André Previn, Red Mitchell & Shelly Manne • Sessions, Live [1957-1958]

 

Gil Melle • The Complete Blue Note Fifties Sessions

 

Review by Richard S. Ginell
Blue Note raids the back of its vaults for all four of Melle's long out of print 10" LPs, plus the 12" Patterns in Jazz, in order to place back in circulation a musician who had been nearly invisible to the jazz world for a good three decades. Though Melle's entertaining self-penned liner notes may be outrageously self-aggrandizing, this collection leaves little doubt that he was (and remains) a marvelous saxophonist and an intriguing composer who hasn't been given his due. On the early sides, Melle plays an erudite, relaxed, always musical tenor sax, and "Transition" marks his recorded debut on baritone, which he uses in a thoughtful, even quizzical manner for the remainder of the set. As a composer, Melle was very much the uncompromising cool bopper, but was also equipped with a fascinating mind of his own. His first session is also the most startling: "Four Moons" is brilliant in its Kentonian harmonic way, with vibraphone striking the chords; so is his most famous jazz composition "The Gears," with its Monica Dell scat vocal lead doubled by vibraphone. Further on in the set, Melle does away with the piano in the cool tradition, but gives the lineup an unorthodox twist by using a guitarist (Tal Farlow, Lou Mecca, or Joe Cinderella) in the keyboard role, and a trombonist (Eddie Bert or the swinging, vastly underrated Urbie Green) or even a tuba (Don Butterfield) on the front line. He also employs consistently first-class rhythm sections, with Max Roach and a young Joe Morello among the drummers. For those super-collectors who may have the extremely rare originals (now worth hundreds of dollars each), there is one unreleased track, "The Nearness of You"; the digitally remastered sound, flaws in the master tapes aside, is excellent.
https://www.allmusic.com/album/complete-blue-note-50s-sessions-mw0000045187#review

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Reseña de Richard S. Ginell
Blue Note rebusca en el fondo de sus bóvedas los cuatro LPs de 10" de Melle, agotados hace tiempo, más el 12" Patterns in Jazz, para volver a poner en circulación a un músico que había sido casi invisible para el mundo del jazz durante tres décadas. Aunque las divertidas notas de Melle, escritas por él mismo, pueden ser escandalosamente engreídas, esta colección no deja lugar a dudas de que fue (y sigue siendo) un saxofonista maravilloso y un compositor intrigante al que no se le ha dado su merecido. En las primeras partes, Melle toca un saxo tenor erudito, relajado y siempre musical, y "Transition" marca su debut grabado en barítono, que utiliza de manera reflexiva, incluso inquisitiva, durante el resto del conjunto. Como compositor, Melle era un cool bopper intransigente, pero también estaba dotado de una fascinante mente propia. Su primera sesión es también la más sorprendente: "Four Moons" es brillante en su forma armónica kentoniana, con el vibráfono marcando los acordes; también lo es su composición de jazz más famosa, "The Gears", con su voz solista de Monica Dell doblada por el vibráfono. Más adelante, Melle prescinde del piano en la tradición cool, pero da a la formación un giro poco ortodoxo utilizando un guitarrista (Tal Farlow, Lou Mecca o Joe Cinderella) en el papel de teclista, y un trombonista (Eddie Bert o el oscilante e infravalorado Urbie Green) o incluso una tuba (Don Butterfield) en primera línea. También emplea secciones rítmicas de primera clase, con Max Roach y un joven Joe Morello entre los baterías. Para los supercoleccionistas que tengan los rarísimos originales (que ahora valen cientos de dólares cada uno), hay un tema inédito, "The Nearness of You"; el sonido remasterizado digitalmente, dejando a un lado los defectos de las cintas maestras, es excelente.
https://www.allmusic.com/album/complete-blue-note-50s-sessions-mw0000045187#review

Hank Jones-Bill Evans-Red Mitchell • Moods Unlimited

 

Red Norvo Trio with Tal Farlow & Red Mitchell • Complete Recording

Contains the complete original 1956 trio album Red Norvo with Strings, which appears here for the first time ever on CD.Four more tunes recorded during the sessions and not included on the LP have been added as a bonus, as well as three 1952 tracks which complete all of the existing recordings by this formation of the Red Norvo Trio
https://www.jazzmusicarchives.com/album/red-norvo/red-norvo-trio-complete-recordings-with-tal-farlow-and-red-mitchell(compilation)


Great trio material from Red Norvo recorded with two different groups but both featuring the same vibes-guitar-bass arrangement. The first features Jimmy Raney on guitar and Red Mitchell on bass, the second subsitutes guitarist Tal Farlow. Tracks include "Somebody Loves Me", "Prelude To A Kiss", "Everything I've Got", and "Crazy Rhythm".
https://www.dustygroove.com/item/546890/Red-Norvo:Red-Norvo-Trios-With-Jimmy-Raney-Or-Tal-Farlow-Red-Mitchell

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Contiene el álbum original de 1956 del trío Red Norvo with Strings, que aparece aquí por primera vez en CD. Se han añadido cuatro temas más grabados durante las sesiones y no incluidos en el LP, así como tres temas de 1952 que completan todas las grabaciones existentes de esta formación del Trío Red Norvo.
https://www.jazzmusicarchives.com/album/red-norvo/red-norvo-trio-complete-recordings-with-tal-farlow-and-red-mitchell(recopilación)


Gran material de trío de Red Norvo grabado con dos grupos diferentes pero ambos con el mismo arreglo de vibráfono-guitarra-bajo. El primero cuenta con Jimmy Raney a la guitarra y Red Mitchell al bajo, el segundo incorpora al guitarrista Tal Farlow. Los temas incluyen "Somebody Loves Me", "Prelude To A Kiss", "Everything I've Got" y "Crazy Rhythm".
https://www.dustygroove.com/item/546890/Red-Norvo:Red-Norvo-Trios-With-Jimmy-Raney-Or-Tal-Farlow-Red-Mitchell

Bobby Enevoldsen • Smorgasbord

 

Biography by Jason Ankeny
A longtime giant of the West Coast jazz landscape, Bob Enevoldsen trailed only Bob Brookmeyer as his generation's foremost practictioner of the valve trombone. Enevoldsen was born September 11, 1920, in Billings, MT. His Danish-born father was a professional violinist who conducted the orchestra at their local silent movie theater, and at age five Bob took up the instrument as well before moving to trombone several years later. Recurring lip troubles forced him to switch to clarinet and tenor saxophone while a student at the University of Montana, and he also adopted the double bass prior to joining the U.S. Air Force in 1942. Stationed in Utah, Enevoldsen settled in Salt Lake City following his 1946 military discharge, working as a tenor saxophonist until a colleague lent him a valve trombone. He found the fingering remarkably similar to the trumpet, but the instrument remained on the periphery of his vision after he joined the Utah Symphony as a clarinetist. On the advice of arranger Gene Roland, Enevoldsen relocated to Los Angeles in 1951, and began sitting in at local jazz clubs. As a skilled multi-instrumentalist, his fellow musicians embraced him with open arms and he soon signed on as the regular bassist with pianist Marty Paich's trio. Stints supporting Art Pepper and Shorty Rogers followed, and over time Enevoldsen made the valve trombone his instrument of choice, alternating between tenor sax during a lengthy run behind Shelly Manne at the legendary L.A. nightclub the Lighthouse. In 1954 Enevoldsen cut his first session as a bandleader for a self-titled LP on the Nocturne label. He later headlined dates for Tampa and Liberty as well, and even appeared in a pair of feature films, 1958's The Form of Jazz and the much-maligned 1960 adaptation of the Jack Kerouac novel The Subterraneans. By the time of the latter's release Enevoldsen was living in Las Vegas, working in nightclubs there. He returned to L.A. in 1962 as a staff arranger and studio musician for television star Steve Allen, and spent the remainder of the decade focused almost exclusively on session work. During the 1970s he finally returned to live performance, replacing Brookmeyer in Gerry Mulligan's band before rejoining Paich in support of singer Mel Tormé. He also played in big bands led by Bill Holman and Roger Neumann, and continued performing in small-group settings until just weeks prior to his death from circulation problems on November 19, 2005.
https://www.allmusic.com/artist/bob-enevoldsen-mn0000763322#biography

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Biografía de Jason Ankeny
Bob Enevoldsen, un gigante del jazz de la Costa Oeste, sólo superado por Bob Brookmeyer como el trombonista de válvulas más importante de su generación. Enevoldsen nació el 11 de septiembre de 1920 en Billings, MT. Su padre, de origen danés, era violinista profesional y dirigía la orquesta del cine mudo de su localidad. A los cinco años, Bob empezó a tocar el instrumento antes de pasarse al trombón varios años más tarde. Sus recurrentes problemas de labio le obligaron a cambiar al clarinete y al saxofón tenor cuando estudiaba en la Universidad de Montana, y también adoptó el contrabajo antes de alistarse en las Fuerzas Aéreas de EE.UU. en 1942. Destinado a Utah, Enevoldsen se instaló en Salt Lake City tras su licenciamiento militar en 1946, trabajando como saxofonista tenor hasta que un colega le prestó un trombón de válvulas. La digitación le pareció muy similar a la de la trompeta, pero el instrumento permaneció en la periferia de su visión después de incorporarse a la Sinfónica de Utah como clarinetista. Aconsejado por el arreglista Gene Roland, Enevoldsen se trasladó a Los Ángeles en 1951 y empezó a tocar en clubes de jazz locales. Como hábil multiinstrumentista, sus compañeros le acogieron con los brazos abiertos y pronto firmó como bajista habitual del trío del pianista Marty Paich. Siguieron temporadas como telonero de Art Pepper y Shorty Rogers, y con el tiempo Enevoldsen hizo del trombón de válvulas su instrumento preferido, alternándolo con el saxo tenor durante una larga temporada detrás de Shelly Manne en el legendario club nocturno de Los Ángeles Lighthouse. En 1954, Enevoldsen grabó su primera sesión como director de orquesta para un LP autotitulado en el sello Nocturne. Más tarde fue cabeza de cartel de Tampa y Liberty, e incluso apareció en un par de películas, The Form of Jazz (1958) y la denostada adaptación de 1960 de la novela de Jack Kerouac The Subterraneans. Cuando se estrenó esta última, Enevoldsen vivía en Las Vegas y trabajaba en clubes nocturnos. Regresó a Los Ángeles en 1962 como arreglista y músico de estudio para la estrella de la televisión Steve Allen, y pasó el resto de la década centrado casi exclusivamente en trabajos de sesión. En la década de 1970 volvió por fin a tocar en directo, sustituyendo a Brookmeyer en la banda de Gerry Mulligan antes de volver a unirse a Paich como telonero del cantante Mel Tormé. También tocó en grandes bandas dirigidas por Bill Holman y Roger Neumann, y siguió actuando en pequeños grupos hasta pocas semanas antes de su muerte por problemas circulatorios el 19 de noviembre de 2005.
https://www.allmusic.com/artist/bob-enevoldsen-mn0000763322#biography

Jimmy Rowles • Rare - But Well Done

Biography by Scott Yanow
Long known for his expertise in coming up with the perfect chord for the perfect situation, the subtle Jimmy Rowles was in demand for decades as an accompanist while being underrated as a soloist. After playing in local groups in Seattle, Rowles moved to Los Angeles in 1940 and worked with Slim Gaillard, Lester Young, Benny Goodman, and Woody Herman. After serving in the military, he returned to Herman (in time to play with the first Herd), recorded with Benny Goodman, and also had stints with Les Brown and Tommy Dorsey. Working as a studio musician, Rowles appeared in a countless number of settings in the 1950s and '60s, but was best known for his playing behind Billie Holiday and Peggy Lee. In 1973, he moved to New York where he recorded more extensively in jazz situations (including duets with Stan Getz), but after touring with Ella Fitzgerald during 1981-1983 he returned to California. His song "The Peacocks" became a standard, and Rowles recorded for many labels throughout his career including with his daughter, flügelhornist Stacy Rowles.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-rowles-mn0000769908/biography

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Biografía de Scott Yanow
Conocido desde hace tiempo por su pericia para dar con el acorde perfecto para la situación perfecta, el sutil Jimmy Rowles fue demandado durante décadas como acompañante, al tiempo que era infravalorado como solista. Tras tocar en grupos locales de Seattle, Rowles se trasladó a Los Ángeles en 1940 y trabajó con Slim Gaillard, Lester Young, Benny Goodman y Woody Herman. Después de servir en el ejército, regresó con Herman (a tiempo para tocar con el primer Herd), grabó con Benny Goodman y también hizo temporadas con Les Brown y Tommy Dorsey. Trabajando como músico de estudio, Rowles apareció en un sinnúmero de escenarios en los años 50 y 60, pero fue más conocido por tocar detrás de Billie Holiday y Peggy Lee. En 1973 se trasladó a Nueva York, donde grabó más ampliamente en situaciones de jazz (incluyendo dúos con Stan Getz), pero después de hacer una gira con Ella Fitzgerald durante 1981-1983 regresó a California. Su canción "The Peacocks" se convirtió en un estándar, y Rowles grabó para muchos sellos a lo largo de su carrera, incluso con su hija, la flügelhornista Stacy Rowles.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-rowles-mn0000769908/biography

Al Cohn • Broadway

 

A rare 1954 date from saxophonist Al Cohn – not issued to the public until this 1970 LP, but easily one of Al's best from the early days! The approach is straight and simple, something Al didn't always get – and the group's a quintet with Hal Stein on alto and Harvey Leonard on piano. The players aren't well known, but they keep the groove enough to let Al shine amazingly well on tenor – especially on the album's longer tracks, which have some nice nice solo space! Titles include 2 takes of "Broadway", plus "Suddenly It's Spring" and "Help Keep Your City Clean Blues".  
https://www.dustygroove.com/item/32626/Al-Cohn:Broadway-1954

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Una fecha rara de 1954 del saxofonista Al Cohn - no publicada al público hasta este LP de 1970, ¡pero fácilmente uno de los mejores de Al de los primeros días! El enfoque es directo y sencillo, algo que Al no siempre consiguió, y el grupo es un quinteto con Hal Stein al contralto y Harvey Leonard al piano. Los músicos no son muy conocidos, pero mantienen el ritmo lo suficiente como para permitir que Al brille increíblemente bien con el tenor, especialmente en las pistas más largas del álbum, ¡que tienen un buen espacio para los solos! Los títulos incluyen 2 tomas de «Broadway», además de «Suddenly It's Spring» y «Help Keep Your City Clean Blues».  
https://www.dustygroove.com/item/32626/Al-Cohn:Broadway-1954


 

Hampton Hawes • Four !

 

Review by Scott Yanow

Pianist Hampton Hawes' 1950s recordings for the Contemporary label are at such a high level that they could all be given five stars. This outing with bassist Red Mitchell, drummer Shelly Manne, and guitarist Barney Kessel (who is a slight wild card) is also quite successful. Two previously unreleased numbers ("Thou Swell" and "The Awful Truth") have been added to the CD reissue. Highlights of the exciting bop date include "Yardbird Suite," "There Will Never Be Another You," and "Love Is Just Around the Corner."

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Reseña de Scott Yanow

Las grabaciones del pianista Hampton Hawes de los años 50 para el sello Contemporary están a un nivel tan alto que a todas ellas se les podría dar cinco estrellas. Esta salida con el bajista Red Mitchell, el baterista Shelly Manne y el guitarrista Barney Kessel (que es un ligero comodín) también es bastante exitosa. Dos números inéditos ("Thou Swell" y "The Awful Truth") se han añadido a la reedición del CD. Lo más destacado de la emocionante cita bop incluye "Suite Yardbird", "There Will Never Be Another You" y "Love Is Just Around the Corner".

Bob Brookmeyer • The Modernity of Bob Brookmeyer

Review by Thom Jurek 

Fresh Sounds goes deep into the vaults to reissue a pair of early Bob Brookmeyer-led sessions on a single disc. Recorded in 1954 for Pacific Jazz and Verve at the height of West Coast jazz fever, Brookmeyer's early arranging and composing genius can be heard as already very sophisticated and expressive; his reputation as a soloist on the trombone had been well established by this time. The Bob Brookmeyer Quartet session recorded for Pacific Jazz over two days in July (and inexplicably sequenced on the latter half of this set) listed drummer Frank Isola, pianist John Williams, and alternate bassists Red Mitchell and Bill Anthony. The second session for Verve -- sequenced first -- was recorded in December, and features pianist Jimmy Rowles, drummer Mel Lewis, and bassist Buddy Clark. On the first six tracks (again, which make up the latter session originally titled The Modernity of Bob Brookmeyer), the leader contributes two tunes to a very modern mix that also includes very contemporary (for the time) readings of four standards, including Irving Berlin's "He Ain't Got Rhythm," Rodgers & Hart's "You Took Advantage of Me," and the Harry Warren-Yip Harburg nugget "There Will Never Be Another You." Brookmeyer wasn't afraid of a little dissonance and his own solos bear this out, as Rowles remains sweet and busy as ever. The initial Bob Brookmeyer Quartet session yields three fine pieces, including the first recording of his classic tune "Liberty Belle." In addition, there are some standards and a pair of Mitchell tunes, as well as a compelling reading of "Body and Soul." As is typical of a lot of Fresh Sounds releases, while there are decent liner notes, the mastering job is far from audiophile, so collectors and other jazz fans should be aware.

https://www.allmusic.com/album/the-modernity-of-bob-brookmeyer-the-1954-quartets-mw0001682568

Biography by Scott Yanow

Bob Brookmeyer was long considered one of the top valve trombonists in jazz and a very advanced arranger whose writing was influenced by modern classical music. He started out as a pianist in dance bands but played valve trombone with Stan Getz (1953). He gained fame as a member of the Gerry Mulligan quartet (1954-1957), was part of the unusual Jimmy Giuffre Three of 1957-1958 (which consisted of Giuffre's reeds, Brookmeyer's valve trombone, and Jim Hall's guitar), and then re-joined Mulligan as arranger and occasional player with his Concert Jazz Band. Brookmeyer, who was a strong enough pianist to hold his own on a two-piano date with Bill Evans, occasionally switched to piano with Mulligan. He co-led a part-time quintet with Clark Terry (1961-1966), was an original member of the Thad Jones/Mel Lewis orchestra (1965-1967), and became a busy studio musician. Brookmeyer was fairly inactive during much of the '70s, but made a comeback in the late '70s with some very advanced arrangements for the Mel Lewis band (of which he became musical director for a time). Brookmeyer moved to Europe, where he continually wrote and occasionally recorded on his distinctive valve trombone, issuing Old Friends in 1998. New Works Celebration appeared a year later, and in 2000 he issued Together. Brookmeyer continued to perform and release albums through the next decade, often working with his European big band The New Art Orchestra including 2002's Waltzing with Zoe, 2004's Get Well Soon, and 2007's Spirit Music. In 2008, he explored his deep interest in classical music with Music for String Quartet and Orchestra. He wrote innovative big-band compositions and was highly regarded as a teacher: his classes at the New England Conservatory of Music are the stuff of legend. On December 15, 2011, Brookmeyer died in his sleep at a hospital near his home in Grantham, New Hampshire; the cause was congestive heart failure. He passed just a month after releasing the album Standards via the ArtistShare website, and only three days shy of his 82nd birthday.

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Reseña de Thom Jurek 

Fresh Sounds se adentra en las bóvedas para reeditar un par de sesiones iniciales dirigidas por Bob Brookmeyer en un solo disco. Grabado en 1954 para Pacific Jazz y Verve en el apogeo de la fiebre del jazz de la costa oeste, el genio de Brookmeyer en los primeros arreglos y composiciones se puede escuchar como ya muy sofisticado y expresivo; su reputación como solista en el trombón ya estaba bien establecida para esta época. La sesión del Bob Brookmeyer Quartet grabada para Pacific Jazz durante dos días en julio (e inexplicablemente secuenciada en la última mitad de este set) contó con la participación del baterista Frank Isola, el pianista John Williams y los bajistas alternativos Red Mitchell y Bill Anthony. La segunda sesión de Verve - secuenciada primero - fue grabada en diciembre, y cuenta con la participación del pianista Jimmy Rowles, el baterista Mel Lewis, y el bajista Buddy Clark. En los primeros seis temas (de nuevo, que componen la última sesión originalmente titulada The Modernity of Bob Brookmeyer), el líder contribuye con dos temas a una mezcla muy moderna que también incluye lecturas muy contemporáneas (para la época) de cuatro estándares, incluyendo "He Ain't Got Rhythm" de Irving Berlin, "You Took Advantage of Me" de Rodgers & Hart, y la pepita de Harry Warren-Yip Harburg "There Will Never Be Another You". Brookmeyer no temía un poco de disonancia y sus propios solos lo confirman, ya que Rowles sigue tan dulce y ocupado como siempre. La sesión inicial del Cuarteto de Bob Brookmeyer arroja tres finas piezas, incluyendo la primera grabación de su clásico tema "Liberty Belle". Además, hay algunos estándares y un par de melodías de Mitchell, así como una lectura convincente de "Body and Soul". Como es típico de muchos lanzamientos de Fresh Sounds, aunque hay notas decentes en el liner, el trabajo de masterización está lejos de ser de audiófilos, así que los coleccionistas y otros fans del jazz deberían estar al tanto.

https://www.allmusic.com/album/the-modernity-of-bob-brookmeyer-the-1954-quartets-mw0001682568

Biografía de Scott Yanow

Bob Brookmeyer fue considerado durante mucho tiempo como uno de los trombonistas de válvula superior en el jazz y un arreglista muy avanzado cuya escritura fue influenciada por la música clásica moderna. Empezó como pianista en bandas de baile pero tocó el trombón de válvula con Stan Getz (1953). Ganó fama como miembro del cuarteto de Gerry Mulligan (1954-1957), formó parte del inusual Jimmy Giuffre Three de 1957-1958 (que consistía en cañas de Giuffre, trombón de válvula de Brookmeyer y guitarra de Jim Hall), y luego volvió a unirse a Mulligan como arreglista y músico ocasional con su Concert Jazz Band. Brookmeyer, que era un pianista lo suficientemente fuerte como para mantenerse en una cita de dos pianos con Bill Evans, ocasionalmente se cambió al piano con Mulligan. Dirigió un quinteto a tiempo parcial con Clark Terry (1961-1966), fue miembro original de la orquesta de Thad Jones/Mel Lewis (1965-1967) y se convirtió en un músico de estudio muy ocupado. Brookmeyer estuvo bastante inactivo durante la mayor parte de los años 70, pero volvió a finales de los 70 con algunos arreglos muy avanzados para la banda de Mel Lewis (de la que se convirtió en director musical durante un tiempo). Brookmeyer se mudó a Europa, donde continuamente escribió y ocasionalmente grabó en su distintivo trombón de válvula, emitiendo Old Friends en 1998. New Works Celebration apareció un año más tarde, y en el 2000 publicó Together. Brookmeyer continuó tocando y lanzando álbumes durante la siguiente década, a menudo trabajando con su gran banda europea The New Art Orchestra, incluyendo Waltzing with Zoe en 2002, Get Well Soon en 2004 y Spirit Music en 2007. En 2008, exploró su profundo interés en la música clásica con Music for String Quartet and Orchestra. Escribió innovadoras composiciones para big-band y fue muy reconocido como profesor: sus clases en el New England Conservatory of Music son una leyenda. El 15 de diciembre de 2011, Brookmeyer falleció mientras dormía en un hospital cerca de su casa en Grantham, New Hampshire; la causa fue una insuficiencia cardíaca congestiva. Murió justo un mes después de publicar el álbum Standards a través de la página web ArtistShare, y a sólo tres días de su 82 cumpleaños.

Freshsoundrecords ...

Jim Hall Trio • The Complete 'Jazz Guitar'

 

The Jim Hall Trio LP "Jazz Guitar" recorded in 1957 with pianist Carl Perkins and bassist Red Mitchell has appeared in various forms (including a re-issue with drums dubbed on) but this is the first time that all the tracks cut at the session have been put together unabridged on one CD.

This outstanding early album was made when Hall was attracting attention on the West Coast scene playing with Jimmy Guiffre.The disc also contains five bonus tracks made at various times with pianist John Lewis.
https://www.freshsoundrecords.com/jim-hall-albums/4603-the-complete.html

Biography:

A harmonically advanced cool-toned and subtle guitarist, Jim Hall was an inspiration to many guitarists, including some (such as Bill Frisell) who sound nothing like him. Hall attended the Cleveland Institute of Music and studied classical guitar in Los Angeles with Vicente Gómez. He was an original member of the Chico Hamilton Quintet (1955-1956), and during 1956-1959 was with the Jimmy Giuffre Three. After touring with Ella Fitzgerald (1960-1961) and sometimes forming duos with Lee Konitz, Hall was with Sonny Rollins' dynamic quartet in 1961-1962, recording The Bridge. He co-led a quartet with Art Farmer (1962-1964), recorded on an occasional basis with Paul Desmond during 1959-1965 (all of their quartet performances are collected on a Mosaic box set), and then became a New York studio musician. He was mostly a leader during the following years and, in addition to his own projects for World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters, and Telarc, Jim Hall recorded two classic duet albums with Bill Evans. A self-titled collaboration with Pat Metheny followed in 1999. A flurry of studio albums, reissues, and compilations followed throughout the next few years, with the exceptional Jim Hall & Basses standing out for its bass/guitar duet format. Jim Hall died at his apartment in Manhattan on December 10, 2013; he was 83 years old.

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El LP "Jazz Guitar" de Jim Hall Trio, grabado en 1957 con el pianista Carl Perkins y el bajista Red Mitchell, ha aparecido en diversas formas (incluida una reedición con la batería doblada), pero ésta es la primera vez que todas las pistas grabadas en la sesión se reúnen íntegramente en un CD.

El disco contiene también cinco temas extra grabados en varias ocasiones con el pianista John Lewis.
https://www.freshsoundrecords.com/jim-hall-albums/4603-the-complete.html

Biografía:

Un guitarrista armónicamente avanzado de tono frío y sutil, Jim Hall fue una inspiración para muchos guitarristas, incluyendo algunos (como Bill Frisell) que no se parecen en nada a él. Hall asistió al Instituto de Música de Cleveland y estudió guitarra clásica en Los Ángeles con Vicente Gómez. Fue miembro original del Quinteto Chico Hamilton (1955-1956), y durante 1956-1959 estuvo con los Tres de Jimmy Giuffre. Después de ir de gira con Ella Fitzgerald (1960-1961) y a veces formando dúos con Lee Konitz, Hall estuvo con el dinámico cuarteto de Sonny Rollins en 1961-1962, grabando The Bridge. Dirigió un cuarteto con Art Farmer (1962-1964), grabó ocasionalmente con Paul Desmond durante 1959-1965 (todas sus actuaciones en cuarteto se recogen en una caja de Mosaico), y luego se convirtió en un músico de estudio de Nueva York. Fue principalmente un líder durante los años siguientes y, además de sus propios proyectos para World Pacific/Pacific Jazz, MPS, Milestone, CTI, Horizon, Artist House, Concord, MusicMasters y Telarc, Jim Hall grabó dos álbumes clásicos a dúo con Bill Evans. En 1999 se produjo una colaboración autotitulada con Pat Metheny. Una ráfaga de álbumes de estudio, reediciones y compilaciones siguieron a lo largo de los siguientes años, con el excepcional Jim Hall & Basses destacándose por su formato de dúo bajo/guitarra. Jim Hall murió en su apartamento de Manhattan el 10 de diciembre de 2013; tenía 83 años. 

 

 

Warne Marsh • Marshlands

 

Review
by Scott Yanow
The music on this collection is consistently brilliant, but all of the 13 performances are easily available elsewhere on seven Warne Marsh Storyville CDs. The cool-toned and always adventurous tenor saxophonist is heard in two different quintets with altoist Lee Konitz, playing trio numbers with bassist Niels Pedersen and drummer Alan Levitt, performing duets with bassist Red Mitchell, and jamming with the Kenny Drew Trio. The music, taken from Marsh's visits to Copenhagen in 1975 and 1980, features Marsh jamming over familiar chord changes and effortlessly coming up with one fresh melodic idea after another. He was in prime form during this period and is quite inspired throughout, making this set a fine introduction to his playing, although veteran fans will want the complete sessions.
https://www.allmusic.com/album/marshlands-mw0000036436

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Reseña
por Scott Yanow
La música de esta colección es consistentemente brillante, pero las 13 interpretaciones están fácilmente disponibles en siete CDs de Warne Marsh Storyville. Se escucha al saxofonista tenor de tono fresco y siempre aventurero en dos quintetos diferentes con el contralto Lee Konitz, tocando números en trío con el bajista Niels Pedersen y el batería Alan Levitt, haciendo dúos con el bajista Red Mitchell, e improvisando con el Kenny Drew Trio. La música, tomada de las visitas de Marsh a Copenhague en 1975 y 1980, muestra a Marsh improvisando sobre cambios de acordes familiares y proponiendo sin esfuerzo una idea melódica fresca tras otra. Marsh estaba en plena forma durante este período y está muy inspirado en todo momento, por lo que este disco es una buena introducción a su forma de tocar, aunque los fans veteranos querrán las sesiones completas.
https://www.allmusic.com/album/marshlands-mw0000036436

Russ Garcia • Four Horns And A Lush Life

 

Review
by Ken Dryden
Russ Garcia was a popular arranger in the mid-'50s, often working with some of the best jazz artists of the day. On this session for Bethlehem, he conducts an octet with four trombonists (including Maynard Ferguson, Frank Rosolino, Herbie Harper and Tommy Pederson), plus baritone saxophonist Dick Houlgate, pianist Marty Paich, bassist Red Mitchell and drummer Stan Levey. Most of Garcia's cool arrangements are of standards, while his "I'll Never Forget What's Her Name (The Lo-est)" is a barely disguised reworking of the chord changes to "Fine and Dandy." Obviously, the trombonists are the primary focus of the solos, though Paich, Houlgate and Mitchell get a chance to get in a few licks of their own. Garcia's use of a trombone choir is very effective in the warm treatment of "Lush Life" and a cooking "What Is This Thing Called Love."
https://www.allmusic.com/album/four-horns-and-a-lush-life-mw0000866746

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Reseña
por Ken Dryden
Russ Garcia fue un arreglista muy popular a mediados de los 50, trabajando a menudo con algunos de los mejores artistas de jazz de la época. En esta sesión para Bethlehem, dirige un octeto con cuatro trombonistas (entre ellos Maynard Ferguson, Frank Rosolino, Herbie Harper y Tommy Pederson), además del saxofonista barítono Dick Houlgate, el pianista Marty Paich, el bajista Red Mitchell y el batería Stan Levey. La mayoría de los geniales arreglos de García son de estándares, mientras que su "I'll Never Forget What's Her Name (The Lo-est)" es una reelaboración apenas disimulada de los cambios de acordes de "Fine and Dandy". Obviamente, los trombonistas son el foco principal de los solos, aunque Paich, Houlgate y Mitchell tienen la oportunidad de hacer algunos licks por su cuenta. El uso que hace García de un coro de trombones es muy efectivo en el cálido tratamiento de "Lush Life" y en un cocinado "What Is This Thing Called Love".
https://www.allmusic.com/album/four-horns-and-a-lush-life-mw0000866746

Hank Jones & Red Mitchell • Duo

 

Review by Ken Dryden
These two musicians usually make any date that they're a part of a success and this rare duo date together is no exception. Jones' effortlessly swinging style is matched beautifully by the bassist's imaginative lines. The material is all very familiar, from the easygoing "Gone With the Wind" to a percolating "Wee" and the absolute show-stopping run through "I'll Remember April," which finds both men at a creative peak. It's a pity they didn't record a follow up to this very enjoyable session, recorded at Rudy Van Gelder's studio.
https://www.allmusic.com/album/hank-jones-red-mitchell-duo-mw0000880800

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Reseña de Ken Dryden
Estos dos músicos suelen hacer que cualquier cita en la que participan sea un éxito y esta rara cita a dúo no es una excepción. El estilo desenfadado de Jones se combina a la perfección con las imaginativas líneas del bajista. Todo el material es muy familiar, desde la relajada «Gone With the Wind» a la percoladora «Wee» y la absolutamente espectacular «I'll Remember April», que muestra a ambos en un momento creativo álgido. Es una pena que no grabaran una continuación de esta sesión tan agradable, grabada en el estudio de Rudy Van Gelder.
https://www.allmusic.com/album/hank-jones-red-mitchell-duo-mw0000880800

Dick Marx-Buddy Collette • Marx Makes Broadway

 

 

Dick Marx

American jazz pianist, arranger and composer.
(Born: April 12, 1924, Chicago, IL - Died: August 12, 1997, Highland Park, IL)
He married Ruth Marx (née Guildoo) and had a son, Richard Marx, from that marriage.
Marx played piano from childhood, and got his professional start playing in nightclubs in Chicago. In the 1950s he accompanied Helen Merrill and released several albums under his own name. Starting in the 1960s, he worked extensively in advertising and wrote some of the most popular jingles for brands such as Ken-L Ration, Doublemint, Kellogg's Raisin Bran, Dial Soap, Arm & Hammer, and Nestle Crunch. In 1968, he composed the fight song for the Chicago Blackhawks, Here Come the Hawks, which is still used today. Marx moved to Los Angeles in 1986, where he scored films such as A League of Their Own and Edwards and Hunt and TV shows such as Fudge. He arranged for popular musicians such as Joe Cocker, Yoshiki, and his son, Richard Marx.
https://www.discogs.com/artist/408451-Dick-Marx

Buddy Collette 

An important force in the Los Angeles jazz community, Buddy Collette was an early pioneer at playing jazz on the flute. Collette started on piano as a child and then gradually learned all of the woodwinds. He played with Les Hite in 1942; led a dance band while in the Navy during World War II; and then freelanced in the L.A. area with such bands as the Stars of Swing (1946), Edgar Hayes, Louis Jordan, Benny Carter, and Gerald Wilson (1949 and 1950). An early teacher of Charles Mingus, Collette became the first Black musician to get a permanent spot in a West Coast studio band (from 1951 to 1955). He gained his greatest recognition as an important member of the Chico Hamilton Quintet (1955 and 1956), and he recorded several albums as a leader in the mid- to late '50s for Contemporary. Otherwise, he mostly stuck to the L.A. area, freelancing, working in the studios, playing in clubs, teaching, and inspiring younger musicians. Although a fine tenor player and a good clarinetist, Collette's most distinctive voice is on flute; he recorded an album with one of his former students, the great James Newton (1989). In addition, Collette participated in a reunion of the Chico Hamilton Quintet, and recorded a two-disc "talking record" for the Issues label in 1994, in which he discussed some of what he had seen and experienced through the years.
https://www.allmusic.com/artist/buddy-collette-mn0000641450/biography

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Dick Marx

Pianista, arreglista y compositor de jazz estadounidense.
(Nacido: 12 de abril de 1924, Chicago, IL - Fallecido: 12 de agosto de 1997, Highland Park, IL)
Se casó con Ruth Marx (de soltera Guildoo) y tuvo un hijo, Richard Marx, de ese matrimonio.
Marx tocó el piano desde la infancia y comenzó a tocar profesionalmente en clubes nocturnos de Chicago. En la década de 1950 acompañó a Helen Merrill y lanzó varios álbumes bajo su propio nombre. A partir de la década de 1960, trabajó extensamente en publicidad y escribió algunos de los jingles más populares para marcas como Ken-L Ration, Doublemint, Kellogg's Raisin Bran, Dial Soap, Arm & Hammer y Nestlé Crunch. En 1968, compuso la canción de lucha para los Chicago Blackhawks, Here Come the Hawks, que todavía se utiliza en la actualidad. Marx se mudó a Los Ángeles en 1986, donde compuso la música para películas como A League of Their Own y Edwards and Hunt y programas de televisión como Fudge. Hizo arreglos para músicos populares como Joe Cocker, Yoshiki y su hijo, Richard Marx.
https://www.discogs.com/artist/408451-Dick-Marx

Buddy Collette 

Buddy Collette, una fuerza importante en la comunidad de jazz de Los Ángeles, fue uno de los primeros pioneros en tocar jazz con la flauta. Collette comenzó a tocar el piano cuando era niña y luego gradualmente aprendió todos los instrumentos de viento. Tocó con Les Hite en 1942; dirigió una banda de baile mientras estaba en la Marina durante la Segunda Guerra Mundial; y luego trabajó como autónomo en el área de Los Ángeles con bandas como Stars of Swing (1946), Edgar Hayes, Louis Jordan, Benny Carter y Gerald Wilson (1949 y 1950). Collette, una de las primeras maestras de Charles Mingus, se convirtió en el primer músico negro en conseguir un lugar permanente en una banda de estudio de la costa oeste (de 1951 a 1955). Obtuvo su mayor reconocimiento como miembro importante del Quinteto Chico Hamilton (1955 y 1956), y grabó varios álbumes como líder a mediados y finales de los años 50 para Contemporary. De lo contrario, se limitó principalmente al área de Los Ángeles, trabajando como autónomo, trabajando en los estudios, tocando en clubes, enseñando e inspirando a músicos más jóvenes. Aunque es un buen tenor y un buen clarinetista, la voz más distintiva de Collette es la flauta; grabó un disco con uno de sus antiguos alumnos, el gran James Newton (1989). Además, Collette participó en una reunión del Quinteto Chico Hamilton y grabó un "disco parlante" de dos discos para el sello Issues en 1994, en el que hablaba de algo de lo que había visto y experimentado a lo largo de los años.
https://www.allmusic.com/artist/buddy-collette-mn0000641450/biografía

Paul Horn • House Of Horn

 

 

Paul Horn began playing the piano at the age of four, the clarinet at ten, and the saxophone at twelve. He studied the clarinet and flute at the Oberlin Conservatory of Music in Ohio, earning a bachelor's degree. He gained a master's degree from the Manhattan School of Music. Moving to Los Angeles he played with Chico Hamilton's Quintet from 1956 to 1958 and recorded his debut album Something Blue in 1960. By now an established West Coast session player he played on the Duke Ellington Orchestra's Suite Thursday and worked with Nat King Cole, Tony Bennett and others. In 1970, he moved with his second wife Tryntje and two sons Marlen and Robin from his first marriage to Victoria, British Columbia on Vancouver Island. He formed his own quintet and has recorded film scores for the National Film Board of Canada. He was known for his innovations on both metal and traditional wooden flutes. Best known of his albums are his "Inside" recordings, which feature airy, echoing sounds created in places of spiritual importance. The series began with Horn sneaking a tape recorder into the Taj Mahal during a trip to India in 1968, (released as Inside) where he was with The Beatles at Rishikesh, and continued later with recordings inside the Great Pyramid of Giza, and a return to the Taj Mahal in 1989. Horn later made similar recordings in a cathedral, in the canyons of the Southwestern United States with Native American flautist R. Carlos Nakai, and with Orcas. In 1998 he was able to record within the walls of the Potala Palace in Lhasa, Tibet. Horn was the first westerner to be granted permission to perform inside this massive structure, considered the spiritual nexus of Tibetan Buddhism. Horn returned to Tibet in 2003 to film on the holy Mount Kailash, where he scattered the ashes of his former travelling companion, Buddhist monk Lama Tenzin. While well practiced as a jazz musician, many of his works defy such categorization. As well as the Inside series, he recorded other albums of jazz with musicians from a range of cultures and backgrounds including China and Africa. He lived in British Columbia and the American Southwest. He was married to the Canadian singer and songwriter Ann Mortifee.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-horn/

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Paul Horn empezó a tocar el piano a los cuatro años, el clarinete a los diez y el saxofón a los doce. Estudió clarinete y flauta en el Conservatorio de Música de Oberlin (Ohio), donde se licenció. Obtuvo un máster en la Manhattan School of Music. Se trasladó a Los Ángeles, donde tocó con el Quinteto de Chico Hamilton de 1956 a 1958 y grabó su álbum debut Something Blue en 1960. Convertido ya en un músico de sesión consolidado en la Costa Oeste, tocó en la Suite Thursday de la Orquesta de Duke Ellington y trabajó con Nat King Cole, Tony Bennett y otros. En 1970 se trasladó con su segunda esposa, Tryntje, y los dos hijos de su primer matrimonio, Marlen y Robin, a Victoria, en la Columbia Británica, en la isla de Vancouver. Formó su propio quinteto y grabó partituras para el National Film Board de Canadá. Fue conocido por sus innovaciones tanto en flautas de metal como en las tradicionales de madera. Sus álbumes más conocidos son las grabaciones «Inside», con sonidos aéreos y resonantes creados en lugares de importancia espiritual. La serie comenzó con Horn colando una grabadora en el Taj Mahal durante un viaje a la India en 1968 (publicado como Inside), donde estuvo con los Beatles en Rishikesh, y continuó después con grabaciones en el interior de la Gran Pirámide de Giza, y un regreso al Taj Mahal en 1989. Horn realizó grabaciones similares en una catedral, en los cañones del suroeste de Estados Unidos con el flautista nativo americano R. Carlos Nakai, y con Orcas. En 1998 pudo grabar entre los muros del Palacio de Potala, en Lhasa (Tíbet). Horn fue el primer occidental que obtuvo permiso para actuar en el interior de esta enorme estructura, considerada el nexo espiritual del budismo tibetano. Horn regresó al Tíbet en 2003 para rodar en el sagrado monte Kailash, donde esparció las cenizas de su antiguo compañero de viaje, el monje budista Lama Tenzin. Aunque se le conoce bien como músico de jazz, muchas de sus obras desafían tal categorización. Además de la serie Inside, grabó otros álbumes de jazz con músicos de diversas culturas y procedencias, como China y África. Vivió en la Columbia Británica y en el suroeste de Estados Unidos. Estuvo casado con la cantante y compositora canadiense Ann Mortifee.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/paul-horn/

Bill Perkins • Just Friends

 

 Bill Perkins was one of the quiet lions of West Coast jazz, soft-spoken, humble and gentle in conversation, but capable of raising the roof onstage. On tenor sax, like many of his contemporaries, he channeled the spirit of Lester Young. On soprano sax his tone was more angular, hard-bitten, leaning almost towards the avant-garde. He was an electrical whiz who held patents on two synthesized wind instruments, and a kindly mentor who wouldn’t hesitate to take time after a gig to talk shop with younger players. “Perk” was one of the most unique and beloved icons of West Coast jazz, yet one who always wore the “icon” label with unease. William Reese Perkins was born in San Francisco on July 22, 1924. His first instrument was the clarinet, which he abandoned at fifteen in favor of the tenor sax. His father, a mining engineer, died while Bill was still in his teens. His mother continued to raise him in Santa Barbara, where Perkins’ interests were torn between engineering and music. He split the difference, studying electrical engineering at Cal Tech and music at Westlake College and U.C. Santa Barbara, all thanks to the G.I. Bill.

Perkins’ first regular professional gig was with Jerry Wald’s band in Los Angeles. In May 1951 he joined the Woody Herman band, which gave him his first major exposure. In fact, his initiation into the Herman Herd was like being thrown into the fire: Herman’s manager called in the middle of a performance at the Palladium and practically begged Perkins to come down and replace a tenorman who had just been fired. His interest in the “Prez tone” helped him fit in with Herman’s other Lester Young acolytes, and he made several impressive records with the Third Herd including “Ill Wind”.

In 1953 Perkins and his fellow tenorman Richie Kamuca moved from Herman’s band to the Stan Kenton aggregation. Both men made the adjustment from upbeat bop to Kenton’s more cerebral sounds with ease. “Yesterdays” became Perkins’ signature tune with the band, demanded perhaps more than any other piece in the catalog. He also began doing sideline gigs with fellow Kentonians, including Shorty Rogers’ popular Giants. Perkins also worked with pianist John Lewis, altoman Art Pepper, vibraphonist Terry Gibbs’ Dream Band, and other projects. His first sessions as a leader came in 1956 (“The Bill Perkins Octet on Stage”, on Pacific Jazz).

The 1960s saw two radical changes in Perkins’ career. First, he began working regularly as a recording engineer when jazz gigs began to get more scarce. More significant in his playing career was his embracing of the new sounds being explored by Sonny Rollins and John Coltrane. Few of Perkins’ associates on the West Coast shared his enthusiasm, but he began assimilating new elements into his own style, particularly on soprano sax. He landed occasional film work, including a job with Duke Ellington’s band on the soundtrack of Frank Sinatra’s now-overlooked “Assault on a Queen”.

In 1969 Perkins gave up the road in favor of full-time studio work, joining Doc Severinsen’s Tonight Show Band where he remained for almost a quarter-century. For most of the 1970s he worked with the Toshiko Akiyoshi-Lew Tabackin Big Band and Bill Holman’s group, and occasionally returned to Woody Herman’s side for special projects. Shorty Rogers remained a close cohort until the trumpeter’s death; the two friends continued to work together in the Lighthouse All-Stars in the 1980s and 90s. Perkins moved from the baritone sax chair to cover the All-Stars tenor parts following Bob Cooper’s sudden death in 1993.

Always content to operate under the direction of others, Perkins did not record that frequently as a leader. The 1966 date “Quietly There”, with Victor Feldman on piano, organ and vibes, retains much of its charm in hindsight. His patented sax-synthesizer can be heard on 1984’s “Journey to the East”. In 1990 he recorded “I Wished on the Moon” with the Dutch Metropole Orchestra, a disc which was soundly applauded by his ardent fans, and followed up with his own band on “Our Man Woody” the following year. The forward-looking “Frame of Mind” (1993, Interplay) was one of the finest recordings of his career, and in ’95 he paid homage to a lifelong influence on “Perk Plays Prez” (Fresh Sound).

In the early 90s Perkins began his first battle with cancer, a disease which would plague him for the rest of his life. He fought lung, hip and throat ailments for over a decade, enduring nine operations on his throat alone. All the while he continued to perform as often as possible, doing workshops and club gigs around the world. He kept up his regular appearances at Kenton and Rogers tributes until he was simply too ill to continue.

Bill Perkins finally succumbed to the effects of cancer on August 9, 2003 at his home in Sherman Oaks, California. He is survived by his second wife, one son and one daughter.
https://jazzbarisax.com/baritone-saxophonists/bop-style/bill-perkins/

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Bill Perkins fue uno de los leones tranquilos del jazz de la costa oeste, de voz suave, humilde y gentil en la conversación, pero capaz de levantar el techo en el escenario. En el saxo tenor, como muchos de sus contemporáneos, canalizó el espíritu de Lester Young. En el saxo soprano su tono era más anguloso, duro, inclinado casi hacia la vanguardia. Era un genio de la electricidad que tenía patentes de dos instrumentos de viento sintetizados, y un amable mentor que no dudaría en tomarse un tiempo después de un concierto para hablar de trabajo con jugadores más jóvenes. "Perk" fue uno de los iconos más únicos y queridos del jazz de la Costa Oeste, sin embargo, uno que siempre usó la etiqueta de "icono" con malestar. William Reese Perkins nació en San Francisco el 22 de julio de 1924. Su primer instrumento fue el clarinete, que abandonó a los quince años en favor del saxo tenor. Su padre, un ingeniero de minas, murió cuando Bill aún era adolescente. Su madre continuó criándolo en Santa Bárbara, donde los intereses de Perkins estaban divididos entre la ingeniería y la música. Dividió la diferencia, estudiando ingeniería eléctrica en Cal Tech y música en Westlake College y en la Universidad de California en Santa Bárbara, todo gracias a la Ley G.I. Bill.

El primer concierto profesional regular de Perkins fue con la banda de Jerry Wald en Los Ángeles. En mayo de 1951 se unió a la banda Woody Herman, lo que le dio su primera gran exposición. De hecho, su iniciación en el Herman Herd fue como ser arrojado al fuego: El manager de Herman llamó en medio de una actuación en el Palladium y prácticamente le rogó a Perkins que bajara y reemplazara a un tenista que acababa de ser despedido. Su interés por el "Prez tone" le ayudó a encajar con los otros acólitos de Lester Young de Herman, y grabó varios discos impresionantes con el Third Herd, entre ellos "Ill Wind".

En 1953 Perkins y su compañero de tenis Richie Kamuca pasaron de la banda de Herman a la de Stan Kenton. Ambos hombres hicieron el ajuste del bop optimista a los sonidos más cerebrales de Kenton con facilidad. "Yesterdays" se convirtió en la sintonía de Perkins con la banda, exigiendo quizás más que cualquier otra pieza del catálogo. También comenzó a hacer conciertos secundarios con sus compatriotas de Kenton, incluyendo a los populares Giants de Shorty Rogers. Perkins también trabajó con el pianista John Lewis, Altoman Art Pepper, el vibrafonista Terry Gibbs' Dream Band y otros proyectos. Sus primeras sesiones como líder llegaron en 1956 ("The Bill Perkins Octet on Stage", en Pacific Jazz).

En la década de 1960 se produjeron dos cambios radicales en la carrera de Perkins. Primero, comenzó a trabajar regularmente como ingeniero de grabación cuando las actuaciones de jazz comenzaron a escasear. Más significativo en su carrera como músico fue su aceptación de los nuevos sonidos que están siendo explorados por Sonny Rollins y John Coltrane. Pocos de los asociados de Perkins en la Costa Oeste compartían su entusiasmo, pero él comenzó a asimilar nuevos elementos en su propio estilo, particularmente en el saxo soprano. Trabajó ocasionalmente en el cine, incluyendo un trabajo con la banda de Duke Ellington en la banda sonora de "Assault on a Queen" de Frank Sinatra, que ahora se pasa por alto.

En 1969 Perkins abandonó la carretera en favor de un trabajo de estudio a tiempo completo, uniéndose a la Tonight Show Band de Doc Severinsen, donde permaneció durante casi un cuarto de siglo. Durante la mayor parte de la década de 1970 trabajó con la Toshiko Akiyoshi-Lew Tabackin Big Band y el grupo de Bill Holman, y ocasionalmente regresó al lado de Woody Herman para proyectos especiales. Shorty Rogers se mantuvo como una cohorte cercana hasta la muerte del trompetista; los dos amigos continuaron trabajando juntos en el Lighthouse All-Stars en los años 80 y 90. Perkins se movió de la silla de saxo barítono para cubrir las partes de tenor de las All-Stars después de la muerte repentina de Bob Cooper en 1993.

Siempre contento de operar bajo la dirección de otros, Perkins no registraba tan frecuentemente como líder. La fecha de 1966 "Quietly There", con Victor Feldman al piano, el órgano y las vibraciones, conserva mucho de su encanto en retrospectiva. Su sintetizador de saxo patentado se puede escuchar en "Viaje al Este" de 1984. En 1990 grabó "I Wish on the Moon" con la orquesta holandesa Metropole Orchestra, un disco que fue aplaudido por sus ardientes fans, y al año siguiente siguió con su propia banda en "Our Man Woody". El "Frame of Mind" (1993, Interplay) fue una de las mejores grabaciones de su carrera, y en `95 rindió homenaje a una influencia de toda una vida en "Perk Plays Prez" (Fresh Sound).

A principios de los años 90, Perkins comenzó su primera batalla contra el cáncer, una enfermedad que lo afectaría por el resto de su vida. Luchó contra dolencias pulmonares, de cadera y de garganta durante más de una década, sufriendo nueve operaciones sólo en su garganta. Todo el tiempo continuó actuando tan a menudo como le fue posible, haciendo talleres y conciertos en clubes de todo el mundo. Mantuvo sus apariciones regulares en los homenajes a Kenton y Rogers hasta que simplemente se enfermó demasiado para continuar.

Bill Perkins finalmente sucumbió a los efectos del cáncer el 9 de agosto de 2003 en su casa en Sherman Oaks, California. Le sobreviven su segunda esposa, un hijo y una hija.
https://jazzbarisax.com/baritone-saxophonists/bop-style/bill-perkins/

Jim Hall • Blues On The Rocks

This record features Jim Hall’s complete trio recordings with bassist George Duvivier and drummer Chico Hamilton as heard on the album "Blues On The Rocks" recorded in Los Angeles on February 8, 1956.
The release also includes the complete album "Good Friday Blues" recorded in Los Angeles on April 1 & 2, 1960 with pianist Red Mitchell and bassist Red Kelly.
https://www.jazzmessengers.com/en/89215/jim-hall/blues-on-the-rocks

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Este disco recoge las grabaciones completas del trío de Jim Hall con el bajista George Duvivier y el batería Chico Hamilton, tal como se escuchan en el álbum "Blues On The Rocks" grabado en Los Ángeles el 8 de febrero de 1956.
El lanzamiento también incluye el álbum completo "Good Friday Blues" grabado en Los Ángeles el 1 y 2 de abril de 1960 con el pianista Red Mitchell y el bajista Red Kelly.
https://www.jazzmessengers.com/en/89215/jim-hall/blues-on-the-rocks

Red Mitchell Trio • One Long String

 

Tracks:
Review
by Jason Ankeny
One year after relocating to Stockholm, Sweden, Red Mitchell recruited pianist Bobo Stenson and drummer Rune Carlsson to record One Long String, a lyrical and vividly liberated effort that underscores just how dramatically the change of scenery impacted the bassist's musical approach. The album percolates with energy and daring, with an underlying soulfulness resulting from the rhythmic synergy uniting Mitchell and Carlsson, but it's nevertheless Stenson (Mitchell's co-writer on the original material) who commands the most attention, thanks to his precise yet far-ranging melodies. Indeed, few trio sessions are so robust or so intrepid. For all the mechanics at work throughout One Long String, the end result is a record that never loses focus or its sense of collaborative spirit.
https://www.allmusic.com/album/one-long-string-mw0000573995

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Reseña
por Jason Ankeny
Un año después de trasladarse a Estocolmo, Suecia, Red Mitchell reclutó al pianista Bobo Stenson y al batería Rune Carlsson para grabar One Long String, un trabajo lírico y vivamente liberado que subraya hasta qué punto el cambio de escenario afectó dramáticamente al enfoque musical del bajista. El álbum rebosa energía y atrevimiento, con un soul subyacente fruto de la sinergia rítmica que une a Mitchell y Carlsson, pero es Stenson (coautor de Mitchell en el material original) quien acapara la mayor atención, gracias a sus melodías precisas y de gran alcance. De hecho, pocas sesiones de trío son tan robustas o tan intrépidas. A pesar de todos los mecanismos que se dan cita a lo largo de One Long String, el resultado final es un disco que nunca pierde de vista su espíritu de colaboración.
https://www.allmusic.com/album/one-long-string-mw0000573995

Warne Marsh & Red Mitchell • Big Two

 

Review by Ken Dryden
Bassist Red Mitchell joined forces with tenor saxophonist Warne Marsh for a duo engagement at the Fasching Club in Stockholm, with music from two separate nights being recorded and subsequently issued on two separate CDs. This release combines all of the music in one set. The combination of these two instruments without additional accompaniment is not unheard of, and as Don Byas and Slam Stewart revealed during their meeting at Town Hall in 1945, there are viable possibilities for this pairing if the players are on the same wavelength. Mitchell was a virtuoso bassist who also knew his way around the piano very well, so he was skilled at conversing on his instrument with his partners, rather than just playing traditional lines. The saxophonist -- along with Lee Konitz -- was one of Lennie Tristano's best-known students, so he was adept at creating intricate reworkings of familiar chord changes. That said, most of the material consists of standards and jazz compositions by others, with only one original by either musician (Mitchell's introspective "Undertow," a dazzling reworking of "Softly, as in a Morning Sunrise." They find surprising new ground with the popular "Lady Be Good" and come up with an inventive route through "You Stepped Out of a Dream," while some of the lesser-known tunes (Jimmy McHugh's "South American Way" and guitarist Billy Bauer's "Background Music") also are of great interest. Even though this is a live recording, the audience is extremely respectful, focusing exclusively on the intimate performances.
https://www.allmusic.com/album/big-two-mw0001934688

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Reseña de Ken Dryden
El bajista Red Mitchell unió fuerzas con el saxofonista tenor Warne Marsh para un dúo en el Fasching Club de Estocolmo. La música de dos noches distintas se grabó y posteriormente se publicó en dos CDs separados. Esta edición reúne toda la música en un solo disco. La combinación de estos dos instrumentos sin acompañamiento adicional no es inaudita, y como Don Byas y Slam Stewart revelaron durante su encuentro en el Town Hall en 1945, hay posibilidades viables para este emparejamiento si los músicos están en la misma longitud de onda. Mitchell era un bajista virtuoso que también se manejaba muy bien con el piano, por lo que era hábil conversando en su instrumento con sus compañeros, en lugar de limitarse a tocar las líneas tradicionales. El saxofonista -junto con Lee Konitz- fue uno de los alumnos más conocidos de Lennie Tristano, por lo que era experto en crear intrincadas reelaboraciones de cambios de acordes conocidos. Dicho esto, la mayor parte del material consiste en estándares y composiciones de jazz de otros, con sólo un original de cualquiera de los dos músicos (la introspectiva «Undertow» de Mitchell, una deslumbrante reelaboración de «Softly, as in a Morning Sunrise». Encuentran un sorprendente nuevo terreno con la popular «Lady Be Good» e idean una ruta inventiva a través de «You Stepped Out of a Dream», mientras que algunas de las melodías menos conocidas («South American Way» de Jimmy McHugh y «Background Music» del guitarrista Billy Bauer) también son de gran interés. Aunque se trata de una grabación en directo, el público es extremadamente respetuoso, centrándose exclusivamente en las interpretaciones íntimas.
https://www.allmusic.com/album/big-two-mw0001934688


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Red Mitchell • Chocolate Cadillac

 

Review
by Ken Dryden
During his years living in Sweden the late bassist Red Mitchell made many recordings and this live quintet date at the Montmatre is one of his best. Leading a group that included fellow American expatriates Horace Parlan on piano and Idrees Sulieman on trumpet, they open the CD with "Idrees," a potent bop number penned by the leader, which features strong solos by both Sulieman and tenor saxophonist Nisse Sandstrom. The trumpeter contributed the sauntering "U.A.I. (You Are Invited)" and the title track, which is highlighted by Mitchell's booming bass solo. This impressive swinging date is highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/chocolate-cadillac-mw0000647316

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Reseña
por Ken Dryden
Durante los años que vivió en Suecia, el fallecido bajista Red Mitchell realizó muchas grabaciones y esta cita en directo con un quinteto en el Montmatre es una de las mejores. Al frente de un grupo que incluía a sus compatriotas Horace Parlan al piano e Idrees Sulieman a la trompeta, abren el CD con "Idrees", un potente tema de bop escrito por el líder, que cuenta con potentes solos tanto de Sulieman como del saxofonista tenor Nisse Sandstrom. El trompetista contribuyó con "U.A.I. (You Are Invited)" y la canción que da título al disco, en la que destaca el potente solo de bajo de Mitchell. Esta impresionante cita con el swing es muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/chocolate-cadillac-mw0000647316