes Herbie Hancock on piano, James Spaulding on alto sax and flute, Freddie Hubbard on trumpet, and Ron Carter on bass. It's just more Hutcherson's date, and he helps unite the disparate halves with a cool-toned control that's apparent regardless of whether the material is way outside or more conventionally swinging. In the latter case, Hutcherson's originals are fairly diverse, encompassing rhythmically complex hard bop (the title track), pensive balladry ("Tranquillity," which features a lovely solo by Hancock), down-and-dirty swing ("West 22nd Street Theme"), and the gaily innocent "Little B's Poem," which went on to become one of Hutcherson's signature tunes and contains some lyrical flute work from Spaulding. The Chambers pieces tend to be deliberate explorations that emphasize texture and group interaction in the manner of Dialogue, except that there's even more freedom in terms of both structure and tonal center. (The exception is the brief but beautiful closing number, "Pastoral," an accurate title if ever there was one.) Components illustrated that Hutcherson was not only the most adventurous vibes player on the scene, but that he was also capable of playing more straightforward music with intelligence and feeling.
https://www.allmusic.com/album/components-mw0000624439

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Reseña
por Steve Huey  
Quizás el álbum que mejor resume la personalidad musical de Bobby Hutcherson, Components está dividido en dos partes bien diferenciadas. La primera presenta cuatro temas originales de Hutcherson en un estilo hard bop melódico pero avanzado, mientras que la segunda mitad contiene cuatro piezas vanguardistas de estilo libre del batería Joe Chambers. Hutcherson se concede más espacio como solista que en Dialogue, pero eso no es un desprecio al excelente elenco de apoyo, que incluye a Herbie Hancock al piano, James Spaulding al saxo alto y la flauta, Freddie Hubbard a la trompeta y Ron Carter al bajo. Es simplemente más la cita de Hutcherson, y él ayuda a unir las dispares mitades con un control de tono frío que es evidente independientemente de si el material es muy fuera o más convencionalmente swing. En este último caso, los originales de Hutcherson son bastante diversos, abarcando hard bop rítmicamente complejo (el tema que da título al disco), baladas pensativas ("Tranquillity", que cuenta con un precioso solo de Hancock), swing sucio ("West 22nd Street Theme"), y el alegremente inocente "Little B's Poem", que se convirtió en uno de los temas emblemáticos de Hutcherson y contiene un lírico trabajo de flauta de Spaulding. Las piezas de Chambers tienden a ser exploraciones deliberadas que enfatizan la textura y la interacción de grupo a la manera de Dialogue, excepto que hay incluso más libertad en términos tanto de estructura como de centro tonal. (La excepción es el breve pero hermoso número final, "Pastoral", un título acertado donde los haya). Components demostró que Hutcherson no sólo era el intérprete de vibráfono más aventurero de la escena, sino que también era capaz de tocar música más sencilla con inteligencia y sentimiento.
https://www.allmusic.com/album/components-mw0000624439

Steve Nelson Quartet • Communications

Nacido en Pittsburg, Pennsylvannia, en 1954, el vibrafonista Steve Nelson está considerado como uno de los músicos más versátiles de su generación. Aprendió en sus años jóvenes a tocar el piano y el vibráfono, y al poco tiempo ya actuaba con artistas de la talla del guitarrista Grant Green.

Estudió en la Rutgers University, y durante los años ochenta trabajó con Kenny Barron, Bobby Watson, David Newman y otros músicos de New York. También efectuó giras junto a George Shearing.

En la actualidad es miembro destacado de los grupos de Dave Holland, del sexteto de Mulgrew Miller (“Wingspan”) y del trio de Lewis Nash.

Ha grabado, como líder, un puñado de excelentes CD’s, como Live At Acireale (Red Records), Full Nelson (Sunnyside) y Communications (Criss Cross). También ha grabado junto a Mulgrew Miller, Lewis Nash, Dave Holland, David “Fathead” Newman, Kenny Barron, Jackie McLean y Johnny Griffin.

Con un concepto “orquestal” de su instrumento, Steve Nelson es el continuador en nuestros días de la gran saga de vibrafonistas afroamericanos que se inicia con Lionel Hampton y continúa con Milt Jackson y Bobby Hutcherson. Con un estilo fuertemente enraizado en el blues y el gospel, un conocimiento enciclopédico de los standards, y una capacidad de integrarse sin la menor dificultad en conceptos musicales contemporáneos, Steve Nelson es uno de los músicos mas completos en el panorama del Jazz de nuestros días.

Fuente: http://inter-jazz.com/web/artists/steve-nelson/steve-nelson/

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Steve Nelson (born August 11, 1954 in Pittsburgh, Pennsylvania) is an American vibraphonist, and has been a member of Dave Holland's Quintet and Big Band for over a decade. He graduated from Rutgers University with both Master's and Bachelor's degrees in music, and his teaching activities have included a position at Princeton University. He has appeared at concerts and festivals worldwide and has made recordings as the leader of his own group. As a resident of the New York City area he has performed and recorded with many musicians, including Kenny Barron, Bobby Watson, Mulgrew Miller, David "Fathead" Newman, Johnny Griffin, and Jackie McLean.
 

 

inter-jazz.com/steve-nelson ...

 

Dave Pike • Manhattan Latin

Review by Jason Ankeny

Manhattan Latin captures Dave Pike in flux between the straight-ahead approach of his earlier sessions and the psychedelic pop-jazz of his efforts for MPS: a playful yet methodical immersion into pure, sunkissed groove, its artful assimilation of global rhythms and textures anticipates the direction of Pike's most memorable work. Recorded with an impressive lineup including flautist Hubert Laws, drummer Willie Bobo and then-unknown pianist Chick Corea, the album largely eschews familiar Latin standards in favor of Pike originals. What's impressive is that the end result seems completely organic, living up to the album's title in terms of both sophistication and flavor. Phenomenal cover, too.

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Revisión por Jason Ankeny

Manhattan Latin captura a Dave Pike en el flujo entre el enfoque directo de sus sesiones anteriores y el psicodélico pop-jazz de sus esfuerzos por MPS: una inmersión juguetona pero metódica en el ritmo puro y soleado, su ingeniosa asimilación de ritmos y texturas globales anticipa la Dirección del trabajo más memorable de Pike. Grabado con una impresionante alineación que incluye al flautista Hubert Laws, al baterista Willie Bobo y al entonces desconocido pianista Chick Corea, el álbum evita en gran medida los estándares latinos familiares en favor de los originales de Pike. Lo que es impresionante es que el resultado final parece completamente orgánico, a la altura del título del álbum en términos de sofisticación y sabor. Cobertura fenomenal, también.

Baja Marimba Band • Watch Out!

The Baja Marimba Band was a musical group led by marimba player Julius Wechter. Formed by producer Herb Alpert after his own Tijuana Brass, the Baja Marimba Band outlasted the Tijuana Brass by several years in part due to TV producer Chuck Barris, who included the group's music on his game shows in the 1970s.

During his youth, Julius Wechter took up several percussion instruments including the vibes and marimba. In 1956 his group the Julius Wechter Quartet released a jazz album entitled Linear Sketches.

In 1958, Julius joined Martin Denny's band where he played marimba (replacing Arthur Lyman) as well as numerous other percussion instruments. Four years later he was paid $15 as a session man on Herb Alpert's debut album, The Lonely Bull. Wechter soon composed "Spanish Flea" for Alpert, which became a hit for him. Alpert encouraged Wechter to form his own group, The Baja Marimba Band, to help cash in on the faux-Mexican popularity of Albert's own Tijuana Brass.

In 1962, the Baja Marimba Band was formed using session men to supplement Wechter. These musicians included, at one time or another, Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell, and Emil Richards.

The band hit the charts with its first single "Comin' in the Back Door" and recorded a dozen albums for A&M, as well as being Alpert's support act. The main lineup from 1965-1971 was Bernie Fleischer on reeds, Ervan "Bud" Coleman on guitar (replaced upon Coleman's death in 1967 by Charlie Chiarenza), Frank DeCaro on rhythm guitar, Dave Wells on trombone, Lee Katzman on trumpet, Curry Tjader on percussion, Mel Pollan on Fender bass, and Frank DeVito on drums. Most if not all of the band's musicians were seasoned jazz musicians who performed with such artists as Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker, and Dizzy Gillespie.

The group would appear on stage dressed in sombreros and old clothes, with fake mustaches, smoking cigars, and drinking beer, all of which was regarded as stereotypical Mexican behavior. The group appeared in goofy group photos on their album covers, stylishly created by Peter Whorf Graphics, and added a comedic allure. (Nearly all of the covers showed a man turned away from the 'camera' appearing to be urinating!)

Seen by many as a marketing gimmick, the group rode the wake created by Herb Alpert and the Tijuana Brass and Sérgio Mendes and Brasil '66 in the musically fertile mid-1960s. The albums were cross marketed successfully by A&M, with images of Baja Marimba Band albums appearing on the record sleeves of other A&M products. All three acts were the staple of A&M during this period. The content was considered "adult contemporary" or "easy listening" and consisted mainly of standards, originals and pop covers. Despite the humorous album covers, the music inside was a light and sophisticated mixture of bossa nova, jazz, and pop elements.

All three groups lost momentum by the end of the 1960s as the genre faded away. By the late 1960s, Alpert's Tijuana Brass had disbanded, but the Baja Marimba Band stayed together for one more album on A&M in 1971 called As Time Goes By. They had a brief reunion in 1973 with an album called The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. During the 1970s, Julius and his wife, Cissy, collaborated on film scores and musicals.

One last reunion took place in the 1980s which lasted a couple of years and produced an album called Naturally in 1982. It featured Julius Wechter on marimba and three band alumni, Bernie Fleischer on reeds, guitarist Charlie Chiarenza and trombonist Dave Wells. New to the band were: Carmen Fanzone on horns, Jules Greenberg on 2nd marimba/percussion, Harvey Newmark on bass, and Kim Stallings on guitar. Original drummer Frank DeVito toured with the group during this time, but retired and was replaced for the recording by drummer Ed Roscetti. Still later, Julius Wechter formed a new group in the early 1990s called The Baja Marimbas with marimbaist Jules Greenberg, and they released one album, called New Deal.

After Wechter's death from lung cancer in 1999, the Baja Marimba Band disbanded.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Baja Marimba Band among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band

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La Banda de Baja Marimba era un grupo musical liderado por el marimbista Julius Wechter. Formada por el productor Herb Alpert después de su propio Tijuana Brass, la Banda de Baja Marimba duró varios años más que Tijuana Brass, en parte debido al productor de televisión Chuck Barris, quien incluyó la música del grupo en sus programas de juegos en la década de 1970.

Durante su juventud, Julius Wechter se hizo cargo de varios instrumentos de percusión, incluyendo el vibráfono y la marimba. En 1956 su grupo, el Julius Wechter Quartet, publicó un álbum de jazz titulado Linear Sketches.

En 1958, Julius se unió a la banda de Martin Denny donde tocó marimba (reemplazando a Arthur Lyman) así como otros numerosos instrumentos de percusión. Cuatro años después le pagaron $15 como hombre de sesión en el álbum debut de Herb Alpert, The Lonely Bull. Wechter pronto compuso "Spanish Flea" para Alpert, que se convirtió en un éxito para él. Alpert animó a Wechter a formar su propio grupo, The Baja Marimba Band, para ayudar a sacar provecho de la falsa popularidad mexicana del propio Tijuana Brass de Albert.

En 1962, se formó la Banda de Baja Marimba usando hombres de sesión para complementar a Wechter. Estos músicos incluyeron, en un momento u otro, a Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell y Emil Richards.

La banda llegó a las listas de éxitos con su primer sencillo "Comin' in the Back Door" y grabó una docena de álbumes para A&M, además de ser el apoyo de Alpert. La alineación principal de 1965-1971 fue Bernie Fleischer en las cañas, Ervan "Bud" Coleman en la guitarra (reemplazado a la muerte de Coleman en 1967 por Charlie Chiarenza), Frank DeCaro en la guitarra rítmica, Dave Wells en el trombón, Lee Katzman en la trompeta, Curry Tjader en la percusión, Mel Pollan en el bajo Fender, y Frank DeVito en la batería. La mayoría de los músicos de la banda, si no todos, eran músicos de jazz experimentados que tocaron con artistas como Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

El grupo se presentaba en el escenario vestido con sombreros y ropa vieja, con bigotes falsos, fumando puros y bebiendo cerveza, todo lo cual era considerado como un comportamiento estereotipado de los mexicanos. El grupo apareció en fotos de grupo tontas en las portadas de sus álbumes, creadas con estilo por Peter Whorf Graphics, y agregó un encanto cómico. (Casi todas las portadas mostraban a un hombre alejado de la `cámara' que parecía estar orinando!)

Visto por muchos como un truco de mercadeo, el grupo recorrió la estela creada por Herb Alpert y el Tijuana Brass y Sérgio Mendes y Brasil '66 a mediados de la década de 1960. Los álbumes fueron comercializados exitosamente por A&M, con imágenes de los álbumes de la Banda de Baja Marimba apareciendo en las carátulas de otros productos de A&M. Los tres actos fueron la base de A&M durante este período. El contenido era considerado "adulto contemporáneo" o "easy listening" y consistía principalmente en estándares, originales y portadas pop. A pesar de las portadas humorísticas del álbum, la música del interior era una mezcla ligera y sofisticada de elementos de bossa nova, jazz y pop.

Los tres grupos perdieron ímpetu a finales de la década de 1960 cuando el género se desvaneció. A finales de la década de 1960, Tijuana Brass de Alpert se había disuelto, pero la Banda de Baja Marimba se mantuvo unida para un álbum más en A&M en 1971 llamado As Time Goes By. Tuvieron una breve reunión en 1973 con un álbum llamado The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. Durante la década de 1970, Julius y su esposa, Cissy, colaboraron en partituras de películas y musicales.

Una última reunión tuvo lugar en la década de 1980, que duró un par de años y produjo un álbum llamado Naturally en 1982. Contó con Julius Wechter en la marimba y tres ex-alumnos de la banda, Bernie Fleischer en las cañas, el guitarrista Charlie Chiarenza y el trombonista Dave Wells. Los nuevos en la banda eran: Carmen Fanzone en las trompas, Jules Greenberg en la 2ª marimba/percusión, Harvey Newmark en el bajo y Kim Stallings en la guitarra. El baterista original Frank DeVito estuvo de gira con el grupo durante este tiempo, pero se retiró y fue reemplazado para la grabación por el baterista Ed Roscetti. Aún más tarde, Julius Wechter formó un nuevo grupo a principios de los 90 llamado The Baja Marimbas con el marimbaista Jules Greenberg, y lanzaron un álbum, llamado New Deal.

Después de la muerte de Wechter por cáncer de pulmón en 1999, la Banda de Baja Marimba se disolvió.

El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a la Banda de Baja Marimba entre cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal 2008.

https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band

 

Johnny Lytle • The Soulful Rebel + People & Love

Editorial Reviews

Two lost smokers from the man Lionel Hampton called "The greatest vibes player in the world," Johnny Lytle both very different from anything else he ever recorded! 1971's The Soulful Rebel has a great blend of Hammond and Fender Rhodes along with the vibes soaring out in a massively funky sextet with bass from Ron Carter and congas from Ray Barretto both of whom take Johnny's earlier groove into a 70s jazz funk mode. 1972's People & Love is even more impressive and has Lytle's vibes working with impressionistic larger arrangements in a style that's like Bobby Hutcherson on mid-'70s Blue Note, or Milt Jackson on CTI. Notes by Scott Yanow explore the recordings and career of this unsung jazz giant.

 Artist Biography by Craig Lytle

Considered one of the top vibes players in the world, Johnny Lytle was known for his great hand speed and showmanship. He was also a songwriter and wrote many of his own hits, including "The Loop," "The Man," "Lela," "Selim," and the jazz classic "The Village Caller." Lytle recorded more than 30 albums for various jazz labels including Tuba, Jazzland, Solid State, and Muse. Throughout his career he performed and recorded with jazz greats the likes of Louis Armstrong, Lionel Hampton, Miles Davis, Nancy Wilson, Bobby Timmons, and Roy Ayers. The devoted father of three also featured his son, Marcel Lytle, on several of his recordings as a vocalist and drummer. Lytle was such an admirer of the music of the late great Miles Davis that he wrote "Selim" (Miles spelled backwards) in honor of Davis, which features Davis' former pianist Wynton Kelly. Lytle never recorded with any of the major record labels, and that could be why he never gained the status of a jazz icon like some of his peers. Lytle felt that he would lose control of his music and creative development; Lytle liked to play what came natural to him, and being with a major label might not have afforded him that opportunity.

Johnny Lytle grew up in a family of music, the son of a trumpeter father and an organist mother. He began playing the drums and piano at an early age. Before studying music in earnest, Lytle lent his hands to boxing, and was a successful Golden Gloves champion. During the late '50s, Lytle landed jobs as a drummer for Ray Charles and others, and he also continued to box. But by 1960, the energetic Lytle had laid down his gloves and, inspired by the great Lionel Hampton, picked up the mallets, turning his full attention toward the vibraphone. He started a jazz band and began recording for the famed jazz label Riverside Records under the direction of Grammy-winning producer Orrin Keepnews.

Lytle found success early in his career with chart-topping albums like A Groove, The Loop, and Moon Child. From his swinging uptempo tracks to his soul-satisfying ballads, Lytle knew how to keep a groove. And with a nickname like "Fast Hands," he could always keep the attention of an audience. In addition to his musicianship, his gregarious personality made him a popular attraction on the jazz circuit. Even though Lytle did not experience the same success he was privileged to during the '60s, he did continue to record and build a respectable catalog of music with recordings in the '70s,'80s, and '90s. Lytle remained a popular concert attraction in the U.S. and Europe; his last performance was with the Springfield (Ohio) Symphony Orchestra in his hometown in November 1995. At the time of his death in the following month, Lytle was scheduled to begin recording a new CD on the Muse label.

https://www.allmusic.com/artist/johnny-lytle-mn0000243164/biography

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Reseñas editoriales

Dos fumadores perdidos del hombre que Lionel Hampton llamó "El mejor jugador de vibráfono del mundo", Johnny Lytle, ambos muy diferentes de cualquier otra cosa que haya grabado. The Soulful Rebel de 1971 tiene una gran mezcla de Hammond y Fender Rhodes junto con las vibraciones que se elevan en un sexteto masivamente funky con bajo de Ron Carter y congas de Ray Barretto, ambos de los cuales llevan el ritmo anterior de Johnny a un modo de jazz funk de los años 70. People & Love de 1972 es aún más impresionante y tiene las vibraciones de Lytle trabajando con arreglos impresionistas más grandes en un estilo que es como Bobby Hutcherson a mediados de los 70's Blue Note, o Milt Jackson en CTI. Notas de Scott Yanow exploran las grabaciones y la carrera de este gigante del jazz no reconocido.

 Biografía del artista por Craig Lytle

Considerado uno de los mejores jugadores de vibráfono del mundo, Johnny Lytle era conocido por su gran velocidad de mano y su espectacularidad. También fue compositor y escribió muchos de sus propios éxitos, incluyendo "The Loop", "The Man", "Lela", "Selim" y el clásico de jazz "The Village Caller". Lytle grabó más de 30 álbumes para varios sellos de jazz, incluyendo Tuba, Jazzland, Solid State y Muse. A lo largo de su carrera tocó y grabó con grandes figuras del jazz como Louis Armstrong, Lionel Hampton, Miles Davis, Nancy Wilson, Bobby Timmons y Roy Ayers. El devoto padre de tres hijos también presentó a su hijo, Marcel Lytle, en varias de sus grabaciones como vocalista y baterista. Lytle era tan admirador de la música del gran Miles Davis que escribió "Selim" (Miles deletreado al revés) en honor de Davis, en el que aparece el ex pianista de Davis Wynton Kelly. Lytle nunca grabó con ninguno de los principales sellos discográficos, y es por eso que nunca se convirtió en un icono del jazz como algunos de sus colegas. Lytle sentía que perdería el control de su música y su desarrollo creativo; a Lytle le gustaba tocar lo que le resultaba natural, y estar con un sello importante no le habría dado esa oportunidad.

Johnny Lytle creció en una familia de músicos, hijo de un padre trompetista y de una madre organista. Comenzó a tocar la batería y el piano a una edad temprana. Antes de estudiar música en serio, Lytle prestó sus manos al boxeo, y fue un exitoso campeón de los Guantes de Oro. A finales de los años 50, Lytle consiguió trabajo como baterista para Ray Charles y otros, y también siguió boxeando. Pero en 1960, el enérgico Lytle se había dejado los guantes y, inspirado por el gran Lionel Hampton, recogió los mazos, volviendo toda su atención hacia el vibráfono. Comenzó una banda de jazz y comenzó a grabar para el famoso sello de jazz Riverside Records bajo la dirección del productor ganador del Grammy Orrin Keepnews.

Lytle encontró el éxito al principio de su carrera con álbumes de éxito como A Groove, The Loop y Moon Child. Desde sus pistas de swinging uptempo hasta sus baladas que satisfacen el alma, Lytle sabía cómo mantener el ritmo. Y con un apodo como "Fast Hands", siempre podía mantener la atención del público. Además de su musicalidad, su personalidad gregaria lo convirtió en una atracción popular en el circuito de jazz. Aunque Lytle no tuvo el mismo éxito del que tuvo el privilegio durante los años 60, continuó grabando y construyendo un catálogo respetable de música con grabaciones en los años 70, 80 y 90. Lytle siguió siendo una atracción popular de conciertos en los Estados Unidos y Europa; su última actuación fue con la Orquesta Sinfónica de Springfield (Ohio) en su ciudad natal en noviembre de 1995. En el momento de su muerte, al mes siguiente, Lytle tenía previsto comenzar a grabar un nuevo CD en el sello Muse.

https://www.allmusic.com/artist/johnny-lytle-mn0000243164/biography

Johnny Lytle-Albert Dailey-Chester Thompson • I Giganti Del Jazz

Jay Hoggard • Rain Forest

Jay Hoggard (b. September 24, 1954, Washington, D.C.) is an American jazz vibraphonist.

Jay Hoggard was raised in a religious family. He was born in Washington, D.C. but grew up in Mount Vernon, New York. His mother taught him how to play piano at a young age. At age 15, Jay started to play the vibraphone.

Hoggard first played piano and saxophone before picking up vibraphone. He played with Anthony Davis and Leo Smith in the early 1970s in New England, and after moving to New York City in 1988, he worked again with Davis and with Chico Freeman, Sam Rivers, Cecil Taylor, James Newton, and Kenny Burrell. Since then Jay has performed with famous vibraphonists Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente and Bobby Hutcherson. He has collaborated with Kenny Burrell, Billy Taylor, James Newton, Hilton Ruiz and Oliver Lake.

Hoggard has played in venues in Africa, South America, Europe, Asia and the Caribbean. In the United States he has performed at the Kennedy Center in Washington D.C., the Lincoln Center in New York City, and the Schomburg Center for Research in Black Culture also in New York City. Jay has performed at numerous jazz festivals including St. Lucia, Montreux, Mount Fuji, Pori and Hartford, CT. He has appeared on television on CBS Sunday Morning and BET Jazz.

Hoggard has recorded many dates as a leader, including several that have been commercially successful in the U.S. He graduated from and is currently Adjunct Professor at Wesleyan University.

Review by Scott Yanow

Jay Hoggard's lone date for Contemporary (reissued as an OJC CD) was one of the vibraphonist's finest early sets. The music (all six songs are Hoggard originals) falls into the area of advanced hard bop. Chief among the sidemen are Chico Freeman (heard on tenor, soprano and bass clarinet), keyboardist Kenny Kirkland, and colorful percussionist Paulinho Da Costa; two songs utilize three vocalists, and there is a strong African feel to some of the ensembles.

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Traducción Automática:

 Jay Hoggard (nacido el 24 de septiembre de 1954 en Washington, DC) es un vibrafonista de jazz estadounidense.

Jay Hoggard se crió en una familia religiosa. Nació en Washington, DC, pero creció en Mount Vernon, Nueva York. Su madre le enseñó a tocar el piano a una edad temprana. A los 15 años, Jay comenzó a tocar el vibráfono.

Hoggard tocó por primera vez el piano y el saxofón antes de recoger vibráfono. Jugó con Anthony Davis y Leo Smith a principios de la década de 1970 en Nueva Inglaterra, y después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1988, trabajó de nuevo con Davis y con Chico Freeman, Sam Rivers, Cecil Taylor, James Newton y Kenny Burrell. Desde entonces, Jay ha actuado con los famosos vibrafonistas Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente y Bobby Hutcherson. Ha colaborado con Kenny Burrell, Billy Taylor, James Newton, Hilton Ruiz y Oliver Lake.

Hoggard ha jugado en lugares de África, América del Sur, Europa, Asia y el Caribe. En los Estados Unidos se ha presentado en el Kennedy Center en Washington DC, el Lincoln Center en la ciudad de Nueva York y el Schomburg Center for Research in Black Culture también en la ciudad de Nueva York. Jay se ha presentado en numerosos festivales de jazz como Santa Lucía, Montreux, Monte Fuji, Pori y Hartford, CT. Ha aparecido en televisión en CBS Sunday Morning y BET Jazz.

Hoggard ha grabado muchas fechas como líder, incluidas varias que han tenido éxito comercial en los EE. UU. Se graduó y actualmente es profesor adjunto en la Universidad de Wesleyan.

 

Reseña por Scott Yanow

La única cita de Jay Hoggard para Contemporary (reeditado como un CD de OJC) fue uno de los mejores sets tempranos del vibrafonista. La música (las seis canciones son originales de Hoggard) cae en el área de hard bop avanzado. El jefe de los sidemen son Chico Freeman (escuchado en el tenor, el soprano y el clarinete bajo), el teclista Kenny Kirkland y el percusionista colorido Paulinho Da Costa; dos canciones utilizan tres vocalistas, y hay un fuerte sentimiento africano en algunos de los conjuntos.

jayhoggard.com ...

Chick Corea & Gary Burton • Native Senseː The New Duets

 

chickcorea.com ...
gary-burton ...        

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

 

David Friedman & Rob Waring • Wayfarers

 

Notes by John Surman

It would be easy to describe this collection as a couple of great musicians having fun. Up to a point that would be true, but there’s a danger that such a description might obscure all the thought and development that has gone into the making of the music on this album.

A few years ago David released a production entitled “Weaving Through Motion”. I can’t really think of a better description of the musical interchange that happens between Rob and David. At first I started to try and figure out who was playing what on each track. However I rapidly gave up, realising that it didn’t matter at all! What was happening here was not about individual virtuosity, but rather about collective music making.

“Diversity” is a word that springs to mind after listening to the tracks a few times. I guess that’s not really surprising. Of course David and Rob are both accomplished jazz musicians, but they share a background as orchestral percussionists at the highest level, with a wide range of experience in various forms of contemporary music.

With all that experience and technical know-how there’s always the danger that the music comes out sounding dry and academic. But that’s where the bit about great musicians having fun comes in.

Hear the joy and join in the fun!
https://www.malletmuserecords.com/shop/wayfarers-david-friedman-rob-waring/

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Notas de John Surman

Sería fácil describir esta colección como una pareja de grandes músicos divirtiéndose. Hasta cierto punto eso sería cierto, pero existe el peligro de que tal descripción oculte todo el pensamiento y el desarrollo que se ha involucrado en la creación de la música de este álbum.

Hace unos años David estrenó una producción titulada "Tejiendo a través del movimiento". Realmente no puedo pensar en una mejor descripción del intercambio musical que ocurre entre Rob y David. Al principio comencé a tratar de averiguar quién tocaba qué en cada pista. Sin embargo, rápidamente me di por vencido, ¡dándome cuenta de que no importaba en absoluto! Lo que estaba sucediendo aquí no tenía que ver con el virtuosismo individual, sino con la creación colectiva de música.

"Diversidad" es una palabra que me viene a la mente después de escuchar las pistas varias veces. Supongo que eso no es realmente sorprendente. Por supuesto, David y Rob son músicos de jazz consumados, pero comparten antecedentes como percusionistas orquestales al más alto nivel, con una amplia experiencia en diversas formas de música contemporánea.

Con toda esa experiencia y conocimientos técnicos, siempre existe el peligro de que la música suene seca y académica. Pero ahí es donde entra en juego lo de que los grandes músicos se diviertan.

¡Escucha la alegría y únete a la diversión!
https://www.malletmuserecords.com/shop/wayfarers-david-friedman-rob-waring/

Living Marimbas • Macarthur Park And Other Favorites

 

Leo Addeo:   
American artist, born in N.Y.C., New York on October 14, 1914 and deceased in Long Island, New York in May of 1979.
During the 1950s and 1960s he was one of RCA's inhouse arrangers, with a specialisation in Hawaiian music.
https://www.discogs.com/artist/603516-Leo-Addeo

Bobby Hutcherson • Dialogue

 

Review
by Steve Huey  
Coming fresh on the heels of his groundbreaking work with Eric Dolphy, Bobby Hutcherson's debut album is a masterpiece of "new thing" avant-garde jazz, not really free but way beyond standard hard bop. Dialogue boasts an all-star lineup of hot young post-boppers -- trumpeter Freddie Hubbard, woodwind player Sam Rivers, pianist Andrew Hill, bassist Richard Davis, and drummer Joe Chambers -- and a set of imaginative compositions by either Hill or Chambers that frequently push the ensemble into uncharted territory. The result is an album bursting at the seams with ideas that still sound remarkably fresh, not to mention a strong sense of collectivity. Hutcherson has so many fine players on hand that the focus is naturally on group interaction rather than any particular soloist(s), setting up nice contrasts like the fiery sax work of Rivers versus the cooler tones of Hutcherson and Hill. Hill's pieces stand tradition on its head, twisting recognizable foundations like the blues ("Ghetto Lights"), Latin jazz ("Catta"), and marching bands ("Les Noirs Marchant," which sounds like a parade of mutant soldiers) into cerebral, angular shapes. Chambers, meanwhile, contributes the most loosely structured pieces in his delicate, softly mysterious ballad "Idle While" and the nearly free group conversations of the ten-minute title track, where Hutcherson also plays the more African-sounding marimba. What's impressive is how focused Hutcherson keeps the group through those widely varied sounds; no one is shortchanged, yet the solos are tight, with no wasted space or spotlight-hogging. Dialogue remains Hutcherson's most adventurous, "outside" album, and while there are more extensive showcases for his playing, this high-caliber session stands as arguably his greatest musical achievement.
https://www.allmusic.com/album/dialogue-mw0000217052

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Reseña
por Steve Huey  
Recién salido de su revolucionario trabajo con Eric Dolphy, el álbum de debut de Bobby Hutcherson es una obra maestra del jazz vanguardista de "lo nuevo", no realmente libre pero mucho más allá del hard bop estándar. Dialogue cuenta con un elenco de jóvenes músicos de post-bop -el trompetista Freddie Hubbard, el instrumentista de viento Sam Rivers, el pianista Andrew Hill, el bajista Richard Davis y el batería Joe Chambers- y un conjunto de imaginativas composiciones de Hill o Chambers que a menudo empujan al conjunto hacia territorios inexplorados. El resultado es un álbum rebosante de ideas que siguen sonando extraordinariamente frescas, por no mencionar un fuerte sentido de colectividad. Hutcherson cuenta con tantos músicos de calidad que la atención se centra más en la interacción del grupo que en un solista o solistas en particular, lo que crea bonitos contrastes, como el ardiente trabajo de saxo de Rivers frente a los tonos más fríos de Hutcherson y Hill. Las piezas de Hill ponen patas arriba la tradición, retorciendo bases reconocibles como el blues ("Ghetto Lights"), el jazz latino ("Catta") y las bandas de música ("Les Noirs Marchant", que suena como un desfile de soldados mutantes) en formas cerebrales y angulares. Chambers, por su parte, aporta las piezas más libremente estructuradas en su delicada y suavemente misteriosa balada "Idle While" y las conversaciones en grupo casi libres del tema que da título al disco, de diez minutos de duración, en el que Hutcherson también toca la marimba, que suena más africana. Lo que impresiona es lo centrado que Hutcherson mantiene al grupo a través de esos sonidos tan variados; nadie se queda corto, pero los solos son ajustados, sin espacios desperdiciados ni robos de protagonismo. Dialogue sigue siendo el álbum más aventurero y "externo" de Hutcherson, y aunque hay más muestras de su forma de tocar, esta sesión de alto calibre es posiblemente su mayor logro musical.
https://www.allmusic.com/album/dialogue-mw0000217052

Reiko Yamamoto Tempus Fugit • Wilton's Mood

 

 

Japanese jazz vibist, marimba player and percussionist. Born in Saitama prefecture.


reikoyamamoto ...

Wolfgang Lackerschmid • Jazz Tribute To Franz Grothe

 

Biography
Wolfgang Lackerschmid, born in Tegernsee in 1956, has been equally successful as a vibraphone virtuoso and as a composer since the 1970s. He has played live and on more than 100 recordings with jazz legends such as Chet Baker, Attila Zoller, Lee Konitz, Albert Mangelsdorff, Larry Coryell, Buster Williams, Paquito D'Rivera, Jacques Loussier and, since 1978, in several "Vibraphone Summits" with Milt Jackson, Bobby Hutcherson, Dave Samuels, Mike Mainieri and others. As a music director and producer, he is one of the creative co-creators of the international music scene, and has repeatedly brought innovative projects to fruition.

His compositions combine the classical ductus of percussion and composition studies with the experiences of a musician whose work is geographically spread over America, Asia and many parts of Europe and is musically influenced by his ethnic and cultural differences. Although he chooses the path of improvisation and Moderna jazz for himself as a musician and writes compositions that invite his colleagues to improvise, he knows the appeal of conventional composition: orchestral works, chamber music, choirs, percussion ensembles, string quartets, stage music, ballet music, musicals, poetic settings, radio plays and children's productions testify, one after another, to the high creative power and compositional quality of Wolfgang Lackerschmid. Wolfgang Lackerschmid's jazz compositions have become part of the repertoire of numerous renowned colleagues around the world.

He has composed music for Faust 1 and 2 for theaters such as Augsburg, Ingolstadt, Osnabrück, Kaiserslautern, Koblenz, Sommerspiele Mayen, Augsburger Puppenkiste, Waldbühne Sigmaringendorf, Münchener Kammerspiele, Peer Gynt, Pancomedia, Andorra, Ghetto (musical), Snow White (ballet), Die Spitzeder, Draussen vor der Tür , Das Jahrmarktsfest zu Plundersweilern, Das kleine Känguru (de Paul Maar), Paula und die Kistenkobolde,
Pinocchio, (musical), The Wizard of Oos (musical), A Midsummer Night's Dream, Arturo Ui, Kabale und Liebe and many more.
In addition to jazz songs and children's songs, he has also created numerous art songs, including new songs with texts by Bertolt Brecht (authorized by his heirs), poems by the painter Markus Lüpertz and settings of the "Bäsle Briefe", from which a libretto about W. A. Mozart was created. As an arranger, for example, he has been responsible from the very beginning for all the jazz interpretations of songs from films by European composers produced at the "Night of Film Music". (Since 2004, organized by BR 4 Klassik and the German Association of Composers).
In 1990 he received the Bavarian Prize for the Promotion of Art.

As curator of the Augsburg Peace Festival, for example, he created the formation "Common Language, Common Sense", in which jazz musicians of different religions always elaborate a new concert program, record it and perform it as the main outdoor act. At the "Concerts at the Fronhof" he has conducted the cycle "Jazz meets Classical" for 12 years and has designed the program of numerous concert cycles and jazz festivals since 1976.
http://www.lackerschmid.de/index.php/bio

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Biografía
Wolfgang Lackerschmid, nacido en Tegernsee en 1956, ha tenido el mismo éxito como virtuoso del vibráfono y como compositor desde la década de 1970. Ha tocado en directo y en más de 100 grabaciones con leyendas del jazz como Chet Baker, Attila Zoller, Lee Konitz, Albert Mangelsdorff, Larry Coryell, Buster Williams, Paquito D'Rivera, Jacques Loussier y, desde 1978, en varias "Cumbres del vibráfono" con Milt Jackson, Bobby Hutcherson, Dave Samuels, Mike Mainieri y otros. Como director musical y productor, es uno de los cocreadores creativos de la escena musical internacional, y ha llevado a buen puerto en repetidas ocasiones proyectos innovadores.

Sus composiciones combinan el ductus clásico de los estudios de percusión y composición con las experiencias de un músico cuyo trabajo se extiende geográficamente por América, Asia y muchas partes de Europa y está musicalmente influenciado por sus diferencias étnicas y culturales. Aunque elige el camino de la improvisación y el jazz moderno para sí mismo como músico y escribe composiciones que invitan a sus colegas a improvisar, conoce el atractivo de la composición convencional: obras orquestales, música de cámara, coros, conjuntos de percusión, cuartetos de cuerda, música escénica, música de ballet, musicales, ambientaciones poéticas, obras radiofónicas y producciones infantiles dan testimonio, una tras otra, del alto poder creativo y la calidad compositiva de Wolfgang Lackerschmid. Las composiciones de jazz de Wolfgang Lackerschmid han pasado a formar parte del repertorio de numerosos colegas de renombre en todo el mundo.

Ha compuesto música para Fausto 1 y 2 para teatros como Augsburgo, Ingolstadt, Osnabrück, Kaiserslautern, Coblenza, Sommerspiele Mayen,Augsburger Puppenkiste, Waldbühne Sigmaringendorf, Münchener Kammerspiele, Peer Gynt, Pancomedia, Andorra, Ghetto (musical), Blancanieves (ballet), Die Spitzeder, Draussen vor der Tür, Das Jahrmarktsfest zu Plundersweilern, Das kleine Känguru (de Paul Maar), Paula und die Kistenkobolde,
Pinocho, (musical), El mago de Oos (musical), El sueño de una noche de verano, Arturo Ui, Kabale und Liebe y muchos más.
Además de canciones de jazz y canciones infantiles, también ha creado numerosas canciones artísticas, entre ellas nuevas canciones con textos de Bertolt Brecht (autorizadas por sus herederos), poemas del pintor Markus Lüpertz y ajustes de las "Bäsle Briefe", a partir de las cuales se creó un libreto sobre W. A. Mozart. Como arreglista, por ejemplo, ha sido responsable desde el principio de todas las interpretaciones de jazz de canciones de películas de compositores europeos producidas en la "Noche de la Música de Cine". (Desde 2004, organizado por BR 4 Klassik y la Asociación Alemana de Compositores).
En 1990 recibió el Premio Bávaro de Fomento del Arte.

Como comisario del Festival de la Paz de Augsburgo, por ejemplo, creó la formación "Common Language, Common Sense", en la que músicos de jazz de distintas religiones elaboran siempre un nuevo programa de conciertos, lo graban y lo interpretan como acto principal al aire libre. En los "Conciertos en el Fronhof" ha dirigido el ciclo "El jazz se encuentra con lo clásico" durante 12 años y ha diseñado el programa de numerosos ciclos de conciertos y festivales de jazz desde 1976.
http://www.lackerschmid.de/index.php/bio

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Wolfgang Lackerschmid • Wolfgang Lackerschmid Quartet

Biography

Wolfgang Lackerschmid, 1956 in Tegernsee geboren, ist seit den siebziger Jahren gleichermaßen als Vibraphon-Virtuose und Komponist erfolgreich. Er spielte live und auf über 100 Tonträgern unter anderem mit Jazzlegenden wie Chet Baker, Attila Zoller, Lee Konitz, Albert Mangelsdorff, Larry Coryell, Buster Williams, Paquito D´Rivera, Jacques Loussier oder seit 1978 auch bei verschiedenen "Vibraphon Summits" u.a. mit Milt Jackson, Bobby Hutcherson, Dave Samuels, Mike Mainieri. Als musikalischer Leiter und Produzent bringt er, als einer der kreativen Mitgestalter der internationalen Musikszene, immer wieder innovative Projekte zur erfolgreichen Umsetzung.

Seine Kompositionen verbinden den klassischen Duktus des Schlagwerk- und Kompositionsstudiums mit den Erfahrungen eines Musikers, dessen Schaffen sich geographisch über Amerika, Asien und viele Teile Europas erstreckt und musikalisch durch deren ethnische und kulturelle Unterschiede geprägt ist. Wählt er für sich als Musiker den Weg der Improvisation und des modernen Jazz und schreibt seinen Kollegen zur Improvisation einladende Kompositionen auf den Leib, weiß er um den Reiz der konventionellen Komposition: Orchesterwerke, Kammermusik, Chor, Percussion-Ensemble, Streichquartett, Bühnenmusik, Ballettmusik, Musicals, Gedichtvertonungen, Hörspiele und Kinderproduktionen zeugen eins um das andere von Wolfgang Lackerschmids hoher Schaffenskraft und kompositorischer Qualität. Wolfgang Lackerschmids Jazzkompositionen sind weltweit zum Bestandteil des Repertoires zahlreicher namhafter Kollegen geworden.

Er komponierte für Theater wie Augsburg, Ingolstadt, Osnabrück, Kaiserslautern, Koblenz, Sommerspiele Mayen,Augsburger Puppenkiste, Waldbühne Sigmaringendorf, Münchener Kammerspiele die Musik zu Faust 1 und 2, Peer Gynt, Pancomedia, Andorra, Ghetto (Musical), Schneewittchen (Ballett), Die Spitzeder, Draussen vor der Tür, Das Jahrmarktsfest zu Plundersweilern, Das kleine Känguru (von Paul Maar), Paula und die Kistenkobolde,
Pinocchio, (Musical), Der Zauberer von Oos (Musical), Ein Sommernachtstraum, Arturo Ui, Kabale und Liebe u.v.a.
Neben Jazzsongs und Kinderliedern schuf er auch zahlreiche Kunstlieder, u.a. neue Lieder mit Texten von Bertolt Brecht (von den Erben autorisiert), Gedichte des Malers Markus Lüpertz, Vertonung der "Bäsle Briefe", aus denen dann ein Musiclett über W. A. Mozart entstand. Als Arrangeur zeichnet er zum Beispiel von Anfang an für sämtliche bei der "Nacht der Filmmusik" produzierten Jazzinterpretationen von Filmsongs europäischer Komponisten verantwortlich. (Seit 2004 veranstaltet von BR 4 Klassik und dem Deutschen Komponisten Verband.)
1990 erhielt er den bayerischen Kunstförderpreis.

Als Kurator des Augsburger Friedensfests rief er zum Beispiel die Formation "Common Language, Common Sense" ins Leben, bei der, immer neu zusammengestellt, Jazzmusiker unterschiedlicher Religionen jeweils ein neues Konzertprogramm erarbeiten, aufnehmen und als Hauptveranstaltung open air aufführen. Bei den "Konzerten im Fronhof" leitet er seit 12 Jahren die Reihe "Jazz meets classic" und gestaltete seit 1976 das Programm für zahlreiche Konzertreihen und Jazzfestivals.
http://www.lackerschmid.de/index.php/bio

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Biografía

Wolfgang Lackerschmid, nacido en Tegernsee en 1956, ha tenido el mismo éxito como virtuoso del vibráfono y como compositor desde la década de 1970. Ha tocado en directo y en más de 100 grabaciones con leyendas del jazz como Chet Baker, Attila Zoller, Lee Konitz, Albert Mangelsdorff, Larry Coryell, Buster Williams, Paquito D'Rivera, Jacques Loussier y, desde 1978, en varias "Cumbres del vibráfono" con Milt Jackson, Bobby Hutcherson, Dave Samuels, Mike Mainieri y otros. Como director musical y productor, es uno de los cocreadores creativos de la escena musical internacional, y ha llevado a buen puerto en repetidas ocasiones proyectos innovadores.

Sus composiciones combinan el ductus clásico de los estudios de percusión y composición con las experiencias de un músico cuyo trabajo se extiende geográficamente por América, Asia y muchas partes de Europa y está musicalmente influenciado por sus diferencias étnicas y culturales. Aunque elige el camino de la improvisación y el jazz moderno para sí mismo como músico y escribe composiciones que invitan a sus colegas a improvisar, conoce el atractivo de la composición convencional: obras orquestales, música de cámara, coros, conjuntos de percusión, cuartetos de cuerda, música escénica, música de ballet, musicales, ambientaciones poéticas, obras radiofónicas y producciones infantiles dan testimonio, una tras otra, del alto poder creativo y la calidad compositiva de Wolfgang Lackerschmid. Las composiciones de jazz de Wolfgang Lackerschmid han pasado a formar parte del repertorio de numerosos colegas de renombre en todo el mundo.

Ha compuesto música para Fausto 1 y 2 para teatros como Augsburgo, Ingolstadt, Osnabrück, Kaiserslautern, Coblenza, Sommerspiele Mayen,Augsburger Puppenkiste, Waldbühne Sigmaringendorf, Münchener Kammerspiele, Peer Gynt, Pancomedia, Andorra, Ghetto (musical), Blancanieves (ballet), Die Spitzeder, Draussen vor der Tür, Das Jahrmarktsfest zu Plundersweilern, Das kleine Känguru (de Paul Maar), Paula und die Kistenkobolde,
Pinocho, (musical), El mago de Oos (musical), El sueño de una noche de verano, Arturo Ui, Kabale und Liebe y muchos más.
Además de canciones de jazz y canciones infantiles, también ha creado numerosas canciones artísticas, entre ellas nuevas canciones con textos de Bertolt Brecht (autorizadas por sus herederos), poemas del pintor Markus Lüpertz y ajustes de las "Bäsle Briefe", a partir de las cuales se creó un libreto sobre W. A. Mozart. Como arreglista, por ejemplo, ha sido responsable desde el principio de todas las interpretaciones de jazz de canciones de películas de compositores europeos producidas en la "Noche de la Música de Cine". (Desde 2004, organizado por BR 4 Klassik y la Asociación Alemana de Compositores).
En 1990 recibió el Premio Bávaro de Fomento del Arte.

Como comisario del Festival de la Paz de Augsburgo, por ejemplo, creó la formación "Common Language, Common Sense", en la que músicos de jazz de distintas religiones elaboran siempre un nuevo programa de conciertos, lo graban y lo interpretan como acto principal al aire libre. En los "Conciertos en el Fronhof" ha dirigido el ciclo "El jazz se encuentra con lo clásico" durante 12 años y ha diseñado el programa de numerosos ciclos de conciertos y festivales de jazz desde 1976.
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Johnny Lytle • New And Groovy

New and Groovy is the eighth album led by American jazz vibraphonist Johnny Lytle which was recorded in 1966 for the Tuba label.

Review by Craig Lytle

Featuring selections like "Come and Get It," "Too Close for Comfort" and the hard boppin' "Selim," New and Groovy was appropriately titled. The soul of Lytle's vibes came with an ambience that's reflected in each one of these compositions, most of them written by the Ohioan. The vibesman's masterful articulation surfaces on the number he wrote in tribute to Miles Davis, "Selim" (Miles spelled backwards). Wynton Kelly, Davis' pianist during the trumpeter's bebop days, jams his way through the first several verses with his prudent key strokes before yielding to Lytle's swinging entrance. The song retains that zestful intensity throughout. With a fast-paced, gospel-seasoned rhythm backed by a hammering tambourine, Lytle masquerades his way through "The Pulpit" as his vibes personify a preacher delivering an uplifting sermon. Songs like "Screamin' Loud" earned Lytle the nickname "fast hands." In the vamp of the song, he wails away on two bars of the vibraphone. He admirably increases his hand speed to a rate where the sound is identical to that of a telephone ringing. Before settling into a jazzy, flowing groove, "Too Close for Comfort" begins with an intermittent intro and percussive backbeat; Lytle enunciates each note with fervor. This album remains one of the top jazz albums in Europe.

https://www.allmusic.com/album/new-and-groovy-mw0000927797

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New and Groovy es el octavo álbum dirigido por el vibrafonista de jazz americano Johnny Lytle que fue grabado en 1966 para el sello Tuba.

Reseña de Craig Lytle 

Con selecciones como "Come and Get It", "Too Close for Comfort" y "Selim", New and Groovy fue titulado apropiadamente. El alma de las vibraciones de Lytle vino con un ambiente que se refleja en cada una de estas composiciones, la mayoría de ellas escritas por los Ohioanos. La magistral articulación del vibráfono aparece en el número que escribió en homenaje a Miles Davis, "Selim" (Miles deletreado al revés). Wynton Kelly, el pianista de Davis durante los días del bebop del trompetista, se abre paso a través de los primeros versos con sus prudentes pulsaciones de teclas antes de ceder ante la entrada oscilante de Lytle. La canción conserva esa intensidad tan intensa en todo momento. Con un ritmo de ritmo rápido y de sabor evangélico, respaldado por una pandereta martilleante, Lytle se hace pasar por "El Púlpito" mientras sus vibraciones personifican a un predicador que da un sermón edificante. Canciones como "Screamin' Loud" le valieron a Lytle el apodo de "manos rápidas". En el vampiro de la canción, llora sobre dos barras del vibráfono. Incrementa admirablemente la velocidad de su mano a una velocidad en la que el sonido es idéntico al de un timbre telefónico. Antes de instalarse en un ritmo jazzístico y fluido, "Too Close for Comfort" comienza con una introducción intermitente y un ritmo de percusión; Lytle enuncia cada nota con fervor. Este álbum sigue siendo uno de los mejores álbumes de jazz de Europa.

https://www.allmusic.com/album/new-and-groovy-mw0000927797

Johnny Lytle • The Village Caller!

Review by Scott Yanow

A touch lightweight at times but fun anyway, this set (reissued on CD in 1998) mostly puts the spotlight on vibraphonist Johnny Lytle. His backup group (organist Milt Harris, bassist Bob Cranshaw, drummer William "Peppy" Hinnant and percussionist Willie Rodriguez) is primarily in a very supportive role with Harris' often-bombastic solos looking more toward Wild Bill Davis and early '50s organ stylists than to Jimmy Smith. "The Village Caller" was a minor hit at the time and like most of the songs on this date (four Lytle originals and four rearranged standards) it is a bit catchy. Most of the selections on this date are treated rhythmically, either R&B-ish or with a Latin feel. The results will not reward close listening, but Lytle plays well and this CD will be considered quite satisfying at parties.

https://www.allmusic.com/album/the-village-caller%21-mw0000045488

 Artist Biography by Craig Lytle

Considered one of the top vibes players in the world, Johnny Lytle was known for his great hand speed and showmanship. He was also a songwriter and wrote many of his own hits, including "The Loop," "The Man," "Lela," "Selim," and the jazz classic "The Village Caller." Lytle recorded more than 30 albums for various jazz labels including Tuba, Jazzland, Solid State, and Muse. Throughout his career he performed and recorded with jazz greats the likes of Louis Armstrong, Lionel Hampton, Miles Davis, Nancy Wilson, Bobby Timmons, and Roy Ayers. The devoted father of three also featured his son, Marcel Lytle, on several of his recordings as a vocalist and drummer. Lytle was such an admirer of the music of the late great Miles Davis that he wrote "Selim" (Miles spelled backwards) in honor of Davis, which features Davis' former pianist Wynton Kelly. Lytle never recorded with any of the major record labels, and that could be why he never gained the status of a jazz icon like some of his peers. Lytle felt that he would lose control of his music and creative development; Lytle liked to play what came natural to him, and being with a major label might not have afforded him that opportunity.

Johnny Lytle grew up in a family of music, the son of a trumpeter father and an organist mother. He began playing the drums and piano at an early age. Before studying music in earnest, Lytle lent his hands to boxing, and was a successful Golden Gloves champion. During the late '50s, Lytle landed jobs as a drummer for Ray Charles and others, and he also continued to box. But by 1960, the energetic Lytle had laid down his gloves and, inspired by the great Lionel Hampton, picked up the mallets, turning his full attention toward the vibraphone. He started a jazz band and began recording for the famed jazz label Riverside Records under the direction of Grammy-winning producer Orrin Keepnews.

The Loop

Lytle found success early in his career with chart-topping albums like A Groove, The Loop, and Moon Child. From his swinging uptempo tracks to his soul-satisfying ballads, Lytle knew how to keep a groove. And with a nickname like "Fast Hands," he could always keep the attention of an audience. In addition to his musicianship, his gregarious personality made him a popular attraction on the jazz circuit. Even though Lytle did not experience the same success he was privileged to during the '60s, he did continue to record and build a respectable catalog of music with recordings in the '70s,'80s, and '90s. Lytle remained a popular concert attraction in the U.S. and Europe; his last performance was with the Springfield (Ohio) Symphony Orchestra in his hometown in November 1995. At the time of his death in the following month, Lytle was scheduled to begin recording a new CD on the Muse label.

https://www.allmusic.com/artist/johnny-lytle-mn0000243164/biography

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Reseña de Scott Yanow
Un toque ligero a veces pero divertido de todos modos, este set (reeditado en CD en 1998) principalmente pone el foco en el vibrafonista Johnny Lytle. Su grupo de apoyo (el organista Milt Harris, el bajista Bob Cranshaw, el baterista William "Peppy" Hinnant y el percusionista Willie Rodriguez) está principalmente en un papel de apoyo con los solos de Harris, a menudo bombásticos, que miran más hacia Wild Bill Davis y los estilistas de órganos de principios de los 50 que hacia Jimmy Smith. "The Village Caller" fue un éxito menor en ese momento y como la mayoría de las canciones de esta fecha (cuatro originales de Lytle y cuatro estándares reordenados) es un poco pegajoso. La mayoría de las selecciones en esta fecha son tratadas rítmicamente, ya sea al estilo R&B o al estilo latino. Los resultados no recompensarán la escucha atenta, pero Lytle toca bien y este CD será considerado muy satisfactorio en las fiestas.
https://www.allmusic.com/album/the-village-caller%21-mw0000045488


 Biografía del artista por Craig Lytle
Considerado uno de los mejores jugadores de vibráfono del mundo, Johnny Lytle era conocido por su gran velocidad de mano y su espectacularidad. También fue compositor y escribió muchos de sus propios éxitos, incluyendo "The Loop", "The Man", "Lela", "Selim" y el clásico de jazz "The Village Caller". Lytle grabó más de 30 álbumes para varios sellos de jazz, incluyendo Tuba, Jazzland, Solid State y Muse. A lo largo de su carrera tocó y grabó con grandes figuras del jazz como Louis Armstrong, Lionel Hampton, Miles Davis, Nancy Wilson, Bobby Timmons y Roy Ayers. El devoto padre de tres hijos también presentó a su hijo, Marcel Lytle, en varias de sus grabaciones como vocalista y baterista. Lytle era tan admirador de la música del gran Miles Davis que escribió "Selim" (Miles deletreado al revés) en honor de Davis, en el que aparece el ex pianista de Davis Wynton Kelly. Lytle nunca grabó con ninguno de los principales sellos discográficos, y es por eso que nunca se convirtió en un icono del jazz como algunos de sus colegas. Lytle sentía que perdería el control de su música y su desarrollo creativo; a Lytle le gustaba tocar lo que le resultaba natural, y estar con un sello importante no le habría dado esa oportunidad.

Johnny Lytle creció en una familia de músicos, hijo de un padre trompetista y de una madre organista. Comenzó a tocar la batería y el piano a una edad temprana. Antes de estudiar música en serio, Lytle prestó sus manos al boxeo, y fue un exitoso campeón de los Guantes de Oro. A finales de los años 50, Lytle consiguió trabajo como baterista para Ray Charles y otros, y también siguió boxeando. Pero en 1960, el enérgico Lytle se había dejado los guantes y, inspirado por el gran Lionel Hampton, recogió los mazos, volviendo toda su atención hacia el vibráfono. Comenzó una banda de jazz y comenzó a grabar para el famoso sello de jazz Riverside Records bajo la dirección del productor ganador del Grammy Orrin Keepnews.

El Bucle
Lytle encontró el éxito al principio de su carrera con álbumes de éxito como A Groove, The Loop y Moon Child. Desde sus pistas de swinging uptempo hasta sus baladas que satisfacen el alma, Lytle sabía cómo mantener el ritmo. Y con un apodo como "Fast Hands", siempre podía mantener la atención del público. Además de su musicalidad, su personalidad gregaria lo convirtió en una atracción popular en el circuito de jazz. Aunque Lytle no tuvo el mismo éxito del que tuvo el privilegio durante los años 60, continuó grabando y construyendo un catálogo respetable de música con grabaciones en los años 70, 80 y 90. Lytle siguió siendo una atracción popular de conciertos en los Estados Unidos y Europa; su última actuación fue con la Orquesta Sinfónica de Springfield (Ohio) en su ciudad natal en noviembre de 1995. En el momento de su muerte, al mes siguiente, Lytle tenía previsto comenzar a grabar un nuevo CD en el sello Muse.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-lytle-mn0000243164/biography

Baja Marimba Band • Harvest Season

 

The Baja Marimba Band was a musical group led by marimba player Julius Wechter. Formed by producer Herb Alpert after his own Tijuana Brass, the Baja Marimba Band outlasted the Tijuana Brass by several years in part due to TV producer Chuck Barris, who included the group's music on his game shows in the 1970s.

During his youth, Julius Wechter took up several percussion instruments including the vibes and marimba. In 1956 his group the Julius Wechter Quartet released a jazz album entitled Linear Sketches.

In 1958, Julius joined Martin Denny's band where he played marimba (replacing Arthur Lyman) as well as numerous other percussion instruments. Four years later he was paid $15 as a session man on Herb Alpert's debut album, The Lonely Bull. Wechter soon composed "Spanish Flea" for Alpert, which became a hit for him. Alpert encouraged Wechter to form his own group, The Baja Marimba Band, to help cash in on the faux-Mexican popularity of Albert's own Tijuana Brass.

In 1962, the Baja Marimba Band was formed using session men to supplement Wechter. These musicians included, at one time or another, Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell, and Emil Richards.

The band hit the charts with its first single "Comin' in the Back Door" and recorded a dozen albums for A&M, as well as being Alpert's support act. The main lineup from 1965-1971 was Bernie Fleischer on reeds, Ervan "Bud" Coleman on guitar (replaced upon Coleman's death in 1967 by Charlie Chiarenza), Frank DeCaro on rhythm guitar, Dave Wells on trombone, Lee Katzman on trumpet, Curry Tjader on percussion, Mel Pollan on Fender bass, and Frank DeVito on drums. Most if not all of the band's musicians were seasoned jazz musicians who performed with such artists as Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker, and Dizzy Gillespie.

The group would appear on stage dressed in sombreros and old clothes, with fake mustaches, smoking cigars, and drinking beer, all of which was regarded as stereotypical Mexican behavior. The group appeared in goofy group photos on their album covers, stylishly created by Peter Whorf Graphics, and added a comedic allure. (Nearly all of the covers showed a man turned away from the 'camera' appearing to be urinating!)

Seen by many as a marketing gimmick, the group rode the wake created by Herb Alpert and the Tijuana Brass and Sérgio Mendes and Brasil '66 in the musically fertile mid-1960s. The albums were cross marketed successfully by A&M, with images of Baja Marimba Band albums appearing on the record sleeves of other A&M products. All three acts were the staple of A&M during this period. The content was considered "adult contemporary" or "easy listening" and consisted mainly of standards, originals and pop covers. Despite the humorous album covers, the music inside was a light and sophisticated mixture of bossa nova, jazz, and pop elements.

All three groups lost momentum by the end of the 1960s as the genre faded away. By the late 1960s, Alpert's Tijuana Brass had disbanded, but the Baja Marimba Band stayed together for one more album on A&M in 1971 called As Time Goes By. They had a brief reunion in 1973 with an album called The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. During the 1970s, Julius and his wife, Cissy, collaborated on film scores and musicals.

One last reunion took place in the 1980s which lasted a couple of years and produced an album called Naturally in 1982. It featured Julius Wechter on marimba and three band alumni, Bernie Fleischer on reeds, guitarist Charlie Chiarenza and trombonist Dave Wells. New to the band were: Carmen Fanzone on horns, Jules Greenberg on 2nd marimba/percussion, Harvey Newmark on bass, and Kim Stallings on guitar. Original drummer Frank DeVito toured with the group during this time, but retired and was replaced for the recording by drummer Ed Roscetti. Still later, Julius Wechter formed a new group in the early 1990s called The Baja Marimbas with marimbaist Jules Greenberg, and they released one album, called New Deal.

After Wechter's death from lung cancer in 1999, the Baja Marimba Band disbanded.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Baja Marimba Band among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band

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La Banda de Baja Marimba era un grupo musical liderado por el marimbista Julius Wechter. Formada por el productor Herb Alpert después de su propio Tijuana Brass, la Banda de Baja Marimba duró varios años más que Tijuana Brass, en parte debido al productor de televisión Chuck Barris, quien incluyó la música del grupo en sus programas de juegos en la década de 1970.

Durante su juventud, Julius Wechter se hizo cargo de varios instrumentos de percusión, incluyendo el vibráfono y la marimba. En 1956 su grupo, el Julius Wechter Quartet, publicó un álbum de jazz titulado Linear Sketches.

En 1958, Julius se unió a la banda de Martin Denny donde tocó marimba (reemplazando a Arthur Lyman) así como otros numerosos instrumentos de percusión. Cuatro años después le pagaron $15 como hombre de sesión en el álbum debut de Herb Alpert, The Lonely Bull. Wechter pronto compuso "Spanish Flea" para Alpert, que se convirtió en un éxito para él. Alpert animó a Wechter a formar su propio grupo, The Baja Marimba Band, para ayudar a sacar provecho de la falsa popularidad mexicana del propio Tijuana Brass de Albert.

En 1962, se formó la Banda de Baja Marimba usando hombres de sesión para complementar a Wechter. Estos músicos incluyeron, en un momento u otro, a Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell y Emil Richards.

La banda llegó a las listas de éxitos con su primer sencillo "Comin' in the Back Door" y grabó una docena de álbumes para A&M, además de ser el apoyo de Alpert. La alineación principal de 1965-1971 fue Bernie Fleischer en las cañas, Ervan "Bud" Coleman en la guitarra (reemplazado a la muerte de Coleman en 1967 por Charlie Chiarenza), Frank DeCaro en la guitarra rítmica, Dave Wells en el trombón, Lee Katzman en la trompeta, Curry Tjader en la percusión, Mel Pollan en el bajo Fender, y Frank DeVito en la batería. La mayoría de los músicos de la banda, si no todos, eran músicos de jazz experimentados que tocaron con artistas como Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

El grupo se presentaba en el escenario vestido con sombreros y ropa vieja, con bigotes falsos, fumando puros y bebiendo cerveza, todo lo cual era considerado como un comportamiento estereotipado de los mexicanos. El grupo apareció en fotos de grupo tontas en las portadas de sus álbumes, creadas con estilo por Peter Whorf Graphics, y agregó un encanto cómico. (Casi todas las portadas mostraban a un hombre alejado de la `cámara' que parecía estar orinando!)

Visto por muchos como un truco de mercadeo, el grupo recorrió la estela creada por Herb Alpert y el Tijuana Brass y Sérgio Mendes y Brasil '66 a mediados de la década de 1960. Los álbumes fueron comercializados exitosamente por A&M, con imágenes de los álbumes de la Banda de Baja Marimba apareciendo en las carátulas de otros productos de A&M. Los tres actos fueron la base de A&M durante este período. El contenido era considerado "adulto contemporáneo" o "easy listening" y consistía principalmente en estándares, originales y portadas pop. A pesar de las portadas humorísticas del álbum, la música del interior era una mezcla ligera y sofisticada de elementos de bossa nova, jazz y pop.

Los tres grupos perdieron ímpetu a finales de la década de 1960 cuando el género se desvaneció. A finales de la década de 1960, Tijuana Brass de Alpert se había disuelto, pero la Banda de Baja Marimba se mantuvo unida para un álbum más en A&M en 1971 llamado As Time Goes By. Tuvieron una breve reunión en 1973 con un álbum llamado The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. Durante la década de 1970, Julius y su esposa, Cissy, colaboraron en partituras de películas y musicales.

Una última reunión tuvo lugar en la década de 1980, que duró un par de años y produjo un álbum llamado Naturally en 1982. Contó con Julius Wechter en la marimba y tres ex-alumnos de la banda, Bernie Fleischer en las cañas, el guitarrista Charlie Chiarenza y el trombonista Dave Wells. Los nuevos en la banda eran: Carmen Fanzone en las trompas, Jules Greenberg en la 2ª marimba/percusión, Harvey Newmark en el bajo y Kim Stallings en la guitarra. El baterista original Frank DeVito estuvo de gira con el grupo durante este tiempo, pero se retiró y fue reemplazado para la grabación por el baterista Ed Roscetti. Aún más tarde, Julius Wechter formó un nuevo grupo a principios de los 90 llamado The Baja Marimbas con el marimbaista Jules Greenberg, y lanzaron un álbum, llamado New Deal.

Después de la muerte de Wechter por cáncer de pulmón en 1999, la Banda de Baja Marimba se disolvió.

El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a la Banda de Baja Marimba entre cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal 2008.

https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band